Uno dei più grandi movimenti artistici degli ultimi decenni del XIX secolo e dell'inizio del XX è l'impressionismo, che si diffuse in tutto il mondo dalla Francia. I suoi rappresentanti erano impegnati nello sviluppo di metodi e tecniche di pittura che avrebbero permesso di riflettere in modo più vivido e naturale il mondo reale in dinamica, per trasmetterne impressioni fugaci.
Molti artisti hanno creato le loro tele nello stile dell'impressionismo, ma i fondatori del movimento furono Claude Monet, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frederic Basil, Camille Pissarro. È impossibile nominare le loro opere migliori, perché sono tutte bellissime, ma ci sono le più famose e ne parleremo più avanti.
Claude Monet: “Impressione. Alba"
La tela con cui dovresti iniziare una conversazione sui migliori dipinti degli impressionisti. Claude Monet lo dipinse nel 1872 dal vero nel vecchio porto di Le Havre, in Francia. Due anni dopo, il dipinto fu mostrato per la prima volta al pubblico nell'ex studio dell'artista e caricaturista francese Nadar. Questa mostra è diventata fatidica per il mondo dell'arte. Impressionato (non nel senso migliore) dall’opera di Monet, il cui titolo nella lingua originale suona come “Impression, soleil levant”, il giornalista Louis Leroy coniò per primo il termine “impressionismo”, denotando una nuova direzione nella pittura.
Il dipinto fu rubato nel 1985 insieme ad opere di O. Renoir e B. Morisot. È stato scoperto cinque anni dopo. Attualmente “Impressione. Il Sol Levante" appartiene al Museo Marmottan-Monet di Parigi.
Edouard Monet: "Olimpia"
Il dipinto "Olympia", realizzato dall'impressionista francese Edouard Manet nel 1863, è uno dei capolavori della pittura moderna. Fu presentato per la prima volta al Salon di Parigi nel 1865. Gli artisti impressionisti e i loro dipinti si trovarono spesso al centro di scandali di alto profilo. Tuttavia, Olympia ha causato il più grande di loro nella storia dell'arte.
Sulla tela vediamo una donna nuda, il viso e il corpo rivolti verso il pubblico. Il secondo personaggio è una cameriera dalla pelle scura che tiene in mano un lussuoso bouquet avvolto in carta. Ai piedi del letto c'è un gattino nero in una caratteristica posa con la schiena arcuata. Non si sa molto della storia del dipinto; ci sono pervenuti solo due schizzi. Il modello era molto probabilmente il modello preferito di Manet, Quiz Meunard. Si ritiene che l'artista abbia utilizzato l'immagine di Marguerite Bellanger, l'amante di Napoleone.
Durante il periodo creativo in cui fu creata Olympia, Manet era affascinato dall'arte giapponese e quindi si rifiutò deliberatamente di elaborare le sfumature dell'oscurità e della luce. Per questo motivo i suoi contemporanei non vedevano il volume della figura raffigurata e la consideravano piatta e ruvida. L'artista è stato accusato di immoralità e volgarità. Mai prima d'ora i dipinti impressionisti avevano suscitato tanta eccitazione e derisione da parte della folla. L'amministrazione è stata costretta a mettere delle guardie intorno a lei. Degas paragonò la fama di Manet acquisita grazie a Olimpia e il coraggio con cui accettò le critiche alla biografia di Garibaldi.
Per quasi un quarto di secolo dopo la mostra, la tela fu tenuta fuori dalla portata di sguardi indiscreti nello studio dell’artista. Poi fu nuovamente esposto a Parigi nel 1889. Fu quasi acquistato, ma gli amici dell’artista raccolsero la somma richiesta e acquistarono “Olympia” dalla vedova di Manet, per poi donarla allo Stato. Ora il dipinto appartiene al Museo d'Orsay a Parigi.
Auguste Renoir: "Grandi bagnanti"
Il dipinto fu dipinto da un artista francese nel 1884-1887. Tenendo conto di tutti i dipinti impressionisti attualmente conosciuti tra il 1863 e l'inizio del XX secolo, "Grandi bagnanti" è definita la tela più grande con figure femminili nude. Renoir ci ha lavorato per più di tre anni e durante questo periodo sono stati realizzati numerosi schizzi e schizzi. Non c'era nessun altro dipinto nel suo lavoro a cui dedicasse così tanto tempo.
