Fatti incredibili
Iperrealismo a matita
Di Diego Fazio
Questo talentuoso artista di 22 anni non smette mai di stupire e di dimostrare ancora una volta che i suoi dipinti non sono fotografie e che sono tutti disegnati a matita.
Firma i suoi lavori, che pubblica su Internet, come DiegoKoi. Poiché c'è ancora chi non crede che disegna tutto da solo, deve condividere i segreti della sua creatività.
L'artista può già vantarsi del proprio stile: inizia tutto il suo lavoro dal bordo del foglio, imitando involontariamente una stampante a getto d'inchiostro.
I suoi strumenti principali sono matite e carboncino. Fazio impiega circa 200 ore per dipingere un ritratto.
Dipinti ad olio
Di Eloy Morales
Autoritratti incredibilmente realistici sono creati dal pittore spagnolo Eloy Morales.
Tutti i dipinti sono dipinti ad olio. In essi raffigura se stesso, macchiato di colori o crema da barba, cercando così di catturare e rappresentare la luce.
Il lavoro sui dipinti è molto meticoloso. L'autore lavora lentamente, scegliendo con cura i colori ed elaborando tutti i dettagli.
Eppure Morales nega di dare importanza ai dettagli. Afferma che la cosa più importante per lui è scegliere i toni giusti.
Se effettui una transizione precisa tra i toni, i dettagli appariranno da soli.
Dipinti con matite colorate
Di José Vergara
Jose Vergara è un giovane artista americano del Texas. È autore di dipinti, ognuno dei quali trasmette in modo incredibilmente accurato l'occhio umano.
Vergara ha imparato l'abilità di disegnare gli occhi e i loro dettagli quando aveva solo 12 anni.
Tutti i dipinti iperrealistici sono disegnati con normali matite colorate.
Per rendere i dipinti ancora più realistici, l'artista aggiunge alle iridi i riflessi degli oggetti che l'occhio sta guardando. Potrebbe essere l'orizzonte o le montagne.
Dipinti ad olio
Di Roberto Bernardi
Le opere dell'artista contemporaneo quarantenne, nato a Toddi, in Italia, colpiscono per il loro realismo e dettaglio.
Vale la pena notare che ha iniziato a disegnare nella prima infanzia e all'età di 19 anni è stato attratto dal movimento dell'iperrealismo e dipinge ancora dipinti ad olio in questo stile.
Dipinti acrilici
Di Tom Martin
Questo giovane artista di 28 anni viene da Wakefield, in Inghilterra. Si è laureato con lode in Arte e Design presso l'Università di Huddersfield nel 2008.
Ciò che raffigura nei suoi dipinti è legato alle immagini che vede ogni giorno. Tom stesso conduce uno stile di vita sano e questo influenza il suo lavoro.
Nei dipinti di Martin puoi trovare un pezzo di acciaio o caramelle disposte, e in tutto questo lui trova qualcosa di suo, di speciale.
Il suo obiettivo non è semplicemente copiare un'immagine da una fotografia, dipinge immagini utilizzando diverse tecniche di pittura e modellazione sviluppate utilizzando la tecnologia moderna.
L'obiettivo di Martin è far credere allo spettatore nelle cose che vede davanti a lui.
Dipinti ad olio
Di Pedro Campos
Pedro Campos è un artista spagnolo che vive a Madrid, Spagna. Tutti i suoi dipinti sono incredibilmente simili alle fotografie, ma in realtà sono tutti dipinti con colori ad olio.
La carriera di un artista di talento inizia nei laboratori creativi, dove, ancora giovanissimo, progetta locali notturni e ristoranti. Successivamente lavorò in agenzie pubblicitarie, ma il suo amore per l'iperrealismo e la pittura probabilmente arrivò mentre era impegnato nel restauro.
All'età di 30 anni iniziò a pensare seriamente di diventare un artista indipendente. Oggi ha più di quarant'anni ed è un maestro riconosciuto nel suo mestiere. Il lavoro di Campos può essere visto presso la famosa galleria d'arte londinese Plus One.
Per i suoi dipinti, l'artista sceglie oggetti con una consistenza particolare, ad esempio palline lucenti, bicchieri scintillanti, ecc. Dà nuova vita a tutti questi oggetti apparentemente ordinari e poco appariscenti.
Dipinti con penna a sfera
Di Samuel Silva
La cosa più interessante delle opere di questo artista è che sono disegnate esclusivamente con penne a sfera - 8 colori.
La maggior parte dei dipinti del 29enne Silva sono copiati da fotografie che gli piacevano di più.
Per disegnare un ritratto, un artista ha bisogno di circa 30 ore di lavoro scrupoloso.
Vale la pena notare che quando si disegna con penne a sfera, l'artista non ha il diritto di commettere errori, perché... sarà quasi impossibile risolverlo.
Samuel non mescola l'inchiostro. Invece, tratti di colori diversi vengono applicati a strati, il che conferisce al dipinto l'effetto di una ricca tavolozza di colori.
Il giovane artista è un avvocato di professione e il disegno è solo il suo hobby. I primi disegni sono stati realizzati su quaderni durante i miei anni scolastici.
Oltre alle penne, Samuel prova a disegnare con gesso, matita, colori ad olio e acrilici.
Dipinti ad acquerello
Di Eric Christensen
Questo artista autodidatta ha iniziato a disegnare nel 1992. Ora Christensen è uno degli artisti più popolari e alla moda.
Tra l'altro Eric è finora l'unico artista iperrealista al mondo che dipinge esclusivamente con gli acquerelli.
I suoi dipinti raffigurano uno stile di vita ozioso, motivando lo spettatore a rilassarsi da qualche parte in una villa con un bicchiere di vino in mano.
Dipinti ad olio
Di Luigi Benedicenti
Originario della città di Chieri, Benedicenti ha deciso di collegare la sua vita al realismo. È nato il 1 aprile 1948, cioè già negli anni Settanta ha lavorato in questa direzione.
Alcuni dei suoi dipinti più famosi erano quelli in cui raffigurava in dettaglio pasticcini, torte e fiori, e sembravano così accurati che veniva voglia di mangiare queste torte.
Luigi si diploma al liceo artistico di Torino negli anni '70. Molti critici iniziarono a parlare bene dei suoi dipinti e apparvero anche i suoi stessi fan, ma l'artista non aveva fretta di affrontare il clamore della mostra.
All'inizio degli anni '90 decide di esporre al pubblico le sue opere.
L'autore stesso afferma di voler trasmettere nelle sue opere le sensazioni e l'eccitazione delle piccole gioie che lui stesso sperimenta ogni giorno, essendo un padre di famiglia esemplare, un buon amico e residente in un piccolo paese italiano.
Dipinti ad olio e acquerello
Di Gregory Thielker
Il lavoro dell'artista Gregory Tilker, nato nel New Jersey nel 1979, ricorda un viaggio in macchina in una serata fresca e piovosa.
Nel lavoro di Tilker puoi vedere parcheggi, automobili, autostrade e strade attraverso le gocce di pioggia su una finestra.
Vale la pena notare che Tilker ha studiato storia dell'arte al Williams College e pittura all'Università di Washington.
Dopo essersi trasferito a Boston, Gregory ha deciso di concentrarsi sui paesaggi urbani, che possono essere visti nelle sue opere.
Disegni a matita, gesso e carboncino
Di Paul Cadden
Potresti rimanere sorpreso, ma le opere del famoso artista scozzese Paul Cadden sono state influenzate dalla brillante scultrice sovietica Vera Mukhina.
I colori principali nei suoi dipinti sono il grigio e il grigio scuro, e lo strumento che usa è una matita di ardesia, con la quale trasmette anche le più piccole gocce d'acqua congelate sul viso di una persona.
A volte Cadden utilizza gesso e carboncino per rendere l'immagine ancora più realistica.
Vale la pena notare che l'eroe disegna dalle fotografie. L'artista afferma che la sua missione è creare una storia vivente da una fotografia ordinaria e piatta.
Disegni a matita colorata
Di Marcello Barenghi
Il tema principale dell'artista iperrealista Marcello Berengi sono gli oggetti che ci circondano.
