Le “Madonne” erano perpendicolari alle grandi finestre che guardavano la Neva e la Fortezza di Pietro e Paolo. Fermandoti a ognuno, ti ritrovavi come in un piccolo scompartimento, in una scatola semiaperta. Un po' separato da tutti. Mi sono sintonizzato sul dialogo: l'esperto - con i segreti di una maestria esasperante, il neofita - con il nome di genio. Il passaggio da una Madonna all'altra sembrava come girare la pagina di un libro.
“Madonna Benois” (“Madonna con un fiore”) è stata la prima nel flusso di spettatori e quindi involontariamente sembrava un inizio, una “prova di penna”, un tentativo. "Madonna Litta" ha completato la storia: il culmine, "l'ultima parola".
Adesso sono appesi in fondo alla sala, al centro, leggermente scostati dal tappeto in penombra (in effetti, ovviamente, sono in capsule high-tech che li proteggono bene, ma il verbo “appendere” è sempre utile per i dipinti). Sono vicini e questa è una rivoluzione. Nel loro spettacolo.
Sì, il flusso prosegue allo stesso modo, e lo sguardo incontra prima la Madonna Benois e poi la Madonna Litta, ma davanti a loro è impossibile non fermarsi. E quando ti fermi, a causa dell'inerzia culturale della lettura di libri e computer, guardi da sinistra a destra. Prima alla "Madonna Litta", poi alla "Madonna Benois". E lei, con questo splendido tono blu-marrone, con un fiore nelle mani di un bambino, una connessione di petali che denota una croce, con un misterioso uccello nella mano sinistra (di cui vuoi indovinare tutto e non leggere) , dalla fronte imperfetta con le sopracciglia rasate, vince sulla quotatissima e sulla “Madonna Litta”, emblematica per l'Ermitage. In cui, secondo alcuni esperti non museali, è presente anche la mano di uno studente.
Sguazzando tra la folla generale davanti ai grandi dipinti, provi piacere, come se stessi vivendo un matrimonio di successo: la scelta giusta, intelligente, bella, giusta e fedele della sposa o dello sposo.
E la cosa certamente non sarebbe potuta accadere senza Mikhail Borisovich Piotrovsky. Una persona dal gusto riconosciuto in tutto il mondo potrebbe rispondere alla "Madonna Litta": "Smettila di metterlo su tutte le copertine dei libri. Guarda, è meglio mettere Flora di Melzi".
La loro attuale nuova sede è più alla moda, interessante e giusta. Foto: S. Ragin (c) Museo statale dell'Ermitage
Quindi questo può essere valutato anche come un esperimento museale di “cambiamento del gusto”, nella sua complicazione. Se San Pietroburgo evoca Rossi e Quarenghi, l'Ermitage evoca Leonardo e Rembrandt. Mi è sembrato che il pubblico che indugiava vicino alla Madonna di Litta fosse diverso dal pubblico che guardava più a lungo la Madonna di Benois. Le ragazze dall'aspetto modello si fermano a "Madonna Litta", attente alla propria individualità e quelle più intelligenti - a "...Benois". È del tutto possibile che la domanda “Quale Madonna ti piace di più?” diventerà familiare al nostro pubblico culturale quanto la domanda: "Chi ami di più, Tolstoj o Dostoevskij?"
I loghi devono cambiare. Non dovrebbe esserci alcuno slittamento simbolico. Dobbiamo convivere con loro – con le nostre Madonne di Leonardo – amare, indovinare, dimenticare, sorprenderci. Cercare e trovare qualcosa. Siamo qui come in una sorta di matrimonio culturale: siamo chiamati al lavoro del sentimento e della comprensione sottili.
In una situazione in cui il Paese viene chiuso dalle sanzioni e siamo costretti a sostenere la porta dall’altra parte, la questione della nostra competitività si pone in modo acuto. Anche culturale. E non solo l'Ermitage, la cui competitività nessuno sfiderà per molto tempo, ma anche noi, i suoi spettatori.
