Il successo dell'istruzione e della formazione dipende in gran parte dai metodi e dalle tecniche utilizzati dall'insegnante per trasmettere determinati contenuti ai bambini, per formare le loro conoscenze, abilità e abilità, nonché per sviluppare abilità in un particolare campo di attività.

I metodi di insegnamento dell'attività visiva e del design sono intesi come un sistema di azioni di un insegnante che organizza le attività pratiche e cognitive dei bambini, che mira a padroneggiare il contenuto definito dallo standard educativo statale federale per l'istruzione generale primaria.

I metodi di allenamento sono chiamati dettagli individuali, componenti del metodo.

Tradizionalmente, i metodi di insegnamento sono classificati in base alla fonte da cui i bambini ricevono conoscenze, abilità e abilità, in base al modo in cui tali conoscenze, abilità e abilità vengono presentate.

Poiché i bambini in età scolare acquisiscono conoscenze nel processo di percezione diretta di oggetti e fenomeni della realtà circostante e dai messaggi dell'insegnante (spiegazioni, storie), nonché in attività pratiche dirette (progettazione, modellazione, disegno, ecc. ), si distinguono i metodi:

visivo;

verbale;

Pratico.

Questa è la classificazione tradizionale. Recentemente è stata sviluppata una nuova classificazione dei metodi. Gli autori della nuova classificazione sono: Lerner I.Ya., Skatkin M.N. prevede le seguenti modalità didattiche:

informativo - ricettivo;

riproduttivo;

ricerca;

euristico;

metodo di presentazione del problema

Il metodo di ricezione delle informazioni comprende le seguenti tecniche:

visione;

osservazione;

escursione;

campione dell'insegnante;

visualizzazione dell'insegnante.

Il metodo verbale prevede:

racconto, racconto di storia dell'arte;

utilizzo di campioni degli insegnanti;

parola d'arte.

Il metodo riproduttivo è un metodo volto a consolidare le conoscenze e le abilità dei bambini. Questo è un metodo di esercizi che portano abilità all'automatismo. Include:

ricevere una ripetizione;

lavorare su bozze;

eseguendo movimenti modellanti con la mano.

Il metodo euristico è finalizzato alla manifestazione dell'indipendenza in qualsiasi momento del lavoro in classe, ad es. L'insegnante chiede al bambino di svolgere parte del lavoro in modo indipendente.

Il metodo di ricerca è finalizzato a sviluppare nei bambini non solo l'indipendenza, ma anche l'immaginazione e la creatività. L'insegnante si offre di eseguire in modo indipendente non una parte, ma l'intero lavoro. Il metodo di presentazione dei problemi, secondo gli insegnanti, non può essere utilizzato nell'insegnamento agli studenti più giovani: è applicabile solo agli studenti più grandi.

Nelle sue attività, l'insegnante utilizza vari metodi e tecniche di disegno, modellazione, applicazione e progettazione.

Quindi, nel disegno, la tecnica principale per la prima lezione è mostrare come dovrebbero essere usate matite e colori. La tecnica più efficace sono i movimenti passivi, quando il bambino non agisce in modo indipendente, ma con l'aiuto. Movimenti pittorici di gioco efficaci di natura omogenea e ritmica con la pronuncia delle parole: "avanti e indietro", "dall'alto verso il basso", ecc. Questa tecnica permette di associare l'immagine di un oggetto al movimento pittorico.

L'uso di strumenti letterari e musicali è la tecnica metodologica più importante. Un altro metodo di lavoro nelle classi primarie è la co-creazione dell'insegnante con i bambini.

Nelle classi inferiori, il metodo di ricezione delle informazioni viene utilizzato attivamente nelle lezioni di disegno. Un modo efficace per conoscere la forma di un oggetto è particolarmente utile prima della lezione: i bambini circondano la forma con le mani, giocano con bandiere, palline, palline, ne sentono i contorni. Un simile esame dell'argomento ne crea un quadro più completo.

Efficace è anche la tecnica di esaminare un oggetto muovendo la mano lungo il contorno e mostrando questo movimento nell'aria.

Quindi, i principali principi metodologici dell'insegnamento delle belle arti sono una serie di caratteristiche:

1. Disponibilità di compiti.

Il processo di disegno è associato alla percezione e allo studio degli oggetti della realtà, alla comprensione delle caratteristiche della percezione della forma, dell'ambiente, dell'illuminazione, dell'influenza di un colore su un altro, ecc. Ogni insegnante conosce il grande interesse dei bambini per il disegno, tutti conoscono il coraggio e talvolta la grande espressività dei disegni dei bambini indipendenti. A questo proposito, a volte le capacità dei bambini sono sopravvalutate: vengono assegnati compiti travolgenti. Non gli fa niente di buono.

Ma non si dovrebbero nemmeno sottovalutare le capacità degli studenti, restringere eccessivamente i compiti o limitare la gamma di oggetti rappresentati. Tali requisiti potrebbero verificarsi nel sistema educativo di copia, ma è incompatibile con i compiti di insegnare un'immagine realistica, che si basa sulla percezione visiva di oggetti e fenomeni della realtà.

Fin dai primi passi nell'imparare a disegnare, insieme allo sviluppo della percezione di oggetti e fenomeni specifici della realtà, i bambini vengono portati alla comprensione degli elementi di astrazione.

Quanto più profondamente e pienamente i bambini apprendono i vari fenomeni della realtà (ad esempio la prospettiva, l'illuminazione), comprendono le caratteristiche della percezione visiva, tanto più accessibili diventano i metodi di analisi della forma visibile degli oggetti, la comprensione delle regole per costruire un il disegno viene trasferito da un oggetto ad altri, simili nella forma. Oltre a ciò, traendo conclusioni dalle osservazioni dello stesso fenomeno su oggetti diversi e in condizioni diverse, gli studenti astraggono idee concrete in concetti e idee generali. Il risultato di ogni compito dovrebbe essere un disegno in cui, nel modo più completo e convincente possibile, lo studente trasmette gli oggetti della realtà.

Di conseguenza, la disponibilità dei compiti è determinata in larga misura dalla natura dell'immagine a cui l'insegnante conduce gli studenti nella risoluzione di un problema specifico.

Pertanto, tenendo conto dello sviluppo generale degli studenti con problemi di udito, lo sviluppo delle loro capacità visive determina la disponibilità di compiti e requisiti per i loro disegni.

2. Sequenza dei compiti di apprendimento

Determinando la sequenza dei compiti di disegno, è necessario tenere conto delle peculiarità della percezione degli oggetti della realtà da parte degli studenti e del processo di loro rappresentazione su un piano.

Il processo dell'immagine procede nel tempo, è suddiviso in fasi separate. Pertanto, l'insegnamento del disegno è associato allo sviluppo della capacità degli studenti di isolare i singoli lati in un'immagine visiva olistica per trasmetterli su un piano, senza perdere il tutto.

Insieme a questo, fin dall'inizio dell'apprendimento, i bambini sviluppano la capacità di vedere gli oggetti raffigurati nel disegno (dietro le linee, i tratti, il tono, il colore in modo olistico come nella realtà) e anche, confrontando l'immagine con la realtà, valutare il disegno in tutte le fasi della sua realizzazione.

In qualsiasi fase dell'apprendimento, con uno qualsiasi dei compiti più semplici nel trasferimento di immagini visive olistiche di oggetti, agli studenti viene sempre assegnato un gruppo di compiti.

Nell'insegnamento del disegno, i compiti di costruzione lineare della forma degli oggetti sul piano del foglio sono di fondamentale importanza. Lo sviluppo principale di questi compiti è legato alla graduale padronanza del trasferimento nel disegno del volume degli oggetti e della loro posizione nello spazio. Nelle lezioni di pittura, l'enfasi è sull'analisi del colore, il riflesso delle proprie emozioni associate a un colore particolare.

3. Requisiti per i disegni degli studenti.

I requisiti per i disegni degli studenti possono essere combinati in due gruppi principali corrispondenti a diversi compiti educativi: requisiti relativi al lato tecnico del lavoro e requisiti relativi al lato estetico dell'attività visiva:

Quindi i requisiti tecnici possono essere i seguenti:

la corretta posizione del disegno sul foglio;

trasferimento della proporzione degli oggetti secondo la realtà rappresentata;

padroneggiare la linea e il punto come mezzo per trasferire la forma degli oggetti sul piano;

trasmettere le caratteristiche caratteristiche del colore degli oggetti.

Ci sono anche requisiti per i disegni degli studenti relativi all'immagine prospettica degli oggetti:

quando si raffigurano oggetti della natura, trasmettere i fenomeni prospettici così come sono visibili allo studente dal suo punto di vista;

a partire dal 3 ° grado di disegno dalla natura di singoli oggetti rettangolari, per trasmettere riduzioni delle superfici degli oggetti ruotati in profondità da un certo punto di vista, senza violare la struttura e le proporzioni;

trasmettere correttamente la direzione delle linee della base e della parte superiore degli oggetti, tenendo conto del livello della propria visione, e coordinare la parte superiore e inferiore dell'oggetto raffigurato nel disegno, concentrandosi su un certo livello di visione;

trasmettere il confine lontano del piano orizzontale su cui si trovano gli oggetti;

disegnando gruppi di oggetti dalla vita, trasferisci le basi degli oggetti vicini in basso sul foglio, le basi degli oggetti distanti - in alto, in conformità con le specifiche relazioni spaziali degli oggetti in natura.

4. Coscienza ed emotività del processo educativo.

Al fine di ottenere buoni risultati nell'insegnamento del disegno, insieme alla corretta selezione dei compiti, un ruolo molto importante è svolto dall'utilizzo da parte dell'insegnante di tutte le opportunità didattiche ed educative inerenti al disegno, come nel processo di sviluppo dei bisogni estetici. Le sue possibilità sono molto ampie, poiché il processo di disegno è un trasferimento significativo della realtà, dovuto non solo alla percezione visiva, ma anche alla comprensione della sua essenza, alla consapevolezza delle sue caratteristiche.

I prerequisiti principali per l'attività del processo educativo sono la comprensione da parte dei bambini dei compiti dell'immagine e l'atteggiamento emotivo sia verso la natura che verso il processo stesso di disegno.

Per migliorare la qualità dell'intero processo di disegno, è necessario suscitare un atteggiamento emotivo nei bambini, suscitare una gioiosa aspettativa di lavoro interessante. Insieme a questo, l'interesse dovrebbe essere fissato e supportato dalle qualità estetiche della natura stessa: la sua forma, colore, superficie, il modo in cui è posizionata, illuminata, su quale sfondo si trova e se è chiaramente visibile a chi dipinge. Devono vedere le caratteristiche della natura, comprenderle, capire cosa è loro familiare negli oggetti e la loro posizione nello spazio, cosa c'è di nuovo.

La percezione iniziale della natura è solitamente olistica. È molto importante che sia emotivo. Ciò ha una grande influenza sull'ulteriore sviluppo della percezione associata all'analisi della natura.

Iniziando a disegnare, è necessario risvegliare l'atteggiamento emotivo degli studenti nei confronti dell'argomento. L'insegnante può dirigere l'attenzione degli studenti nel vedere immagini, ascoltare musica, ecc. Completandosi a vicenda, questi mezzi di influenza emotiva porteranno gradualmente i bambini a una percezione più completa della realtà, nonché alla scelta dei mezzi di rappresentazione a loro disposizione.

Nelle diverse fasi dell'apprendimento, i bambini di solito provano un senso di gioia e soddisfazione estetica dal lavoro. Un punto importante nelle arti visive è la riflessione, la formazione di una componente di valutazione. Analizzando i loro disegni durante il lavoro e i disegni dei loro compagni alla fine del lavoro, gli scolari imparano non solo a trasmettere la realtà circostante attraverso le belle arti, ma anche a essere consapevoli dei concetti di "bello - brutto", “buono - cattivo” ... Ciò offre all'insegnante l'opportunità di sviluppare il gusto degli studenti, di farli conoscere alla cultura materiale della modernità e del passato e di migliorare le competenze tecniche.

Metodi di insegnamento delle belle arti

Attualmente esiste un numero molto elevato di tecniche di disegno. E da come insegniamo a disegnare ai bambini, e ora anche gli adulti hanno iniziato a imparare molta arte, è importante sapere come insegnare correttamente?

In questo lavoro di controllo considereremo periodi storici, epoche di diverse civiltà e cercheremo di capire cosa è così importante e necessario per la nostra generazione di persone che vivono nell'era della tecnologia dell'informazione, in un'epoca in cui le macchine sono in grado di eseguire molte attività funzioni. Ma questo è il nostro problema con te, il ferro non è in grado di trasmettere tante emozioni ed esperienze di cui è capace l'abilità umana nel campo dell'arte. È importante riuscire a capire la differenza tra ciò che è fatto con anima e calore, e ciò che è solo in fabbrica, stampato in migliaia di copie, ma senza anima.

"La storia dei metodi di insegnamento del disegno non è solo una raccolta di fatti interessanti e affidabili, è, prima di tutto, la storia dello sviluppo di idee e punti di vista pedagogici", scrive Rostovtsev nel suo libro sullo studio dei metodi di disegno in lingua straniera paesi, “la storia dei metodi di insegnamento non solo racconta il passato ma preserva anche l'esperienza accumulata dalle generazioni precedenti, aiuta a risolvere correttamente i problemi moderni.

L'era della società primitiva.

Già all'inizio del periodo primitivo, le persone iniziarono a imparare a disegnare. Con linee chiare sulla superficie di un osso o sulla parete di una grotta, una persona ha riprodotto vari oggetti, animali e persino persone con mano ferma e sicura.

Per ottenere immagini così nitide aveva bisogno di allenare la vista e la fermezza della mano. Da tali momenti, e ai nostri giorni, inizia la formazione nelle scuole d'arte e nelle scuole d'arte. Ci viene anche insegnato a controllare il movimento della mano, coordinandolo con l'occhio e la mente.

Forse l'assimilazione delle abilità nell'antichità era nella natura dell'osservazione e dell'imitazione diretta e dal vivo. Quando un uomo dipingeva animali e scene di caccia, i giovani interessati seguivano da vicino il suo affascinante lavoro. Forse alcuni hanno subito iniziato a imitarlo, mentre altri hanno poi ripetuto i metodi di lavoro. Usiamo le stesse tecniche quando conduciamo varie masterclass e classi aperte.

Durante il periodo neolitico, la tendenza realista è su una linea discendente. Gli artigiani perdono gradualmente la capacità di trasmettere correttamente le forme degli oggetti, le immagini diventano sempre più schematiche e condizionali, l'artista primitivo acquisisce la capacità di astrarre, generalizzare, comprendere le basi della modellatura, notare somiglianze e differenze nella natura della forma di oggetti. Questi sono anche compiti che si svolgono nel nostro tempo, quando viene insegnato a realizzare disegni stilizzati e semplificati, soprattutto per coloro che sono impegnati nel design.

Alla fine del periodo antico, l'artista di quel tempo aderì ad alcune forme e regole canonizzate, che insegnò al suo allievo. E abbiamo anche questo, vari manuali e tavole che insegnano a disegnare.

L'era dell'antico Egitto.

L'Antico Egitto è il periodo in cui furono create per la prima volta scuole d'arte speciali, con un sistema educativo chiaro, con una metodologia chiara per insegnare il disegno. Queste scuole insegnavano le regole e le leggi della costruzione dell'immagine e richiedevano ai loro studenti di osservarle rigorosamente.

Sono stati sviluppati canoni per raffigurare una persona, un fiore di loto, animali sacri e vari oggetti. Questi canoni stabiliti una volta per tutte, da un lato, hanno aiutato l'artista alle prime armi a padroneggiare rapidamente il processo di costruzione dell'immagine degli oggetti e, dall'altro, hanno incatenato e limitato le sue possibilità creative. Questa tecnica è interessante per noi in quanto all'inizio del disegno, secondo noi, si può applicare questa tecnica raccontando, mostrando, e si possono anche memorizzare le regole per costruire molti oggetti ed esseri viventi per ottenere un maggiore realismo nell'immagine. disegno.

Quando si raffigurava una figura umana, la superficie argillosa della tavola veniva prima disegnata dagli egiziani con linee sottili in quadrati uniformi. Queste celle servivano come linee guida per lo studente per rappresentare correttamente la figura umana. Nel disegno finito, queste cellule sono state distrutte: sono state schiacciate con un dito e la superficie della tavola è stata accuratamente livellata.

Questo metodo è molto simile al nostro quando trasferiamo lo schizzo in un grande formato. Usiamo anche una griglia, perché è questo metodo che aiuta a trasferire il disegno correttamente e senza modificarne le proporzioni, ma solo ad aumentare la scala.

L'età dell'antichità.

Gli artisti greci presero in prestito dagli egiziani un metodo per studiare i modelli proporzionali della struttura della figura umana: il calcolo matematico. Ma allo stesso tempo, i Greci, studiando la natura, osservando la bellezza del corpo umano nudo, trovarono molto fascino e armonia, il che non è un caso che gli dei cominciassero a essere raffigurati a immagine e somiglianza delle persone.

È anche importante per noi imparare a sentire, e non solo a trasmettere meccanicamente, la somiglianza degli oggetti.

Apollodoro di Atene è considerato il primo pittore da cavalletto, che introdusse nella tecnica pittorica la mescolanza dei colori tra loro e la loro gradazione secondo luci e ombre.

E questo accadde nel V secolo a.C. e. Qualcuno può dubitare della correttezza di tale uso dei colori nella moderna scuola d'arte naturalistica. Imparare a combinare correttamente i colori è un compito importante.

Zeusi, artista dell'antica Grecia, cercò di trovare e stabilire l'ideale e il canone della bellezza basato sullo studio della natura. Questo è ciò che insegna la moderna scuola di disegno: impara a creare una composizione utilizzando materiale naturale.

La linea nel disegno ha avuto un ruolo fondamentale nell'era dell'antica Grecia. Quando descriveva un oggetto, l'artista doveva chiaramente, senza tratti e svolazzi inutili, delineare la forma dell'oggetto con linee. E questo è possibile solo grazie a molti anni di scuola. Gli artisti greci padroneggiavano l'alta tecnica del disegno, conoscevano perfettamente la forma e la struttura del corpo umano.

Non impariamo a attingere alla natura, a ricordare le proporzioni? Questo è importante se vogliamo padroneggiare il disegno accademico corretto.

Gli artisti greci per la prima volta nella storia dello sviluppo del disegno educativo hanno introdotto il chiaroscuro e hanno fornito esempi di costruzione prospettica di un'immagine su un piano, gettando le basi per un disegno realistico dalla natura.

Gli artisti-educatori greci stabilirono il metodo corretto di insegnamento del disegno, basato sul disegno dalla natura. Per la prima volta tra i greci il disegno come materia accademica riceve la giusta direzione. A questo proposito, un'attenzione particolare merita la scuola di disegno di Sicione, il cui attuale capo è Panfilo, grazie al quale il disegno cominciò a essere considerato una materia educativa generale e fu introdotto in tutte le scuole di istruzione generale della Grecia. È stato il primo a capire che il disegno sviluppa il pensiero spaziale e la rappresentazione figurativa, necessari per le persone di tutte le professioni.

Gli insegnanti e i bambini di oggi nelle scuole di istruzione generale stanno cercando di dimenticare questo fatto molto importante. Ogni anno vengono dedicate sempre meno ore allo studio dell'arte. E questa, come vediamo, è una lezione importante nello sviluppo del bambino.

Nell'era dell'Impero Romano, l'artista-insegnante pensava meno agli alti problemi della creatività artistica, era interessato principalmente al lato artigianale e tecnico della questione. Pertanto, nell'insegnamento del disegno, della copia da campioni, prevaleva la ripetizione meccanica dei metodi di lavoro, che a sua volta costrinse gli artisti romani ad allontanarsi sempre più da quei metodi di insegnamento profondamente ponderati.

Questo momento merita la nostra attenzione, perché dobbiamo sempre ricordare che ciò che creiamo con le nostre mani, ci mettiamo dentro le nostre emozioni. Non dovresti ripetere ciecamente qualcuno senza pensare e sentire. Se vogliamo fare qualcosa che faccia riflettere molti sulla vita, questo è il compito del nostro lavoro. E lascia che le persone meno istruite utilizzino la semplice timbratura.

L'era del Medioevo.

Nel Medioevo, le conquiste dell'arte realistica furono consegnate all'oblio. Gli artisti non conoscevano né i principi della costruzione di un'immagine su un aereo, utilizzati dai grandi maestri dell'antica Grecia, né i risultati nel campo dei metodi di insegnamento, con l'aiuto dei quali allevavano meravigliosi disegnatori e pittori.

Gli ideologi delle belle arti medievali rifiutavano le tendenze realistiche perché una natura resa realisticamente evocava nello spettatore un sentimento "terreno".

Possiamo anche usare questo metodo quando vogliamo trasmettere un significato profondo della trama nell'immagine, che è ciò che usano gli artisti astratti.

Nel Medioevo si prestava molta attenzione alla copia, questo metodo era il principale nell'immagine. Ecco una delle opzioni per fare delle copie: “Se non ci sono disegni o macchie sul retro dell'originale, mettici sopra della carta non oliata, mettilo in controluce, contro la finestra o il telaio della finestra e, vedendo tutto il caratteristiche, disegnale attentamente sul foglio e segna le luci con vernice rossa. La foto scattata in questo modo sarà simile all'originale allo stesso modo della prima.

Usiamo questo metodo anche ai nostri tempi, appoggiando i fogli alla finestra, oppure appoggiandoli su un piano di vetro, illuminati da un fascio di luce. Questo metodo di copia produce uno schema ripetuto molto accurato.

Il metodo di insegnamento del disegno nelle botteghe del Medioevo era prettamente artigianale: copiare i campioni e le tecniche del lavoro del maestro. Lo studio della natura e della natura in senso accademico non era praticato. Il disegno veniva insegnato da un maestro che non seguiva un sistema rigido o metodi di insegnamento chiari. La maggior parte degli studenti ha studiato da solo, osservando da vicino il lavoro del maestro.

Questa tecnica può essere utilizzata dagli insegnanti che non vogliono insegnare le rigide leggi delle regole di proporzione e prospettiva. A nostro avviso, tali momenti di insegnamento del disegno sono applicabili nel campo dell'istruzione aggiuntiva per attività extrascolastiche, dove non esistono regole così rigorosamente fisse per il disegno, a differenza delle scuole d'arte.

Rinascimento.

Il Rinascimento è strettamente connesso con l'arte dell'antichità. Poiché tutti i principali maestri, studiando gli scavi dell'antichità, sono stati ispirati per creare le loro opere. I migliori maestri delle belle arti iniziano a lavorare sui problemi del disegno, si sforzano di far rivivere la cultura antica, collezionare e studiare monumenti di arte antica. Nella loro ricerca si basano sui risultati dell'ottica, della matematica e dell'anatomia. Gli insegnamenti su proporzioni, prospettiva e anatomia plastica sono al centro dell'attenzione di teorici e professionisti dell'arte.

Ciò significa che per creare un prodotto artistico di valore non è sufficiente solo disegnare correttamente analizzando il soggetto. È importante conoscere anche il suo design, la sua funzione, tutte le parti interne per poter trasmettere correttamente la natura dell'oggetto.

Scrive Cennino Cennini nel suo Trattato della Pittura: “Sappi che per imparare ci vuole molto tempo: così, dapprima nell'infanzia, almeno per un anno, è necessario esercitarsi a disegnare su una tavola. Poi - restare per qualche tempo con il maestro in bottega, per poter lavorare in tutti i rami della nostra arte. Quindi: inizia a cancellare le vernici e fallo per un po ', quindi macina il gesso, acquisisci abilità nell'adescare le tavole con gesso, fai rilievi dal gesso, raschia, dora, grana bene. E così dovrebbe essere per sei anni. Poi - altri sei anni per esercitarsi nella pittura, decorare con mordenti, scrivere tessuti dorati, esercitarsi a lavorare sul muro, disegnare tutto il tempo, senza perdere nessuna vacanza o giorno lavorativo.

Solo in questo modo e ai nostri tempi è possibile padroneggiare tutte le sottigliezze della realizzazione delle opere. Nelle scuole d'arte e negli istituti superiori, gli studenti devono imparare come eseguire tutti i passaggi, dalla realizzazione di un telaio alla pittura di un'opera d'arte su tela. Allo stesso tempo, cerca di non perdere le lezioni, lavorando tutti i giorni, senza notare i fine settimana e i giorni festivi.

"Tre libri sulla pittura" è stato realizzato dal più grande architetto fiorentino Leon Battista Alberti. Alberti vede il disegno non come un esercizio meccanico, ma come un esercizio della mente. Questo atteggiamento saggio e questo disegno diedero poi motivo a Michelangelo di dire: "Disegnano con la testa, non con le mani". Una nota molto importante nella pratica del disegno. È necessario riflettere, realizzare come e in quale sequenza lavorare.

Una caratteristica del metodo di insegnamento del disegno in quest'epoca era il metodo della dimostrazione personale.

Rientra nelle linee guida metodologiche anche il consiglio di Alberti di dare un'immagine di grande formato: “Guarda, non farlo e basta, come tanti che imparano a disegnare su piccole tavole. Voglio che tu faccia pratica con disegni grandi, di dimensioni quasi uguali a quello che stai copiando, perché nei disegni piccoli ogni grosso errore è facilmente nascosto, ma il minimo errore è perfettamente visibile in un disegno grande.

Questo momento è importante, perché in effetti, se impari a rappresentare correttamente in un formato grande, in uno più piccolo sarà altrettanto facile e corretto.

Leonardo da Vinci afferma ripetutamente che la teoria scientifica gioca un ruolo colossale nelle attività pratiche, quindi lo studente deve prima studiare la teoria e poi passare alla pratica, ha scritto: "Impara prima la scienza e poi dedicati alla pratica generata da questa scienza".

Da ciò ne consegue che è importante non solo imparare a padroneggiare meccanicamente le abilità del disegno, ma è anche necessario studiare la teoria. I libri sono uno strumento importante per il successo.

Leonardo dà consigli su come organizzare al meglio l’insegnamento del disegno: “Dico e affermo che disegnare in società è molto meglio che da soli, e per tanti motivi. La prima è che ti vergognerai se tra i disegnatori ti guarderanno come se non andassi bene, e questa vergogna sarà motivo di un buon insegnamento; in secondo luogo, una buona invidia ti indurrà ad essere tra quelli più lodati di te, poiché le lodi degli altri ti sproneranno; e anche ciò che prenderai in prestito dal lavoro di chi fa meglio di te.

Questa proposta contiene molte domande: il numero di studenti nella classe, le caratteristiche dell'età, ecc. Ma il fatto stesso che nella fase di insegnamento sia importante far parte di una squadra di persone che la pensano allo stesso modo è un punto importante per creare un'attività creativa atmosfera.

Considereremo le opere di un altro artista rinascimentale, Albrecht Dürer.

Di particolare valore per la pedagogia artistica è il metodo di generalizzazione della forma sviluppato da Dürer (in seguito chiamato ritaglio). È molto difficile fornire un'immagine prospettica corretta di una figura complessa, ad esempio una testa, una mano, una figura umana, e per un principiante è semplicemente impossibile. Ma se la forma complessa viene generalizzata al massimo alle forme geometriche rettilinee, allora è possibile far fronte facilmente al compito non solo per un artista esperto, ma anche per un artista alle prime armi.

Questo metodo ci viene insegnato ormai, analizzando le figure e i suoi elementi, troviamo molte figure geometriche che semplificano il disegno, evitando dettagli inutili.

Nel Rinascimento, il metodo dell'analisi costruttiva della forma era ampiamente utilizzato dagli artisti - insegnanti. Molti disegni ne parlano in modo convincente, compreso il disegno di Holbein, che mostra non solo un diagramma della struttura strutturale della testa, ma anche cambiamenti nella vista prospettica della struttura ad ogni svolta. Se la testa è inclinata verso il basso, le parti superiori degli archi costruttivi vengono rivolte verso il basso; se la testa viene rialzata, le parti superiori degli archi vengono risvoltate; se la testa è al livello della visione del disegnatore, si trasformano in linee parallele.

Applichiamo questa conoscenza nella pratica, quando è difficile determinare se la testa è inclinata verso il basso o ribaltata verso l'alto, quindi la conoscenza degli schemi della struttura costruttiva della testa aiuterà a stabilirne correttamente l'inclinazione e la rotazione nel disegno.

Le opere dei maestri del Rinascimento nel campo della prospettiva hanno aiutato gli artisti ad affrontare il problema più difficile della costruzione di una forma tridimensionale di oggetti su un piano. Hanno dimostrato la correttezza e la validità delle loro posizioni sia teoricamente che praticamente. Anche i pittori del Rinascimento prestarono molta attenzione allo studio dell'anatomia plastica. Quasi tutti i disegnatori erano interessati alle leggi sul rapporto proporzionale tra le parti del corpo umano.

I maestri del Rinascimento usarono abilmente i dati delle loro osservazioni nella pratica delle belle arti. Le loro opere stupiscono lo spettatore con una profonda conoscenza dell'anatomia, della prospettiva e delle leggi dell'ottica.

Mettendo i dati della scienza come base delle belle arti, gli artisti del Rinascimento prestarono particolare attenzione al disegno. Il disegno, hanno detto, contiene tutte le cose più importanti necessarie per un lavoro creativo di successo.

Epoca del XVII secolo.

Il XVII secolo nella storia dei metodi di insegnamento del disegno dovrebbe essere considerato come un periodo di formazione del disegno come materia accademica e di sviluppo di un nuovo sistema di insegnamento pedagogico - accademico. La caratteristica più caratteristica di questo periodo è la creazione di istituzioni educative speciali: accademie di arti e scuole d'arte, dove l'insegnamento del disegno è stato seriamente stabilito.

La scuola accademica dei Carracci diede buoni risultati. Tutti coloro che si sono diplomati padroneggiavano perfettamente qualsiasi materiale da disegno, comprendevano il significato del tono, conoscevano le leggi della prospettiva e dell'anatomia plastica.

Per la prima volta nella storia dell'insegnamento del disegno, Carracci introdusse premi per la migliore esecuzione del lavoro educativo presso la sua Accademia. Evidenziare il meglio, incoraggiare il suo successo è un metodo fruttuoso di lavorare con gli studenti. Distribuendo premi tra gli alunni migliori, Carracci faceva sì che quelli meno bravi cercassero di fare ogni sforzo per emergere e ricevere un premio. Questo tipo di competizione ha instillato in ogni studente il desiderio di diventare il primo.

Questo metodo di incoraggiamento viene utilizzato anche oggi, il che è particolarmente importante per gli studenti, quando per una buona prestazione è possibile ottenere non solo un voto piacevole, ma anche ricompense materiali.

La tradizione è diventata un tratto caratteristico di tutte le accademie successive. Studiando il patrimonio e percependo la cultura artistica dei loro predecessori, le accademie hanno trasmesso tutto questo alla successiva generazione di artisti, preservando rigorosamente il grande e incrollabile fondamento su cui è stata creata questa tradizione.

Durante il periodo di entusiasmo per le nuove tendenze nelle arti visive, iniziato alla fine del XIX secolo e acquisito ampio respiro nel primo quarto del XX secolo, il sistema educativo accademico è stato talvolta sottoposto a critiche immeritate. Molti artisti e storici dell’arte sono diventati scettici riguardo alla direzione accademica nell’arte.

A nostro avviso, nulla di nuovo e di incomprensibile ha tale valore, come diceva un certo "accademismo secco". Non puoi creare senza conoscere le regole. Solo con uno studio attento di tutti i modelli si può arrivare ad un'immagine accademica realistica. Ma poi, secondo lo stato d'animo di ciascun artista, si può andare a studiare e creare qualcosa di nuovo, stravagante.

Il disegno è la base delle basi. È impossibile padroneggiare il disegno senza una seria conoscenza scientifica. Padroneggiando il disegno, lo studente impara contemporaneamente il mondo. Quindi possiamo concludere che le lezioni di disegno sono utili per tutti.

Lo svantaggio del sistema educativo accademico di quel tempo era la mancanza di attenzione all'individualità del giovane artista. Qui l'estetica del classicismo ha giocato il suo ruolo, dove l'individualità è interamente subordinata agli interessi della nazione, dello stato, ha portato all'idealizzazione della natura e dell'uomo, al rifiuto del trasferimento dei tratti individuali della natura.

Epoca XVIII - metà XIX secolo.

Dal XVIII secolo alla seconda metà del XIX secolo, le accademie d'arte di Francia, Inghilterra, Russia, Germania vivono il loro "periodo d'oro". Mostrano agli artisti la via verso le vette dell'arte, educano il gusto artistico, definiscono l'ideale estetico. Il disegno come base delle belle arti è al centro dell'attenzione di tutte le accademie. Gli viene data particolare importanza come materia accademica indipendente.

E oggi, a partire dalle scuole d'arte, il disegno è una materia indipendente e separata.

Molto è stato fatto dalle accademie nello sviluppo di metodi per insegnare il disegno, la pittura e la composizione. Quasi tutti gli insegnanti dell'Accademia hanno pensato a come migliorare la metodologia, a come facilitare e abbreviare il processo di padronanza del materiale da parte degli studenti.

E oggi molti creano i propri metodi, sviluppano programmi di formazione nel campo del disegno.

Nell’arte c’è una disputa tra accademismo e realtà. Goethe scrive: “Lo studente deve prima sapere cosa deve cercare, cosa può usare l'artista nella natura, come dovrebbe usarlo per gli scopi dell'arte. Se non ha questa conoscenza preliminare, nessuna esperienza lo aiuterà e lui, come molti dei nostri contemporanei, rappresenterà solo il solito, semi-divertente o, essendosi allontanato dal sentimentalismo, falsamente divertente. E ancora: “Non bisogna però dimenticare che spingendo uno studente senza educazione artistica verso la natura, egli viene allontanato allo stesso tempo sia dalla natura che dall’arte”.

Nell'arte contemporanea incontreremo tutti i generi e le tecniche di disegno. Il momento attuale è molto vario. Questo è sia bene che male. Pertanto, è molto importante padroneggiare prima l'accademismo e poi creare a propria discrezione, comprendendo qual è l'ideale nell'arte.

Attribuendo grande importanza all'orientamento metodologico, per la prima volta nella pedagogia artistica dell'Europa occidentale, Reinolde propone l'idea che l'insegnamento richiede un approccio creativo, che imparare a disegnare è anche un'arte.

Ne stiamo parlando anche adesso - scienza o creatività - in cosa consiste la pedagogia. Sembra che tu debba essere in grado di combinare correttamente queste due aree, quindi apparirà un'occupazione moderna e corretta, dove i bambini vogliono andare a studiare.

Creando qualcosa di nuovo nell'arte, bisogna prendersi cura del vecchio, esorta Louis David: “Non commettete errori, cittadini, il museo non è affatto un'inutile collezione di oggetti di lusso e di intrattenimento che può solo soddisfare la curiosità. Deve diventare una scuola seria. Gli insegnanti manderanno lì i loro piccoli alunni, il padre porterà lì il figlio. Alla vista di creazioni brillanti, il giovane sentirà come parleranno in lui quelle capacità per le scienze o l'arte che la natura gli ha inspirato.

Anche adesso stiamo cercando non solo di dare teoria, pratica, ma anche di insegnare a vedere e ricordare le opere realizzate da altri artisti. Questo è espresso più emotivamente quando si viaggia per escursioni, mostre, gite ai musei.

La tecnica di disegno di Dupuy è molto interessante: iniziare l'immagine non dalle parti, ma dal generale (da una forma grande). Per realizzare questo compito, Dupuis creò gruppi speciali di modelli della testa, di parti del corpo e della figura umana. Ogni gruppo era composto da quattro modelli e rifletteva una certa sequenza metodologica nella costruzione dell'immagine. Ad esempio, sono stati proposti quattro modelli per spiegare la sequenza dell'immagine della testa: il primo mostrava la forma della testa in termini generali; il secondo - sotto forma di rifinitura; il terzo - con un accenno di dettaglio e l'ultimo - con uno studio dettagliato della forma. La forma delle mani e dei piedi è stata analizzata allo stesso modo. Questo metodo di lavoro con gli studenti si è rivelato così efficace che questo metodo di insegnamento è stato ampiamente utilizzato sia nelle scuole di istruzione generale che nelle scuole d'arte speciali.

