Dalla fine del XVI secolo la musica strumentale in Inghilterra si è sviluppata nello spirito e secondo le leggi di quella forma di esecuzione musicale che siamo abituati a chiamare "musica da camera". Negli ultimi anni del regno della regina Elisabetta I e per tutto il regno di re Giacomo I, la musica da camera, sia prettamente strumentale che mista, vocale-strumentale, era molto più diffusa di tutti gli altri generi musicali. Le influenze dell'arte orchestrale, ormai emerse in Italia e in Germania, erano appena percettibili. Anche la musica corale religiosa, che aveva sempre goduto di particolare interesse in Inghilterra, era ormai dimenticata. Inoltre, la passione per la musica strumentale ha superato quella per la musica vocale. I brani vocali, come i madrigali e le arie, erano infatti il più delle volte non cantati, ma eseguiti strumentalmente. Ciò è evidenziato dalle testimonianze dei contemporanei, nonché dal numero di manoscritti di brani strumentali, il cui numero superava il numero di opere che rappresentano la musica vocale secolare.
È stato un secolo non solo di musica strumentale, ma soprattutto di ensemble strumentale. In Inghilterra a quel tempo, l'attenzione era rivolta al gruppo musicale e non al solista. Nel 1599, uno dei principali compositori inglesi, Thomas Morley, presentò la prima edizione del suo "First Book of Pieces for a Consort" con le seguenti parole: "... pubblicato a spese e commissione di un gentiluomo, per conto proprio piacere, così come per i suoi amici che si interessano di musica". Da due a sei (a volte più) artisti hanno preso parte a tale produzione musicale congiunta.
La capacità di suonare vari strumenti musicali era un segno di "buon tono". Numerosi rappresentanti dell'aristocrazia inglese erano conosciuti come musicisti dotati.
Le immagini di quel tempo raffigurano spesso il momento dell'esecuzione della musica di pietra e testimoniano l'esiguo numero di artisti, nonché l'assenza di pubblico. Pertanto, una caratteristica della pratica musicale in Inghilterra era che la musica, prima di tutto, suonava per gli artisti e non per gli ascoltatori.
Il nome "consort" compare per la prima volta nella musica inglese a metà del XVI secolo e denota l'unione (consorzio) di più esecutori che suonano strumenti diversi. Le voci degli strumenti della consorte erano chiaramente separate l'una dall'altra e chiaramente udibili. Qui si rifletteva l'intenzione dei musicisti di affidare a ogni strumento linee melodiche morbide e gentili, la cui sobria bellezza era l'orgoglio della musica antica inglese.
Il graduale emergere di uno stile strumentale puro, diverso dalla polifonia vocale del XVI secolo, fu uno dei passi più importanti nello sviluppo dell'arte musicale. Fino alla fine del XVI secolo, la musica strumentale non era molto diversa dalla musica vocale e consisteva principalmente in melodie da ballo, arrangiamenti di famose canzoni popolari e madrigali (principalmente per tastiere e liuto) nonché brani polifonici che potrebbero essere descritti come mottetti , canzoni, madrigali senza testo poetico.
Sebbene vari arrangiamenti di variazioni, toccate, fantasie e preludi per liuto e strumenti a tastiera siano noti da molto tempo, la musica d'insieme non ha ancora conquistato un'esistenza indipendente. Tuttavia, il rapido sviluppo di composizioni vocali secolari in Italia e in altri paesi europei è stato un nuovo impulso alla creazione di musica da camera per strumenti.
In Inghilterra si diffuse l'arte di suonare le viole, strumenti a corda di varia estensione e dimensione. I suonatori di violino si univano spesso al gruppo vocale, sostituendo le voci mancanti. Questa pratica divenne comune e molte edizioni furono etichettate come "Adatta per voci o viole".
Numerose arie vocali e madrigali sono stati eseguiti come brani strumentali. Così, ad esempio, il madrigale "Silver Swan" di Orlando Gibbons è designato e presentato come brano strumentale in dozzine di raccolte.
Una delle prime forme strumentali create in Inghilterra era "In Nomine" - una sorta di fantasia strumentale basata sulla melodia spirituale "Gloria tibi Trinitas" e composta alla maniera di un mottetto vocale. Nonostante l'uso di una melodia spirituale, "In Nomine" è un vero tipo di musica da camera e offre ricche opportunità per il suo ulteriore sviluppo. Altri tipi di musica d'insieme sono stati creati contemporaneamente. Consistevano principalmente in adattamenti di note melodie e musica da ballo del giorno. Il genere più importante per l'evoluzione del nuovo stile strumentale indipendente è stato il fantasy. Thomas Morley apprezzava già l'importanza delle fantasie strumentali. Ha detto che in loro, più che in altri generi musicali, "si riflette la grande arte della musica". Il nome e il principio di costruzione della fantasia non sono di origine inglese. Nelle prime pubblicazioni continentali ci sono fantasie vicine all'onnipresente ricercar. Tuttavia, le influenze continentali riguardavano solo il nome e le basi della struttura formale. Considerando le opere inglesi nel loro insieme, è necessario cancellare il fatto che esse conservassero tratti e caratteristiche proprie. Per quasi un secolo, gli spettacoli di fantasia sono stati di moda nei circoli aristocratici e nelle famiglie musicalmente istruite di tutte le classi.
Tra gli eccezionali autori di fantasy ci sono Gibbons, Ferrabosco, Coperario (Bottaio), Lupo, Jenkins, Deering e molti altri, tra cui il grande Henry Purcell, che ha scritto un numero significativo di eccellenti opere teatrali in questa forma, che, per così dire, hanno completato lo sviluppo del genere in Inghilterra e sono allo stesso tempo con i migliori esempi di esso.
Anche Bird, Bull, Morley hanno dato un contributo importante alla creazione di una nuova forma, sebbene siano meglio conosciuti per composizioni di altri generi. Nonostante il periodo di attività relativamente breve di questi compositori, il numero di meravigliose opere da loro create è molto elevato. Le monarchie assolute, che radunavano attorno alla corte personalità della cultura e dell'arte, soppressero temporaneamente sia la reazione feudale che l'opposizione borghese. Ma le contraddizioni sociali si approfondirono sempre di più: nel profondo dell'assolutismo maturarono nuove forze democratiche borghesi, affermando la propria ideologia, la propria cultura. Questo era già evidente alla fine del XVI secolo. si manifestò chiaramente nel XVII secolo: le rivoluzioni popolari nei Paesi Bassi e in Inghilterra furono guidate dalla borghesia. E, infine, il XVIII secolo - l '"età dell'Illuminismo", intrisa di un sentimento pre-tempestoso di tempeste sociali, termina con la rivoluzione borghese francese del 1789, che contemporaneamente inizia il periodo della nuova storia d'Europa.
Durante questi due secoli - approssimativamente dalla metà del XVI alla metà del XVIII secolo - la musica clavicembalistica nasce, si sviluppa e si esaurisce come un certo fenomeno ideologico e stilistico. I migliori e avanzati compositori dell'epoca si rivolgevano invariabilmente a lei: Cabezon, Bird, Bull, Purcell, Sweelinck, Frescobaldi, Froberger, Chambonière, Couperin, Bach, Handel, Scarlatti e altri. Il lavoro di questi compositori è di grande valore ideologico e artistico, molte delle loro opere clavicembali continuano a vivere nella nostra pratica musicale, mentre altre sono immeritatamente dimenticate. Riflessioni di intense lotte ideologiche, grandi ricerche creative, grandi pensieri e sentimenti elevati hanno illuminato il patrimonio artistico della musica più clavicembale.
"British Orpheus" chiamava i contemporanei di G. Purcell. Il suo nome nella storia della cultura inglese si affianca ai grandi nomi di W. Shakespeare, J. Byron, C. Dickens. Il lavoro di Purcell si sviluppò nell'era della Restaurazione, in un'atmosfera di elevazione spirituale, quando tornarono in vita le meravigliose tradizioni dell'arte rinascimentale (ad esempio, il periodo di massimo splendore del teatro, perseguitato ai tempi di Cromwell); sorsero forme democratiche di vita musicale: furono creati concerti a pagamento, organizzazioni di concerti secolari, nuove orchestre, cori, ecc .. Crescendo sul ricco suolo della cultura inglese, assorbendo le migliori tradizioni musicali di Francia e Italia, l'arte di Purcell è rimasta per molte generazioni dei suoi compatrioti una vetta solitaria e irraggiungibile.