In primo piano, lo spettatore vede tre donne nude, due delle quali sono sulla riva e la terza è in piedi nell'acqua. Le figure sono dipinte in modo molto realistico e chiaro, che è una caratteristica dello stile dell’artista. I modelli di Renoir erano Alina Charigo (la sua futura moglie) e Suzanne Valadon, che in futuro divenne lei stessa un'artista famosa.
Edgar Degas: "Ballerine blu"
Non tutti i famosi dipinti impressionisti elencati nell'articolo sono stati dipinti ad olio su tela. La foto sopra permette di capire cosa rappresenta il dipinto “Blue Dancers”. È stato realizzato a pastello su un foglio di carta di 65x65 cm e appartiene al periodo tardo dell'attività dell'artista (1897). L'ha dipinto con una vista già compromessa, quindi è di fondamentale importanza l'organizzazione decorativa: l'immagine è percepita come grandi macchie di colore, soprattutto se vista da vicino. Il tema dei ballerini era vicino a Degas. È stato ripetuto molte volte nel suo lavoro. Molti critici ritengono che, grazie all’armonia del colore e della composizione, “Blue Dancers” possa essere considerato il miglior lavoro dell’artista su questo argomento. Attualmente il dipinto è conservato nel Museo d'Arte. A. S. Pushkin a Mosca.
Frédéric Bazille: "Vestito rosa"
Uno dei fondatori dell'impressionismo francese, Frédéric Bazille, nacque in una famiglia borghese di un ricco viticoltore. Mentre studiava ancora al Liceo, iniziò ad interessarsi alla pittura. Trasferitosi a Parigi, conosce C. Monet e O. Renoir. Purtroppo il destino ha destinato l'artista ad avere un percorso di vita breve. Morì all'età di 28 anni al fronte durante la guerra franco-prussiana. Tuttavia, i suoi dipinti, anche se in numero limitato, sono giustamente inclusi nell’elenco dei “migliori dipinti impressionisti”. Uno di questi è “Pink Dress”, dipinto nel 1864. Secondo tutti gli indizi, la tela può essere attribuita al primo impressionismo: contrasti di colore, attenzione al colore, luce solare e un momento congelato, proprio ciò che veniva chiamato “impressione”. Una delle cugine dell’artista, Teresa de Hors, fece da modella. Il dipinto appartiene attualmente al Museo d'Orsay a Parigi.
Camille Pissarro: “Boulevard Montmartre. Pomeriggio soleggiato"
Camille Pissarro divenne famoso per i suoi paesaggi, la cui caratteristica è la rappresentazione della luce e degli oggetti illuminati. Le sue opere hanno avuto un'influenza significativa sul genere dell'impressionismo. L'artista ha sviluppato in modo indipendente molti dei suoi principi inerenti, che hanno costituito la base per la sua futura creatività.
A Pissarro piaceva dipingere lo stesso luogo in momenti diversi della giornata. Ha tutta una serie di tele con viali e strade parigine. Il più famoso di questi è “Boulevard Montmartre” (1897). Riflette tutto il fascino che l'artista vede nella vita ribollente e inquieta di questo angolo di Parigi. Osservando il viale dallo stesso luogo, lo mostra allo spettatore in una giornata soleggiata e nuvolosa, al mattino, pomeriggio e tarda sera. La foto sotto mostra il dipinto “Montmartre Boulevard at Night”.
Questo stile è stato successivamente adottato da molti artisti. Menzioneremo solo quali dipinti impressionisti furono scritti sotto l'influenza di Pissarro. Questa tendenza è chiaramente visibile nel lavoro di Monet (la serie di dipinti “Haystacks”).
Alfred Sisley: "Prati in primavera"
“Prati in primavera” è uno degli ultimi dipinti del paesaggista Alfred Sisley, dipinto nel 1880-1881. In esso, lo spettatore vede un sentiero nel bosco lungo le rive della Senna con un villaggio sulla sponda opposta. In primo piano c'è una ragazza: la figlia dell'artista Jeanne Sisley.
I paesaggi dell’artista trasmettono l’atmosfera autentica della regione storica dell’Ile-de-France e conservano la speciale morbidezza e trasparenza dei fenomeni naturali caratteristici delle stagioni specifiche. L'artista non è mai stato un sostenitore di effetti insoliti e ha aderito a una composizione semplice e a una tavolozza di colori limitata. Il dipinto è ora conservato alla National Gallery di Londra.
