L'artista Vladimir Dubossarsky ha iniziato a esporre durante la perestrojka, e ora i suoi dipinti sono esposti al Museo Russo, alla Galleria Tretyakov, al Centro Pompidou di Parigi e in una dozzina di altri importanti musei e gallerie. Allo stesso tempo, lui stesso afferma che il ruolo dell'artista nella vita è molto esagerato e il mondo non avrebbe perso nulla se Rembrandt non fosse esistito. Dal 1994 lavora in collaborazione con Alexander Vinogradov: le loro monumentali tele pseudorealistiche, dove, secondo la loro stessa definizione, "non esitano a dipingere un nuovo paradiso", vengono acquistate in Russia e in Occidente (e sono anche già contraffatti). Insieme, gli artisti hanno creato la galleria Art Strelka e il festival Art Klyazma, che Dubossarsky ha supervisionato per diversi anni. Inoltre, l'artista è fondatore, comproprietario e direttore creativo del canale televisivo Internet “TV-Click”. Ama le attività ricreative estreme e la cucina cinese e preferisce la narrativa e le memorie. Membro del progetto Snob da dicembre 2008.
La città in cui vivo
Mosca
Compleanno
Dove è nato
Mosca
Da chi è nato
Padre - Efim Davydovich, membro dell'Unione degli artisti dell'URSS.
Dove e cosa hai studiato?
Laureato alla Scuola d'arte in memoria di Mosca del 1905 e all'Accademia statale d'arte di Mosca da cui prende il nome. Surikov.
Dove e come hai lavorato?
Fondatore, comproprietario e direttore creativo del canale televisivo Internet “TV-Click”
“Quando abbiamo iniziato nel 1994, il mondo, almeno in Russia, era duro e sgradevole, pericoloso e pesante – depressivo. E l’arte era la stessa: pesante, deprimente… E abbiamo deciso, senza esitazione, di dipingere un nuovo paradiso… Quindi la positività è una delle opzioni del nostro progetto.”
Che cosa hai fatto?
Ha diretto il lungometraggio "Full Meter".
“Il film è venuto fuori in modo naturale. Di solito riprendo... alcuni momenti che mi interessano... raccolgo una grandissima quantità di informazioni sul computer. E un giorno ho capito che avrebbe potuto svilupparsi in alcune trame.
Organizzatore e partecipante a numerose mostre in Russia e all'estero.
Ha attirato uomini d'affari ed editori a dipingere il dipinto “Where the Motherland Begins” di 3x8 m alla mostra “Leggerezza dell'essere”.
“Abbiamo realizzato... un disegno su tela, abbiamo dipinto sopra alcuni nodi e abbiamo mostrato come farlo. E hanno scelto ogni pezzo e hanno lavorato da soli. E hanno anche iniziato una sorta di competizione tra di loro... Penso che il fatto che, diciamo, Peter Aven abbia partecipato a questo progetto abbia attirato su di noi l'attenzione delle persone della sua cerchia, e questa è propaganda dell'arte contemporanea."
Risultati
Le opere si trovano nelle collezioni della Galleria Statale Tretyakov, del Museo Russo, del Museo d'Arte Moderna (Avignone), del Centre Georges Pompidou (Parigi), del Museo d'Arte Moderna (Houston) e molti altri.
Marat Gelman, gallerista: “Questi 10 artisti che sono entrati nel mercato mondiale sono per noi motivo di orgoglio. Ad esempio, le opere di Vinogradov e Dubossarsky vengono già forgiate in Occidente”.
Affari pubblici
Membro dell'Unione degli Artisti.
È impegnato in attività di beneficenza: partecipa ai programmi di assistenza medica per bambini “Operazione Speranza” e “Life Line” (trattamento di bambini gravemente malati), ad eventi di beneficenza della partnership no-profit “Game 3000” e al “ il programma “Centro di Assistenza Creativa”, che aiuta i bambini a impegnarsi nell'arte, orfani e bambini abbandonati senza assistenza; nel progetto Art-Stroyka (costruzione di un orfanotrofio a Suzdal). Conduce masterclass.
Accettazione pubblica
Vincitore del premio professionale nel campo della fotografia “Silver Wreath”.
Ha ricevuto la medaglia “Worthy” alla 1a Biennale di Arte Contemporanea di Mosca (insieme ad A. Vinogradov).
Vincitore del premio professionale tra artisti che lavorano nel campo dell'arte contemporanea, “Companion” (insieme ad A. Vinogradov).
Eventi importanti della vita
“L'unione creativa con Alexander Vinogradov è apparsa nel 1994. Ma lo conosciamo da molto tempo, insieme... abbiamo studiato alla scuola d'arte, poi all'Istituto d'arte Surikov... Abbiamo deciso di realizzare un progetto espositivo comune, ma non pensavamo che si sarebbe trascinato avanti per così tanti anni... lavoriamo insieme da allora."
“... l'aereo che avrebbe dovuto volare a Irkutsk si è schiantato. Avevamo già i biglietti, ma per qualche motivo non potevamo volare. Quel giorno Oleg [Kulik] mi chiamò e disse: “Buon compleanno!” All'inizio non ho capito, ho detto: "Oleg, oggi non è il mio compleanno". Dice: "Non lo sai? L'aereo su cui dovevamo volare è precipitato!" Mi sono seduto e ho guardato fuori dalla finestra: il cielo è azzurro, gli alberi sono verdi... Va bene... E non si capisce cosa fare. Dovrei andare in officina? - Stupido. Dovrei andare al cinema? “È anche come... Bere?.. Non è chiaro cosa fare... Rallegrarsi”.
Conosciuto per
Ha organizzato il progetto espositivo “Art-Klyazma” e il centro espositivo della galleria “Art-Strelka” con la discoteca Starz.