La rivista alla moda del museo "Hermitage" non molto tempo fa ha pubblicato sulle sue pagine saggi di altri tempi - di un critico d'arte non professionista, giornalista della "Gazzetta letteraria" un tempo molto famosa e influente Evgeniy Bogat. Avendo colto in sé la sensazione di ansia che "la Madonna che riposa pacificamente... alzerà silenziosamente le palpebre e non mi riconoscerà", e rendendosi conto che il pensiero storico-artistico non fornisce una risposta a questa ansia, ha intrapreso uno studio approfondito dello spettatore. sul tema “L'uomo davanti a un grande dipinto”. Oggi, questa tradizione culturale di critica d’arte amorevole e non strettamente scientifica è continuata, ad esempio, dalla brillante poetessa Olga Sedakova, nelle sue “Lettere su Rembrandt”.
Anche noi dobbiamo unirci a lui.
Occhi felici.
Righe nei diari non attendibili e... nei blog pubblici.
C'è solo un modo per adattarsi a una realtà in rapido cambiamento degna di una persona: trionfare sulla cosa che cambia più rapidamente in essa.
Ora mi permetterò di definire l'Hermitage... un'università di adattamento a un mondo in rapido cambiamento. In questa università, padroneggiare la ricchezza dello sviluppo raggiunto aiuterà una persona a ritornare a se stessa (formula di Marx) e ad entrare nel futuro senza perdere nulla, nella concentrazione delle forze, come un guerriero che comprende la mattina dopo il primo giorno del grande battaglia che, nonostante il dolore causato dalle ferite e dalla perdita dei suoi amati compagni, è diventato solo più forte e vincerà oggi.
In questa università si apre uno speciale spazio temporale spirituale per coloro che non sono pigri nel sentire e nel pensare.
Eugenio Bogat. Lettere dall'Ermitage
Discorso diretto
Mikhail Piotrovsky, direttore dell'Ermitage
Ho accettato, ho insistito, ho spinto, ho creato problemi, ho incontrato molta burocrazia, ma abbiamo superato queste immagini.
Sebbene si creda che la mostra all'Ermitage cambi continuamente, non c'è niente di più difficile che cambiare la mostra all'Ermitage. Quindi questa decisione, da un lato, non è mia, ma nata congiuntamente, ma dall'altro, ovviamente, è mia.
Tali cambiamenti sono molto importanti per il museo di oggi. Una cosa in un museo non esiste da sola, ma sempre in un contesto museale. Lo stesso Leonardo da Vinci è una cosa in un contesto, un'altra in un altro.
Ora “Madonna Benois” e “Madonna Litta” si sono svolte, la luce cade su di loro in modo completamente diverso, si leggono diversamente e giocano con il pubblico. Si tratta di un passo importante verso una nuova esposizione, ma anche di una concentrazione di tutto ciò che accade realmente nel museo. Il cambiamento è legato anche al flusso di persone. Davanti a queste due teche di icone stavano sempre folle di persone. E ora stanno passando e stiamo riducendo uno dei problemi principali del museo: la folla.
I dipinti hanno vetrine completamente nuove, non solo con climatizzazione, ma con uno speciale monitoraggio del clima e due gradi di protezione del clima. Abbiamo già realizzato nuove pellicole per le finestre, perché la luce da sinistra è una cosa e la luce in faccia è un'altra. E succede anche al mattino, al pomeriggio e alla sera. In generale, in questa prevalenza dei dipinti si concentrava tutta la rilevanza del museo - la cosa in sé, la sua estetica, il flusso di persone, la tecnologia, la protezione dalla luce, la lettura e la comprensione del dipinto da parte del visitatore - e quindi ciò non è stato deciso in un secondo. E, naturalmente, la decisione del regista è stata importante.
Penso che oggi la “Madonna Benois” sia davvero meglio letta, perché quando si susseguivano, la “Madonna Benois” veniva letta come l’inizio di Leonardo, e la “Madonna Litta” come il suo apice. La "Madonna Litta" fu per molti anni il simbolo e il dipinto più amato dell'Ermitage. E "Madonna Benoit" proprio ora ha iniziato a suonare in modo completamente diverso. È una foto meravigliosa, ed è meglio così.
