L'Art Déco non è sfuggito all'influenza di un altro fenomeno importante nell'arte del XX secolo: l'astrattismo. Le innovazioni dell’astrattismo sono legate principalmente ai meriti di Wassily Kandinsky, che visse e lavorò a Monaco dal 1896 al 1914. Rimuovendo gradualmente la trama dai suoi dipinti, l'artista si assicurò che assumessero l'aspetto di una completa astrazione.

Questo è anche il lavoro di Kazimir Malevich, fondatore del Suprematismo, che semplificò l'immagine sovrapponendo un quadrato bianco a un altro. Il costruttivismo come stile ha avuto un impatto significativo sull’arte occidentale. Il costruttivismo si basava sulla convinzione che l’arte dovesse servire a scopi sociali e che fosse un riflesso dell’esperienza personale piuttosto che sociale. Gli artisti costruttivisti crearono opere che ricordavano i dettagli dei meccanismi, costituite da forme geometriche e influenzarono la grafica Art Déco.

Le innovazioni che si svilupparono in quel periodo non poterono non influenzare lo stesso stile Art Déco, che fu il risultato della mescolanza con esse. In senso artistico, il cubismo ha avuto anche una notevole influenza sull'Art Déco, in particolare il suo modo di sezionare gli oggetti e di analizzarne le componenti geometriche. La visione cubista degli oggetti appare nell'opera di Pablo Picasso e Georges Braque intorno al 1908-1909. L'Art Déco fu profondamente influenzato dal modo in cui i cubisti trattavano gli aerei e dalla loro tecnica di utilizzo del colore.

Pittore e scultore di talento, l'artista italiano Amadeo Modeliani ha influenzato lo sviluppo dell'Art Déco. Ha raffigurato forme vivaci, prevalentemente femminili, allungando deliberatamente le proporzioni del corpo e dei lineamenti del viso, che era il prototipo dell'elegante stilizzazione caratteristica dell'Art Déco.

Il famoso couturier parigino Paul Poiret, che per molti anni divenne un trendsetter, ha fatto molto per promuovere lo stile Art Déco esotico e colorato, avviato dalle stagioni russe. I modelli di Paul Poiret affermavano l'immagine ideale di una donna moderna ricca e vestita alla moda. P. Poiret cambiò la moda in modo "rivoluzionario": distrusse il corsetto, e così la silhouette dei suoi modelli divenne dritta e più naturale. Questa fu la prima, ancora timida rispetto a quanto sarebbe accaduto nel primo dopoguerra, ma già una chiara liberazione. Indossando abiti a tunica dritti e larghi con un motivo decorativo luminoso, la donna divenne più diretta e naturale nel comportamento, meno leziosa e pretenziosa. Nel famoso Martin Hotel, inaugurato nel 1911, in cui lavoravano ragazze completamente inesperte, creando disegni per tessuti, mobili e carta da parati. Un metodo così insolito ha dato vita a opere piene di freschezza e vivacità di percezione, e la mancanza di conoscenze tecniche è stata compensata da artigiani ben formati che hanno tradotto sui tessuti i disegni realizzati dalle ragazze, correggendoli solo leggermente. Dallo studio "Martin" sono usciti carta da parati, pannelli murali, tessuti, completamente ricoperti di enormi colori vivaci. Quindi, i fiori (soprattutto rose, dalie, margherite, zinnie), molto decorativi e infinitamente lontani dal naturale (reale), diventano uno dei temi preferiti dell'emergente Art Déco.

Nella pittura, tra i dipinti del periodo tra le due guerre, è molto difficile individuare il puro stile Art Déco. La maggior parte degli artisti utilizzava tecniche prese in prestito dai cubisti. La pittura Art Deco non era uno dei movimenti artistici d'avanguardia, inoltre, non era applicata alla natura, progettata per rispettare i principi fondamentali della decorazione.

La pittura della polacca Tamara de Lempicki, la cui opera è dominata da ritratti alla moda e nudi femminili erotici, è considerata un tipico rappresentante dell'Art Déco in pittura. La tecnica di scrittura di De Lempicka può essere definita applicando all'età delle macchine la sua stessa affermazione secondo cui l'artista "non deve dimenticare la precisione. Il dipinto deve essere pulito e ordinato. (S. Sternow. Art Deco. Voli di fantasia artistica. Belfax, 1997).

In generale, la scultura Art Déco può essere divisa in due grandi gruppi: opere di produzione di massa per il mercato interno e opere di "belle arti". Creato da artisti e scultori d'avanguardia di quel periodo, scultura di alta qualità e beni di consumo poco costosi andavano di pari passo: marmo e bronzo esistevano accanto a souvenir di plastica e ceramica. Nel regno della scultura, l’Art Déco era ovunque, dall’arte alta al kitsch.

Lo stile Art Déco è estremamente popolare ai nostri tempi e si concentra principalmente sugli amanti dell'elitarismo e del lusso, con un gusto raffinato e raffinato, per coloro che amano ammirare e deliziarsi con oggetti esclusivi. Lo stile è estremamente popolare tra il mondo creativo: attori, artisti e altre celebrità.

DESIGN ART DECO

La principale differenza di questo stile rispetto agli altri è l'attrazione per lo stile impero, il cubismo. Contiene anche elementi dell'arte arcaica delle culture antiche. L'Art Déco è una combinazione di molte tendenze: motivi egiziani, greci arcaici e l'arte primitiva delle tribù africane: tutto si fonde armoniosamente in un unico insieme, formando semplicità d'avanguardia e allo stesso tempo originalità esotica. L'Art Deco è una continuazione dello stile Art Nouveau; anche quando è nato portava il nome originale "Streamlined Modern". Qui i materiali artificiali sono completamente assenti, così come i motivi moderni. Niente linee morbide e motivi floreali: solo nitidezza, angolosità, geometria o astrazione, ad es. ci sono anche elementi di "Hi-tech". In precedenza, dipinti, sculture, mobili, nonché edifici e strutture venivano creati in stile Art Déco. Oltre a tutto quanto sopra, lo stile non è privo di motivi etnici, ad es. L'Art Déco è eclettico.