Abbiamo elencato i dipinti impressionisti più famosi (con nomi e descrizioni). Questi sono capolavori della pittura mondiale. Lo stile pittorico unico, originario della Francia, fu inizialmente percepito con scherno e ironia; i critici sottolinearono la totale disattenzione degli artisti nel dipingere le loro tele. Ormai quasi nessuno osa sfidare il proprio genio. I dipinti impressionisti sono esposti nei musei più prestigiosi del mondo e rappresentano una mostra ambita per qualsiasi collezione privata.
Lo stile non è caduto nell'oblio e ha molti seguaci. Il nostro connazionale Andrei Koch, il pittore francese Laurent Parselier, le americane Diana Leonard e Karen Tarleton sono famosi impressionisti moderni. I loro dipinti sono realizzati secondo le migliori tradizioni del genere, pieni di colori vivaci, tratti audaci e vita. Nella foto sopra c'è l'opera di Laurent Parselier “In the Rays of the Sun”.
“Il nuovo mondo è nato quando gli impressionisti lo hanno dipinto”
Henri Kahnweiler
XIX secolo. Francia. È successo qualcosa di senza precedenti nella pittura. Un gruppo di giovani artisti ha deciso di scuotere tradizioni vecchie di 500 anni. Invece di un disegno chiaro, hanno usato un tratto ampio e “sciatto”.
E hanno completamente abbandonato le solite immagini, raffiguranti tutti in fila. E signore di facile virtù e gentiluomini di dubbia reputazione.
Il pubblico non era pronto per la pittura impressionista. Sono stati ridicolizzati e rimproverati. E, cosa più importante, non hanno comprato nulla da loro.
Ma la resistenza è stata spezzata. E alcuni impressionisti vissero abbastanza da vedere il loro trionfo. È vero, avevano già più di 40 anni. Come Claude Monet o Auguste Renoir. Altri hanno aspettato il riconoscimento solo alla fine della loro vita, come Camille Pissarro. Alcuni non sono vissuti abbastanza per vederlo, come Alfred Sisley.
Quale risultato rivoluzionario ha compiuto ciascuno di loro? Perché il pubblico ha impiegato così tanto tempo ad accettarli? Ecco i 7 impressionisti francesi più famosi conosciuti in tutto il mondo.
1. Édouard Manet (1832-1883)
Edouard Manet. Autoritratto con tavolozza. 1878 Collezione privataManet era più vecchio della maggior parte degli impressionisti. Era la loro principale ispirazione.
Lo stesso Manet non pretendeva di essere il leader dei rivoluzionari. Era un uomo laico. Sognavo premi ufficiali.
Ma ha aspettato molto tempo per il riconoscimento. Il pubblico voleva vedere dee greche o, nel peggiore dei casi, nature morte, per farle apparire bellissime nella sala da pranzo. Manet voleva dipingere la vita moderna. Ad esempio, le cortigiane.
Il risultato è stato “Colazione sull’erba”. Due dandy si rilassano in compagnia di dame di facili costumi. Uno di loro, come se nulla fosse, si siede accanto agli uomini vestiti.
Edouard Manet. Colazione sull'erba. 1863, Parigi Confronta il suo Pranzo sull'erba con Romani in declino di Thomas Couture. La pittura di Couture ha creato scalpore. L'artista divenne subito famoso.
"Colazione sull'erba" è stata accusata di volgarità. Alle donne incinte era assolutamente sconsigliato guardarla.
Tommaso Alta Moda. Romani nel loro declino. 1847 Museo d'Orsay, Parigi. artchive.ru Nella pittura di Couture vediamo tutti gli attributi dell'accademismo (pittura tradizionale dei secoli XVI-XIX). Colonne e statue. Popolo di aspetto apollineo. Colori tenui tradizionali. Modi di posa e di gesti. Una trama della vita lontana di un popolo completamente diverso.
“Colazione sull’erba” di Manet ha un formato diverso. Prima di lui nessuno aveva raffigurato le cortigiane con tanta facilità. Vicino ai cittadini rispettabili. Sebbene molti uomini di quel tempo trascorressero il loro tempo libero in questo modo. Questa era la vita reale di persone reali.
Una volta ho ritratto una signora rispettabile. Brutto. Non poteva lusingarla con un pennello. La signora rimase delusa. Lo lasciò in lacrime.
Edouard Manet. Angelina. 1860 Museo d'Orsay, Parigi. Wikimedia.commons.org Quindi ha continuato a sperimentare. Ad esempio, con il colore. Non ha cercato di rappresentare il cosiddetto colore naturale. Se vedeva l'acqua grigio-marrone come un blu brillante, la raffigurava come un blu brillante.
Questo, ovviamente, ha irritato il pubblico. “Persino il Mar Mediterraneo non può vantarsi di essere blu come l’acqua di Manet”, hanno scherzato.