Purcell è nato nella famiglia di un musicista di corte. Gli studi musicali del futuro compositore iniziarono alla Cappella Reale, padroneggiava il violino, l'organo e il clavicembalo, cantava nel coro, prendeva lezioni di composizione da P. Humphrey (precedente) e J. Blow; i suoi scritti giovanili appaiono regolarmente in stampa. Dal 1673 fino alla fine della sua vita, Purcell fu al servizio della corte di Carlo II. Svolgendo numerosi compiti (compositore dell'ensemble "24 Violins of the King", modellato sulla famosa orchestra di Luigi XIV, organista dell'Abbazia di Westminster e della Royal Chapel, clavicembalista personale del re), Purcell ha scritto molto in tutti questi anni. Il lavoro del compositore è rimasto la sua vocazione principale. Il lavoro più intenso, le pesanti perdite (3 figli di Purcell sono morti in tenera età) hanno minato la forza del compositore - è morto all'età di 36 anni.
Il genio creativo di Purcell, che ha creato opere di altissimo valore artistico in una varietà di generi, si è rivelato più chiaramente nel campo della musica teatrale. Il compositore ha scritto musica per 50 produzioni teatrali. Quest'area più interessante del suo lavoro è indissolubilmente legata alle tradizioni del teatro nazionale; in particolare con il genere delle maschere sorto alla corte degli Stuart nella seconda metà del Cinquecento. (la maschera è una rappresentazione teatrale in cui scene di gioco, dialoghi si alternano a numeri musicali). Il contatto con il mondo del teatro, la collaborazione con talentuosi drammaturghi, l'appello a varie trame e generi hanno ispirato l'immaginazione del compositore, lo hanno spinto a cercare un'espressività più in rilievo e sfaccettata. Quindi una ricchezza speciale di immagini musicali contraddistingue l'opera teatrale "The Fairy Queen" (un libero adattamento del "Sogno di una notte di mezza estate" di Shakespeare, l'autore del testo era prep. E. Setl). Allegoria e stravaganza, fantasia e testi alti, episodi di genere folk e buffoneria: tutto si riflette nei numeri musicali di questa magica performance. Se la musica per "The Tempest" (una rielaborazione dell'opera di Shakespeare) entra in contatto con lo stile operistico italiano, allora la musica per "King Arthur" indica più chiaramente la natura del personaggio nazionale (nella commedia di J. Dryden, il barbaro i costumi dei Sassoni sono in contrasto con la nobiltà e la severità dei Britanni).
Negli anni Ottanta del Seicento, alla fine della Restaurazione, si ebbe la rapida e brillante fioritura del suo genio compositivo. Scriveva con una sorta di fretta febbrile, rivolgendosi ai generi più diversi, a volte distanti e anche opposti tra loro. Le sue canzoni monofoniche e polifoniche quotidiane sono nate durante le feste, nelle taverne e nei locali di pesca, in una festa amichevole, in un'atmosfera di cordialità, libertà di pensiero e talvolta baldoria. Purcell era un habitué di questo ambiente; si sa che una delle taverne londinesi era decorata con il suo ritratto. Alcune delle canzoni di quegli anni non lasciano dubbi sul fatto che il conservatorismo patriarcale che un tempo caratterizzava Thomas Purcell non sia stato ereditato dal figlio. Ma accanto a queste creazioni di canzoni - democratiche, giocose, satiriche - sorsero cantate patriottiche, odi e canti di saluto, spesso scritti per la famiglia reale e nobili nobili nei loro anniversari e festeggiamenti.
Il numero di canzoni che ha creato è enorme. Insieme a quelli scritti per il teatro, conta centinaia. Purcell è uno dei cantautori più importanti del mondo. Alcune delle sue melodie di canzoni hanno guadagnato popolarità quasi tutta inglese durante la sua vita.
Di particolare nota sono le canzoni satiriche di Purcell, le canzoni degli epigrammi, caustiche, spiritose, beffarde. Alcuni ridicoli ipocriti puritani, uomini d'affari di quel tempo; in altri l'ironia si riversa nel grande mondo con i suoi vizi. A volte il Parlamento diventa oggetto di giudizi scettici messi in musica (cattura "The Council of All England Gathered"). E nel duetto "Locust and Fly" - anche lo stesso re Giacomo II. Tuttavia, Purcell ha anche opuse zazdravniye ufficialmente fedeli, che non potevano mancare in quel momento nella sua posizione ufficiale. Ci sono molte canzoni nell'eredità di Purcell scritte sotto l'impressione delle immagini che ha visto della vita e della vita della gente comune, dei loro dolori e delle loro gioie. Il compositore ottiene grande forza e verità di vita dipingendo ritratti non verniciati dei poveri senzatetto della sua terra natale. Canzone da consorte di musica da camera
Purcell ha anche scritto canzoni eroiche, piene di alto pathos della sua epoca, ribollenti di grandi passioni. Qui il lato coraggioso della sua natura era particolarmente pronunciato. La sua quasi romantica "Song of the Prisoner" suona ispiratrice. Questa canzone orgogliosa e libera del XVII secolo non può essere ascoltata senza entusiasmo.
Le sue composizioni spirituali sono fonte di ispirazione: salmi, inni, mottetti, inni, intermezzi ecclesiastici per organo. Tra le opere spirituali di Purcell spiccano i suoi numerosi inni: maestosi inni ai testi dei salmi. Purcell introdusse audacemente un inizio di concerto secolare, usando abilmente allo stesso tempo quella passione superficiale ma ardente per la musica secolare, che divenne una sorta di moda alla moda nelle classi benestanti dell'Inghilterra sotto Carlo II. Gli inni di Purcell si trasformarono in grandi composizioni di un piano da concerto, e talvolta di pronunciato carattere civile. La tendenza secolare del genere fu in Inghilterra un fenomeno senza precedenti per il clero, e dopo il 1688 Purcell si imbatté in un rifiuto particolarmente netto dei circoli puritani.
Le opere spirituali di Purcell si alternavano a molte puramente secolari: suite e variazioni per clavicembalo, fantasie per ensemble d'archi, sonate in trio. Purcell ha aperto la strada a quest'ultimo nelle isole britanniche.
Era gravato e risentito dall'atteggiamento egoistico nei confronti della musica che regnava ovunque "al vertice" come piacevole passatempo. Nel 1683, nella prefazione alle sonate in trio, scrisse, rendendo omaggio ai maestri italiani: “... La serietà, il significato associato a questa musica verrà riconosciuto e onorato dai nostri compatrioti. intendiamo la Francia)". È ovvio che l'incredibile tensione creativa, unita a dolorosi doveri di corte e uno stile di vita eccessivamente dispersivo, hanno già indebolito le forze del compositore.
Il colpo di stato parlamentare del 1688 - la deposizione di Giacomo II e l'adesione di Guglielmo d'Orange - cambiò relativamente poco nella vita musicale e nel destino dei musicisti. Le autorità "facevano soldi con proprietari terrieri e capitalisti" stabilirono un regime meno spensierato e dispendioso, ma il presuntuoso patrocinio della Restaurazione fu sostituito da una profonda indifferenza per la musica. Le tristi conseguenze di ciò accelerarono prima il declino dell'arte dell'organo e del clavicembalo, e poi toccarono il teatro. Purcell, che riponeva le sue speranze nel patrocinio della Queen Mary, si convinse presto della loro natura illusoria. A quel punto, avendo padroneggiato quasi tutti i generi vocali e strumentali, si dedicò con grande entusiasmo alla musica per il teatro e creò valori di importanza duratura in questo settore. La musica teatrale a suo modo sintetizzava quasi tutti i generi vocali e strumentali di Purcell e divenne l'apice universalmente riconosciuto del suo lavoro. In un certo senso ha combinato la tradizione del design musicale del teatro pubblico con i drammatici compositori di maschere. Allo stesso tempo, l'esperienza dei maestri d'oltremare - Lully, italiani - è stata ampiamente padroneggiata. Tuttavia, durante la vita del compositore, le sue creazioni rimasero in gran parte fraintese e non apprezzate.
Le opere teatrali di Purcell, a seconda dello sviluppo e del peso dei numeri musicali, si avvicinano all'opera oa veri e propri spettacoli teatrali con la musica. L'unica opera di Purcell in senso pieno, dove l'intero testo del libretto è musicato, è Dido and Aeneas (libretto di N. Tate tratto dall'Eneide di Virgilio - 1689). Dei trentotto numeri di Didone, quindici sono cori. Il coro è l'interprete lirico del dramma, il consigliere dell'eroina, e costituisce scenicamente il suo ambiente.
Qui, la capacità del compositore di combinare vari generi e mezzi espressivi è stata particolarmente pronunciata: dai testi più raffinati al linguaggio popolare ricco e aspro, dalle immagini realistiche della vita quotidiana alla favolosa fantasia del teatro di Shakespeare. La canzone d'addio dell'eroina - la passacaglia - è una delle arie più belle mai create nella storia dell'arte musicale. Gli inglesi sono orgogliosi di lei.