Questa tecnica di disegno è molto educativa. Molti momenti sono ancora lì, ma solo un piccolo numero degli attributi principali, ovviamente sarebbe meglio se tutte le istituzioni speciali avessero una buona base materiale e visiva.

Pestalozzi sosteneva che il disegno dovrebbe precedere la scrittura, non solo perché facilita il processo di padronanza dell'iscrizione delle lettere, ma anche perché è più facile da digerire.

Naturalmente, i bambini imparano prima semplici abilità nel disegno e poi nella scrittura di lettere e numeri, questo è chiaramente visibile nei metodi di insegnamento delle lezioni negli asili nido.

Una comprensione pedagogica delle caratteristiche dello sviluppo umano, soprattutto nella sua infanzia, aiuta gli insegnanti d'arte a costruire correttamente il processo educativo nelle scuole. Un ruolo speciale è dato al disegno come materia educativa generale.

Il metodo geometrico è riconosciuto come il più progressivo ed efficace, poiché aiuta il bambino ad analizzare la forma degli oggetti, è più facile apprendere le leggi della prospettiva.

L'era tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo.

Dalla seconda metà del XIX secolo, l'interesse per i metodi di insegnamento del disegno in una scuola d'arte speciale si è notevolmente indebolito. Allo stesso tempo, nella scuola secondaria, i metodi di insegnamento si stanno sviluppando in un senso più ampio. Non solo gli artisti, ma anche i critici d'arte, gli psicologi, i medici sono impegnati nel metodo di insegnamento del disegno; osservano gli studenti, conducono esperimenti, sulla base dei quali propongono forme e metodi di insegnamento, utilizzano modelli speciali e ausili visivi che aiutano gli studenti ad apprendere il materiale didattico più velocemente e meglio. Vengono pubblicati soprattutto molti manuali per l'insegnamento iniziale del disegno.

Al giorno d'oggi, viene prestata molta attenzione allo sviluppo iniziale dei bambini, la tecnica del disegno non tradizionale viene padroneggiata fin dalla tenera età.

L. Tadd sta già iniziando a includere una gamma più ampia di attività in materia di disegno a scuola: modellazione dell'argilla, scultura in legno, lavorazione dei metalli, ecc. Secondo lui, “quando si raffigurano forme in un disegno, argilla o su legno, a causa dalla varietà dei materiali si acquisiscono e assimilano diverse coordinazioni fisiche. Dopo il corso elementare generale seguono falegnameria, lavorazione dei metalli, disegno meccanico e architettonico, disegno e pittura dal vero.

Al giorno d'oggi, ci sono anche molte organizzazioni di istruzione aggiuntiva, scuole in cui i bambini possono padroneggiare una varietà di tecniche, studiare una varietà di materiali e lavorare con loro.

Esplorando le modalità di insegnamento del disegno nelle scuole secondarie di fine Ottocento - inizio Novecento, vedremo che in questo periodo la materia del disegno comprendeva già quattro tipologie di classi: disegno dal vero dove si praticava il disegno e pittura, disegno decorativo (lezioni di arte decorativa e applicata), disegno tematico e conversazione sull'arte

Queste sono tutte le discipline incluse nel curriculum moderno della scuola d'arte.

Esplorando la storia dell'insegnamento del disegno nelle scuole di istruzione generale dall'ultimo quarto del XIX secolo alla metà del XX secolo, vedremo che lo sviluppo dei metodi di insegnamento è andato in due direzioni: i rappresentanti del metodo geometrico difendono la direzione accademica in disegno didattico, contenuti scientifici e ruolo guida dell'insegnante. I rappresentanti del metodo naturale, rifiutando la direzione accademica nell'arte e il ruolo guida dell'insegnante nell'insegnamento del disegno, aderiscono al metodo della "educazione gratuita".

In un breve periodo di tempo emersero in Occidente diversi movimenti artistici: neoimpressionismo, cubismo, espressionismo, dadaismo, surrealismo e molti altri. La caotica lotta di opinioni e tendenze di quest'epoca portò ancora maggiore disorganizzazione e confusione nei metodi di insegnamento delle discipline artistiche e, soprattutto, del disegno. Molti si sono opposti all'istruzione accademica, ritenendo che l'artista perdesse le sue qualità naturali a scuola. Come risultato del predominio di queste opinioni, l'arte cominciò a degradarsi.

"Studiando la storia dei metodi di insegnamento del disegno sia nell'istruzione generale che nelle scuole d'arte, dobbiamo adottare tutto il meglio che c'era in passato, e non solo dalle scuole straniere, ma anche dalla nostra scuola russa", scrive Rostovtsev.

Da chi e come insegna nelle istituzioni che insegnano l'arte, riceveremo una tale generazione in futuro. A partire da te, il compito è imparare a sintetizzare tutte le conoscenze del disegno, sia accademiche che amanti della libertà. Solo dopo potremo insegnare tutto ai nostri alunni, l'importante è instillare in loro il desiderio di creare e creare bellezza.

1. Arte primitiva. L'emergere e lo sviluppo delle belle arti nella società primitiva. Metodi di insegnamento del disegno nell'antico Egitto

La conversione delle persone primitive a un nuovo tipo di attività per loro - l'arte - è uno dei più grandi eventi nella storia dell'umanità. L'arte primitiva rifletteva le prime idee dell'uomo sul mondo che lo circondava, grazie a lui conoscenze e abilità venivano preservate e trasferite, le persone comunicavano tra loro.L'età della pietra (da oltre 2 milioni di anni fa al VI millennio a.C.), è divisa in Paleolitico, Mesolitico e Neolitico. Le prime opere d'arte primitiva furono create circa 30mila anni fa. Le sculture più antiche sono Veneri paleolitiche - figurine femminili primitive. Oltre alle donne, gli animali venivano raffigurati in pietra o ossa. Gli uomini dell'età della pietra davano un aspetto artistico agli oggetti di uso quotidiano: strumenti di pietra e vasi di argilla. Successivamente, i maestri primitivi iniziarono a prestare maggiore attenzione ai dettagli: raffigurarono la lana con tratti, impararono a usare colori aggiuntivi) Nel XII millennio a.C. e. l'arte rupestre raggiunse il suo apice. Il dipinto di quel tempo trasmetteva volume, prospettiva, proporzioni fiorite di figure, movimento. Allo stesso tempo, enorme pittoresco tele che copriva le volte di profonde caverne. L'ora esatta della creazione delle pitture rupestri non è stata ancora stabilita. Sulle pareti delle grotte sono raffigurati decine di grandi animali: mammut e orsi delle caverne. I coloranti minerali mescolati con acqua, grasso animale e linfa vegetale rendevano il colore delle pitture rupestri particolarmente brillante. (Grotta di Altamira, Grotta di Lascaux)

Arte mesolitica. Nell'era mesolitica, o età della pietra media (XII-VIII millennio a.C.), (regioni montuose costiere della Spagna orientale, tra le città di Barcellona e Valencia), figure di persone raffigurate in rapido movimento, composizioni a più figure e scene di caccia con albume, sangue, miele.

Arte neolitica (5000-3000 a.C.) Si tratta, ad esempio, delle pitture rupestri di cervi, orsi, balene e foche rinvenute in Norvegia, che raggiungono gli otto metri di lunghezza. Oltre allo schematismo, si distinguono per l'esecuzione incurante. Insieme ai disegni stilizzati di persone e animali, sono presenti varie forme geometriche (cerchi, rettangoli, rombi e spirali, ecc.), Immagini di armi e veicoli (barche e navi). Le prime incisioni rupestri furono scoperte nel 1847-1850. nel Nord Africa e nel deserto del Sahara (Tassilin-Ajer, Tibesti, Fezzana, ecc.)

bronzo (prende il nome dall'allora diffusa lega di metalli - bronzo). L'età del bronzo iniziò nell'Europa occidentale circa quattromila anni fa. nell'età del bronzo furono realizzati oggetti domestici di ogni genere, riccamente decorati con ornamenti e di alto valore artistico. Nel III-II millennio a.C. e. apparvero strutture peculiari ed enormi fatte di blocchi di pietra, menhir: pietre verticali alte più di due metri. (Penisola della Bretagna in Francia) dolmen - diverse pietre scavate nel terreno, coperte da una lastra di pietra, originariamente utilizzate per le sepolture. Numerosi menhir e dolmen erano situati in luoghi considerati sacri. Particolarmente famose sono le rovine in Inghilterra vicino alla città di Salisbury, le cosiddette. Stonehenge (II millennio a.C.). Stonehenge è costruito con centoventi massi del peso di sette tonnellate ciascuno e trenta metri di diametro.

In altro Egitto è sorta e si è rafforzata una scuola d'arte speciale, la formazione è stata sistematica. Il metodo e il sistema educativo per tutti gli insegnanti erano gli stessi, perché i canoni approvati prescrivevano la più rigorosa osservanza delle norme stabilite. Furono i primi nella storia della cultura umana a gettare le basi per la fondatezza teorica del disegno. L'insegnamento del disegno si basava sulla memorizzazione delle regole e dei canoni sviluppati. Sebbene i canoni facilitassero lo studio delle tecniche di disegno, ma incatenavano l'artista, non gli permettevano di rappresentare il mondo come lo vede. Disegnando il Dott. L'Egitto era una materia di educazione generale, strettamente correlata all'insegnamento della scrittura. La scuola principale dell'antico regno era la Memphis Court School of Architects and Sculptors, lei yavl. Artistico Il centro, attorno ad esso si formarono altre scuole. C'era persino un istituto dove studiavano i giovani. Gli insegnanti hanno utilizzato tabelle metodiche speciali. I principi e i metodi erano basati sulla frontalità, tutti i disegni sono lineari, non c'è tridimensionalità, prospettiva, chiaroscuro, c'erano proporzioni di figure in piedi, sedute e altre figure. Molto materiale prezioso e interessante per lo studio dei metodi di insegnamento delle belle arti è dato dai monumenti della cultura egiziana: dipinti sulle pareti di tombe, palazzi, templi, su oggetti domestici; disegni per rilievi e, infine, disegni su papiri. L'attenzione principale degli artisti egiziani era rivolta all'immagine della figura umana. Il compito dell'artista dell'Antico Egitto non prevedeva una vera rappresentazione della vita. La vita per loro era come un fenomeno temporaneo, l'esistenza principale iniziava dopo la morte. L'artista combina diversi punti di vista sull'argomento in un'immagine: alcune parti della figura sono raffigurate di profilo (testa, gambe), altre - di fronte (occhi, spalle). Le caratteristiche dell'antica pittura egiziana erano, in sostanza, coloranti e per diversi secoli si riducerono a riempire la silhouette con un colore, senza introdurre toni aggiuntivi e ombre colorate.

2. Metodi di insegnamento delle belle arti nell'antica Grecia (scuole di Efeso, Sicione, tebane)

Avendo studiato metodi di insegnamento presso il Dott. Egitto, i greci affrontarono il problema dell'istruzione e dell'educazione in un modo nuovo. Chiesero uno studio attento della vita terrena e non dell'aldilà. Nel 432 AVANTI CRISTO e. a Sicione, lo scultore Policleto scrisse un saggio sulle leggi proporzionali del corpo umano, ne studiò la mobilità interna. La statua "Dorifor" fungeva da ausilio visivo.

Polygnot richiedeva la realtà dell'immagine, possedeva i mezzi del disegno lineare, cercava di trasmettere la trama, non conoscendo il chiaroscuro, disegnando a grandezza naturale, pittura policroma. La linea ha giocato un ruolo fondamentale, sono state osservate la chiarezza e la chiarezza dell'immagine.

Apollodoro di Atene e il suo allievo Zeus includevano la miscelazione di colori, la gradazione e introdussero il chiaroscuro nella tecnica pittorica. Parrasius tradì la simmetria con la pittura, fu il primo a trasmettere le espressioni facciali e raggiunse il primato nei contorni.

Entro il IV secolo a.C e. L'arte greca raggiunge un alto stadio di sviluppo in Grecia, se ne conoscono diversi. scuole di disegno: Sicione, Efesino e Tebana.

Tebano sh. - il cui fondatore fu Aristide, o Nicomaco, attribuiva grande importanza agli "effetti di chiaroscuro, alla trasmissione di sensazioni di vita e illusioni". La scuola di Efeso, considerata il fondatore di Efranore di Corinto e, secondo altre fonti, di Zeusi, era basata sulla "percezione sensuale della natura e della bellezza esteriore". Questa scuola puntava all'illusione, ma non era perfetta nel disegno.

Sikyonskaya sh. -Presa. i dati scientifici delle scienze naturali e le leggi della natura, hanno cercato di avvicinare e insegnare allo studente a onorare le leggi della struttura della natura. fondata da Eupomp, si basava sui dati scientifici delle scienze naturali e rispettava rigorosamente le leggi della natura. Questa scuola richiedeva "la massima precisione e rigore nel disegno". Ha avuto una grande influenza sulla metodologia dell'insegnamento del disegno e sull'ulteriore sviluppo dell'arte. arte.

Gli artisti hanno imparato a trasmettere sull'aereo non solo il volume (tridimensionalità) degli oggetti, ma anche i fenomeni della prospettiva e, imparando a disegnare dalla natura, gli artisti greci hanno studiato anche l'anatomia.

Gli artisti-educatori greci stabilirono il metodo corretto di insegnamento del disegno, basato sul disegno dalla natura. (Policlet. Doriforo. Marmo. V secolo a.C. Museo Napoletano.)

Le belle arti del mondo antico, rispetto a quelle egiziane, si arricchirono di nuovi principi e metodi per costruire un'immagine, e allo stesso tempo di nuovi metodi di insegnamento. Gli artisti greci per la prima volta nella storia dello sviluppo del disegno educativo hanno introdotto il chiaroscuro e hanno fornito esempi di costruzione prospettica di un'immagine su un piano, gettando le basi per un disegno realistico dalla natura.

Gli artisti-educatori greci stabilirono il metodo corretto di insegnamento del disegno, basato sul disegno dalla natura. Per la prima volta tra i greci il disegno come materia accademica riceve la giusta direzione. A questo proposito, un'attenzione particolare merita la scuola di disegno di Sicione, il cui attuale capo è Panfilo, grazie al quale il disegno cominciò a essere considerato una materia educativa generale e fu introdotto in tutte le scuole di istruzione generale della Grecia. Il merito di Panfilo è di essere stato il primo a capire che il compito dell'insegnamento del disegno comprende non solo la copia degli oggetti della realtà, ma anche la conoscenza delle leggi della natura. È stato il primo a capire che il disegno sviluppa il pensiero spaziale e la rappresentazione figurativa, necessari per le persone di tutte le professioni. Dopo Panfilo, tutti i pensatori progressisti della Grecia cominciarono a capirlo; si sono resi conto che l'apprendimento delle arti contribuisce allo sviluppo a tutto tondo della persona.

L'era dell'antica Grecia fu l'era più brillante nella storia dello sviluppo delle belle arti del mondo antico. Il valore delle belle arti greche è estremamente grande. Qui è stato posto il metodo di comprensione scientifica dell'arte. Gli artisti-educatori greci hanno esortato i loro studenti e seguaci a studiare direttamente la natura, osservarne la bellezza e indicare di cosa si tratta. Secondo loro, la bellezza consisteva nella corretta proporzione proporzionale delle parti, il cui esempio perfetto è la figura umana. Dicevano che la regolarità proporzionale del corpo umano nella sua unità crea l'armonia della bellezza. Il principio fondamentale dei sofisti era: "L'uomo è la misura di tutte le cose". Questa posizione costituì la base di tutta l'arte dell'antica Grecia.

. Metodi di insegnamento delle belle arti nell'antica Roma

Metodi di insegnamento del disegno nell'antica Roma

I romani amavano molto gli iso. arte, in particolare le opere di artisti greci. L'arte del ritratto è ampiamente diffusa, ma i romani non hanno introdotto nulla di nuovo nella metodologia e nel sistema di insegnamento, continuando a utilizzare le conquiste degli artisti greci. Inoltre, persero molte preziose disposizioni del disegno, non riuscendo a salvarle. Gli artisti di Roma copiarono per lo più le opere degli artisti greci. L'impostazione dell'insegnamento era diversa rispetto alle scuole greche:

A Roma l'insegnante era più interessato al lato artigianale e tecnico della materia, piuttosto che preparare un artista-artigiano (più artigiani per decorare le proprie case).

Nell'insegnamento del disegno, della copia da campioni, prevaleva la ripetizione meccanica dei metodi di lavoro, che a sua volta costrinse gli artisti-insegnanti romani ad allontanarsi sempre più dai metodi di insegnamento utilizzati dagli artisti-insegnanti della Grecia.

Nelle tecniche di disegno, i romani iniziarono per la prima volta a utilizzare la sanguigna (una bella tonalità bruno-rossastra) come materiale da disegno: è malleabile nel lavoro, si fissa meglio su una superficie liscia rispetto al carbone.

Particolarmente grande è il ruolo della cultura antica nello sviluppo dell'arte realistica, nella formazione e nello sviluppo del sistema accademico di insegnamento del disegno. Ci ispira ancora oggi a cercare metodi più efficaci per insegnare le belle arti, a sviluppare scientificamente metodi per insegnare il disegno.

La società romana richiedeva un gran numero di artigiani per decorare locali, edifici pubblici, il periodo di formazione era breve. il metodo di insegnamento del disegno non è scientifico. il disegno è diventato condizionale e schematico.

L'era del dominio romano, a prima vista, crea tutte le condizioni per l'ulteriore sviluppo di metodi per insegnare il disegno realistico. I romani amavano molto le belle arti. Hanno particolarmente apprezzato le opere degli artisti greci. Le persone ricche accumulavano collezioni di dipinti e gli imperatori costruivano pinacoteche pubbliche (gallerie). L'arte del ritratto è ampiamente utilizzata. Le immagini di persone di quell'epoca sono raffigurate senza alcun abbellimento. Con sorprendente verità vitale, trasmettono i tratti caratteriali individuali di persone delle età più diverse, come, ad esempio, un ritratto pittoresco di Pakvius Proculus e di sua moglie, un ragazzo; ritratti scultorei - Vitellino, il giovane Augusto, Giulio Cesare, ecc.

Molti nobili nobili e patrizi stessi erano impegnati nel disegno e nella pittura (ad esempio Fabio Pittore, Pedio, Giulio Cesare, Nerone, ecc.).

Sembra che tutto sia stato creato per l'ulteriore sviluppo delle belle arti e per il suo insegnamento. Tuttavia, in realtà, i romani non apportarono nulla di nuovo alla metodologia e al sistema di insegnamento del disegno. Usavano solo le realizzazioni degli artisti greci; inoltre, non riuscirono a preservare molte preziose disposizioni del metodo di insegnamento del disegno. Come evidenziato dai dipinti sopravvissuti di Pompei e dai resoconti degli storici, gli artisti di Roma sostanzialmente copiarono le creazioni dei notevoli artisti greci. Alcuni dipinti sono realizzati con grande maestria, come ad esempio le “Nozze di Aldobrandino”. Tuttavia, non potevano raggiungere l'elevata abilità professionale posseduta dai famosi artisti dell'antica Grecia.

Qualche parola sulla tecnica di disegno. I romani iniziarono per primi a usare la sanguigna come materiale da disegno. Nelle catacombe sono conservate tracce dell'opera di artisti romani, dove utilizzavano la sanguigna per delineare gli affreschi. Forse, in misura maggiore dei Greci, adottarono la tecnica degli artisti egiziani, soprattutto nella pittura (uso della tempera, lavoro su tela, papiro). I metodi di insegnamento e la natura della formazione degli artisti differivano dalle scuole greche. Gli insegnanti-artisti greci hanno cercato di risolvere gli elevati problemi dell'arte, hanno invitato i loro studenti a padroneggiare l'arte con l'aiuto della scienza, a lottare per le vette dell'arte e hanno condannato quegli artisti che si avvicinavano all'arte in modo artigianale. Nell'era dell'Impero Romano, l'artista-insegnante pensava meno agli alti problemi della creatività artistica, era interessato principalmente al lato artigianale e tecnico della questione.

La società romana richiedeva un gran numero di artigiani per decorare locali residenziali ed edifici pubblici, quindi il periodo di formazione non poteva essere ritardato. Pertanto, quando si insegnava il disegno, copiando da campioni, prevaleva la ripetizione meccanica dei metodi di lavoro, che a sua volta costrinse gli artisti romani ad allontanarsi sempre più da quei metodi di insegnamento profondamente ponderati utilizzati dagli eccezionali artisti-insegnanti della Grecia.

4. Disegnare nel Medioevo. Arte e religione

Nell'era del Medioevo e del cristianesimo, le conquiste dell'arte realistica furono dimenticate. Gli artisti non conoscevano nessuno dei principi per costruire un'immagine su un aereo, utilizzati nel Dr. Grecia. Perirono preziosi manoscritti: opere teoriche di grandi artisti, così come molte opere famose che potevano servire da modello. L'idolatria fu sottoposta alla più grande persecuzione, tutte le statue e le immagini furono rotte e distrutte. Insieme alle statue e ai dipinti, alle pergamene e ai documenti, ai disegni e alle regole, il metodo di insegnamento del disegno non era scientifico. La base della formazione è la copia meccanica dei campioni e non il disegno dalla vita.

I pittori dei primi secoli del cristianesimo utilizzavano ancora le forme artistiche della pittura antica. In breve tempo le tradizioni dell'arte realistica furono dimenticate e perse, il disegno divenne condizionale e schematico.

La conoscenza scientifica del mondo fu condannata e ogni tentativo di comprovare le osservazioni della natura fu soppresso. Lo studio della natura e della natura in senso accademico non era praticato.

Mercoledì l'arte pittorica secolare rifiutava le tendenze realistiche, poiché la natura realistica evocava un sentimento “terreno”, tutto veniva approvato o rifiutato dalla chiesa. Mercoledì Gli artisti secolari non lavoravano dalla natura, ma secondo campioni cuciti su quaderni, erano schizzi di contorno di composizioni di vari lotti di chiese, singole figure, motivi di panneggi, ecc. Erano guidati sia dai dipinti murali che dai dipinti da cavalletto, ecc. j. Le relazioni industriali in questo momento hanno contribuito allo sviluppo del lavoro artigianale e alla creazione di società. Il disegno veniva insegnato da un maestro che non seguiva un sistema rigido o metodi di insegnamento chiari. La maggior parte degli studenti ha studiato da solo, osservando da vicino il lavoro del maestro.

I grandi maestri della Grecia si sono battuti per una vera rappresentazione della natura, gli artisti del Medioevo, obbedendo ai dogmi della chiesa, si sono allontanati dal mondo reale per dedicarsi alla creatività astratta e mistica. Invece dell'affascinante nudità del corpo umano, che ispirò e insegnò agli artisti greci, apparvero tendaggi pesanti, rigorosi e spigolosi, che distraevano gli artisti dallo studio dell'anatomia. Trascurando la vita terrena e preoccupandosi solo dell'aldilà, gli uomini di chiesa consideravano il desiderio di conoscenza la fonte del peccato. Condannarono la conoscenza scientifica del mondo e fermarono ogni tentativo di comprovare le osservazioni della natura.

Gli ideologi delle belle arti medievali rifiutavano le tendenze realistiche non perché fossero contrari all'interpretazione reale delle immagini, ma perché una natura resa realisticamente evocava nello spettatore un sentimento "terreno". Una rappresentazione credibile della forma del mondo reale ispirava gioia nell'anima dello spettatore, e questo andava contro la filosofia religiosa. Quando l'interpretazione reale della forma, talvolta arrivando all'illusoria naturalistica, corrispondeva alla trama religiosa, veniva accolta favorevolmente dalla chiesa. Conosciamo molte opere del Medioevo che si distinguono per caratteristiche realistiche. Assomigliano alle immagini delle persone di quell'epoca.

. Il disegno nel Rinascimento. Gli artisti del Rinascimento e il loro contributo al metodo di insegnamento del disegno (Cennino Cennini, Alberti, Leonardo da Vinci, A. Durer, Michelangelo. Il metodo del taglio. Il metodo del sipario)

Il Rinascimento apre una nuova era non solo nella storia dello sviluppo dell'arte, ma anche nel campo dei metodi di insegnamento del disegno. In questo momento si ravviva il desiderio di un'arte realistica, di una trasmissione veritiera della realtà. I maestri del Rinascimento stanno attivamente intraprendendo il percorso di una visione del mondo realistica, cercando di rivelare le leggi della natura e stabilire una connessione tra scienza e arte. Nella loro ricerca si basano sui risultati dell'ottica, della matematica e dell'anatomia. Gli insegnamenti su proporzioni, prospettiva e anatomia plastica sono al centro dell'attenzione di teorici e professionisti dell'arte.

Durante il Rinascimento fu ripristinato un alto rispetto per il disegno. Il disegno avrebbe dovuto essere studiato da tutti coloro che erano impegnati nell'arte.

La prima opera scientifica - "Trattato della pittura" - appartiene a Cennino Cennini. la base della formazione dovrebbe essere ispirata alla vita. crede giustamente che allo studente sia richiesto un lavoro quotidiano per padroneggiare l'arte. allo stesso tempo presta troppa attenzione alla copia dei disegni dei maestri.

Il prossimo lavoro sul disegno è "Tre libri sulla pittura", realizzato dal più grande architetto fiorentino Leon Battista Alberti. Questa è l'opera più notevole di tutta quella scritta sulla teoria del disegno nel Rinascimento. Trattato sul disegno e sulle regole fondamentali per costruire un'immagine su un piano. Alberti considera il disegno una disciplina scientifica seria che ha leggi e regole altrettanto precise e accessibili allo studio quanto la matematica.

Di particolare valore dal punto di vista pedagogico è l'opera dell'Alberti, che nel suo trattato fornisce alcune disposizioni metodologiche e linee guida per l'insegnamento del disegno. Scrive che l'efficacia dell'insegnamento dell'arte risiede, innanzitutto, nella giustificazione scientifica. Alberti presta grande attenzione allo studio dell'anatomia. Alberti suggerisce di costruire l'intero processo di apprendimento sul disegno dal vero.

Fu il primo a parlare apertamente del significato profondo dell'arte, capì la necessità di arricchire l'arte con l'esperienza della scienza, di avvicinare la scienza ai compiti pratici dell'arte. Alberti è grande come scienziato e come artista umanista.

L'opera più recente nel campo della teoria del disegno è Il libro della pittura di Leonardo da Vinci. Questo libro contiene una varietà di informazioni: sulla struttura dell'Universo, sull'origine e le proprietà delle nuvole, sulla scultura, sulla poesia, sulla prospettiva aerea e lineare. Ci sono anche istruzioni sulle regole del disegno. Leonardo da Vinci non propone nuovi metodi e principi, sostanzialmente ripete disposizioni già conosciute.

Leonardo da Vinci, come Alberti, ritiene che la base del metodo di insegnamento del disegno dovrebbe essere il disegno dal vero. La natura fa sì che lo studente osservi attentamente, studi le caratteristiche strutturali del soggetto dell'immagine, pensi e rifletta, il che a sua volta aumenta l'efficacia dell'apprendimento e suscita interesse per la conoscenza della vita.

Leonardo da Vinci attribuisce grande importanza all'educazione scientifica. Lo stesso Leonardo era impegnato in una seria ricerca scientifica. Quindi, studiando la struttura anatomica del corpo umano, eseguì numerose autopsie di cadaveri e andò in questa materia molto oltre rispetto ai suoi contemporanei.

Leonardo da Vinci fornisce anche giuste linee guida metodologiche per disegnare un oggetto dalla vita. Egli sottolinea che il disegno deve iniziare dall'insieme e non dalle parti. Leonardo presta particolare attenzione al disegno della figura umana. Interessante è il metodo di consolidamento del materiale coperto disegnando a memoria

Tra gli artisti rinascimentali che si occuparono dei problemi del sapere, un posto di rilievo occupa l'artista tedesco Albrecht Dürer. I suoi lavori teorici sono di grande valore, sia nel campo dei metodi didattici che nel campo dei problemi artistici. Gli scritti di Dürer hanno contribuito notevolmente all'ulteriore sviluppo della metodologia dell'insegnamento del disegno. Dürer credeva che nell'arte non si possa fare affidamento solo sui sentimenti e sulla percezione visiva, ma fondamentalmente bisogna fare affidamento sulla conoscenza esatta; era anche preoccupato per le questioni generali della pedagogia, le questioni relative all'insegnamento e alla crescita dei bambini. Tra gli artisti del Rinascimento, pochi ci pensavano.

Quando insegnava il disegno e le leggi per costruire un'immagine realistica degli oggetti su un piano, Dürer proponeva in primo luogo la prospettiva. L'artista stesso ha dedicato molto tempo allo studio della prospettiva. La seconda opera più significativa di Dürer - "La dottrina delle proporzioni umane" - è il frutto delle fatiche di quasi tutta la sua vita. Durer ha riassunto tutti i dati noti su questo problema e ha fornito loro uno sviluppo scientifico, allegando un numero enorme di disegni, diagrammi e disegni. L'artista ha cercato di trovare le regole per costruire la figura umana attraverso prove geometriche e calcoli matematici.

Particolarmente prezioso per la pedagogia artistica è il metodo di generalizzazione della forma sviluppato da Dürer (in seguito chiamato ritaglio). Rappresentare, secondo tutte le regole della prospettiva lineare, la forma di un corpo geometrico semplice, come un cubo, anche per un disegnatore alle prime armi non è particolarmente difficile. È molto difficile dare un'immagine prospettica corretta di una figura complessa, ad esempio una testa, una mano, una figura umana. Ma se generalizzi la forma complessa all'estremo in forme geometriche rettilinee, puoi facilmente far fronte al compito. Il metodo di potatura aiuta il disegnatore alle prime armi a risolvere correttamente i compiti tonali del disegno. Il metodo di analisi e costruzione delle immagini proposto da Dürer ha avuto un effetto sorprendente nell'insegnamento ed è stato utilizzato e sviluppato ulteriormente nella pratica pedagogica degli insegnanti-artisti.

Il loro lavoro nel campo della prospettiva ha aiutato gli artisti ad affrontare il problema più difficile di costruire una forma tridimensionale di oggetti su un piano. Dopotutto, prima di loro non c'erano artisti che potessero costruire un'immagine prospettica di oggetti tridimensionali. Gli artisti del Rinascimento, infatti, furono i creatori di una nuova scienza. Hanno dimostrato la correttezza e la validità delle loro posizioni sia teoricamente che praticamente. Anche i pittori del Rinascimento prestarono molta attenzione allo studio dell'anatomia plastica. Quasi tutti i disegnatori erano interessati alle leggi sul rapporto proporzionale tra le parti del corpo umano. In ogni trattato le proporzioni del volto umano, così come di altre parti del corpo, venivano attentamente analizzate. I maestri del Rinascimento usarono abilmente i dati delle loro osservazioni nella pratica delle belle arti. Le loro opere stupiscono lo spettatore con una profonda conoscenza dell'anatomia, della prospettiva e delle leggi dell'ottica. Mettendo i dati della scienza come base delle belle arti, gli artisti del Rinascimento prestarono particolare attenzione al disegno. Il disegno, hanno detto, contiene tutte le cose più importanti necessarie per un lavoro creativo di successo.

Il metodo per attingere alla natura con l'aiuto di una tenda si basa sul principio della stretta osservanza delle leggi della prospettiva. Affinché l'artista possa osservare rigorosamente un livello di visione costante, e nel disegno - un punto di fuga costante, Alberti ha suggerito di utilizzare un dispositivo speciale - una tenda.

. Il sistema accademico dell'educazione artistica nei secoli XVI-XII (idee pedagogiche di J. A. Comenius, D. Locke, J. J. Rousseau, Goethe)

Alla fine del XVI secolo apparvero nuove direzioni nel campo dell'educazione artistica e dell'educazione estetica, nuovi principi e atteggiamenti pedagogici. Il metodo di insegnamento del disegno iniziò a essere costruito in modo diverso: un secolo nella storia dei metodi di insegnamento del disegno dovrebbe essere considerato come un periodo di formazione del disegno come materia accademica e lo sviluppo di un nuovo sistema di insegnamento pedagogico - accademico. La caratteristica più caratteristica di questo periodo è la creazione di istituzioni educative speciali: accademie di arti e scuole d'arte, dove l'insegnamento del disegno è stato seriamente stabilito.

La più famosa fu l'Accademia delle Arti di Bologna, fondata dai fratelli Carracci. Gli studenti dell'Accademia studiano a fondo l'anatomia, non dai libri, ma sezionando i cadaveri. Carracci ha sviluppato una metodologia didattica in dettaglio, considerando il disegno la base dell'arte. Nelle loro linee guida metodologiche hanno sottolineato che l'artista deve affidarsi ai dati della scienza, alla mente, perché la mente arricchisce il sentimento. le accademie si prefiggono l'obiettivo di impartire una formazione seria nel campo delle belle arti. Educavano i giovani sugli esempi dell'alta arte dell'antichità e del Rinascimento. La tradizione è diventata un tratto caratteristico di tutte le accademie successive. Studiando il patrimonio e percependo la cultura artistica dei loro predecessori, le accademie hanno trasmesso tutto questo alla successiva generazione di artisti, preservando rigorosamente il grande e incrollabile fondamento su cui è stata creata questa tradizione.

Insieme alle accademie statali, continuarono ad esistere scuole private, dove gli studenti ricevevano una formazione professionale abbastanza solida. La bottega del più grande artista fiammingo Peter Paul Rubens (1577-1640) era la più grande e la più ricca di materiale didattico. Nel XVII secolo era la migliore scuola di disegno tra le botteghe private. Gli studenti di Rubens erano artisti famosi ed eccellenti disegnatori. Nell'insegnamento del disegno, Rubens attribuiva particolare importanza alla prova scientifica delle leggi della prospettiva, del chiaroscuro e dell'anatomia plastica.

Per la prima volta dopo Panfilo, l'idea dei benefici del disegno come materia educativa generale fu espressa dal grande insegnante ceco Jan Amos Comenius (1592-1670) nella sua Grande Didattica. È vero, Comenius non ha ancora osato includere il disegno nel curriculum scolastico come materia obbligatoria. Tuttavia, il valore di questi pensieri risiedeva nel fatto che erano strettamente legati a questioni di pedagogia. Il capitolo 21 della Grande Didattica, intitolato "Metodo delle Arti", afferma che per insegnare l'arte si devono osservare tre requisiti: uso corretto; direzione sensata; esercizio frequente.

Comenius, considerando il disegno come una materia educativa generale, non fa nette differenze nei metodi e nei sistemi di insegnamento dell'arte nell'istruzione generale e nelle scuole speciali. Si affida al sistema già consolidato di insegnamento del disegno nelle accademie delle arti, a metodi di insegnamento che si sono giustificati.

Quasi contemporaneamente a Comenius, il valore educativo generale del disegno cominciò ad essere difeso dall'insegnante e filosofo inglese John Locke (1632-1704). Nel suo libro Thoughts on Education, scrive: “Se un ragazzo ha acquisito una calligrafia bella e veloce, allora non dovrebbe solo supportarla con un'attenta pratica di scrittura, ma anche migliorare la sua arte disegnando. Durante il viaggio, il disegno servirà a beneficio del giovane; spesso con poche caratteristiche sarà in grado di rappresentare edifici, automobili, vestiti e altre cose che non possono essere spiegate da descrizioni prolisse. Ma non voglio che diventi pittore; ci vorrebbe più tempo di quello che gli è rimasto da altre attività importanti. Tuttavia, J. Locke non fornisce istruzioni metodologiche sull'insegnamento del disegno, si limita solo a discussioni generali sui vantaggi dell'insegnamento del disegno.