L'Ermitage sa stupire anche con mostre di arte contemporanea. Ci dispiace che la nostra ultima mostra d'arte contemporanea, Arte Povera, non abbia avuto grande risonanza. C'erano articoli a riguardo su riviste speciali, ma vale di più, perché sono state presentate cose molto forti, è un vero manifesto. Ma le mostre d'arte contemporanea – a meno che non ci sia uno scandalo – non suonano forte.
Due piccoli dipinti sono esposti nella Sala 214 dell'Ermitage. Si tratta di opere di Leonardo da Vinci (1452-1519). È difficile sopravvalutare l'importanza di questa figura poliedrica, il genio onnicomprensivo del Rinascimento: artista, pensatore, scienziato, inventore. Nella persona di Leonardo da Vinci, le aspirazioni più audaci e care dei suoi contemporanei, il popolo del Rinascimento - l'era della più grande rivoluzione progressista - furono incarnate. Leonardo si sforza persistentemente e instancabilmente di studiare e comprendere accuratamente il mondo reale e terreno: il bellissimo mondo che circonda l'uomo; comprendere lo schema della vita della natura, cogliere le sfumature della luce e i colori degli oggetti e dell'aria; padroneggiare la meccanica del movimento e dell'esistenza del corpo umano - la creazione più bella della natura; infine, guarda nell'anima, nel mondo interiore di una persona e comprendi questo mondo interiore in inestricabile connessione con la vita materiale, nota gesti e sguardi che rivelano i movimenti spirituali di una persona.
Leonardo da Vinci nacque nel 1452 nella piccola città di Vinci. Dall'età di 14 anni visse e studiò a Firenze, la cui diversificata vita culturale contribuì a sviluppare le sue inclinazioni scientifiche e artistiche. Leonardo da Vinci trascorse il periodo tra il 1482 e il 1499 a Milano, lavorando come scienziato, inventore, scultore e pittore. In questo periodo la sua influenza sull'arte italiana contemporanea divenne molto significativa. Alla fine della sua vita, Leonardo partì per la Francia, dove portò con sé le sue opere preferite.
Pochissimi dipinti di Leonardo da Vinci sono sopravvissuti fino ad oggi e due di essi, conservati all'Ermitage, costituiscono una parte significativa del suo patrimonio artistico. Entrambi sono scritti sullo stesso soggetto: Madonna col Bambino. Non sono sopravvissuti più dipinti di Leonardo su questo argomento.
Il giovane Leonardo da Vinci rompe innanzitutto questa barriera. Sceglie per la sua Madonna un volto semplice, non scintillante di bellezza, decisamente giovanile, che ride allegramente; scolpisce con fermezza una figura che si staglia nettamente sullo sfondo del crepuscolo della stanza, e fa sì che le pieghe degli abiti delineano la struttura del corpo. Allo stesso tempo, liberandosi dalla consueta rigidità dei dipinti antichi su questo argomento, Leonardo conferisce alla “Madonna del Fiore” il carattere di una scena di genere. La giovane madre porge un fiore al bambino, lui lo raggiunge con ansia con le mani, ma non riesce ad afferrarlo subito, e lei ride dei suoi movimenti goffi, ammirando allo stesso tempo il fascino di suo figlio. Raggiungendo l'impressione della realtà della vita, Leonardo sviluppa attentamente la resa del rilievo e del volume delle figure. Nota molte gradazioni di illuminazione: penombra, ombra profonda ma trasparente, e dove il velo d'ombra si addensa maggiormente - sulla guancia, sulla mano del bambino - lo interrompe con una leggera striscia di riflesso, riflessione. La luce gioca anche sul risvolto di seta del mantello, sulla spilla che orna l’abito della madre; Nell'arco della finestra, il cielo trasparente crea l'impressione di una distanza infinita.
In questi primi lavori, Leonardo da Vinci utilizza già una tecnica pittorica nuova per l'epoca: il quadro è stato dipinto utilizzando colori ad olio, che hanno permesso di ottenere maggiore trasparenza e una maggiore varietà di texture rispetto alla tempera.
