Oggi voglio dirvi di più sul metodo di pittura fiammingo, che abbiamo recentemente studiato nella prima serie del mio corso, e voglio anche mostrarvi un piccolo resoconto sui risultati e sul processo stesso del nostro apprendimento online.
Durante il corso ho parlato degli antichi metodi di pittura, di primer, vernici e colori, rivelato molti segreti che abbiamo messo in pratica: abbiamo dipinto una natura morta basata sul lavoro del piccolo olandese. Fin dall'inizio abbiamo lavorato tenendo conto di tutte le sfumature della tecnica pittorica fiamminga.
Questo metodo ha sostituito la tempera, che è stata scritta prima. Si ritiene che, come le basi della pittura a olio, il metodo sia stato sviluppato dall'artista fiammingo Primo Rinascimento - Jan Van Eyck.È qui che la pittura a olio inizia la sua storia.
COSÌ. Questo è il metodo di pittura che, secondo Van Mander, era usato dai pittori delle Fiandre: Van Eycky, Dürer, Luca di Leida e Pieter Brueghel. Il metodo è il seguente: su un fondo adesivo bianco e ben levigato, è stato trasferito un disegno con polvere da sparo o in altro modo, che prima veniva eseguito a grandezza naturale separatamente su carta (“cartone”), poiché si evitava di disegnare direttamente sul fondo per non disturbare il suo candore, che ha avuto grande importanza nella pittura fiamminga.
Quindi il disegno è stato ombreggiato con un marrone trasparente in modo che il terreno fosse visibile attraverso di esso.
L'ombreggiatura nominata è stata realizzata sia con la tempera e poi si faceva come un'incisione, con pennellate, o con colori ad olio, mentre il lavoro era fatto con la massima cura e già in questa forma era un'opera d'arte.
Secondo un disegno sfumato con colori ad olio, dopo l'asciugatura, scrivevano e finivano di dipingere o con mezzitoni freddi, aggiungendo poi quelli caldi (che van Mander chiama “Dead Tones”), oppure terminavano l'opera con smalti colorati, in un solo passaggio, semi -scafo, lasciando trasparire la preparazione marrone nei mezzitoni e nelle ombre. Abbiamo usato esattamente questo metodo.
I fiamminghi applicavano sempre i colori in uno strato sottile e uniforme per sfruttare la traslucenza del fondo bianco e ottenere una superficie liscia sulla quale, se necessario, si poteva smaltare più volte.
Con lo sviluppo dell'abilità pittorica degli artisti i metodi sopra descritti hanno subito alcune modifiche o semplificazioni, ogni artista utilizzava un proprio metodo leggermente diverso dagli altri.
Ma la base è rimasta la stessa per molto tempo: i fiamminghi dipingevano sempre su fondo adesivo bianco (che non disegnava olio dalle vernici) , un sottile strato di vernice, applicato in modo tale che non solo tutti gli strati di pittura, ma anche il fondo bianco, che era come una fonte di luce che illuminava il quadro dall'interno, partecipassero alla creazione dell'effetto pittorico complessivo.
La tua speranza Ilyina.
Studiando la tecnica di alcuni degli antichi maestri, ci imbattiamo nel cosiddetto “metodo fiammingo” della pittura ad olio. Questo è un modo di scrivere stratificato e tecnicamente complesso, l'opposto della tecnica "a la prima". La natura multistrato implicava una profondità speciale dell'immagine, il luccichio e la radiosità dei colori. Tuttavia, nella descrizione di questo metodo, si incontra invariabilmente uno stadio così misterioso come lo "strato morto". Nonostante il nome intrigante, non c'è misticismo in esso.
Ma a cosa serviva?
Il termine "colori morti" (doodverf - nid. death of paint) si trova per la prima volta nell'opera di Carl van Mander "The Book of Artists". Poteva chiamare così la pittura, da un lato, letteralmente, per la morte che conferisce all'immagine, dall'altro metaforicamente, poiché questo pallore, per così dire, “muore” sotto il colore successivo. Tali vernici includevano colori gialli, neri e rossi sbiancati in proporzioni diverse. Ad esempio, il grigio freddo è stato ottenuto mescolando bianco e nero, e nero e giallo, se combinati, formavano una tonalità verde oliva.
Uno strato dipinto con "colori morti" è considerato uno "strato morto".