Le immagini che disegna sono così reali che sembra che tu possa prendere in mano un sacchetto di patatine disegnato o risolvere un cubo di Rubik disegnato.
Per creare un dipinto, Marcello impiega fino a 6 ore di lavoro scrupoloso.
Un altro fatto interessante è che l'artista stesso filma l'intero processo di creazione di un disegno e poi pubblica online un video di 3 minuti.
L'artista italiano Marcello Barenghi pesca 50 euro
Sembrerebbe che si tratti di fotografie di prima classe, ma in realtà sono dipinti iperrealistici che catturano la realtà con sorprendente chiarezza.
Il lato positivo Ho già parlato di capolavori dell'iperrealismo che stupiscono per la loro plausibilità. Ma la creatività degli artisti non si ferma e migliora costantemente la qualità del loro lavoro. Alla ricerca della tecnica e del dettaglio, hanno raggiunto una somiglianza senza precedenti. Tuttavia, la notevole perseveranza e talento degli autori rendono questi ritratti qualcosa di più di una semplice copia di una fotografia. Contengono la vita, la visione dell’artista, le emozioni e l’illusione del mondo in cui viviamo.
Linnea Strid
Linnea Strid è nata nel 1983 in un piccolo villaggio svedese. All'età di 16 anni, la sua famiglia si trasferì in Spagna e nel 2004 tornarono in Svezia, dove studiò alla scuola d'arte per 4 anni. Attualmente, l'artista lavora nel genere dell'iperrealismo e partecipa a mostre in tutto il mondo.
Sevostyanova Galina
Galina Sevostyanova è un'artista autodidatta della città russa di Kemerovo. Mi sono interessato seriamente al disegno nel 2010 e da allora ho ottenuto un incredibile successo nella tecnica e nell'arte dell'iperrealismo.
Juan Carlos Manyares
Juan Carlos Magnaares è nato nel 1970 a Guadalajara, in Messico. Artista autodidatta, ha presentato la sua prima mostra all'età di 24 anni presso la galleria La Escalera. Nel corso del tempo, il suo nome e i suoi bellissimi dipinti divennero famosi negli Stati Uniti e all'estero.
Callie Haun
L'artista tedesca Callie Haun è conosciuta in tutto il mondo principalmente come autrice di opere scioccanti e provocatorie. Iniziando la sua carriera nel design delle insegne, Culley si è evoluto in uno degli artisti iperrealisti più rispettati.
Patrick Kramer
Patrick Kramer è nato a Kaysville, Utah, Stati Uniti. L'artista non si limita a nessun argomento e dipinge di tutto: dalle nature morte e ritratti classici ai paesaggi pittoreschi e scene cittadine.
William Lazos
L'artista canadese William Lazos lavora da molti anni alla creazione di dipinti iperrealistici. La caratteristica principale delle sue opere è lo straordinario gioco di luci e ombre.
Damien Loeb
Alcuni critici criticano i dipinti degli iperrealisti per la loro mancanza di originalità, ma le opere dell'artista Damien Loeb rappresentano un'eccezione a una serie di regole. Con l'aiuto di molti dettagli, sottolinea la naturale bellezza del corpo femminile, con tutti i suoi difetti e perfezione.
Harriet White
Harriet White è nata a Taunton, nel Regno Unito. Si è diplomata in una scuola d'arte locale, dove ha migliorato le sue capacità di iperrealismo. Oggi il suo lavoro è esposto principalmente in gallerie commerciali.
Vincenzo Fatauzo
Il lavoro del famoso artista australiano Vincent Fatauzo è stato esposto in tutto il mondo. Il suo dipinto Heath ha ricevuto il People's Choice Award nel prestigioso concorso di pittura Archibald Prize 2008. Il ritratto di Heath Ledger è stato dipinto poche settimane prima della morte dell'attore.
Filippo Munoz
L'artista autodidatta Philippe Munoz vive a Bristol, nel Regno Unito. I dipinti dell'autore sono dedicati al glamour e alla sua influenza sulla società moderna. Come ammette lo stesso Filippo, lo scopo del suo lavoro è riflettere la vivace vita cittadina, quindi nei ritratti puoi spesso trovare partecipanti alle feste e altri amanti dell'intrattenimento.
Natalie Vogel
La maggior parte dei dipinti di Nathalie Vogel raffigurano donne misteriose che incantano lo spettatore con la loro bellezza e tragedia. La capacità di riconoscere sottilmente il linguaggio del corpo umano è una caratteristica distintiva di tutto il suo lavoro.
Robin Eley
Robin Eley è nato in Gran Bretagna, cresciuto in Australia e ha studiato in America. Ciascuno dei suoi dipinti richiede circa 5 settimane di lavoro, 90 ore settimanali. Il tema principale sono le persone avvolte nel cellophane.
Ivan Franko Fraga
L'artista spagnolo Ivan Franco Fraga ha ricevuto la sua formazione artistica presso l'Università di Vigo, in Spagna. Le sue opere sono state esposte in numerose gallerie in Spagna e hanno preso parte a diversi concorsi.
Kang Kang Hoon
L'artista coreano Kang Kang Hoon utilizza una varietà di soggetti nei suoi dipinti, mescolandoli con splendidi ritratti di persone.
Denis Peterson
Denis Peterson è considerato uno dei fondatori del movimento dell'iperrealismo negli Stati Uniti. Le sue opere sono apparse per la prima volta al Brooklyn Museum, alla Tate Modern e in altri luoghi famosi. L'artista preferisce dipingere con tempera e colori acrilici.
Sharyl Luxenburg
L'artista canadese Sharyl Luxenburg migliora la tecnica nel suo lavoro da 35 anni. Come materiale principale utilizza una miscela di colori acrilici e acquerelli, grazie ai quali ottiene un effetto “granuloso”. Nelle sue opere si sforza di mostrare i più piccoli dettagli del volto e del corpo umano.
Parco Heng Jin
L'artista coreano Hyung Jin Park si è laureato alla Facoltà di Belle Arti di Seoul, dopo di che ha esposto alcune delle sue opere in gallerie a Pechino. Attualmente vive a New York.
Ruth Tyson
L'artista britannica Ruth Tyson, come molti dei suoi colleghi, non ha una formazione artistica, ma ha un buon modo di eseguire le sue opere. Disegna con matite di grafite e acquerello, ma a volte dipinge anche.
Katarina Zimnicka
Dell'artista polacca Katarina Zimnicka, 22 anni, non si sa quasi nulla, ma il realismo delle sue opere è sorprendente.
Suzana Stojanovic
L'artista serba Suzana Stojanovic è una delle artiste più esperte dell'iperrealismo. Appassionata di pittura dall'età di 4 anni, diventa nel tempo un'artista famosa, la cui creatività non si limita ad alcuna tecnica e materiale. Suzana partecipa a numerose mostre internazionali, dove le sue opere sono state molto apprezzate da storici ed esperti dell'arte.
Leslie Harrison
L'artista americana Leslie Harrison crea splendidi ritratti realistici di animali da oltre 30 anni della sua carriera professionale.
Rod Chase
Rod Chase è uno dei migliori e famosi artisti iperrealisti. Vero estimatore del suo lavoro, è stato molto apprezzato da molti dei suoi “colleghi”. Trascorre centinaia di ore e sforzi incredibili su ciascuno dei suoi dipinti. Le sue tele raffigurano famosi monumenti degli Stati Uniti e della Gran Bretagna.
Rod Penner
L'artista americano Rod Penner vive in Texas e ama rappresentare le piccole città di questo stato. Nei suoi dipinti cerca di catturare la vita senza fretta e la tranquillità regnante dell'entroterra americano.
Pedro Campos
L'artista madrileno Pedro Campos dipinge su tela con colori ad olio. Iniziò la sua carriera quando era ancora ragazzino, in laboratori creativi che progettavano locali notturni. Raggiunta l'età di 30 anni, Pedro pensò seriamente di diventare un artista indipendente. E oggi, a 44 anni, è già un maestro riconosciuto, le cui opere sono esposte nella famosa galleria d'arte londinese Plus One.