Edouard Manet. Argenteuil. 1874 Museo delle Belle Arti, Tournai, Belgio. Wikipedia.org Ma il fatto resta un dato di fatto. Manet cambiò radicalmente lo scopo della pittura. Il dipinto è diventato l'incarnazione dell'individualità dell'artista, che dipinge come preferisce. Dimenticando schemi e tradizioni.
Le innovazioni non furono perdonate per molto tempo. Ha ricevuto il riconoscimento solo alla fine della sua vita. Ma non ne aveva più bisogno. Stava morendo dolorosamente a causa di una malattia incurabile.
2. Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet. Autoritratto con berretto. 1886 Collezione privata Claude Monet può essere definito un impressionista da manuale. Poiché è stato fedele a questa direzione per tutta la sua lunga vita.
Non dipinse oggetti e persone, ma una costruzione monocromatica di luci e macchie. Tratti separati. Tremori d'aria.
Claude Monet. Piscina per bambini. 1869 Museo Metropolitano d'Arte, New York. metmuseum.org Monet non dipingeva solo la natura. Ha avuto successo anche nei paesaggi cittadini. Uno dei più famosi - .
C'è molta fotografia in questa immagine. Ad esempio, il movimento viene trasmesso attraverso un'immagine sfocata.
Nota: gli alberi e le figure distanti sembrano essere confusi.
Claude Monet. Boulevard des Capucines a Parigi. 1873 (Galleria d'arte europea e americana dei secoli XIX-XX), Mosca Davanti a noi c'è un momento congelato nella vivace vita di Parigi. Nessuna messa in scena. Nessuno è in posa. Le persone sono raffigurate come una raccolta di pennellate. Tale mancanza di trama e l’effetto “fermo immagine” sono le caratteristiche principali dell’impressionismo.
Verso la metà degli anni '80, gli artisti rimasero delusi dall'impressionismo. L'estetica è, ovviamente, buona. Ma la mancanza di trama deprimeva molti.
Solo Monet continuò a persistere, esagerando l'impressionismo. Questo si è sviluppato in una serie di dipinti.
Ha raffigurato lo stesso paesaggio decine di volte. In diversi momenti della giornata. In diversi periodi dell'anno. Per mostrare come la temperatura e la luce possano cambiare la stessa specie rendendola irriconoscibile.
È così che sono apparsi innumerevoli pagliai.
Dipinti di Claude Monet al Museum of Fine Arts di Boston. A sinistra: Mucchi di fieno al tramonto a Giverny, 1891. A destra: Mucchi di fieno (effetto neve), 1891.
Tieni presente che le ombre in questi dipinti sono colorate. E non grigio o nero, come era consuetudine prima degli impressionisti. Questa è un'altra delle loro invenzioni.
Monet è riuscito a godere del successo e del benessere materiale. Dopo i 40 anni si era già dimenticato della povertà. Ho una casa e un bellissimo giardino. E ha lavorato per molti anni per il proprio piacere.
Leggi il dipinto più iconico del maestro nell'articolo
3. Auguste Renoir (1841-1919)
Pierre-Auguste Renoir. Auto ritratto. 1875 Sterling e Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest.ru L'impressionismo è il dipinto più positivo. E il più positivo tra gli impressionisti fu Renoir.
Non troverai drammaticità nei suoi dipinti. Non ha nemmeno usato la vernice nera. Solo la gioia di esistere. Anche le cose più banali in Renoir sembrano belle.
A differenza di Monet, Renoir dipingeva le persone più spesso. I paesaggi erano meno importanti per lui. Nei dipinti i suoi amici e conoscenti si rilassano e si godono la vita.
Pierre-Auguste Renoir. La colazione dei rematori. 1880-1881 Collezione Phillips, Washington, Stati Uniti. Wikimedia.commons.org Non troverai alcuna profondità in Renoir. Era molto felice di unirsi agli impressionisti, che abbandonarono completamente i soggetti.
Come lui stesso ha affermato, ha finalmente l’opportunità di dipingere fiori e chiamarli semplicemente “Fiori”. E non inventare storie su di loro.
Pierre-Auguste Renoir. Donna con un ombrellone in giardino. 1875 Museo Thyssen-Bormenis, Madrid. arteuam.com Renoir si sentiva meglio in compagnia delle donne. Chiese alle sue ancelle di cantare e scherzare. Più la canzone era stupida e ingenua, meglio era per lui. E le chiacchiere degli uomini lo stancavano. Non sorprende che Renoir sia famoso per i suoi dipinti di nudo.