Trasformazione in pittura a colori da uno strato morto grazie alla velatura Fasi della pittura "Strato morto"
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Innanzitutto, il disegno è stato trasferito sulla superficie innescata.
Il passo successivo è stato modellare il volume con una penombra trasparente, trasformandosi sottilmente nella luce del terreno.
Quindi è stata applicata l'imprimatura, uno strato di vernice liquida. Ha permesso di preservare il disegno, evitando che particelle di carboncino o matita penetrassero negli strati colorati superiori, e ha anche protetto i colori da ulteriori sbiadimenti. È grazie all'imprimatura che i colori saturi nei dipinti di Van Eyck, Rogier van der Weyden e altri maestri del Rinascimento settentrionale sono rimasti pressoché invariati fino ad oggi.
La quarta fase era lo "strato morto", in cui venivano applicate pitture sbiancate alla pittura di fondo sfusa. L'artista aveva bisogno di preservare la forma degli oggetti senza violare il contrasto luce-ombra, che avrebbe portato all'ottusità dell'ulteriore pittura. I "colori morti" venivano applicati solo alle parti chiare dell'immagine, a volte, imitando i raggi scorrevoli, il bianco veniva applicato con piccoli tratti punteggiati. L'immagine ha acquisito un volume aggiuntivo e un minaccioso pallore mortale, che, già nello strato successivo, "ha preso vita" grazie alla velatura a colori multistrato. Un dipinto così complesso sembra insolitamente profondo e radioso, quando la luce viene riflessa da ogni strato, come da uno specchio tremolante.
Oggi questo metodo non viene utilizzato spesso, tuttavia è importante conoscere i segreti degli antichi maestri. Usando la loro esperienza, puoi sperimentare nel tuo lavoro e trovare la tua strada in tutti i tipi di stili e tecniche.
In questa sezione, vorrei presentare ai miei ospiti i miei tentativi nel campo di una tecnica molto antica di pittura a strati, che spesso viene anche chiamata la tecnica della pittura fiamminga. Mi sono interessato a questa tecnica quando ho visto le opere degli antichi maestri, artisti del Rinascimento: Jan van Eyck, Peter Paul Rubens,
Petrus Christus, Pieter Brueghel e Leonardo da Vinci. Indubbiamente, queste opere sono ancora un modello, soprattutto in termini di tecnica esecutiva.
L'analisi delle informazioni su questo argomento mi ha aiutato a formulare per me stesso alcuni principi che aiutano, se non ripetere, almeno provare ad avvicinarsi in qualche modo a quella che viene chiamata la tecnica della pittura fiamminga.
Pieter Claesz, Natura morta
Ecco cosa si scrive spesso su di lei in letteratura e su Internet:
Ad esempio, tale caratteristica è data a questa tecnologia sul sito Web http://www.chernorukov.ru/
"Storicamente, questo è il primo metodo per lavorare con i colori ad olio, e la leggenda attribuisce la sua invenzione, così come l'invenzione dei colori stessi, ai fratelli van Eyck. Studi moderni di opere d'arte suggeriscono che la pittura dell'antico fiammingo i maestri avvenivano sempre su colla bianca di fondo, le vernici venivano applicate con un sottile strato velante, e in modo tale che non solo tutti gli strati di pittura, ma anche il colore bianco del fondo, che, traslucido attraverso la vernice, illumina il quadro dall'interno, ha contribuito a creare l'effetto pittorico complessivo.Degno di nota è anche l'assenza pratica del bianco nella pittura, ad eccezione di quei casi in cui sono stati dipinti abiti o tendaggi bianchi.A volte si trovano ancora nella luce più forte, ma anche allora solo sotto forma degli smalti più sottili.Tutto il lavoro sull'immagine è stato eseguito in una sequenza rigorosa.