Sono interessato
foto
“Di solito scatto non con una videocamera, ma con una macchina fotografica. Lo porto sempre con me e giro alcuni momenti che mi interessano”.
io amo
dipinti di Pavel Fedotov
“Io... sono sempre rimasto vicino ai dipinti di Pavel Fedotov per un tempo particolarmente lungo. C’è sempre stata una certa tensione tra me e questi quadri, che da piccola non riuscivo a spiegarmi… ho già più di quarant’anni. Ma quando visito la Galleria Tretyakov, entro sempre nella sala Fedotov... e rimango lì per circa venti minuti, per ironia della sorte."
lavorare nella tua officina
“La cosa più conveniente per me è lavorare nel mio laboratorio a Mosca. Ma a volte lavorare fuori dai soliti muri produce risultati inaspettati. Nuove condizioni ti permettono di mobilitarti e sentire un'energia diversa. Ho dovuto lavorare molto in Italia, Germania, Francia, Austria. Ma casa è la cosa migliore"
“Mi piace quando una persona parla di sé. Ecco perché amo le memorie. ...È come se stessi semplicemente chiacchierando con qualcuno con cui non potrai mai più parlare. Questo è più interessante per me ora della finzione.
cucina cinese
Beh, non mi piace
vacanza al mare
Famiglia
Avere una figlia.
E in generale
“...una persona ha sempre qualcuno con cui parlare. Prima di tutto, ha se stesso. L'ascoltatore più grato. Parlo spesso da solo. E penso che questo sia normale. In queste conversazioni mi chiamo per nome”.
“Preferivo una vita rischiosa. Perché ci sono pochi artisti? Perché queste sono persone che scelgono una vita rischiosa, una pensione senza garanzie, un futuro assolutamente incomprensibile”.
Vjazova, Ekaterina. Aleksandr Vinogradov, Vladimir Dubossarskij. “Picasso a Mosca” // Rivista d'arte, 1994, n. 5, p. 70
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Cantanti argentini T. di grande hack // Playboy. 1996, luglio-agosto
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Qualsiasi dipinto del duetto ormai scomparso di Alexander Vinogradov e Vladimir Dubossarsky si distingue per una posizione chiara e concettualmente determinata nel progetto generale degli artisti - nell'attività di creazione di una “pittura totale”. Le tele di Vinogradov/Dubosarsky formano linee chiare e ponderate legate alla soluzione di vari problemi artistici - dalla riflessione sulla storia dell'arte mondiale alla riflessione sullo “spirito dei tempi” dell'era del glamour. Un'altra proprietà delle loro opere è la loro coincidenza con i ritmi e le richieste del mercato internazionale dell'arte. Ma le loro serie hanno molti fan in Russia, il che non sorprende: la pittura figurativa, che ricorda il realismo socialista, qui non è percepita come parte di un arguto progetto concettuale, ma si trova semplicemente a livello subconscio di quasi tutti. Le opere del duo negli anni 2000 coincidono con un ritorno di interesse per l'eredità del realismo socialista in Russia, con un tentativo di una sua nuova integrazione nella storia dell'arte modernista.
Associato a queste tendenze è il dipinto di Vinogradov/Dubosarsky “Regione di Mosca. Febbraio" 2007, scritto esattamente mezzo secolo dopo la creazione del prototipo - il dipinto di George Nyssa "Regione di Mosca. Febbraio" 1957 (collezione della Galleria Tretyakov). Quest'ultimo è considerato un capolavoro del paesaggio industriale (e del paesaggio in generale) della metà del Novecento. La sua popolarità nei libri di testo si rifletteva in epoca sovietica nel fatto che le riproduzioni dell'opera erano incluse nei libri di testo scolastici. È stato emesso anche un francobollo con la sua immagine. In questo lavoro, una parte importante è occupata dalla narrazione dei moderni mezzi di comunicazione: una strada asfaltata su cui corrono le auto e una ferrovia con un treno. Tutto questo non è così importante per gli artisti interpretativi: nel dipinto Vinogradov/Dubosarsky, la maggior parte del paesaggio è oscurato dal volto della ragazza in primo piano, che può essere caratterizzato come un tipico modello di oggi, ma un modello in posa, diciamo , per un fotografo patinato. Gli artisti trasmettono la sua immagine non senza umorismo: è, per così dire, una tipica spettatrice del presente, ma anche un nuovo modello per l'arte, entrata nel suo territorio dopo la pop art. Il paesaggio qui, a differenza dell’originale, è coperto da una grande neve, che si ritrova anche nei dipinti del duo. Il paesaggio non ha significato in sé per gli artisti, ma è importante solo come segnale informativo, come riferimento al passato, ai “classici”. Molti altri dipinti da manuale compaiono con la stessa veste in altre opere della serie: “Cortile di Mosca” di Vasily Polenov, “Mattina in una foresta di pini” di Ivan Shishkin... Vinogradov e Dubossarsky sembrano così dire che i maestri dell'arte oggi sono tenuti ad avere una serie di citazioni visive, che, a loro volta, devono essere lette dal pubblico. V
Artisti russi. Lavoriamo insieme dal 1994.
Alexander Vinogradov è nato nel 1963 a Mosca. Nel 1984 si è diplomato alla Scuola d'Arte di Mosca in Memoria del 1905 e nel 1995 all'Accademia Statale delle Arti di Mosca. IN E. Surikov. Dal 1994 membro dell'Unione degli artisti di Mosca; Membro corrispondente dell'Accademia Russa delle Arti.
Vladimir Dubossarsky è nato nel 1964 a Mosca. Nel 1984 si è diplomato alla Scuola d'arte di Mosca in Memoria del 1905 e dal 1988 al 1991 ha studiato presso l'omonimo Istituto statale d'arte di Mosca. VI Surikova. Dal 1994 membro dell'Unione degli artisti di Mosca; Membro corrispondente dell'Accademia Russa delle Arti.