La madre allatta il bambino, fissando su di lui uno sguardo premuroso e tenero; un bambino, pieno di salute ed energia inconscia, si muove tra le braccia della madre, gira e muove le gambe. Assomiglia a sua madre: la stessa carnagione scura, con le stesse strisce dorate. Lo ammira, immersa nei suoi pensieri, concentrando tutta la forza dei suoi sentimenti sul bambino. Anche uno sguardo superficiale coglie in “Madonna Litta” proprio questa pienezza di sentimenti e umore concentrato. Ma se ci rendiamo conto di come Leonardo raggiunge questa espressività, saremo convinti che l'artista della fase matura del Rinascimento utilizza un metodo di rappresentazione molto generalizzato, molto laconico. Il volto della Madonna è rivolto allo spettatore di profilo; vediamo un solo occhio, anche la sua pupilla non è disegnata; le labbra non si possono definire sorridenti, solo l'ombra all'angolo della bocca sembra suggerire un sorriso pronto ad apparire, e allo stesso tempo, l'inclinazione stessa della testa, le ombre che scivolano sul viso, lo sguardo indovinante creano quell'impressione di spiritualità che Leonardo tanto amava e sapeva evocare.
Completando la fase di lunghe ricerche nell'arte del Rinascimento, l'artista, sulla base di un'incarnazione sicura e accurata del visibile, crea un'immagine poetica in cui il casuale e il meschino vengono scartati e vengono selezionate quelle caratteristiche che aiutano a creare un'idea emozionante e sublime di una persona. Leonardo da Vinci, per così dire, riunisce gli sforzi disparati dei suoi contemporanei in un unico insieme e, in molti modi davanti a loro, eleva l'arte italiana a un nuovo livello.
Berezina V.N., Livshits N.A. Arte dell'Europa occidentale secoli XII-XX, Iz-vo Gos. Eremo., L. 1963
Leonardo da Vinci ha regalato al mondo molti capolavori nei campi della scienza, della medicina e dell'ingegneria. Il suo contributo all'arte non è meno apprezzato.
Il dipinto di Da Vinci è considerato un classico mondiale, ogni dipinto è un simbolo del Rinascimento.
Le opere possono essere ammirate all'Ermitage, al Louvre, agli Uffizi, così come in altre istituzioni in diversi paesi.
Titoli e brevi descrizioni dei dipinti
Il moderno Hermitage, situato a San Pietroburgo, ospita tra le sue mura due dipinti di Leonardo:
- "Madonna Benois";
- "Madonna Litta".
Entrambe le opere sono collocate nella stanza n. 214 del Grande (Antico) Eremo.
"Madonna Benois" - foto
La Madonna Benois, o come viene spesso chiamata la Madonna del Fiore, fu dipinta intorno al 1478, mentre il giovane da Vinci era a Firenze. Anche allora, il genio guardava il mondo in modo diverso, quindi creò per Madonna un volto semplice, giovanile e non particolarmente bello. Altri artisti l'hanno dipinta da adulta ed enfaticamente bella.
Il maestro è andato anche oltre il ritratto, realizzando una scena di genere. Gesù Bambino non si limita a sedersi sulle ginocchia di sua madre, ma gioca con il fiore che lei gli porge. Questo sembra affascinante per la ragazza, un sorriso gentile si congela sulle sue labbra e il calore è chiaramente visibile nei suoi occhi.
"Madonna Litta" - foto
Il maestro realizzò la Madonna Litta nel 1490. I personaggi raffigurati su di esso - la Madonna e il bambino Gesù - sono radicalmente diversi da quelli collocati nel dipinto “Madonna Benois”. Ora la ragazza sembra più vecchia, più severa. Nei suoi occhi, come prima, si può leggere amore e tenerezza, ma è rimasto solo un accenno di sorriso e l'ingenuità nel suo sguardo ha lasciato il posto alla premurosità. Il bambino ha i riccioli in testa, mentre il Gesù della Madonna di Benoit è calvo. L'artista ha aggiunto al nuovo dipinto un paesaggio fuori dalle finestre, immergendoti in un'atmosfera di tranquillità.