Il filosofo enciclopedista francese Jean Jacques Rousseau (1712-1778) parlò più dettagliatamente del disegno come materia educativa generale. Nel suo libro Emile, Rousseau scrive che per la conoscenza della realtà circostante sono di grande importanza gli organi di senso, che possono essere sviluppati in un bambino insegnandogli ad attingere alla natura. Rousseau sottolinea giustamente che le lezioni di disegno dovrebbero essere svolte in mezzo alla natura, poiché in natura lo studente può vedere chiaramente i fenomeni della prospettiva e comprenderne le leggi. Inoltre, osservando la natura, lo studente coltiva il proprio gusto, impara ad amare la natura, inizia a comprenderne la bellezza. Rousseau ritiene che l'apprendimento del disegno dovrebbe avvenire esclusivamente per natura. A questo proposito Rousseau considera il metodo di insegnamento del disegno più seriamente rispetto ai suoi predecessori. Le idee pedagogiche di Comenio, Locke, Rousseau hanno arricchito significativamente la teoria e la pratica dell'arte. I loro lavori teorici sono serviti da impulso per l'ulteriore sviluppo della pedagogia artistica.

Durante questo periodo, l'autorità dell'Accademia si rafforzò non solo come istituzione educativa, ma anche come precursore dei gusti artistici. Riconoscendo l'arte antica come l'esempio più alto e basandosi sulle tradizioni dell'Alto Rinascimento, quasi tutte le accademie europee iniziano a creare una scuola ideale di belle arti nel senso più ampio del termine. Attingere al sistema di educazione artistica è ancora considerato la base delle basi. Ma imparare a trarre ispirazione dalla natura inizia con lo studio dei campioni classici dell'antichità. Solo uno studio serio delle antiche sculture greche aiuterà un principiante ad apprendere le leggi della natura e dell'arte, solo i campioni classici riveleranno all'artista le idee di bellezza e le leggi della bellezza, sostenevano le accademie.

La posizione sui benefici del disegno come materia educativa generale è stata espressa dal grande insegnante ceco ^ Ya A. Komensky nella sua "Grande didattica". È vero, Comenius non ha ancora osato includere il disegno nel curriculum scolastico come materia obbligatoria. Ma il valore dei suoi pensieri sul disegno era che erano strettamente legati alle questioni pedagogiche. Di particolare valore per noi sono le riflessioni di Comenius sulla necessità di studiare i metodi di insegnamento. Quasi contemporaneamente a Comenio, il valore educativo generale del disegno cominciò a essere difeso dall'insegnante e filosofo inglese John Locke. Tuttavia, non essendo uno specialista, J. Locke non poteva dare istruzioni metodologiche nell'insegnamento del disegno. Si limitò alle discussioni generali sui benefici dell'istruzione: il filosofo-enciclopedista francese ^ Jacques-Jean Rousseau parlò più dettagliatamente del disegno come materia educativa generale. Credeva che il disegno dovesse essere insegnato esclusivamente dalla natura e che un bambino non dovesse avere altri insegnanti oltre alla natura stessa. Johann Wolfgang Goethe ha espresso molti pensieri preziosi sul metodo di insegnamento del disegno. Per padroneggiare l'arte del disegno è necessaria conoscenza, conoscenza e conoscenza, ha detto. Le idee pedagogiche di Comenio, Locke, Rousseau, Goethe hanno arricchito la teoria e la pratica dell'insegnamento del disegno. I loro lavori teorici sono serviti da impulso per l'ulteriore sviluppo del pensiero pedagogico in generale e nel campo dei metodi di insegnamento del disegno in particolare.

. Il ruolo dell'I.G. Pestalozzi nello sviluppo del disegno come materia educativa generale. Allievi e seguaci di J. G. Pestalozzi (I. Schmidt, P. Schmidt, fratelli Dupuis)

Nel XVIII - prima metà del XIX secolo, il disegno iniziò a guadagnare saldamente il suo posto nelle scuole secondarie. L'iniziativa venne avviata dall'insegnante svizzero Johann Heinrich Pestalozzi (1746-1827), non a caso definito dagli insegnanti d'arte il padre della metodologia scolastica. Pestalozzi considera il disegno a scuola una materia educativa generale. Tutta la conoscenza, secondo lui, deriva dal numero, dalla forma e dalla parola. Il primo passo verso la conoscenza è la contemplazione. Per poter pensare correttamente, è necessario considerare correttamente la natura circostante. Il disegno è il modo più perfetto per acquisire questa abilità. Un ruolo speciale, secondo Pestalozzi, dovrebbe spettare al disegno nella scuola elementare. Nel suo diario, che tratta dell'educazione di suo figlio, il disegno occupa il posto principale. Le lezioni giornaliere iniziano con il disegno. Il disegno, sostiene Pestalozzi, dovrebbe precedere la scrittura, non solo perché facilita il processo di padronanza dell'iscrizione delle lettere, ma anche perché è più facile da digerire.

Lo stesso Pestalozzi, secondo i contemporanei, non sapeva disegnare, quindi non dà regole chiare e definite per insegnare il disegno, limitandosi ad osservazioni pedagogiche generali. Ma le sue istruzioni didattiche e le sue idee pedagogiche erano così importanti e vitali che servirono come base per l'ulteriore sviluppo delle tecniche di disegno nelle scuole secondarie.

Pestalozzi attribuisce grande importanza ai metodi di insegnamento. Il successo nell'imparare a disegnare dipende da un sistema adeguatamente costruito, afferma Pestalozzi. Gli artisti pensano poco ai metodi di insegnamento, seguono strade indirette, quindi la loro arte è disponibile solo per l'élite (particolarmente dotata). Tuttavia, a tutti possono essere insegnate le basi del disegno e il disegno, che è di grande importanza educativa generale, dovrebbe prendere il suo posto a scuola insieme ad altre materie accademiche.

Pestalozzi ha delineato in modo completo le sue opinioni sul metodo di disegno nel libro How Gertrude Teaches Her Children. Il merito di Pestalozzi sta anche nel fatto che ha ritenuto necessario farsi guidare dalle caratteristiche di età degli studenti nello sviluppo di un sistema formativo.

Secondo Pestalozzi, inserire il materiale didattico in un sistema coerente, stabilire una stretta connessione tra conoscenze e abilità nel disegno svilupperà sicuramente negli studenti le capacità di applicazione consapevole nel lavoro indipendente.

Pestalozzi ritiene che l'apprendimento del disegno debba avvenire a partire dalla natura, poiché la natura è accessibile all'osservazione, al tatto e alla misurazione. Coerentemente con questo atteggiamento, egli definisce il termine stesso “disegno” come l'instaurazione della forma attraverso la linea; la dimensione della forma, sottolinea, può essere stabilita mediante misurazione precisa. È attingere dalla natura, secondo Pestalozzi, che forma il bambino: basta insegnargli a trarre dalla natura modelli presi dalla vita reale e dalla natura che lo circonda; anche se questi primi contorni sono imperfetti, il loro significato evolutivo è molto maggiore che attingere da imitazioni, cioè da disegni già pronti. Pestalozzi attribuisce grande importanza ai metodi di sviluppo dell'occhio nel disegno. La capacità di misurare è l’ABC dell’osservazione

le sue osservazioni generali sono di grande valore. Il merito di Pestalozzi è che per primo ha unito la scienza dell'insegnamento scolastico con l'arte, sollevando la questione della necessità di uno sviluppo metodologico di ogni posizione del disegno. Credeva che per lo sviluppo dell'occhio dovesse esserci un metodo, per comprendere le forme - un altro, per la tecnologia - un terzo. Questo lavoro è stato svolto dai suoi studenti e seguaci.

Dopo Pestalozzi, il disegno come materia di educazione generale cominciò ad essere introdotto in tutte le scuole elementari. Le idee pedagogiche di Pestalozzi vengono ulteriormente sviluppate. Il primo di questi lavori è il libro "Elementi del disegno secondo le idee di Pestalozzi", scritto dal suo allievo Joseph Schmidt. Quando insegna disegno, I. Schmidt suggerisce di condurre esercizi speciali: sviluppare la mano e prepararla per il disegno; esercizi per creare e trovare belle forme; esercizi per sviluppare l'immaginazione; esercizi nel disegno geometrico di oggetti; in prospettiva.

Per facilitare il lavoro degli studenti, I. Schmidt propone di posizionare dietro la natura un foglio di cartone, sul quale è raffigurata una griglia di quadrati. Disegnando un modello dalla vita, lo studente ha sempre potuto verificare la pendenza e la natura del contorno (silhouette) dell'oggetto rispetto alle linee verticali e orizzontali e le celle hanno aiutato a trovare correttamente le proporzioni. Dopo il corso iniziale di disegno, Schmidt consiglia di passare al disegno artistico, dove lo studente inizia a disegnare una persona, prima da un modello in gesso e poi da un modello vivente. Il corso si conclude con il disegno dal vero di alberi e paesaggi.

Un altro studente di Pestalozzi Ramsauer ha pubblicato un'opera intitolata "Teaching Drawing", in cui per la prima volta ha delineato l'idea di disegnare su una lavagna. Il nuovo metodo era il seguente: tutti i tipi di linee venivano raffigurati su una grande lavagna sotto forma di esercizi preliminari, venivano offerti esercizi per sviluppare l'occhio: disegnare linee su determinati punti, dividere le linee in parti, disegnare linee ad un certo angolo ( pendenza). La fase successiva è stata il disegno di figure geometriche e forme caratteristiche della natura e dell'arte. L'insegnante dovrebbe rappresentare tutto questo sulla lavagna e gli studenti dovrebbero seguire l'emergere e lo sviluppo di ciascuna forma. Il corso si è concluso con il disegno dal vero, prima oggetti domestici, poi teste in gesso e infine una testa vivente.

Le opere dell'insegnante d'arte berlinese Peter Schmid hanno avuto una grande influenza sullo sviluppo della metodologia scolastica. Fu il primo a introdurre nelle scuole di istruzione generale e a sviluppare in dettaglio il metodo del disegno dal vero, utilizzando per questo vari modelli geometrici. Schmid ha avviato lo sviluppo del cosiddetto metodo geometrico. Il merito di Schmid è stato quello di aver sviluppato una metodologia per insegnare il disegno, basata su disposizioni pedagogiche generali. Secondo Schmid, il disegno non è solo un esercizio meccanico della mano, è anche una ginnastica della mente e si esercitano anche l'osservazione, il senso generale della forma e la fantasia. La sequenza dell'insegnamento del disegno, secondo Schmid, dovrebbe essere la seguente: prima l'immagine della forma più semplice - un parallelepipedo, poi l'immagine delle forme curvilinee degli oggetti - e così gradualmente lo studente è portato a disegnare da teste di gesso e busti. Ogni compito condiziona quello successivo, e il successivo presuppone il precedente e si basa su di esso.

Schmid considerava la copiatura delle immagini non solo non arrecata alcun beneficio allo studente, ma addirittura dannosa. Ha detto che copiare aiuta solo ad acquisire abilità meccaniche e non contribuisce minimamente allo sviluppo mentale dei bambini.

nella prima metà dell'Ottocento il metodo dei fratelli Dupuis si diffuse nelle scuole secondarie. La metodologia di insegnamento del disegno di Dupuy è stata costruita come segue: in primo luogo, gli studenti studiano e raffigurano i modelli più semplici (filo) senza fenomeni prospettici - frontalmente, quindi - modelli filo con contrazioni prospettiche. Questo è seguito dal disegno di figure piatte, dopo di che - tridimensionali. La sequenza metodica nel disegnare ciascun gruppo di modelli era la stessa: prima l'immagine frontale del modello, poi la prospettiva.

Il metodo di insegnamento del disegno dei fratelli Dupuis aveva un'altra caratteristica: all'inizio gli studenti disegnavano su lavagne nere con il gesso e quando acquisivano una certa abilità nel disegno passavano a lavorare su carta. Per sviluppare il senso della forma, Dupuis ha introdotto lezioni di modellazione dell'argilla.

Il metodo di insegnamento del disegno dei fratelli Dupuis non ha perso la sua importanza al giorno d'oggi. I modelli separati da lui sviluppati sono utilizzati dagli artisti-educatori. Quindi, insegnanti della facoltà di arte e grafica dell'Istituto pedagogico statale di Mosca. V. I. Lenin, quando insegna disegno secondo il metodo di D. N. Kardovsky, vengono utilizzati i modelli Dupuis.

. Disegno in Russia del XVIII secolo. (Preisler, G. A. Gippius)

Fino al XVIII secolo il metodo principale per insegnare il disegno era il metodo della copiatura. Come materia educativa generale, il disegno a quel tempo non aveva ancora ricevuto un ampio sviluppo, iniziò ad essere introdotto nelle istituzioni educative solo all'inizio del XVIII secolo.

Rafforzando il potere della Russia, le riforme di Pietro 1 provocarono un aumento generale della cultura nel paese. C'era un grande bisogno di persone che potessero realizzare mappe, realizzare disegni e illustrazioni per libri.

Nel 1711, presso la tipografia di San Pietroburgo, Pietro I organizzò una scuola secolare di disegno, dove gli studenti non solo copiarono gli originali, ma disegnarono anche dalla vita.

Gli insegnanti-artisti sono invitati dall'estero, con i quali vengono conclusi i contratti.

Il disegno sta cominciando ad essere ampiamente introdotto nelle istituzioni educative generali. Per la corretta organizzazione della metodologia per insegnare il disegno in queste istituzioni educative, è stato pubblicato il libro di I. D. Preisler "Regole di base o una breve guida all'arte del disegno". È stato il primo metodo serio manuale sul disegno in Russia. Di particolare interesse per noi è il libro di Preisler dal punto di vista metodologico. Il manuale delinea un certo sistema per insegnare il disegno. Il libro dava istruzioni non solo agli artisti alle prime armi, ma anche a coloro che insegnavano disegno.

La formazione secondo il sistema Preisler inizia con la spiegazione dello scopo delle linee rette e curve nel disegno, quindi delle forme e dei corpi geometrici e, infine, delle regole per il loro utilizzo nella pratica. L'autore, con una sequenza metodica, mostra allo studente come, passando dal semplice al complesso, padroneggiare l'arte del disegno.

Qualunque sia l'oggetto che Preisler suggerisce per il disegno, cerca innanzitutto di aiutare lo studente ad affrontare le difficoltà legate all'analisi della forma di un oggetto e alla sua costruzione su un piano. Mostra chiaramente come costruire sistematicamente un'immagine.).

Come la maggior parte degli insegnanti-artisti dell'epoca, Preisler pone la geometria come base per insegnare il disegno. La geometria aiuta il disegnatore a vedere e comprendere la forma di un oggetto e, quando rappresentata su un piano, facilita il processo di costruzione. Tuttavia, avverte Preisler, l'uso delle figure geometriche deve essere abbinato alla conoscenza delle regole e delle leggi della prospettiva e dell'anatomia plastica.

Preisler attribuisce grande importanza alla capacità di padroneggiare il disegno lineare.

Il manuale di Preisler fu molto apprezzato dai suoi contemporanei, fu ristampato più volte sia all'estero che in Russia. A quel tempo non esisteva uno sviluppo metodologico più completo e chiaro del disegno educativo, quindi il lavoro di Preisler in Russia è stato utilizzato per lungo tempo non solo nelle istituzioni educative generali, ma anche nelle scuole d'arte speciali.

Una simile valutazione del metodo Preisler non può essere considerata corretta da un punto di vista storico. Non è un caso che il suo lavoro abbia avuto un così grande successo per un intero secolo, anche se durante questo periodo sono stati pubblicati molti manuali e manuali di disegno diversi sia in Russia che all'estero. Certo, oggi si possono trovare dei difetti nel libro di Preisler, ma per amore della verità storica va sottolineato che per l'epoca era la migliore guida. La conoscenza che lo studente ha ricevuto sulla base dello studio del corso di Preisler lo ha aiutato ad attingere dalla vita futura, così come ad attingere dalla memoria e dall'immaginazione, che è così importante per l'artista.

Così, entro la fine del XVIII secolo, il disegno come materia educativa generale cominciò a diffondersi. In questo momento, la Russia diventa una potenza potente. In connessione con lo sviluppo della vita economica e sociale del paese, la necessità di persone istruite nelle belle arti, che sappiano disegnare e disegnare è aumentata notevolmente.

Appaiono numerosi lavori teorici in cui viene dimostrata la necessità di padroneggiare le abilità grafiche, viene sottolineata l'importanza del disegno come materia educativa generale.

Nel 1844 G. A. Gippius pubblicò l'opera “Saggi sulla teoria del disegno come materia educativa generale”, dedicata al disegno come materia educativa generale. Questo è stato il primo grande lavoro su questo argomento, ha coperto sia questioni teoriche generali di pedagogia e belle arti, sia questioni relative ai metodi di insegnamento del disegno.

Molto è stato fatto in questo periodo nel campo della pubblicazione di vari manuali, manuali e tutorial sul disegno.

Il libro è diviso in due parti: teorica e pratica. La parte teorica delinea le principali disposizioni della pedagogia e delle belle arti. Nella parte pratica viene svelata la metodologia didattica.

Gippius si sforza di comprovare scientificamente e teoricamente ogni posizione del metodo di insegnamento del disegno. In un modo nuovo, considera il processo stesso dell'insegnamento. I metodi di insegnamento, dice Gippius, non dovrebbero seguire un certo schema; diversi metodi di insegnamento possono ottenere buoni risultati. A questo proposito, Gippius anticipa la moderna concezione della metodologia didattica come arte dell'insegnamento. Per imparare a disegnare correttamente, devi imparare a ragionare e pensare, dice Gippius, e questo è necessario per tutte le persone, e questo deve essere sviluppato fin dall'infanzia. Gippius fornisce molti preziosi consigli e raccomandazioni metodologiche nella seconda parte del suo libro. La metodologia didattica, secondo Gippius, dovrebbe basarsi non solo sui dati del lavoro pratico, ma anche sui dati della scienza, e soprattutto della psicologia. Gippius fa richieste molto elevate all'insegnante. L'insegnante non solo dovrebbe sapere ed essere in grado di fare molto, ma anche parlare agli studenti come un attore. Il lavoro di ogni studente dovrebbe essere nel campo visivo dell'insegnante.

Gippius collega strettamente l'offerta di lezioni con attrezzature e materiali con questioni di metodologia.

Il lavoro di G. A. Gippius è stato un contributo significativo alla teoria e alla pratica dell'insegnamento del disegno come materia educativa generale, ha notevolmente arricchito la metodologia di insegnamento.

Uno studio così serio e approfondito dei problemi della metodologia didattica di quel periodo non lo troviamo in nessuno, nemmeno nel più eminente rappresentante del pensiero pedagogico. Tutti si limitavano a presentare le disposizioni teoriche generali della pedagogia, sulle quali dovrebbe essere costruita la metodologia; artisti-insegnanti si sono concentrati sulle regole del disegno. Nel frattempo, la maggior parte degli insegnanti aveva bisogno di rivelare la metodologia stessa dell'insegnamento e, a questo proposito, Gippius svolse un lavoro di grande importanza. Molti studiosi della storia dei metodi di insegnamento del disegno hanno omesso questi punti importanti nei loro scritti.

9. L'educazione artistica nel XIX secolo. Scuole di disegno. "Corso di disegno" e ausili visivi di A. P. Sapozhnikov

Una caratteristica della vita artistica della Russia nel XIX secolo è la ricerca attiva di forme e metodi di educazione artistica e di educazione dei membri della società. A questo proposito si segnala l'apertura di scuole d'arte in diverse città, la pubblicazione di associazioni e organizzazioni artistiche, la promozione delle arti attraverso attività espositive ed editoriali.

Nel 1804 la carta scolastica introduce il disegno in tutte le scuole e palestre distrettuali.

1706-97 c'era una scuola di disegno creata da Peter<#"justify">Il metodo ha rivelato in modo chiaro e semplice le disposizioni più complesse relative alla costruzione di un'immagine tridimensionale su un piano e ha rivoluzionato il lavoro educativo. Poiché il modo migliore per aiutare lo studente a costruire correttamente un'immagine della forma di un oggetto è semplificarlo all'inizio del disegno, per determinare il geometra. la base della forma dell'oggetto, per poi passare alla rifinitura. Il metodo di Sapozhnikov aveva molto in comune con il metodo Dupuis, ma fu pubblicato prima (Sapozhnikov - nel 1834 e Dupuis - nel 1842). Quasi tutti i metodi moderni includono il sistema di A. Sapozhnikov come base.

10. Visioni pedagogiche di P.P. Chistyakova

Caratteristiche della scuola d'arte di disegno P. P. Chistyakov.

P. P. Chistyakov credeva che l'Accademia delle arti del tempo del suo insegnamento (1872-1892) avesse bisogno di riforme e nuovi metodi di lavoro con gli studenti, era necessario migliorare i metodi di insegnamento del disegno, della pittura e della composizione.

Dal 1871 Chistyakov prese parte attiva alla produzione di disegni nelle scuole secondarie.

Il sistema di insegnamento di Chistyakov copriva vari aspetti del processo artistico: il rapporto tra natura e arte, artista e realtà, psicologia della creatività e percezione, ecc. Il metodo di Chistyakov ha allevato non solo un artista-maestro, ma un artista-creatore. Chistyakov attribuiva un'importanza decisiva nel suo sistema al disegno, esortato a penetrare nell'essenza stessa delle forme visibili, a ricreare il loro modello costruttivo convincente sullo spazio condizionale del foglio. Il vantaggio del sistema di insegnamento di Chistyakov era l'integrità, l'unità a livello metodologico di tutti i suoi elementi, il seguito logico da una fase all'altra: dal disegno, al chiaroscuro, poi al colore, alla composizione (composizione).

Attribuiva grande importanza al colore, vedendo nel colore il mezzo più importante di espressione figurativa, rivelando il contenuto dell'opera.

La composizione dell'immagine è il risultato della formazione dell'artista, quando era già in grado di comprendere i fenomeni della vita che lo circondava, di riassumere le sue impressioni e conoscenze in immagini convincenti “Secondo la trama e la tecnica” era l'espressione preferita di Chistyakov.

I metodi di insegnamento del disegno di Chistyakov sono paragonabili a quelli delle famose scuole d'arte di Monaco.

Nel corso dei lunghi anni di insegnamento, Chistyakov ha sviluppato uno speciale "sistema di disegno". Ha insegnato a vedere la natura così come esiste e come sembra, a combinare (ma non mescolare) i principi lineari e pittorici, a conoscere e sentire il soggetto, indipendentemente da ciò che deve essere raffigurato, sia esso un foglio di carta stropicciato, un calco in gesso o una trama storica complessa. In altre parole, le disposizioni principali del “sistema” erano la formula di un “rapporto vivo con la natura”, e il disegno era un modo per conoscerla.

I metodi di Chistyakov, abbastanza paragonabili ai metodi delle famose scuole d'arte di Monaco, la sua capacità di indovinare il linguaggio speciale di ogni talento, l'atteggiamento attento verso qualsiasi talento, hanno dato risultati sorprendenti. La varietà delle personalità creative degli studenti del master parla da sola: sono V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. D. Polenov, I. E. Repin, A. P. Ryabushkin, V. A. Serov, V. I. Surikov e altri.

Analizzando l'attività pedagogica di P. P. Chistyakov, si possono identificare le componenti principali del sistema del suo lavoro, grazie alle quali è stato raggiunto un alto livello di qualità nell'insegnamento del disegno. Consisteva nell'interazione delle seguenti componenti: gli scopi e gli obiettivi dell'insegnamento come punto di partenza per il funzionamento del sistema pedagogico; contenuto scientificamente provato del materiale didattico; l'utilizzo di vari tipi e forme di lezioni di direzione, grazie alle quali le attività degli studenti sono state organizzate nell'assimilazione dell'alfabetizzazione artistica nel disegno; varie forme di controllo, con l'aiuto delle quali sono state prevenute possibili deviazioni dai compiti fissati durante l'esecuzione del disegno; il continuo auto-miglioramento dello stesso P. P. Chistyakov, che mirava principalmente a migliorare l'impatto positivo sugli studenti. Inoltre, parte integrante del sistema di lavoro di Pavel Petrovich Chistyakov è stato costruito il rapporto con gli studenti, che aveva un orientamento umanistico dell'attività, mirato alla comunicazione con i reparti, al dialogo e al rispetto per l'individuo. P. P. Chistyakov (1832-1919) è conosciuto non solo come artista, ma anche come insegnante eccezionale, i cui molti anni di lavoro presso l'Accademia delle arti determinarono in gran parte il destino della scuola di pittura realistica in Russia tra la fine del XIX e l'inizio XX secolo Le opere di Chistyakov erano già riconosciute in epoca sovietica e furono riassunte in una serie di opere di critica d'arte. Nonostante l'esistenza di numerose opere dedicate alle attività di Chistyakov, il suo sistema pedagogico è di natura così rivoluzionaria e non trova analogie nella teoria e nella pratica di altre scuole d'arte nazionali. Chistyakov ha trovato una soluzione audace e coerente ai problemi urgenti dell'arte contemporanea basata non sul rifiuto, ma sul pieno utilizzo delle tradizioni esistenti, che gli ha permesso di creare una scuola. fondamentalmente nuovo, che ha portato alla luce i più grandi maestri della pittura russa della fine del passato - l'inizio di questo secolo. Il sistema di Chistyakov non era un esperimento semplice, anche se di talento, di un insegnante straordinario. Con tutti i suoi aspetti, è stato costruito nella prospettiva dell'arte che esprimeva e serviva. E questa dinamite interna contenuta in esso nell'ulteriore sviluppo della pittura nazionale ha determinato che (le sue disposizioni individuali hanno mantenuto il loro significato anche ai nostri tempi.! Il sistema Chistyakov è scientifico e artistico nel senso più ampio e profondo di questi concetti. Questo sistema si basava su una revisione completa dei metodi didattici preesistenti e allo stesso tempo serviva a sistematizzarli e ripensarli sulla base di nuove premesse ideologiche. Il ruolo principale nel sistema di insegnamento di Chistyakov è stato svolto dal piano pittorico, che era un intermediario tra il naturale e il disegno e aiutava a confrontare l'immagine con la natura. Questo è il motivo per cui Chistyakov ha definito il suo sistema di disegno nel suo insieme "il sistema di controllo del disegno". Considerare il disegno come una materia accademica seria; Chistyakov ha sottolineato che la metodologia del suo insegnamento dovrebbe essere basata sulle leggi della scienza e dell'arte. L'insegnante non ha il diritto di fuorviare lo studente con il suo ragionamento soggettivo, è obbligato a fornire conoscenza affidabile... Le idee di Chistyakov riguardo al rapporto tra insegnante e alunni sono per noi di grande valore. "Un vero, sviluppato, buon insegnante con il bastone di uno studente non è un duetto, in caso di errore, fallimento, ecc., cerca di spiegare attentamente l'essenza di farlo abilmente. Guida lo studente sulla vera strada. " " Quando si insegna a disegnare agli studenti, si dovrebbe cercare di intensificare la loro attività cognitiva. L'insegnante deve dare indicazioni, prestare attenzione alla cosa principale e lo studente deve risolvere questi problemi da solo. Per risolvere correttamente questi problemi, l'insegnante deve insegnare all'allievo non solo a prestare attenzione all'argomento, ma anche a vederne i lati caratteristici. Nel disegno educativo, le questioni dell'osservazione e della conoscenza della natura giocano un ruolo fondamentale. Come l'insegnamento del disegno, Chistyakov divide la scienza della pittura in più fasi. La prima fase è la padronanza della natura figurativa del colore, lo sviluppo della capacità del giovane artista di essere preciso nel determinare la tonalità del colore e nel trovarne la corretta posizione spaziale. La seconda fase dovrebbe insegnare allo studente a comprendere il movimento del colore nella forma come il mezzo principale per trasmettere la natura, la terza - insegnare come risolvere alcuni problemi di trama plastica con l'aiuto del colore. Chistyakov è stato un vero innovatore che ha trasformato la pedagogia in alta creatività. Tenendo conto delle moderne esigenze dell'arte, non solo ha rivisto i singoli punti dell'educazione, ma ha anche rivoluzionato completamente quest'ultima, iniziando con la questione del rapporto tra arte e realtà e finendo con le competenze professionali con le competenze. Il suo sistema di insegnamento ha educato l'artista nel vero senso della parola. La maestria è arrivata come maturità del pittore e non come base artigianale del suo lavoro. Il sistema si basava su una riflessione profondamente realistica e oggettiva del mondo attraverso i sentimenti dell'artista e la sua comprensione della vita. Chistyakov è stato uno dei primi a dimostrare che l'immagine artistica non è una sistematizzazione da parte del pittore di ciò che vede, ma un'espressione della propria esperienza.

. Attingere all'istruzione generale e alle istituzioni educative speciali della Russia nei secoli XVIII-XIX. Metodologia per l'insegnamento del disegno all'Accademia Imperiale delle Arti

L'idea dell'importanza dell'educazione artistica negli istituti di istruzione primaria, secondaria e superiore di varie specializzazioni non artistiche e l'insegnamento sistematico degli studenti in belle arti, insieme ad altre materie di istruzione generale - leggere, scrivere, contare - nella pedagogia russa fu formulato nel XVIII secolo.

Educazione artistica professionale in Russia nel XVIII secolo. poteva essere ottenuto in laboratori privati ​​(I. Argunova, P. Rokotova), presso la Scuola di disegno, organizzata da Pietro I nel 1711 presso la Tipografia di San Pietroburgo. Dal 1758 l'Accademia delle Tre Arti più Nobili è diventata il centro scientifico e metodologico dell'educazione artistica.

la metodologia per insegnare il "disegno" è stata modellata sull'Accademia delle Arti: l'assimilazione delle competenze tecniche nel processo di copia dei campioni. Come originali da copiare da parte degli studenti nelle scuole, sono state utilizzate le Regole fondamentali o una Breve guida all'arte del disegno di I. D. Preisler, il "Corso di disegno" di A. P. Sapozhnikov

Così, entro la fine del XVIII secolo. il disegno come materia educativa generale è diventato molto diffuso. In connessione con il rapido sviluppo dell'industria e della pianificazione urbana, l'aumento del numero di imprese industriali, è aumentata la necessità di persone alfabetizzate nelle belle arti, in grado di disegnare e disegnare, che ha influenzato l'inclusione della materia "Disegno" nei programmi di studio.

L'Accademia delle arti è un istituto di istruzione specializzato superiore, il suo ruolo nella vita della Russia è stato di primo piano. Inizialmente, le accademie d'arte erano studi privati ​​e comunità creative di maestri d'arte, il loro obiettivo era preservare e sviluppare le più alte tradizioni artistiche, guidare la formazione di visioni estetiche, criteri e norme della creatività artistica e creare su questa base una scuola d'arte, educazione professionale.

In Russia, la prima Accademia delle arti fu fondata nel 1757 a San Pietroburgo come "Accademia delle tre arti più nobili": pittura, scultura e architettura. Nel 1764 fu istituita l'Accademia Imperiale delle Arti con annessa una Scuola Educativa. Nel corso della sua storia, l'Accademia di San Pietroburgo è stata il principale centro russo di educazione artistica. I più grandi architetti, scultori, pittori e incisori russi hanno seguito una formazione rigorosa ed esigente presso l'Accademia.

Fin dall'inizio, l'Accademia delle arti non è stata solo un'istituzione educativa ed educativa, ma anche un centro di educazione artistica, poiché organizzava regolarmente mostre. Sotto di lei furono fondati musei e una biblioteca scientifica, che fanno ancora parte della struttura dell'Accademia.

Un importante ambito di attività dell'Accademia delle Arti nel XX secolo. è stata la formazione di critici d'arte e insegnanti di storia dell'arte per musei e istituzioni educative della Russia. Nel 1944, l'Istituto di pittura, scultura e architettura, creato sulla base dell'Accademia russa delle arti, prese il nome dal grande pittore russo I. E. Repin.

Presso l'istituto i rapporti sono stati mantenuti, sviluppati e formati sulla base della continuità della tradizione della scuola di San Pietroburgo. Gli alunni dell'Accademia hanno allevato nuovi studenti di talento e hanno anche portato tradizioni educative nelle città della Russia. Il ruolo dell'Accademia delle arti nello sviluppo dell'educazione artistica russa nella vita della Russia è stato fondamentale.

. Studi sulle belle arti dei bambini tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo (Concetto biogenetico delle belle arti dei bambini e teoria dell'educazione gratuita. K. Ricci, Lamprecht, G. Kershensteiner)

L'educazione artistica è considerata parte della cultura artistica. Il disegno dei bambini fa parte del sottile. cultura e il bambino è il protagonista del processo culturale Considerazione del disegno di un bambino in un aspetto storico, come fenomeno artistico. cultura. suggerisce: 1a analisi in termini di contenuti e modalità di thin. formazione scolastica; 2° posto del bambino e della sua creatività nel sottile. cultura; 3-caratteristiche psicologiche dello sviluppo legato all'età; 4 l'influenza dell'individualità pedagogica - l'interazione dello studente e del suo mentore nell'arte. Il libro di Georg Kershensteiner "Lo sviluppo della creatività artistica del bambino", pubblicato in Russia nel 1914, divenne il primo studio fondamentale sui disegni dei bambini in età scolare dai 6 ai 13 anni. Particolare attenzione è rivolta all'espressione artistica, manifestata nel disegno libero e decorativo a diverse età dei bambini. Lo scopo dello studio era studiare lo sviluppo della capacità di disegno oltre alle sistematiche influenze esterne.

Gli scienziati tedeschi hanno stabilito: la differenziazione dei sessi nel senso del talento artistico; atteggiamenti diversi dei bambini della città e della campagna; connessione dello sviluppo intellettuale con la capacità di un'immagine grafica.

La Russia tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo fu caratterizzata da un crescente interesse per i metodi di insegnamento del disegno sia nelle istituzioni educative speciali che generali.

Ha iniziato a studiare psicologia infantile. Corrado Ricci 1911 Ha attirato l'attenzione sul fatto che i bambini hanno scelto una persona come uno degli oggetti centrali dell'immagine. . Ricci ha paragonato la creatività dei bambini con l'arte delle epoche preistoriche e primitive, che è servita come base per l'applicazione della teoria biogenetica per spiegare lo sviluppo delle belle arti dei bambini. Il confronto della creatività infantile con la storia dell'arte ha portato all'individuazione di fasi evolutive comuni a tutti i bambini, sviluppate negli studi di Kershensteiner 1914, che furono poi interpretate da Lamprecht 1909 come la scoperta di forme del disegno infantile: 1° fase - schemi - scarabocchi informi e primitivi. Il senso della forma e della linea della Fase 2 è un misto di formale e schematico, la Fase 3 è un'immagine credibile: la fase delle sagome e dei contorni. Immagine in plastica a 4 stadi. Kershensteiner ha valutato i disegni dei bambini su basi sociali: urbane o rurali. . ha sostenuto che lo sviluppo dell'immagine deve passare attraverso tutti e 4 i passaggi. Indipendentemente dall'età, deve superare ogni passaggio precedente. La negazione dell'inizio dell'apprendimento ha portato all'assenza di costruzione dell'immagine. Era contrario al metodo geometrico. La teoria dell'istruzione gratuita.

Esplorando i metodi di insegnamento del disegno all'inizio del secolo, bisogna tenere conto del fatto che a quel tempo il disegno includeva: disegno dal vero, decorativo, tematico e conversazioni. Questo periodo sarebbe molto difficile e controverso. La chiarezza e la gravità dell'immagine sono notevolmente ridotte. Appaiono numerosi documenti di ricerca, la psiche del bambino viene studiata. Kershensteiner. Durante questo periodo tutto è misto. Educazione gratuita, disaccordo tra sostenitori del metodo geometrico e naturale e formalisti. i rappresentanti del geometrico difendono la direzione accademica, i rappresentanti del metodo naturale aderiscono alla teoria dell'educazione gratuita. Le lezioni di disegno a scuola iniziarono a essere considerate troppo restrittive. Alcuni teorici dicono che non c'è niente da studiare in una scuola d'arte: dicono che questo è il compito di una scuola d'arte. Introducendo i bambini alle arti visive, è necessario fornire loro maggiori opportunità di creatività indipendente. a questo proposito, nell'attività visiva, non vediamo affatto la differenza di età. Tutte le opere sono ugualmente ingenue e indifese nell'arte, sono tutte accomunate dal termine generale disegno per bambini. In molte scuole, il rigido sistema di insegnamento è rotto, il disegno come materia di educazione generale sta perdendo la sua conoscenza. Picasso ha scritto: che ci viene assicurato che ai bambini dovrebbe essere data la libertà, ma in realtà sono costretti a realizzare disegni infantili. Lo insegnano. L'arte borghese formalista ha avuto la sua influenza sui metodi di insegnamento nelle scuole secondarie. L'intero sistema e la metodologia di insegnamento di questo periodo erano volti a sviluppare l'individualità di ogni studente e l'inviolabilità della sua personalità artistica. La scuola non è necessaria: a scuola l'artista perde le sue qualità naturali. . molti in un disegno rigorosamente realistico vedevano le catene che limitavano le possibilità creative dell'artista. Gli aderenti all'istruzione gratuita erano contrari allo studio accademico della natura, contro la scuola in generale. Tutti, dagli impressionisti agli astrattisti, seguono lo slogan: abbasso la scuola, libertà di creatività. Le correnti formaliste influirono negativamente sulla scuola d'arte e sui metodi di insegnamento del disegno. Separare la forma dal contenuto, negare il significato cognitivo dell'arte, ha portato l'arte al non senso. Ma c'erano scuole e singoli artisti che continuavano a sostenere i principi dell'arte realistica.