La prima mostra personale collettiva del duo creativo, “Picasso a Mosca”, ha avuto luogo nel 1994 (Galleria Studio, Casa Centrale degli Artisti, Mosca), seguita nel 1995 da una mostra dal titolo “Pittura per il Reichstag” a Berlino (Galerie Kai Higelman) e “Pittura su ordinazione” a Mosca (Galleria L). Nel 1996, alla Galleria M. Gelman di Mosca si sono tenute due mostre di Vinogradov e Dubossarsky: “Letteratura russa” e “Triumph”, così come la mostra “Blossoming Land” (Galerie Kai Higelman, Berlino) e una mostra per un progetto per l'edizione russa della rivista Playboy (Moscow Fine Art Gallery, Mosca).
Nel 1997 si sono tenute a Vienna due mostre: Erntedankfest / Harvest Festival nello spazio Atelier-Ester Freund e “Letteratura austriaca e russa” nella Galleria Brasilica, e la mostra “Etudes” si è tenuta nella L-Galleria di Mosca. Nel 1998, gli artisti hanno tenuto una mostra P.S. (Galleria M. Gelman, Mosca), nel 1999 - mostre “Pittura, o solo immagini” (Galleria di belle arti di Mosca, Mosca) e “Cristo a Mosca” (Galleria XL, Mosca). Nel 2000 si sono tenute le seguenti mostre: “Inspiration” (Galleria XL, Mosca) e “The Cranes Are Flying” (Moscow Fine Art Gallery, Mosca). Nel 2001, gli artisti hanno continuato a sviluppare il tema della "Pittura su ordinazione": si è tenuta la mostra "Painting for London" (Vilma Gold Gallery, Londra), così come le mostre Sweet Girls (Moscow Fine Art Gallery, Mosca) e How Siete voi, signore e signori? (Gallerie Claudio Poleschi, Lucca). L'anno 2002 è stato caratterizzato da una mostra personale degli artisti Vladimir Dubosarsky e Alexander Vinogradov alla galleria Vilma Gold di Londra, dalla mostra “Total Painting” (Galleria XL, Mosca), nonché dalla mostra “Painting for Finland” come continuazione di il progetto “Pittura su ordinazione”.
Nel 2003, mostre di artisti si sono tenute a Mosca (Astrakhan Blues, XL Gallery), a New York (Our Best World / Our Best World. Deitch Projects Gallery), a Vienna (Rain, Galerie Krinzinger), a Parigi ( Underwater Forever, Galleria d'arte Orel). Il 2004 ha confermato nuovamente la collaborazione di successo con la Galleria XL di Mosca - la mostra "Underwater World" e la Galleria Vilma Gold di Londra - la mostra "Aquafitness". Quasi ogni anno in queste gallerie si tengono mostre di Vinogradov e Dubossarsky. Nel 2005, la mostra personale "Under Water" ha avuto luogo presso l'Arsenale di Nizhny Novgorod, "New Painting" (Galleria XL, Mosca), "Graphics of Different Years" (Galleria Paperworks, Mosca), 9 Nu (Orel Art Galerie , Parigi) e la mostra personale Vladimir Dubosarsky & Alexander Vinogradov si è tenuta alla Charlotte Moser Galerie (Ginevra). Nel 2006, gli artisti hanno dimostrato due volte i risultati della loro collaborazione con la Galleria XL alle mostre “Anthills” (XL Projects) e “Lightness of Being. Resort Pirogovo, regione di Mosca”, e consolida anche la collaborazione con la galleria Paperworks, iniziata un anno prima, con la mostra “Underwater Barber”. Nel 2007, la mostra del duetto “Le stagioni della pittura russa” ha avuto luogo presso la Galleria statale Tretyakov e “Dans l'atelier de l'artiste / Artist's Workshop” presso la Orel Art Galerie di Parigi. Nel 2008, gli artisti hanno nuovamente partecipato al progetto a Pirogovo - la mostra "Meander", e hanno anche tenuto una mostra personale di Vladimir Dubosarsky e Alexander Vinogradov alla Vilma Gold Gallery di Londra, e si è tenuta la mostra The New People Are Già Qui / Indigo Children alla Deitch Projects Gallery di New York.
Nel 2009 gli artisti hanno vinto il diritto di rappresentare la Russia con la loro mostra personale Danger! Museo alla 53a Biennale di Venezia. Nel 2010, le loro mostre si sono tenute nelle gallerie di Mosca “Triumph” (“On the District 2.”) e Paperworks (Khimki - Life), nonché la mostra “On the District” alla Galleria Charlotte Moser di Ginevra, in Nel 2011 la mostra Khimki - Life è stata ripetuta alla Vilma Gold Gallery di Londra, e la Triumph Gallery ha ospitato la mostra For Victory. Nel 2012 ha avuto luogo una retrospettiva su larga scala di artisti (“Retrospettiva” e “Retrospettiva-2”), tenutasi presso il VINZAVOD Center for Contemporary Art e presso la Triumph Gallery.