"Madonna Litta" di Leonardo da Vinci
“Madonna Litta” di Leonardo da Vinci è una delle immagini di Madonne più toccanti e liriche del mondo. Nel dipinto di Leonardo, il tradizionale simbolismo cristiano è indissolubilmente legato alla manifestazione di elevati sentimenti umani: amore, tenerezza e cura. Il dipinto fu acquistato nel 1864 dal conte Litt, titolare della pinacoteca di famiglia a Milano, ed è una vera perla dell'Ermitage.
☼ ☼ ☼"Maria Maddalena penitente", Tiziano
Esistono quattro versioni di questo famoso dipinto. Uno di essi è conservato all'Ermitage, gli altri sono nel Museo di Capodimonte (Napoli), nella collezione Colnaghi (Londra) e Candiani (Busto Arsizio). La versione Hermitage è considerata la più perfetta. Contrariamente ai canoni della chiesa, il grande artista non raffigurava un peccatore esaltato in estasi religiosa, ma una donna terrena sofferente, esausta dall'angoscia mentale.
☼ ☼ ☼"Apostoli Pietro e Paolo", El Greco
Domenico Theotokopouli (El Greco) è uno degli artisti più misteriosi del tardo Rinascimento. Il dipinto “Apostoli Pietro e Paolo” fu dipinto nel 1592, ma rimase nell'oblio per molti anni e divenne noto agli appassionati d'arte solo 300 anni dopo. Non solo gli storici dell'arte, ma anche i teologi stanno ancora discutendo sul significato e sui simboli nascosti in esso contenuti. Si sa solo che l'immagine dell'apostolo Paolo è un autoritratto leggermente modificato dello stesso El Greco. Il volto di Pavel è dipinto utilizzando una tecnica speciale, così sottile che l'immagine non viene registrata sulla radiografia.
☼ ☼ ☼"Giovane con liuto", Caravaggio (Michelangelo Merisi da Caravaggio)
Il dipinto di Carvaggio “Giovane con liuto” è stato esposto all'Ermitage per lungo tempo con il titolo “Il suonatore di liuto” - gli esperti erano convinti che il dipinto raffigurasse una ragazza. Ma il biografo dell'artista Peter Robb ha sostenuto che il dipinto raffigura l'amico dell'artista Mario Minniti. Questo è uno dei primi dipinti di Caravaggio ad utilizzare l'illuminazione direzionale, che rese famoso il maestro. Per ottenere l'effetto desiderato, il pittore collocò i suoi modelli in un seminterrato buio con un'unica finestra e li fece sedere sotto un fascio di luce incidente.
☼ ☼ ☼"Danae", Rembrandt Harmens van Rijn
È noto che Rembrandt scrisse “Danae” non per la vendita, ma per se stesso, e il dipinto lasciò la sua casa solo quando tutte le proprietà dell’artista furono vendute per debiti. Quest'opera ha sconcertato i critici d'arte per molti anni: il suo stile era decisamente incoerente con la data di stesura e la trama era piena di stranezze inspiegabili. Solo a metà del XX secolo, dopo l’invenzione della radiografia, il mistero venne risolto. Si è scoperto che all'inizio la tela raffigurava la moglie di Rembrandt, Saskia, accanto a un angelo ridente e una pioggia dorata che cadeva dal cielo. Ma dopo la morte della sua amata moglie, l'artista ha riscritto il dipinto. La pioggia dorata scomparve, l’angelo si rattristò e il volto di Danae acquisì i lineamenti di Gertje Dirks, la nuova fidanzata del maestro.
☼ ☼ ☼"Il ritorno del figliol prodigo", Rembrandt Harmens van Rijn
“Il ritorno del figliol prodigo” è uno degli ultimi dipinti più espressivi di Rembrandt. La sua trama è pienamente coerente con i canoni evangelici, ma gli storici dell'arte stanno ancora cercando di svelare cosa sia esattamente criptato nelle figure che annegano nell'oscurità sullo sfondo. Secondo una versione, il dipinto raffigura contemporaneamente due strati temporali: il figliol prodigo prima di lasciare la casa e lui dopo il suo ritorno.