L'idea di "Dido and Aeneas" è altamente umanistica. L'eroina del dramma è una triste vittima del gioco delle forze oscure della distruzione e della misantropia. La sua immagine è piena di verità psicologica e fascino; le forze dell'oscurità sono incarnate con dinamismo e portata shakespeariani. L'intero lavoro suona come un brillante inno all'umanità. La natura nettamente individuale delle immagini liriche, le connessioni poetiche, fragili, sofisticate psicologiche e profonde del suolo con il folklore inglese, i generi quotidiani (la scena di un raduno di streghe, cori e danze di marinai) - questa combinazione ha determinato l'aspetto completamente unico del prima opera nazionale inglese, una delle opere più perfette del compositore. Purcell intendeva che "Dido" non fosse eseguito da cantanti professionisti, ma da studentesse. Ciò spiega in gran parte il magazzino da camera dell'opera: piccole forme, l'assenza di complesse parti virtuosistiche, il tono dominante rigoroso e nobile. L'aria morente di Dido, l'ultima scena dell'opera, il suo culmine lirico-tragico, divenne la brillante scoperta del compositore. La sottomissione al destino, la preghiera e il lamento, il dolore dell'addio suonano in questa musica profondamente confessionale. "La sola scena dell'addio e della morte di Dido potrebbe immortalare quest'opera", ha scritto R. Rolland.
Tuttavia, l'opera "Dido and Aeneas" fu messa in scena nel XVII secolo solo una volta - nel 1689, e non sul palcoscenico del teatro, ma in una pensione per nobili fanciulle a Chelsea. Poi ci furono due rappresentazioni: una all'inizio e l'altra alla fine del XVIII secolo. Ci sono voluti altri cento anni prima che questa migliore creazione del più grande compositore d'Inghilterra fosse estratta dagli archivi e si affermasse sulla scena inglese e poi mondiale. Un anno dopo la prima di Dido and Aeneas, Purcell, con nobile fede nella sua arte e allo stesso tempo con amarezza, scriveva nella prefazione al dramma Diocleziano da lui messo in musica: "... La musica è ancora in pannolini, ma questo è un bambino promettente, dà ancora un'idea di ciò che è capace di diventare in Inghilterra, se solo i maestri della musica fossero molto incoraggiati qui.
Ha composto poco per il palcoscenico di corte, dove il repertorio e lo stile dominavano ancora, riflettendo le influenze del classicismo francese. Lì la sua musica teatrale, che assorbiva le tradizioni e le tecniche delle ballate popolari, non poteva contare su un successo duraturo. Creando dozzine di opere musicali e drammatiche, si è rivolto all'iniziativa di privati e, con il loro aiuto, si è stabilito in un piccolo teatro nel Dorset Garden, accessibile al grande pubblico. Ha preso parte diretta e attiva alle produzioni, ha collaborato attivamente con drammaturghi, regia e spesso ha partecipato a spettacoli come attore o cantante (aveva un ottimo basso). Purcell considerava una questione d'onore per la nazione inglese la creazione di un grande teatro dell'opera altamente artistico, che portasse gioia alla gente e fosse sostenuto dal governo. E vedeva con amarezza quanto questo ideale fosse lontano dalla realtà. Da qui la profonda discordia ideologica con quei circoli della società inglese da cui dipendevano soprattutto il suo destino e quello della musica. Non ci possono essere dubbi sul fatto che questo conflitto ideologico, più o meno nascosto, ma insolubile, sia diventato uno dei fattori della tragica morte prematura del grande compositore. Morì di una malattia sconosciuta (secondo una versione, di tubercolosi) il 21 novembre 1695, nel pieno delle sue forze creative, a soli trentasei anni.
Nel terzo anno dopo la sua morte, è stata pubblicata una raccolta delle sue canzoni "British Orpheus". Fu presto esaurito e poi uscì in molte altre edizioni. La sua popolarità era molto grande. Cantando queste canzoni, il popolo inglese ha reso omaggio al genio nazionale della sua musica.
Sulla base delle più ricche tradizioni della polifonia corale nazionale, si formò il lavoro vocale di Purcell: canzoni incluse nella raccolta pubblicata postuma "British Orpheus", cori in stile folk, inni (canti spirituali inglesi a testi biblici, che storicamente preparavano gli oratori di G.F. Handel), odi secolari, cantate, catture (canoni comuni nella vita inglese), ecc. Avendo lavorato per molti anni con l'ensemble 24 Violins of the King, Purcell ha lasciato meravigliose opere per archi (15 fantasie, Violin Sonata, Chaconne e pavane per 4 parti, 5 pawan, ecc.). Sotto l'influenza delle sonate in trio dei compositori italiani S. Rossi e G. Vitali, furono scritte 22 sonate in trio per due violini, basso e clavicembalo. Il lavoro più clavicembalo di Purcell (8 suite, più di 40 pezzi separati, 2 cicli di variazioni, toccata) ha sviluppato le tradizioni dei virginalisti inglesi (virginel è una varietà inglese di clavicembalo).
Solo 2 secoli dopo la morte di Purcell giunse il momento per la rinascita del suo lavoro. La Purcell Society, fondata nel 1876, si è posta come obiettivo uno studio serio dell'eredità del compositore e la preparazione della pubblicazione di una raccolta completa delle sue opere. Nel XX secolo. I musicisti inglesi hanno cercato di attirare l'attenzione del pubblico sulle opere del primo genio della musica russa; Particolarmente significativa è l'attività esecutiva, di ricerca e creativa di B. Britten, un eccezionale compositore inglese che ha arrangiato le canzoni di Purcell, una nuova edizione di Dido, che ha creato Variazioni e Fuga su un tema di Purcell - una magnifica composizione orchestrale, una sorta di guida all'orchestra sinfonica.
Henry Purcell nacque a Londra nel 1659 in una famiglia di musicisti. Suo padre, Thomas Purcell, era un musicista di corte sotto gli Stuart: cantante di cappella, suonatore di liuto e un buon suonatore di viola. Henry Purcell è stato associato ai circoli di corte fin dall'infanzia. Nato alla vigilia della Restaurazione, ha mostrato in tenera età brillanti capacità musicali. Dall'età di sei o sette anni ha cantato nel coro ... Leggi tutto
Henry Purcell nacque a Londra nel 1659 in una famiglia di musicisti. Suo padre, Thomas Purcell, era un musicista di corte sotto gli Stuart: cantante di cappella, suonatore di liuto e un buon suonatore di viola. Henry Purcell è stato associato ai circoli di corte fin dall'infanzia. Nato alla vigilia della Restaurazione, ha mostrato in tenera età brillanti capacità musicali. Dall'età di sei o sette anni cantava nel coro della cappella reale, lì studiava arte vocale, composizione, suonava l'organo e il clavicembalo (una specie di clavicembalo inglese a forma di ala, come un pianoforte moderno). I suoi insegnanti nella cappella erano musicisti eccellenti: il capitano Cook, John Blow e un conoscitore della musica francese Pelgam Humphrey. Purcell aveva vent'anni quando la sua brillante interpretazione gli aprì la strada per un ampio riconoscimento. Nel 1679 divenne organista presso l'abbazia di Westminster e nella prima metà del 1680 la cappella di corte, dove aveva recentemente cantato da ragazzo modesto, lo invitò a questo incarico. La sua fama di virtuoso crebbe. Gli strati plebei della capitale - musicisti e artigiani, poeti e ristoratori, attori e mercanti - formavano una cerchia di suoi conoscenti e clienti. Un altro era la corte reale con la sua periferia aristocratica e burocratica. Tutta la vita di Purcell, biforcandosi, passava tra questi poli, ma era al primo che invariabilmente gravitava.
Negli anni Ottanta del Seicento, alla fine della Restaurazione, si ebbe la rapida e brillante fioritura del suo genio compositivo. Scriveva con una sorta di fretta febbrile, rivolgendosi ai generi più diversi, a volte distanti e anche opposti tra loro. Le sue canzoni monofoniche e polifoniche quotidiane sono nate durante le feste, nelle taverne e nei locali di pesca, in una festa amichevole, in un'atmosfera di cordialità, libertà di pensiero e talvolta baldoria. Purcell era un habitué di questo ambiente; si sa che una delle taverne londinesi era decorata con il suo ritratto. Alcune delle canzoni di quegli anni non lasciano dubbi sul fatto che il conservatorismo patriarcale che un tempo caratterizzava Thomas Purcell non sia stato ereditato dal figlio. Ma accanto a queste creazioni di canzoni - democratiche, giocose, satiriche - sorsero cantate patriottiche, odi e canti di saluto, spesso scritti per la famiglia reale e nobili nobili nei loro anniversari e festeggiamenti.
Il numero di canzoni che ha creato è enorme. Insieme a quelli scritti per il teatro, conta centinaia. Purcell è uno dei cantautori più importanti del mondo. Alcune delle sue melodie di canzoni hanno guadagnato popolarità quasi tutta inglese durante la sua vita.