Le principali caratteristiche dello stile:

1. forme a zigzag (può essere un ornamento o una piastrellatura a spina di pesce);
2. Sunburst, che significa raggi del sole (si possono trovare sia nella decorazione, sia nella forma, sia nell'arredamento). A proposito, è con i raggi che è associato lo striping intrinseco di molti elementi dell'Art Déco (viene utilizzato l'arredamento a strisce, le pareti sono rifinite con una striscia o lo schienale del divano è diviso in strisce);
3. scalini (ad esempio, la divergenza dei raggi solari in gradini come strutture a più stadi tipiche dell'architettura babilonese, sumera e assira);
4. trapezio (presenza di molti oggetti interni a forma trapezoidale, ad esempio mobili, specchi o decorazioni per porte);
5. linee curve (la curvatura di una forma geometrica è più comune, ma esiste anche una curvatura netta e arrotondata);
6. tasti del pianoforte (ovvero l'alternanza di strisce chiare e scure che si trovano ovunque)
7. contorni o incorniciature (ad esempio, una superficie decorata con una linea di colore contrastante, in altre parole, una cornice, che consente di enfatizzare più chiaramente la geometria che forma lo stile)

Lo stile Art Déco prevede l'uso di materiali:

• legno (anche intarsiato);
• bicchiere;
• vera pelle (compresa la pelle di zebra);
• acciaio inossidabile;
• alluminio;
• piastrelle in ceramica o pietra lucida;
• superfici verniciate.

Per quanto riguarda la combinazione di colori, possiamo dire che l'Art Déco utilizza per lo più toni neutri: nero, bianco, grigio, argento, beige, marrone, nonché sfumature di marrone chiaro e metallo. È consentita un'introduzione avara e sommessa di altri colori, principalmente verde, blu, oro, rosso o bordeaux.

CAMERA DA LETTO ART DECO

La stragrande maggioranza delle persone che scelgono l'Art Déco per una camera da letto sono persone creative e veri intenditori della bellezza. Art Deco tradotto dal francese al russo significa "arte decorativa", e qui non puoi fare a meno di un'impostazione standard. Per creare una camera da letto Art Déco, devi investire la tua anima, non aver paura degli esperimenti di decorazione, per trovare quella linea invisibile tra moderno e classico, tra eleganza sofisticata e lusso monumentale.

Classico e moderno nell'Art Déco sono uniti, prima di tutto, da materiali naturali, forme geometriche e versatilità. La camera da letto Art Déco è caratterizzata dalla morbidezza delle forme, che sarà facilitata da un letto con una morbida testiera artistica, che può avere una classica forma rettangolare o una moderna ovale, solitamente decorata con tappezzerie costose o l'intera testiera. l'area è evidenziata con carta da parati in rilievo e tendaggi in tessuto.

I mobili dovrebbero essere in legno o metallo e avere bordi affusolati

Scaffali, armadi, comodini e altri mobili sono selezionati secondo questo principio: se le pareti sono scure, i mobili dovrebbero essere chiari e viceversa. La presenza di una forma insolita di una toletta e di un pouf (o sedia) in questo stile è d'obbligo. Gli specchi rendono la camera da letto spaziosa e luminosa e ingrandiscono anche visivamente la stanza, perché l'art deco implica molto spazio, luce e pulizia. A questo proposito, dovrebbero esserci un gran numero di specchi: ante dell'armadio, uno specchio a forma di luce solare situato nella zona del comodino, nonché un grande specchio sulla toletta.

Le pareti della camera da letto possono essere esse stesse una decorazione interna. Disegni e ornamenti sono l'elemento principale nella progettazione delle pareti di questo stile, così come tutti i tipi di collage, adesivi per interni o pitture decorative. Tuttavia, tutto ha bisogno di una misura. Il motivo può essere una cornice di sfondo per i mobili o l'accento centrale degli interni, ma dovrebbe avere toni tenui e discreti. Lo stile consente anche la presenza di forme arrotondate: ovali, onde, cerchi. Se c'è una nicchia nel muro, con l'aiuto del muro a secco puoi darle la forma di un'ellisse e posizionare lì, ad esempio, una toletta o una TV. Ma in questo caso, una forma simile deve essere ripetuta durante la finitura dei soffitti, del podio del pavimento o delle porte. A proposito, per quanto riguarda il soffitto, non sarebbe male posizionare dello stucco su di esso, ad esempio, sotto forma di cornice per lampadario. I dipinti sono ammessi sulle pareti, tuttavia, in una piccola quantità, in modo che l'interno non sia saturo di piccoli oggetti vari.

Per quanto riguarda il colore, la camera da letto può essere realizzata in bianco, marrone caldo, grigio, rosa e rosso. Si consiglia di utilizzare il contrasto. Accessori e mobili non dovrebbero fondersi in un tutt'uno, dovrebbero risaltare. Gli interni sembrano più impressionanti nelle combinazioni di bianco e nero, beige cioccolato, grigio e nero, grigio e blu, bianco e bordeaux. Di solito, nella decorazione degli interni vengono utilizzate tre tonalità, due delle quali rappresentano lo sfondo (ad esempio, bianco e nero) e una è utilizzata come elemento di lusso (oro, bronzo o argento). È fantastico se la decorazione, così come l'arredamento, contiene elementi di lusso, ad esempio tessuti di seta, dorature chiare o pavimenti in parquet. In generale, i tendaggi in tessuto fungono da decorazione principale della camera da letto. Danno un romanticismo e un comfort speciali. Le tende possono essere di seta o di raso, davanti al letto - la presenza di una semplice pelle naturale bianca o uno scendiletto in pelliccia sintetica con un pelo lungo e spesso. Il letto è ricoperto da un lussuoso copriletto con cuscini intonato al morbido rivestimento del pouf o delle sedie.

L'illuminazione della camera da letto dovrebbe essere a più livelli, almeno dovrebbero esserci: un lampadario centrale in cristallo o vetro multicolore, lampade sulla toeletta e lampade da terra. È inoltre possibile utilizzare l'illuminazione a LED per illuminare le nicchie.

SOGGIORNO ART DECO

I soggiorni moderni in stile Art Déco combinano armoniosamente forme geometriche con facciate arrotondate e i mobili, solitamente realizzati in legni pregiati, sono abbinati a inserti in vetro e maniglie in metallo. Lo stile offre un vasto campo di attività per quanto riguarda l'implementazione di varie idee. È possibile utilizzare qualsiasi motivo, che si tratti di ornamenti africani, motivi cubisti, articoli aeronautici o disegni a tema automobilistico. gli interni in questo stile sono costituiti da un mosaico di stili ed epoche. Come materiali decorativi vengono utilizzati legno pregiato, pelle (compresi coccodrillo, squalo e razza), pietre semipreziose, avorio, bambù, ecc. Pertanto, i materiali stravaganti aiutano molto a esprimere l'intera gamma di sentimenti, soprattutto perché il soggiorno Art Déco è un vero centro estetico. La combinazione di vetro e metallo ha trovato la sua ampia applicazione e porte, pareti divisorie interne, accessori per caminetti e ringhiere per scale sono decorati con ferro saldato.