Fin dall'inizio della loro attività creativa congiunta, gli artisti hanno partecipato attivamente a progetti collettivi; le loro opere sono state esposte a Mosca, San Pietroburgo, Nizhny Novgorod, Londra, Parigi, Vienna, Berlino, New York, San Paolo e in altre città. Hanno partecipato a grandi progetti come la Biennale di Cetinje (Vladin Dom; Rusko Poslanstvo - 1994, Montenegro; Back and Forth -1996), alla Fiera internazionale d'arte "Art-Manege" (progetto "Names" - 1998; progetto "Eurasian Zone " "- 1999) mostra “Arte contro la geografia” (Museo di Stato russo, San Pietroburgo, 1999), Art Moscow Workshop (2001, 2002), 25a Biennale di San Paolo (Bienal de Sao Paulo. Pavilhão da Bienal, San Paolo) Paulo, 2002), VAI! (MAK, Vienna, 2002), festival "Art-Klyazma" (2002, 2003), Biennale di Venezia -2003 (progetto Returning of the Artist / Return of the Artist. Padiglione russo), mostra Mosca - Berlino. Berlino - Moskau (Museo storico statale, Mosca, 2003-2004), mostra “Russian Pop Art” (Galleria statale Tretyakov, Mosca, 2005), progetti speciali della 1a Biennale Internazionale d'Arte Contemporanea di Mosca, 2005: “Accomplicis. Opere collettive e interattive nell'arte russa degli anni '60-2000" (Galleria Tretyakov), STARZ (MMSI), Russia 2 (Casa Centrale degli Artisti) e il progetto della 2a Biennale di Mosca "I Believe!" (“Winzavod”, 2007), mostra RUSSIA! (Museo Solomon R. Guggenheim, New York - Museo Solomon R. Guggenheim, Bilbao, 2005-2006), mostra Il trionfo della pittura. Parte 6. (The Saatchi Gallery, Londra, 2006), mostra “The Thaw, or In the Middle of the Road. 15° anniversario della Galleria M. Gelman" (Museo statale russo, Palazzo di marmo, San Pietroburgo, 2007), "Sots-art. L'arte politica in Russia. Galleria Statale Tretyakov, 2007, “21 RUSSIA. Mostra collettiva di artisti russi contemporanei" (PinchukArtCentre, Kyiv, 2009), "Counterpoint. Arte russa contemporanea: dall'icona all'avanguardia attraverso il museo" (Louvre, Parigi, 2010), "Dior: sotto il segno dell'arte" (Museo statale di belle arti Pushkin, 2011).
Nel 2007, Alexander Vinogradov e Vladimir Dubossarsky sono stati selezionati per il Premio Kandinsky nella categoria “Progetto dell'anno”.
Alla fine degli anni '90 e all'inizio degli anni 2000, “i prodotti del duo creativo di artisti moscoviti erano ovunque - sulla copertina del disco del gruppo cult newyorkese Talking Heads, nel libro del principale scrittore russo Viktor Pelevin, sugli stand delle più grandi fiere del mondo. Sono proliferati anche innumerevoli imitatori. Apparentemente riabilitato da Vinogradov e Dubossarsky, lo stile pittorico approssimativo dell'era staliniana ha permesso a molti artisti di non essere imbarazzati dall'inflessibilità della loro educazione artistica, ricevuta dagli accademici del realismo socialista. “Le stagioni della pittura russa” è stata eseguita dal duo per l'inaugurazione di una nuova versione della mostra d'arte del XX secolo alla Galleria Tretyakov. Per un'istituzione piuttosto conservatrice, Vinogradov e Dubossarsky hanno presentato un quadro sobrio. All'inizio degli anni 2000, hanno spogliato i classici russi - Tolstoj, Dostoevskij, Akhmatova, Cvetaeva - per il progetto "Pittura totale". “Stagioni” non sciocca, ma riconcilia, unisce stili e dipinti contrastanti. Qui Stalin e Voroshilov guardano in lontananza accanto a un mendicante dal dipinto di Surikov “Boyaryna Morozova”, un triste paroliere degli anni '60 mostra il “Quadrato nero” di Malevich, e il fascista “Asso abbattuto” di Deineka cade nel fiume dai dipinti dei Vagabondi . A tutti i capolavori vengono date pari opportunità. "Stagioni" è uno spettacolare ripensamento del metodo del realismo socialista, basato su una selezione di citazioni di artisti "corretti" e "folk" del XIX secolo. Ora Vinogradov e Dubossarsky hanno esteso al XX secolo il sentimento di felicità conferito da una pittura poco attraente ma realistica”. (Valentin Dyakonov. Catalogo del Premio Kandinsky 2007).
Gli artisti vivono e lavorano a Mosca.
Incontri pubblici:
Galleria Statale Tretyakov, Mosca
Museo statale russo, San Pietroburgo
Museo d'arte moderna di Mosca
Museo d'arte multimediale, Mosca
Museo d'Arte Contemporanea ART4, Mosca
Museo d'arte regionale di Ivanovo
Museo d'arte Yaroslavl, Yaroslavl
Collezione Christian Dior, Parigi
Museo Nazionale d'Arte Moderna, Centro Georges Pompidou, Parigi
Museo d'arte contemporanea, Avignone
Secessione, Vienna
Haus fur Geschichte der Bundesrepublik Deutschland, Bonn
Museo Scheringa per il Realismo, Spanbroek, Paesi Bassi
Museo Arte Contemporanea (MACI), Isernia, Italia
Istituto Valenciano di Arte Moderna (IVAM), Valencia
Il Nasher Museum of Art della Duke University, Durham, USA
Museo delle Belle Arti, Houston, Stati Uniti
Fondazione Culturale "EKATERINA", Mosca
Nuova Fondazione, Mosca
Fondazione Nuove Regole, Mosca
Gli artisti Alexander Vinogradov e Vladimir Dubossarsky sono un incidente storico e sociale. Si tratta di una cooperativa nata sulle rovine del sistema sovietico, sopravvissuta con successo agli anni Novanta e diventata una delle unità creative più redditizie del moderno mercato dell'arte russo. Le loro enormi tele con immagini kitsch di oligarchi, top model e alcolizzati vicino a Mosca sono comprensibili a qualsiasi spettatore, indipendentemente dall'istruzione e dal coinvolgimento nell'arte contemporanea. Sembra che il segreto del loro successo sia che, in un’epoca di individualismo estremo, hanno trovato la ricetta per una nuova collettività.
Propaganda visiva
Lo studio del tandem di artisti russi più famoso dopo i Kabakov - Vinogradov e Dubossarsky - si trova vicino alla piattaforma ferroviaria Khimki. Nelle vicinanze ci sono “Riparazione gioielli”, “Copie, foto, telecomandi” e “Negozio di animali di Kesh”. Dalla finestra del laboratorio si possono vedere i chioschi di insalate “Kostroma il Capofamiglia” e una linea di autobus Mostransavto. Paesaggio stimolante.