È iniziato con un disegno su carta spessa delle dimensioni dell'immagine futura.Si è scoperto così chiamato "cartone".Un esempio di tale cartone è il disegno di Leonardo da Vinci per il ritratto di Isabella d'Este. La fase successiva del lavoro è il trasferimento del modello a terra. Per fare ciò, è stato punto con un ago lungo l'intero contorno e i bordi delle ombre. Quindi il cartone è stato posto su un primer bianco lucido applicato alla tavola e il disegno è stato trasferito con polvere di carbone. Entrando nei fori praticati nel cartone, il carboncino ha lasciato un leggero contorno del disegno sulla base dell'immagine. Per ripararlo, una traccia di carbone è stata delineata con una matita, una penna o la punta acuminata di un pennello. In questo caso è stato utilizzato inchiostro o una sorta di vernice trasparente. Gli artisti non hanno mai dipinto direttamente sul terreno, poiché avevano paura di disturbarne il candore, che, come già accennato, svolgeva il ruolo del tono più leggero nella pittura. Dopo aver trasferito il disegno, hanno iniziato a ombreggiare con vernice marrone trasparente, assicurandosi che il terreno risplendesse ovunque attraverso il suo strato. L'ombreggiatura veniva eseguita con tempera o olio. Nel secondo caso, affinché il legante delle vernici non venisse assorbito dal terreno, è stato ricoperto con un ulteriore strato di colla. In questa fase del lavoro, l'artista ha risolto quasi tutti i compiti del quadro futuro, ad eccezione del colore. In futuro non sono state apportate modifiche al disegno e alla composizione, e già in questa forma l'opera era un'opera d'arte. A volte, prima di finire un quadro a colori, l'intero dipinto veniva preparato nei cosiddetti "colori morti", cioè toni freddi, chiari, di bassa intensità. Questa preparazione ha assunto l'ultimo strato di velatura di colori, con l'aiuto del quale hanno dato vita all'intera opera.
I dipinti realizzati con il metodo fiammingo sono ottimamente conservati. Realizzati su tavole stagionate, terreni solidi, resistono bene ai danni. La virtuale assenza di bianco nello strato pittorico, che di tanto in tanto perde il suo potere coprente e quindi cambia il colore complessivo dell'opera, ha fatto sì che vedessimo i dipinti quasi come uscivano dalle botteghe dei loro creatori.
Le condizioni principali da osservare quando si utilizza questo metodo sono un disegno scrupoloso, il calcolo più accurato, la corretta sequenza di lavoro e una grande pazienza.
La mia prima esperienza è stata ovviamente una natura morta. Presento una dimostrazione dettagliata dello sviluppo del lavoro
Il primo strato di imprimatura e disegno non interessa, quindi lo salto.
Il secondo strato è la registrazione naturale della terra d'ombra
Il 3° strato può essere sia un perfezionamento e una compattazione del precedente, sia uno "strato morto" realizzato con vernice bianca e nera e l'aggiunta di ocra, terra d'ombra bruciata e blu oltremare per un po' di calore o di freddezza.
Il 4° strato è la prima e debole introduzione del colore nell'immagine.
Il quinto strato introduce un colore più saturo.
Il sesto livello è il luogo della registrazione finale dei dettagli.
Il 7° strato può essere utilizzato per schiarire gli smalti, ad esempio per "disattivare" lo sfondo.
Ha lavorato nella tecnica del chiaroscuro (luce-ombra), in cui c'è un contrasto contrastante tra le aree scure dell'immagine e quelle chiare. È interessante notare che non è stato trovato un solo schizzo di Caravaggio. Ha lavorato immediatamente alla versione finale dell'opera.
La pittura del XVII secolo in Italia, Spagna e Olanda prese le nuove tendenze come una boccata d'aria fresca. Gli italiani de Fiori e Gentileschi, lo spagnolo Ribera, Terbruggen e Barburen hanno lavorato con una tecnica simile.
Il caravaggismo ha avuto anche una forte influenza sulle fasi della creatività di maestri come Peter Paul Rubens, Georges de Latour e Rembrandt.
Le voluminose tele dei caravagisti stupiscono per la loro profondità e attenzione ai dettagli. Parliamo di più dei pittori olandesi che hanno lavorato con questa tecnica.
Le primissime idee sono state prese da Hendrik Terbruggen. Visitò Roma all'inizio del XVII secolo, dove conobbe Manfredi, Saraceni e Gentileschi. Fu l'olandese a dare inizio alla scuola di pittura di Utrecht con questa tecnica.
Le trame delle tele sono realistiche, sono caratterizzate dal morbido umorismo delle scene raffigurate. Terbruggen ha mostrato non solo singoli momenti della sua vita contemporanea, ma ha anche ripensato il naturalismo tradizionale.