A partire dalla seconda metà del XIX secolo la metodologia scolastica cominciò a svilupparsi in modo più approfondito e serio. È vero che durante questo periodo sorsero molte controversie tra i metodisti sui vantaggi di un metodo rispetto a un altro. L'estetica dell'arte ha sempre influenzato il metodo di insegnamento del disegno a scuola. A volte questa influenza fu anche negativa, come, ad esempio, l'influenza dell'arte formalista. Trascuratezza delle basi del disegno realistico, evitamento del mondo reale, rifiuto della scuola: questi sono i principi fondamentali dell'arte formalista che hanno causato gravi danni allo sviluppo di metodi per insegnare il disegno in una scuola di istruzione generale. Il disegno come materia educativa generale sta perdendo il suo significato. L'interesse per il disegno dei bambini è limitato solo allo studio della creatività dei bambini. I critici d'arte cominciano a cantarlo, gli artisti imitano i bambini. Si parla della preservazione dell'immediatezza infantile e ingenua della percezione del mondo, del fatto che l'educazione in generale ha un effetto dannoso sullo sviluppo del bambino.

Entro gli anni '30 20 ° secolo V. principali teorici dell’arte. la genitorialità diventa: in Germania-G. Kershensteiner, in America - J. Dewey, nel nostro paese - A. V. Bakušinsky. Nonostante il diverso approccio al problema da risolvere e la sua diversa interpretazione, sono tutti ispirati dall'idea generale, dall'idea della "libera educazione", dall'affermazione della personalità del bambino con il suo diritto di esprimere i propri sentimenti e pensieri, dalla rimozione dell'insegnante dalla direzione. Padroneggiare l'alfabetizzazione grafica, soprattutto nella fase iniziale dell'istruzione, secondo loro, non è necessario per i bambini. Attingere dalla vita come uno dei mezzi per comprendere il mondo che ci circonda, disegnare come base dell'arte perde ogni anno il suo significato. Alcuni teorici della creatività dei bambini stanno cominciando ad affermare che in una scuola di istruzione generale, ai bambini non dovrebbe essere insegnata l'alfabetizzazione grafica, grafica, questo è un brutto compito. scuole, ma per favorire lo sviluppo estetico complessivo del bambino. Negli anni '50. 20 ° secolo In molte scuole di paesi stranieri, il rigido sistema di insegnamento è rotto e il disegno come materia di educazione generale sta perdendo significato. Il disegno in quanto tale è completamente scomparso, e quindi la metodologia per insegnare il disegno nelle scuole di istruzione generale è scomparsa. Il tema principale di tutti i simposi internazionali è l'educazione estetica, il problema dello sviluppo a tutto tondo di una persona.

. Periodo sovietico dell'educazione artistica. L'educazione artistica nel primo decennio del potere sovietico. Lo stato dell'insegnamento del disegno e delle belle arti nella scuola sovietica degli anni '20 -'30 (Tendenze formalistiche e realistiche nella vita artistica. Accademia russa delle scienze. Formazione del sistema di istruzione grafica superiore. Sistema pedagogico di D. N. Kardovsky)

Prime esperienze La società sovietica tra la fine degli anni '20 e l'inizio degli anni '30 avvertiva delle carenze nel sistema di educazione artistica. Indebolimento dei legami con le tradizioni della scuola accademica di belle arti. All'inizio degli anni '20, in molte scuole, ai bambini non veniva insegnato il disegno corretto e realistico. La direzione astratto-schematica dell'educazione non solo ha negato il significato della metodologia, ma ha anche distorto gli scopi e gli obiettivi dell'insegnamento del disegno in una scuola di istruzione generale. Il disegno non solo non ha dato ai bambini nulla per lo sviluppo mentale, ma ha essenzialmente interferito con la loro educazione estetica. Negli anni '20, nelle scuole venivano sviluppati metodi di disegno in vari settori, ma due di essi erano ampiamente utilizzati: il metodo di sviluppo della "creatività libera" e il metodo di insegnamento "complesso".

Nel nostro Paese sono state create tutte le condizioni per lo sviluppo delle belle arti e dell'educazione artistica. L'abolizione dei ceti, la democratizzazione della scuola, la separazione della scuola dalla chiesa portarono alla ristrutturazione di tutta l'istruzione scolastica. Agli operatori della pubblica istruzione fu affidato il compito di ristrutturare contenuti, forme e metodi dell'insegnamento. Un rappresentante di spicco della "libera educazione" e della teoria biogenetica alla base di essa fu A. V. Bakushinsky. Tra la fine degli anni '20 e l'inizio degli anni '30, i metodi formalisti iniziarono a essere sottoposti a critiche eque. La revisione dei contenuti dei programmi e dei programmi ha portato ad una ristrutturazione delle modalità di insegnamento del disegno a scuola. Il programma del 1931 era basato sul disegno della natura. Insieme ad esso, il programma ha assegnato un posto al disegno su temi, secondo l'idea, al disegno decorativo. Grande importanza è stata attribuita alle conversazioni sull'arte. La scuola d'arte ostacolava l'arte realistica. È stata sollevata la questione della creazione di una nuova accademia delle arti. Una linea ferma nella costruzione di una nuova scuola, un nuovo sistema di insegnamento richiedevano che si prestasse seria attenzione alla formazione del personale docente. Nel 1937 furono aperti l'Istituto di pittura, scultura e architettura di Leningrado e l'Istituto di belle arti di Mosca. In queste istituzioni educative, il disegno accademico ha preso un posto di primo piano. La maggior parte degli insegnanti-artisti giunge alla conclusione che il disegno dalla natura dovrebbe essere la base di qualsiasi metodo di insegnamento, che garantisca un'elevata formazione professionale degli artisti.

Kardovsky D. N. - ha dato un grande contributo alla metodologia, ha incoraggiato gli studenti a costruire una forma tridimensionale su un piano e ad analizzarla. All'inizio del disegno, devi sforzarti di spezzare l'intera figura su un piano, tagliare la forma, finché non emerge una forma grande, non è necessario disegnare i dettagli. Particolarmente importante è la connessione costruttiva tra le parti delle forme degli oggetti. Kardovsky era contrario allo schizzo insensato del chiaroscuro. Kardovsky difese coraggiosamente le posizioni dell'arte realistica e protesse i giovani dall'influenza del formalismo. Grazie alle sue ferme convinzioni, a un sistema di insegnamento del disegno chiaro e metodicamente sviluppato, Kardovsky aveva un gran numero di studenti e ardenti seguaci.

. Formazione del sistema di istruzione artistica e grafica superiore. Lo stato dell'insegnamento del disegno e delle belle arti nella scuola sovietica dagli anni '40 agli anni '60 del XX secolo (Lavori di ricerca nel campo dell'attività visiva dei bambini - N. N. Volkov, L. S. Vygotsky, E. I. Ignatiev, V. I. Kirienko, V. S. Kuzin)

Dopo la Grande Guerra Patriottica, nel nostro paese l'educazione artistica è stata riformata. Il 5 agosto 1947 fu adottata una risoluzione del Consiglio dei ministri dell'URSS "Sulla trasformazione dell'Accademia delle arti tutta russa nell'Accademia delle arti dell'URSS". Il governo incaricò l'Accademia delle Arti di sviluppare costantemente le belle arti sovietiche in tutte le sue forme sulla base "della coerente attuazione dei principi del realismo socialista e dell'ulteriore sviluppo delle migliori tradizioni artistiche progressiste dei popoli dell'URSS, e, in particolare, la scuola realistica russa." Ciò testimonia la maturità della pedagogia artistica sovietica, che disponeva di tutti i dati per migliorare ulteriormente i metodi di insegnamento delle belle arti. Durante questo periodo il disegno cominciò ad essere riconosciuto come la base delle belle arti. La sua formazione dovrebbe iniziare il prima possibile. Di norma, l'inizio dovrebbe precedere lo studio della pittura e della scultura. Il sistema di insegnamento del disegno deve necessariamente includere "il disegno regolare di un nudo in posa in un ambiente appositamente creato per questo, senza perseguire altri obiettivi se non l'acquisizione di padronanza nel disegno", cioè il disegno specificamente "accademico". Per razionalizzare il lavoro metodologico nelle scuole negli anni '50, nacque l'idea di creare libri di testo speciali sul disegno. In precedenza, i libri di testo di disegno per le scuole secondarie non venivano pubblicati né in Russia né all'estero. Dal 1959 è stata creata una rete di facoltà artistiche e grafiche presso gli istituti pedagogici.

N. Yu. Vergiles, N. N. Volkov, V. S. Kuzin, V. P. Zinchenko, E. I. Ignatiev e altri hanno dedicato le loro opere allo studio dei problemi della percezione nel processo dell'attività visiva. In queste opere, la percezione è definita come la capacità creativa di isolare un oggetto dal suo ambiente, comprendere i dettagli più significativi, le caratteristiche caratteristiche dell'oggetto, nonché l'individuazione delle relazioni strutturali che portano alla creazione di un'immagine chiara.

. La scuola russa e la pedagogia artistica dagli anni '60 ad oggi (E. I. Shorokhov, T. Ya. Shpikalova, V. S. Shcherbakov, B. M. Nemensky, M. N. Sokolnikova, Yu. A Poluyanov, B. P. Yusov)

La Russia tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo fu caratterizzata da un crescente interesse per i metodi di insegnamento del disegno sia nelle istituzioni educative speciali che generali. Preisler - "Regole di base o una breve guida al disegno artistico" È stato pubblicato in due lingue, tedesco e russo. Delinea un certo sistema di insegnamento del disegno. Il libro ha fornito indicazioni ad artisti e insegnanti. Inizia spiegando lo scopo di disegnare linee rette e curve, poi il geom. figure e organismi, le regole per il loro utilizzo nella pratica. La geometria è la base per insegnare il disegno. Tuttavia l’uso delle figure geometriche deve essere abbinato all’applicazione delle regole e delle leggi dell’anatomia plastica prospettica. Nel suo libro fornisce molti aiuti visivi. Attribuisce grande importanza al modello lineare. Nel 1834, A.P. Sapozhnikov pubblicò il "Corso di disegno" - il primo libro di testo per istituzioni educative, compilato da un artista russo. Il corso di disegno è iniziato con un'introduzione a varie linee, angoli e poi forme geometriche. Il valore del metodo di Sapozhnikov risiedeva nel fatto che si basava sul disegno dal vero e sull'analisi della sua forma. Il nuovo metodo proposto da Sapozhnikov trovò ampia applicazione, fino alla pubblicazione del suo libro, regnò la copia dell'originale. Ho utilizzato il metodo per semplificare il modulo nella fase iniziale del disegno. L'insegnante dovrebbe spiegare verbalmente gli errori dello studente. G. A. Gippius pubblica il libro "Saggi sulla teoria del disegno come argomento generale", in cui erano concentrate tutte le idee avanzate della pedagogia. Il libro è diviso in due parti: teorica e pratica. Nel libro, teoricamente conferma ogni posizione della metodologia di insegnamento. La metodologia non dovrebbe essere un modello, ma dovrebbe basarsi su dati pratici e scientifici. Chistyakov ha avuto una grande influenza sullo sviluppo dei metodi di insegnamento e sulle sue idee sul rapporto tra insegnante e studenti, che consisteva nel conoscere lo studente, il suo carattere e la sua preparazione, trovare un approccio con lo studente e insegnargli a guardare correttamente la natura .

Vladimir Sergeevich Kuzin - Membro corrispondente dell'Accademia Russa dell'Educazione, Dr. Ped. scienze, professore. Nel suo programma il posto di primo piano è dato al disegno dalla vita, cioè all'insegnamento della visione degli oggetti e dei fenomeni così come esistono. È a capo del gruppo di autori del programma statale sulle belle arti.

Boris Mikhailovich Nemensky - artista, insegnante, vincitore, premio statale, membro corrispondente dell'Accademia delle Scienze Pedagogiche. La sua metodologia si basa sul mondo interiore del bambino, sui suoi sentimenti, emozioni, percezioni. il mondo intorno attraverso l'anima del bambino. Al momento, alcune scuole sono impegnate in questo programma chiamato Belle Arti e Lavoro Artistico. Metodi di insegnamento delle belle arti nelle istituzioni educative in attualmente in fase di sviluppo molto intenso. Molti sviluppi interessanti in questo senso autori come E. I. Kubyshkina, V. S. Kuzin, T. S. Komarova, B. M. Nemensky, E. E. Rozhkova, N. N. Rostovtsev, N. M. Sokolnikova, E. V. Shorokhov, A. S. Khvorostov, T. Ya. arti popolari e decorative. Libri di testo pubblicati per la prima volta dopo anni nelle arti visive per le scuole primarie e secondarie.

. Prospettive per l'educazione artistica e l'educazione estetica dei bambini

Natalya Mikhailovna Sokolnikova è una moderna insegnante-metodologa che ha combinato nelle sue opere tutto il meglio dei metodi di insegnamento delle belle arti apparsi negli ultimi anni. Presta attenzione anche al disegno dalla vita e ai DPI, nonché allo sviluppo emotivo degli studenti. L'educazione artistica degli scolari è il processo di acquisizione da parte dei bambini di un insieme di conoscenze, abilità e formazione di atteggiamenti di visione del mondo nel campo dell'arte e della creatività artistica. L'educazione artistica degli scolari è il processo di sviluppo nei bambini della capacità di sentire, comprendere, valutare, amare l'arte e goderne; l'educazione e l'educazione artistica sono inseparabili dall'incoraggiare i bambini all'attività artistica e creativa, alla creazione di valori estetici, compresi quelli artistici. L'educazione estetica in una scuola secondaria è un processo mirato di formazione di una personalità creativamente attiva, capace di percepire e valutare i fenomeni belli, perfetti, armoniosi e altri fenomeni estetici nella vita, nella natura, nell'arte, dal punto di vista della comprensione dell'ideale che è a lei accessibile, per vivere e creare “secondo le leggi della bellezza”. Il sistema di educazione artistica ed estetica in una scuola di istruzione generale è un processo vivace, mirato e organizzato di educazione artistica ed estetica, sviluppo ed educazione dei bambini, tenendo conto dell'età degli studenti, basato su una combinazione di principi metodologici moderni. Il sistema di educazione estetica degli studenti della scuola primaria è costruito tenendo conto delle caratteristiche psicologiche e pedagogiche legate all'età dei bambini. Sia che si tratti dei requisiti per un ideale morale ed estetico, del gusto, dei giudizi estetici che dovrebbero essere caratteristici di uno studente più giovane, dell'adolescente, della gioventù, o della natura, dei generi, dei criteri per valutare l'attività creativa (compresa quella artistica e creativa), ogni volta il requisito ottimale e la soluzione del problema dovrebbero essere correlati alle capacità di età del bambino. L'educazione estetica armonizza e sviluppa tutte le capacità spirituali di una persona, necessarie in varie aree della creatività. È strettamente connesso con l'educazione morale, poiché la bellezza agisce come una sorta di regolatore delle relazioni umane. Grazie alla bellezza, una persona spesso raggiunge intuitivamente il bene.

L'educazione estetica, la conoscenza delle persone con il tesoro della cultura e dell'arte mondiale - tutto questo è solo una condizione necessaria per raggiungere l'obiettivo principale dell'educazione estetica - la formazione di una personalità olistica, un'individualità sviluppata in modo creativo, che agisce secondo le leggi della bellezza.

L'educazione estetica viene effettuata in tutte le fasi dello sviluppo dell'età dell'individuo. Quanto prima una persona entra nella sfera dell'influenza estetica mirata, tanto più motivo di sperare nella sua efficacia. . L'esperienza acquisita attraverso la comunicazione e l'attività forma nei bambini in età prescolare un atteggiamento estetico elementare nei confronti della realtà e dell'arte.

Il sistema di educazione estetica è chiamato a insegnare a vedere la bellezza attorno a sé, nella realtà circostante. Affinché questo sistema possa influenzare il bambino nel modo più efficace e raggiungere il suo obiettivo, B. M. Nemensky ha individuato la seguente caratteristica: “Il sistema di educazione estetica dovrebbe essere, prima di tutto, unificato, unendo tutte le materie, tutte le attività extrascolastiche, l'intero sociale vita dello studente, dove ogni materia, ogni tipo di occupazione ha il suo compito chiaro nella formazione della cultura estetica e della personalità dello studente. Ma ogni sistema ha un nucleo, un fondamento su cui poggia. Possiamo considerare l'arte come una base nel sistema di educazione estetica: musica, architettura, scultura, pittura, danza, cinema, teatro e altri tipi di creatività artistica. La ragione di ciò ce la hanno data Platone e Hegel. Sulla base delle loro opinioni, è diventato un assioma che l'arte è il contenuto principale dell'estetica come scienza e che la bellezza è il principale fenomeno estetico. L’arte racchiude un grande potenziale per lo sviluppo personale.

La bellezza dà piacere e piacere, stimola l'attività lavorativa, rende piacevole l'incontro con le persone. Il brutto respinge. La tragicità insegna la compassione. Il fumetto aiuta a combattere le carenze.

Uno dei veri bisogni umani è il bisogno di bellezza come naturale desiderio umano di armonia, integrità, equilibrio e ordine. Il fatto che questo sia proprio il bisogno vitale di una persona è evidenziato dai risultati della ricerca degli antropologi, i quali hanno scoperto che a un certo stadio dello sviluppo del cervello umano, aveva semplicemente bisogno di impressioni ed esperienze estetiche che contribuivano alla formazione di una percezione olistica in una persona, sia del mondo che di se stesso. Conoscendo l'effetto educativo, educativo e di sviluppo delle impressioni estetiche, i saggi dei tempi antichi consigliavano di circondare la crescita di un bambino con bellezza e bontà, la crescita di un giovane - con bellezza e sviluppo fisico, la crescita della giovinezza - con bellezza e insegnamento. La bellezza dovrebbe essere presente in tutte le fasi della formazione di una persona, contribuendo al suo sviluppo e miglioramento armoniosi. La bellezza, infatti, insieme alla verità e alla bontà, agisce invariabilmente come parte della triade originaria dei valori, che rappresentano i fondamenti fondamentali dell'essere.

Lo stesso iniziale e vero è il bisogno umano di creatività, autoespressione, affermazione di sé nel mondo introducendone uno nuovo da lui creato. È la posizione creativa che fornisce a una persona la stabilità della sua esistenza, perché consente di rispondere in modo adeguato e tempestivo a tutte le nuove situazioni nel mondo in continua evoluzione. La creatività è un'attività libera alla quale una persona non può essere costretta: può creare solo a causa di un bisogno interno di creatività, di un impulso interno, che agisce come un fattore più efficace, di cui qualsiasi pressione o coercizione esterna.

Qui si scopre che molti dei veri bisogni umani sono di natura estetica o includono una componente estetica necessaria. Dopotutto, in termini di restituzione di una persona alla sua vera natura, al vero essere, alla realizzazione dei suoi reali bisogni, non l'ultimo posto spetta alla cultura estetica e all'educazione estetica che ad essa conduce (anche se non necessariamente la fornisce) e all'educazione estetica. L'atteggiamento estetico nei confronti del mondo è sempre esistito come comportamento onnicomprensivo, universale e puramente umano, e la valutazione estetica è la più olistica, come se completasse la percezione di un oggetto nella pienezza della sua donazione e connessione con l'ambiente. .

Il ruolo dell'educazione estetica nella formazione di una posizione creativa è che non solo contribuisce allo sviluppo dei sentimenti, alla formazione della sensibilità umana e al suo arricchimento, ma anche illumina, sostanzia - razionalmente ed emotivamente - la necessità di un atteggiamento creativo nei confronti il mondo. È l'educazione estetica che mostra il ruolo dei sentimenti estetici nel plasmare l'immagine del mondo e sviluppa questi sentimenti.

. La metodologia come scienza. Metodi e tecniche per l'insegnamento delle belle arti nella scuola secondaria

La metodologia è sia una combinazione di esperienza accumulata, nuovi approcci e ricerca di mezzi per lo sviluppo spirituale ed emotivo degli studenti e dell'insegnante stesso. E quindi i metodi di insegnamento sono molto probabilmente un sistema di attività unificata dell'insegnante e degli studenti nel padroneggiare una certa parte del contenuto del programma. È realizzato mediante tecniche, azioni specifiche dell'insegnante e dello studente, varie forme della loro comunicazione.

Per metodo di insegnamento intendiamo il modo in cui l'insegnante lavora con gli studenti, con l'aiuto del quale si ottiene una migliore assimilazione del materiale didattico e si aumenta il rendimento scolastico. La scelta dei metodi di insegnamento dipende dagli obiettivi di apprendimento e dall'età degli studenti.Il metodo di insegnamento (da altro - modo greco) è il processo di interazione tra insegnanti e studenti, a seguito del quale il trasferimento e l'assimilazione di conoscenze, competenze e abilità fornite dal contenuto della formazione. Ricevimento della formazione (ricevimento dell'insegnamento) - interazione a breve termine tra l'insegnante e gli studenti, finalizzata al trasferimento e all'assimilazione di conoscenze, abilità, abilità specifiche. Secondo la tradizione consolidata nella pedagogia domestica, i metodi di insegnamento sono divisi in tre gruppi: - Metodi per organizzare e implementare attività educative e cognitive: 1. Verbale, visivo, pratico (secondo la fonte della presentazione del materiale educativo). 2. Riproduttivo esplicativo e illustrativo, ricerca, ricerca, problema, ecc. (secondo la natura dell'attività educativa e cognitiva). 3. Induttivo e deduttivo (secondo la logica della presentazione e della percezione del materiale didattico): - Metodi per monitorare l'efficacia dell'attività educativa e cognitiva: verifiche orali, scritte e autotest dell'efficacia della padronanza di conoscenze, abilità e abilità; - Metodi per stimolare l'attività educativa e cognitiva: alcuni incentivi nella formazione della motivazione, senso di responsabilità, obblighi, interessi nel padroneggiare conoscenze, abilità e abilità. Nella pratica dell'insegnamento esistono altri approcci alla definizione dei metodi di insegnamento, che si basano sul grado di consapevolezza della percezione del materiale educativo: passivo, attivo, interattivo, euristico e altri. Queste definizioni richiedono ulteriori chiarimenti, poiché il processo di apprendimento non può essere passivo e non è sempre una scoperta (eureka) per gli studenti. Il metodo passivo è una forma di interazione tra studenti e insegnante, in cui l'insegnante è l'attore principale e gestore della lezione, e gli studenti agiscono come ascoltatori passivi, soggetti alle direttive dell'insegnante. La comunicazione tra l'insegnante e gli studenti nelle lezioni passive viene effettuata attraverso sondaggi, indipendenti, test, test, ecc. Dal punto di vista delle moderne tecnologie pedagogiche e dell'efficacia dell'apprendimento del materiale didattico da parte degli studenti, il metodo passivo è considerato il più inefficace , ma, nonostante ciò, ha anche dei pro. Questa è una preparazione relativamente semplice per la lezione da parte dell'insegnante e l'opportunità di presentare una quantità relativamente grande di materiale didattico in un periodo di tempo limitato della lezione. Considerati questi vantaggi, molti insegnanti preferiscono il metodo passivo ad altri metodi. Va detto che in alcuni casi questo approccio funziona con successo nelle mani di un insegnante esperto, soprattutto se gli studenti hanno obiettivi chiari volti ad uno studio approfondito della materia. La lezione frontale è il tipo più comune di lezione passiva. Questo tipo di lezione è molto diffuso nelle università, dove studiano adulti, persone pienamente formate con obiettivi chiari per approfondire la materia. Il metodo attivo è una forma di interazione tra studenti e insegnante, in cui l'insegnante e gli studenti interagiscono tra loro durante la lezione e gli studenti qui non sono ascoltatori passivi, ma partecipanti attivi alla lezione. Se in una lezione passiva l'insegnante era l'attore principale e il manager della lezione, allora qui l'insegnante e gli studenti sono su un piano di parità. Se i metodi passivi implicano uno stile di interazione autoritario, i metodi attivi suggeriscono maggiormente uno stile democratico. Molti tra metodi attivi e interattivi mettono lo stesso segno, tuttavia, nonostante la generalità, presentano differenze. I metodi interattivi possono essere considerati la forma più moderna di metodi attivi Metodo interattivo (Interattivo ("Inter" è reciproco, "agire" è agire) - significa interagire, essere in una conversazione, dialogare con qualcuno. In altre parole, a differenza metodi attivi, quelli interattivi si concentrano su una più ampia interazione degli studenti non solo con l'insegnante, ma anche tra loro e sul predominio dell'attività degli studenti nel processo di apprendimento. Il posto dell'insegnante nelle lezioni interattive è ridotto al direzione delle attività degli studenti per raggiungere gli obiettivi della lezione.L'insegnante sviluppa anche un programma di lezione (di solito si tratta di esercizi e compiti interattivi durante i quali lo studente studia il materiale).Pertanto, i componenti principali delle lezioni interattive sono esercizi interattivi e compiti eseguiti dagli studenti. Una differenza importante tra gli esercizi interattivi e i compiti da quelli ordinari è che quando li eseguono, gli studenti non solo e non tanto rafforzano il materiale già appreso quanto ne imparano di nuovi.

. Scopi e obiettivi dell'insegnamento delle belle arti nella scuola secondaria

Lo sviluppo di una personalità creativa, le sue capacità artistiche sono direttamente correlate allo scopo e agli obiettivi dell'insegnamento della materia artistica.

Il suo SCOPO principale è familiarizzare con la cultura spirituale come un modo per trasferire i valori umani universali di generazione in generazione, con la percezione e la riproduzione dei quali, nella sua attività, avviene l'autosviluppo creativo e morale di una persona, l'integrità di il suo mondo interiore è preservato. Quindi, unendosi alla cultura spirituale, una persona si unisce contemporaneamente alla sua essenza naturale, sviluppando le sue capacità di base - universali: al pensiero olistico e fantasioso; all'empatia con il mondo esterno; all'attività creativa.

La realizzazione di questo obiettivo è effettuata dall'educazione estetica di una persona mediante l'arte e la pedagogia artistica. Si basano sull'educazione artistica e sull'attività artistica. Solo nella loro totalità possiamo immaginare la realizzazione degli obiettivi dell'educazione estetica. Questi sono due modi diversi di sviluppare la coscienza umana, che non si sostituiscono, ma si completano a vicenda.

I criteri per valutare lo sviluppo creativo di una persona nel campo dell'educazione estetica vengono rivelati in conformità con i compiti di formare una persona armoniosamente sviluppata. Tre direzioni interconnesse in esso: A) la preservazione dell'integrità morale dell'individuo; B) lo sviluppo del suo potenziale creativo; C) garantire la correlazione armoniosa delle caratteristiche sociali e uniche in esso.

Tutto ciò si realizza naturalmente nell'attività artistica dell'uomo.

Il bambino nella sua attività cognitiva e creativa ne assimila innanzitutto il significato, associato ad un atteggiamento emotivo e valutativo nei confronti della vita. L'arte è un mezzo di accumulazione, concentrazione di quell'esperienza di vita dell'umanità, che è connessa ai compiti di sviluppo del potenziale morale e creativo delle persone. Pertanto, uno degli obiettivi principali dell'arte è, basato sulle forze universali dell'uomo, sviluppare il suo ideale morale, atteggiamenti creativi, emozioni estetiche e sentimenti.

Il programma artistico della scuola prevede 4 tipi principali di lavoro: disegno dal vero, disegno tematico, disegno decorativo, conversazioni sull'arte, che sono strettamente correlati e si completano a vicenda nella risoluzione dei compiti stabiliti dal programma.

I compiti delle lezioni d'arte includono: Sviluppare la percezione visiva degli studenti. Sviluppare la capacità di osservare, stabilire somiglianze e differenze, classificare gli oggetti in base alla forma e alla consistenza. Coltivare capacità estetiche e artistiche, insegnare a disegnare dalla natura, su temi, eseguire illustrazioni e disegni decorativi, sviluppare abilità grafiche e pittoriche. Sviluppare il pensiero mentale e astratto.

Il tipo principale di disegno è la fig. dalla natura un gatto. porta allo sviluppo generale di una persona - sviluppa l'immaginazione, il pensiero mentale, spaziale e astratto, l'occhio, la memoria.

Corso scolastico d'arte. l’arte mira a:

Preparare membri della società istruiti e a tutto tondo,

Educare esteticamente i bambini, sviluppare il loro gusto artistico.

Aiuta i bambini a conoscere il mondo che li circonda. osservazione, abituare a pensare in modo logico, a realizzare ciò che si è visto.

Insegnare l'uso del disegno nelle attività lavorative e sociali

Fornire agli studenti le conoscenze di base del disegno realistico. Instillare abilità e abilità nelle belle arti, conoscere i metodi tecnici di lavoro di base.

Sviluppare le capacità creative ed estetiche degli studenti, sviluppare il pensiero spaziale, la rappresentazione figurativa e l'immaginazione.

Far conoscere agli scolari le eccezionali opere d'arte russa e mondiale. Per instillare interesse e amore per l'arte. attività.

Il tema dei metodi di insegnamento delle belle arti è strettamente correlato alle discipline speciali, psicologiche e pedagogiche. La metodologia come materia di studio considera le caratteristiche del lavoro dell'insegnante con gli studenti. La metodologia è intesa come un insieme di metodi razionali di formazione e istruzione. Questo è un dipartimento speciale di pedagogia, che studia le regole e le leggi della costruzione del processo educativo. La metodologia può essere generale, considerando metodi di insegnamento inerenti a tutte le materie e privati ​​- metodi e tecniche utilizzati nell'insegnamento di qualsiasi materia.

La metodologia dell'insegnamento delle belle arti come scienza generalizza teoricamente l'esperienza pratica, offre metodi di insegnamento che si sono già giustificati e danno i migliori risultati. Lo scopo del corso è formare i fondamenti e la coscienza professionale e pedagogica di un insegnante di belle arti. Obiettivo del corso è la conoscenza della storia, della teoria, dei metodi della ricerca scientifica nel campo dell'insegnamento delle belle arti, l'acquisizione di capacità intellettuali e pratiche per risolvere i problemi dell'insegnamento delle belle arti, creando le basi per la successiva formazione di un approccio creativo alle attività di un insegnante di belle arti, la formazione di un interesse sostenibile per la professione di insegnante di belle arti. Per metodo di insegnamento si intende il modo in cui l'insegnante lavora con gli studenti, in cui si ottiene la migliore assimilazione del materiale didattico e si aumenta il rendimento accademico.

Il metodo di insegnamento consiste in metodi di insegnamento separati: - secondo la fonte di acquisizione della conoscenza (visiva, pratica, verbale, gioco) - secondo il metodo di acquisizione della conoscenza (riproduttivo, ricettivo alle informazioni, ricerca, euristico) - secondo la natura dell'attività (modalità di organizzazione e realizzazione delle attività educative e cognitive, metodo di controllo e autocontrollo, metodo di stimolazione e motivazione dell'apprendimento) - per tipo di occupazione

Classi di belle arti dai gradi 1-9. Compito delle lezioni è insegnare a disegnare dalla natura, su temi, a eseguire illustrazioni e disegni decorativi, a sviluppare abilità grafiche e pittoriche. Il tipo principale di disegno nelle belle arti è il disegno dalla natura: sviluppa il pensiero mentale e astratto, è un metodo di educazione visiva, insegna a pensare, conduce osservazioni intenzionali, suscita interesse per l'analisi della natura, preparando così lo studente per ulteriori lavoro educativo.

Il disegno tematico: l'immagine dei fenomeni del mondo circostante e l'illustrazione di opere letterarie svolgono un ruolo importante nello sviluppo dell'immaginazione creativa. La maggior parte dei disegni sull'argomento sono accompagnati da schizzi e schizzi dalla vita. Sviluppa il pensiero fantasioso, l'immaginazione, l'indipendenza nel lavoro, la perseveranza.

Il DPI è strettamente legato al disegno dalla natura. Nelle lezioni del DPI i bambini conoscono le basi del design artistico, studiano la creatività ornamentale dei popoli. Il disegno decorativo sviluppa il gusto estetico e artistico, sviluppa capacità creative. Caratteristica specifica di DPI è l'elaborazione decorativa di forme raffigurate dal vero. Il design decorativo viene eseguito sulla base di determinate regole e leggi, conformità, simmetria, combinazioni di colori.

Conversazione sull'arte In queste lezioni, i bambini conoscono la vita e il lavoro di maestri eccezionali, sviluppano la percezione estetica, il gusto artistico, ricevono una conoscenza di base dell'arte straniera e russa

) BM Nemensky "Belle arti e lavoro artistico" (classi 1-9) Scopo: la formazione della cultura artistica tra gli studenti, come parte integrante della cultura spirituale, creata da molte generazioni.

Contenuti e sposi: un'introduzione alla cultura peggiore, compreso lo studio delle principali forme d'arte. arti: (pittura, grafica, scultura), DPI (arte popolare, artigianato popolare, arte decorativa moderna). vengono introdotte attività di gioco sull'argomento, connessione con la musica, storia, lavoro. Per sperimentare la comunicazione creativa, nel programma vengono introdotti compiti collettivi. La pratica implica un alto livello di formazione teorica dell'insegnante. Nemensky B. M. “Belle arti e lavori artistici gradi 1-9. » I compiti da lui stabiliti mirano allo sviluppo estetico degli studenti, aumentando l'interesse per le belle arti, sviluppando l'immaginazione e l'osservazione, realizzando le capacità creative degli studenti, mirati allo studio della cultura tradizionale russa. È un corso olistico integrato che comprende tutte le principali tipologie: pittura, grafica, scultura, arte decorativa popolare, architettura, design, intrattenimento e arti cinematografiche. Include tre tipi di sottile. attività: costruttiva (architettura, design), visiva (pittura, grafica, scultura), decorativa applicata. Il nucleo semantico del programma è il ruolo dell'arte nella vita della società. C'è una connessione con la musica, la letteratura, la storia, il lavoro. Ai fini dell'esperienza. Per le lezioni collettive è prevista comunicazione. Grado 1 “Descrivi, decori, costruisci” una forma di comunione ludica e figurativa. Grado 2 - "Tu e l'arte" Grado 3 "L'arte intorno a noi" familiarizzazione con la cultura della tua gente. Grado 4 - "Ogni nazione è un artista". La progettazione del programma: La prima fase è la scuola elementare, il piedistallo di tutta la conoscenza, la seconda fase è la connessione della vita con tipi e generi d'arte. La terza fase è l'arte mondiale.

) V. S. Kuzin "Belle arti" (classi 1-9)

Scopo: sviluppo dell'arte nei bambini. abilità, cattivo gusto, immaginazione creativa, pensiero spaziale, sentimenti estetici.

Contenuti e media: attingere dalla natura, dalla memoria e dall'immaginazione di oggetti e fenomeni del mondo circostante, creare composizioni grafiche su argomenti, parlare di arte. arte. Il posto principale è attingere dalla natura. Kuzin e Kubyshkina - hanno sviluppato un libro di testo sulle belle arti, rivisto secondo i moderni standard educativi generali e il programma di belle arti per una scuola elementare di quattro anni. La prima parte del libro di testo si chiama "Imparare a disegnare" - è dedicata al lato pratico dell'insegnamento agli scolari, alle basi delle belle arti, al disegno dal vero, al disegno tematico, alla pittura, alla composizione, alla modellazione, al lavoro decorativo, all'appliqué. La seconda parte del "Mondo magico" - da esso gli scolari impareranno i tipi e i generi delle belle arti, gli eccezionali artisti russi. I libri di testo sono accompagnati da libri di esercizi per le classi 1-4, nonché da una guida per l'insegnante, che fornisce brevi consigli su come condurre una lezione.