☼ ☼ ☼"La signora in blu", Thomas Gainsborough
“The Lady in Blue” è l’unico dipinto dell’eccezionale artista inglese Thomas Gainsborough presentato in Russia. È generalmente accettato che raffiguri la duchessa Elisabetta de Beaufort, figlia dell'ammiraglio Boscawen. È interessante notare che, sebbene la duchessa di Beaufort sia considerata l'incarnazione della femminilità e della grazia aristocratica, sua madre Frances Boscawen fu una delle più ardenti sostenitrici del movimento Bluestocking sorto in Gran Bretagna in quegli anni.
☼ ☼ ☼“Ritratto dell'attrice Jeanne Samary”, Pierre-Auguste Renoir
Il ritratto dell'attrice teatrale della Comédie Française Jeanne Samari è pieno di riflessi unici di colori luminosi e solari. La sua storia è drammatica: venne quasi distrutto subito dopo essere stato scritto. Quando il dipinto fu pronto, l'artista decise di inviarlo alla mostra. I colori sulla tela erano ancora freschissimi e Renoir non la verniciò. Ma l'impiegato che trasportava il dipinto ha deciso che l'artista lo aveva fatto per mancanza di fondi e ha messo lui stesso uno strato di vernice sul ritratto. Di conseguenza, i colori iniziarono a fluire e Renoir dovette riscrivere urgentemente il ritratto.
☼ ☼ ☼"Danza", Henri Matisse
Il dipinto “Dance” è dipinto con soli tre colori: blu, verde e arancione. Fu creato nel 1910 su ordinazione del collezionista moscovita Sergei Shchukin come pannello decorativo destinato a decorare la scala principale del palazzo. Dopo la Rivoluzione d’Ottobre, la collezione di dipinti di Shchukin fu confiscata e “Dance” finì all’Ermitage. Il dipinto dell’Ermitage è la seconda e più famosa versione del dipinto “Danza”. Il primo fu dipinto nel 1909 ed è attualmente esposto al Museum of Modern Art di New York.
☼ ☼ ☼"Il bevitore di assenzio", Pablo Picasso
Il dipinto “L’amante dell’assenzio” appartiene al periodo “blu” dell’opera di Pablo Picasso, pieno di un acuto sentimento di senzatetto e di solitudine. Quest'opera espressiva e toccante è stata portata in Russia dal collezionista moscovita Sergei Shchukin. Nel 1914, la collezione di Shchukin comprendeva 51 opere di Picasso, la più grande collezione privata di dipinti di questo artista al mondo. I critici di quegli anni lo chiamavano in faccia Shchukin "pazzo", ma era a lui che l'Hermitage doveva il fatto che la sua collezione comprendeva i migliori dipinti di Picasso.
☼ ☼ ☼"Ponte di Waterloo. Effetto nebbia" Ciclo londinese di Claude Monet
Dipinto di Claude Monet “Il ponte di Waterloo. Effetto nebbia" ha un effetto ottico insolito. Se ti avvicini all'immagine, è impossibile distinguere altro che tratti caotici, quasi identici nel tono. Ma man mano che ti allontani, i dettagli dell'immagine iniziano ad apparire gradualmente e, da una distanza di circa due metri, davanti allo spettatore appare una composizione chiara, in cui gli oggetti sono nettamente separati dallo sfondo e persino il movimento dell'acqua nell'acqua. il fiume si fa sentire. Gli esperti definiscono questa immagine “magica”.
☼ ☼ ☼“Quadrato nero”, K. S. Malevich
“Quadrato nero” di Kazimir Malevich è una delle opere più famose della pittura d’avanguardia russa. Questa è una vivida incarnazione delle idee del Suprematismo: una direzione artistica che utilizza semplici forme geometriche per descrivere le forme, lo spazio e il movimento circostanti. Nonostante la semplicità esterna dell'immagine, questo è un concetto filosofico profondo, che ai nostri tempi si è diffuso nell'organizzazione dello spazio in locali residenziali e pubblici, nel design e nell'arte decorativa.