L'angolo del negozio mi sembra sospettosamente familiare dalla finestra. Da qualche parte ho già visto questa panchina, il bidone della spazzatura e la scritta "Negozio per adulti". Questo è il nome di uno dei dipinti della mostra “On the Area-2” alla Triumph Gallery: continua il tema della mostra “On the Area-1”. Era dedicato a Khimki.
Si tratta di una serie di tele radiose, anche se i soggetti sono ciò che nell'arte è considerato oscuro o (per usare un eufemismo) "sociale": ragazze con sandali economici per strada, cani vicino a garage, bancarelle di fiori, disabili con un braccio solo persone che fumano su una panchina, un'impiegata sullo sfondo di alcune cartelle e un ritratto di Dmitry Medvedev.
Vinogradov, Dubossarskij. "Negozio per adulti", 2010
Questa realtà tipica di Vinogradov e Dubossarsky - alcune linee elettriche, cortili, signorine in pantofole che, sullo sfondo di una vegetazione assordante, entrano nell'ingresso anonimo di una casa grigia - ha, come prima, vitalità. Ma nuovo. Era come se l'ironia con cui gli artisti avevano precedentemente dipinto tele su personaggi glamour ed eroi pop - in paradiso, con animali, bambini e donne nude - fosse stata rimossa da esso. Poi c'erano il paradiso, l'Olimpo, gli dei, gli animali, le rose, l'eterna giovinezza, la bellezza e la nudità. E ora - testi urbani: meno fantasia, più realtà.
Vinogradov e Dubossarsky lavorano insieme dagli anni '90. Fu quando le gerarchie ufficiali crollarono e ogni artista ebbe la possibilità di impegnarsi in un'arte nuova, sconosciuta, individuale, qualunque fosse l'arte moderna che desiderava, improvvisamente adottarono il realismo socialista.
"Non avevo alcun impulso di essere un artista", dice Vinogradov. Dubossarsky non è ancora arrivato. Su un tavolo di legno c'è un sacchetto di caffè macinato con una spiga strappata e zucchero nel sacchetto. — Volevo essere molte cose. E un pilota, un medico, un custode e un architetto. Poi, dopo la scuola d'arte, ho provato ad entrare all'università. Non sono entrato. E la seconda volta, Volodya e io siamo entrati insieme e abbiamo studiato nello stesso gruppo per diventare restauratori. Cioè, la nostra prima educazione è la restaurazione. Siamo andati in siti - abbiamo fatto pratica: Monastero Yuryev, Rostov, Solovki. Eravamo restauratori di dipinti monumentali: affreschi, pitture murali. Molti dei nostri ragazzi hanno intrapreso la professione di restauratori. E subito dopo il college, tutti furono arruolati nell'esercito.
— Avete prestato servizio nell'esercito insieme?
Qui Vinogradov sospira pesantemente. Perché a lui e Dubossarsky è stato chiesto per quasi due decenni: come lavorano insieme, tengono insieme pennello e tavolozza? Sono generalmente considerati gemelli siamesi o una persona.
"No", dice. - Sai, viviamo separati, abbiamo appartamenti diversi, le famiglie, i bambini non sono comuni...
—Dove hai prestato servizio nell'esercito?
- In Germania. 1984 La nostra unità era di stanza vicino alla città di Halle, a volte ci andavamo. Beh, abbiamo visto qualcosa dal finestrino della macchina. Più precisamente, dalla finestra di una vasca. Si credeva che servire da qualche parte all'estero fosse più prestigioso, o qualcosa del genere. Gli ufficiali hanno ricevuto di conseguenza. Avevamo una parte molto ampia, c'era tutto: cannoni, carri armati e cannoni semoventi. E ho prestato servizio presso la sede come impiegato, artista: tutti disegnavano, scrivevano con le mani e facevano propaganda visiva. E tutto doveva essere ridipinto una volta all'anno, aggiornato.
- Poi?
— Poi è tornato, ha lavorato in un mobilificio, anche come artista: prima ogni impresa aveva bisogno di propaganda visiva. Le idee del partito prendono vita. Gruppo di personaggi famosi. Ora puoi prendere e stampare qualsiasi cosa dal tuo computer. E poi, già nella sala espositiva, abbiamo insegnato: avevamo laboratori d'arte per bambini e adulti. Volodya e io lo abbiamo diviso, il che significa che lui insegnerà agli adulti e io insegnerò ai bambini. Tre bambini sono venuti da me e mi hanno subito distrutto. E gli adulti si dedicavano a questa causa e l'amavano moltissimo. E ci sono state anche alcune vittorie creative lì. Avevamo un geologo, ad esempio, un blaster; disegnava esplosioni. Molto bello.
Generazione di squat
Ecco che arriva Dubossarskij. Vinogradov gli dice ridendo:
- Beh, mentre eri via, ti ho già raccontato tutta la mia vita.
Sembra che il collettivismo sia nel loro sangue. Il collettivismo è ancora sovietico: scuola, esercito, studio, bambini, geologi. E quello post-sovietico: il famoso squat in Trekhprudny Lane a Mosca, dove frequentava Dubossarsky.
"Era il 91-93", ricorda Dubossarsky. — Ho incontrato un gruppo di artisti di Rostov: Avdey Ter-Oganyan, Valera Koshlyakov, Seva Lisovsky, che era il loro produttore e amico. C'erano anche Pasha Aksenov di Izhevsk, Kitup Ilya di Vilnius, ragazzi dall'Ucraina. Penso che ci fosse un moscovita lì, io e un'altra o due persone. A quel tempo, molti vivevano in case occupate: gli artisti venivano a Mosca e occupavano appartamenti vuoti - andavano a guardare dove erano spente le luci la sera e dove le finestre erano rotte. Tutti comunicavano tra loro e sapevano dov'erano i luoghi bruciati e dove erano quelli non bruciati, e cercavano di catturarli. E resistere è stata la cosa più difficile.