Honthorst è andato oltre nello sviluppo della scuola. Si è rivolto alle storie bibliche, ma ha costruito la trama dal punto di vista quotidiano degli olandesi del XVII secolo. Quindi, nei suoi dipinti vediamo una chiara influenza della tecnica del chiaroscuro. Furono le sue opere sotto l'influenza dei caravagisti a portargli fama in Italia. Per le sue scene di genere a lume di candela, ha ricevuto il soprannome di "notte".
A differenza della scuola di Utrecht, pittori fiamminghi come Rubens e van Dyck non divennero ardenti sostenitori del caravagismo. Questo stile è indicato nelle loro opere solo come una fase separata nella formazione di uno stile personale.
Adrian Brouwer e David Teniers
Per diversi secoli, la pittura dei maestri fiamminghi ha subito cambiamenti significativi. Inizieremo la nostra rassegna di artisti dalle fasi successive, quando ci fu un passaggio dai dipinti monumentali a soggetti strettamente focalizzati.
Prima Brouwer e poi Teniers the Younger, basato su scene della vita quotidiana di comuni olandesi. Quindi, Adrian, continuando i motivi di Pieter Brueghel, cambia in qualche modo la tecnica della scrittura e il focus dei suoi dipinti.
Si concentra sul lato meno attraente della vita. Tipi per tele che cerca in taverne e osterie fumose e semibuie. Tuttavia, i dipinti di Brouwer stupiscono per la loro espressione e la profondità dei personaggi. L'artista nasconde i personaggi principali nel profondo, mettendo in primo piano le nature morte.
Una lite per una partita a dadi oa carte, un fumatore addormentato o ubriaconi danzanti. Erano questi soggetti che interessavano il pittore.
Ma le opere successive di Brouwer diventano morbide, in esse l'umorismo prevale sul grottesco e sulla sfrenatezza. Ora le tele contengono stati d'animo filosofici e riflettono la lentezza dei personaggi riflessivi.
I ricercatori affermano che nel XVII secolo gli artisti fiamminghi iniziano a ridursi rispetto alla precedente generazione di maestri. Tuttavia, assistiamo semplicemente a una transizione dalla vivida espressione dei soggetti mitici di Rubens e del burlesque di Jordaens alla vita tranquilla dei contadini di Teniers il Giovane.
Quest'ultimo, in particolare, si è concentrato sui momenti spensierati delle vacanze in villaggio. Ha cercato di rappresentare i matrimoni e le feste dei comuni contadini. Inoltre, è stata prestata particolare attenzione ai dettagli esterni e all'idealizzazione dello stile di vita.
Frans Snyders
Come Anton van Dijk, di cui parleremo più avanti, ha iniziato ad allenarsi con Hendrik van Balen. Inoltre, Pieter Brueghel il Giovane fu anche il suo mentore.
Considerando le opere di questo maestro, conosciamo un altro aspetto della creatività, così ricco nella pittura fiamminga. I dipinti di Snyders sono completamente diversi dalle tele dei suoi contemporanei. Frans è riuscito a trovare la sua nicchia e svilupparsi in essa fino alle vette di un maestro insuperabile.
È diventato il migliore nella rappresentazione di nature morte e animali. Come pittore di animali, fu spesso invitato da altri pittori, in particolare Rubens, a creare alcune parti dei loro capolavori.
Il lavoro di Snyders mostra una transizione graduale dalle nature morte nei primi anni alle scene di caccia nei periodi successivi. Con tutta l'antipatia per i ritratti e le raffigurazioni di persone, sono ancora presenti sulle sue tele. Come è uscito dalla situazione?
È semplice, Frans ha invitato Janssens, Jordaens e altri maestri familiari della gilda a creare immagini di cacciatori.
Così, vediamo che la pittura del XVII secolo nelle Fiandre riflette una fase eterogenea di transizione rispetto a tecniche e atteggiamenti precedenti. Non è andato liscio come in Italia, ma ha dato al mondo creazioni completamente insolite dei maestri fiamminghi.
Jacob Jordaens
La pittura fiamminga del XVII secolo è caratterizzata da una maggiore libertà rispetto al periodo precedente. Qui puoi vedere non solo scene dal vivo della vita, ma anche l'inizio dell'umorismo. In particolare, si concedeva spesso di aggiungere un pezzo di burlesque alle sue tele.