Cheryl Kelly
L'artista americana Cheryl Kelly dipinge esclusivamente auto d'epoca. Per Kelly, il suo amore per le auto è principalmente un'attrazione profonda e istintiva per la loro forma, piuttosto che una passione per il rombo del motore. L'artista stessa descrive così la sua passione: “La prima cosa che mi affascina è la bellezza. Posso letteralmente perdermi nei riflessi delle bellissime auto quando si fermano al semaforo.”
Jason de Graaf
L'artista iperrealista canadese Jason de Graaf è nato nel 1971 a Montreal. L'autore di splendide nature morte dice del suo lavoro: "Il mio desiderio principale è creare l'illusione di profondità e presenza, cosa molto difficile da ottenere con la fotografia".
Steve Mills
L'artista iperrealista Steve Mills è originario di Boston. Ha venduto la sua prima opera all'età di 11 anni. Secondo Mills, ha sempre trovato affascinante esaminare e studiare da vicino quelle cose a cui le persone non prestano attenzione nella vita ordinaria. Questo è ciò su cui si concentra nelle sue opere, costringendo lo spettatore a prestare attenzione alla trama e ai giochi di luce in un barattolo di vetro.
20 artisti pronti a competere con la macchina fotografica
Il lato positivo Ho già parlato di alcuni autori di talento il cui lavoro colpisce per la sua plausibilità. Sembrerebbe che si tratti di fotografie di prima classe, ma in realtà sono dipinti iperrealistici che catturano la realtà con sorprendente chiarezza.
La creazione di disegni così fotorealistici richiede molto tempo, perché letteralmente ogni piccolo dettaglio deve essere disegnato in modo molto accurato. Gli artisti trascorrono dozzine o addirittura centinaia di ore su ogni dipinto prima di presentare il loro lavoro ai critici. La notevole perseveranza e talento degli autori rendono questi ritratti qualcosa di più di una semplice copia di una fotografia. Contengono la vita, la visione dell’artista, le emozioni e l’illusione del mondo in cui viviamo.
Diego Fazio
L'apparizione di ogni nuovo dipinto dell'artista Diego Facio su Internet è accompagnato da un'ondata di commenti nello spirito di "Non credo che questo sia un disegno", "poco convincente" e tutto nello stesso spirito. Il maestro del disegno a matita di 22 anni ha dovuto condividere i segreti della sua creatività. L'iperrealista autodidatta Diego Fazio ha iniziato con schizzi per tatuaggi. Ispirato dal lavoro degli artisti giapponesi del periodo Edo, in particolare dal grande Katsushika Hokusai, Diego iniziò ad affinare le sue capacità, sviluppando una propria tecnica di disegno. Funziona come una stampante a getto d'inchiostro, iniziando a disegnare dal bordo del foglio. Utilizza semplici matite e carboncino. L'artista impiega 200 ore di lavoro per creare un ritratto.
Yigal Ozeri
Yigal Ozeri è un artista contemporaneo di New York. Yigal trasmette in modo incredibilmente accurato il gioco di luci e ombre, abbagliamento e luce solare, creando così magistralmente l'illusione della fotografia. Il processo di creazione di questi straordinari dipinti iperrealistici consiste in diverse fasi. Innanzitutto, l'artista fotografa i modelli nel loro ambiente naturale. Successivamente, nel suo laboratorio creativo, elabora e stampa fotografie e solo dopo dipinge. Yigal crea molti dipinti in intere serie, il che induce ulteriormente in errore le persone sull'autenticità delle opere, il che, in generale, è comprensibile: un maestro raro è in grado di creare così accuratamente l'illusione del mondo reale.
Gottfried Helnwein
Gottfried Helnwein è un artista austriaco e irlandese. Nelle sue opere utilizza prevalentemente gli acquerelli. Helnwein è un artista concettuale. Ha lavorato come pittore, disegnatore, fotografo, scultore e artista, utilizzando tutti gli aspetti del suo talento.
Kamalki Laureano
L'iperrealista messicano Kamalky Laureano è specializzato in ritrattistica. Come tutte le opere degli iperrealisti, i dipinti di Kamalka sembrano fotograficamente naturali e naturali. Kamalki utilizza la tecnica della pittura con colori acrilici su tela. Per lui il lavoro non è solo un'imitazione della fotografia, ma un'imitazione della vita, che incarna sulla tela.
Matteo Doust
L'artista Mattew Dust è nato nel 1984 a Santa Monica, California (USA). Nonostante la sua ancora giovane età, è già piuttosto famoso. Mostre dei suoi dipinti realistici si tengono in tutto il mondo e decorano molte gallerie famose.
Ricardo Garduno
L'artista Ricardo Garduno utilizza acquerelli e pastelli per realizzare le sue idee. Questo processo è piuttosto laborioso, ma il risultato è davvero impressionante.
Ruben Belloso
L'artista di fama mondiale Ruben Belloso disegna le persone così come sono, con tutti i loro difetti e vantaggi, senza perdere un solo tratto, disegnando accuratamente ogni ruga, ogni piega, ogni punto del viso e ogni capello della testa. I ritratti sembrano vivi. Sono in grado di comunicare con lo spettatore e seguire ogni tuo sguardo e rivolgere con disinvoltura lo sguardo alle tue emozioni.
Simon Hennessy
L'artista britannico Simon Hennessey dipinge ritratti nello stile dell'iperrealismo, creando dipinti quasi indistinguibili dalle fotografie. Lavora principalmente con colori acrilici. Le sue opere sono spesso esposte in varie gallerie d'arte. “I miei dipinti sono percepiti come un riflesso della realtà, ma in realtà non lo sono, vanno oltre i confini dell'arte nella loro realtà astratta. Usando la macchina fotografica come fonte di un'immagine reale, posso creare false illusioni che consideriamo come la nostra realtà", dice l'artista del suo lavoro.
Un altro artista turco che riproduce fedelmente i volti delle persone nei ritratti. Attualmente insegna i fondamenti dell'illustrazione presso il dipartimento di graphic design.
Olga Larionova
“Credi ancora che una fotografia sia migliore di un ritratto? Ti sbagli di grosso! — scrive sulla sua pagina l'autrice dei ritratti, Olga Larionova. Essendo una designer d'interni e un architetto di formazione, Olga ha amato disegnare per tutta la vita. Diversi anni fa si è interessata all'iperrealismo: una resa dettagliata dell'oggetto raffigurato, che fa sembrare i disegni come una fotografia.
Solo una semplice matita di media durezza e carta: nient'altro che l'autore utilizzerebbe nel suo lavoro. E nessuna ombreggiatura, ad eccezione di piccoli "dipinti" con un dito e scaglie di ardesia per creare trame, dare volume ai dipinti e ritratti - realismo. Naturalmente, la maggior parte del tempo viene spesa per disegnare dettagli e piccole cose, perché senza di essi l'immagine sarà semplicemente incompleta e l'immagine sarà incompleta.
Dirk Dzimirski
L'artista tedesco più talentuoso Dirk Dzimirsky utilizza carboncino, matita e pastello nelle sue opere. Come la maggior parte dei geni della creatività artistica, il lavoro di questo autore merita il massimo elogio.
Paolo Cadden
È difficile da credere, ma l'artista scozzese Paul Cadden preferisce il lavoro di Vera Mukhina. Inoltre, l'influenza del geniale scultore sovietico comincia a farsi sentire se si guardano i suoi dipinti in modo molto astratto. Non c'è nulla di incomprensibile in loro: i colori del tema principale e unico sono assolutamente gli stessi: grigio e grigio scuro. Non c'è nulla di sorprendente qui: l'unico strumento dell'autore è una matita. È abbastanza per trasmettere l'effetto delle gocce d'acqua congelate sul viso esattamente per un momento. Non ci sono dubbi sul genio dell'autore, queste opere saranno presto richieste nel museo d'arte moderna.
Brian Drury
L'artista americano Bryan Drury si è laureato alla New York Academy of Art nel 2007 e da allora lavora nel genere del realismo. Vincitore di numerosi premi prestigiosi negli Stati Uniti e in Europa.