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È incluso nella “major league” dei tesori dei musei mondiali. La sua collezione comprende tre milioni di oggetti e la magnifica collezione, iniziata da Caterina la Grande, viene ampliata fino ad oggi. Offriamo un breve tour dell'Ermitage e 10 dipinti che devi vedere.
Leonardo Da Vinci. Madonna col Bambino (Madonna Benois)
Italia, 1478–1480
Il secondo nome deriva dal cognome dei proprietari del dipinto. In quali circostanze l'opera del grande Leonardo arrivò in Russia è ancora sconosciuta. C'è una leggenda secondo cui la famiglia Benoit lo acquistò da un circo itinerante. Il capolavoro è stato ereditato da Maria Sapozhnikova (dopo il matrimonio - Benoit) da suo padre. Nel 1914 l'Hermitage acquistò da lei questo dipinto. È vero, dopo la rivoluzione, nei difficili anni '20 e '30, il governo dell'URSS lo vendette quasi al segretario al Tesoro degli Stati Uniti, un appassionato collezionista Andrew Mellon. I critici d’arte che si opposero a questa vendita furono fortunati: l’affare fallì.
Raffaello. Madonna col Bambino (Madonna Conestabile)
Italia, intorno al 1504
"Madonna col Bambino" è una delle prime opere di Raffaello. Alessandro II acquistò questo dipinto in Italia dal conte Conestabile per la sua amata moglie Maria Alexandrovna. Nel 1870 questo dono costò all'imperatore 310mila franchi. La vendita dell'opera di Raffaello indignò la comunità locale, ma il governo italiano non aveva i fondi per acquistare il dipinto dal proprietario. La proprietà dell'Imperatrice fu immediatamente esposta nell'edificio dell'Ermitage.
Tiziano. Danae
Italia, intorno al 1554
Caterina II acquistò il dipinto di Tiziano nel 1772. Il dipinto è basato su un mito in cui al re Acrisio era stato predetto che sarebbe morto per mano di suo nipote e, per evitarlo, imprigionò sua figlia Danae. Tuttavia, l'intraprendente dio Zeus la penetrò comunque sotto forma di una pioggia torrenziale dorata, dopo di che Danae diede alla luce un figlio, Perseo.
Caterina II era una monarca illuminata, aveva un gusto eccellente e capiva perfettamente cosa si doveva acquistare esattamente per la sua collezione. Ci sono molti altri dipinti con una trama simile nell'Ermitage. Ad esempio, “Danae” di Ferwilt e “Danae” di Rembrandt.
El Greco (Domenikos Theotokopoulos). Apostoli Pietro e Paolo
Spagna, tra il 1587 e il 1592
Il dipinto fu donato al museo nel 1911 da Pyotr Durnovo. Qualche anno prima, Durnovo lo aveva mostrato a una mostra della Società Imperiale per l'Incoraggiamento delle Arti. Poi El Greco, che era considerato un artista molto mediocre, cominciò a parlare di lui come di un genio. In questo dipinto il pittore, sempre lontano dall'accademismo europeo, si rivelò particolarmente vicino alla tradizione dell'icona bizantina. Ha cercato di trasmettere il mondo spirituale e i personaggi degli apostoli. Paolo (in rosso) è assertivo, deciso e sicuro di sé, mentre Pietro, al contrario, è dubbioso ed esitante... Si ritiene che El Greco si sia catturato a immagine di Paolo. Ma i ricercatori stanno ancora discutendo su questo.
Caravaggio. Giovane con liuto
Italia, 1595–1596
Caravaggio è un famoso maestro del barocco, che ha cambiato la coscienza di diverse generazioni di artisti europei con la sua luce “funebre”. In Russia è conservata solo una delle sue opere, che l'artista ha dipinto in gioventù. I dipinti di Caravaggio sono caratterizzati da una certa drammaticità, e ce n’è ne “Il suonatore di liuto”. Il taccuino raffigurato sul tavolo contiene la popolare melodia del madrigale di Jacob Arkadelt “Sai che ti amo”, che era popolare a quel tempo. E il liuto incrinato nelle mani del giovane è un simbolo di amore infelice. La tela fu acquistata da Alessandro I nel 1808.