Per quanto riguarda la combinazione di colori, è consentita la predominanza delle tonalità scure, tuttavia, è consentita la gamma marrone-beige, che crea una speciale nobiltà degli interni. Ma per quanto riguarda i fiori colorati, questo è inaccettabile. L'effetto più vantaggioso è giocato dalla saturazione monotona in combinazione con un motivo contrastante. Particolarmente gradito è l'uso di superfici in vetro intarsiato, metallo lucido e legno lucido nel soggiorno. tutti questi attributi rafforzano l'impressione di lusso e nobiltà.

Anche i mobili del soggiorno Art Déco dovrebbero essere lussuosi, è meglio se realizzati a mano con legni esotici. Ma in ogni caso, qualsiasi oggetto è comunque ulteriormente decorato. Anche la forma dei mobili è insolita, ad esempio il sedile di una poltrona può avere la forma di un trapezio e nel rivestimento si possono rintracciare ornamenti egiziani o orientali, in una parola, una combinazione di incongrui. Particolarmente appropriato è l'uso di tavoli chic con piani intarsiati, nonché di grandi sedie e poltrone come un trono reale. Ma non dovremmo dimenticare che lo stile stesso è molto elegante e leggero, e quindi le forme di zigzag, onde o colli di cigno sono rilevanti. A proposito, lo stile ha un altro nome: "artistico". L'abbinamento più vincente per i mobili è quello di utilizzare legno rosso scuro o bordeaux in abbinamento a vera pelle bianca, marmo o vetro.

Le vetrine con bellissimi oggetti di valore si adatteranno perfettamente al design degli interni

Le pareti del soggiorno di solito fungono da sfondo piacevole e discreto per mobili lussuosi ed eleganti e altri oggetti interni. Molto spesso sono semplicemente verniciati in un unico colore. Tuttavia sono possibili anche delicate inclusioni sotto forma di ornamenti di altri colori. La cosa principale da ricordare è che la combinazione di colori delle pareti e dei pavimenti deve necessariamente essere morbida, ma i mobili sullo sfondo dovrebbero essere scuri e persino quasi neri.

Anche all'interno possono esserci sculture di figure femminili collocate ovunque, ad esempio in una posa di danza, che è un simbolo di purezza e grazia. Tuttavia, la decorazione principale di questo stile sono ancora i tessuti. Le tende vengono utilizzate in velluto pesante o raso. I cuscini del divano e i paralumi delle lampade devono essere abbinati alle tende. Inoltre, schermi intricati o altri oggetti in metallo forgiato saranno un'ottima aggiunta agli interni. Gli accessori antichi vengono utilizzati in abbondanza, come dipinti unici nello spirito del Medioevo, nonché vari vasi e orologi da parete e, naturalmente, tappeti chic. A proposito, per quanto riguarda i dipinti, i dipinti Art Déco avranno un bell'aspetto, rappresentando una sorta di mix di espressione moderna ed eleganza antica con immagini di sagome femminili, bizzarri animali fiabeschi o punti astratti.

CUCINA ART DECO

Come accennato in precedenza, lo stile Art Déco è una combinazione di neoclassicismo tradizionale e modernità innovativa. Come si manifesta tutto questo all'interno della cucina? Innanzitutto la sua originalità. Poiché questo stile è costoso e abbastanza luminoso, il design della cucina non fa eccezione, in altre parole, non passerà inosservato. In secondo luogo: esclusività sotto forma di oggetti d'antiquariato insoliti, ad esempio oggetti d'arte. Per quanto riguarda i materiali utilizzati, vengono utilizzati: legno (questo è il principale), sia lucido che intarsiato o laccato, metallo (acciaio inox e alluminio), vera pelle, vetro, nonché piastrelle lucide (ceramica, artificiale o naturale). pietra) e, naturalmente, tessuti (raso semplice o seta, nonché tessuto zebrato).

Per quanto riguarda la combinazione di colori, il bianco e nero sarebbe una combinazione impeccabile (questa è la caratteristica principale dell'Art Déco). Ma sono possibili altre combinazioni di colori, ad esempio bianco con cioccolato, argento con nero, ecc. Ma non dovremmo dimenticare che la gamma principale sono i colori del metallo, della terra, della pietra o della pelle naturale. Le strisce sono una buona idea da utilizzare per decorare la zona pranzo, utilizzando carte da parati in tessuto non tessuto o tessili della stessa trama. E un grembiule da lavoro può essere realizzato con piastrelle, ad esempio geometriche sulla base di un mosaico bianco e nero. Si possono aggiungere anche altri colori, ma in piccole quantità e in colori tenui (verde, blu, oro e rosso).

Un'altra caratteristica tradizionale dello stile è la forma a gradini, che si estende sia alla decorazione murale a motivi, sia ai mobili con moduli posizionati a diversi livelli, sia in altezza che in profondità. Se l'area della stanza lo consente, sarebbe bene realizzare un soffitto teso a più stadi, se lo si stringe con una pellicola bianca o nera lucida e si posiziona molta illuminazione. L'effetto maggiore può essere ottenuto se un "gradino" viene realizzato sotto forma di un bordo in stucco, sottolineando così la geometricità inerente a questo stile. Inoltre, come una delle opzioni - decorare la sala da pranzo con carte da parati fotografiche sotto forma di immagini a più livelli di paesaggi, case o astrazione - a patto che solo i disegni contengano forme geometriche chiare e regolari.