La modella nel dipinto “Nude in Sunlight” sembra apparire su uno sfondo astratto colorato. Perché per Renoir nulla è secondario. L'occhio della modella o una sezione dello sfondo sono equivalenti.
Pierre-Auguste Renoir. Nudo alla luce del sole. 1876 Museo d'Orsay, Parigi. wikimedia.commons.org Renoir ha vissuto una lunga vita. E non metto mai giù pennello e tavolozza. Anche quando le sue mani erano completamente ammanettate dai reumatismi, legò la spazzola alla mano con una corda. E ha disegnato.
Come Monet, aspettava il riconoscimento dopo 40 anni. E ho visto i miei dipinti al Louvre, accanto alle opere di maestri famosi.
Leggi l'articolo su uno dei ritratti più affascinanti di Renoir
4. Edgar Degas (1834-1917)
Edgar Degas. Auto ritratto. 1863 Museo Calouste Gulbenkian, Lisbona, Portogallo. cultured.com Degas non era un impressionista classico. Non gli piaceva lavorare all'aria aperta (all'aperto). Con lui non troverai una tavolozza volutamente alleggerita.
Al contrario, amava una linea chiara. Ha un sacco di nero. E ha lavorato esclusivamente in studio.
Ma nonostante ciò è sempre messo in fila con altri grandi impressionisti. Perché era un impressionista del gesto.
Angoli inaspettati. Asimmetria nella disposizione degli oggetti. Personaggi colti di sorpresa. Questi sono gli attributi principali dei suoi dipinti.
Ha fermato momenti di vita, non permettendo ai personaggi di tornare in sé. Basta guardare la sua “Orchestra dell'Opera”.
Edgar Degas. Orchestra dell'Opera. 1870 Museo d'Orsay, Parigi. commons.wikimedia.org In primo piano c'è lo schienale di una sedia. Il musicista dà le spalle a noi. E sullo sfondo le ballerine sul palco non rientravano nella “cornice”. Le loro teste vengono "tagliate" senza pietà dal bordo dell'immagine.
Quindi i suoi ballerini preferiti non sono sempre raffigurati in belle pose. A volte fanno solo stretching.
Ma tale improvvisazione è immaginaria. Naturalmente, Degas ha riflettuto attentamente sulla composizione. Questo è solo un effetto fermo immagine, non un vero fermo immagine.
Edgar Degas. Due ballerini. 1879 Museo Shelburne, Vermouth, Stati Uniti Edgar Degas amava dipingere le donne. Ma malattie o caratteristiche del corpo non gli permettevano di avere un contatto fisico con loro. Non è mai stato sposato. Nessuno lo ha mai visto con una donna.
L'assenza di soggetti reali nella sua vita personale aggiungeva alle sue immagini un erotismo sottile e intenso.
Edgar Degas. Stella del balletto. 1876-1878 Museo d'Orsay, Parigi. wikimedia.comons.org Si prega di notare che nel dipinto “Ballet Star” è raffigurata solo la ballerina stessa. I suoi colleghi dietro le quinte sono appena visibili. Solo poche gambe.
Ciò non significa che Degas non abbia completato il dipinto. Questo è il ricevimento. Mantieni a fuoco solo le cose più importanti. Fai sparire il resto, illeggibile.
Leggi altri dipinti del maestro nell'articolo
5. Berthe Morisot (1841-1895)
Edouard Manet. Ritratto di Berthe Morisot. 1873 Museo Marmottan-Monet, Parigi. Berthe Morisot è raramente collocata al primo posto tra i grandi impressionisti. Sono sicuro che sia immeritato. È nel suo lavoro che troverai tutte le principali caratteristiche e tecniche dell'impressionismo. E se ti piace questo stile, adorerai il suo lavoro con tutto il cuore.
Morisot ha lavorato velocemente e con impeto, trasferendo le sue impressioni sulla tela. Le figure sembrano sul punto di dissolversi nello spazio.
Berthe Morisot. Estate. 1880 Museo Fabray, Montpellier, Francia. Come Degas, spesso lasciava alcuni dettagli incompiuti. E anche parti del corpo della modella. Non è possibile distinguere le mani della ragazza nel dipinto “Estate”.
Il percorso di Morisot verso l'espressione di sé è stato difficile. Non solo si è impegnata nella pittura “trascurata”. Era ancora una donna. A quei tempi, una donna avrebbe dovuto sognare il matrimonio. Dopo di che ogni hobby è stato dimenticato.