L'implementazione è a disposizione di specialisti di vario livello prof. preparazione.

) T. Ya. Shpikalova: "Belle arti e cattivo lavoro" (classi 1-6)

Obiettivo: sviluppo personale basato su una cultura estetica olistica.

Contenuti e media: il programma è integrato sulla base dell'art. l'arte e il lavoro peggiore. I contenuti sono costruiti sulla base di concetti di valore: persona, famiglia, casa, popolo, storia, cultura, arte. È un approccio globale allo sviluppo di informazioni artistiche basato sulla conoscenza degli studenti nel campo delle scienze umane e naturali. Ha lo scopo di padroneggiare le basi dell'immagine artistica dell'arte popolare e delle belle arti, nonché le attività artistiche e di design. Per implementare questo programma, è auspicabile avere una specializzazione in direzione applicata decorativa. Shpikalova T. Ya. - l'obiettivo principale del programma è promuovere l'educazione di una personalità studentesca altamente artistica, istruita, la formazione delle basi di una cultura estetica olistica attraverso lo sviluppo della memoria storica, le capacità creative delle inclinazioni del bambino . Il team di autori del programma unisce belle arti e lavoro artistico, l'arte delle parole e delle canzoni, basata sull'arte popolare, in un corso integrato. La struttura del programma non è solita, il contenuto viene rivelato secondo i tipi di arte popolare. Il primo blocco è dedicato alle arti e ai mestieri popolari, il secondo all'arte popolare orale. Folk DPI prevede le seguenti sezioni del percorso formativo: le basi dell'immagine artistica; ornamento nell'arte dei popoli del mondo, struttura e tipologie; ornamento popolare della Russia, studio creativo nel processo di immagine; lavoro artistico sulla base della conoscenza del folk e del DPI. L'arte popolare orale comprende le seguenti sezioni: materiale didattico per l'ascolto; materiale didattico per la lettura autonoma; feste folcloristiche. Tutte le sezioni del programma includono un elenco approssimativo di giochi artistici e didattici, esercizi e lavori creativi. All'insegnante vengono offerte grandi opportunità di creatività pedagogica e artistica nella preparazione e nello svolgimento di tali forme di lavoro didattico come lezioni di tipo generalizzante, lezioni - vacanze, come forme di lavoro di squadra, lezioni di creazione e sperimentazione di forme. Il gioco è considerato una delle principali tecniche metodologiche nell'organizzazione del lavoro creativo degli studenti più giovani in classe. SOKOLNIKOVA Il contenuto del programma di Belle Arti corrisponde ai seguenti obiettivi: - introdurre gli scolari al mondo delle belle arti, sviluppando la loro creatività e cultura spirituale; - padroneggiare le conoscenze primarie sul mondo delle arti plastiche: belle arti, arti decorative e applicate, progetto di architettura; sulle forme della loro esistenza nell'ambiente quotidiano del bambino; ​​- educazione alla reattività emotiva e alla cultura della percezione delle opere d'arte professionale e popolare; sentimenti morali ed estetici: amore per la natura nativa, la sua gente, la Patria, rispetto per le sue tradizioni, passato eroico, cultura multinazionale.

I principali principi didattici dell'insegnamento delle belle arti a scuola (rivelare l'essenza dei principi di attività e coscienza, il principio di accessibilità e forza, i principi di educazione nutritiva, il principio di carattere scientifico, il principio di sistematicità e coerenza nell'insegnamento belle arti)

Metodologia: un insieme di metodi di formazione e istruzione. Momenti-tecniche di insegnamento, dalla cat. si forma il metodo di insegnamento. Da un insieme di tecniche e metodi di insegnamento uniti da una direzione comune, si forma un sistema formativo. Uso adeguatamente organizzato e metodicamente competente dei principi didattici e dei metodi di insegnamento nelle lezioni d'arte. l'arte contribuisce all'incremento. efficacia dell’insegnamento e dell’educazione. processo: aumenta l'attività, l'interesse, lo sviluppo dell'amore per l'arte, lo sviluppo della riproduzione. , attenzione, immaginazione, pensiero, memoria, parola, ecc. Imparato. conoscenza, in crescita. nelle competenze e nelle abilità. Forma la capacità di applicare le conoscenze nella pratica.

Principi didattici importanti in relazione alla metodologia dell'insegnante. nozioni di base sull'iso. arti a scuola

il principio del carattere scientifico: il collegamento tra scienza e materia

principio della visibilità: supportato dalla percezione visiva.

Il principio della coscienza e dell'attività degli studenti

Il principio di connessione tra teoria e pratica

Il principio della forza dell'assimilazione della conoscenza

Il principio di sistematica e coerente

Il principio dell’educazione educativa

Forma una personalità morale, giuridica, estetica, fisica. cultura e vita, comunicazione. Educa allo sviluppo dell'intelletto e dell'individuo. Abilità cognitive, tenendo conto degli interessi dei tirocinanti. Il principio del sistema e seguire. apprendimento: la continuità e la connessione del nuovo materiale con il passato, l'espansione e l'approfondimento della conoscenza. Nuovo account. il materiale richiama quanto precedentemente percepito, lo chiarisce e lo integra, impone la regola ferrea di non passare a nuovo materiale didattico finché non si è padroneggiato e consolidato il precedente

L'essenza del principio di coscienza e attività è l'uso abile di una varietà di tecniche che contribuiscono a suscitare il bisogno e l'interesse per la padronanza della conoscenza, conferendo al processo educativo un carattere problematico. Per la padronanza consapevole e attiva della conoscenza è necessario: abituare gli scolari a porre domande, sia all'insegnante, sia per risposte e risoluzioni indipendenti; sviluppare negli studenti un approccio indipendente al materiale studiato, riflettere profondamente su quelle conclusioni e concetti teorici, visione del mondo e idee morali ed estetiche che sono nel suo contenuto. È impossibile risolvere questo problema se l'insegnante non riesce a stimolare e mantenere l'attività cognitiva e la coscienza degli studenti nel processo di apprendimento.

L'essenza del principio di sistematicità e coerenza è garantire l'assimilazione coerente da parte degli studenti di un determinato sistema di conoscenza in diversi campi della scienza, il passaggio sistematico dell'istruzione scolastica. Garantire un apprendimento sistematico e coerente richiede che gli studenti comprendano profondamente la logica e il sistema nel contenuto delle conoscenze acquisite, nonché un lavoro sistematico sulla ripetizione e la generalizzazione del materiale studiato. Uno dei motivi più comuni per il fallimento degli studenti è la mancanza di un sistema nel loro lavoro accademico, la loro incapacità di essere persistenti e diligenti nell’apprendimento.

Il principio della forza riflette la peculiarità dell'apprendimento, secondo la quale la padronanza delle conoscenze, delle abilità, della visione del mondo e delle idee morali ed estetiche si ottiene solo quando, da un lato, sono completamente comprese e, dall'altro, sono ben comprese. appreso e conservato nella memoria per molto tempo. . La forza dell'apprendimento si ottiene, prima di tutto, quando gli studenti eseguono un ciclo completo di azioni educative e cognitive nel processo di apprendimento: la percezione e comprensione iniziali del materiale studiato, la sua successiva comprensione più profonda, hanno lavorato per memorizzarlo, applicare le conoscenze acquisite nella pratica, nonché nella loro ripetizione e sistematizzazione. Per una solida assimilazione delle conoscenze, la verifica sistematica e la valutazione delle conoscenze degli studenti sono di grande importanza.

L'essenza del principio scientifico è che il contenuto dell'educazione scolastica dovrebbe essere scientifico e avere un orientamento ideologico. Per attuarlo, l'insegnante deve: rivelare in modo profondo e conclusivo ogni posizione scientifica del materiale studiato, evitando errori, imprecisioni e memorizzazione meccanica da parte degli studenti di conclusioni teoriche e generalizzazioni; mostrare l'importanza del materiale studiato per comprendere gli eventi socio-politici contemporanei e la loro corrispondenza con gli interessi e le aspirazioni delle persone.

L'essenza del principio di accessibilità risiede nella necessità di tenere conto dell'età e delle caratteristiche individuali degli studenti nel processo educativo e dell'inammissibilità della sua eccessiva complessità e sovraccarico, in cui la padronanza del materiale studiato può essere travolgente.

Rendere l'apprendimento accessibile significa: correttamente, tenendo conto delle capacità cognitive degli studenti, determinarne il contenuto, la quantità di conoscenze, abilità pratiche e abilità che gli studenti di ciascuna classe devono padroneggiare in ciascuna materia accademica. Determinare correttamente il grado di complessità teorica e la profondità di studio del materiale del programma. Determinare correttamente la quantità di tempo di studio assegnato allo studio di ciascuna materia accademica, tenendo conto della sua importanza e complessità e assicurandone l'assimilazione profonda e duratura. I programmi di studio e i libri di testo devono essere migliorati. L'insegnante deve utilizzare materiale fattuale brillante nel processo di apprendimento, presentarlo in modo compatto e intelligibile, collegarlo alla vita e condurre abilmente gli studenti a conclusioni teoriche e generalizzazioni. Prendi in considerazione le caratteristiche individuali dell'attività mentale e della memoria degli studenti, nonché il livello della loro preparazione e sviluppo.

Il principio di connessione tra teoria e pratica prevede che il processo di apprendimento incoraggi gli studenti a utilizzare le conoscenze acquisite per risolvere problemi, analizzare e trasformare la realtà circostante, sviluppando le proprie opinioni. Per questo, viene utilizzata un'analisi di esempi e situazioni della vita reale. Una delle direzioni per l'attuazione di questo principio è il coinvolgimento attivo degli studenti in attività socialmente utili a scuola e oltre.

. Il principio della visualizzazione nell'insegnamento delle belle arti. Ausili visivi per lezioni d'arte. Tipi di ausili visivi. Requisiti per gli ausili visivi

L'essenza del principio di visibilità è dovuta a una serie di fattori: la visibilità dell'apprendimento deriva dal fatto che agisce per gli studenti come mezzo per conoscere il mondo che li circonda, e quindi questo processo ha più successo se si basa su osservazione diretta e studio di oggetti, fenomeni o eventi.

Il processo cognitivo richiede il coinvolgimento di vari organi di percezione nell'acquisizione della conoscenza. Secondo Ushinsky, l'apprendimento visivo aumenta l'attenzione degli studenti, contribuisce ad una più profonda assimilazione della conoscenza.

La visibilità dell'apprendimento si basa sulle peculiarità del pensiero dei bambini, che si sviluppa dal concreto all'astratto. la visualizzazione aumenta l'interesse degli studenti per la conoscenza e facilita il processo di apprendimento. Molte disposizioni teoriche complesse con l'uso abile della visualizzazione diventano accessibili e comprensibili agli studenti. Gli ausili visivi includono: oggetti reali e fenomeni nella loro forma naturale, modelli di macchine, manichini, ausili illustrativi (dipinti, disegni, fotografie), ausili grafici (diagrammi, grafici, tabelle, tabelle), vari mezzi tecnici (filmati didattici, educazione programmata, computer).

Funzioni di visualizzazione: aiuta a ricreare la forma, l'essenza del fenomeno, la sua struttura, connessioni, interazioni per confermare posizioni teoriche;

aiuta a portare in uno stato di attività tutti gli analizzatori e i processi mentali di sensazione, percezione e rappresentazione ad essi associati, a seguito dei quali nasce una ricca base empirica per l'attività mentale generalizzante e analitica dei bambini e dell'insegnante;

forma la cultura visiva e uditiva degli studenti;

dà un feedback all'insegnante: ponendo domande, gli studenti possono giudicare l'assimilazione del materiale, il movimento dei pensieri degli studenti verso la comprensione dell'essenza del fenomeno.

Tipi di visualizzazione educativa

Modelli di materiali naturali (oggetti reali, manichini, corpi geometrici, modelli di oggetti, fotografie, ecc.)

Immagini grafiche condizionali (disegni, schizzi, diagrammi, grafici, mappe, piante, diagrammi, ecc.)

Modelli di segni, formule ed equazioni matematiche e chimiche e altri modelli interpretati

Modelli visivi dinamici (film e telefilm, diapositive, cartoni animati, ecc.)

22. Lezione come forma principale di organizzazione del processo educativo nelle belle arti a scuola. Tipi di lezione. La struttura della lezione di belle arti. Compiti didattici ed educativi della lezione. Requisiti moderni per la preparazione e lo svolgimento delle lezioni di belle arti

Cla ?ssno-uro ?sistema ?ma studio ? niya - quello prevalente nell'istruzione moderna e l'organizzazione onnipresente del processo di apprendimento, in cui, per condurre sessioni di formazione, gli studenti della stessa età sono raggruppati in piccoli team (classi) che mantengono la loro composizione per un determinato periodo di tempo ( di solito un anno accademico) e tutti gli studenti lavorano per padroneggiare lo stesso materiale. La principale forma di educazione è la lezione. Una lezione è una lezione condotta da un insegnante con una composizione costante di studenti dello stesso livello di formazione, uniti in un sottogruppo o squadra di classe. Le lezioni si alternano, secondo un orario prestabilito, e prevedono lavori frontali, di gruppo e individuali degli alunni con modalità didattiche diverse. La durata di una lezione nei laboratori è di due ore (45 minuti ciascuna).L'educazione, basata sul curriculum e sul piano di organizzazione dell'istruzione "una classe - un anno", nacque all'inizio del XVI secolo in Europa. ad esempio, la scuola urbana del riformatore Johann Agricola (curriculum Eisleben) (1527), sviluppata dall'umanista ed educatore Philipp Melantone, il sistema organizzativo delle scuole e delle università tedesche (Carta sassone) (1528), il ginnasio di Strasburgo di Johann Sturm (1537), Curriculum del Württemberg del riformatore svevo John Brenz (1559), ecc. L'insegnante ceco Jan Amos Comenius, riassumendo l'esperienza delle scuole, dei college e delle università progressiste in Europa, sviluppò un sistema di classi-lezioni-materia contenuto nella sua teoria dell'istruzione generale universale e educazione. Il sistema delle lezioni in classe appartiene attualmente all'istruzione tradizionale. Avendo adempiuto alla sua missione storica, questo sistema inizia a perdere efficacia nelle moderne condizioni socio-culturali ed economiche. Dovrebbero essere riconosciuti i principali svantaggi del sistema classe-lezione-materia: l'incapacità di tenere conto dei numerosi fattori sociali che colpiscono il bambino, l'impossibilità di autosviluppo creativo del bambino, l'incapacità di assorbire informazioni e innovazioni tecnologiche, l'incapacità per stare al passo con il ritmo dei cambiamenti nella società e negli altri. La modernizzazione più drastica del sistema scolastico (Brown, Trump, Parkhurst e altri) si è basata su una diversa selezione dei contenuti. Il rifiuto più radicale del sistema soggettivo, portato avanti dai riformatori (Kilpatrick, Linke, Decrol, ecc. ), si riduceva ad una diversa differenziazione dei contenuti. Pertanto, non hanno risolto il problema in sostanza e, nella migliore delle ipotesi, hanno migliorato il sistema di lezioni di classe in determinate condizioni socio-politiche ed economiche. Tipologie e struttura delle lezioni. La struttura della lezione è un insieme di elementi della lezione che ne garantisce l'integrità e la conservazione delle caratteristiche principali della lezione in varie opzioni. Elementi strutturali della lezione. I. Organizzazione dell'inizio della lezione (2 minuti). Per interessare i bambini, attirare la loro attenzione sulla lezione, informare l'argomento e lo scopo della lezione. II. Controllo dei compiti (3 minuti). il livello del materiale appreso sull'argomento precedente e la preparazione alla percezione di nuove informazioni. III. Parte principale. Apprendimento di nuovo materiale (20 minuti). Presentazione scientifica, emozionante e accessibile di nuovo materiale con il coinvolgimento degli studenti. IV. Consolidamento primario delle conoscenze (5 minuti). Puoi utilizzare compiti speciali dopo aver spiegato il nuovo materiale. Condurre una conversazione per sviluppare competenze e applicare le conoscenze. V. Riassumendo la lezione (2 minuti). Scopri cosa hanno imparato i bambini durante la lezione, cosa hanno imparato di nuovo e argomenta la valutazione delle conoscenze degli studenti. VI. Informazioni sui compiti (3 minuti). Riportare i compiti e spiegare come completarli. Tipi. La classificazione più comune e utilizzata nella pratica è stata introdotta da B. P. Esipov e ha individuato i seguenti tipi di lezioni: 1. Imparare nuovo materiale. 2. Una lezione per consolidare le conoscenze e sviluppare competenze e abilità. 3. Lezione di generalizzazione e sistematizzazione della conoscenza. 4. Lezione di controllo e correzione delle conoscenze, abilità e abilità degli studenti. 5. Lezione combinata o mista. Tipo 1: apprendimento di nuovo materiale. Tipo di lezione: - lezione frontale, - lezione con elementi di conversazione, - lezione con elementi di presentazione, lezione, conferenza, escursione, lavoro di ricerca. Lo scopo della lezione: lo studio di nuove conoscenze e il loro consolidamento primario. Tipo 2: Lezione per consolidare le conoscenze e sviluppare competenze e abilità. Tipo di lezione: - workshop, - escursione - lavoro di laboratorio - business game, - lezione di discussione. Lo scopo della lezione: consolidamento secondario delle conoscenze acquisite, sviluppo di competenze e abilità per la loro applicazione. Tipo 3: Lezione di generalizzazione e sistematizzazione della conoscenza. Tipo di lezione: - seminari, conferenze, lezioni generalizzate, lezioni di colloquio, lezioni di discussione, controversie. Lo scopo della lezione: generalizzazione delle conoscenze degli studenti nel sistema. Controllare e valutare le conoscenze degli studenti. Questo tipo di lezione viene utilizzato quando si ripetono ampie sezioni del materiale studiato. Tipo 4: Lezione di controllo e correzione delle conoscenze, abilità e abilità degli studenti. Tipo di lezione: esame - test, Scopo della lezione: determinare il livello di conoscenza, abilità e capacità degli studenti e identificare la qualità della conoscenza degli studenti, riflesso delle proprie attività. Tipo 5: Lezione combinata o mista. Tipo di lezione: - pratica - conferenza - seminario - lezione di controllo - lezione, Scopo della lezione: sviluppo di abilità per l'applicazione indipendente delle conoscenze in un complesso e trasferimento a nuove condizioni. Struttura della lezione. I. Organizzare l'inizio della lezione (2). Per interessare, attirare l'attenzione sulla lezione, comunicare l'argomento e lo scopo della lezione. II. Controllare fino alle h (3). Un certo livello di materiale appreso dall'argomento precedente e preparazione degli studenti alla percezione di nuove informazioni (a seconda della forma di istruzione, potrebbe non essere presente). III. Parte principale. Imparare nuovo materiale (20). Presentazione scientifica, emozionante e accessibile di nuovo materiale con il coinvolgimento degli studenti. IV. Consolidamento primario della conoscenza (5). Puoi utilizzare compiti speciali dopo aver spiegato il nuovo materiale. Condurre una conversazione per sviluppare competenze e applicare le conoscenze. V. Riassumendo la lezione (2 minuti). Scopri cosa hanno imparato i bambini durante la lezione, cosa hanno imparato di nuovo e argomenta la valutazione delle conoscenze degli studenti. VI. Informazioni sui compiti (3 minuti). Riportare i compiti e spiegare come completarli.

. Tipi di attività visiva e loro significato nello sviluppo mentale, morale, estetico e fisico degli scolari. (disegno, modellazione, applicazione, progettazione)

Attività principali:

Immagine su piano e in volume (dalla natura, dalla memoria e dalla rappresentazione);

lavori decorativi e costruttivi;

applicazione;

modellazione volume-spaziale;

attività progettuale e costruttiva;

fotografia artistica e riprese video;

percezione dei fenomeni della realtà e delle opere d'arte;

discussione del lavoro dei compagni, dei risultati della creatività collettiva e del lavoro individuale in classe;

studio del patrimonio artistico;

selezione del materiale illustrativo degli argomenti studiati;

ascolto di opere musicali e letterarie (popolari, classiche, moderne).

L'educazione mentale si concentra sullo sviluppo delle capacità intellettuali di una persona, sull'interesse per la conoscenza del mondo che lo circonda e di se stesso.

Si presuppone:

sviluppo della forza di volontà, della memoria e del pensiero come condizioni principali dei processi cognitivi ed educativi;

formazione di una cultura del lavoro educativo e intellettuale;

stimolare l'interesse nel lavorare con i libri e le nuove tecnologie dell'informazione;

così come lo sviluppo delle qualità personali: indipendenza, ampiezza di vedute, capacità di essere creativi.

I compiti dell'educazione mentale vengono risolti mediante formazione e istruzione, speciali corsi di formazione ed esercizi psicologici, conversazioni su scienziati, statisti di diversi paesi, quiz e concorsi, coinvolgimento nel processo di ricerca creativa, ricerca ed esperimento.

L’etica è la base teorica dell’educazione morale.

I compiti principali dell’educazione etica sono:

accumulo di esperienza morale e conoscenza delle regole del comportamento sociale (in famiglia, per strada, a scuola e in altri luoghi pubblici);

uso ragionevole del tempo libero e sviluppo delle qualità morali dell'individuo, come un atteggiamento attento e premuroso nei confronti delle persone; onestà, tolleranza, modestia e delicatezza; organizzazione, disciplina e responsabilità, senso del dovere e dell'onore, rispetto della dignità umana, diligenza e cultura del lavoro, rispetto del patrimonio nazionale.

Nel processo di educazione morale, sono ampiamente utilizzati metodi come la persuasione e l'esempio personale, i consigli, i desideri e il feedback di approvazione, una valutazione positiva di azioni e azioni, il riconoscimento pubblico dei risultati e dei meriti di una persona. Si consiglia inoltre di condurre conversazioni e dibattiti etici su esempi di opere d'arte e situazioni pratiche. Allo stesso tempo, lo spettro dell'educazione morale implica sia la censura pubblica sia la possibilità di punizioni disciplinari e differite.

Lo scopo dell'educazione estetica è lo sviluppo di un atteggiamento estetico nei confronti della realtà. L'atteggiamento estetico implica la capacità di percezione emotiva della bellezza. Può manifestarsi non solo in relazione alla natura o a un'opera d'arte. Ad esempio, I. Kant credeva che contemplando un'opera d'arte creata dalla mano di un genio umano, ci uniamo al "bello". Tuttavia, solo un oceano in tempesta o un'eruzione vulcanica percepiamo come "sublimi", che l'uomo non può creare. (Kant I. Critica della capacità di giudizio. M. 1994.) Grazie alla capacità di percepire il bello, una persona è obbligata a portare l'estetica nella sua vita personale e nella vita degli altri, nella vita di tutti i giorni, nelle attività professionali e il panorama sociale. Allo stesso tempo, l'educazione estetica dovrebbe proteggerci dall'entrare nel "puro estetismo". Nel processo di educazione estetica vengono utilizzate opere artistiche e letterarie: musica, arte, cinema, teatro, folklore. Questo processo prevede la partecipazione alla creatività artistica, musicale, letteraria, l'organizzazione di conferenze, conversazioni, incontri e serate di concerti con artisti e musicisti, la visita di musei e mostre d'arte, lo studio dell'architettura della città. L'organizzazione estetica del lavoro, il design accattivante di aule, auditorium e istituzioni educative, il gusto artistico, manifestato nello stile di abbigliamento di alunni, studenti e insegnanti, sono di importanza educativa. Ciò vale anche per il panorama sociale della vita quotidiana. La pulizia degli ingressi, l'abbellimento delle strade, il design originale di negozi e uffici possono servire da esempio.

I compiti principali dell'educazione fisica sono: un corretto sviluppo fisico, l'allenamento delle capacità motorie e dell'apparato vestibolare, varie procedure per indurire il corpo, nonché l'educazione della forza di volontà e del carattere, volte ad aumentare la capacità lavorativa di una persona. L'organizzazione dell'educazione fisica viene effettuata attraverso esercizi fisici a casa, a scuola, all'università, nelle sezioni sportive. Presuppone la presenza del controllo sul regime di studio, lavoro e riposo (ginnastica e giochi all'aperto, escursioni e competizioni sportive) e sulla prevenzione medica e medica delle malattie delle giovani generazioni. Per l'educazione di una persona fisicamente sana, è estremamente importante osservare gli elementi della routine quotidiana: sonno lungo, alimentazione ipercalorica, una combinazione ponderata di varie attività.

. Modelli di manifestazione delle capacità creative degli scolari nelle lezioni di belle arti. Fondamenti del lavoro di ricerca nel campo dell'attività visiva dei bambini.

La creatività degli studenti è intesa come una soluzione indipendente di nuovi compiti loro assegnati. Nelle lezioni di disegno vengono posti tutti i prerequisiti per lo sviluppo della creatività. La sua manifestazione può essere associata non solo alla soluzione di un complesso problema di immagine, come in una composizione tematica, ma anche al compito monosillabico più semplice, risolto in uno schizzo dalla natura, dalla memoria e dalla rappresentazione. Portare il bambino all'indipendenza nella risoluzione di un nuovo problema, alle scoperte è il mio lavoro.

Il lavoro sistematico nelle arti visive sviluppa qualità personali come il pensiero spaziale, un acuto senso del colore, la vigilanza dell'occhio, forma le qualità dell'intelletto di una persona, che sono importanti, in definitiva, non solo per creare un disegno, uno schizzo o un modello di un oggetto, ma anche per qualsiasi specialità che lo studente sceglierà in seguito. Queste qualità includono, prima di tutto, la rappresentazione figurativa e il pensiero logico, sono una condizione per la creatività in ogni attività umana. Queste qualità si manifestano già nei bambini in età scolare nelle loro arti visive, che diventano un bisogno per una personalità in via di sviluppo. In misura maggiore, queste classi contribuiscono alla manifestazione dell'individualità dello studente, che crea condizioni particolarmente favorevoli per lo sviluppo delle capacità creative.

Quando supervisiono l'attività visiva, devo ricordare che questa non è una normale sessione di formazione, in cui semplicemente imparano qualcosa, imparano qualcosa, ma un'attività artistica e creativa che richiede che i bambini abbiano un atteggiamento emotivo positivo, il desiderio di creare un'immagine , un'immagine, che richiede questo sforzo mentale e fisico. Senza questo, il successo è impossibile.

Attribuisco grande importanza nell'educazione e nell'educazione dei bambini alla comunicazione con la natura. È la natura in tutta la sua bellezza che ispira le persone a creare: dipingere, decorare, costruire.

La natura ha dotato i bambini della capacità di entrare in empatia in modo vivido ed emotivo con il nuovo, di percepire il mondo in modo olistico. A differenza degli adulti, i bambini non hanno gli strumenti per esprimere ciò che provano. Questo complesso contenuto ideologico ed emotivo dell'oggetto vive inizialmente solo nell'anima del bambino, è “invisibile”, non ha un aspetto finito. Deve essere immaginato, cioè deve ricevere un immaginario e una forma adeguati in cui l'idea diventerà visibile, tangibile, accessibile ad altre persone. Per fare questo, devo arricchire l'arsenale di modi in cui i bambini possono esprimersi, devo dare al bambino l'opportunità di conoscere il mondo e manipolarlo.

A volte si ha l'opinione che un bambino lavori in modo creativo quando l'insegnante gli dà completa libertà nel disegnare su argomenti: scegliere un argomento, un momento, una forma dell'immagine. Quanto più ampia è questa scelta, tanto più favorevoli si creano le condizioni per la manifestazione della sua iniziativa. Ad esempio, quando si lavora su un'illustrazione, viene indicata una fiaba dalla quale si può scegliere in qualsiasi momento. O ancora più in generale: può scegliere qualsiasi fiaba. Tuttavia, in questi casi non esiste un compito specifico che debba stimolare il bambino a ricercare attivamente mezzi visivi per risolvere la risposta al compito visivo assegnatogli. In altre parole, il compito assegnatogli è così ampio e ambiguo che qualsiasi immagine può significare che il compito è stato completato. L'esperienza dimostra che in questi casi i bambini scelgono la via meno resistente. Descrivono ciò che hanno visto nei disegni dei compagni, nelle illustrazioni di libri, o ciò che l'insegnante racconta loro con un disegno alla lavagna. Ma una tale esecuzione del disegno non richiede grande attività, forza di volontà, sforzo di memoria e altri componenti di una ricerca genuina.

Ciò significa che non tutte le forme di insegnamento sviluppano capacità creative nei bambini. L'unità di stimolazione educativa e creativa deve essere realizzata attraverso compiti che introducono gli studenti a concetti e idee elementari sulla realtà e sulle caratteristiche di un'immagine su un piano, sviluppando varie abilità per padroneggiare le basi di un'immagine realistica. Questi compiti includono una varietà di esercizi elementari. Possono essere causati da diversi compiti educativi nel lavoro dalla natura, dalla memoria e dall'immaginazione, nel lavoro decorativo. Insieme a semplici esercizi-studi a breve termine, includo anche compiti più complessi e complessi, in cui più compiti vengono risolti contemporaneamente. D'altra parte è necessario restringere e concretizzare i compiti tematici, cioè stabilisco compiti visivi specifici per i bambini, che devono risolvere da soli. In queste condizioni, entrambe le linee (alfabetizzazione e sviluppo della creatività) vengono implementate con successo. L'iniziativa del bambino, la sua ricerca creativa deve avvenire in tutti i compiti.

Una condizione importante per lo sviluppo dell'immaginazione creativa dei bambini è l'uso di vari materiali e tecniche, nonché un cambiamento nei tipi di attività visiva.

La costruzione più efficace del contenuto dell'istruzione è variabile, poiché consente l'utilizzo di un approccio differenziato agli studenti, consente agli studenti di realizzare le proprie competenze in conformità con le loro capacità individuali.

Padroneggiare quante più tecniche diverse possibile ti consente di arricchire e sviluppare il mondo interiore del bambino, di mostrare l'immaginazione creativa - la capacità di creare un'immagine sensuale che rivela il contenuto interiore.

È necessario risvegliare nel bambino un interesse personale per l'arte. In questo sono aiutato da compiti che richiedono l'espressione del mio senso di attitudine, stato d'animo e intenzione.

I compiti creativi sono di natura aperta, non hanno la risposta corretta. Ci sono tante risposte quanti sono i bambini. Il mio ruolo non è solo quello di comprendere e prendere una serie di decisioni, ma anche di mostrare ai bambini la legittimità di queste differenze.

L'uso della tecnologia informatica consente di sviluppare l'interesse per le belle arti con una nuova qualità. Per ottenere i migliori risultati nell'apprendimento e nello sviluppo delle capacità creative, le tecnologie informatiche sono indispensabili, perché hanno più capacità, consentono di ottenere il massimo risultato al minimo costo.

L'utilizzo del computer nelle lezioni d'arte consente di sviluppare attivamente le capacità creative e cognitive di ogni studente; crea uno stato d'animo emotivo che, a sua volta, ha un effetto positivo sullo sviluppo della creatività artistica.

Tutti i risultati interessanti sullo sviluppo dell'immaginazione dei bambini sono sistematizzati per l'organizzazione di successive mostre collettive e personali di opere per bambini.

. L'insegnante come organizzatore e leader del processo educativo nelle belle arti

Insegnante di arte. sviluppa il gusto estetico, le conoscenze e le abilità artistiche, coltiva il desiderio di conoscenza alla perfezione per rendere tutto intorno migliore e più bello. L'insegnante imposta compiti educativi per lo studente, organizza le sue osservazioni nel processo di costruzione di un'immagine secondo un determinato sistema, insegna l'analisi della natura nel processo di costruzione di un'immagine, indica il percorso per la più rapida assimilazione del materiale educativo, insegna analizzare, dirige l'attenzione sulle caratteristiche più importanti della struttura, monitora attentamente il lavoro del pensiero dello studente, guidandolo costantemente, sostenendolo. senza perdere di vista il suo lavoro. Fin dalla prima elementare, pone le basi della conoscenza e delle abilità di un'immagine realistica per gli studenti, allontanandoli dal disegno ingenuo e primitivo.

Dopo la spiegazione, l'insegnante gira per la classe e osserva il lavoro dei bambini. Avendo notato un errore, attira l'attenzione di uno o più studenti su di esso e spiega la causa dell'errore.

Quando si presenta materiale didattico, è necessario che tutti gli studenti comprendano l'argomento, attirino l'attenzione degli studenti, presentando abilmente l'argomento della lezione, complicando i compiti nel tempo. Nell'insegnamento del disegno dalla natura, l'insegnante presta attenzione ai temi dell'osservazione, della percezione e dell'analisi della natura, illustra le spiegazioni con disegni alla lavagna o sussidi didattici. Il disegno pedagogico attiva il lavoro, aumenta l'interesse: nell'arte. Puoi utilizzare il metodo: preparazione preliminare della lavagna per la lezione, delineando con punti le dimensioni e le proporzioni dell'immagine futura e, già durante la lezione, riprodurre rapidamente il disegno utilizzando queste linee guida.

Una chiara pianificazione del lavoro sulle lezioni garantisce la distribuzione di materiale didattico in tecnologia. conto totale. anno, l'intensità delle lezioni è determinata dalla quantità di materiale didattico. Un tale sistema consente di utilizzare in modo efficace il tempo di studio, pianificare chiaramente il lavoro sul programma per l'intero anno. Durante la lezione, l'insegnante fornisce i concetti necessari, rivela la sequenza delle presentazioni del materiale didattico, i metodi di utilizzo degli ausili visivi, nel riassunto della lezione è necessario dichiarare la metodologia di lavoro con la classe nel modo più dettagliato possibile possibile.

. Pianificazione e organizzazione dell'attività didattica ed educativa nel campo delle belle arti per l'anno accademico e il trimestre. Calendario illustrato e piano tematico delle lezioni di belle arti

Le principali funzioni di un insegnante di belle arti a scuola: educativa, educativa e organizzativa.

Il successo di qualsiasi azienda dipende dalla sua organizzazione. L'organizzazione del processo educativo implica la pianificazione dell'intero materiale della materia da una lezione a un anno e tutti gli anni di studio. Per ottenere conoscenze, abilità e abilità sistematiche, coerenti e accettabili, è necessario pianificare il lavoro con i bambini nel corso degli anni. A questo scopo elaborano un piano tematico per l'anno (un altro nome è il piano tematico-calendario).

Forme del piano tematico:

il foglio presenze è una tabella con sezioni: classe, trimestre, numero lezione, argomento lezione, compito pratico, materiali per il completamento del compito, nota;

la forma illustrata è un mosaico di disegni disposti in un sistema logico (vedi figura 1), grazie alle illustrazioni che rivelano l'argomento della lezione, i materiali delle immagini, il livello di difficoltà del compito, rende chiaro il piano tematico;

la forma combinata è un sistema di schede (vedi Figura 2), che contengono non solo informazioni generali sulla lezione pianificata, necessarie per la pianificazione tematica, ma parte delle informazioni sulla pianificazione della lezione (attrezzatura della lezione, programma della lezione, metodi di insegnamento e formazione e tecniche).

Requisiti per un piano tematico per le belle arti:

Orientamento morale del contenuto delle lezioni.

Conformità del materiale pianificato con il programma.

Disponibilità del materiale previsto per l'età dei bambini.

Aumento coerente della complessità dei compiti di apprendimento, dell'accettabilità del materiale delle lezioni.

La presenza di connessioni inter-materia e inter-lezione (principio di pianificazione tematica a blocchi).

Rispetto del calendario naturale e sociale.

Quando si elabora un piano tematico, considerare quanto segue:

) numero di lezioni all'anno - 35;

) il numero di lezioni nei trimestri: nel I e ​​II trimestre - 8 lezioni ciascuno, nel III trimestre - 12 lezioni, nel IV trimestre - 7 lezioni.

) termini temporali dei trimestri accademici: I trimestre: 1 settembre - 5 novembre; II trimestre: 10 novembre - 30 dicembre; III trimestre: 12 gennaio - 22 marzo; IV trimestre: 1 aprile - 30 maggio.