Nel suo lavoro, non ha raggiunto vette significative come ritrattista, ma tuttavia è diventato forse il migliore nel trasmettere il carattere nella foto. Quindi, una delle sue serie principali - "Feasts of the Bean King" - è costruita sull'illustrazione di folklore, detti popolari, barzellette e detti. Queste tele raffigurano la vita affollata, allegra e movimentata della società olandese nel XVII secolo.
Parlando dell'arte pittorica olandese di questo periodo, citeremo spesso il nome di Peter Paul Rubens. Era la sua influenza che si rifletteva nel lavoro della maggior parte degli artisti fiamminghi.
Anche Jordanes non è sfuggito a questo destino. Ha lavorato per qualche tempo nelle botteghe di Rubens, creando schizzi per dipinti. Tuttavia, Jacob era più bravo a creare tenebrismo e chiaroscuro nella tecnica.
Se guardi da vicino i capolavori di Jordaens, confrontali con le opere di Peter Paul, vedremo una chiara influenza di quest'ultimo. Ma le tele di Jacob si distinguono per colori più caldi, libertà e morbidezza.
Pietro Rubens
Quando si parla dei capolavori della pittura fiamminga, non si può non citare Rubens. Peter Paul è stato un maestro riconosciuto durante la sua vita. È considerato un virtuoso di temi religiosi e mitici, ma l'artista non ha mostrato meno talento nella tecnica del paesaggio e della ritrattistica.
È cresciuto in una famiglia caduta in disgrazia a causa dei trucchi di suo padre in gioventù. Subito dopo la morte di un genitore, la loro reputazione viene ripristinata e Rubens e sua madre tornano ad Anversa.
Qui il giovane acquisisce rapidamente i contatti necessari, viene nominato paggio della contessa de Lalen. Inoltre, Peter Paul incontra Tobias, Verhacht, van Noort. Ma Otto van Veen ha avuto un'influenza speciale su di lui come mentore. È stato questo artista a svolgere un ruolo decisivo nel plasmare lo stile del futuro maestro.
Dopo quattro anni di tirocinio con Otto Rubens, vengono accettati nell'associazione corporativa di artisti, incisori e scultori denominata Corporazione di San Luca. La fine della formazione, secondo la lunga tradizione dei maestri olandesi, è stata un viaggio in Italia. Lì, Peter Paul ha studiato e copiato i migliori capolavori di quest'epoca.
Non sorprende che i dipinti degli artisti fiamminghi nei loro lineamenti assomiglino alla tecnica di alcuni maestri italiani del Rinascimento.
In Italia, Rubens ha vissuto e lavorato con il famoso filantropo e collezionista Vincenzo Gonzaga. Gli studiosi chiamano questo periodo del suo lavoro il periodo mantovano, perché in questa città si trovava la tenuta del mecenate Pietro Paolo.
Ma il luogo provinciale e il desiderio dei Gonzaga di servirsene non piacquero a Rubens. In una lettera scrive che con lo stesso successo Vincenzo potrebbe avvalersi dei servizi di ritrattisti artigiani. Due anni dopo, il giovane trova mecenati e ordini a Roma.
Il principale risultato del periodo romano fu il dipinto di Santa Maria in Valicella e l'altare del monastero di Fermo.
Dopo la morte di sua madre, Rubens torna ad Anversa, dove diventa rapidamente il maestro più pagato. Lo stipendio ricevuto alla corte di Bruxelles gli ha permesso di vivere in grande stile, avere una grande bottega e molti apprendisti.
Inoltre, Peter Paul ha mantenuto una relazione con l'ordine dei gesuiti, che lo ha allevato durante l'infanzia. Da loro riceve ordini per la decorazione interna della chiesa di San Carlo Borromeo ad Anversa. Qui è aiutato dal miglior studente - Anton van Dyck, di cui parleremo più avanti.
Rubens ha trascorso la seconda metà della sua vita in missioni diplomatiche. Poco prima della sua morte, si comprò una tenuta, dove si stabilì, riprese paesaggi e raffigurava la vita dei contadini.
Nell'opera di questo grande maestro si rintraccia soprattutto l'influenza di Tiziano e Brueghel. Le opere più famose sono le tele "Sansone e Dalila", "La caccia all'ippopotamo", "Il rapimento delle figlie di Leucippo".
Rubens ebbe un'influenza così forte sulla pittura dell'Europa occidentale che nel 1843 gli fu eretto un monumento sulla Piazza Verde di Anversa.