Eloy Morales
Eloy Morales Romiro è un artista spagnolo che ha un talento unico nell'esporre fotografie dettagliate su tela. L'autore dice del suo lavoro: “Sono interessato a lavorare con la realtà, riflettendola nei miei dipinti, cerco di aderire alla linea in cui la realtà convive in una forma naturale con il mio mondo interiore. Per me è importante trasmettere la mia visione delle cose attraverso i dipinti. Credo nell'immenso potere dell'immaginazione e nelle sue infinite possibilità."
Raffaella Spence
Impressionata dalle vedute della campagna umbra, Raphaella Spence si dedicò alla creazione di paesaggi urbani. Nel 2000 ha avuto luogo la sua prima mostra personale in Italia, che ha ricevuto il riconoscimento degli storici dell'arte e il riconoscimento di numerosi critici nella stampa d'arte. I dipinti dell'artista si trovano in numerose collezioni private, pubbliche e aziendali negli Stati Uniti d'America, Canada, Inghilterra, Russia, Italia, Austria e Germania.
Samuele Silva
L'avvocato portoghese di 29 anni Samuel Silva è riuscito a scioccare e divertire innumerevoli utenti di Internet in tutto il mondo creando e caricando una splendida foto di una ragazza dai capelli rossi, che molti hanno scambiato per una fotografia.
L'artista autodidatta spiega che usa solo otto colori quando lavora ai suoi disegni. “Ho otto penne a sfera colorate e per questo disegno ne ho usate sei più il nero. Queste sono normali penne a sfera." Allo stesso tempo, secondo Silva, non mescola mai i colori: applica semplicemente diversi strati di inchiostro con tratti, creando così l'illusione di mescolare e l'illusione di utilizzare colori che in realtà non ha.
Se parliamo direttamente dell'origine del termine stesso, apparve negli anni settanta del secolo scorso in una mostra di opere fotografiche dell'epoca. Quasi 30 anni dopo, questo termine fu usato per descrivere una tendenza sorprendente nell'attività artistica.
Inoltre, vale la pena notare la presenza del cosiddetto iperrealismo moderno, che, a differenza del suo antenato, non si sforza di trasmettere in modo troppo accurato ciò che è veramente a livello fotografico. Tutte le scene e gli oggetti nella pittura iperrealista sono dettagliati in qualche modo per creare di conseguenza una certa illusione della realtà. Si ritiene che l’iperrealismo moderno abbia le sue radici nella filosofia di Jean Baudrillard, in cui si può trovare la frase “simulazione di qualcosa che in realtà non è mai esistito”. Vale la pena notare che anche altri artisti stanno lavorando in questa direzione: registi, scultori e persino gli stessi fotografi che non vedono questo movimento come un concorrente diretto.
Come dipinge un artista iperrealista
Fondamentalmente vengono utilizzati i materiali più semplici: alcuni disegnano con matite, pennarelli, penne a sfera, carboncino, altri con tutti i tipi di colori. La cosa più interessante è che la maggior parte dei maestri di questa direzione sono autodidatti.
Il processo lavorativo di Diego Fazio, iperrealista autodidatta, è mostrato nella foto sotto. Il maestro lavora come una stampante a getto d'inchiostro, partendo dall'angolo in alto a sinistra, i materiali utilizzati sono carboncino e matita. Un lavoro richiede più di duecento ore:
Iperrealismo a matita
Bel video! 4 ore e 23 minuti - e l'immagine è pronta! Guarda come viene creato un miracolo (versione accelerata)):
Artisti dell'iperrealismo
Gli artisti più eccezionali e famosi di questo genere sono Jacques Bodin, Chuck Close, Pedro Campos, Erik Christensen e altri.
È interessante notare che tutti i maestri moderni di questa tendenza sono molto divertiti dal fatto che gli ammiratori del loro talento e coloro che vedono i loro dipinti per la prima volta trascorrono molto tempo a chiedersi se si tratti di una vera creazione di un pennello o di una fotografia. .
I maestri moderni includono i seguenti specialisti:
Milana Marcello Baregni riesce a ricreare oggetti familiari su carta in 4-6 ore.
Jeremy Geddes. Osservando i suoi lavori, a volte sembra di guardare un collage fotografico realizzato in Photoshop. Certo, non è così, ma solo un uso competente e allo stesso tempo unico delle proporzioni, caratteristico solo di questo maestro.
Vale la pena notare che l'artista non esita ad andare oltre la tela e non seguirà affatto i soliti canoni e leggi della pittura. Allo stesso tempo, sembra costringere un osservatore esterno a interessarsi a quanto accaduto, coinvolgendolo deliberatamente nel processo.
Juan Francisco Casa. A prima vista la foto di questo artista, può sembrare che stiamo guardando una foto passata attraverso un semplice filtro di Photoshop. Tuttavia, questa opinione è errata, perché davanti a noi c'è una vera creazione dell'artista. La cosa più interessante è che Juan crea le sue opere utilizzando una semplice penna a sfera e per un'opera ha bisogno in media di sei prodotti di scrittura di questo tipo.
L'elemento naturale, così com'è, ha sempre interessato anche gli artisti di questo movimento. Ad esempio, i pittori marini iperrealisti considerano la capacità di rappresentare il mare e la superficie dell'acqua come direzione principale della loro attività.
Ran Ortner. Artista americano.
Cos'è l'iperrealismo?
Il realismo è uno stile di pittura il cui obiettivo è trasmettere il mondo così come è nella foto. Il prefisso “iper” significa più che realismo. Lo stile è nato sotto l'influenza della fotografia: gli artisti hanno deciso di mettere alla prova le proprie abilità: saranno in grado di disegnare un'immagine che assomiglierà a una foto? E molti ci riescono.I dipinti nello stile dell'iperrealismo sorprendono per la loro plausibilità. Ogni dipinto è il risultato di un lavoro dettagliato su ogni tratto. In molti.
1. Luciano Ventrone
Luciano Ventrone è un artista italiano che ha ricevuto riconoscimenti in tutto il mondo come realista. E poi ha deciso di sperimentare lo stile dell'iperrealismo - e ci è riuscito. Il segreto della sua pittura sta nella giusta scelta dei colori. L'artista dice:“Un dipinto non è semplicemente un oggetto dipinto su di esso. Un vero dipinto è il colore e la luce del soggetto.”.
In questa immagine vediamo migliaia di sfumature di blu. Sembra che l'acqua sia illuminata, l'acqua brilla al sole. Il sole è dietro di noi, splende dietro di noi, e davanti a noi c'è un cielo scuro coperto di nuvole. Sembra tutto molto realistico.
Anche durante gli studi alla scuola d'arte, l'artista ha mostrato il suo futuro talento come iperrealista. Gli insegnanti notarono l'amore di Ventrone per i dettagli e alcuni dei suoi disegni furono inclusi persino nei libri di testo di anatomia.
L'artista ha lavorato su ogni dettaglio del melograno. Su ogni chicco di frutto c'è un bagliore di luce, esattamente come nella vita.
Recentemente l'artista ha lavorato con la natura morta. Mette i frutti sotto lampade luminose, in modo che la luce e le ombre cadano magnificamente sugli oggetti, e li fotografa anche e, mentre disegna, confronta sempre il disegno con la foto.
Presta attenzione al vaso: a prima vista si confonde con lo sfondo. Ma se guardi da vicino, puoi vedere con quanta cura Luciano ci ha lavorato.
Ventrone dipinge con colori ad olio velenosi. La pittura avvelenata è un'antica tradizione artistica. Se tale vernice viene a contatto con la pelle, può lasciare ustioni. Ma questi colori sono la qualità più brillante e più alta.
Lo sfondo nero funge da contrasto con il colore rosso e i colori giocano in modo particolarmente brillante.
2. Sergei Geta
Sergey è un grafico e pittore moderno. Ha studiato al Kiev Art Institute, vive e lavora a Mosca. Arrivò all'iperrealismo ispirandosi all'arte della fotografia.Il dipinto si intitola “Giorno di sole”. Tutti gli iperrealisti parlano dell'importanza dell'illuminazione nei loro dipinti. Qui il “personaggio” dell'immagine risulta non essere il verde, ma il sole, la luce.