La creatività dell'insegnante trova espressione, innanzitutto, nella logica di costruire blocchi di lezioni dagli argomenti proposti delle lezioni per programma.

Ad esempio: il blocco di belle arti sull'argomento "Vacanze popolari" può includere lezioni sui seguenti argomenti:

"Paesaggio della terra natale" (disegno tematico).

"Caratteristiche dell'arredamento dell'abitazione nazionale e costumi dei popoli che vivono nel territorio della regione" (una conversazione con schizzi di elementi dell'arredamento della casa e del costume).

"Natura morta decorativa", composta da oggetti per la casa (disegno dalla natura).

"Schizzi della figura umana in movimento dalla natura".

"Feste festive popolari" ("Fiera") (lavoro individuale, di gruppo o collettivo su un pannello tematico) I requisiti moderni per la gestione di un istituto scolastico richiedono approcci competenti all'organizzazione del processo educativo da parte del corpo amministrativo e pedagogico. Il curriculum è un documento normativo che determina: 1) il contenuto delle conoscenze e delle competenze di base in ciascuna materia accademica; 2) la logica e la sequenza degli argomenti di studio; 3) la quantità totale di tempo per studiare determinati argomenti. I curricula si dividono in diverse tipologie principali: 1) programmi standard; 2) programmi di lavoro; 3) programmi protetti da diritto d'autore. A livello di istituto scolastico, sono stati sviluppati approcci unificati allo sviluppo e alla progettazione di programmi di lavoro per gli insegnanti. Programma di lavoro dei corsi e delle discipline di formazione. Il programma di lavoro è un documento normativo e gestionale di un'istituzione educativa che caratterizza il sistema di organizzazione delle attività educative di un insegnante. I principali documenti che determinano i requisiti per il livello di formazione degli studenti e il contenuto minimo dell'istruzione sono: lo standard educativo statale (componenti federali e nazionale-regionali); il curriculum di base delle scuole nella Federazione Russa, compresa la distribuzione delle contenuto dell'istruzione per aree educative, discipline accademiche; programmi educativi standard (esemplari) per ciascuna disciplina accademica del curriculum di base. La particolarità del programma di lavoro sta nel fatto che è creato per un istituto scolastico specifico (specifico), e l'individualità sta nel fatto che è sviluppato dall'insegnante per la sua attività. Pertanto, il programma di lavoro dell'insegnante dovrebbe mostrare come, tenendo conto delle condizioni specifiche, dei bisogni educativi e delle caratteristiche dello sviluppo degli studenti, l'insegnante crea un modello pedagogico individuale di istruzione basato su standard statali. Il programma di lavoro di una materia è uno strumento del singolo insegnante che fornisce i contenuti, le forme, i metodi e le tecniche più ottimali ed efficaci per organizzare il processo educativo per una particolare classe al fine di ottenere un risultato che soddisfi i requisiti dello standard. Piano tematico Per l'insegnante, la pianificazione tematica è il documento principale dell'attività. Viene compilato per un certo periodo di tempo, ma molto spesso per un anno. Lo scopo principale di questo documento è pianificare l'attività didattica dell'insegnante. La pianificazione viene spesso presentata sotto forma di una tabella, che contiene diversi elementi obbligatori: numero della lezione, argomento della lezione, scopo e obiettivi della lezione, contenuto della lezione, materiale aggiuntivo, compiti a casa. Il piano tematico dovrà inoltre indicare: - Controllo, laboratorio, lavoro pratico (numero), elenco delle escursioni - Requisiti relativi al livello di preparazione degli studenti per ciascun argomento (conoscenze, abilità), ecc. Requisiti generali per la pianificazione: rispetto del contenuto dei programmi;

rispetto del volume di ore previsto nel programma, curriculum;

alternanza di tipologie di occupazioni;

rispetto degli eventi della vita della società e degli studenti;

rispetto dei principi della didattica. Il piano generale dovrebbe riflettere i seguenti punti:

§ il posto della lezione nel sistema delle classi; argomento della lezione; la classe in cui si svolge; gli obiettivi dell'educazione, dello sviluppo e dell'educazione; il tipo di lezione; i sussidi didattici (compresi i software); la struttura della lezione, indicando la sequenza delle sue fasi e la distribuzione approssimativa del tempo; il contenuto del materiale didattico; il sistema di esercizi e compiti per l'organizzazione delle attività degli studenti; metodi di insegnamento in ogni fase della lezione; forme di organizzazione delle attività educative degli studenti; compiti a casa.

Argomento della lezione: Classe: Obiettivi: formativi - Tipologia lezione: Strumenti didattici:

educativo - padroneggiare il concetto..., sviluppare abilità..., sviluppare capacità applicative..., generalizzare e sistematizzare la conoscenza su...

educativo - educazione alla moralità, all'attività, alla diligenza, ...

sviluppo: lo sviluppo di uno stile di pensiero algoritmico, combinatorio ...

Tipi di lezioni:

una lezione sullo studio e sul consolidamento primario di nuove conoscenze una lezione sulla formazione delle competenze

una lezione sull'applicazione di conoscenze, abilità e abilità una lezione sulla generalizzazione e sistematizzazione della conoscenza

lezione di controllo e correzione delle conoscenze, lezione combinata di abilità

. Disegno pedagogico alle lezioni di belle arti a scuola. Tipi di disegno pedagogico. Requisiti per l'implementazione dei disegni pedagogici

La cosa principale nel disegno pedagogico è la concisione dell'immagine, la sua semplicità e chiarezza. I disegni alla lavagna dovranno trasmettere il punto principale dell'insegnante, tralasciando tutto ciò che è accessorio e secondario. Nelle lezioni di disegno, la visualizzazione dell'apprendimento è fondamentale, essendo uno dei principali mezzi di informazione sul materiale studiato. Sulla base dell'impressione visiva ricevuta durante l'esame, accompagnata da una spiegazione dell'insegnante, gli studenti ottengono un quadro completo del materiale studiato, è più facile per loro capire, comprendere e ricordare la cosa principale nell'argomento della lezione.

Metodi di insegnamento visivo

Il disegno sulla lavagna aiuta a capire ciò che ha visto, influenza lo sviluppo mentale del bambino, la correttezza dei suoi giudizi.

È necessario uno schizzo dell'insegnante a margine del disegno di uno studente se si riscontra un errore nel disegno in uno o due studenti e non ha senso distogliere l'attenzione dell'intera classe.

Correggere gli errori nel disegno di uno studente per mano dell'insegnante è di grande importanza educativa. Guardando l'insegnante lavorare nel suo album, lo studente ricorda tutti i dettagli di questo processo e poi cerca di fare come ha detto l'insegnante.

La dimostrazione dei disegni di artisti eccezionali giocherà un ruolo importante nell'apprendimento, perché lo studente, guardando un disegno realizzato dalla mano di un grande maestro, vede quale espressività si può ottenere disegnando con una matita normale. .

Il principio di visibilità richiede una tale presentazione del materiale (educativo) in cui i concetti e le idee degli studenti diventano più chiari e più specifici. L'attenzione principale nell'insegnamento del disegno dalla natura è rivolta alla corretta immagine della natura, alla corretta trasmissione dei fenomeni prospettici, alle caratteristiche del chiaroscuro e ai disegni degli oggetti. Per facilitare questi compiti fondamentali, è auspicabile installare modelli speciali (fatti di filo e cartone) accanto alla natura, in modo che il pittore possa vedere chiaramente e comprendere chiaramente questo o quel fenomeno, comprendere il disegno della forma dell'oggetto, la sua caratteristiche peculiari.

I principali ausili visivi utilizzati per trarre lezioni dalla vita:

disegni schematici e tabelle;

calchi di sculture classiche, modelli in filo metallico;

modelli e dispositivi speciali per la dimostrazione della prospettiva e del chiaroscuro;

disegni e tabelle della sequenza metodica del lavoro sull'immagine;

riproduzioni di dipinti e disegni di maestri;

film che rivelano la tecnica di lavorare con matita e pennello;

dispositivi speciali - "Ruota dei colori" e "Cerchio dei toni" per lo sviluppo del senso del colore e del tono dei bambini.

. Visibilità come mezzo per attivare l'attività visiva degli scolari

Il principio della visibilità sta nella percezione visiva di un oggetto in qualsiasi tipo di lezione di disegno: disegno dal vero, disegno su argomenti, DPI, conversazioni sull'arte.

Disegnare dalla natura è un metodo di apprendimento visivo. Consideriamo la visualizzazione nell'insegnamento del disegno dalla natura come il mezzo principale di insegnamento.

Il miglior mezzo di apprendimento visivo è il disegno dell'insegnante sulla lavagna, su un pezzo di carta o ai margini del lavoro dello studente. Aiuta a capire cosa ha visto, influisce sulla correttezza del lavoro. La cosa principale è la concisione dell'immagine, la semplicità e la chiarezza.

La visualizzazione è più efficace della spiegazione verbale. Ya. A. Comenius ha proclamato il principio della visualizzazione la "regola d'oro della didattica". Le tabelle metodiche rivelano chiaramente la sequenza e le caratteristiche dell'esecuzione del disegno, le possibilità della tecnica di esecuzione, con quali mezzi raggiungere l'espressività emotiva.

Di grande importanza educativa ed educativa è la dimostrazione di illustrazioni di dipinti di artisti di spicco tratti da manuali metodologici, sugli esempi dei quali è possibile mostrare chiaramente come analizzare la natura,

Quando si attinge dalla natura, l'attenzione principale è rivolta alla sua corretta trasmissione. Per facilitare il compito, è auspicabile installare modelli speciali vicino alla natura per comprendere il design della forma dell'oggetto e le sue caratteristiche. Visualizzazione: diagrammi, disegni, tabelle, modelli in gesso, modelli in filo, plexiglass e cartone aiutano lo studente a vedere correttamente la forma, la struttura, il colore e la trama. La sequenza sopra l'immagine dovrebbe essere considerata come la divulgazione di compiti di apprendimento specifici.

. Apprendimento problematico. Metodi di apprendimento per problemi. Tipi di lezione

A seconda dello scopo, del compito della scuola, l'insegnamento può essere problematico e non problematico. .

Le principali funzioni dell'apprendimento basato sui problemi. Sulla base del compito della scuola di istruzione generale e sulla base delle conclusioni del confronto tra il tipo di educazione tradizionale e quella basata sui problemi, è possibile formulare le principali funzioni dell'apprendimento basato sui problemi. Possono essere suddivisi in generali e speciali. Si possono indicare le seguenti funzioni generali dell'apprendimento basato sui problemi: l'assimilazione da parte degli studenti di un sistema di conoscenze e metodi di attività mentale e pratica, lo sviluppo dell'intelletto degli studenti, cioè la loro indipendenza cognitiva e capacità creative, la formazione del pensiero dialettico degli scolari, la formazione di una personalità completamente sviluppata. Inoltre, l'apprendimento basato sui problemi ha anche le seguenti funzioni: lo sviluppo di abilità per l'assimilazione creativa della conoscenza (l'uso di un sistema di tecniche logiche o metodi individuali di attività creativa), lo sviluppo di abilità per l'applicazione creativa della conoscenza (l'applicazione delle conoscenze acquisite in una nuova situazione) e la capacità di risolvere problemi educativi, la formazione e l'accumulo di esperienza nell'attività creativa (padroneggiare i metodi della ricerca scientifica, risolvere problemi pratici e riflessione artistica della realtà), la formazione di motivazioni di apprendimento bisogni sociali, morali e cognitivi.

Il metodo di presentazione del monologo. L'insegnante riporta i fatti in una determinata sequenza, fornisce loro la spiegazione necessaria, dimostra esperimenti per confermarli. L'utilizzo di sussidi visivi e sussidi tecnici didattici è accompagnato da un testo esplicativo. L'insegnante rivela solo quelle connessioni tra fenomeni e concetti necessarie per comprendere questo materiale, introducendole nell'ordine delle informazioni. L'alternanza dei fatti è costruita in una sequenza logica, tuttavia, nel corso della presentazione all'attenzione degli studenti all'analisi delle relazioni causa-effetto, non viene specificata. I fatti "a favore" e "contro" non vengono forniti, vengono immediatamente riportate le conclusioni finali corrette. Se vengono create situazioni problematiche, solo per attirare l'attenzione degli studenti, per interessarli. Per creare una situazione problematica, l'insegnante molto spesso cambia solo l'ordine dei fatti, delle dimostrazioni, degli esperimenti riportati, mostrando ausili visivi e, come elementi di contenuto aggiuntivi, utilizza fatti interessanti dalla storia dello sviluppo del concetto in studio o fatti che raccontano l'applicazione pratica delle conoscenze acquisite nella scienza e nella tecnologia. Il ruolo dello studente quando utilizza questo metodo è piuttosto passivo, il livello di indipendenza cognitiva necessaria per lavorare con questo metodo è basso.

Metodo di insegnamento del ragionamento. Se l'insegnante mira a mostrare un esempio di studio della formulazione e soluzione di un problema olistico, utilizza il metodo del ragionamento. Allo stesso tempo, il materiale è diviso in parti, l'insegnante per ogni fase fornisce un sistema di domande retoriche di natura problematica al fine di attirare gli studenti ad un'analisi mentale delle situazioni problematiche, espone contraddizioni oggettive del contenuto, ma lui stesso risolve frasi di tipo narrativo e interrogativo, non vengono poste domande informative (cioè tali domande, per rispondere alle quali è necessario riprodurre conoscenze già note, fornire informazioni su conoscenze conosciute), la narrazione è condotta sotto forma di lezione. Il metodo di ristrutturazione del materiale per il lavoro con questo metodo differisce principalmente dal fatto che un sistema di domande retoriche viene introdotto nel contenuto come elemento strutturale aggiuntivo. L'ordine dei fatti riportati è scelto in modo tale che le contraddizioni oggettive del contenuto siano presentate in modo particolarmente enfatizzato, convesso, susciti l'interesse cognitivo degli studenti e il desiderio di risolverli. . Avendo scelto il metodo di insegnamento del ragionamento, l'insegnante, nel processo di organizzazione del processo di assimilazione, utilizza il metodo di insegnamento esplicativo, la cui essenza è che "include la comunicazione da parte dell'insegnante dei fatti di questa scienza, la loro descrizione e spiegazione , cioè rivela l'essenza di nuovi concetti con l'aiuto di parole, visualizzazione e azione pratica."

Metodo di presentazione dialogico. Se l'insegnante si pone il compito di coinvolgere gli studenti nella partecipazione diretta all'implementazione di un metodo per risolvere un problema al fine di attivarli, aumentare il loro interesse cognitivo, attirare l'attenzione su ciò che è già noto nel nuovo materiale, egli, utilizzando il stessa costruzione del contenuto, integra la sua struttura con domande informative, risposte fornite dagli studenti. L'uso del metodo di insegnamento dialogico fornisce un livello più elevato di attività cognitiva degli studenti nel processo di apprendimento, poiché sono già direttamente coinvolti nella risoluzione del problema sotto il controllo crudele dell'insegnante.

Metodo euristico di presentazione. Il metodo euristico viene utilizzato laddove l'insegnante si propone di insegnare agli studenti i singoli elementi di problem solving, per organizzare una ricerca parziale di nuove conoscenze e modalità di azione. Utilizzando il metodo euristico, l'insegnante applica la stessa costruzione del materiale educativo del metodo dialogico, ma ne integra in qualche modo la struttura stabilendo compiti e compiti cognitivi per gli studenti in ogni fase individuale della risoluzione di un problema educativo. Pertanto, la forma di implementazione di questo metodo è una combinazione di conversazione euristica con la soluzione di compiti e incarichi problematici. L'essenza del metodo euristico è che la scoperta di una nuova legge, regola, ecc. non viene effettuata dall'insegnante con la partecipazione degli studenti, ma dagli studenti stessi sotto la guida e con l'aiuto dell'insegnante.

metodo di ricerca. Il concetto di metodo di ricerca è stato divulgato in modo più completo da I. Ya. Lerner, che ha definito il metodo di ricerca il metodo che organizza il processo di assimilazione “risolvendo problemi e compiti problematici. La sua essenza è che l'insegnante costruisce un sistema metodologico di problemi e compiti problematici, lo adatta a una situazione specifica del processo educativo, lo presenta agli studenti, gestendo così le loro attività di apprendimento, e gli studenti, risolvendo i problemi, forniscono un cambiamento nella struttura e livello di attività mentale, padroneggiando gradualmente la procedura della creatività e allo stesso tempo assimilano creativamente i metodi della cognizione. Quando si conduce una lezione utilizzando il metodo di ricerca, viene nuovamente utilizzata la stessa costruzione del materiale e vengono presi gli elementi della struttura del metodo euristico e l'ordine delle domande, delle istruzioni, dei compiti. Se nel processo di implementazione del metodo euristico queste domande, istruzioni e compiti sono di natura proattiva, cioè vengono posti prima di risolvere il sottoproblema che costituisce il contenuto di questa fase, o nel processo di risoluzione dello stesso e svolge una funzione guida nel processo di soluzione, poi nel caso di utilizzo del metodo di ricerca, le domande vengono poste alla fine della fase, dopo che la maggior parte degli studenti ha risolto il sottoproblema.

Metodo dei compiti programmati. Il metodo dei compiti programmati è l'impostazione da parte dell'insegnante di un sistema di compiti programmati. Il livello di efficacia dell'esercizio è determinato dalla presenza di situazioni problematiche e dalla possibilità di formulazione e soluzione indipendenti dei problemi. L'applicazione dei compiti programmati è la seguente: ogni compito è costituito da singoli elementi del telaio; un frame contiene parte del materiale studiato, formulato sotto forma di domande e risposte, o sotto forma di presentazione di nuovi compiti, o sotto forma di esercizi. Come risultato del lavoro svolto, possiamo concludere che in questa fase dello sviluppo umano, l'apprendimento basato sui problemi è semplicemente necessario, poiché l'apprendimento basato sui problemi forma una personalità creativa sviluppata armoniosamente capace di pensare in modo logico, trovando soluzioni in varie situazioni problematiche , capace di sistematizzare e accumulare conoscenza, capace di elevata introspezione , autosviluppo e autocorrezione.

educazione artistica alle belle arti

30. Metodi di insegnamento delle belle arti a diversi livelli di istruzione scolastica (Continuità delle istituzioni educative prescolari e della scuola elementare, scuola elementare e livello medio, livello medio e superiore della scuola secondaria)

Una guida mirata e coordinata dell'attività visiva del bambino, tenendo conto sia dello sviluppo artistico precedente che di quello successivo, è una condizione necessaria per un'educazione estetica di successo.

Il rispetto della continuità nell'insegnamento delle belle arti ai bambini determina una chiara definizione della quantità di conoscenze, abilità e abilità che gli studenti più giovani dovrebbero padroneggiare in lezioni separate, su argomenti separati, sezioni durante l'anno scolastico in base alla quantità di conoscenze, abilità e abilità che hanno ricevuto lezioni d'arte all'asilo o in famiglia. Particolare attenzione dovrebbe essere prestata alla definizione di collegamenti specifici tra le principali forme organizzative di insegnamento delle belle arti ai bambini in età prescolare e primaria.

Le scuole e gli asili nido hanno scopi e obiettivi comuni nell'insegnare ai bambini le basi dell'alfabetizzazione visiva. Continuità del contenuto delle lezioni di arti visive nei gruppi senior della scuola materna e della scuola elementare:

La scuola dell'infanzia tiene regolarmente corsi di disegno, modellismo, applicazioni e design. La scuola ha lezioni d'arte. La scultura, l'applicazione e la progettazione nelle classi primarie vengono eseguite durante le lezioni di formazione lavorativa. Il programma di belle arti per i gradi I-III rileva la necessità di armonizzare i compiti e il contenuto di queste lezioni. 2. Le tipologie di disegno nei gruppi senior della scuola materna e nelle classi primarie della scuola sono le stesse. Ci sono solo alcune differenze nei loro nomi.

Nei programmi della scuola dell'infanzia e della scuola primaria vengono coordinate le competenze e le abilità necessarie per l'attività visiva del bambino. 4. Un'analisi dei compiti specifici dei programmi dei gruppi senior della scuola materna ci consente di concludere che un bambino che entra a scuola da una scuola materna è completamente preparato per il passaggio di successo del materiale educativo, per l'ulteriore elaborazione di composizioni creative, illustrazioni, modelli. È preparato per la percezione e lo studio ulteriore della forma, dello spazio, dei modelli della scienza del colore e della composizione. Pertanto, i compiti previsti dai programmi, i compiti esemplari e il contenuto di conoscenze, abilità e abilità nelle belle arti nella scuola materna e nelle classi primarie, lo sviluppo complessivo di un bambino di sei-sette anni consentono di garantire la continuità nelle belle arti dei bambini in età prescolare e degli scolari più piccoli. Ciò richiede tuttavia che siano soddisfatte le seguenti condizioni:

Considerazione obbligatoria da parte dell'insegnante della scuola primaria della formazione nel disegno che il bambino riceve all'asilo, tenendo conto del livello di sviluppo delle sue capacità artistiche e creative e della suscettibilità estetica. 2. L'orientamento dell'insegnante della scuola primaria verso l'ulteriore consolidamento e sviluppo delle idee e delle impressioni dei bambini da loro accumulate in età prescolare. 3. Orientamento dell'insegnante per far convergere i metodi di insegnamento delle belle arti ai bambini nelle classi primarie con i metodi di insegnamento del disegno ai bambini nella scuola materna. 4. Uso diffuso nelle classi primarie di vari materiali visivi: matite, acquerelli, tempera, pastelli, sanguigna, pastelli, pennarelli, inchiostro, carta colorata colorata. L'uso di tutti questi mezzi consentirà di sviluppare con maggiore successo il gusto estetico, la comprensione della bellezza, l'indipendenza creativa e l'immaginazione nei bambini, soprattutto perché tutti questi materiali sono ampiamente raccomandati negli asili nido e vengono utilizzati dai bambini con piacere.

Pertanto, il rigoroso rispetto dei compiti educativi previsti dal programma educativo nella scuola dell'infanzia e dal programma di belle arti nelle classi primarie garantirà la continuità nell'attività visiva dei bambini in età prescolare e degli scolari più piccoli, che è una condizione necessaria per lo sviluppo mentale dei bambini, il formazione del loro atteggiamento emotivo ed estetico nei confronti della realtà. Il principio di continuità implica che le attività didattiche, soprattutto nella fase iniziale, siano svolte sotto il diretto controllo dell'amministrazione. Risolvendo il problema della successione, il lavoro si svolge in tre direzioni:

. lavoro metodologico congiunto degli insegnanti della scuola primaria e degli insegnanti delle materie di livello medio;

. lavorare con gli studenti;

. lavorare con i genitori.

La continuità tra la scuola elementare e la 5° elementare suggerisce i seguenti ambiti:

. programmi educativi;

. organizzazione del processo educativo;

. requisiti uniformi per gli studenti;

. struttura della lezione.

Propongo un piano di lavoro per la continuità tra l'istruzione primaria e quella generale di base, che nella nostra scuola viene utilizzato con successo ormai da diversi anni. Il piano di lavoro è completato da allegati.

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Le belle arti, come una delle materie di una scuola di istruzione generale, occupano un posto importante nell'educazione degli studenti. Un'attenta analisi e generalizzazione della migliore esperienza pedagogica indica che le belle arti sono un mezzo importante per sviluppare la personalità dello studente. Le belle arti, che sono particolarmente vicine agli scolari più giovani con la loro visibilità, occupano uno dei posti principali nel processo di sviluppo delle capacità creative dei bambini, del pensiero creativo, della loro familiarità con la bellezza della loro natura nativa, della realtà circostante e dei valori spirituali dell'arte. Inoltre, i corsi di arte visiva aiutano i bambini a padroneggiare una serie di abilità nel campo delle attività visive, costruttive e decorative.

scopo scrivere questa tesina significa considerare le caratteristiche della metodologia di insegnamento delle belle arti nella scuola elementare, in particolare nelle classi I-IV.

Il lavoro ha messo quanto segue compiti:

Lo studio della metodologia di insegnamento delle belle arti nella scuola elementare, per considerarne le caratteristiche,

Identificare le condizioni pedagogiche per un insegnamento di successo delle belle arti ai bambini in età di scuola primaria, nonché la preparazione di un piano annuale tematico e di un programma di lezioni per gli studenti delle scuole elementari

Capitolo 1. Caratteristiche della metodologia di insegnamento delle belle arti nella scuola elementare

1.1. Condizioni pedagogiche per l'insegnamento delle belle arti nella scuola elementare

Nello sviluppo della creatività artistica dei bambini, comprese le belle arti, è necessario osservare il principio di libertà, che generalmente è una condizione indispensabile per qualsiasi creatività. Ciò significa che le attività creative dei bambini non possono essere né obbligatorie né obbligatorie e possono derivare solo dai loro interessi. Pertanto, il disegno non può essere un fenomeno di massa e universale, ma per i bambini dotati, e anche per i bambini che non diventeranno poi artisti professionisti, il disegno ha un enorme valore coltivativo; quando la pittura e il disegno iniziano a parlare a un bambino, egli padroneggia un nuovo linguaggio che amplia i suoi orizzonti, approfondisce i suoi sentimenti e gli trasmette nel linguaggio delle immagini ciò che non può essere portato alla sua coscienza in nessun altro modo.

Uno dei problemi nel disegno è che per i bambini delle scuole elementari un'attività di immaginazione creativa non è più sufficiente, non si accontenta di un disegno realizzato in qualche modo, per incarnare la sua immaginazione creativa, ha bisogno di acquisire particolari capacità professionali e artistiche e abilità.

Il successo della formazione dipende dalla corretta definizione dei suoi obiettivi e contenuti, nonché dalle modalità per raggiungere gli obiettivi, ovvero dai metodi di insegnamento. Su questo ci sono state polemiche tra gli studiosi fin dall'inizio della scuola. Aderiamo alla classificazione dei metodi di insegnamento sviluppati da I.Ya. Lerner, M.N. Skatkin, Yu.K. Babansky e M.I. Pachmutov. Secondo gli studi di questi autori si possono distinguere i seguenti metodi didattici generali: esplicativo-illustrativo, riproduttivo e di ricerca.

1.2. Metodi di insegnamento delle belle arti in IO- IVclassi

L'educazione, di regola, inizia con un metodo esplicativo-illustrativo, che consiste nel presentare informazioni ai bambini in vari modi: visivo, uditivo, vocale, ecc. Le possibili forme di questo metodo sono la comunicazione di informazioni (storia, lezioni), dimostrazione di una varietà di materiale visivo, anche con l'ausilio di mezzi tecnici. L'insegnante organizza la percezione, i bambini cercano di comprendere nuovi contenuti, costruire connessioni accessibili tra concetti, ricordare informazioni per ulteriori operazioni con esse.

Il metodo esplicativo e illustrativo è finalizzato all'assimilazione della conoscenza e per la formazione di abilità e abilità è necessario utilizzare il metodo riproduttivo, cioè riprodurre (riprodurre) ripetutamente azioni. Le sue forme sono diverse: esercizi, risoluzione di problemi stereotipati, conversazione, ripetizione della descrizione dell'immagine visiva di un oggetto, lettura ripetuta e memorizzazione di testi, rivisitazione di un evento secondo uno schema predeterminato, ecc. Entrambi i lavori indipendenti di sono previsti bambini in età prescolare e attività congiunte con un insegnante. Il metodo riproduttivo consente l'utilizzo degli stessi mezzi di quello esplicativo e illustrativo: la parola, gli ausili visivi, il lavoro pratico.

I metodi esplicativi-illustrativi e riproduttivi non forniscono il livello necessario di sviluppo delle capacità e abilità creative dei bambini. Il metodo di insegnamento, finalizzato alla soluzione indipendente dei problemi creativi da parte dei bambini in età prescolare, si chiama ricerca. Nel corso della risoluzione di ciascun problema, comporta la manifestazione di uno o più aspetti dell'attività creativa. Allo stesso tempo, è necessario garantire la disponibilità di compiti creativi, la loro differenziazione in base alla preparazione di un particolare bambino.

Il metodo di ricerca ha determinate forme: compiti con problemi di testo, esperimenti, ecc. I compiti possono essere induttivi o deduttivi, a seconda della natura dell'attività. L'essenza di questo metodo è l'acquisizione creativa della conoscenza e la ricerca di modi di attività. Ancora una volta, vorrei sottolineare che questo metodo è interamente basato sul lavoro indipendente.

Particolare attenzione dovrebbe essere prestata all’importanza dell’apprendimento basato sui problemi per lo sviluppo dei bambini. È organizzato con l'aiuto di metodi: ricerca, euristica, presentazione del problema. Abbiamo già considerato la ricerca.

Un altro metodo che aiuta lo sviluppo creativo è il metodo euristico: i bambini risolvono un problema problematico con l'aiuto di un insegnante, la sua domanda contiene una soluzione parziale al problema o alle sue fasi. Lui può dirti come fare il primo passo. Questo metodo viene implementato al meglio attraverso la conversazione euristica, che, sfortunatamente, viene utilizzata raramente nell'insegnamento. Quando si utilizza questo metodo, sono importanti anche la parola, il testo, la pratica, gli ausili visivi, ecc.

Attualmente il metodo di presentazione dei problemi è diventato molto diffuso, l'educatore pone problemi, rivelando tutta l'inconsistenza della soluzione, della sua logica e del sistema di prove disponibile. I bambini seguono la logica della presentazione, la controllano, partecipando al processo decisionale. Nel corso dell'esposizione del problema vengono utilizzate sia l'immagine che la dimostrazione pratica dell'azione.

Metodi di ricerca, euristica e presentazione dei problemi - metodi di apprendimento basato sui problemi. La loro implementazione nel processo educativo stimola i bambini in età prescolare all'acquisizione creativa e all'applicazione di conoscenze e abilità, aiuta a padroneggiare i metodi della conoscenza scientifica. L'educazione moderna deve necessariamente includere i metodi didattici generali considerati. Il loro utilizzo nell'aula di belle arti viene effettuato tenendo conto delle sue specificità, compiti, contenuto. L'efficacia dei metodi dipende dalle condizioni pedagogiche della loro applicazione.

Come dimostra l'esperienza del lavoro pratico, per organizzare con successo le lezioni di belle arti, è necessario creare uno speciale sistema di condizioni pedagogiche. In linea con i diversi approcci concettuali, essi sono definiti in modo diverso. Abbiamo sviluppato un sistema di condizioni che influenzano direttamente lo sviluppo della creatività artistica dei bambini in età prescolare e proponiamo di considerarlo. Riteniamo che questo gruppo di condizioni sia costituito da:

Una condizione importante per lo sviluppo della creatività artistica dei bambini in età prescolare nelle arti visive è l'uso da parte degli insegnanti di ausili didattici tecnici, in particolare apparecchiature video e audio e ausili visivi speciali. Il ruolo della visualizzazione nell'insegnamento fu teoricamente dimostrato già nel XVII secolo. Ya.A. Comenius, in seguito le idee del suo utilizzo come strumento didattico più importante furono sviluppate nelle opere di molti insegnanti eccezionali - I.G. Pestalozzi, K.D. Ushinsky e altri. L'importanza della visualizzazione nell'insegnamento è stata sottolineata dal grande Leonardo da Vinci, dagli artisti A.P. Sapoznikov, P.P. Chistyakov e altri.

Una riuscita attuazione del principio di visibilità nell'insegnamento è possibile con l'attività mentale attiva dei bambini, soprattutto quando c'è un "movimento" del pensiero dal concreto all'astratto o, al contrario, dall'astratto al concreto.

In tutte le fasi della lezione, se possibile, dovrebbero essere introdotti compiti creativi, improvvisati e problematici. Uno dei requisiti principali in questo caso è garantire ai bambini la massima indipendenza pedagogicamente opportuna possibile, il che non esclude la fornitura di assistenza pedagogica, se necessario. Quindi, ad esempio, nelle classi primarie, soprattutto nella prima, l'insegnante, offrendo questa o quella trama, in molti casi può attirare l'attenzione dei bambini in età prescolare sulla cosa principale che deve essere rappresentata prima di tutto, può essere mostrata sul foglio la posizione approssimativa degli oggetti della composizione. Questo aiuto è naturale e necessario e non porta alla passività dei ragazzi nelle belle arti. Dalle restrizioni nella scelta del tema e della trama, il bambino viene gradualmente portato alla propria scelta indipendente.

capitolo 2

Ecco il mondo - e in questo mondo io sono.

Ecco il mondo - e in questo mondo siamo noi.

Ognuno di noi ha il proprio percorso.

Ma secondo le stesse leggi che creiamo.

Lungo sia il cammino e difficile il pane del creatore.

E a volte voglio dare tregua.

Ma tieni le mani lontane dalla faccia.

E ancora una volta dai un cuore. E di nuovo.

L’amore e la conoscenza sono come buoni amici.

Siamo i benvenuti a venire in classe.

E la luce illumina i bambini.

Tutti noi finché non suona la campana.

Noi creiamo. Non lo stiamo facendo invano.

Diamo un pezzo di conoscenza a quelli

Chi agisce come "consumatore" finora,

Per crescere come “creatore” quindi.

Il programma "Belle arti e lavoro artistico" è un corso olistico integrato che comprende tutte le principali tipologie: pittura, grafica, scultura, arti decorative popolari, architettura, design, arti spettacolari e cinematografiche. Sono studiati nel contesto dell'interazione con altri tipi di arti e delle loro connessioni specifiche con la vita della società e dell'individuo.

Il metodo sistematizzante è l'assegnazione di tre tipi principali di attività artistica per le arti visive spaziali: costruttiva, pittorica, decorativa.

Queste tre attività artistiche sono la base per la divisione delle arti visuo-spaziali in tipologie: pittura, grafica, scultura; costruttivo - architettura, design; varie arti e mestieri. Ma allo stesso tempo, ciascuna di queste forme di attività è inerente alla creazione di qualsiasi opera d'arte e quindi costituisce una base necessaria per integrare l'intera diversità delle forme d'arte in un unico sistema, e non secondo il principio delle tipologie di elenco, ma secondo il principio del tipo di attività artistica. L'identificazione del principio dell'attività artistica si concentra sul trasferimento dell'attenzione non solo sulle opere d'arte, ma anche sull'attività umana, sull'identificazione dei suoi legami con l'arte nel processo della vita quotidiana.

Le connessioni dell'arte con la vita umana, il ruolo dell'arte nella sua esistenza quotidiana, il ruolo dell'arte nella vita della società, l'importanza dell'arte nello sviluppo di ogni bambino è il principale nucleo semantico del programma. Pertanto, quando si evidenziano le tipologie di attività artistica, è molto importante mostrare la differenza nelle loro funzioni sociali.

Il programma è progettato per fornire agli studenti una chiara comprensione del sistema di interazione tra arte e vita. È previsto un ampio coinvolgimento dell'esperienza di vita dei bambini, esempi tratti dalla realtà circostante. Il lavoro basato sull'osservazione e sull'esperienza estetica della realtà circostante è una condizione importante affinché i bambini possano padroneggiare il materiale del programma. Il desiderio di esprimere il proprio atteggiamento nei confronti della realtà dovrebbe servire come fonte di sviluppo del pensiero figurativo.

Uno degli obiettivi principali dell'insegnamento dell'arte è il compito di sviluppare l'interesse del bambino per il mondo interiore di una persona, la capacità di "approfondire se stessi", la consapevolezza delle proprie esperienze interiori. Questa è la chiave per sviluppare l’empatia.

L'attività artistica degli scolari in classe trova varie forme di espressione: l'immagine sul piano e in volume (dalla natura, dalla memoria, dalla rappresentazione); lavori decorativi e costruttivi; percezione dei fenomeni della realtà e delle opere d'arte; discussione del lavoro dei compagni, dei risultati della creatività collettiva e del lavoro individuale in classe; studio del patrimonio artistico; selezione del materiale illustrativo degli argomenti studiati; ascolto di opere musicali e letterarie (popolari, classiche, moderne).

Le lezioni introducono la drammaturgia del gioco sull'argomento studiato, vengono tracciati collegamenti con la musica, la letteratura, la storia, il lavoro. Per sperimentare la comunicazione creativa, nel programma vengono introdotti compiti collettivi. È molto importante che la creatività artistica collettiva degli studenti trovi applicazione nella progettazione degli interni scolastici.