Anton Van Dyck
Un ritrattista di corte, un maestro della pittura di soggetti mitici e religiosi, un artista: tutte queste sono le caratteristiche di Anton van Dyck, il miglior allievo di Peter Paul Rubens.
Le tecniche pittoriche di questo maestro si sono formate durante gli studi con Hendrik van Balen, al quale è stato affidato come apprendista. Sono stati gli anni trascorsi nella bottega di questo pittore che hanno permesso ad Anton di guadagnare rapidamente fama locale.
A quattordici anni scrive il suo primo capolavoro, a quindici apre la sua prima bottega. Così, in giovane età, van Dijk diventa una celebrità di Anversa.
All'età di diciassette anni, Anton fu accettato nella corporazione di San Luca, dove divenne apprendista con Rubens. Per due anni (dal 1918 al 1920), van Dyck dipinge ritratti di Gesù Cristo e dei dodici apostoli su tredici tavole. Oggi queste opere sono conservate in molti musei del mondo.
L'arte pittorica di Anton van Dyck era più incentrata su temi religiosi. Scrive nella bottega di Rubens i suoi famosi dipinti "Incoronazione con una corona" e "Il bacio di Giuda".
Dal 1621 inizia il periodo dei viaggi. Prima il giovane artista lavora a Londra, sotto King James, poi va in Italia. Nel 1632 Anton tornò a Londra, dove Carlo I lo nominò cavaliere e gli conferì l'incarico di pittore di corte. Qui ha lavorato fino alla sua morte.
Le sue tele sono esposte nei musei di Monaco, Vienna, Louvre, Washington, New York e in molte altre sale del mondo.
Così oggi noi, cari lettori, abbiamo conosciuto la pittura fiamminga. Hai un'idea della storia della sua formazione e della tecnica di creazione delle tele. Inoltre, abbiamo incontrato brevemente i più grandi maestri olandesi di questo periodo.
Ecco le opere di artisti del Rinascimento: Jan van Eyck, Petrus Christus, Pieter Brueghel e Leonardo da Vinci. Queste opere di autori diversi e di trama diversa sono unite da un metodo di scrittura: il metodo di pittura fiammingo. Storicamente, questo è il primo metodo per lavorare con i colori ad olio e la leggenda attribuisce la sua invenzione, così come l'invenzione dei colori stessi, ai fratelli van Eyck. Il metodo fiammingo era popolare non solo nel Nord Europa. Fu portato in Italia, dove vi ricorsero tutti i più grandi artisti del Rinascimento fino a Tiziano e Giorgione. Si ritiene che gli artisti italiani abbiano dipinto le loro opere in questo modo molto prima dei fratelli van Eyck. Non approfondiremo la storia e chiariremo chi è stato il primo ad applicarlo, ma proveremo a parlare del metodo stesso.I moderni studi sulle opere d'arte ci consentono di concludere che la pittura degli antichi maestri fiamminghi era sempre eseguita su fondo adesivo bianco. Le vernici sono state applicate in un sottile strato di velatura, e in modo tale che non solo tutti gli strati di pittura, ma anche il colore bianco del fondo, che, traslucido attraverso la vernice, illumina il quadro dall'interno, ha preso parte alla creazione l'effetto pittorico complessivo. Degna di nota è anche la pratica assenza del bianco nella pittura, ad eccezione di quei casi in cui venivano dipinti abiti o tendaggi bianchi. A volte si trovano ancora nelle luci più forti, ma anche in questo caso solo sotto forma di smalti più sottili.
Tutto il lavoro sull'immagine è stato eseguito in una sequenza rigorosa. È iniziato con un disegno su carta spessa delle dimensioni dell'immagine futura. Si è scoperto il cosiddetto "cartone". Un esempio di tale cartone è il disegno di Leonardo da Vinci per il ritratto di Isabella d'Este.
La fase successiva del lavoro è il trasferimento del disegno a terra. Per fare ciò, è stato punto con un ago lungo l'intero contorno e i bordi delle ombre. Quindi il cartone è stato posto su un primer bianco lucido applicato alla tavola e il disegno è stato trasferito con polvere di carbone. Entrando nei fori praticati nel cartone, il carboncino ha lasciato un leggero contorno del disegno sulla base dell'immagine. Per ripararlo, una traccia di carbone è stata delineata con una matita, una penna o la punta acuminata di un pennello. In questo caso è stato utilizzato inchiostro o una sorta di vernice trasparente. Gli artisti non hanno mai dipinto direttamente sul terreno, poiché avevano paura di disturbarne il candore, che, come già accennato, svolgeva il ruolo del tono più leggero nella pittura.