Un elemento molto significativo e un tocco importante dell'Art Déco sono i raggi del sole (Sunburst). Le strisce a raggi dovrebbero essere presenti ovunque: nei rivestimenti dei mobili, nelle decorazioni, nei tessuti. Tende a strisce sul pavimento, un lampadario a forma di ventaglio o un'imitazione di una pelle di zebra in un angolo morbido: uno o due elementi di "raggi solari" saranno sufficienti. Per quanto riguarda i mobili, va notato che un prerequisito è non ingombrare lo spazio, ad es. i mobili dovrebbero essere funzionali. Il rivestimento dovrebbe essere di velluto, raso, pelle e velluto. Idealmente, la sala da pranzo dovrebbe trasformarsi in una tavola squisita, seguendo le tradizioni dei migliori ristoranti d'élite. In generale, se parliamo della cucina ideale in stile Art Déco, allora dovrebbe contenere mobili in legno pregiato, realizzati su ordinazione o, in alternativa, oggetti d'antiquariato restaurati. Se ciò non è possibile, esiste un'altra alternativa al legno costoso: un set laccato bicolore, che può essere bianco e nero, grigio-blu, rosso-grigio, ecc.), ad es. gioca sul contrasto dei colori e delle laccature, che "ama" anche l'Art Déco. Inoltre, puoi utilizzare mobili in acciaio inossidabile.

Aumenta visivamente lo spazio della stanza. Inoltre, anche uno specchio normale a forma di trapezio avrà un bell'aspetto, e ancora meglio, sotto forma di sole, soprattutto se per l'effetto del gioco di luce sono posizionati dei faretti.

È auspicabile realizzare i pavimenti con parquet verniciato, anche se, ovviamente, una tale superficie non è del tutto pratica per la cucina. A questo proposito, l'alternativa migliore sono le piastrelle per pavimenti (marmo o imitazione di qualsiasi altra pietra naturale). Puoi anche usare linoleumavendo un motivo geometrico. Non dobbiamo dimenticare le note etniche, che dovrebbero essere presenti anche, ad esempio, sotto forma di dipinti con paesaggi o fotografie in bianco e nero inserite in sottili cornici di legno o metallo. Oppure decora l'interno con palme o fiori esotici. E un'altra sfumatura: dovrebbero esserci abbastanza lampade per fornire una buona illuminazione della stanza.

E ora la cosa più importante, per così dire, il clou della cucina Art Déco: deve esserci sicuramente qualcosa che attiri immediatamente l'attenzione (un vaso esclusivo, una statuetta di bronzo, candelabri d'argento o, ad esempio, un'immagine) . È necessario riflettere attentamente e scegliere uno degli elementi che possono suscitare sorpresa e gioia, che si tratti di uno specchio o di un lampadario.

10 mesi fa Enottt Commenti sull'arte Art Déco. Caratteristiche regionali (Francia, Stati Uniti) Disabilitato

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L'Art Déco (arte decorativa) è una tendenza influente nelle arti belle e decorative della prima metà del XX secolo, apparsa per la prima volta in Francia negli anni '20, per poi diventare popolare negli anni '30 -'40 su scala internazionale, manifestandosi principalmente nell'architettura, nella moda e nella pittura. Si tratta di uno stile eclettico, che è una sintesi di modernismo e neoclassicismo. Lo stile art deco fu influenzato in modo significativo anche da movimenti artistici come il cubismo, il costruttivismo e il futurismo.

Caratteristiche distintive: regolarità rigorosa, forme geometriche audaci, motivi geometrici etnici, decorazioni in mezzitoni, mancanza di colori vivaci nel design, mentre ornamenti colorati, materiali lussuosi, chic, costosi e moderni (avorio, pelle di coccodrillo, alluminio, legni rari, argento ).

• Forme: snelle, ma allo stesso tempo chiare e grafiche. Le sagome hanno forme più a gradini, la cosa principale è la grazia e una certa giocosità.
• Linee: energiche, chiare, geometriche.
• Elementi: molti ornamenti sotto forma di riccioli, spirali, onde, zigzag.
• Colori: contrasto. Intrecci tenui e pastello con linee appariscenti e succose.
• Materiali: costosi, esotici, saturi. Legno, pelle, bronzo, marmo, ceramica, vetro.
• Finestre: rettangolari, che utilizzano un ampio spazio di vetro. Meno spesso ad arco o con vetrate.
• Porte: circondate da lesene, timpani.

Negli Stati Uniti, nei Paesi Bassi, in Francia e in alcuni altri paesi, l’Art Déco si è gradualmente evoluto verso il funzionalismo.

Storia

Un'esposizione internazionale, tenutasi nel 1925 a Parigi e ufficialmente chiamata "Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes", diede vita al termine "Art Déco". Questa mostra ha mostrato al mondo i beni di lusso di fabbricazione francese, dimostrando che Parigi è rimasta un centro internazionale dello stile dopo la prima guerra mondiale.

Mostra Internazionale d'Arte Decorativa e Industriale Contemporanea

L'evento che segnò e nominò l'apice dello stile fu l'Esposizione Internazionale delle Arti Decorative e Industriali Moderne, tenutasi a Parigi da aprile a ottobre nel 1925. Fu organizzato ufficialmente dal governo francese e copriva un'area di 55 acri a Parigi, dal Grand Palais sulla riva destra agli Invalides sulla riva sinistra e lungo le rive della Senna. Il Grand Palais, la sala più grande della città, era pieno di arti decorative provenienti dai paesi partecipanti. Erano 15.000 gli espositori provenienti da venti paesi diversi tra cui Inghilterra, Italia, Spagna, Polonia, Cecoslovacchia, Belgio, Giappone e la nuova Unione Sovietica; La Germania non fu invitata a causa delle tensioni del dopoguerra e gli Stati Uniti, non comprendendo lo scopo della mostra, si ritirarono. Sedici milioni di persone hanno visitato la mostra in sette mesi. Le regole espositive richiedevano che tutte le opere fossero contemporanee; gli stili storici non erano ammessi. Lo scopo principale della mostra era promuovere i produttori francesi di mobili di lusso, porcellana, vetro, prodotti in metallo, tessuti e altri prodotti decorativi. Per promuovere ulteriormente i prodotti, tutti i principali grandi magazzini parigini e i principali designer avevano i propri padiglioni. L'esposizione aveva uno scopo secondario nel promuovere i prodotti delle colonie francesi in Africa e Asia, compresi l'avorio e i legni esotici.