Di particolare nota sono le canzoni satiriche di Purcell, le canzoni degli epigrammi, caustiche, spiritose, beffarde. Alcuni ridicoli ipocriti puritani, uomini d'affari di quel tempo; in altri l'ironia si riversa nel grande mondo con i suoi vizi. A volte il Parlamento diventa oggetto di giudizi scettici messi in musica (cattura "The Council of All England Gathered"). E nel duetto "Locust and the Fly" - anche lo stesso re Giacomo II. Tuttavia, Purcell ha anche opuse ufficiali di congratulazioni lealiste, che non potevano mancare in quel momento nella sua posizione ufficiale. Ci sono molte canzoni nell'eredità di Purcell scritte sotto l'impressione delle immagini che ha visto della vita e della vita della gente comune, dei loro dolori e delle loro gioie. Il compositore ottiene grande forza e verità di vita dipingendo ritratti non verniciati dei poveri senzatetto della sua terra natale.
Purcell ha anche scritto canzoni eroiche, piene di alto pathos della sua epoca, ribollenti di grandi passioni. Qui il lato coraggioso della sua natura era particolarmente pronunciato. La sua quasi romantica "Song of the Prisoner" suona ispiratrice. Questa canzone orgogliosa e libera del XVII secolo non può essere ascoltata senza entusiasmo.
Le sue ispirate composizioni spirituali sono salmi, inni, mottetti, inni, intermezzi ecclesiastici per organo. Tra le opere spirituali di Purcell spiccano i suoi numerosi inni: maestosi inni ai testi dei salmi. Purcell introdusse audacemente un inizio di concerto secolare, usando abilmente allo stesso tempo quella passione superficiale ma ardente per la musica secolare, che divenne una sorta di moda alla moda nelle classi benestanti dell'Inghilterra sotto Carlo II. Gli inni di Purcell si trasformarono in grandi composizioni di un piano da concerto, e talvolta di pronunciato carattere civile. La tendenza secolare del genere fu in Inghilterra un fenomeno senza precedenti per il clero, e dopo il 1688 Purcell si imbatté in un rifiuto particolarmente netto dei circoli puritani.
Le opere spirituali di Purcell si alternavano a molte puramente secolari: suite e variazioni per clavicembalo, fantasie per ensemble d'archi, sonate in trio. Purcell ha aperto la strada a quest'ultimo nelle isole britanniche.
Era gravato e risentito dall'atteggiamento egoistico nei confronti della musica che regnava ovunque "al vertice" come piacevole passatempo. Nel 1683, nella prefazione alle sonate in trio, scrisse, rendendo omaggio ai maestri italiani: “... La serietà, il significato associati a questa musica verranno riconosciuti e onorati dai nostri compatrioti. È tempo che inizino a essere appesantiti dalla frivolezza e dalla frivolezza che sono caratteristiche dei nostri vicini (per "vicini" qui intendiamo la Francia). È ovvio che l'incredibile tensione creativa, unita a dolorosi doveri di corte e uno stile di vita eccessivamente dispersivo, hanno già indebolito le forze del compositore.
Il colpo di stato parlamentare del 1688 - la deposizione di Giacomo II e l'adesione di Guglielmo d'Orange - cambiò relativamente poco nella vita musicale e nel destino dei musicisti. Le autorità "facevano soldi con proprietari terrieri e capitalisti" stabilirono un regime meno spensierato e dispendioso, ma il presuntuoso patrocinio della Restaurazione fu sostituito da una profonda indifferenza per la musica. Le tristi conseguenze di ciò accelerarono prima il declino dell'arte dell'organo e del clavicembalo, e poi toccarono il teatro. Purcell, che riponeva le sue speranze nel patrocinio della Queen Mary, si convinse presto della loro natura illusoria. A quel punto, avendo padroneggiato quasi tutti i generi vocali e strumentali, si dedicò con grande entusiasmo alla musica per il teatro e creò valori di importanza duratura in questo settore. La musica teatrale a suo modo sintetizzava quasi tutti i generi vocali e strumentali di Purcell e divenne l'apice universalmente riconosciuto del suo lavoro. In un certo senso ha combinato la tradizione del design musicale del teatro pubblico con i drammatici compositori di maschere. Allo stesso tempo, l'esperienza dei maestri d'oltremare - Lully, italiani - è stata ampiamente padroneggiata. Tuttavia, durante la vita del compositore, le sue creazioni rimasero in gran parte fraintese e non apprezzate.
Così è successo con l'opera Dido and Aeneas. Purcell creò la prima vera opera per l'Inghilterra, e per di più brillante. Fu scritto sul libretto dell'allora famoso poeta N. Tet, la cui fonte letteraria era l '"Eneide" - il famoso poema epico dell'antico classico romano Virgil Maron.
Dei trentotto numeri di Didone, quindici sono cori. Il coro è l'interprete lirico del dramma, il consigliere dell'eroina, e costituisce scenicamente il suo ambiente.
Qui, la capacità del compositore di combinare vari generi e mezzi espressivi è stata particolarmente pronunciata: dai testi più raffinati al linguaggio popolare ricco e aspro, dalle immagini realistiche della vita quotidiana alla favolosa fantasia del teatro di Shakespeare. La canzone d'addio dell'eroina - la passacaglia - è una delle arie più belle mai create nella storia dell'arte musicale. Gli inglesi sono orgogliosi di lei.
L'idea di Didone ed Enea è altamente umanistica. L'eroina del dramma è una triste vittima del gioco delle forze oscure della distruzione e della misantropia. La sua immagine è piena di verità psicologica e fascino; le forze dell'oscurità sono incarnate con dinamismo e portata shakespeariani. L'intero lavoro suona come un brillante inno all'umanità.
Tuttavia, l'opera "Dido and Aeneas" fu messa in scena nel XVII secolo solo una volta - nel 1689, e non sul palcoscenico del teatro, ma in una pensione per nobili fanciulle a Chelsea. Poi ci furono due rappresentazioni: una all'inizio e l'altra alla fine del XVIII secolo. Ci sono voluti altri cento anni prima che questa migliore creazione del più grande compositore d'Inghilterra fosse estratta dagli archivi e si affermasse sulla scena inglese e poi mondiale. Un anno dopo la prima di Dido and Aeneas, Purcell, con una nobile fede nella sua arte e allo stesso tempo con amarezza, scrisse nella prefazione al dramma Diocleziano messo in musica: “... la musica è ancora nei pannolini, ma questo è un bambino promettente. Darà ancora un'idea di ciò che è capace di diventare in Inghilterra, se solo i maestri della musica fossero molto incoraggiati qui.
Ha composto poco per il palcoscenico di corte, dove il repertorio e lo stile dominavano ancora, riflettendo le influenze del classicismo francese. Lì la sua musica teatrale, che assorbiva le tradizioni e le tecniche delle ballate popolari, non poteva contare su un successo duraturo. Creando dozzine di opere musicali e drammatiche, si è rivolto all'iniziativa di privati e, con il loro aiuto, si è stabilito in un piccolo teatro nel Dorset Garden, accessibile al grande pubblico. Ha preso parte diretta e attiva alle produzioni, ha collaborato attivamente con drammaturghi, regia e spesso ha partecipato a spettacoli come attore o cantante (aveva un ottimo basso). Purcell considerava una questione d'onore per la nazione inglese la creazione di un grande teatro dell'opera altamente artistico, che portasse gioia alla gente e fosse sostenuto dal governo. E vedeva con amarezza la terribile distanza tra questo ideale e la realtà. Da qui la profonda discordia ideologica con quei circoli della società inglese da cui dipendevano soprattutto il suo destino e quello della musica. Non ci possono essere dubbi sul fatto che questo conflitto ideologico, più o meno nascosto, ma insolubile, sia diventato uno dei fattori della tragica morte prematura del grande compositore. Morì di una malattia sconosciuta nel 1695, in un fiorire di talento e abilità, a soli trentasette anni.
Nel terzo anno dopo la sua morte, è stata pubblicata una raccolta delle sue canzoni "British Orpheus". Ha attraversato diverse edizioni. La sua popolarità era molto grande. Cantando queste canzoni, il popolo inglese ha reso omaggio al genio nazionale della sua musica.