Pertanto, Bertha ha rifiutato il matrimonio per molto tempo. Finché non trovò un uomo che rispettasse la sua occupazione. Eugene Manet era il fratello dell'artista Edouard Manet. Portava diligentemente un cavalletto e dipingeva dietro sua moglie.
Berthe Morisot. Eugenio Manet con sua figlia a Bougival. 1881 Museo Marmottan-Monet, Parigi. Ma questo accadeva ancora nel 19° secolo. No, non ho indossato i pantaloni Morisot. Ma non poteva permettersi la completa libertà di movimento.
Non poteva andare al parco a lavorare da sola, senza essere accompagnata da qualcuno a lei vicino. Non potevo sedermi da solo in un bar. Pertanto, i suoi dipinti rappresentano persone della cerchia familiare. Marito, figlia, parenti, tate.
Berthe Morisot. Una donna con un bambino in un giardino a Bougival. 1881 Museo Nazionale del Galles, Cardiff. Morisot non ha aspettato il riconoscimento. Morì di polmonite all'età di 54 anni, senza vendere quasi nessuna delle sue opere durante la sua vita. Sul suo certificato di morte c'era un trattino nella colonna "occupazione". Era impensabile che una donna potesse essere definita artista. Anche se lo era davvero.
Leggi i dipinti del maestro nell'articolo
6. Camille Pissarro (1830 – 1903)
Camille Pissarro. Auto ritratto. 1873 Museo d'Orsay, Parigi. Wikipedia.org Camille Pissarro. Non conflittuale, ragionevole. Molti lo percepivano come un insegnante. Anche i colleghi più capricciosi non parlavano male di Pissarro.
Era un fedele seguace dell'impressionismo. In grande bisogno, con moglie e cinque figli, lavorava ancora duramente nel suo stile preferito. E non è mai passato alla pittura da salone per diventare più popolare. Non si sa dove abbia preso la forza di credere pienamente in se stesso.
Per non morire affatto di fame, Pissarro dipinse dei ventagli, che furono acquistati con entusiasmo. Ma il vero riconoscimento gli è arrivato dopo 60 anni! Poi finalmente riuscì a dimenticare il suo bisogno.
Camille Pissarro. Diligenza a Louveciennes. 1869 Museo d'Orsay, Parigi L'aria nei dipinti di Pissarro è densa e densa. Una straordinaria fusione di colore e volume.
L'artista non ha avuto paura di dipingere i fenomeni naturali più mutevoli, che appaiono per un attimo e scompaiono. Prima neve, sole gelido, ombre lunghe.
Camille Pissarro. Gelo. 1873 Museo d'Orsay, Parigi Le sue opere più famose sono vedute di Parigi. Con ampi viali e una vivace folla eterogenea. Di notte, di giorno, con tempo diverso. In un certo senso riecheggiano una serie di dipinti di Claude Monet.
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In questo articolo vedrai San Pietroburgo paesaggio urbano presentato nella galleria d'arte Art-Breeze. Qui sono raccolte opere di vari autori, realizzate in vari stili e tecniche. Tutte queste opere hanno una cosa in comune: raffigurano il Santo, come lo vedeva l'artista.
Paesaggio urbano, come genere di pittura, si formò piuttosto tardi, nel XVIII secolo. Fu allora che le città iniziarono ad acquisire il loro carattere moderno e il numero dei residenti urbani cominciò ad aumentare rapidamente. Prima di allora, solo pochi artisti medievali rappresentavano le città sulle loro tele. Queste immagini erano molto primitive, mancavano di precisione topografica e servivano a indicare il luogo degli eventi a cui era dedicata la trama. Antenati paesaggio urbano nella pittura possiamo citare gli artisti olandesi del XVII secolo Wermeer di Delft, J. Goyen e J. Ruisdael. È nelle loro opere che si ritrova il paesaggio cittadino così come siamo abituati a vederlo nei dipinti moderni.
Gli artisti contemporanei che espongono i propri paesaggi urbani alla galleria d'arte Ar-Breeze di San Pietroburgo ritraggono San Pietroburgo principalmente come una nebbiosa città balneare con una vita vivace e una magnifica architettura. La maggior parte dei dipinti sono stati creati nello stile dell'impressionismo e dei classici. La ricchezza di colori e la capacità di riempire la tela di luce, fornita dalla tecnica pittorica impressionista, ti consente di riflettere pienamente lo spirito di questa città sulla Neva!