L'Hôtel du Riche Collectionneur era un'attrazione popolare allo spettacolo; presentava nuovi progetti di design di Emile-Jacques Ruhlmann, oltre a tessuti Art Déco, tappeti e dipinti di Jean Dupas. Il design degli interni si basava sugli stessi principi di simmetria e forme geometriche che lo distinguevano dall'Art Nouveau e dai colori vivaci, la squisita lavorazione artigianale di materiali rari e costosi che lo distinguevano dall'austera funzionalità dello stile modernista. Mentre la maggior parte dei padiglioni erano riccamente decorati e pieni di lussuosi mobili fatti a mano, due padiglioni - l'Unione Sovietica e il pavilion du Nouveau Esprit, costruito da una rivista con lo stesso nome sotto la direzione di Le Corbusier, furono costruiti in uno stile austero, semplice pareti bianche e nessuna decorazione; erano tra i primi esempi di architettura modernista

L'Esposizione delle Arti Decorative, dimostrando la vittoria del costruttivismo, diede vita contemporaneamente al movimento Art Deco, che divenne una miscela esotica di cubismo e stile moderno, in altre parole, stilizzazione lineare e ornamenti squisiti. La moda per turbanti e atti stilizzati come "Egitto" e "Cina" si mescolava fantasiosamente con i ritmi della planimetria geometrica.

La stessa tendenza Art Déco esisteva anche prima dell'apertura della mostra nel 1925: era una tendenza evidente nell'arte europea degli anni '20. Non raggiunse le coste americane fino al 1928, dove negli anni ’30 si evolse nello Streamline Moderne, un ramo americanizzato dell’Art Déco che divenne il segno distintivo di quel decennio.

Il simbolo dell'Art Déco nelle arti decorative e applicate era una scultura in bronzo e avorio. Ispirandosi alle "Stagioni russe" di Diaghilev, all'arte dell'Egitto e dell'Oriente, nonché alle conquiste tecnologiche dell'"era delle macchine", gli artigiani francesi e tedeschi hanno creato uno stile unico in piccola plastica degli anni '20 -'30, che ha elevato lo status della scultura decorativa al livello delle “arti alte”. Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colin, Paul Philippe (Francia), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Germania), Bruno Zack, J. Lorenzl (Austria) sono considerati rappresentanti classici dell'Art Déco nella scultura.

L'emergere dell'Art Déco è strettamente legato all'ascesa dello status degli artisti decorativi, che fino alla fine del XIX secolo erano considerati semplici artigiani. Il termine "scenario decorativo" fu coniato nel 1875 per i progettisti di mobili, tessuti e altre decorazioni. Nel 1901 fu creata la Commonwealth of Decorators (Società degli artisti decorativi) o SAD e agli artisti decorativi furono concessi gli stessi diritti d'autore dei pittori e degli scultori. Un movimento simile si è sviluppato in Italia. Nel 1902 si tenne a Torino la prima esposizione internazionale dedicata esclusivamente alle arti decorative Esposizione internazionale d'Arte.

A Parigi furono fondate diverse nuove riviste dedicate alle arti decorative, tra cui Art and decoration e L'Art Décoratif moderne. Le sezioni delle arti decorative furono presentate ai Salons annuali della Sociéte des artistes français e successivamente al Salon d'automne. Anche il nazionalismo francese giocò un ruolo nella rinascita delle arti decorative, con i designer francesi che si sentirono svantaggiati dall’aumento delle esportazioni di mobili tedeschi a buon mercato. Nel 1911, il SAD propose una nuova grande esposizione internazionale di arti decorative nel 1912. Non erano consentite copie di stili precedenti; solo opere contemporanee. L'esposizione fu ritardata fino al 1914 e poi, a causa della guerra, fino al 1925, quando diede il nome all'intera famiglia di stili conosciuti come Déco.

Sebbene il termine Art Deco abbia avuto origine nel 1925, non fu comunemente usato fino al cambiamento di atteggiamento nei confronti dell’epoca negli anni ’60. I maestri dell'Art Déco non facevano parte di un'unica comunità. Il movimento era considerato eclettico, influenzato da diverse fonti:

• "Secessione Viennese" del primo periodo (botteghe viennesi); design industriale funzionale.
• Arte primitiva dell'Africa, dell'Egitto e degli indiani dell'America centrale.
• L'arte greca antica (periodo arcaico) è la meno naturalistica di tutte.
• "Stagioni russe" di Sergei Diaghilev a Parigi - bozzetti di costumi e scene di Léon Bakst.
• Forme sfaccettate, cristalline, sfaccettate del cubismo e del futurismo.
• Tavolozza coloristica del Fauvismo.
• Forme rigorose del neoclassicismo: Boulet e Karl Schinkel.
• L'era del jazz.
• Motivi e forme vegetali e animali; vegetazione tropicale; ziggurat; cristalli; gamma coloristica in bianco e nero dei tasti del pianoforte, motivo del sole.
• Forme flessibili e atletiche delle atlete, di cui ce ne sono molte; spigoli vivi di tagli di capelli corti per i rappresentanti della vita da club - flappers.
• Conquiste tecnologiche dell '"era delle macchine" - come la radio e i grattacieli.

Ai maestri dell'Art Déco piaceva utilizzare materiali come alluminio, acciaio inossidabile, smalto, intarsi in legno, pelle di squalo e zebra. Utilizzarono attivamente forme a zigzag e a gradini, linee curve ampie ed energiche (in contrasto con le curve morbide e fluide dell'Art Nouveau), motivi a chevron e tasti di pianoforte. Alcuni di questi motivi decorativi sono diventati onnipresenti, come il motivo chiave che si trova sulle scarpe da donna, sui termosifoni, sulle aule di Radio City e sulla guglia del Chrysler Building. Gli interni dei cinema e dei transatlantici, come l'Ile de France e la Normandia, erano volentieri decorati in questo stile. L'Art Déco era lussuoso e si ritiene che questo lusso sia una reazione psicologica all'ascetismo e alle restrizioni durante gli anni della prima guerra mondiale.