La polizia ci ha rapidamente identificato: questi appartamenti a Trekhprudny sono stati semplicemente bruciati. Prima di allora, stavamo incontrando un musicista della Protezione Civile e quando ci siamo fermati a Trekhprudny è arrivata la polizia. Ma poi avevano meno potere. E a quanto pare erano contenti che vivessimo lì. Da un lato, ci hanno addebitato dieci rubli una volta al mese e hanno iscritto tutti, hanno presentato rapporti che stavano lavorando. D'altra parte, era vantaggioso per loro che lì non ci fossero alcolizzati o tossicodipendenti, ma artisti.
E poi questa casa apparteneva a MOST, Gusinsky. È venuto il direttore di questa casa e abbiamo già cominciato a pagarlo ufficialmente. È stato un piano che Olga Sviblova ha poi implementato: è venuta, ha portato i quadri nella collezione della banca e la banca ci ha pagato l'affitto. E poi il rublo è caduto così tanto che noi stessi abbiamo pagato questi centesimi finché la casa non è stata ricostruita. E ci siamo trasferiti in un altro posto, e poi a Baumanskaya, e lì abbiamo affittato grandi appartamenti da due alcolizzati. Penso che questo sia stato l'ultimo squat a Mosca. Tutto è finito nel 2002 o nel 2003.
È per questo che vivevo lì, in questo squat? Da un lato ho studiato lì, era un ambiente interessante. D’altronde era un modo di promozione e di sopravvivenza, perché solo lì si poteva vendere qualcosa. Perché non eravamo artisti famosi e nessuno veniva da noi personalmente o andava. E i cosiddetti acquirenti sono andati lì. E c'erano persone a Mosca che poi portavano gli stranieri ai laboratori e ricevevano per questo il 10%. Allora non esistevano i cellulari, tutti venivano chiamati in qualche modo. Se qualcuno non era a casa, eravamo severi: veniva sempre mostrato a tutti. Non c'eri, non potevi, lo sapevi, non lo sapevi, non importa: lo hanno mostrato a tutti.
— Quali erano i prezzi allora?
- Da duecento a mille dollari, il più popolare va da trecento a quattrocento. Collezionisti sconosciuti, non grandi o musei, hanno acquistato da noi. Queste erano persone per le quali la tela era come un souvenir. E per noi era un sistema di protezione circolare: sapevamo sempre chi di noi aveva soldi. Sapevamo da chi, per quanto e cosa compravamo! Ed era chiaro chi poteva prendere in prestito quanto da chi, e tutti davano sempre, perché capivano che domani avrebbero dovuto prendere in prestito loro stessi. Era un modello di esistenza economicamente valido. Inoltre, la creatività collettiva ci ha fatto grandi progressi: ti viene in mente un'idea, la porti in giro e i tuoi amici sono seduti qui, a criticarla, a discutere e tu la ricordi, e poi devi inventare uno nuovo. Era un grande incubatore di idee.
- E adesso, è passato il tempo del collettivismo? È giunto il momento del contatto individuale con i galleristi?
— Sì, gli artisti funzionano diversamente adesso. Tutte le gallerie corrono in cerca di artisti: non ci sono artisti! Non possono fare un programma per l'anno, perché a Mosca non ci sono abbastanza artisti per dodici gallerie. E poi, al contrario, c'erano più artisti, ma pochissimi locali. Ma il modello collettivo è il modello dei giovani artisti. Vivono sempre così, sia a Londra che a New York. Dopotutto, abbiamo avuto anche una generazione: anche più tardi, quando abbiamo smesso di entrare in conflitto ideologicamente, si è scoperto che Tolya Osmolovsky, Oleg Kulik e noi eravamo tutti una specie di campo unificato.
Arte, affari e politica
Vinogradov e Dubosarsky abbracciarono il realismo socialista, come spiegano, alla ricerca di una nuova ideologia: le vecchie istituzioni sociali erano crollate e l'unica mitologia grande e comune a tutti era collegata allo stile sovietico, anche visivamente: i grattacieli stalinisti , palcoscenici estivi, pannelli a mosaico in piscine e centri culturali.
“Non avevamo davvero una nostra lingua”, dice Vinogradov. — Allo stato attuale l'artista usa tutti i linguaggi: può prendere Matisse, o magari gli italiani. In senso formale, lo sviluppo della pittura è finito: è impossibile creare con colori e pennello qualcosa che non sia ancora esistito. Nel 1994, ricordo, si riteneva che fare pittura fosse uno spreco. Ma il realismo socialista era una tale profanazione e noi, al contrario, abbiamo deciso di dargli un nuovo significato. Volevamo fare arte contemporanea. Ma a quel tempo, sostanzialmente, abbiamo corso un rischio, perché non era chiaro dove fossero: dipinti tre per quattro?
"Negli anni '90 c'è stato un fallimento perché non c'erano soldi e molti artisti si sono dedicati al design, agli affari, ai libri", riprende Dubossarsky. — C'è stato un deflusso dalle arti al mondo degli affari e del denaro. E nel 2000 è apparso una sorta di mercato dell'arte, gallerie che hanno iniziato a vendere... Se negli anni '90 le gallerie erano solo un luogo per esporre, negli anni 2000 sono diventate un business. Prima ogni galleria aveva la sua nicchia: se avevi un progetto politico andavi a Gelman, se qualcosa di sperimentale andavi a XL.