Henry Purcell nacque a Londra nel 1659 in una famiglia di musicisti. Suo padre, Thomas Purcell, era un musicista di corte sotto gli Stuart: cantante di cappella, suonatore di liuto e un buon suonatore di viola. Henry Purcell è stato associato ai circoli di corte fin dall'infanzia. Nato alla vigilia della Restaurazione, ha mostrato in tenera età brillanti capacità musicali. Dall'età di sei o sette anni cantava nel coro della cappella reale, lì studiava arte vocale, composizione, suonava l'organo e il clavicembalo (una specie di clavicembalo inglese a forma di ala, come un pianoforte moderno). I suoi insegnanti nella cappella erano musicisti eccellenti: il capitano Cook, John Blow e un conoscitore della musica francese Pelgam Humphrey. Purcell aveva vent'anni quando la sua brillante interpretazione gli aprì la strada per un ampio riconoscimento. Nel 1679 divenne organista presso l'abbazia di Westminster e nella prima metà del 1680 la cappella di corte, dove aveva recentemente cantato da ragazzo modesto, lo invitò a questo incarico. La sua fama di virtuoso crebbe. Gli strati plebei della capitale - musicisti e artigiani, poeti e ristoratori, attori e mercanti - formavano una cerchia di suoi conoscenti e clienti. Un altro era la corte reale con la sua periferia aristocratica e burocratica. Tutta la vita di Purcell, biforcandosi, passava tra questi poli, ma era al primo che invariabilmente gravitava.
Negli anni Ottanta del Seicento, alla fine della Restaurazione, si ebbe la rapida e brillante fioritura del suo genio compositivo. Scriveva con una sorta di fretta febbrile, rivolgendosi ai generi più diversi, a volte distanti e anche opposti tra loro. Le sue canzoni monofoniche e polifoniche quotidiane sono nate durante le feste, nelle taverne e nei locali di pesca, in una festa amichevole, in un'atmosfera di cordialità, libertà di pensiero e talvolta baldoria. Purcell era un habitué di questo ambiente; si sa che una delle taverne londinesi era decorata con il suo ritratto. Alcune delle canzoni di quegli anni non lasciano dubbi sul fatto che il conservatorismo patriarcale che un tempo caratterizzava Thomas Purcell non sia stato ereditato dal figlio. Ma accanto a queste creazioni di canzoni - democratiche, giocose, satiriche - sorsero cantate patriottiche, odi e canti di saluto, spesso scritti per la famiglia reale e nobili nobili nei loro anniversari e festeggiamenti.
Il numero di canzoni che ha creato è enorme. Insieme a quelli scritti per il teatro, conta centinaia. Purcell è uno dei cantautori più importanti del mondo. Alcune delle sue melodie di canzoni hanno guadagnato popolarità quasi tutta inglese durante la sua vita.
Di particolare nota sono le canzoni satiriche di Purcell, le canzoni degli epigrammi, caustiche, spiritose, beffarde. Alcuni ridicoli ipocriti puritani, uomini d'affari di quel tempo; in altri l'ironia si riversa nel grande mondo con i suoi vizi. A volte il Parlamento diventa oggetto di giudizi scettici messi in musica (cattura "The Council of All England Gathered"). E nel duetto "Locust and the Fly" - anche lo stesso re Giacomo II. Tuttavia, Purcell ha anche opuse zazdravniye ufficialmente fedeli, che non potevano mancare in quel momento nella sua posizione ufficiale. Ci sono molte canzoni nell'eredità di Purcell scritte sotto l'impressione delle immagini che ha visto della vita e della vita della gente comune, dei loro dolori e delle loro gioie. Il compositore ottiene grande forza e verità di vita dipingendo ritratti non verniciati dei poveri senzatetto della sua terra natale.
Purcell ha anche scritto canzoni eroiche, piene di alto pathos della sua epoca, ribollenti di grandi passioni. Qui il lato coraggioso della sua natura era particolarmente pronunciato. La sua quasi romantica "Song of the Prisoner" suona ispiratrice. Questa canzone orgogliosa e libera del XVII secolo non può essere ascoltata senza entusiasmo.
Le sue ispirate composizioni spirituali sono salmi, inni, mottetti, inni, intermezzi ecclesiastici per organo. Tra le opere spirituali di Purcell spiccano i suoi numerosi inni: maestosi inni ai testi dei salmi. Purcell introdusse audacemente un inizio di concerto secolare, usando abilmente allo stesso tempo quella passione superficiale ma ardente per la musica secolare, che divenne una sorta di moda alla moda nelle classi benestanti dell'Inghilterra sotto Carlo II. Gli inni di Purcell si trasformarono in grandi composizioni di un piano da concerto, e talvolta di pronunciato carattere civile. La tendenza secolare del genere fu in Inghilterra un fenomeno senza precedenti per il clero, e dopo il 1688 Purcell si imbatté in un rifiuto particolarmente netto dei circoli puritani.
Le opere spirituali di Purcell si alternavano a molte puramente secolari: suite e variazioni per clavicembalo, fantasie per ensemble d'archi, sonate in trio. Purcell ha aperto la strada a quest'ultimo nelle isole britanniche.
Era gravato e risentito dall'atteggiamento egoistico nei confronti della musica che regnava ovunque "al vertice" come piacevole passatempo. Nel 1683, nella prefazione alle sonate in trio, scrisse, rendendo omaggio ai maestri italiani: “... La serietà, il significato associati a questa musica verranno riconosciuti e onorati dai nostri compatrioti. È tempo che inizino a essere appesantiti dalla frivolezza e dalla frivolezza che sono caratteristiche dei nostri vicini (per "vicini" qui intendiamo la Francia). È ovvio che l'incredibile tensione creativa, unita a dolorosi doveri di corte e uno stile di vita eccessivamente dispersivo, hanno già indebolito le forze del compositore.
Il colpo di stato parlamentare del 1688 - la deposizione di Giacomo II e l'adesione di Guglielmo d'Orange - cambiò relativamente poco nella vita musicale e nel destino dei musicisti. Le autorità "facevano soldi con proprietari terrieri e capitalisti" stabilirono un regime meno spensierato e dispendioso, ma il presuntuoso patrocinio della Restaurazione fu sostituito da una profonda indifferenza per la musica. Le tristi conseguenze di ciò accelerarono prima il declino dell'arte dell'organo e del clavicembalo, e poi toccarono il teatro. Purcell, che riponeva le sue speranze nel patrocinio della Queen Mary, si convinse presto della loro natura illusoria. A quel punto, avendo padroneggiato quasi tutti i generi vocali e strumentali, si dedicò con grande entusiasmo alla musica per il teatro e creò valori di importanza duratura in questo settore. La musica teatrale a suo modo sintetizzava quasi tutti i generi vocali e strumentali di Purcell e divenne l'apice universalmente riconosciuto del suo lavoro. In un certo senso ha combinato la tradizione del design musicale del teatro pubblico con i drammatici compositori di maschere. Allo stesso tempo, l'esperienza dei maestri d'oltremare - Lully, italiani - è stata ampiamente padroneggiata. Tuttavia, durante la vita del compositore, le sue creazioni rimasero in gran parte fraintese e non apprezzate.
Così è successo con l'opera Dido and Aeneas. Purcell creò la prima vera opera per l'Inghilterra, e per di più brillante. Fu scritto sul libretto dell'allora famoso poeta N. Tet, la cui fonte letteraria era l '"Eneide" - il famoso poema epico dell'antico classico romano Virgil Maron.
Dei trentotto numeri di Didone, quindici sono cori. Il coro è l'interprete lirico del dramma, il consigliere dell'eroina, e costituisce scenicamente il suo ambiente.
Qui, la capacità del compositore di combinare vari generi e mezzi espressivi è stata particolarmente pronunciata: dai testi più raffinati al linguaggio popolare ricco e aspro, dalle immagini realistiche della vita quotidiana alla favolosa fantasia del teatro di Shakespeare. La canzone d'addio dell'eroina - la passacaglia - è una delle arie più belle mai create nella storia dell'arte musicale. Gli inglesi sono orgogliosi di lei.
L'idea di Didone ed Enea è altamente umanistica. L'eroina del dramma è una triste vittima del gioco delle forze oscure della distruzione e della misantropia. La sua immagine è piena di verità psicologica e fascino; le forze dell'oscurità sono incarnate con dinamismo e portata shakespeariani. L'intero lavoro suona come un brillante inno all'umanità.
Tuttavia, l'opera "Dido and Aeneas" fu messa in scena nel XVII secolo solo una volta - nel 1689, e non sul palcoscenico del teatro, ma in una pensione per nobili fanciulle a Chelsea. Poi ci furono due rappresentazioni: una all'inizio e l'altra alla fine del XVIII secolo. Ci sono voluti altri cento anni prima che questa migliore creazione del più grande compositore d'Inghilterra fosse estratta dagli archivi e si affermasse sulla scena inglese e poi mondiale. Un anno dopo la prima di Dido and Aeneas, Purcell, con una nobile fede nella sua arte e allo stesso tempo con amarezza, scrisse nella prefazione al dramma Diocleziano messo in musica: “... la musica è ancora nei pannolini, ma questo è un bambino promettente. Darà ancora un'idea di ciò che è capace di diventare in Inghilterra, se solo i maestri della musica fossero molto incoraggiati qui.