Lo sviluppo sistematico del patrimonio artistico aiuta a realizzare l'arte come cronaca spirituale dell'umanità, come conoscenza umana del rapporto con la natura, la società, la ricerca della verità. Durante tutto il corso di studi, gli studenti conoscono opere eccezionali di architettura, scultura, pittura, grafica, arti e mestieri, studiano l'arte classica e popolare di diversi paesi ed epoche. La conoscenza della cultura artistica del proprio popolo è di grande importanza.

L'integrità tematica e la coerenza dello sviluppo del programma aiutano a garantire forti contatti emotivi con l'arte in ogni fase dell'educazione, evitando ripetizioni meccaniche, aumentando anno dopo anno, di lezione in lezione, lungo le fasi della conoscenza del bambino delle connessioni umane personali con tutto il mondo della cultura artistica ed emozionale.

Le conoscenze, le competenze e le abilità artistiche rappresentano il principale mezzo di introduzione alla cultura artistica. Forma, proporzioni, spazio, tonalità, colore, linea, volume, consistenza della materia, ritmo, composizione sono raggruppati attorno agli schemi generali dei linguaggi figurativi artistici delle arti belle, decorative e costruttive. Gli studenti padroneggiano questi mezzi di espressione artistica durante tutto il corso dei loro studi.

Tre modi di sviluppo artistico della realtà - pittorico, decorativo e costruttivo - nella scuola elementare agiscono per i bambini come tipi di attività artistica ben compresi, interessanti e accessibili: immagini, decorazioni, edifici. La costante partecipazione pratica degli scolari a queste tre attività consente loro di introdurli sistematicamente nel mondo dell'arte. Bisogna tenere presente che, essendo presentate alle scuole elementari in modo giocoso come “Fratelli-maestri” di immagini, decorazioni, costruzioni, queste tre tipologie di attività artistica dovrebbero accompagnare gli alunni durante tutti gli anni di studio. Innanzitutto aiutano a dividere strutturalmente, e quindi a comprendere l'attività delle arti nella vita circostante, e quindi aiutano in una comprensione più complessa dell'arte.

Nonostante tutta la libertà assunta dalla creatività pedagogica, è necessario tenere costantemente presente la chiara integrità strutturale di questo programma, gli scopi e gli obiettivi principali di ogni anno e trimestre, che garantiscono la continuità del progressivo sviluppo degli studenti.

2.1. Fondamenti di rappresentazioni artistiche (curriculum scuola elementare)

1a lezione (30-60 ore)

Descrivi, decori e costruisci

Tre tipi di attività artistica, che determinano l'intera varietà delle arti visive spaziali, costituiscono la base della prima lezione introduttiva.

Per aiutare i bambini (e l'insegnante) arriva una forma di iniziazione ludica e figurativa: "Tre fratelli-maestri: il Maestro dell'immagine, il Maestro della decorazione e il Maestro della costruzione". I bambini dovrebbero scoprire che molti dei loro giochi quotidiani sono attività artistiche, proprio come fanno gli artisti adulti (non ancora arte). Vedere il lavoro dell'uno o dell'altro fratello maestro nella vita circostante è un gioco interessante. È qui che inizia la conoscenza dei legami tra arte e vita. Qui l'insegnante pone le basi nella conoscenza del vasto e complesso mondo delle arti plastiche. Il compito di quest'anno comprende anche la consapevolezza che i "Maestri" lavorano con determinati materiali, e comprende anche lo sviluppo iniziale di questi materiali.

Ma i “Maestri” non compaiono davanti ai bambini tutti in una volta. All'inizio sono sotto il "berretto dell'invisibilità". Nel primo quarto si toglie il “cappello” e inizia a giocare apertamente con i bambini “Maestro dell'immagine”. Nel secondo trimestre aiuterà a rimuovere il "tappo dell'invisibilità" dal "Maestro della decorazione", nel terzo - dal "Maestro della costruzione". E nel quarto mostrano ai bambini che non possono vivere l'uno senza l'altro e lavorare sempre insieme. È inoltre necessario tenere presente il significato speciale delle lezioni generalizzate: in esse, attraverso il lavoro di ciascun "Maestro", l'opera d'arte dei bambini è collegata con l'arte degli adulti, con la realtà circostante.

Argomento 1. Ritrai.
Conoscenza del "Image Master" (8-16 ore)

"Image Master" insegna a vedere e raffigurare.
E tutti gli anni successivi di studio aiuteranno i bambini in questo: aiutali a vedere, a considerare il mondo. Per vedere non bisogna solo guardare, ma anche disegnare se stessi. Questo deve essere imparato. Qui vengono gettate solo le basi per comprendere l'enorme ruolo dell'attività dell'immagine nella vita delle persone, nei prossimi anni l'insegnante svilupperà questa comprensione. La scoperta del quartiere comprende anche il fatto che nell'arte non c'è solo un Artista, ma anche uno Spettatore. Anche essere un buon spettatore va imparato, e Image Master ce lo insegna.

Compito del “Maestro” è anche quello di insegnare ai bambini l'esperienza primaria di possedere i materiali a disposizione della scuola elementare. Questa esperienza sarà approfondita e ampliata in tutti i lavori successivi.

"Image Master" aiuta a vedere, insegna a considerare

Sviluppo delle capacità di osservazione e analitiche dell'occhio. Frammenti di natura. Animali: come sono simili e come differiscono gli uni dagli altri.

materiali: carta, pennarelli o matite colorate, oppure pastelli.

campo visivo: diapositive raffiguranti disegni di animali o animali vivi.

Serie letteraria: poesie sugli animali, sui nasi e sulle code.

serie musicali: C.Saint-Saens, suite "Il Carnevale degli Animali".

Puoi rappresentare un punto

Dai un'occhiata più da vicino ai diversi punti: muschio su una pietra, pietrisco su un muro, motivi sul marmo nella metropolitana e prova a vedere eventuali immagini in essi contenuti. Trasforma lo spot nell'immagine di un animale. Lo spot, incollato o dipinto, viene preparato dall'insegnante.

materiali: matita, pastelli, inchiostro nero, pennarello nero.

campo visivo: illustrazioni per libri sugli animali di E. Charushin, V. Lebedev, T. Mavrina, M. Miturich e altri artisti che lavorano come macchia.

Può essere rappresentato in volume

Trasformiamo un pezzo di plastilina in un uccello. Modellazione. Guarda e pensa a quali oggetti voluminosi sono simili a qualcosa, ad esempio patate e altre verdure, legni in una foresta o in un parco.

materiali: plastilina, pile, tavola.

campo visivo: diapositive di volumi naturali di forme espressive o pietre vere, la cui forma ricorda qualcosa.

Può essere visualizzato come una linea

La linea può dirlo. "Raccontaci di te" - un disegno o una serie di disegni consecutivi.

materiali: carta, pennarello nero o matita.

campo visivo: illustrazioni lineari di libri per bambini, disegni sui temi delle poesie di S. Marshak, A. Barto, D. Kharms con uno sviluppo allegro e malizioso della trama.

Serie letteraria: poesie divertenti sulla vita domestica.

serie musicali: canzoni per bambini sulla vita in famiglia.

Puoi rappresentare ciò che è invisibile (Umore)

Mostra gioia e mostra tristezza. Disegniamo musica: il compito è esprimere nell'immagine immagini di brani musicali che sono contrastanti nell'umore.

materiali: carta bianca, pennarelli colorati, matite colorate o pastelli.

serie musicali: melodie allegre e tristi.

Le nostre vernici

Prova del colore. Gioia della comunicazione con le vernici. Padroneggiare le capacità di organizzazione del posto di lavoro e di utilizzo delle vernici. Nome del colore. Che nella vita somiglia ad ogni colore. Un'immagine giocosa di un tappeto colorato multicolore.

materiali: colori, tempera, pennelli grandi e sottili, carta bianca.

Artisti e pubblico (generalizzazione dell'argomento)

Essere uno spettatore è interessante e non facile. Questo deve essere imparato. Introduzione al concetto di “opera d'arte”. Pittura. Scultura. Colora e dipingi nei dipinti degli artisti. Sviluppo delle capacità percettive. Conversazione.

campo visivo: V. Van Gogh "Girasoli", N. Roerich "Ospiti d'oltremare", V. Vasnetsov "Tre eroi", S. Konchalovsky "Lillà", M. Vrubel "La principessa del cigno".

Tema 2. Decora tu.
Conoscenza del "Maestro della Decorazione" (7-14 ore)

Il “Maestro dell'immagine”, che i bambini hanno incontrato nel primo quadrimestre, è il “Maestro della conoscenza”, uno sguardo attento sulla vita. Il "Maestro della decorazione" fa qualcosa di completamente diverso nella vita: questo è il "Maestro della comunicazione". Organizza la comunicazione delle persone, aiutandole a identificare apertamente i propri ruoli. Oggi facciamo un'escursione, domani andiamo al lavoro, poi al ballo - e con i nostri vestiti parliamo di questi nostri ruoli, di chi siamo oggi, cosa faremo. Più chiaramente, ovviamente, questo lavoro del "Maestro della Decorazione" si manifesta nei balli, nei carnevali, negli spettacoli teatrali.

Sì, e in natura distinguiamo alcuni uccelli o farfalle da altri per le loro decorazioni.

Il mondo naturale è pieno di decorazioni

Lo sviluppo dell'osservazione. Esperienza estetica. Decorazione con ali di farfalla. La farfalla viene decorata secondo il foglio ritagliato dall'insegnante oppure può essere disegnata (grande, su tutto il foglio) dai bambini durante la lezione. La varietà e la bellezza dei modelli in natura.

materiali: tempera, pennelli grandi e sottili, carta colorata o bianca.

campo visivo: diapositive "Farfalle", raccolte di farfalle, libri con la loro immagine.

L'immagine di un uccello elegante nella tecnica dell'applicazione del volume, collage. Sviluppo di un senso decorativo nel combinare materiali, i loro colori e trame.

materiali: carta multicolore e diversificata, forbici, colla.

campo visivo: diapositive e libri raffiguranti vari uccelli.

serie musicali: canzoni per bambini o popolari con un momento giocoso e decorativo pronunciato (suono di campane, imitazione del canto degli uccelli).

La bellezza va vista

La bellezza discreta e “inaspettata” della natura. Esame di varie superfici: corteccia d'albero, schiuma delle onde, gocce sui rami, ecc. Sviluppo di un senso decorativo della consistenza. Esperienza di impressioni poetiche visive.

Immagine del dorso di una lucertola o della corteccia di un albero. La bellezza della trama e del modello. Conoscenza della tecnica del monotipo monocolore.

materiali: per l'insegnante - rullo godrone, tempera diluita con acqua o inchiostro da stampa; per i bambini: una tavola di plastica, linoleum o piastrelle, pezzi di carta, una matita.

campo visivo: diapositive di varie superfici: corteccia, muschio, increspature sull'acqua, nonché diapositive che mostrano lucertole, serpenti, rane. Se possibile: corteccia genuina, tagli di legno, pietre.

Come, quando, perché una persona si adorna

Tutti i gioielli umani raccontano qualcosa del suo proprietario. Cosa possono raccontare i gioielli. Consideriamo i personaggi delle fiabe: che tipo di decorazioni hanno. Come ci aiutano a riconoscere i personaggi. Immagini di personaggi delle fiabe selezionati e delle loro decorazioni.

materiali: carta colorata, tempera, pennello.

campo visivo: diapositive o illustrazioni con personaggi di fiabe famose.

Serie letteraria: frammenti di fiabe con una descrizione dell'aspetto dell'eroe.

serie musicali: canzoni di eroi delle fiabe.

"Maestro della Decorazione" aiuta a rendere una vacanza

Decorazione della stanza. Realizzare ghirlande e stelle festive di Capodanno. Decorazione della classe e della tua casa per le vacanze di Capodanno. Pannello collettivo "Albero di Natale".

materiali: carta colorata, forbici, colla, pellicola, serpentino.

campo visivo: il lavoro dei bambini è stato completato in un trimestre.

Serie letteraria: poesie sulle vacanze di Capodanno.

serie musicali: Canzoni natalizie e di Capodanno, frammenti di P. Ciajkovskij del balletto "Lo Schiaccianoci".

Argomento 3. Costruisci.
Conoscenza del "Maestro della costruzione" (10-20 ore)

"Maestro dell'immagine" - "Maestro della conoscenza", "Maestro della decorazione" - "Maestro della comunicazione", "Maestro della costruzione" - questo è il "Maestro della creazione" dell'ambiente oggettivo della vita.

In questo quartiere, i suoi fratelli si tolgono il “berretto dell'invisibilità” e gli consegnano le redini del governo. Le persone possono conoscere il mondo e comunicare solo se hanno un ambiente umanamente organizzato. Ogni nazione ha costruito fin dai tempi primitivi. I bambini costruiscono anche i loro giochi con sabbia, cubi, sedie, qualsiasi materiale a portata di mano. Prima dell'inizio del trimestre, l'insegnante (con l'aiuto dei bambini) deve raccogliere quanto più "materiale da costruzione" possibile: cartoni del latte, yogurt, scarpe, ecc.

casa per te stesso

L'immagine di una casa fatta per me. Lo sviluppo dell'immaginazione. Pensa a una casa. Case diverse per personaggi diversi delle fiabe. Come puoi indovinare chi vive in casa. Case diverse per cose diverse.

materiali: carta colorata, tempera, pennelli; o pennarelli o matite colorate.

campo visivo: illustrazioni di libri per bambini raffiguranti abitazioni.

serie musicali: canzoni per bambini sui costruttori-sognatori.

Cosa puoi pensare a casa?

Modellare case favolose sotto forma di frutta e verdura. Costruzione di scatole e comode casette di carta per elefanti, giraffe e coccodrilli. L'elefante è grande e quasi quadrato, la giraffa ha il collo lungo e il coccodrillo è molto lungo. I bambini imparano a comprendere l'espressività delle proporzioni e la costruzione della forma.

materiali: plastilina, pile, straccio, tavola.

campo visivo: illustrazioni per le fiabe di A. Milne "Winnie the Pooh", N. Nosova "Non so nella città dei fiori", J. Rodari "Cipollino", A. Volkov "Il mago della città di smeraldo".

Serie letteraria: descrizioni di città favolose.

serie musicali: musiche per il cartone animato e il balletto "Cipollino".

"Master of Building" aiuta a creare una città

"Città da favola". L'immagine dell'immagine di una città per una fiaba particolare. Costruzione di una città di gioco. Gioco degli architetti.

materiali: tempera, carta colorata o bianca, pennelli larghi e sottili, scatole di varie forme, carta spessa, forbici, colla.

campo visivo: illustrazioni di libri per bambini.

Serie letteraria: descrizioni di una città favolosa da un'opera letteraria.

Tutto ciò che vediamo ha una struttura

Crea immagini di diversi animali: un disegno da zoo con le scatole. Crea scatole di cani divertenti di razze diverse. Il materiale può essere sostituito con un'applicazione: varie immagini di cani vengono realizzate incollando su un foglio ritagli di carta monocolore pre-preparati di varie forme geometriche.

materiali: scatole varie, carta spessa colorata e bianca, colla, forbici.

campo visivo: fotografie di animali o riproduzioni di quadri raffiguranti animali.

Tutti gli oggetti possono essere costruiti

Costruzioni in carta, imballaggi, sottobicchieri, fiori e giocattoli.

materiali: carta colorata o bianca, forbici, colla.

campo visivo: diapositive di vari argomenti rilevanti per il compito.

Serie letteraria: poesie su allegri maestri laboriosi.

Casa fuori e dentro

La casa "guarda" la strada, ma loro vivono dentro la casa. "Dentro" e "fuori" sono molto interconnessi. L'immagine della casa sotto forma di lettere dell'alfabeto come se avessero pareti trasparenti. Come potrebbero vivere nelle case-lettere piccole persone alfabetiche, come si trovano lì stanze, scale, finestre.

materiali: carta (bianca o colorata), matite o pastelli.

campo visivo: illustrazioni di libri per bambini.

Città in cui viviamo

Compito: "Disegno la mia città preferita". Immagine "per impressione" dopo il tour.

materiali: carta, tempera, pennelli o pastelli (a scelta del docente).

Serie letteraria: Poesie sulla tua città.

serie musicali: canzoni sulla tua città.

Generalizzazione dell'argomento del trimestre

Esercizio: esposizione dei lavori realizzati in un trimestre. I bambini imparano a guardare e discutere il lavoro degli altri. Giocare artisti e spettatori. Puoi creare un pannello generalizzante "La nostra città" o "Mosca".

Argomento 4. "Maestri dell'immagine, decorazioni, edifici" lavorano sempre insieme (5-10 ore)

Riconosciamo il lavoro congiunto dei "Maestri" nelle nostre opere degli ultimi quartieri e nelle opere d'arte.

La generalizzazione qui è la prima lezione. Il suo scopo è mostrare ai bambini che i nostri tre "Maestri" sono infatti inseparabili. Si aiutano costantemente a vicenda. Ma ogni "Maestro" ha il proprio lavoro, il proprio scopo. E in un'opera specifica, uno dei "Maestri" è sempre quello principale. Ecco, ad esempio, i nostri disegni-immagini: dov'è qui il lavoro del "Maestro delle costruzioni"? E ora queste opere adornano l'aula. E nelle opere in cui il “Maestro della Decorazione” era la cosa principale, come lo aiutava il “Maestro dell'Immagine”, il “Maestro della Costruzione”? L'importante è ricordare con i ragazzi qual è esattamente il ruolo di ogni "Maestro" e cosa ha aiutato a imparare. Il miglior lavoro dei bambini per tutto l'anno dovrebbe essere esposto in classe. Una sorta di mostra di cronaca. È auspicabile che ogni bambino abbia qualche opera esposta. I bambini imparano a parlare delle loro opere e dei disegni dei loro compagni. Al termine della lezione verranno proiettate diapositive di opere d'arte per adulti, e i bambini dovranno evidenziare la “partecipazione” di ciascun “Maestro” a tali opere: un vaso con un disegno figurato; un vaso la cui forma raffigura qualcosa; una foto con un edificio architettonico; fontana con scultura; interno del palazzo con decorazioni luminose, sculture e dipinti; interno di un edificio moderno con pittura monumentale.

I "Maestri" ci aiuteranno a vedere il mondo di una fiaba e a disegnarlo

Pannello collettivo e immagini individuali della fiaba.

materiali: carta, tempera, pennelli, forbici, colla, carta colorata, pellicola.

campo visivo: musica da cartoni animati, film o balletti basati su questa fiaba.

Serie letteraria: una fiaba scelta dall'insegnante.

Una lezione d'amore. La capacità di vedere

Osservazione della fauna selvatica dal punto di vista dei "Tre Maestri". Composizione "Ciao, estate!" dalle impressioni della natura.

2a lezione (34-68 ore)

tu e l'arte

Il tema "Tu e l'arte" è il più importante per questo concetto, contiene i sottotemi fondamentali necessari per la familiarità iniziale con l'arte come cultura. Ecco gli elementi primari del linguaggio (struttura figurativa) delle arti plastiche e le basi per comprendere le loro connessioni con la vita circostante del bambino. La comprensione della lingua e le connessioni con la vita sono costruite in una chiara sequenza metodologica. La sua violazione è indesiderabile.

Il compito di tutti questi argomenti è quello di introdurre i bambini nel mondo dell'arte, emotivamente connessi con il mondo delle loro osservazioni, esperienze e pensieri personali.

Argomento 1. Cosa e come lavorano gli artisti (8-16 ore)

Qui il compito principale è conoscere le possibilità espressive dei materiali artistici. Scoperta della loro originalità, bellezza e carattere della materia.

Tre colori fondamentali che costruiscono il multicolor del mondo

Colori primari e secondari. La capacità di mescolare le vernici direttamente al lavoro è una connessione vivente di colori. Descrivi i fiori, riempiendo con immagini di grandi dimensioni l'intero foglio (senza un disegno preliminare) dalla memoria e dall'impressione.

materiali: guazzo (tre colori), pennelli grandi, grandi fogli di carta bianca.

campo visivo: fiori freschi, diapositive di fiori, prato fiorito; supporti visivi che mostrano i tre colori primari e la loro miscelazione (colori compositi); dimostrazione pratica della miscelazione dei colori a guazzo.

Cinque colori: tutta la ricchezza di colori e tonalità

Buio e luce. Sfumature di colore. La capacità di mescolare vernici colorate con bianco e nero. L'immagine degli elementi naturali su grandi fogli di carta con grandi pennelli senza disegno preliminare: temporale, tempesta, eruzione vulcanica, pioggia, nebbia, giornata di sole.

materiali: guazzo (cinque colori), pennello grande, grandi fogli di carta qualsiasi.

campo visivo: diapositive della natura in stati pronunciati: temporale, tempesta, ecc. nelle opere di artisti (N. Roerich, I. Levitan, A. Kuindzhi, ecc.); dimostrazione pratica della miscelazione dei colori.

Pastello e pastelli, acquerello: possibilità espressive

Morbidi pastelli vellutati, fluidità di acquerelli trasparenti: impariamo a comprendere la bellezza e l'espressività di questi materiali.

L'immagine della foresta autunnale (dalla memoria e dall'impressione) in pastello o acquerello.

materiali: pastello o pastelli, acquerello, carta bianca, dura (avvolgimento).

campo visivo: osservazione della natura, diapositive della foresta autunnale e opere di artisti su questo argomento.

Serie letteraria: Poesie di A. Pushkin, poesie di S. Yesenin.

serie musicali: P. Tchaikovsky "Autunno" (dal ciclo "Le Stagioni").

Possibilità applicative espressive

Un'idea del ritmo delle macchie Un tappeto sul tema della terra autunnale con foglie cadute. Lavoro di gruppo (1-3 pannelli), secondo memoria e impressione.

materiali: carta colorata, pezzi di stoffa, filo, forbici, colla, carta o tela.

campo visivo: foglie vive, diapositive del bosco autunnale, terra, asfalto con foglie cadute.

Serie letteraria: F. Tyutchev "Foglie".

serie musicali: Notturni di F. Chopin, P. Čajkovskij "Settembre" (dal ciclo "Le Stagioni").

Possibilità espressive dei materiali grafici

La bellezza e l'espressività della linea. Linee sottili e spesse, commoventi e viscose. Immagine di una foresta invernale su fogli di carta bianchi (dall'impressione e dalla memoria).

materiali: inchiostro (tempera nera, inchiostro), penna, bacchetta magica, pennello fine o carboncino.

campo visivo: osservazioni naturalistiche o scivoli sugli alberi della foresta invernale.

Serie letteraria: M. Prishvin "Storie sulla natura".

serie musicali: P. Tchaikovsky "Dicembre" (dal ciclo "Le Stagioni").

Espressività dei materiali per il lavoro in volume

L'immagine degli animali della terra natia per impressione e per memoria.

materiali: plastilina, pile, tavola.

campo visivo: osservazione dei volumi espressivi in ​​natura: radici, pietre, vetrini di animali e sculture, vetrini e piccole plastiche di materiali diversi nell'originale; riproduzioni di opere dello scultore V. Vatagin.

Serie letteraria: V.Bianki "Storie di animali".

La forza espressiva della carta

Padroneggiare il lavoro piegando, tagliando e incollando la carta. Traduzione di un foglio piano in una varietà di forme tridimensionali. Incollaggio di semplici forme tridimensionali (cono, cilindro, "scala", "fisarmonica"). Costruzione di un parco giochi per animali scolpiti (individualmente, in gruppo, collettivamente). Lavoro di immaginazione; se c'è una lezione aggiuntiva, puoi assegnare un compito di origami.

materiali: carta, forbici, colla.

campo visivo: diapositive di opere di architettura, planimetrie degli anni passati realizzate dagli studenti, che mostrano le tecniche per lavorare con la carta.

Per un artista qualsiasi materiale può diventare espressivo. (generalizzazione dell'argomento del trimestre)

Comprendere la bellezza dei materiali artistici e le loro differenze: tempera, acquerello, pastelli, pastelli, materiali grafici, plastilina e carta, materiali "inaspettati".

Immagine di una città in festa di notte utilizzando materiali "inaspettati": serpentino, coriandoli, semi, fili, erba, ecc. sullo sfondo di carta scura.

Argomento 2. Realtà e fantasia (7-14 ore)

Immagine e realtà

La capacità di scrutare, di vedere, di essere osservatore. Image Master ci insegna a vedere il mondo che ci circonda. Immagini di animali o animali visti allo zoo, nel villaggio.

materiali: guazzo (uno o due colori), carta colorata, pennello.

campo visivo: opere d'arte, fotografie raffiguranti animali.

Immagine e fantasia

La capacità di fantasticare. La fantasia nella vita delle persone. L'immagine di animali e uccelli favolosi e inesistenti, che combinano elementi di diversi animali e persino piante. Personaggi fiabeschi: draghi, centauri, ecc.

materiali: guazzo, pennelli, un grande foglio di carta, preferibilmente colorato, colorato.

campo visivo: diapositive di animali reali e fantastici nelle sculture russe in legno e pietra, nell'arte europea e orientale.

serie musicali: immagini fantastiche da opere musicali.

Decorazione e realtà

Lo sviluppo dell'osservazione. La capacità di vedere la bellezza nella natura. Il "Maestro della Decorazione" impara dalla natura. Immagine di ragnatele con rugiada e rami di alberi, fiocchi di neve e altri prototipi di decorazioni utilizzando linee (individualmente, a memoria).

materiali: carboncino, gesso, pennello fine, inchiostro o tempera (un colore), carta.

campo visivo: diapositive di frammenti di natura, visti attraverso gli occhi dell'artista.

Decorazione e fantasia

Senza immaginazione è impossibile creare un unico gioiello. Decorazione di una determinata forma (colletto, mantovana, kokoshnik, segnalibro).

materiali: qualsiasi materiale grafico (uno o due colori).

campo visivo: diapositive di pizzi, bigiotteria, perline, ricami, ecc.

serie musicali: combinazioni ritmiche con predominanza di un ritmo ripetuto.

Costruzione e realtà

Il "maestro della costruzione" impara dalla natura. La bellezza e il significato delle strutture naturali - favi di api, teste di papavero e forme del mondo sottomarino - meduse, alghe. Lavoro individuale-collettivo. Costruzione di carta "Mondo sottomarino".

materiali: carta, forbici, colla.

campo visivo: diapositive di un'ampia varietà di edifici (case, cose), strutture e forme naturali.

Costruzione e fantasia

"Master of Construction" mostra le possibilità dell'immaginazione di una persona nella creazione di oggetti.

Creazione di modelli di edifici e strutture fantastici: una città fantastica. Lavoro individuale e di gruppo sull'immaginazione.

materiali: carta, forbici, colla.

campo visivo: diapositive di edifici in grado di risvegliare l'immaginazione dei bambini, opere e progetti di architetti (L. Corbusier, A. Gaudi), lavori degli studenti degli anni passati.

I "Fratelli Maestri delle Immagini, delle Decorazioni e degli Edifici" lavorano sempre insieme (generalizzazione dell'argomento)

Interazione di tre tipi di attività artistica. Progettazione (modellazione) nella decorazione di giocattoli natalizi raffiguranti persone, animali, piante. Pannello collettivo.

materiali: carta, forbici, colla, tempera, pennelli sottili.

campo visivo: lavori per bambini per il trimestre, diapositive e opere originali.

Argomento 3. Cosa dice l'arte (11-22 ore)

Questo è il tema centrale e più importante dell’anno. I due precedenti portano a lei. Il compito principale è padroneggiare il fatto che nulla nell'arte viene mai raffigurato, decorato, costruito proprio così, solo per amore di abilità. "Fratelli - Maestri", cioè l'arte, esprime sentimenti e pensieri umani, comprensione, cioè atteggiamento verso ciò che le persone raffigurano, verso chi o cosa decorano, attraverso la costruzione esprimono attitudine verso chi e per cosa costruiscono. Prima di allora, il problema dell'espressione doveva essere sentito dai bambini nelle loro opere solo a livello emotivo. Ora per i bambini tutto questo dovrebbe passare al livello di consapevolezza, diventare la prossima e più importante scoperta. In tutti i successivi trimestri e anni di studio nell'ambito del programma, questo argomento dovrebbe essere costantemente accentuato, fissato attraverso il processo di percezione e il processo di creazione, in ogni trimestre, ogni compito. Ogni compito dovrebbe avere un focus emotivo, sviluppare la capacità di percepire le sfumature dei sentimenti ed esprimerli nel lavoro pratico.

Espressione della natura degli animali raffigurati

L'immagine degli animali è allegra, veloce, minacciosa. La capacità di sentire ed esprimere il carattere dell'animale nell'immagine.

materiali: guazzo (due o tre colori o un colore).

Serie letteraria: R. Kipling fiaba "Mowgli".

campo visivo: Illustrazioni di V.Vatagin per "Mowgli" e altri libri.

serie musicali: C. Saint-Saens "Carnevale degli animali".

Espressione del carattere di una persona nell'immagine; immagine maschile

Su richiesta dell'insegnante, per tutti gli ulteriori compiti, puoi utilizzare la trama di una fiaba. Ad esempio, "La storia dello zar Saltan" di A. Pushkin offre ricche opportunità per collegare soluzioni figurative per tutti gli argomenti successivi.

Immagine di un guerriero buono e cattivo.

materiali: tempera (tavolozza limitata), carta da parati, carta da imballaggio (ruvida), carta colorata.

campo visivo: diapositive delle opere di V. Vasnetsov, M. Vrubel, I. Bilibin e altri.

Serie letteraria: "La storia dello zar Saltan" di A. Pushkin, estratti da poemi epici.

serie musicali: musica di N. Rimsky-Korsakov per l'opera "La storia dello zar Saltan".

Espressione del carattere di una persona nell'immagine; immagine femminile

Rappresentazione di immagini fiabesche di carattere opposto (la principessa del cigno e Baba Babarikha, Cenerentola e la matrigna, ecc.). La classe è divisa in due parti: una raffigura il bene, l'altra il male.

materiali: tempera o pastello (matite colorate) su fondo di carta colorata.

campo visivo: diapositive delle opere di V. Vasnetsov, M. Vrubel, I. Bilibin.

Serie letteraria: "La storia dello zar Saltan" di A. Pushkin.

L'immagine di una persona e del suo carattere, espressa in volume

Creazione in volume di immagini dal carattere pronunciato: la Principessa del Cigno, Baba Babarikha, Baba Yaga, Bogatyr, Koschei l'Immortale, ecc.

materiali: plastilina, pile, tavole.

campo visivo: diapositive di immagini scultoree di opere di S. Konenkov, A. Golubkina, ceramiche di M. Vrubel, scultura medievale europea.

Immagine della natura in diversi stati

Immagine di stati di natura contrastanti (il mare è dolce, affettuoso, tempestoso, inquietante, gioioso, ecc.); individualmente.

materiali

campo visivo: diapositive raffiguranti gli umori contrastanti della natura, oppure diapositive di dipinti di artisti che raffigurano diversi stati del mare.

Serie letteraria: fiabe di A. Pushkin "Sullo zar Saltan", "Sul pescatore e sul pesce".

serie musicali: opera "Sadko", "Scheherazade" di N. Rimsky-Korsakov o "Il mare" di M. Churlionis.

Espressione del carattere di una persona attraverso la decorazione

Decorandosi, ogni persona racconta così di se stessa: chi è, cosa è: un guerriero coraggioso - un protettore o minaccia. Le decorazioni della Principessa Cigno e di Baba Babarikha saranno diverse. Decorazione di armature eroiche ritagliate di carta, kokoshnik di una determinata forma, collari (singolarmente).

materiali: tempera, pennelli (grandi e sottili), spazi vuoti da grandi fogli di carta.

campo visivo: diapositive di antiche armi russe, pizzi, costumi femminili.

Espressione di intenti attraverso la decorazione

Decorazione di due favolose flotte opposte nelle intenzioni (buona, festosa e cattiva, pirata). L'opera è collettiva-individuale. Applicazione.

materiali: tempera, pennelli grandi e sottili, colla, puntine, fogli incollati o carta da parati.

campo visivo: diapositive di opere di artisti (N. Roerich), illustrazioni di libri per bambini (I. Bilibin), opere di arte popolare.

Insieme "Maestri delle immagini, delle decorazioni, degli edifici" creano case per personaggi fiabeschi (generalizzazione dell'argomento)

Tre "Fratelli-Maestri" insieme ai bambini (gruppi) eseguono diversi pannelli, dove, con l'aiuto di applicazioni e pittura, creano il mondo di diversi personaggi fiabeschi - buoni e cattivi (ad esempio: la torre della Principessa Cigno , la casa di Baba Yaga, la capanna del Bogatyr, ecc. ).

Sul pannello (con adesivi) viene creata una casa, lo sfondo è un paesaggio come ambiente figurativo di questa casa e una figura è un'immagine del proprietario della casa, che esprime queste immagini attraverso la natura dell'edificio, l'abbigliamento, la forma della figura, la natura degli alberi contro i quali si staglia la casa.

La generalizzazione può essere completata con una mostra di lavori basata sui risultati del trimestre e la sua discussione con i genitori. Gruppi di "guide turistiche" dovrebbero essere preparati alla discussione. L'insegnante può utilizzare ore aggiuntive per questo. Una mostra preparata da un insegnante e presentata ai genitori (spettatori) dovrebbe diventare un evento per gli studenti e i loro cari e aiutare a consolidare l'importanza critica di questo argomento nella mente dei bambini.

Argomento 4. Come dice l'arte (8-16 ore)

A partire da questo trimestre, è necessario prestare costantemente attenzione all'espressività dei mezzi. Vuoi esprimerlo? Ma come, cosa?

Il colore come mezzo di espressione: colori caldi e freddi. La lotta tra caldo e freddo

L'immagine di un fuoco che svanisce è una "lotta" tra caldo e freddo. Riempiendo l'intero foglio, mescola liberamente le vernici tra loro. Il fuoco è raffigurato come dall'alto, mentre si spegne (lavoro dalla memoria e dall'impressione). "Piuma dell'uccello di fuoco". Le vernici sono mescolate direttamente sul foglio. Non vengono utilizzate vernici in bianco e nero.

materiali: guazzo senza colori in bianco e nero, pennelli grandi, grandi fogli di carta.

campo visivo: diapositive di un fuoco che si spegne; manuale metodico sulla scienza del colore.

serie musicali: Frammenti di N. Rimsky-Korsakov dall'opera "La fanciulla di neve".

Il colore come mezzo di espressione: silenzioso (sordo)e colori vivaci. Miscelazione con vernici nere, grigie, bianche(sfumature di colore scure e delicate)

La capacità di osservare la lotta del colore nella vita. Immagine della terra primaverile (individualmente dalla memoria e dall'impressione). Se ci sono lezioni aggiuntive, possono essere impartite sulle trame della creazione di un "regno caldo" (Sunny City), un "regno freddo" (Snow Queen), ottenendo ricchezza di colori all'interno di una combinazione di colori.

materiali: guazzo, pennelli grandi, fogli di carta grandi.

campo visivo: diapositive della terra primaverile, del cielo tempestoso, della nebbia, sussidi didattici sulla scienza del colore.

serie musicali: E. Grieg. "Mattina" (frammento della suite "Peer Gynt").

Serie letteraria: Storie di M. Prishvin, poesie di S. Yesenin sulla primavera.

La linea come mezzo espressivo: il ritmo delle linee

Immagine di ruscelli primaverili.

materiali: pastelli pastello o colorati.

serie musicali: A. Arsensky "Forest Stream", "Preludio"; E. Grieg "Primavera".

Serie letteraria: M. Prishvin "Flusso della foresta".

La linea come mezzo espressivo: la natura delle linee

Immagine di un ramo con un certo carattere e umore (singolarmente o per due persone, secondo l'impressione e la memoria): rami gentili e potenti, mentre è necessario sottolineare la capacità di creare diverse trame con il carbone, sanguigno.

materiali: guazzo, pennello, bastone, carboncino, sanguigna e grandi fogli di carta.

campo visivo: rami primaverili grandi e grandi (betulla, quercia, pino), diapositive raffiguranti rami.

Serie letteraria: Versi giapponesi (carri armati).