Francia

I grandi magazzini parigini e gli stilisti furono determinanti nell’ascesa dell’Art Déco. Aziende affermate, tra cui il produttore di borse Louis Vuitton, l'azienda di argento Christofle, il designer di vetro René Lalique e i gioiellieri Louis Cartier e Boucheron, iniziarono a progettare prodotti in stili più contemporanei. Dal 1900, i grandi magazzini hanno assunto decoratori per lavorare nei loro studi di design. La decorazione del Salon d'Automne del 1912 fu affidata ai grandi magazzini Printemps. Nello stesso anno Printemps crea il proprio laboratorio denominato "Primavera". Nel 1920 la Primavera era occupata da oltre trecento artisti. Gli stili spaziavano dalle versioni aggiornate dei mobili Luigi XIV, Luigi XVI e soprattutto Luigi Filippo realizzati da Louis Süe e dal laboratorio Primavera a forme più moderne del laboratorio del grande magazzino Au Louvre. Altri designer, tra cui Emile Jacques Ruhlmann e Paul Folio, rifiutarono di utilizzare la produzione di massa e insistettero affinché ogni pezzo fosse realizzato a mano individualmente. Il primo stile art déco prevedeva materiali lussuosi ed esotici come ebano, avorio e seta, colori molto vivaci e motivi stilizzati, in particolare cesti e mazzi di fiori in tutti i colori, conferendo un aspetto modernista.

I colori vibranti dell'Art Déco provenivano da molte fonti, comprese le produzioni esotiche di Léon Bakst per i Ballets Russes, che fecero scalpore a Parigi poco prima della prima guerra mondiale. Alcuni colori sono stati ispirati dal precedente movimento fauvista guidato da Henri Matisse; altri sono orfisti come Sonia Delaunay; altri dal movimento noto come nabis e dall'opera del pittore simbolista Odilon Redon, che disegnò caminetti e altri oggetti decorativi. I colori vivaci erano una caratteristica del lavoro dello stilista Paul Poiret, il cui lavoro ha influenzato sia il design che l'interior design Art Déco.

Parigi rimase il centro dello stile Art Déco. Nei mobili, fu incarnato da Jacques-Émile Ruhlmann, il più famoso dei designer di mobili di quell'epoca e, forse, l'ultimo dei classici ébéniste parigini (ebanisti). Inoltre, il lavoro di Jean-Jacques Rateau, i prodotti dell'azienda "Süe et Mare", i paraventi di Eileen Gray, il lavoro in metallo forgiato di Edgar Brandt, il metallo e lo smalto dello svizzero di origine ebraica Jean Dunant, il vetro dei grandi René Lalique e Maurice Marino, oltre agli orologi e ai gioielli Cartier.

Nel 1925 coesistevano nell'Art Déco due diverse scuole concorrenti: i tradizionalisti, che fondarono la Società degli artisti decorativi; tra cui il designer di mobili Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunard, lo scultore Antoine Bourdelle e il designer Paul Poiret; combinavano forme moderne con artigianato tradizionale e materiali costosi. D'altra parte, i modernisti, che rifiutavano sempre più il passato e volevano uno stile basato sui progressi delle nuove tecnologie, sulla semplicità, sulla mancanza di rifiniture, sui materiali poco costosi e sulla produzione di massa.

Nel 1929, i modernisti fondarono la propria organizzazione, l'Unione francese degli artisti contemporanei. Comprendeva gli architetti Pierre Charo, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Corbusier e nell'Unione Sovietica - Konstantin Melnikov; La designer irlandese Eileen Gray e la designer francese Sonia Delaunay, i gioiellieri Jean Fouquet e Jean Pouyforcat. Attaccarono con veemenza il tradizionale stile Art Déco, che secondo loro era fatto solo per i ricchi, e insistettero sul fatto che gli edifici ben costruiti dovessero essere accessibili a tutti e che la forma dovesse funzionare. La bellezza di un oggetto o di un edificio stava nel fatto se fosse perfettamente adatto a svolgere la sua funzione. I moderni metodi industriali hanno fatto sì che mobili ed edifici potessero essere prodotti in serie anziché realizzati a mano.

Pittura

All’esposizione del 1925 non fu assegnata una sola sezione. La pittura Art Déco era per definizione decorativa, intesa ad abbellire una stanza o un pezzo di architettura, quindi pochi artisti lavoravano esclusivamente in quello stile, ma due artisti sono strettamente associati all'Art Déco. Jean Dupas dipinse affreschi Art Déco per il padiglione di Bordeaux all'Esposizione di arti decorative di Parigi del 1925, e dipinse anche un dipinto sopra il camino alla Maison de la Collectioneur alla mostra del 1925, che presentava Ruhlmann e altri importanti designer di Art Déco. I suoi dipinti erano anche nell'arredamento del transatlantico francese Normandy. Il suo lavoro era puramente decorativo, concepito come sfondo o accompagnamento ad altri elementi decorativi. Un'altra artista strettamente associata allo stile è Tamara de Lempicka. Nata in Polonia da una famiglia aristocratica, emigrò a Parigi dopo la Rivoluzione Russa. Lì divenne allieva del pittore Maurice Denis del movimento chiamato "Nabis" e del cubista André Lhote, e adottò molti stili dai loro stili. Dipinse quasi esclusivamente ritratti in uno stile Art Déco realistico, dinamico e colorato.

Arti grafiche

Lo stile Art Deco è apparso nelle prime fasi dell'arte grafica, negli anni immediatamente precedenti la prima guerra mondiale.

guerra. È apparso a Parigi in manifesti e costumi di Léon Bakst per i Ballet Russes e nei cataloghi dello stilista Paul Poiret. Le illustrazioni di Georges Barbier e Georges Lepep e le immagini della rivista di moda La Gazette du bon ton catturano perfettamente l'eleganza e la sensualità dello stile. L'aspetto cambiò negli anni '20; le mode enfatizzate erano più casual, sportive e audaci, e le modelle femminili tipicamente fumavano sigarette. In Germania, il più famoso cartellonista di questo periodo fu Ludwig Hohlwein, che creò manifesti colorati e drammatici per festival musicali, birra e, verso la fine della sua carriera, per il partito nazista.