E gli artisti semplicemente camminavano in tondo. E nel 2000, i galleristi dissero: “Va bene, sistemiamoci”. E gli artisti si stabilirono nelle gallerie. E se se ne sono andati, allora questa è stata già una partenza concreta: vi lascio e vengo a voi. Proprio come in Occidente. Ora stiamo lavorando con Triumph e PaperWorld. In linea di principio abbiamo tutti la stessa età dei galleristi e dei galleristi. Quando non c’erano soldi, era una storia più amichevole. E poi i galleristi sono diventati uomini d'affari e hanno cominciato a dettare legge agli artisti. Ed è per questo che ci sono state partenze scandalose. Ma non con noi.
— Sei uno degli artisti di maggior successo commerciale. Ricordo un articolo su Forbes di qualche anno fa, prima della crisi, su come i vostri prezzi aumentassero terribilmente: 300mila euro, 400mila euro...
- Non proprio. — Vinogradov e Dubossarsky aggrottano la fronte e agitano le mani. - A volte il lavoro è di tre metri per venti: costa molto di più. I prezzi sono cresciuti in linea con il mercato. Un imprenditore ci ha spiegato che se vendono facilmente significa che i prezzi sono bassi. Dovrebbero essere venduti come per forza: un numero di opere all'anno.
Prima della crisi, commissionarono persino ritratti di oligarchi a Vinogradov e Dubossarsky, ad esempio Abramovich sullo sfondo della tundra con un lupo e una volpe. E il proprietario del resort Pirogovo vicino a Mosca ha acquistato il famoso dipinto "Troika" e ha realizzato uno striscione basato su di esso, che ha appeso nel territorio del suo centro di assistenza automobilistica a Mytishchi. Ora, dicono gli artisti, la schiuma si è diradata e la follia dei ricchi si è fermata.
— I politici hanno ordinato qualcosa?
— No, siamo abbastanza apolitici. Ma abbiamo una foto con Eltsin e Lebed. Questo è il periodo in cui Eltsin andò alle seconde elezioni e Lebed gli diede i suoi voti. E abbiamo dipinto un quadro tra il primo e il secondo turno elettorale: Eltsin e il Cigno, il sole, gli arcobaleni, i bambini, gli animali. Bene, una foto pre-elettorale. La mostra era nella Galleria Gelman, chiamata “Triumph”. Quando Eltsin vinse, lì fu allestito un grande tavolo con i piatti e questa foto era appesa lì. Volevamo anche fare una biografia di Zhirinovsky per immagini - beh, come si lava gli stivali nell'Oceano Indiano. Anche Zhirinovsky aveva un'immagine eroica. Allora la politica era diffusa, interessava a tutti, era adrenalina. Non più.
Troika con Kalashnikov
Vinogradov, Dubossarskij. Come state, signore e signori, 2000
Vinogradov e Dubossarsky dipingono da molti anni quello che è probabilmente il dipinto più lungo del mondo. Durante il progetto parigino "Urgent Painting", nell'ambito del quale artisti provenienti da diversi paesi avevano bisogno di dipingere rapidamente qualcosa sul posto, hanno avuto l'idea di posizionare sempre più tele su una tela una volta e mezza di due metri - da un lato e dall'altro.
Parti del dipinto più lungo sono familiari sia al pubblico moscovita che a quello occidentale. Alcuni sono stati acquistati. Vinogradov e Dubossarsky una volta dissero: “Non creiamo capolavori; alcuni sono migliori, altri sono peggiori. È importante creare costantemente qualcosa”.
Funzionano come una fabbrica d'arte, che in epoca sovietica riproduceva all'infinito pannelli mitologici - e in un certo senso rifletteva il tempo: le aspirazioni delle persone, la realtà fuori dalla finestra, poi filtrata attraverso le immagini eroiche dei lavoratori e dei contadini collettivi, e ora attraverso i mass media e il glamour. Registra l'epoca.
- Vuoi che te lo mostri? - chiede all'improvviso Vinogradov. Annuisco, poi trova un libretto di fisarmonica e sparge il nastro per il laboratorio. Camminiamo lungo il libretto: anche in forma molto ridotta, il dipinto più lungo si estende per metri. Chi frequenta le gallerie conosce molti frammenti di anni diversi: Akhmatova e Cvetaeva nude nei campi sulle rive dell'Ob, Madonna, la regina d'Inghilterra, “I Beatles a Mosca”.
— Non risulta nemmeno un affresco, ma un film. Si tratta di una performance che si estende nel tempo e nello spazio. Il dipinto è mobile: puoi sempre sostituire qualcosa, aggiungere qualcosa, strapparlo da qualche parte, inserirne un pezzo. In un certo senso non finisce mai”, dice Vinogradov.
"E ci sono anche specie speciali", inserisce Dubossarsky. — Questo è l'Intourist Hotel, che non esiste più. Il quadro che emerge è storico.
"In generale, il contesto è più importante per lo spettatore", inizia a ragionare Vinogradov. — Senza conoscere il contesto, non capirai mai l’opera stessa. E volevamo solo creare arte aperta e diretta. Viene un uomo e vede, non so, una donna nuda disegnata. E tutto gli è chiaro. Oppure Madonna, Schwarzenegger e i bambini...
—Hai incontrato direttamente lo spettatore, una persona così semplice?
- Sì, cento volte. Abbiamo una foto con la troika, l'abbiamo fatta anche nel 1995. Ciò significa che lì c’è una troika russa…
-Dov'è il vampiro?
"Sì, ci sono forze oscure da tutte le parti", ride Dubossarsky. - E l'autista, una ragazza con una pelliccia e un fucile d'assalto Kalashnikov, risponde al fuoco. E un ragazzo stava appendendo delle foto a una mostra, si avvicinò e disse: "Ascolta, che bella foto, come una ragazza: personifica la Russia, spara e non ha abbastanza cartucce". Per Dio, non ci abbiamo dato nessun significato del genere. Ma non spieghiamo mai i nostri dipinti. Perché una persona capisce a modo suo. Lui stesso inventerà qualcosa che noi non riusciremo mai a inventare.