18-19 secoli segnò il periodo di massimo splendore dell'arte europea. In Francia, l'imperatore Napoleone III ordinò la ricostruzione di Parigi in seguito alle ostilità durante la guerra franco-prussiana. Parigi divenne rapidamente la stessa "città splendente" che era stata sotto il Secondo Impero e si autoproclamò nuovamente il centro dell'arte europea. Pertanto, molti artisti impressionisti si sono rivolti al tema della città moderna nelle loro opere. Nelle loro opere, la città moderna non è un mostro, ma una patria dove vivono le persone. Molte delle opere sono intrise di un forte senso di patriottismo.
Ciò può essere visto soprattutto nei dipinti di Claude Monet. Ha creato più di 30 dipinti con vedute della cattedrale di Rouen in un'ampia varietà di condizioni di illuminazione e atmosferiche. Ad esempio, nel 1894 Monet dipinse due dipinti: "Cattedrale di Rouen a mezzogiorno" e "Cattedrale di Rouen di sera". Entrambi i dipinti raffigurano lo stesso frammento della cattedrale, ma in toni diversi: nei caldi toni giallo-rosa del mezzogiorno e nelle fredde sfumature bluastre della luce crepuscolare morente. Nei dipinti, la macchia colorata dissolve completamente la linea, l'artista non trasmette il peso materiale della pietra, ma, per così dire, una leggera tenda colorata.
Gli impressionisti cercavano di realizzare un dipinto come una finestra aperta attraverso la quale è visibile il mondo reale. Spesso sceglievano la vista dalla finestra sulla strada. Il famoso “Boulevard des Capucines” di C. Monet, dipinto nel 1873 ed esposto alla prima mostra impressionista del 1874, è un ottimo esempio di questa tecnica. C'è molta innovazione qui: come motivo del paesaggio è stata scelta la vista di una grande strada cittadina, ma l'artista è interessato al suo aspetto nel suo insieme e non alle sue attrazioni. L'intera massa di persone è raffigurata con tratti scorrevoli, in modo generalizzato, in cui è difficile distinguere le singole figure.
Monet trasmette in quest'opera un'impressione istantanea, puramente visiva, dell'aria vibrante appena percettibile, delle strade, delle persone e delle carrozze in partenza che si addentrano sempre più nelle profondità. Distrugge l'idea di una tela piatta, creando l'illusione dello spazio e riempiendola di luce, aria e movimento. L'occhio umano corre verso l'infinito e non c'è punto limite in cui possa fermarsi.
Il punto di vista dall'alto consente all'artista di abbandonare il primo piano e di trasmettere la brillante luce del sole in contrasto con le ombre bluastre-viola delle case adagiate sul marciapiede. Monet conferisce al lato soleggiato l'arancione, il caldo dorato, il lato ombroso al viola, ma un'unica foschia leggera conferisce armonia tonale all'intero paesaggio, e i contorni delle case e degli alberi emergono nell'aria, permeati dai raggi del sole.
Nel 1872, a Le Havre, Monet dipinge “Impressione. Sunrise" - una veduta del porto di Le Havre, successivamente presentata alla prima mostra degli impressionisti. Qui l'artista, a quanto pare, si è finalmente liberato dall'idea generalmente accettata dell'oggetto immagine come un certo volume e si è dedicato interamente a trasmettere lo stato momentaneo dell'atmosfera nei toni del blu e del rosa-arancio. Tutto, infatti, sembra diventare immateriale: il molo di Le Havre e le navi si fondono con le striature del cielo e il riflesso nell'acqua, e le sagome dei pescatori e delle barche in primo piano sono solo macchie scure realizzate con pochi intensi tratti . Il rifiuto delle tecniche accademiche, la pittura all'aria aperta e la scelta di soggetti insoliti furono accolti con ostilità dalla critica dell'epoca. Louis Leroy, autore di un furioso articolo apparso sulla rivista "Charivari", per la prima volta, in relazione a questo particolare dipinto, usò il termine "impressionismo" come definizione di un nuovo movimento pittorico.
Un’altra opera eccezionale dedicata alla città è stato il dipinto di Claude Monet “Gare Saint-Lazare”. Monet dipinse più di dieci dipinti ispirati alla stazione ferroviaria di Saint-Lazare, sette dei quali furono esposti alla terza mostra impressionista del 1877.
Monet affittò un minuscolo appartamento in Monsey Street, vicino alla stazione. All'artista è stata data completa libertà d'azione. Il movimento dei treni si fermò per un po 'e poté vedere chiaramente i binari, le fornaci delle locomotive fumanti, che erano piene di carbone, in modo che il vapore uscisse dai camini. Monet si “stabilì” fermamente alla stazione, i passeggeri lo guardarono con rispetto e stupore.