All'inizio copiavo le fotografie con le matite: una matita creava l'effetto di una foto su carta. E poi ho iniziato a sperimentare diverse tecniche.
Ora Sergei è un artista di fama mondiale, i suoi dipinti sono esposti nella Galleria Tretyakov, nei musei di Wroclaw in Polonia, Norimberga in Germania, gallerie d'arte in Giappone e negli Stati Uniti.
La direzione in cui lavora Goeta si chiama “Realismo ecologico”. L'artista ama dipingere paesaggi: natura, verde, acqua.
Le foglie stanno cadendo. E ogni vena gioca al sole.
3. Patrick Kramer
L'artista è nato in America, nello Utah. Disegna immagini da fotografie. Per prima cosa trova ciò che vuole disegnare, lo fotografa, seleziona il meglio da diverse foto, lo elabora un po' in Photoshop e inizia a disegnare.
Molte persone hanno una domanda: perché disegnare esattamente come appare nella foto. Patrick lo spiega così: se uno spettatore in una galleria vede una fotografia, anche molto bella, la guarda per qualche secondo e va avanti. Ma quando al posto della fotografia c'è un dipinto, e lo spettatore lo capisce, è felice, si avvicina, cerca di guardare il dipinto con più attenzione, di vedere dove si trova il colore sulla tela...
Il dipinto si intitola “Tre bicchieri”. Dipinto ad olio. Presta attenzione allo sfondo: è sfocato, proprio come risulta lo sfondo di una foto quando si riprendono oggetti ravvicinati. Grazie a tali dettagli, si ottiene un'immagine iperrealistica.
4. Harriet White
Harriet White è un'artista britannica. Disegna principalmente ritratti. Il suo stile si chiama macro-iperrealismo. I volti dipinti nel quadro sembrano cioè essere stati “fotografati” da una distanza molto ravvicinata.Qui, come in ogni fotografia, c'è un “fuoco”. Vediamo chiaramente le ciglia, ma tutto dietro di loro è sfocato.
I dipinti di Harriet sono popolari tra i collezionisti privati.
L’artista si avvicina abilmente alla combinazione di colori dei suoi dipinti – lavora in contrasto. Il beige, colore della pelle, fa da sfondo. E poi vengono aggiunti i colori del trucco nero e brillante.
Grazie ai colori “sfocati”, si verifica l'effetto del movimento. Sembra che la foto abbia catturato un momento casuale; le modelle non si sono messe in posa, ma si sono sentite a proprio agio.
5. Susanna Stojanovic
Suzanna Stojanovic è un'artista serba interessata alla pittura fin dall'infanzia. All'età di 11 anni ha iniziato a dipingere ad olio. Successivamente ha imparato tutte le tecniche possibili, si è cimentata con acquerelli, mosaici, pastelli, grafica, pittura di icone, incisioni e persino scultura.In questa immagine è particolarmente evidente che l’artista era interessato alla scultura. Le figure dei cavalli sono “scultoree”. Qui vediamo un momento congelato.
Inoltre, l'artista era impegnata nella creatività letteraria e nella musica: ha partecipato a numerosi concorsi musicali. Ha scritto la sua prima composizione musicale quando aveva 15 anni. Ma, nonostante una tale ampiezza di interessi, la vocazione di Suzanne rimane la pittura. Molti dei suoi dipinti si trovano in collezioni private e pubbliche negli Stati Uniti, Svizzera, Italia, Danimarca, Serbia, Croazia, Montenegro, Slovenia e Macedonia.
Lo sfondo sfocato fa sentire la velocità con cui corre il cavallo:
L'artista disegna cavalli e studia attentamente la loro anatomia. La serie di dipinti più popolare dell’artista si chiama “Il magico mondo dei cavalli”. Una soluzione interessante è stilizzare il dipinto come una vecchia foto:
Ora l'artista sta lavorando a una nuova serie di dipinti e scrivendo racconti. Il sogno dell'artista è cimentarsi nella realizzazione di film d'animazione.
6. Andrew Talbot
Andrew Talbot è un artista contemporaneo originario dell'Inghilterra. Disegna nature morte.
Grazie ai colori vivaci, viene creato l'effetto della presenza: sembra che gli oggetti si trovino proprio di fronte a noi. Nota come l'artista ha trasmesso in modo credibile il riflesso di ogni caramella sul tavolo. Sono piccole cose come queste che compongono un’immagine iperrealistica. Ogni dettaglio è importante qui.
Quest'anno Andrew è stato incluso nella lista dei 15 migliori iperrealisti del mondo.
7. Raffaella Spence
Raffaella Spence è un'artista italiana. Il suo hobby è viaggiare, e quindi l'artista ama lavorare sui paesaggi, trasferendo su carta le sue impressioni di viaggio.
Tali opere suscitano sincera ammirazione. L'artista ha prestato attenzione ad ogni grattacielo, ad ogni finestra e persino al telaio della finestra. Devi lavorare su questi dipinti per molto tempo, ma ne vale la pena.
E questo cielo sopra la città non lascerà nessuno indifferente:
8. Yanni Floros
Yanni Floros è un artista australiano. Le sue opere sono state esposte in gallerie a Berlino, Sydney, Melbourne e Brisbane e hanno vinto numerosi premi onorari. I suoi disegni sono una stilizzazione di fotografie in bianco e nero.Qui l'effetto fotografico è dovuto alle pieghe dei vestiti. L'artista ha disegnato attentamente ogni piega.
Yanni lavora anche in pittura, scultura e grafica. Nelle sue opere iperrealistiche, l'artista raffigura persone che fanno cose diverse e vuole mostrare come influenzano le nostre vite e i nostri sentimenti nei confronti del mondo.
L’iperrealismo sta diventando sempre più popolare. Pertanto, la prossima volta che vieni nella galleria e vedi una fotografia, non ignorarne la descrizione. È del tutto possibile che la "foto" si riveli un dipinto e conoscerai l'iperrealismo nella vita reale.
Cerca l'arte nella vita di tutti i giorni! Se sei interessato alla vita di artisti famosi, ti consigliamo di dare un'occhiata
"So che l'anatomia qui è sbagliata, ma questo è il mio stile", "Questo disegno non ha stile", "Mi piace il tuo stile!" Usiamo spesso la parola " stile", senza coglierne del tutto il significato. Come "amore" o "arte", abbiamo imparato queste parole a memoria, ma definirle non è facile.
In questo articolo cercherò di analizzare il concetto di stile: cos'è? Può essere giudicato? Tutti gli stili sono ugualmente buoni? Può lo stile nascondere una mancanza di talento? Cosa rende realistico uno stile? Cosa c'è di sbagliato nel copiare lo stile di qualcuno? E, soprattutto, come sviluppare il tuo stile?
Le risposte a tutte queste domande risiedono nel concetto stesso di disegno. Se non hai mai provato a capire cos'è il disegno, i risultati potrebbero sorprenderti!
Stile? Che stile? Non so nemmeno disegnare!
Oppure sai come fare? Signore e signori, ho l'onore di presentarvi una guida indispensabile su come disegnare!
Passo 1
Ottieni qualcosa che lasci segni quando viene premuto.
Passo 2
Premi l'oggetto sul materiale (qualcosa di duro come carta, legno, terra, ecc.).
Passaggio 3
Muovi l'oggetto con la forza necessaria per creare il segno.
1 - premi, 2 - spostaSembra assurdo? Ma questo è il disegno! Non c'è bellezza o realismo nella sua definizione di base. Inoltre, tutti possono disegnare, anche i ciechi!
Questo è un disegno!Tuttavia, questa definizione puramente oggettiva del disegno si è fusa con qualcosa di più vago: lo stile. Molto spesso è associato a uno stile specifico: il realismo. Per qualche ragione, il valore di un disegno cominciò a essere determinato in base al suo realismo. Quando a un bambino viene detto che ha talento per il disegno, non significa che abbia linee precise o che possa finire un disegno senza usare la gomma: significa che le persone possono capire cosa sta disegnando!