Fascino sfuggente
Vinogradov, Dubossarskij. D&G, 2010
Vinogradov, Dubossarskij. "Natascia", 2010
Vinogradov, Dubossarskij. "Distretto", 2010
Il glamour è scomparso dai dipinti di Vinogradov e Dubossarsky in modo impercettibile e improvviso come è scomparso dal tempo. Le stelle nude tra i fiori e le betulle, la Barbie calva, Cindy Crawford con la tigre nel boschetto sono scomparse. Restano una ragazza dai polpacci robusti e un sacchetto di D&G, che cammina sui marciapiedi assolati di Khimki, una poliziotta che somiglia a Britney Spears, che sorride invitante da una grande tela, e Natalya Vodianova, svestita, che passa di lì treno per Nizhny Novgorod.
"Ma potresti anche non sapere che questa è Natalia Vodianova, non cambierà nulla", dice Dubossarsky. — Gli anni 2000 sono stati un periodo di glamour, splendore e prosperità sull’onda dei petrodollari. Riviste, nuova televisione, moda, design, pulizia, bellezza, il tentativo di rendere tutto costoso, bello, occidentale. In un certo senso, questa è stata l'assimilazione di tutto ciò che era stato fatto in Occidente: il contesto russo si è fuso con quello occidentale, ed è apparso qualcosa che avevamo solo ieri: la Russia, che abbiamo perso di nuovo. Perché adesso, dopo la crisi, non potremmo più farlo. Anche se prima lavoravamo molto con le riviste di moda, con l'immaginario dettato dal patinato.
"Li abbiamo comprati tutti, ne sono rimasti anche alcuni", Vinogradov annuisce allo scaffale disseminato di riviste patinate. - Ma il gloss è anche mobile, anche loro hanno cominciato a riflettere e a cambiare. E sentivamo che non eravamo più interessati. E hanno iniziato a passare a una vita più interessante. E poi c'è stata solo una crisi e il passaggio alla realtà è stato in qualche modo naturale. Poiché non puoi tirare fuori nulla dal nulla, devi sempre guardare alla vita. Non puoi sederti e dire: ora inventerò una nuova tecnologia, una nuova storia, creerò qualcosa di completamente nuovo. Nasce ancora nel mondo e dentro di te, e poi si connette.
Dietro Vinogradov e Dubossarsky ci sono enormi tele con donne incompiute. Questo è un nudo sullo sfondo di appartamenti in affitto piuttosto miserabili. Una signora con calze nere, un'altra con calze stringate, la terza con una chitarra.
— Queste sono ragazze che pubblicano le loro foto su Internet. Per scopi intimi”, spiega Dubossarsky.
- A loro dispiace che tu li abbia qui?. - Chiedo.
“Penso che dovrebbero essere felici.”
— Nei tuoi dipinti c'erano celebrità di tutti i tipi, usi sia le tue fotografie che quelle di altre persone. Non ci sono ancora state azioni legali: cosa succede se utilizzi l'arte e le immagini di qualcun altro per scopi commerciali?
- Abbiamo avuto un buon caso. Alla Biennale di Venezia abbiamo dipinto un grande quadro sott'acqua, tre metri per venti, utilizzando fotografie di moda. E poi si sono avvicinati dei corrispondenti, e una donna tedesca ci ha afferrato e ha filmato a lungo: quindi, stai qui, stai qui... Una zia del genere ha circa sessant'anni. Faceva caldo, eravamo già lì bagnati. E lei dice: “Ecco, grazie mille per avermi prestato attenzione. A proposito, questa, questa, questa e questa sono le mie fotografie. In qualche modo ci siamo immediatamente irrigiditi, ma lei ha detto: no, no, cosa stai facendo, "Sono molto contento che tu abbia usato la mia immagine".
"In generale, c'erano dei precedenti", continuano gli artisti. - Ecco la nostra Zhora Pusenkov - Helmut Newton lo ha citato in giudizio per quattro famose nudità. Pusenkoff vinse il processo. Perché se avesse riscattato la fotografia e l'avesse venduta come fotografia, allora sì. E ne ha fatto un dipinto, un pezzo originale, suo. Dopotutto, immagina: sono venuto e ho dipinto un paesaggio: una chiesa, la casa di qualcuno; stavi camminando lì con il cane - ti ha disegnato. E poi tutti mi hanno affermato: il patriarcato, il proprietario della casa e tu, che il cane era tuo. È come fare un reclamo ad Andy Warhol: ho comprato una lattina di Coca-Cola o una lattina di zuppa Campbell, e capisco che ora è mia. Ma non lo vendo come una lattina Campbell: costa il doppio. Vendo il mio lavoro.
- Sì, cento volte più costoso"Rido.
"Beh, probabilmente non cento, ma mille", chiariscono con calma gli artisti. — Usiamo le nostre fotografie come un modo per catturare l'immagine e quelle degli altri. L'artista ora non sta sviluppando un'immagine, ma un'idea. Petlyura (Alexander Petlyura, artista di performance contemporanea e stilista. - “RR.”) ha avuto una storia del genere con la fotografa Vita Buivid. Petlyura ha realizzato una grande produzione, circa venticinque persone: le persone erano in piedi nello stile degli anni '30 - con scarpe da ginnastica, magliette, cappelli, con una specie di striscioni. Tutto quello che Petliura colleziona da vent'anni - costumi, ambientazioni - tutto è nella cornice. Vita, che sta filmando tutto questo, viene e dice: "La luce è di qua, ti muovi un po' di qua..." Io non c'ero a questo servizio fotografico e non so chi comandasse lì, ma poi Vita sembrava presentarlo come opera sua e Petlyura come loro. Il conflitto non è stato ancora risolto. Chi è l'autore di queste opere? Per me l'autore è Petlyura. Ebbene, che differenza fa chi ha filmato questo momento? L'intera struttura figurativa è il mondo di Petlyura. E chiunque può essere il fotografo di questa foto. Ha importanza chi ha premuto il pulsante?