Poiché l'aspetto della stazione cambiava costantemente, Monet realizzò solo schizzi sul posto e sulla base di essi dipinse i dipinti stessi nello studio. Sulla tela vediamo una grande stazione ferroviaria, coperta da una tettoia montata su pali di ferro. Ci sono binari a sinistra e a destra: un binario è destinato ai treni pendolari, l'altro ai treni a lunga percorrenza. L'atmosfera speciale è trasmessa attraverso il contrasto tra la scarsa illuminazione all'interno della stazione e l'illuminazione stradale brillante e abbagliante. Pennacchi di fumo e vapore sparsi su tutta la tela bilanciano le strisce contrastanti di illuminazione. Il fumo filtra ovunque, nuvole luminose turbinano contro le deboli sagome degli edifici. Densi vapori sembrano dare forma alle massicce torri, ricoprendole di un velo leggero, come la più sottile ragnatela. L'immagine è dipinta in delicati toni tenui con sottili transizioni di tonalità. I tratti rapidi e precisi a forma di virgole, caratteristici dell'epoca, vengono percepiti come un mosaico; lo spettatore ha l'impressione che il vapore si stia dissipando o condensando.
Un altro rappresentante degli impressionisti, C. Pissarro, come tutti gli impressionisti, amava dipingere la città, che lo affascinava con il suo movimento infinito, il flusso delle correnti d'aria e i giochi di luce. Lo percepiva come un organismo vivo e irrequieto, capace di cambiare a seconda del periodo dell'anno e del grado di illuminazione.
Nell'inverno e nella primavera del 1897, Pissarro lavorò a una serie di dipinti chiamati “Boulevards of Paris”. Queste opere diedero fama all'artista e attirarono l'attenzione dei critici che associarono il suo nome al movimento divisionista. L'artista ha realizzato gli schizzi per la serie dalla finestra di una camera d'albergo a Parigi e ha completato i dipinti nel suo studio di Eragny alla fine di aprile. Questa serie è l’unica nell’opera di Pissarro in cui l’artista ha cercato di catturare con la massima precisione varie condizioni meteorologiche e solari. Ad esempio, l'artista ha dipinto 30 dipinti raffiguranti Montmartre Boulevard, osservandolo dalla stessa finestra.
Nei dipinti “Boulevard Montmartre a Parigi”, il maestro C. Pissarro ha trasmesso magistralmente la ricchezza degli effetti atmosferici, la complessità colorata e la sottigliezza di una giornata nuvolosa. La dinamica della vita cittadina, incarnata in modo così convincente dal pennello veloce del pittore, crea un’immagine di una città moderna – non cerimoniale, non ufficiale, ma eccitata e viva. Il paesaggio urbano divenne il genere principale nell'opera di questo eccezionale impressionista, il "cantante di Parigi".
La capitale della Francia occupa un posto speciale nell'opera di Pissarro. L'artista viveva costantemente fuori città, ma Parigi lo attirava con insistenza. Parigi lo affascina con il suo movimento incessante e universale: il camminare dei pedoni e la corsa delle carrozze, il flusso delle correnti d'aria e i giochi di luce. La città di Pissarro non è un elenco di case degne di nota entrate nel campo visivo dell'artista, ma un organismo vivo e inquieto. Affascinati da questa vita, non ci rendiamo conto della banalità degli edifici che compongono il Boulevard Montmartre. L'artista trova nell'inquietudine dei Grand Boulevards un fascino unico. Pissarro ha catturato Montmartre Boulevard come mattina e giorno, sera e notte, illuminato dal sole e grigio, guardandolo dalla stessa finestra. Il motivo chiaro e semplice di una strada che si estende in lontananza crea una chiara base compositiva che non cambia da tela a tela. In modo completamente diverso è costruito il ciclo di tele dipinte l'anno successivo dalla finestra dell'Hotel Louvre. In una lettera al figlio, mentre lavorava al ciclo, Pissarro sottolinea il carattere diverso di questo luogo dai Boulevards, cioè dalla piazza del Teatro Francese, e dall'area circostante. In effetti, lì tutto corre lungo l'asse della strada. Qui la piazza, che fungeva da capolinea di numerosi autobus, si interseca in diverse direzioni e, invece di un ampio panorama con abbondanza d'aria, ai nostri occhi si presenta uno spazio chiuso in primo piano.