Dopo aver trasferito il disegno, hanno iniziato a ombreggiare con vernice marrone trasparente, assicurandosi che il terreno risplendesse ovunque attraverso il suo strato. L'ombreggiatura veniva eseguita con tempera o olio. Nel secondo caso, affinché il legante delle vernici non venisse assorbito dal terreno, è stato ricoperto con un ulteriore strato di colla. In questa fase del lavoro, l'artista ha risolto quasi tutti i compiti del quadro futuro, ad eccezione del colore. In futuro non sono state apportate modifiche al disegno e alla composizione, e già in questa forma l'opera era un'opera d'arte.
A volte, prima di finire un quadro a colori, l'intero dipinto veniva preparato nei cosiddetti "colori morti", cioè toni freddi, chiari, di bassa intensità. Questa preparazione ha assunto l'ultimo strato di velatura di colori, con l'aiuto del quale hanno dato vita all'intera opera.
Leonardo Da Vinci. "Cartone per il ritratto di Isabella d'Este.
Carbone, sanguigna, pastello. 1499.
Certo, abbiamo tracciato uno schema generale del metodo di pittura fiammingo. Naturalmente, ogni artista che lo ha utilizzato ha apportato qualcosa di suo. Ad esempio, sappiamo dalla biografia dell'artista Hieronymus Bosch che ha dipinto in una volta sola, utilizzando il metodo fiammingo semplificato. Allo stesso tempo, i suoi dipinti sono molto belli e i colori non hanno cambiato colore nel tempo. Come tutti i suoi contemporanei, ha preparato un sottile fondo bianco, sul quale ha trasferito il disegno più dettagliato. Lo ha sfumato con tempera marrone, dopodiché ha ricoperto il quadro con uno strato di vernice color carne trasparente, che isola il primer dalla penetrazione dell'olio dai successivi strati pittorici. Dopo aver asciugato il quadro, restava da registrare lo sfondo con velature di toni precomposti, e l'opera era compiuta. Solo a volte alcuni punti sono stati inoltre prescritti con un secondo strato per migliorare il colore. Peter Brueghel ha scritto le sue opere in modo simile o molto vicino.
Un'altra variazione del metodo fiammingo può essere vista nell'opera di Leonardo da Vinci. Se guardi la sua opera incompiuta, L'Adorazione dei Magi, puoi vedere che è stata iniziata su fondo bianco. Il disegno tradotto dal cartone è stato delineato con vernice trasparente come terra verde. Il disegno è sfumato in un tono marrone, vicino al seppia, composto da tre colori: nero, pastello e ocra rossa. L'intera opera è ombreggiata, il fondo bianco non è mai stato lasciato non scritto, anche il cielo è preparato nella stessa tonalità marrone.
Nelle opere finite di Leonardo da Vinci, le luci sono ottenute grazie al fondo bianco. Ha dipinto lo sfondo di opere e abiti con sottilissimi strati di vernice trasparente sovrapposti.
Utilizzando il metodo fiammingo, Leonardo da Vinci è stato in grado di ottenere una straordinaria resa del chiaroscuro. Allo stesso tempo, lo strato di vernice è uniforme e molto sottile.
Il metodo fiammingo è stato brevemente utilizzato dagli artisti. È esistito nella sua forma pura per non più di due secoli, ma molte grandi opere sono state create in questo modo. Oltre ai maestri già citati, lo utilizzarono Holbein, Dürer, Perugino, Rogier van der Weyden, Clouet e altri artisti.
I dipinti realizzati con il metodo fiammingo sono ottimamente conservati. Realizzati su tavole stagionate, terreni solidi, resistono bene ai danni. La virtuale assenza di bianco nello strato pittorico, che di tanto in tanto perde il suo potere coprente e quindi cambia il colore complessivo dell'opera, ha fatto sì che vedessimo i dipinti quasi come uscivano dalle botteghe dei loro creatori.
Le condizioni principali da osservare quando si utilizza questo metodo sono il disegno rigoroso, il calcolo più accurato, la corretta sequenza di lavoro e una grande pazienza.