Ha composto poco per il palcoscenico di corte, dove il repertorio e lo stile dominavano ancora, riflettendo le influenze del classicismo francese. Lì la sua musica teatrale, che assorbiva le tradizioni e le tecniche delle ballate popolari, non poteva contare su un successo duraturo. Creando dozzine di opere musicali e drammatiche, si è rivolto all'iniziativa di privati e, con il loro aiuto, si è stabilito in un piccolo teatro nel Dorset Garden, accessibile al grande pubblico. Ha preso parte diretta e attiva alle produzioni, ha collaborato attivamente con drammaturghi, regia e spesso ha partecipato a spettacoli come attore o cantante (aveva un ottimo basso). Purcell considerava una questione d'onore per la nazione inglese la creazione di un grande teatro dell'opera altamente artistico, che portasse gioia alla gente e fosse sostenuto dal governo. E vedeva con amarezza la terribile distanza tra questo ideale e la realtà. Da qui la profonda discordia ideologica con quei circoli della società inglese da cui dipendevano soprattutto il suo destino e quello della musica. Non ci possono essere dubbi sul fatto che questo conflitto ideologico, più o meno nascosto, ma insolubile, sia diventato uno dei fattori della tragica morte prematura del grande compositore. Morì di una malattia sconosciuta nel 1695, in un fiorire di talento e abilità, a soli trentasette anni.
Nel terzo anno dopo la sua morte, è stata pubblicata una raccolta delle sue canzoni "British Orpheus". Ha attraversato diverse edizioni. La sua popolarità era molto grande. Cantando queste canzoni, il popolo inglese ha reso omaggio al genio nazionale della sua musica.
Henry Purcell nacque a Londra nel 1659 in una famiglia di musicisti. Suo padre, Thomas Purcell, era un musicista di corte sotto gli Stuart: cantante di cappella, suonatore di liuto e un buon suonatore di viola.
Henry Purcell è stato associato ai circoli di corte fin dall'infanzia. Nato alla vigilia della Restaurazione, ha mostrato in tenera età brillanti capacità musicali. Dall'età di sei o sette anni cantava nel coro della cappella reale, lì studiava arte vocale, composizione, suonava l'organo e il clavicembalo (una specie di clavicembalo inglese a forma di ala, come un pianoforte moderno). I suoi insegnanti nella cappella erano musicisti eccellenti: il capitano Cook, John Blow e un conoscitore della musica francese Pelgam Humphrey. Purcell aveva vent'anni quando la sua brillante interpretazione gli aprì la strada per un ampio riconoscimento. Nel 1679 divenne organista presso l'abbazia di Westminster e nella prima metà del 1680 la cappella di corte, dove aveva recentemente cantato da ragazzo modesto, lo invitò a questo incarico. La sua fama di virtuoso crebbe. Gli strati plebei della capitale - musicisti e artigiani, poeti e ristoratori, attori e mercanti - formavano una cerchia di suoi conoscenti e clienti. Un altro era la corte reale con la sua periferia aristocratica e burocratica. Tutta la vita di Purcell, biforcandosi, passava tra questi poli, ma era al primo che invariabilmente gravitava.
Negli anni Ottanta del Seicento, alla fine della Restaurazione, si ebbe la rapida e brillante fioritura del suo genio compositivo. Scriveva con una sorta di fretta febbrile, rivolgendosi ai generi più diversi, a volte distanti e anche opposti tra loro. Le sue canzoni monofoniche e polifoniche quotidiane sono nate durante le feste, nelle taverne e nei locali di pesca, in una festa amichevole, in un'atmosfera di cordialità, libertà di pensiero e talvolta baldoria. Purcell era un habitué di questo ambiente; si sa che una delle taverne londinesi era decorata con il suo ritratto. Alcune delle canzoni di quegli anni non lasciano dubbi sul fatto che il conservatorismo patriarcale che un tempo caratterizzava Thomas Purcell non sia stato ereditato dal figlio. Ma accanto a queste creazioni di canzoni - democratiche, giocose, satiriche - sorsero cantate patriottiche, odi e canti di saluto, spesso scritti per la famiglia reale e nobili nobili nei loro anniversari e festeggiamenti.
Il numero di canzoni che ha creato è enorme. Insieme a quelli scritti per il teatro, conta centinaia. Purcell è uno dei cantautori più importanti del mondo. Alcune delle sue melodie di canzoni hanno guadagnato popolarità quasi tutta inglese durante la sua vita.
Di particolare nota sono le canzoni satiriche di Purcell, le canzoni degli epigrammi, caustiche, spiritose, beffarde. Alcuni ridicoli ipocriti puritani, uomini d'affari di quel tempo; in altri l'ironia si riversa nel grande mondo con i suoi vizi. A volte il Parlamento diventa oggetto di giudizi scettici messi in musica (cattura "The Council of All England Gathered"). E nel duetto "Locust and the Fly" - anche lo stesso re Giacomo II. Tuttavia, Purcell ha anche opuse zazdravniye ufficialmente fedeli, che non potevano mancare in quel momento nella sua posizione ufficiale.
Ci sono molte canzoni nell'eredità di Purcell scritte sotto l'impressione delle immagini che ha visto della vita e della vita della gente comune, dei loro dolori e delle loro gioie. Il compositore ottiene grande forza e verità di vita dipingendo ritratti non verniciati dei poveri senzatetto della sua terra natale.
Purcell ha anche scritto canzoni eroiche, piene di alto pathos della sua epoca, ribollenti di grandi passioni. Qui il lato coraggioso della sua natura era particolarmente pronunciato. La sua quasi romantica "Song of the Prisoner" suona ispiratrice. Questa canzone orgogliosa e libera del XVII secolo non può essere ascoltata senza entusiasmo.
Le sue ispirate composizioni spirituali sono salmi, inni, mottetti, inni, intermezzi ecclesiastici per organo. Tra le opere spirituali di Purcell spiccano i suoi numerosi inni: maestosi inni ai testi dei salmi. Purcell introdusse audacemente un inizio di concerto secolare, usando abilmente allo stesso tempo quella passione superficiale ma ardente per la musica secolare, che divenne una sorta di moda alla moda nelle classi benestanti dell'Inghilterra sotto Carlo II. Gli inni di Purcell si trasformarono in grandi composizioni di un piano da concerto, e talvolta di pronunciato carattere civile. La tendenza secolare del genere fu in Inghilterra un fenomeno senza precedenti per il clero, e dopo il 1688 Purcell si imbatté in un rifiuto particolarmente netto dei circoli puritani.
Le opere spirituali di Purcell si alternavano a molte puramente secolari: suite e variazioni per clavicembalo, fantasie per ensemble d'archi, sonate in trio. Purcell ha aperto la strada a quest'ultimo nelle isole britanniche.
Era gravato e risentito dall'atteggiamento egoistico nei confronti della musica che regnava ovunque "al vertice" come piacevole passatempo. Nel 1683, nella prefazione alle sonate in trio, scrisse, rendendo omaggio ai maestri italiani: “... La serietà, il significato associati a questa musica verranno riconosciuti e onorati dai nostri compatrioti. È tempo che inizino a essere appesantiti dalla frivolezza e dalla frivolezza che sono caratteristiche dei nostri vicini (per "vicini" qui intendiamo la Francia). È ovvio che l'incredibile tensione creativa, unita a dolorosi doveri di corte e uno stile di vita eccessivamente dispersivo, hanno già indebolito le forze del compositore.
Il colpo di stato parlamentare del 1688 - la deposizione di Giacomo II e l'adesione di Guglielmo d'Orange - cambiò relativamente poco nella vita musicale e nel destino dei musicisti. Le autorità "facevano soldi con proprietari terrieri e capitalisti" stabilirono un regime meno spensierato e dispendioso, ma il presuntuoso patrocinio della Restaurazione fu sostituito da una profonda indifferenza per la musica. Le tristi conseguenze di ciò accelerarono prima il declino dell'arte dell'organo e del clavicembalo, e poi toccarono il teatro. Purcell, che riponeva le sue speranze nel patrocinio della Queen Mary, si convinse presto della loro natura illusoria. A quel punto, avendo padroneggiato quasi tutti i generi vocali e strumentali, si dedicò con grande entusiasmo alla musica per il teatro e creò valori di importanza duratura in questo settore. La musica teatrale a suo modo sintetizzava quasi tutti i generi vocali e strumentali di Purcell e divenne l'apice universalmente riconosciuto del suo lavoro. In un certo senso ha combinato la tradizione del design musicale del teatro pubblico con i drammatici compositori di maschere. Allo stesso tempo, l'esperienza dei maestri d'oltremare - Lully, italiani - è stata ampiamente padroneggiata. Tuttavia, durante la vita del compositore, le sue creazioni rimasero in gran parte fraintese e non apprezzate.