Forse è talento, o forse è determinazione.
Quando qualcuno dice: "Non so disegnare", la maggior parte delle volte non sta parlando della sua incapacità di tenere in mano una matita, della mancanza di tempo o di qualche tipo di inibizione. Ciò che intendono veramente è "Non so come rappresentare la realtà su un pezzo di carta". Se lo hanno capito, il loro problema sarà più facile da risolvere: se non sai come fare qualcosa, trova qualcuno che lo faccia e impara da lui! Ma una persona che dice "Non so disegnare" non usa questa figura retorica nello stesso senso delle frasi "Non so nuotare/parlare cinese/giocare a scacchi [ancora]". Segnalano un'incapacità senza speranza: "alcune persone sanno disegnare, ma io no". Da dove viene la disperazione?
Come abbiamo detto, ci sono due definizioni di pittura: fare segni su un materiale e fare segni che sembrino qualcosa di reale. La confusione tra questi due significati può essere fatale per un artista ambizioso. Sai che disegnare è facile(strofinando una matita su carta), ma allo stesso tempo non puoi farlo (disegna un drago). Non è questa un'arte magica che alcune persone hanno?
Disegno di base e disegno con stileOra hai fatto il primo passo verso la comprensione di tutto l'hype attorno alla parola "talento". Una persona di talento non “nasce con un’abilità che non può essere appresa per impostazione predefinita”. Il talento è una sorta di predisposizione, non quello che pensi, e non si limita all'arte.
Creiamo un esempio. Pilotare un aereo è facile, vero? Devi solo sederti, muovere le leve di comando e premere ogni sorta di pulsante di tanto in tanto... No, questo non te lo dirà nessuno. Possiamo supporre che siano necessarie molte conoscenze per controllare un aereo. Un pilota di talento non nasce con questa conoscenza, tuttavia nasce con qualcosa di meno, come buoni riflessi o compostezza. Questi piccoli vantaggi possono aiutarlo in molte professioni e, se diventa pilota, gli saranno utili.
Il talento nelle professioni “pratiche” è spesso associato alle competenze acquisite. Anche quando dici che un pilota o un pilota ha talento, lo percepisci come la ciliegina sulla torta, qualcosa che lo distingue dagli altri bravi piloti e piloti. Ma per quanto riguarda le professioni artistiche... qui la situazione è diversa. "Il tuo lavoro è bellissimo, hai così tanto talento!" - si dice a ogni bravo artista, lasciando intendere che senza talento non sarai in grado di disegnare bene. E se non sai disegnare bene, è perché non hai talento e come artista sei spacciato. Un buon motivo per disperare, no?
A - autista, B - artista; 1 - cattivo, 2 - buono, 3 - talentuosoLo ripeto ancora: non esiste il "talento nel disegnare". Proprio come nell'esempio pilota, potresti nascere (o crescere!) con piccole qualità generali come pazienza, sensibilità, curiosità, perfezionismo o testardaggine. Potrebbero essercene di più e c'è una cosa che li unisce: non sono specifici, non sono adattati a un'abilità specifica, ma influenzano aree abbastanza ampie della vita. Puoi usarli per diventare un grande artista, ma non è necessario. Puoi diventare un programmatore o un orologiaio e non toccare mai una matita.
Credo che la maggior parte di queste qualità possano essere utilizzate nell'arte in un modo o nell'altro. Ciò che conta davvero è la realizzazione: il disegno richiede un apprendimento attivo- questa non è magia, è la stessa difficile abilità di imparare a pilotare un aereo. Dico sul serio! È necessario acquisire conoscenze di base non solo nel design, ma anche in campi come medicina, architettura, matematica e fisica. E dopo aver capito cos'è il disegno, passiamo alla parte che non sai ancora come creare: il realismo.
Realismo
Originariamente, il realismo è uno stile di creazione di qualcosa che il nostro cervello identifica come “reale” o “vicino alla realtà”. Possiamo facilmente dire che una scultura è realistica, ma che dire di un pezzo di carta bidimensionale con qualche macchia sopra? Come può assomigliare a qualcosa di reale? L'ho descritto in, ma qui voglio esaminare questo argomento in dettaglio.
Il nostro cervello crea la realtà che percepiamo da una serie di immagini fisse e bidimensionali create ogni frazione di secondo. La profondità viene creata confrontando due immagini scattate nello stesso momento, ma in posizioni leggermente diverse (questo non è l'unico modo per creare profondità, poiché anche con un occhio possiamo controllare abbastanza bene). Pertanto il disegno può essere considerato come una “istantanea del cervello”, che è stata tirata fuori affinché tutti potessero vederla dopo che è trascorso il momento e il luogo in cui è stata scattata.
Da ciò nascono diversi problemi:
- Sebbene tutte le istantanee siano archiviate nel nostro cervello, la nostra coscienza non è abbastanza veloce per elaborarle in questo modo. Proprio come non vediamo i singoli fotogrammi in un film, non notiamo le singole istantanee: vediamo l'azione eseguita dai cambiamenti tra loro.
- La realtà che vediamo è composta da così tante istantanee diverse che cambia costantemente. Un rapido movimento della testa e ti rendi conto di quanto grande potrebbe essere qualcosa se ti avvicinassi (anche se in questo momento sembra piccolo). La prospettiva è una parte così integrante della nostra realtà che non possiamo immaginare un mondo senza di essa, nonostante il fatto che la nostra prospettiva non esista al di fuori delle nostre teste!
- È impossibile dipingere la realtà: una foto non la crea. Pertanto, ogni disegno è una sorta di compromesso e simulazione della realtà: di solito diversi scatti vengono uniti in uno solo per completare l'immagine.
- Non puoi muovere gli occhi all'interno della stessa foto. Non puoi guardare qualcosa fuori fuoco: torna a fuoco non appena lo tocchi con lo sguardo, cambiando l'intero ambiente. Quindi il disegno è un'istantanea congelata del cervello di qualcuno e quando lo guardi non sei lo spettatore originale!
Esistono molti livelli di realismo. Il nostro cervello è programmato per vedere schemi, quindi possiamo vedere cose che non esistono realmente, come una faccia su Marte o segni fatti con foglie di tè. Questo è il motivo per cui è relativamente facile raggiungere un livello base di realismo senza molta conoscenza: il nostro cervello perdona gli errori. Un segno di "talento nel disegno" potrebbe essere la capacità di creare questi modelli in modo molto efficace, ma questa non è un'abilità, ma un'ipotesi. Solo perché hai premuto accidentalmente alcuni pulsanti e hai avviato il motore per muoverti non significa che puoi guidare!
La differenza tra un talento nel creare modelli e una vera abilità è facile da vedere: se sviluppi un forte attaccamento a ciascuno dei tuoi buoni disegni e hai paura di non disegnarlo mai più se lo perdi, questo è il risultato di talento. L'abilità non è coperta dalla fortuna!
I livelli di realismo sono creati dai diversi elementi che il nostro cervello cerca di riconoscere. Alcuni sono più importanti di altri e variano da persona a persona.
Contorni esterni
Le linee sono il significato del disegno. Tuttavia, non sono simili ai contorni esterni. Il contorno esterno è una linea individuale che delimita “dentro” e “fuori”. Siamo bravi a vedere i contorni esterni, anche se non esistono in natura sotto forma di linee. Sono completamente arbitrarie: ogni artista può utilizzare un numero diverso di linee di contorno per lo stesso oggetto.
Questo è il primo momento in cui appare lo stile. Se qualcosa è arbitrario, ognuno può creare la propria versione e nessuna di queste sarà più o meno corretta da sola. Dobbiamo trovare un diverso standard di giudizio, ed è quello che siamo soliti fare: usiamo etichette come "realistico" (molto simile a qualcosa di reale), "cartone animato" (linee economiche, forme simboliche) o "manga" (caratteristico stile giapponese ).
Se la differenza tra realismo e cartone animato è così grande, perché ogni stile non realistico appare "corretto" e gradevole alla vista?