Durante l'Art Nouveau, i manifesti solitamente pubblicizzavano prodotti teatrali o cabaret. Negli anni '20, i poster di viaggio realizzati per le linee di navi a vapore e le compagnie aeree divennero estremamente popolari. Lo stile cambiò notevolmente negli anni '20, concentrandosi sulla pubblicità dei prodotti. Le immagini divennero più semplici, più precise, più lineari, più dinamiche e spesso collocate su un unico sfondo colorato. In Francia, c'erano i designer Art Déco Charles Lupo e Paul Colin che divennero famosi per i loro manifesti per la cantante e ballerina americana Josephine Baker, Jean Carlou disegnò manifesti per film, soap e teatri di Charlie Chaplin; alla fine degli anni Trenta emigrò negli Stati Uniti, dove durante la Guerra Mondiale disegnò manifesti per incoraggiare la produzione bellica. Il designer Charles Gesmar divenne un famoso disegnatore di poster per il cantante Mistinguett e per Air France. Tra gli stilisti francesi più famosi

America. Semplifica la modernità

La direzione stilistica che si sviluppò parallelamente all'Art Déco e strettamente connessa ad esso fu "Streamline Moderne" (il nome deriva dall'inglese streamline - "streamline" - un termine dal campo dell'aerodinamica). In "streamline modern" si avverte l'influenza dello stampaggio industriale e delle tecnologie aerodinamiche. Di conseguenza, nelle opere di questo stile sono apparsi i contorni di proiettili di aerei o rivoltelle. Quando il design della prima automobile prodotta in serie della Chrysler, la "Chrysler Airflow", diventò popolare, le forme aerodinamiche furono usate anche per affilatrici, edifici e frigoriferi.

Questo stile architettonico ricerca forme eleganti, mantiene lunghe linee orizzontali che spesso contrastano con superfici curve verticali e introduce volentieri elementi presi in prestito dall'industria nautica (ringhiere e oblò). Il suo apice fu raggiunto attorno al 1937.

Questo stile è stato il primo a incorporare la luce elettrica in una struttura architettonica.

arte muraria

Negli Stati Uniti non esisteva uno stile Art Deco distinto, sebbene i dipinti fossero spesso usati come decorazione, specialmente negli edifici governativi e negli uffici. Nel 1932 fu creato il progetto Public Works in Art, che consentiva agli artisti di lavorare senza lavoro, perché il paese era nella Grande Depressione. Un anno dopo, il progetto commissionò più di quindicimila opere d'arte. Famosi artisti americani sono stati reclutati dal Federal Art Project per dipingere e decorare le pareti di edifici governativi, ospedali, aeroporti, scuole e università. Alcuni degli artisti più famosi d'America, tra cui Grant Wood, Reginald Marsh, Georgia O'Keeffe e Maxine Albro hanno preso parte al programma. Al programma ha preso parte anche il famoso artista messicano Diego Rivera, che ha decorato le pareti. I dipinti erano in una varietà di stili, tra cui regionalismo, realismo sociale e pittura americana.

Sono state create anche diverse immagini per i grattacieli Art Déco, in particolare il Rockefeller Center

New York. L'atrio ha commissionato due immagini a John Stewart Curry e Diego Rivera. I proprietari dell'edificio, la famiglia Rockefeller, scoprirono che Rivera, un comunista, aveva collocato un'immagine di Lenin tra la folla nel dipinto e lo aveva distrutto. Il dipinto fu sostituito da un altro artista spagnolo, José Maria Sert.

Arti grafiche

Lo stile Art Déco fa la sua comparsa nelle prime fasi dell'arte grafica, negli anni immediatamente precedenti la Prima Guerra Mondiale. È apparso a Parigi in manifesti e costumi di Léon Bakst per i Ballet Russes e nei cataloghi dello stilista Paul Poiret. Le illustrazioni di Georges Barbier e Georges Lepep e le immagini della rivista di moda La Gazette du bon ton catturano perfettamente l'eleganza e la sensualità dello stile. L'aspetto cambiò negli anni '20; le mode enfatizzate erano più casual, sportive e audaci, e le modelle femminili tipicamente fumavano sigarette. Riviste di moda americane come Vogue, Vanity Fair e Harper's Bazaar adottarono rapidamente il nuovo stile e lo resero popolare negli Stati Uniti. Ha influenzato anche il lavoro di illustratori di libri americani come Rockwell Kent.

Negli anni '30, durante la Grande Depressione, emerse negli Stati Uniti un nuovo genere di poster. Il progetto artistico dell'Agenzia Federale ha assunto artisti americani per creare manifesti per promuovere il turismo e gli eventi culturali.

Lo stile sbiadisce

L’Art Déco scomparve silenziosamente dopo l’ascesa della produzione di massa, quando veniva trattato come appariscente, vistoso e falsamente lussuoso. La fine definitiva di questo stile fu posta dalle difficoltà della Seconda Guerra Mondiale. Nei paesi coloniali come l’India, l’Art Déco divenne la porta d’accesso al modernismo e scomparve solo negli anni ’60. La rinascita dell'interesse per l'Art Déco negli anni '80 fu associata al design grafico, e le associazioni dell'Art Déco con il film noir e il fascino degli anni '30 portarono al suo riutilizzo in gioielleria e moda.

Panoramica: Parte di "California", Maxine Albro, interno della Coit Tower a San Francisco (1934)

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Art Déco per manichini

Dove e come è nato lo stile Art Déco, chi lo ha fondato, se fosse nella giovane Unione Sovietica: comprendiamo le complessità dello stile insieme a Sofia Bagdasarova.

Cos'è l'Art Déco?

Foglio tratto dall'album Feuillets d "Art. 1919

Foglio dall'album Les chooses de Paul Poiret vues par Georges Lepape. 1911

Foglio dall'album Modes et Manières d "Aujourd" hui. 1914

Art Déco, che in francese significa “arte decorativa”, è il nome dello stile artistico che regnò in Europa e in America dopo l'Art Nouveau, tra le due guerre mondiali. Inoltre, ha regnato principalmente nel design industriale: moda, gioielli, poster, facciate, interni, mobili. Ciò accadde mentre la “grande arte” di quell’epoca sperimentava l’espressionismo, l’astrattismo, il costruttivismo e altri ismi, che, ovviamente, sono brillanti, solo che non tutti possono vederli sempre nel loro appartamento. E gli oggetti Art Déco sono progettati appositamente per la vita di tutti i giorni: molto ricchi, lussuosi e imponenti, ma pur sempre quotidiani.

Come riconoscere un oggetto Art Déco?

Portasigarette, scatole per cipria. 1930 Istituto della moda di Kyoto

Copertina della rivista Vogue con un abito "optical" di S. Delaunay. 1925. Servizio stampa dei musei del Cremlino

Borse. OK. 1910. Istituto della moda di Kyoto

Questa cosa sarà sicuramente bellissima: elegante, elegante. È realizzato in materiale con una trama costosa, ma non di lusso appariscente, ma semplicemente prezioso. I colori saranno sfumature complesse, il nero - molto. Spesso l'autore ha utilizzato chiaramente un righello, ma allo stesso tempo è riuscito a arrotondare tutti gli angoli in modo molto elegante. I motivi geometrici sono costruiti secondo proporzioni attente e possono ipnotizzare. Spesso sono anche intervallati da qualcosa di antico egiziano o giapponese, ma con qualche strano design: l'Art Déco amava reinterpretare le culture esotiche. (A proposito, anche l '"esotismo russo" è stato apprezzato.) È piaciuto lo stile e il progresso tecnico: ecco perché ci sono treni stilizzati che volano ad alta velocità e eliche di aeroplani e navi a vapore.