Così è successo con l'opera Dido and Aeneas. Purcell creò la prima vera opera per l'Inghilterra, e per di più brillante. Fu scritto sul libretto dell'allora famoso poeta N. Tet, la cui fonte letteraria era l '"Eneide" - il famoso poema epico dell'antico classico romano Virgil Maron.
Dei trentotto numeri di Didone, quindici sono cori. Il coro è l'interprete lirico del dramma, il consigliere dell'eroina, e costituisce scenicamente il suo ambiente.
Qui, la capacità del compositore di combinare vari generi e mezzi espressivi è stata particolarmente pronunciata: dai testi più raffinati al linguaggio popolare ricco e aspro, dalle immagini realistiche della vita quotidiana alla favolosa fantasia del teatro di Shakespeare. La canzone d'addio dell'eroina - la passacaglia - è una delle arie più belle mai create nella storia dell'arte musicale. Gli inglesi sono orgogliosi di lei.
L'idea di Didone ed Enea è altamente umanistica. L'eroina del dramma è una triste vittima del gioco delle forze oscure della distruzione e della misantropia. La sua immagine è piena di verità psicologica e fascino; le forze dell'oscurità sono incarnate con dinamismo e portata shakespeariani. L'intero lavoro suona come un brillante inno all'umanità.
Tuttavia, l'opera "Dido and Aeneas" fu messa in scena nel XVII secolo solo una volta - nel 1689, e non sul palcoscenico del teatro, ma in una pensione per nobili fanciulle a Chelsea. Poi ci furono due rappresentazioni: una all'inizio e l'altra alla fine del XVIII secolo. Ci sono voluti altri cento anni prima che questa migliore creazione del più grande compositore d'Inghilterra fosse estratta dagli archivi e si affermasse sulla scena inglese e poi mondiale. Un anno dopo la prima di Dido and Aeneas, Purcell, con nobile fede nella sua arte e allo stesso tempo con amarezza, scriveva nella prefazione al dramma Diocleziano da lui messo in musica: “... la musica è ancora in pannolini, ma questo è un bambino promettente. Darà ancora un'idea di ciò che è capace di diventare in Inghilterra, se solo i maestri della musica fossero molto incoraggiati qui.
Ha composto poco per il palcoscenico di corte, dove il repertorio e lo stile dominavano ancora, riflettendo le influenze del classicismo francese. Lì la sua musica teatrale, che assorbiva le tradizioni e le tecniche delle ballate popolari, non poteva contare su un successo duraturo. Creando dozzine di opere musicali e drammatiche, si è rivolto all'iniziativa di privati e, con il loro aiuto, si è stabilito in un piccolo teatro nel Dorset Garden, accessibile al grande pubblico. Ha preso parte diretta e attiva alle produzioni, ha collaborato attivamente con drammaturghi, regia e spesso ha partecipato a spettacoli come attore o cantante (aveva un ottimo basso). Purcell considerava una questione d'onore per la nazione inglese la creazione di un grande teatro dell'opera altamente artistico, che portasse gioia alla gente e fosse sostenuto dal governo. E vedeva con amarezza la terribile distanza tra questo ideale e la realtà. Da qui la profonda discordia ideologica con quei circoli della società inglese da cui dipendevano soprattutto il suo destino e quello della musica. Non ci possono essere dubbi sul fatto che questo conflitto ideologico, più o meno nascosto, ma insolubile, sia diventato uno dei fattori della tragica morte prematura del grande compositore. Morì di una malattia sconosciuta nel 1695, in un fiorire di talento e abilità, a soli trentasette anni.
Nel terzo anno dopo la sua morte, è stata pubblicata una raccolta delle sue canzoni "British Orpheus". Ha attraversato diverse edizioni. La sua popolarità era molto grande. Cantando queste canzoni, il popolo inglese ha reso omaggio al genio nazionale della sua musica.
Purcell G.
(Purcell) Henry (c. 1659, Londra - 21 XI 1695, ibid.) - inglese. compositore e organista. Il figlio del cantante King. cappelle, nel cui coro, a quanto pare, cantava dall'età di 10 anni. Ha studiato composizione, suonando l'organo, il clavicembalo e altri strumenti, oltre a cantare con G. Cook (leader della Royal Chapel), quindi (presumibilmente) composizione con P. Humphrey (esperto di musica francese e italiana), successivamente - con J. Blow (direttore del coro della Cappella Reale e organista dell'abbazia di Uzstminster). All'età di 11 anni, P. scrisse la prima ode, dedicata a. Carlo II. Uno dei primi lavori pubblicati. P. è considerata la canzone "Sweet tyraness" ("Sweet tyraness", pubblicata da J. Playford nel 1667 nella raccolta "Musical companion" - "Musical companion"). Dal 1675 in decomposizione. Inglese musica Sat-kah venivano regolarmente pubblicati wok. prod. P.
Da con. 1670 P. - avv. musicista degli Stuart; era assistente accordatore e custode dei re. strumenti, accordatore di organi e copista di note di opere per organo, compositore dell'ensemble "24 Violins of the King", creato sul modello del francese, nonché organista dell'Abbazia di Westminster (dal 1679) e del re. Chapel Royal Church (dal 1682), clavicembalista negli appartamenti del re. Nel 1684 partecipò come esecutore al concorso di organisti e maestri d'organo (B. Smith e T. Harris), che portò alla vittoria P. e Smith.
1680 - il periodo di massimo splendore della creatività di P., che si distingueva per l'esclusione. produttività. Ha lavorato con altrettanto successo in tutti i generi. Fantasia per archi nata in questi anni. gli strumenti indicano un'elevata polifonia. abilità. Scrivere musica per la tragedia di N. Lee "Theodosius, or the Force of Love" ("Theodosius, or The force of love", 1880) iniziò il lavoro di P. per t-ra. Le odi appartengono allo stesso periodo, il cosiddetto. benvenuto e altre canzoni. Una testa e poligono. P. scrisse canzoni per tutta la vita (la raccolta delle canzoni di P. "British Orpheus" - "Orpheus Britannicus" fu pubblicata postuma nel 1698). Mn. melodie delle sue canzoni, vicine a Nar. melodie, guadagnarono popolarità e furono cantate durante la vita di P. insieme a gente genuina. In un poligono Le canzoni secolari P. hanno riassunto i risultati dei suoi predecessori: i compositori inglesi. Rinascimento, essendo il successore delle loro tradizioni (ch. arr. J. Dowland, autore di opere vocali polifoniche - ayres e madrigali). Carattere, stile, gamma di temi e immagini dec. il tipo delle canzoni di P. è vario; tra loro - comico, satirico, eroico. ecc., solista e corale, omofonico e polifonico. magazzino. Coro incluso. prod. (chiesa e secolare) - anniversari, mottetti, inni, canoni, cosiddetti. ketch, ecc. Numerosi si distinguono. enzimi sulla Bibbia. testi; P. ha introdotto il dram negli enzimi. e conc. l'inizio (in una certa misura anticipano gli oratori di G. Handel).
Attrezzo operazione. occupano meno spazio nel lavoro di P. rispetto a wok.-instr. e teatro. prod. Il suo instr. fantasia (fantasia) nell'arte. le fantasie di W. Bird, J. Bull, T. Morley, O. Gibbons, P. Philips, J. Farnaby e altri virginalisti superano il livello (vedi musica inglese). P. ha arricchito la vecchia musica. genere con nuovi contenuti. Molto apprezzato Skr. musica italiana. compositori del XVI e XVII secolo (S. Rossi, J. B. Vitali e altri), P. nelle sue sonate in trio ha seguito le loro tradizioni. Nel 1683 fu pubblicato Sat. trio sonata "12 sonate per 3 parti per violino e basso - organo o clavicembalo" ("Dodici sonate di 3 parti per 2 violini e basso: organo o clavicembalo"). Nel 1697 fu seguito dal 2° sabato. da 10 sonate per lo stesso instr. composizione. Appello a skr. operazione. fu un'innovazione che arricchì gli inglesi. instr. musica. P. scrisse anche danze per archi (ciaccona e pavane per 4 parti). La tastiera funziona P., creato in con. 1680, suite, così come otd. arie, balli e altre commedie sono vicine nello stile a quelle dei virginalisti. Le più significative sono la toccata in 5 voci La-dur (a lungo attribuita a J.S. Bach) e la cosiddetta. motivi, incluso "New ground" ("New ground", e-moll).