Ogni stile nasce da una distorsione del realismo
Se vuoi disegnare un gatto, non puoi creare qualcosa di completamente nuovo e dire che è un gatto (a meno che tu non sia un surrealista, ma anche in questo caso la tua intenzione dovrebbe essere Non disegna un gatto). Devi prendere tutti i tratti specifici del gatto e modificarli per creare una nuova versione dell'animale. E, per infrangere le regole è necessario conoscerle. Se non hai mai disegnato un gatto prima e non ne hai mai studiato l'anatomia e le proporzioni, non aspettarti che il tuo disegno abbia l'aspetto giusto, anche se stai cercando un aspetto da cartone animato. È come se volessi disegnare un'auto ingrandita: non puoi farlo se non sai come crearne un'originale.
Ogni stile si basa su regole
Tutto deve avere uno scopo: non puoi riorganizzare gli elementi in modo casuale. Questo è il motivo per cui i principianti di solito hanno difficoltà a ridisegnare i propri personaggi: il primo lavoro era una supposizione e, anche se sembra bello, l'artista non ha idea del perché!
Quando il tuo "stile" non si basa su alcuna regola, non è veramente uno stile. Lo stile può essere descritto e se non ci sono regole per il tuo stile, come lo descrivi? "Lo stile di Mr. X è caratterizzato... dal fatto che è stato creato da Mr. X." Questo non ha più senso di "la caratteristica dell'auto Y è che assomiglia all'auto Y". "spontaneo", "casual" o "folle" non sono le migliori definizioni di stile. Ci deve essere una definizione, una ricetta che puoi usare ancora e ancora, anche se sei l'unica persona a conoscerla completamente.
Le regole rendono lo stile ripetibile: questa è la base stessa. Un disegno non crea uno stile; ce ne devono essere molti. Questo ci porta alla domanda successiva:
Lo stile deve essere intenzionale
Potresti pensare: "Hai detto che ogni stile deriva dal realismo, ma che dire dell'arte astratta?"
Innanzitutto l’arte non è la stessa cosa dello stile. Questo è un concetto molto più ampio e non ne parliamo qui. Ciò che è importante riguardo allo stile è che può essere descritto a molti livelli di dettaglio. Un albero di esempio potrebbe assomigliare a questo: disegno > bianco e nero > manga > [descrivi i dettagli di stile qui]. Stessa cosa nell'arte astratta: pittura > colore > astratto [descrivi i dettagli di stile qui].
In secondo luogo, questo può sembrare vago, ma penso che anche l'astrattismo derivi dal realismo: ne è la negazione. Per creare qualcosa di astratto, devi sapere di cosa si tratta non astratto. Se vuoi dipingere un quadro scuro, devi sapere quali colori evitare: devi sapere cosa non è scuro. Un gatto che non somiglia a un gatto perché non hai studiato la sua anatomia non è "arte astratta", è un errore. Se l'immagine finale è completamente diversa da quella che hai in testa e fingi che fosse questa la tua intenzione, stai solo ingannando te stesso.
Sezione aurea: una misura di bellezza
Questo è un argomento importante, ma sicuramente vale la pena esplorarlo. Di norma esiste una proporzione, se osservati gli elementi sembrano corretti e viceversa sembrano errati se costruiti senza rispettare la proporzione. Il nostro cervello è in qualche modo programmato per questo e non può essere cambiato. C'è matematica pura dietro ogni fiore e foglia, e la stessa matematica deve essere applicata a tutto ciò che crei nella tua testa affinché la tua mente lo accetti come vero, anche se non è realistico.
Naturalmente, qui possono e dovrebbero esserci delle deviazioni (la bellezza perfetta è noiosa, i piccoli difetti possono essere molto carini), ma il "corpo" principale dell'oggetto dovrebbe almeno seguire approssimativamente questa regola. Quindi, quando ridimensioni una testa per creare la forma di un cartone animato, ci sono dimensioni che sembreranno giuste e sbagliate: essere in grado di vederle senza misurare può essere un altro segno di "talento", ma anche questo richiede pratica.
La proporzione tra A e B è la stessa che tra A+B e AAdattamento
C'è qualcosa che può salvare il tuo stile, non importa quanto sia folle e lontano dal realismo. Questo è adattamento: quando guardi spesso qualcosa di strano, diventa normale per te (ma non per gli altri). Quindi, se mostrassi il tuo lavoro agli stessi amici per un lungo periodo di tempo, alla fine inizierebbero a capirlo. Se ti lodano, potresti avere l'idea sbagliata che tu abbia uno stile che gli altri non capiscono. Non chiuderti nella tua zona di comfort, ascolta invece le opinioni delle persone al di fuori della tua base di fan. Questo è l’unico modo per svilupparsi come artista.
C’è un altro aspetto dell’adattamento. Tendiamo a percepire come “normali” solo quelle cose con cui abbiamo familiarità. Questo è il motivo per cui un dinosauro disegnato correttamente ma meno conosciuto può essere percepito come anatomicamente errato e l'anatomia felina applicata a un lemure può essere ignorata. Curiosità: quattro gambe e orecchie situate sulla parte superiore della testa non sono più ragionevoli di tre gambe e orecchie sulla parte posteriore; possono essere visti spesso nel nostro mondo e quindi sono percepiti come naturali.
Luce e ombra
Il primo scopo della visione era percepire la luce e l'ombra. Siamo ancora molto sensibili ad essi e non abbiamo bisogno di contorni per vedere le forme quando ci sono luci e ombre. Questa potrebbe essere la fase successiva del disegno (ombreggiatura con linee) o la prima fase della pittura.
Abbiamo notato che ci sono alcuni prerequisiti che possono essere classificati come "talento nel disegno", come la calma, il perfezionismo, la capacità di creare modelli e determinare la sezione aurea. Il talento per la pittura (e per l'ombreggiatura in generale) è molto meno comune. Si basa sull'"occhio per l'osservazione". L'idea di un mondo fatto di contorni è così fissata nella nostra mente che è molto difficile vedere effettivamente le forme create da luci e ombre. Devi fare uno sforzo reale per visualizzare il mondo così com'è, coperto da macchie di luce e ombra. E anche in questo caso, provare a disegnare in questo modo può causare dolore al muscolo cerebrale (come sento). In ogni caso, vale la pena provarlo: l'arte disordinata fatta di luci e ombre sembra molto più realistica ai nostri occhi di un'opera d'arte complessa e raffinata fatta solo di contorni.
La luce, l'ombra e la forma che creano sono aperte allo stile quanto i contorni. La dimensione e la forma delle tue pennellate ti danno la possibilità di creare innumerevoli interpretazioni completamente diverse di una scena. Quando aggiungi la tua idea del posizionamento di luce e ombra, non devi preoccuparti che diventi irriconoscibile. Leggi di più su luci e ombre e immagina come puoi utilizzare tutte queste regole per creare il tuo stile!
Colore
Il colore è un meraviglioso miglioramento della visione, che introduce nuove informazioni nell'immagine. Ora, oltre al valore, otteniamo tonalità, saturazione e luminosità. Più elementi compongono l'immagine, maggiori sono le opportunità per creare uno stile unico. Pensare solo al valore era una seccatura, ora aggiungici tre nuovi aspetti!
Puoi disegnare in modo realistico, ma non è necessario. Vedo spesso artisti che eccellono nel disegno realistico (contorni) e poi passano ai colori più realistici possibili così come li vediamo nel nostro mondo. Questo non è necessario, anzi, ti avvicina al noioso fotorealismo! Il problema con il fotorealismo (ne parleremo più avanti) è che lo stile sembra lo stesso indipendentemente da chi lo utilizza. Se vuoi uno stile unico che apparterrà solo a te, sperimenta le regole. Devi studiarli, ovviamente, studiare la natura e gli oggetti intorno a te, ma poi cambiare ciò che studi. Crea le tue regole!
Ciao a tutti da Apofiss! Lo stile di questo artista è un perfetto esempio di gioco con la realtàDettagli
Potrebbe sorprenderti, ma i dettagli non sono così importanti nella pittura realistica, e nemmeno nel disegno. Perché in realtà non vediamo istantanee del cervello e il disegno è solo un'imitazione della scena percepita, possiamo intraprendere varie azioni per crearla. Disegnare tutto come potrebbe apparire in una frazione di secondo non fa altro che derubarti del vero significato della situazione. Il valore è distribuito su diverse o addirittura decine di istantanee. E se vuoi dipingere un quadro anziché creare un film o un cartone animato, devi utilizzare alcune tecniche.