Lo stile nella moda

Abito da sera. La stilista Madeleine Vionnet. 1927. Servizio stampa dei musei del Cremlino

Abito da sera. Casa di moda Lanwen. Intorno al 1925. Servizio stampa dei Musei del Cremlino

Vestito. Francia. Inverno 1922. Casa di moda "Sorelle Kallo"

L'Art Deco è più evidente nella moda femminile. Nell'epoca in cui regnava questo stile, le donne cominciarono a tagliarsi i capelli corti, finalmente si liberarono dai corsetti stretti e dalle crinoline, la vita scivolò sui fianchi, poi si tirò su fino al petto, e la gonna fu accorciata ad un'altezza che era del tutto indecente, secondo chi ricordava la moralità vittoriana.

I creatori dello stile - i grandi stilisti Paul Poiret, Mariano Fortuny - hanno citato kimono, turbanti e calzoncini arabi, chitoni e tavoli antichi, impermeabili medievali. Apparvero cose intere, i tendaggi erano ovunque, tessuti pesanti, chic e lucenti. In cose così libere, ricamate con perle iridescenti, perle di vetro, strass, perline, è stato bello ballare nuovi balli vivaci: foxtrot, charleston, tango. In generale, ricorda l'era del Grande Gatsby.

Stile in gioielleria

Spilla di Van Cleef e Arpels. 1930

Collana con colletto di Van Cleef e Arpels. 1929

Spilla in stile egiziano di Van Cleef e Arpels. 1924

Le aziende Cartier e Van Cleef & Arpels, così come altre case di gioielleria, hanno lavorato intenzionalmente sui principi dell'Art Déco nel loro lavoro. Dopo le forme fluide e i fiori poetici dell'era Art Nouveau (nota anche come Art Nouveau), i loro gioielli sembravano appariscenti e scioccanti.

Il platino leggero per le montature ha permesso ai gioielli di abbandonare la "armatura pesante": l'oro. Forme geometriche pure, motivi astratti, una combinazione innovativa di verde e blu, selezione contrastante di pietre, come onice nero e rubino rosso, uso di pietre scolpite anziché sfaccettate, nonché intervallate da autentici manufatti antichi (scarabei egiziani, ecc.) .) - questi sono tratti riconoscibili. L'onice nero divenne generalmente una delle pietre preferite di questo periodo, soprattutto se combinato con i diamanti. Erano accompagnati da accordi luminosi di coralli, lapislazzuli, giada, smalto.

Esisteva l’Art Déco in Russia?

Grattacielo sull'argine Kotelnicheskaya. Museo statale di ricerca sull'architettura intitolato ad A.V. Shchusev: sito web/institutes/7985

Stazione della metropolitana Mayakovskaja

Padiglione dell'URSS all'Esposizione Internazionale di Parigi. 1937. Museo statale di ricerca sull'architettura intitolato ad A.V. Shchusev: sito web/institutes/7985

Il brillante stile Art Déco è, ovviamente, profondamente "borghese". Questo è un simbolo della generazione perduta, la moda dei personaggi di Fitzgerald, Hemingway (così come Wodehouse e i libri prebellici di Agatha Christie). Il giovane stato sovietico di quell’epoca non era all’altezza di questo splendore esteriore. Tuttavia, hanno avuto i “ruggenti anni venti” e noi abbiamo la Nuova Politica Economica. Ricordate Ellochka il cannibale: “…la foto scintillante mostrava la figlia del miliardario americano Vanderbilt in abito da sera. C'erano pellicce e piume, seta e perle, leggerezza di taglio, un'acconciatura insolita e mozzafiato. I nepmen sovietici nelle loro abitudini, ovviamente, imitavano il loro vicino occidentale libero, sebbene ciò non fosse ufficialmente approvato.

D'altra parte, l'impronta Art Déco è visibile in una delle arti più formali: l'architettura. L'impatto dello stile importato è facile da trovare nel classicismo stalinista: le fotografie di frammenti di grattacieli di Mosca da alcune angolazioni sono difficili da distinguere dalle vedute dei grattacieli di Manhattan prebellici. L'amore dell'Art Déco per il geometrismo, l'uso delle astrazioni: tutto questo fu facilmente assorbito dai maestri russi nella patria del Suprematismo. Era anche opportuno glorificare le conquiste tecniche dell'umanità. Ci sono segni più divertenti: ricordi, abbiamo parlato della svolta dall'Art Déco ai motivi egiziani? È grazie a lui prima che a Tamara Lempicka. Autoritratto in una Bugatti verde. 1929. Collezione privata

Ma il contributo che gli emigranti russi hanno dato allo sviluppo dell'Art Déco è molto più significativo. Da anni le riviste di moda Vogue e Harper's Bazaar vengono pubblicate con copertine disegnate da Erte, il cui vero nome è Roman Petrovich Tyrtov, la cui "Sinfonia in nero" è una delle opere chiave dello stile.

L'artista astratta Sonia Delaunay, che ha lavorato nel settore della moda, ha arricchito l'Art Déco con colore ed energia, che abbiamo visto in altre "Amazzoni d'avanguardia". La principale ritrattista art déco, uno dei pochi artisti che è riuscito a utilizzare questo stile per i dipinti da cavalletto, è Tamara Lempicka, originaria del regno russo di Polonia, che visse a San Pietroburgo prima della rivoluzione. (Ma il principale scultore dell'epoca, Dmitry Chiparus, nonostante il nome a noi così familiare, è rumeno.) Infine, Leon Bakst, essendo in esilio, oltre al teatro, riuscì a lavorare nel settore della moda - ovviamente in lo stile Art Déco.

Gli storici dell’arte generalmente scrivono che lo stile Art Déco è stato originariamente ispirato dalle stagioni russe, che hanno scosso il mondo dell’arte parigino nel 1900. Quindi, grazie a Diaghilev e per l'art deco!