L'apice della creatività P. - opera "Dido and Aeneas" (1689), la prima nat. Inglese musica lirica. Quando è stato scritto, P. aveva già i mezzi. creativo esperienza, anche nel campo della musica per spettacoli. t-ra. "Dido and Aeneas" (libre. N. Tate basato sull '"Eneide" di M. Virgil) è l'unica delle 6 opere di P., che soddisfa pienamente le caratteristiche consolidate di questo genere (il resto del suo palcoscenico musicale le produzioni appartengono al genere semi-opera - numeri musicali separati o intermezzi intervallati da dialoghi). "Dido and Aeneas" è un'opera "completa" (anche se da camera) con tutta la musica. sviluppo. Questo è il più grande evento nella storia inglese. musica t-ra. Nonostante l'influenza dell'italiano e francese opera, e anche in connessione con l'abbondanza di cori in inglese. magazzino madrigale, nel suo melodico. stile, caratterizzato da un'abilità insuperabile nella rifrazione dell'intonazione. Caratteristiche inglesi. discorsi, "Dido ed Enea" - veramente nat. musica lirica. La sua trama è rielaborata nello spirito dell'inglese. nar. la poesia - l'opera si distingue per una stretta unità di musica e testo. È ricco di recitativi accorati che gravitano verso l'arioso ed è saturo di instr. episodi e danze. Il significato è rivelato nella sua musica. ricchezza di stati emotivi - lirismo sottile, psicologico. profondità, drammaticità; è caratterizzato dalla fantasia shakespeariana nello spirito. La sua musica si distingue per una peculiare armonica ricca di cromatismi. lingua, sincope acuta, uso diffuso dell'ostinato. L'opera ha mantenuto il suo significato; la sua musica. la lingua non sembra obsoleta.
Negli altri prodotti. P. per t-ra, cap. arr. Presto 1690 (è autore di musiche per 50 produzioni teatrali di commedie di N. Lee, T. Durfee, N. Tate, F. Beaumont, J. Fletcher, C. Davenant, W. Congreve, ecc.), la musica è episodica . carattere, recitazione b. h.ruolo ausiliario; allo stesso tempo illustra sottilmente i drammi. sviluppo. Mn. le canzoni di queste esibizioni sono diventate popolari. È nell'op. di questo tipo si manifestava più chiaramente l'originalità dello stile di P., che si basava sulle arti alte. Tradizioni inglesi. dramma. e musica. t-ra e maschere. Reclama P., profondo nat. per sua natura, differisce eccetto. l'integrità della musica individuale. stile, in cui presenta nuove armoniche omofoniche per quel tempo. il pensiero è particolarmente intrecciato con i metodi della polifonia rinascimentale. Questo dà origine a una musica speciale. magazzino, in cui l'armonia colorata su base maggiore-minore, arricchita di modalità antiche, si combina con l'uso dell'imitazione. e polifonia subvocale. Il ricco mondo di immagini e sentimenti P. trova una varietà di espressioni - da quelle psicologiche. da profondo a rudemente fervente, da tragico. a giocoso e "pungente" (nelle canzoni dell'epigramma), ma lo stato d'animo dominante della sua musica è il lirismo penetrante. P., che ha implementato nella sua affermazione i risultati dei rappresentanti degli inglesi. Rinascimento, significativamente avanti rispetto ai suoi predecessori. Le innovazioni di P. nel campo del wok. monodia, recitativo, audace estensione dei mezzi del coro. polifonia, abilità universale instr. lettere sollevate inglese. musica a un nuovo livello di sviluppo. I suoi pensieri sulla tecnica della composizione e sulle caratteristiche dell'italiano. stile P. delineato nel suo. un'aggiunta all'Introduzione all'arte della musica di Playford, che P. pubblicò nel 1694. Le dichiarazioni di P. sulla musica si trovano anche nelle prefazioni a Sat. "12 Sonate per 3 parti...", alle opere "La regina delle fate" e "La profetessa". Alcuni principi riguardanti la decodifica dei melismi e la diteggiatura clavicembale sono contenuti in Sat. i suoi brani più clavicembali - "Lezioni selezionate per clavicembalo o spinetta" ("Una raccolta scelta di lezioni per clavicembalo o spinetta", 1696).
Al termine di un periodo brillante musica, P. non ha lasciato, tuttavia, degni studenti e successori. B. h. delle sue creazioni fu presto dimenticato, e l'op. P. divenne famoso solo nell'ultimo terzo del XIX secolo. Nel 1876 fu organizzata la Società di P., che si prefisse il compito di studiare la sua opera e pubblicare accademicamente. raccolta completa. operazione. P. L'interesse per il suo lavoro si è intensificato nel Regno Unito grazie alle attività di B. Britten, che ha pubblicato in proprio. elaborando la canzone di P., l'opera "Dido and Aeneas" e che ha scritto variazioni e una fuga sul tema di P. (dalla musica per il post. play "Abdelazar, or the Revenge of the Moor" - "Abdelazar, o la "vendetta" di Morr, 1695).
Composizioni: opere - Dido and Aeneas (secondo M. Virgil, 1689, post. nella scuola privata di J. Priest - Josias Priest; ripubblicato a Leningrado, 1975), The Prophetess, o The History of Diocletian (The Prophetess, or The Storia di Diocleziano, da Meisinger, 1690, Dorset Garden Theatre, Londra), King Arthur, o l'eroe britannico (King Arthur, o The British degno, su testo di J. Dryden, 1691, ibid), la regina delle fate (Fairy queen, basato sulla commedia "Sogno in una notte di mezza estate" di W. Shakespeare, presumibilmente nell'arr. E. Setl, 1692, ibid), La tempesta, o L'isola incantata, basato su "La tempesta" di Shakespeare nell'arr. Dryden e C. Davenant, 1695, non post.), la regina indiana (la regina indiana, secondo Dryden e Hayward, 1695, Drury Lane-tietr, Londra); strumento da camera ensemble - 12 sonate per 2 violini e basso (viola da gamba) con basso continuo, 10 sonate per 2 scr. e basso (viola da gamba) con basso continuo; per archi - 15 fantasie, sonata per violino, ciaccona per 4 parti, 5 pavane, 3 ouverture; per strumenti a fiato - suite, marcia, canzone; per clavicembalo - 8 suites, oltre 40 otd. pezzi, 2 cicli di variazioni, 5 goal. toccata; per l'organo - 4 fantasie (l'autenticità della 4a fantasia è contestata), ecc.; opere di culto, tra cui 68 enzem, 3 servizi, inni, salmi, canoni; wok. ensemble - 54 ketch, 43 duetti, odi, canzoni. Letteratura: Konen V., Purcell e la musica inglese, "SM", 1955, n. 10; il suo "British Orpheus", ibid., 1959, n. 11; el, Culture of Purcell's London, nel suo libro: Etudes on foreign music, M., 1968, 1975; il suo, Sulla storia di "Dido and Aeneas", "SM", 1977, n. 1; Druskin M., Clavier music, L., 1960, p. 116-25; Rosenshield, K., Storia della musica straniera, vol. 1 - Fino alla metà del XVIII secolo, M., 1963, 1969; Protopopov V., La storia della polifonia nei suoi fenomeni più importanti, vol. 2, M., 1965, pag. 180-86; Cummings WH, H. Purcell, L., 1881, 1969; Fuller-Maitland J. A., Influenze straniere su H. Purcell, "The musical times", 1896, v. 36; Squire W. B., Musica drammatica di Purcell, "SIMG", 1903/04, Jahrg. 5; il suo, Purcell come teorico, ibid., 1904/05, Jahrg. 6; Rolland B .., L "opyra au XVII sichle en Italia, nel libro: Encyclopйdie de la musique et dictionnaire du Conservatoire ... fondateur A. Lavignac, v. 1, P., 1913 (traduzione russa - Rolland R., Opera nel XVII secolo in Italia, Germania, Inghilterra, M., 1931); Arundeil D., H. Purcell, L., 1927, 1970; Westrup J. A., Purcell, L.-N. Y., 1937, 1975; Bukofzer M. , Music in the baroque era from Monteverdi to Bach, N. Y., 1947; Miller M. H., H. Purcell and the ground bass, "ML", 1948, v. 29, No 4; Lingorow S., Der Instrumentalstil von Purcell, Bern, 1949; Demarquez S., Purcell, P., 1951; Sietz R., H. Purcell, Lpz., 1955; Holst I., H. Purcell, L., 1961, 1963; Moore R., Henry Purcell e il restauro theatre, L., 1961; Zimmermann, F. B., H. Purcell, 1659-1695. Un catalogo analitico della sua musica, L. - N. Y., 1963; il suo, H. Purcell, 1659-1695. His life and times, L. - N. Y., 1967; suo, The anthems of Henry Purcell, N. Y. 1971; Ferguson H., Purcell's clavicembalo musica, "Proceedings Royal music association", 1964/65 , n. 91; Duckles V., Gli inni di H. Pursell, N. Y., 1971. I. V. Rozanov.
Enciclopedia musicale. - M.: enciclopedia sovietica, compositore sovietico. ed. Yu V. Keldysha. 1973-1982 .
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