Questo potrebbe essere un altro lato del talento: la capacità di trasformare l'azione in una scena ferma, preservandone le sensazioni. Ossessionarsi sui dettagli fin dall'inizio può inavvertitamente allontanarti da quell'obiettivo. Quando vediamo una scena, la prima cosa che notiamo è una certa sensazione intangibile: vediamo il movimento, la battaglia, i riflessi brillanti sulla lama, il rossore del sangue e non i singoli peli della barba di un guerriero o gli elementi magistrali della sua uniforme.
In questa “immagine” ci sono solo macchie di colori scuri e chiari, quello che vedi qui lo crei tu stesso!C'è molto spazio per lo stile qui: tra le macchie d'ombra informi e la scena completamente dettagliata. Ci sono molti modi per ottenere la "sensazione" e quando sacrifichi i dettagli, puoi trovare il tuo stile personale molto facilmente. C'è solo un modo per dipingere i dettagli in modo realistico e un numero infinito di modi per crearne la sensazione.
Fotorealismo
Qual è la differenza tra realismo e fotorealismo? Finora abbiamo parlato delle istantanee scattate dal cervello. Cosa succede se qualcuno scatta una foto con una vera macchina fotografica? Le fotografie sono diventate qualcosa di molto comune per noi. Li trattiamo come rappresentazioni reali della realtà, senza renderci conto che la fotocamera non funziona esattamente come i nostri occhi e il nostro cervello. Siamo così abituati alle fotografie che a volte ci sembrano più realistiche della realtà stessa!
Il fotorealismo non è la forma più alta di realismo. Si tratta semplicemente di realizzare un disegno con una precisione tale da poter essere confuso con una fotografia. Ma ripeto: una foto non è la stessa cosa di un'istantanea fatta con il cervello; la macchina fotografica non coglie tutte le illusioni e non è così precisa come si pensava. Quante volte hai provato a scattare una foto di qualcosa, ma non sembrava così sorprendente come quello che hai visto ad occhio nudo (luna, alba)? Con un po' di conoscenza della fotografia puoi risolvere questo problema, ma ora vai oltre e miri a creare una realtà migliorata, qualcosa di meglio di ciò che possiamo vedere ad occhio nudo! E non sto parlando di manipolazione fotografica: la fotocamera stessa può "vedere" il mondo in modi diversi. E quando aggiungi i tuoi colori che non esistono in natura, ottieni un effetto carino ma irrealistico! Pertanto, imparare dalle fotografie potrebbe non avvicinarti di più al realismo!
1 - realismo, 2 - fotorealismoMa potresti dire: "Le fotografie sono così realistiche che sono la stessa cosa". Non è vero, pensi solo che siano realistici. Scatta una foto e poi osserva la scena ad occhio nudo: la differenza può essere impressionante. Ci sono differenze tecniche, come il chiarore dell'obiettivo (non appare allo stesso modo ai nostri occhi) o la forma dell'area fuori fuoco (noi vediamo con entrambi gli occhi, quindi non solo quell'area è sfocata, ma è anche composta da due immagini spostate), ma ci sono anche sottili differenze: la fotocamera cattura solo ciò che ha davanti, ma il nostro cervello può ampliare la realtà. Non puoi scattare una foto con gli occhi pieni di lacrime, o con gli occhi di una persona spaventata che corre di notte in una foresta oscura. Non solo vediamo, sentiamo anche - e la foto non lo trasmetterà.
Inoltre: ho detto prima che è impossibile disegnare la realtà. Allo stesso tempo, la fotocamera cerca di catturare lo scatto perfetto della realtà. Ciò non rende le fotografie più reali di ciò che vediamo, anzi, lo sono troppo oggettivo e privo di una parte molto importante della nostra realtà. Ad esempio, andare al ristorante non è solo un viaggio in un luogo costoso per soddisfare la fame, ma la realtà non è solo un insieme di segnali visivi.
Naturalmente, questo non significa che il fotorealismo sia sbagliato. Voglio semplicemente oppormi alla convinzione che un artista che dipinge in modo realistico dovrebbe realizzare i suoi disegni il più vicino possibile alla qualità fotografica. Si tratta di due stili diversi e nessuno dei due è "migliore" o "un gradino sopra". È anche importante osservare il mondo ad occhio nudo e non affidarsi solo alle fotografie. So che è più semplice in questo modo, ma a volte prendere un pezzo di carta e creare tu stesso l'effetto di dispersione nel sottosuolo sarà molto più gratificante. Studiando sia il realismo che il fotorealismo, puoi creare uno stile completamente nuovo e unico.
Disegnare dall'immaginazione
Che dire di qualcosa che in realtà non esiste? È possibile disegnarlo realisticamente o in qualsiasi stile derivato dal realismo? Sì, ma devono essere disegnati nella forma che assumerebbero nel nostro mondo, Se sarebbe reale. Potresti dire: "Ma voglio usare uno stile non realistico, come un drago con le zampe di un fiammifero e un'enorme testa rotonda". Ok, ma fai attenzione alle tue parole: "gambe", "testa". Questi sono oggetti del nostro mondo con una certa forma che assumono qui. Questo è il punto di partenza delle tue creazioni. Devi sapere cos'è una testa per poterne disegnare una, anche se vuoi crearne un nuovo tipo.
A proposito, voglio chiarire un punto: perché non puoi disegnare qualcosa in modo realistico, anche se sai come appare? Puoi immaginare un cavallo molto chiaramente nella tua testa, ma sulla carta sembrerà completamente sbagliato. Ancora una volta, non è questa una mancanza di talento?
No, è piuttosto una miscela di due processi diversi: identificazione e creazione. Diamo un'occhiata a loro in un semplice pseudo-codice:
Identificazione
if (gambe="lunghe, magre, con zoccoli" AND corpo="grande, forte" AND testa="oblunga" AND coda="lunga, pelosa) allora animale=cavalloQuando vedi un animale con una serie di tratti registrati nel tuo cervello come "cavallo", lo riconosci come un cavallo. È così semplice. Non serve conoscere ogni singolo tratto di un cavallo per riconoscerlo, ne bastano alcuni e lo riconosci. La stessa cosa accade quando visualizzi un cavallo nel tuo cervello: non vedi caratteristiche sconosciute e la tua mente nasconde abilmente la loro assenza.
Creazione
if (animale=cavallo) then gambe=x if (x="ungulato") then larghezza_zoccolo=? altezza_zoccolo=? rotondità_zoccolo=? lunghezza_gamba=? larghezza_gamba=? altezza_gamba=? lunghezza_corpo=? larghezza_corpo=? altezza_corpo=? lunghezza_testa=? larghezza_testa=? altezza_testa=? ... La situazione è completamente diversa quando vuoi creare un cavallo da solo. All'improvviso hai bisogno di tutti questi indicatori e altro ancora! Inizi a disegnare uno zoccolo e all'improvviso ti rendi conto che non sai che aspetto ha, anche se puoi riconoscerlo visivamente. Ecco perché i test a scelta multipla sono più facili!
1 - identificazione, 2 - creazioneTutti i problemi con la creazione derivano da un database di informazioni insufficiente sulla realtà nella nostra testa. Troppo spesso solo noi pensiamo che sappiamo come appare qualcosa, ma se tocchiamo i dettagli, questi mancano. Quando leggi un libro, non vedi ogni filo d'erba sotto i piedi di un personaggio, anzi, a volte non sai nemmeno che aspetto ha il suo viso (finché non lo vedi in un film e confronti la tua vaga ipotesi con la realtà ). Hai l'impressione che la tua visione del mondo del libro sia completa, ma se qualcuno la disegnasse e te la mostrasse, sarebbe piena di lacune. Se vuoi creare il tuo stile, inizia studiando il realismo: raccogli un database di tutto ciò che vedi.