Pietro Paolo Rubens. Ritratto della cameriera dell'Infanta Isabella
Fiandre, metà degli anni '20 del Seicento
Nonostante il nome, si ritiene che si tratti del ritratto della figlia dell’artista, Clara Serena, morta all’età di 12 anni. Il dipinto è stato realizzato dopo la morte della ragazza. L'artista ha raffigurato sottilmente i capelli soffici, la pelle delicata del viso e lo sguardo pensieroso da cui è impossibile distogliere lo sguardo. Un'immagine spirituale e poetica appare davanti allo spettatore.
Caterina II acquistò il dipinto per la collezione dell'Ermitage nel 1772.
Rembrandt van Rijn. Ritorno del figliol prodigo
Olanda, intorno al 1668
Caterina II acquistò uno dei dipinti più famosi e riconoscibili di Rembrandt nel 1766. La parabola evangelica del figliol prodigo preoccupò l'artista per tutta la sua vita: creò i primi disegni e incisioni di questa trama negli anni Trenta e Quaranta del Seicento e iniziò a dipingere il quadro negli anni Sessanta del Seicento. La tela di Rembrandt è diventata fonte di ispirazione per altre personalità creative. Il compositore d'avanguardia Benjamin Britten ha scritto un'opera ispirata a quest'opera. E il regista Andrei Tarkovsky ha citato "Il ritorno del figliol prodigo" in una delle scene finali di Solaris.
Edgar Degas. Place de la Concorde (il visconte Lepic con le sue figlie attraversano Place de la Concorde)
Francia, 1875
Il dipinto “Place de la Concorde” fu trasportato in Russia dopo la seconda guerra mondiale da Berlino, dove era conservato in una collezione privata. La tela è interessante perché, da un lato, è un ritratto e, dall'altro, è un tipico schizzo di genere impressionista della vita di città. Degas ha ritratto il suo caro amico, l'aristocratico Louis Lepic, insieme alle sue due figlie. Il ritratto a più figure racchiude ancora molti misteri. Non si sa quando e in quali circostanze sia stato realizzato il dipinto. Gli storici dell'arte suggeriscono che l'opera sia stata dipinta nel 1876 e non su ordinazione. L'artista non ha mai dipinto un altro dipinto come questo né prima né dopo. Avendo bisogno di soldi, vendette il dipinto al conte Lepik e nessuno lo seppe fino alla fine del XIX secolo. Dopo la caduta di Berlino nel 1945, il capolavoro, insieme ad altre opere “trofeo”, fu inviato in Unione Sovietica e finì all’Ermitage.
Henri Matisse. Danza
Francia, 1909-1910
Il dipinto è stato creato per ordine di Sergei Shchukin, un famoso collezionista russo di pittura francese del XIX e dell'inizio del XX secolo. La composizione è scritta sul tema dell'età dell'oro dell'umanità, e quindi non raffigura persone specifiche, ma immagini simboliche. Matisse si ispirò alle danze popolari che, come è noto, contengono il ritualismo di un'azione pagana. Matisse incarnava la furia degli antichi baccanali in una combinazione di colori puri: rosso, blu e verde. Come simboli dell'Uomo, del Cielo e della Terra. Il dipinto fu trasferito all'Ermitage dalla collezione di Mosca del Museo statale di arte nuova occidentale nel 1948.
Vasilij Kandinskij. Composizione VI
Germania, 1913
L'Hermitage ha un'intera sala dedicata all'opera di Wassily Kandinsky. La "Composizione VI" fu creata a Monaco nel maggio 1913, un anno prima dello scoppio della prima guerra mondiale. L'immagine dinamica e luminosa è dipinta con tratti liberi e ampi. Inizialmente Kandinsky volle intitolarlo “Il Diluvio”: la tela astratta era basata su un racconto biblico. Tuttavia, in seguito l’artista abbandonò questa idea in modo che il titolo dell’opera non interferisse con la percezione dello spettatore. La tela arrivò al museo dallo State Museum of New Western Art nel 1948.
Il materiale utilizza illustrazioni dal sito ufficiale