Il ritmo delle macchie come mezzo di espressione

Conoscenza base della composizione. Dal cambiamento della posizione sul foglio, anche di punti identici, cambia anche il contenuto della composizione. La disposizione ritmica degli uccelli in volo (lavoro individuale o collettivo).

materiali

campo visivo: aiuti visuali.

serie musicali: frammenti con una pronunciata organizzazione ritmica.

Le proporzioni esprimono carattere

Progettare o scolpire uccelli con proporzioni di carattere diverse: una coda grande, una testa piccola, un becco grande.

materiali: carta bianca, carta colorata, forbici, colla o plastilina, pile, cartone.

campo visivo: uccelli veri e favolosi (diapositive di illustrazioni di libri, giocattoli).

Ritmo di linee e punti, colore, proporzioni: mezzi di espressione (generalizzazione dell'argomento)

Realizzazione di un panel collettivo sul tema “Primavera. Rumore degli uccelli”.

materiali: fogli grandi per pannelli, tempera, carta, forbici, colla.

campo visivo: lavori per bambini realizzati sul tema "Primavera", diapositive di rami, motivi primaverili.

Lezione generale dell'anno

La classe è composta dai lavori dei bambini completati durante l'anno. L'inaugurazione della mostra dovrebbe essere una vacanza gioiosa, un evento nella vita scolastica. Le lezioni si svolgono sotto forma di conversazione, ricordando costantemente ai bambini tutti gli argomenti dei quartieri di formazione. Tre "Fratelli Maestri" aiutano l'insegnante nella conversazione-gioco. Genitori e altri insegnanti sono invitati alle lezioni (se possibile).

campo visivo: il lavoro dei bambini che esprime i compiti di ogni trimestre, diapositive, riproduzioni di opere di artisti e arte popolare, aiutano a rivelare gli argomenti.

3a classe (34-68 ore)

L'arte intorno a noi

Una delle idee principali del programma: "Dalla soglia nativa - al mondo della cultura della Terra", cioè dalla familiarità con la cultura del proprio popolo, anche dalla cultura della propria "piccola madrepatria" - senza in questo modo non esiste una cultura universale.

L'educazione in questa classe si basa sull'introduzione dei bambini al mondo dell'arte attraverso la conoscenza del mondo oggettivo circostante, il suo significato artistico. I bambini vengono portati alla comprensione che gli oggetti non hanno solo uno scopo utilitaristico, ma sono anche portatori di cultura spirituale, e questo è sempre stato così, dai tempi antichi ai giorni nostri. È necessario aiutare il bambino a vedere la bellezza delle cose che lo circondano, oggetti, oggetti, opere d'arte, prestando particolare attenzione al ruolo degli artisti - "Maestri delle immagini, delle decorazioni, degli edifici" - nel creare l'ambiente per l'uomo vita.

Alla fine dell'anno i bambini dovrebbero sentire che la loro vita, la vita di ogni persona, è quotidianamente collegata alle attività artistiche. Le lezioni finali di ogni trimestre dovrebbero contenere la domanda: "Cosa accadrebbe se i "Fratelli-Maestri" non partecipassero alla creazione del mondo intorno a te - a casa, per strada, ecc.?" Comprendere l’enorme ruolo delle arti nella vita quotidiana reale dovrebbe essere una scoperta per i bambini e i loro genitori.

Argomento 1. L'arte a casa tua (8-16 ore)

Qui i "Maestri" portano il bambino nel suo appartamento e scoprono cosa ognuno di loro "ha fatto" nell'ambiente immediato del bambino, e alla fine si scopre che senza la loro partecipazione non è stato creato un solo oggetto della casa , non ci sarebbe una casa stessa.

i tuoi giocattoli

Giocattoli: come dovrebbero essere: l'artista ha inventato. Giocattoli per bambini, giocattoli popolari, giocattoli fatti in casa. Giocattoli da modellare in plastilina o argilla.

materiali: plastilina o argilla, paglia, pezzi grezzi di legno, carta, tempera, vernice a base d'acqua per terreno; piccoli pennelli, tamponi.

campo visivo: giocattolo popolare (diapositive): foschia, gorodets, filimonovo, giocattolo intagliato di Bogorodsk, giocattoli di materiale improvvisato: imballaggio, tessuto, pelliccia.

Serie letteraria: proverbi, detti, folklore, racconti popolari russi.

serie musicali: Musica popolare russa, P. Tchaikovsky "Album per bambini".

Piatti a casa

Utensili per la vita quotidiana e per le vacanze. Design, forma degli oggetti e pittura e decorazione dei piatti. Il lavoro dei "Maestri della costruzione, della decorazione e dell'immagine" nella fabbricazione di utensili. Immagine su carta. Modellazione di piatti in plastilina con pittura su primer bianco.

Allo stesso tempo, lo scopo dei piatti è necessariamente enfatizzato: per chi è, per quale occasione.

materiali: carta colorata, tempera, plastilina, argilla, pittura ad acqua.

campo visivo: campioni di utensili da fondi naturali, vetrini di utensili popolari, utensili di materiali diversi (metallo, legno, plastica).

Il fazzoletto della mamma

Uno schizzo di una sciarpa: per una ragazza, per una nonna, cioè diversa per contenuto, ritmo del modello, colore, come mezzo di espressione.

materiali: guazzo, pennelli, carta bianca e colorata.

campo visivo: diapositive di motivi naturali per sciarpe, sciarpe e tessuti, esempi di lavoro dei bambini su questo argomento.

serie musicali: Musica popolare russa (come sottofondo).

Carta da parati e tende a casa tua

Schizzi di carta da parati o tende per una stanza con uno scopo chiaro: camera da letto, soggiorno, stanza dei bambini. Può anche essere eseguito con la tecnica dello sbandamento.

materiali: guazzo, pennelli, cliché, carta o stoffa.

campo visivo: estratti da qualche fiaba, che fornisce una descrizione verbale delle stanze di un palazzo da favola.

serie musicali: brani musicali che caratterizzano diversi stati: tempestoso (F. Chopin "Polonaise" in la bemolle maggiore, op. 53), calmo, liricamente tenero (F. Chopin "Mazurka" in la minore, op. 17).

i tuoi libri

L'artista e il libro. Illustrazioni. modulo del libro. Font. Lettera iniziale. Illustrare la fiaba scelta o progettare un libro-giocattolo.

materiali: tempera, pennelli, carta bianca o colorata, pastelli.

campo visivo: copertine e illustrazioni di fiabe famose (illustrazioni di autori diversi per la stessa fiaba), diapositive, libri giocattolo, libri per bambini.

Serie letteraria: il testo della storia selezionata.

biglietto d'auguri

Bozzetto per una cartolina o un segnalibro decorativo (basato su motivi vegetali). È possibile l'esecuzione con la tecnica del graffio, dell'incisione con adesivi o del monotipo grafico.

materiali: cartoncino, inchiostro, penna, bacchetta.

campo visivo: diapositive di xilografie, linoleum, acqueforti, litografie, campioni di lavori infantili in varie tecniche.

Cosa ha fatto l'artista a casa nostra? (generalizzazione dell'argomento). L'artista ha preso parte alla realizzazione di tutti gli oggetti della casa. È stato assistito dai nostri "Maestri dell'immagine, della decorazione e della costruzione". Comprendere il ruolo di ciascuno. La forma dell'oggetto e la sua decorazione. Durante una lezione di generalizzazione, puoi organizzare un gioco di artisti e spettatori o un gioco di guide in una mostra di opere completate durante il trimestre. Tre "Maestri" stanno parlando. Raccontano e mostrano quali oggetti circondano le persone in casa nella vita di tutti i giorni. Ci sono oggetti in casa su cui gli artisti non hanno lavorato? Comprendere che tutto ciò che riguarda la nostra vita non esisterebbe senza il lavoro degli artisti, senza le arti belle, decorative e applicate, l'architettura, il design, questo dovrebbe essere il risultato e allo stesso tempo una scoperta.

Argomento 2. Arte per le strade della tua città (7-14 ore)

Tutto inizia alle porte di casa tua. Questo trimestre è dedicato a questa "soglia". E non c'è patria senza di lui. Non solo Mosca o Tula, ma proprio la strada nativa che corre "vicino al volto" della tua casa, ben battuta dai piedi.

Monumenti di architettura - patrimonio di secoli

Lo studio e l'immagine di un monumento architettonico, i luoghi natali.

materiali: carta colorata, pastelli a cera o tempera, carta bianca.

Serie letteraria: Contenuto relativo al monumento architettonico selezionato.

Parchi, piazze, viali

Architettura, costruzione di parchi. L'immagine del parco. Parchi divertimenti, parchi museo, parchi per bambini. È possibile l'immagine di un parco, di una piazza o di un collage.

materiali: carta colorata, bianca, tempera o pastelli a cera, forbici, colla.

campo visivo: visualizza diapositive, riproduzioni di dipinti.

Recinzioni traforate

Recinzioni in ghisa a San Pietroburgo e a Mosca, nella sua città natale, architravi in ​​legno traforati. Il progetto di un reticolo o cancello traforato, ritagliando carta colorata piegata e incollandola in una composizione sul tema "Parchi, piazze, viali".

materiali: carta colorata, forbici, colla.

campo visivo: diapositive di antiche recinzioni a Mosca e San Pietroburgo. Reticoli e recinzioni decorativi moderni nelle nostre città.

Lanterne nelle strade e nei parchi

Cosa sono le lanterne? Anche la forma delle lanterne è creata dall'artista: una lanterna festosa, solenne, una lanterna lirica. Lanterne per le strade della città. Le lanterne sono la decorazione della città. L'immagine o il disegno della forma di una lanterna di carta.

materiali

Vetrine

Se hai più tempo, puoi realizzare layout volumetrici di gruppo.

materiali: carta bianca e colorata, forbici, colla.

campo visivo: scivoli con vetrine decorate. Il lavoro dei bambini degli anni precedenti.

Trasporti in città

L'artista partecipa anche alla creazione della forma delle macchine. Macchine di epoche diverse. La capacità di vedere l'immagine sotto forma di macchine. Inventa, disegna o costruisci immagini di macchine fantastiche (terra, acqua, aria) dalla carta.

materiali: carta bianca e colorata, forbici, colla, materiali grafici.

campo visivo: foto di trasporto. Diapositive di vecchi veicoli. Riproduzioni da riviste.

Cosa ha fatto l'artista per le strade della mia città (nel mio paese)

Ancora una volta dovrebbe sorgere la domanda: cosa accadrebbe se i nostri “Fratelli-Maestri” non toccassero nulla per le strade della nostra città? In questa lezione vengono creati uno o più pannelli collettivi a partire da opere individuali. Potrebbe trattarsi di un panorama della strada del quartiere da diversi disegni incollati su una striscia a forma di diorama. Qui puoi posizionare recinzioni e luci, veicoli. Il diorama è completato da figure di persone, ritagli piatti di alberi e cespugli. Puoi giocare a "guide turistiche" e "giornalisti". Le guide turistiche parlano della loro città, del ruolo degli artisti che creano l'immagine artistica della città.

Argomento 3. L'artista e lo spettacolo (10-20 ore)

I “Fratelli-Maestri” si occupano di arti performative fin dall'antichità. Ma anche oggi il loro ruolo è insostituibile. A discrezione dell'insegnante, è possibile combinare la maggior parte delle lezioni sull'argomento con l'idea di creare uno spettacolo di marionette, per il quale vengono rappresentati in sequenza un sipario, una scenografia, costumi, burattini e un poster. Alla fine della lezione di generalizzazione, puoi organizzare uno spettacolo teatrale.

Maschere teatrali

Maschere di tempi e popoli diversi. Le maschere nelle immagini antiche, nel teatro, al festival. Progettare maschere espressive dai caratteri taglienti.

materiali: carta colorata, forbici, colla.

campo visivo: fotografie di maschere di diverse nazioni e maschere teatrali.

Artista teatrale

Finzione e verità del teatro. Vacanza teatrale. Le scene e i costumi dei personaggi. Il teatro in tavola. Creazione del layout della scenografia dello spettacolo.

materiali: scatola di cartone, carta multicolore, colori, pennelli, colla, forbici.

campo visivo: diapositive di bozzetti di artisti teatrali.

Serie letteraria: racconto selezionato.

Teatro delle marionette

Marionette teatrali. Teatro Petrushka. Burattini con guanti, burattini con bastoncini, burattini. Il lavoro dell'artista sulla bambola. Caratteri. L'immagine della bambola, il suo design e la sua decorazione. Realizzare un burattino in classe.

materiali: plastilina, carta, forbici, colla, stoffa, filo, bottoncini.

campo visivo: diapositive raffiguranti marionette teatrali, riproduzioni di libri sul teatro delle marionette, pellicole.

sipario del teatro

Il ruolo del sipario nel teatro. Il sipario e l'immagine dello spettacolo. Bozzetto del sipario per lo spettacolo (lavoro di squadra, 2-4 persone).

materiali: tempera, pennelli, carta grande (può provenire dalla carta da parati).

campo visivo: diapositive di sipari teatrali, riproduzioni di libri sul teatro delle marionette.

Manifesto, manifesto

Il significato del manifesto. L'immagine della performance, la sua espressione nel manifesto. Font. Immagine.

Design del poster per lo spettacolo.

materiali: carta colorata di grande formato, tempera, pennelli, colla.

campo visivo: manifesti teatrali e circensi.

Artista e circo

Il ruolo dell'artista nel circo. L'immagine di uno spettacolo gioioso e misterioso. Immagine di uno spettacolo circense e dei suoi personaggi.

materiali: carta colorata, pastelli, tempera, pennelli.

Come gli artisti contribuiscono a rendere una vacanza. L'artista e lo spettacolo (lezione riassuntiva)

Vacanza in città. "Maestri dell'immagine, della decorazione e dell'edilizia" contribuiscono a creare la Festa. Schizzo della decorazione della città per le vacanze. Organizzazione di una mostra di tutti i lavori sull'argomento presenti in classe. È fantastico se riesci a fare uno spettacolo e invitare ospiti e genitori.

Argomento 4. L'artista e il museo (8-16 ore)

Dopo aver conosciuto il ruolo dell'artista nella nostra vita quotidiana, con le diverse forme d'arte applicate, concludiamo l'anno con il tema dell'arte conservata nei musei. Ogni città può essere orgogliosa dei suoi musei. I musei di Mosca, San Pietroburgo e altre città della Russia sono i custodi delle più grandi opere d'arte mondiale e russa. E ogni bambino dovrebbe toccare con mano questi capolavori e imparare ad essere orgoglioso del fatto che è proprio la sua città natale a custodire opere così grandiose. Sono conservati nei musei. A Mosca c'è un museo - un santuario della cultura russa - la Galleria Tretyakov. Ha bisogno che glielo dica prima. Oggi l'Ermitage e il Museo Russo svolgono un ruolo enorme: centri di relazioni artistiche internazionali, ci sono molti piccoli musei e sale espositive anche interessanti.

Tuttavia, l'argomento "Musei" è più ampio. I musei non sono solo arte, ma tutti gli aspetti della cultura umana. Esistono anche "musei domestici" sotto forma di album di famiglia che raccontano la storia della famiglia, fasi interessanti della vita. Magari una casa museo di giocattoli, francobolli, reperti archeologici, semplicemente cimeli personali. Tutto questo fa parte della nostra cultura. I "Fratelli-Maestri" aiutano nell'organizzazione competente di tali musei.

I musei nella vita della città

Vari musei. Il ruolo dell'artista nell'organizzazione della mostra. I più grandi musei d'arte: la Galleria Tretyakov, il Museo delle Belle Arti. COME. Pushkin, l'Ermitage, il Museo Russo, i musei della città natale.

L'arte che è custodita in questi musei

Cos'è una "immagine". Dipinto di natura morta. genere della natura morta. Natura morta come storia di una persona. L'immagine di una natura morta sulla rappresentazione, espressione di stati d'animo.

materiali: guazzo, carta, pennelli.

campo visivo: diapositive di nature morte con uno stato d'animo pronunciato (J. B. Chardin, K. Petrov-Vodkin, P. Konchalovsky, M. Saryan, P. Kuznetsov, V. Stozharov, V. Van Gogh, ecc.).

Compiti a casa: per guardare al museo o alla mostra nature morte di diversi autori.

dipinto di paesaggio

Stiamo guardando paesaggi famosi: I. Levitan, A. Savrasov, N. Roerich, A. Kuindzhi, V. Van Gogh, K. Koro. L'immagine del paesaggio secondo la presentazione con un'atmosfera pronunciata: un paesaggio gioioso e festoso; paesaggio cupo e tetro; paesaggio dolce e melodioso.

I bambini in questa lezione ricorderanno quale stato d'animo può essere espresso con colori freddi e caldi, sordi e sonori, e cosa può succedere quando vengono mescolati.

materiali: carta bianca, tempera, pennelli.

campo visivo: diapositive con esempi di paesaggi pittoreschi con uno stato d'animo pronunciato (V. Van Gogh, N. Roerich, I. Levitan, A. Rylov, A. Kuindzhi, V. Byalynitsky-Birulya).

serie musicali: La musica di questa lezione può essere utilizzata per creare un'atmosfera specifica.

Dipinto di ritratti

Introduzione al genere del ritratto. Un ritratto dalla memoria o da un'idea (ritratto di una fidanzata, amica).

materiali: carta, tempera, pennelli (o pastello).

campo visivo: diapositive di ritratti pittoreschi di F. Rokotov, V. Serov, V. Van Gogh, I. Repin.

I musei continuano sculture di famosi maestri

Imparare a guardare la scultura. Scultura nel museo e per strada. Monumenti. scultura del parco. Scolpire una figura umana o animale (in movimento) per la scultura del parco.

materiali: plastilina, pile, supporto in cartone.

campo visivo: diapositive dalle scenografie "Galleria Tretyakov", "Museo Russo", "Ermitage" (opere di A.L. Bari, P. Trubetskoy, E. Lansere).

Dipinti storici e dipinti di genere quotidiano

Conoscenza di opere di genere storico e quotidiano. Un'immagine basata sulla presentazione di un evento storico (sul tema della storia epica russa o della storia del Medioevo, o un'immagine della propria vita quotidiana: colazione in famiglia, giochiamo, ecc.).

materiali: un grande foglio di carta colorata, pastelli.

I musei custodiscono la storia della cultura artistica, le creazioni di grandi artisti (generalizzazione dell'argomento)

"Tour" della mostra delle migliori opere dell'anno, una celebrazione delle arti con un proprio scenario. Per riassumere: qual è il ruolo dell'artista nella vita di ogni persona.

4a elementare (34-68 ore)

Ogni nazione è un artista (immagine, decorazione, costruzione
nell’opera dei popoli di tutta la terra)

Lo scopo dell'educazione e della formazione artistica di un bambino di 4a elementare è formare un'idea della diversità delle culture artistiche dei popoli della Terra e dell'unità delle idee delle persone sulla bellezza spirituale dell'uomo.

La diversità delle culture non è casuale: esprime sempre il profondo rapporto di ogni popolo con la vita della natura, nell'ambiente in cui si sviluppa la sua storia. Queste relazioni non sono immobili: vivono e si sviluppano nel tempo, sono associate all'influenza di una cultura su un'altra. Questa è la base dell'originalità delle culture nazionali e della loro relazione. La diversità di queste culture è la ricchezza della cultura umana.

L’integrità di ogni cultura è anche un elemento essenziale dei contenuti che i bambini devono sperimentare. Il bambino oggi è circondato da un multiforme disordine di fenomeni culturali che gli arrivano attraverso i media. Un sano senso artistico cerca l'ordine in questo caos di immagini, quindi ogni cultura deve essere trasmessa come una "personalità artistica olistica".

Le rappresentazioni artistiche dovrebbero essere fornite come racconti visibili di culture. I bambini per età non sono ancora pronti per il pensiero storico. Ma sono caratterizzati da un desiderio, una sensibilità per una comprensione figurativa del mondo, correlata alla coscienza espressa nelle arti popolari. Qui "dovrebbe" dominare la verità dell'immagine artistica.

Unendosi attraverso la co-creazione e la percezione alle origini della cultura del loro popolo o di altri popoli della Terra, i bambini iniziano a sentirsi partecipanti allo sviluppo dell'umanità, aprendo la strada a un'ulteriore espansione della suscettibilità alle ricchezze della cultura umana .

La diversità delle idee dei diversi popoli sulla bellezza si rivela nel processo di confronto della natura nativa, del lavoro, dell'architettura, della bellezza umana con la cultura di altri popoli.

I compiti educativi dell'anno prevedono l'ulteriore sviluppo delle competenze nel lavorare con tempera, pastello, plastilina, carta. I compiti dell'educazione lavorativa sono organicamente collegati a quelli artistici. Nel processo di acquisizione delle capacità di lavorare con una varietà di materiali, i bambini arrivano a comprendere la bellezza della creatività.

In 4a elementare aumenta l'importanza del lavoro collettivo nel processo educativo. Un ruolo significativo nel programma della 4a elementare è svolto dalle opere musicali e letterarie, che consentono di creare una visione olistica della cultura delle persone.

Argomento 1. Le origini delle arti del tuo popolo (8-16 ore)

Il lavoro pratico in classe dovrebbe combinare forme individuali e collettive.

Paesaggio della terra natale

Tratti caratteristici, originalità del paesaggio nativo. Immagine del paesaggio della sua parte natale. Mettendo in risalto la sua speciale bellezza.

materiali: guazzo, pennelli, pastelli.

campo visivo: diapositive della natura, riproduzioni di quadri di artisti russi.

serie musicali: Canzoni popolari russe.

L'immagine di una casa tradizionale russa (capanne)

Conoscenza del design della capanna, del significato delle sue parti.

Esercizio: modellismo in carta (o modellismo) della capanna. Lavoro individuale-collettivo.

Materiale: carta, cartone, plastilina, forbici, pile.

campo visivo: diapositive di complessi lignei di musei etnografici.

Compiti a casa: trova le immagini del villaggio russo, dei suoi edifici.

Decorazioni di edifici in legno e loro significato

Unità nell'opera dei Tre Maestri. Rappresentazioni magiche come immagini poetiche del mondo. Capanna: l'immagine del volto di una persona; le finestre - gli occhi della casa - erano decorate con plateau; facciata - "fronte" - pannello frontale, prichelinami. Decorazione degli edifici "in legno" realizzati nell'ultima lezione (individualmente-collettivamente). Inoltre: l'immagine della capanna (tempera, pennelli).

materiali: carta bianca, colorata o da imballaggio, forbici, colla o plastilina per edifici ingombranti.

campo visivo: diapositive delle serie "Musei etnografici", "Arte popolare russa", "Architettura in legno della Rus'".

serie musicali: V.Belov "Lud".

Villaggio - mondo in legno

Conoscenza dell'architettura russa in legno: capanne, cancelli, fienili, pozzi... Architettura sacra in legno. Immagine di un villaggio. Panel collettivo o lavoro individuale.

materiali: guazzo, carta, colla, forbici.

immagine della bellezza umana

Ogni nazione ha la propria immagine della bellezza femminile e maschile. L'abbigliamento tradizionale esprime questo. L'immagine di un uomo è inseparabile dalla sua opera. Combina idee sull'unità di grande forza e gentilezza: un bravo ragazzo. Nell'immagine di una donna, la comprensione della sua bellezza esprime sempre la capacità delle persone di sognare, il desiderio di superare la quotidianità. Anche la bellezza è un talismano. Le immagini femminili sono profondamente legate all'immagine dell'uccello: la felicità (cigno).

L'immagine di immagini popolari femminili e maschili individualmente o per un pannello (incollata in un pannello dal gruppo dell'artista principale). Fai attenzione che le figure nelle opere dei bambini dovrebbero essere in movimento e non assomigliare a una mostra di vestiti. Con lezioni aggiuntive: realizzazione di bambole secondo il tipo di stracci popolari o figure in stucco per un "villaggio" già creato.

materiali: carta, tempera, colla, forbici.

campo visivo: diapositive di materiali provenienti da musei etnografici, libri sull'arte popolare, riproduzioni di opere di artisti: I. Bilibin, I. Argunov, A. Venetsianov, M. Vrubel, ecc.

Serie letteraria: frammenti di poemi epici, fiabe russe, estratti dalle poesie di Nekrasov.

serie musicali: canzoni folk.

Compiti a casa: trova l'immagine delle immagini maschili e femminili del lavoro e delle vacanze.

Feste popolari

Il ruolo delle vacanze nella vita delle persone. Festività di calendario: festa del raccolto autunnale, fiera. Una vacanza è l'immagine di una vita ideale e felice.

Creazione di opere sul tema di una festa nazionale con una generalizzazione del materiale del tema.

materiali: pannello di carta da parati incollato per pannelli o fogli di carta, tempera, pennelli.

campo visivo: B. Kustodiev, K. Yuon, F. Malyavin, opere di arte decorativa popolare.

Serie letteraria: I. Tokmakova "Fiera".

serie musicali: R. Shchedrin "Canzoni cattive", N. Rimsky-Korsakov "Snow Maiden".

Argomento 2. Antiche città della tua terra (7-14 ore)

Ogni città è speciale. Ha il suo volto unico, il suo carattere, ogni città ha il suo destino speciale. I suoi edifici nel loro aspetto catturavano il percorso storico delle persone, gli eventi della loro vita. La parola "città" deriva da "recintare", "recintare" con un muro di fortezza - fortificare. Sulle alte colline, riflesse nei fiumi e nei laghi, crescevano città con mura bianche, templi a cupola e rintocchi di campane. Non ci sono altre città come questa. Rivelano la loro bellezza, la saggezza della loro organizzazione architettonica.

Vecchia città russa - fortezza

Compito: studio delle strutture e delle proporzioni delle torri della fortezza. Costruzione di mura e torri della fortezza in carta o plastilina. Una versione illustrativa è possibile.

materiali: in base all'opzione di lavoro selezionata.

antiche cattedrali

Le cattedrali incarnavano la bellezza, il potere e la forza dello stato. Erano il centro architettonico e semantico della città. Questi erano i santuari della città.

Conoscenza dell'architettura dell'antica chiesa in pietra russa. Costruzione, simbolismo. Costruzione di carta. Lavoro collettivo.

materiali: carta, forbici, colla, plastilina, pile.

campo visivo: V. Vasnetsov, I. Bilibin, N. Roerich, diapositive "Passeggiando per il Cremlino", "Cattedrali del Cremlino di Mosca".

Città antica e i suoi abitanti

Modellazione dell'intero contenuto residenziale della città. Completamento della “costruzione” della città antica. Opzione possibile: immagine di un'antica città russa.

Vecchi guerrieri russi - difensori

Immagine degli antichi guerrieri russi della squadra principesca. Abbigliamento e armi.

materiali: guazzo, carta, pennelli.

campo visivo: I. Bilibin, V. Vasnetsov, illustrazioni per libri per bambini.

Antiche città della terra russa

Mosca, Novgorod, Pskov, Vladimir, Suzdal e altri.

Conoscenza dell'originalità di diverse città antiche. Sono simili e diversi tra loro. Immagine di diversi personaggi delle città russe. Lavoro pratico o conversazione.

materiali: per tecnica grafica - pastelli, per monotipo o pittura - tempera, pennelli.

Modello di torri

Immagini dell'architettura Terem. Interni dipinti. Piastrelle. Immagine dell'interno del reparto: preparazione dello sfondo per il compito successivo.

materiali: carta (tinta o colorata), tempera, pennelli.

campo visivo: diapositive "Antiche camere del Cremlino di Mosca", V. Vasnetsov "Camere dello zar Berendey", I. Bilibin, A. Ryabushkin, riproduzioni di dipinti.

Festa festiva nelle camere

Pannello applicativo collettivo o immagini individuali della festa.

materiali: carta da parati incollata per pannelli e fogli di carta, tempera, pennelli, colla, forbici.

campo visivo: diapositive del Cremlino e delle camere, illustrazioni di V.Vasnetsov per fiabe russe.

Serie letteraria: A. Pushkin "Ruslan e Lyudmila".

serie musicali: F. Glinka, N. Rimsky-Korsakov.

Argomento 3. Ogni nazione è un artista (11-22 ore)

I "Fratelli-Maestri" guidano i bambini dall'incontro con le radici della loro cultura nativa alla comprensione della diversità delle culture artistiche del mondo. L'insegnante può scegliere le culture ottimali per avere il tempo di viverle in modo interessante con i bambini. Ne proponiamo tre nel contesto dei loro collegamenti con la cultura del mondo moderno. Questa è la cultura dell'antica Grecia, dell'Europa medievale (gotica) e del Giappone come esempio della cultura dell'Oriente, ma l'insegnante può prendere per studio l'Egitto, la Cina, l'India, le culture dell'Asia centrale, ecc. È importante che i bambini si rendano conto che il mondo della vita artistica sulla Terra è estremamente vario - e questo è molto interessante, gioioso. Attraverso l'arte, ci uniamo alla visione del mondo, all'anima di popoli diversi, entriamo in empatia con loro, diventiamo spiritualmente più ricchi. Questo è ciò che deve essere fatto in queste lezioni.

Le culture artistiche del mondo non sono la storia delle arti di questi popoli. Questo è il mondo spaziale e oggettivo della cultura, in cui si esprime l'anima delle persone.

Esiste un modo metodologico e giocoso conveniente per non occuparsi della storia, ma per vedere un'immagine olistica della cultura: il viaggio di un eroe delle fiabe attraverso questi paesi (Sadko, Sinbad il marinaio, Ulisse, gli Argonauti, ecc.) .).

Ogni cultura è vista in quattro modi: la natura e il carattere degli edifici, le persone in questo ambiente e le vacanze delle persone come espressione di idee sulla felicità e la bellezza della vita.

L'immagine della cultura artistica dell'antica Grecia

Lezione 1 - la comprensione dell'antica Grecia della bellezza umana - maschile e femminile - sull'esempio delle opere scultoree di Mirone, Policleto, Fidia (l'uomo è la "misura di tutte le cose"). Le dimensioni, le proporzioni, i disegni dei templi erano in armonia con la persona. L'ammirazione per una persona armoniosa e sviluppata atleticamente è una caratteristica della visione del mondo del popolo dell'antica Grecia. Immagine di figure di atleti olimpici (una figura in movimento) e partecipanti alla processione (figure in abiti).

Lezione 2: l'armonia dell'uomo con la natura e l'architettura circostante. L'idea dei sistemi di ordine dorico ("maschile") e ionico ("femminile") come carattere di proporzioni nella costruzione di un tempio greco. Immagine di immagini di templi greci (applicazioni semivolumetriche o piatte) per pannelli o modellazione di volumi su carta.

Lezione 3 - Feste dell'antica Grecia (pannello). Possono essere i Giochi Olimpici o la Grande Festa Panatenaica (una solenne processione in onore della bellezza di una persona, della sua perfezione fisica e forza, che i Greci adoravano).

materiali: guazzo, pennelli, forbici, colla, carta.

campo visivo: diapositive dell'immagine moderna della Grecia, diapositive delle opere degli antichi scultori greci.

Serie letteraria In: Miti dell'antica Grecia.

L'immagine della cultura artistica del Giappone

Rappresentazione della natura attraverso i dettagli tipici degli artisti giapponesi: un ramo di un albero con un uccello, un fiore con una farfalla, erba con cavallette, libellule, un ramo di fiori di ciliegio sullo sfondo della nebbia, montagne lontane...

Un'immagine di donne giapponesi in abito nazionale (kimono) con il trasferimento di tratti caratteristici del viso, acconciature, movimenti ondulati, figure.

Pannello collettivo "Festa dei ciliegi in fiore" o "Festa dei crisantemi". Le singole figure vengono realizzate individualmente e poi incollate in un pannello comune. Il gruppo dell'"artista principale" lavora sullo sfondo.

materiali: grandi fogli di carta per lavori collettivi, tempera, pastello, matite, forbici, colla.

campo visivo: incisioni di Utamaro, Hokusai - immagini femminili, paesaggi; diapositive delle città moderne.

Serie letteraria: Poesia giapponese.

L'immagine della cultura artistica dell'Europa occidentale medievale

I laboratori artigianali erano il principale punto di forza di queste città. Ogni bottega aveva i propri abiti, le proprie insegne, e i suoi membri erano orgogliosi del proprio mestiere, della propria comunità.

Lavoro sul pannello "Vacanza delle botteghe artigiane sulla piazza della città" con le fasi preparatorie dello studio dell'architettura, dell'abbigliamento di una persona e del suo ambiente (mondo oggettivo).

materiali: grandi fogli di carta, tempera, pastello, pennelli, forbici, colla.

campo visivo: diapositive di città dell'Europa occidentale, sculture e abiti medievali.

Diversità delle culture artistiche nel mondo (generalizzazione dell'argomento)

Mostra, conversazione - fissando nella mente dei bambini il tema del trimestre "Ogni nazione è un artista" come tema principale di tutti e tre i trimestri di quest'anno. Il risultato non è la memorizzazione di nomi, ma la gioia di condividere le scoperte di altri mondi culturali già vissuti dai bambini. I nostri tre "Fratelli-Maestri" in questa lezione dovrebbero aiutare l'insegnante e i bambini non a studiare, a memorizzare i monumenti, ma a comprendere la differenza nel loro lavoro in culture diverse - per aiutarli a capire perché gli edifici, i vestiti, le decorazioni sono così diversi.

Tema 4. L'arte unisce i popoli (8-16 ore)

L'ultimo quarto di questa classe completa il programma della scuola elementare. La prima fase della formazione termina. L'insegnante deve completare le principali linee di consapevolezza dell'arte da parte del bambino.

I temi dell'anno hanno introdotto i bambini alla ricchezza e alla diversità delle idee delle persone sulla bellezza dei fenomeni della vita. Tutto è qui: la comprensione della natura, la connessione degli edifici con essa, i vestiti e le vacanze: tutto è diverso. Avremmo dovuto renderci conto che è meraviglioso che l'umanità sia così ricca di culture artistiche diverse e che non siano diverse a caso. Nel quarto trimestre, i compiti cambiano radicalmente - sembrano opposti - dalle idee sulla grande diversità alle idee sull'unità affinché tutti i popoli comprendano la bellezza e la bruttezza dei fenomeni fondamentali della vita. I bambini devono vedere che, qualunque sia la differenza, le persone restano persone, e c’è qualcosa che viene percepito da tutti i popoli della Terra come ugualmente bello. Siamo un'unica tribù della Terra, nonostante tutte le differenze, siamo fratelli. Comune a tutti i popoli sono le idee non sulle manifestazioni esterne, ma su quelle più profonde, non soggette alle condizioni esterne della natura e della storia.

Tutte le nazioni cantano la maternità

Ogni persona al mondo ha un rapporto speciale con sua madre. Nell'arte di tutti i popoli c'è il tema della maternità cantata, la madre che dà la vita. Ci sono grandi opere d'arte su questo argomento, comprensibili e comuni a tutte le persone. Secondo la presentazione, i bambini ritraggono madre e figlio, cercando di esprimere la loro unità, il loro affetto, il loro atteggiamento reciproco.

materiali

campo visivo: "Vladimir Madre di Dio", Raffaello "Madonna Sistina", M. Savitsky "Madonna Partigiana", B. Nemensky "Silenzio", ecc.

serie musicali: ninna nanna.

Tutte le nazioni cantano la saggezza della vecchiaia

C'è bellezza esterna ed interna. La bellezza della vita spirituale. Bellezza in cui si esprime l'esperienza di vita. La bellezza del legame tra generazioni.

Compito per l'immagine di una persona anziana amata. Il desiderio di esprimere il suo mondo interiore.

materiali: guazzo (pastello), carta, pennelli.

campo visivo: ritratti di Rembrandt, autoritratti di V. Tropinin, Leonardo da Vinci, El Greco.

L’empatia è un grande tema artistico

Sin dai tempi antichi, l’arte ha cercato di evocare l’empatia dello spettatore. L'arte influenza i nostri sentimenti. Rappresentazione della sofferenza nell'art. Attraverso l'arte, l'artista esprime la sua simpatia per la sofferenza, insegna a entrare in empatia con il dolore di qualcun altro, con la sofferenza di qualcun altro.

Esercizio: un disegno con una trama drammatica inventata dall'autore (un animale malato, un albero morto).

materiali: guazzo (bianco o nero), carta, pennelli.

campo visivo: S. Botticelli "Abbandonato", Picasso "Mendicanti", Rembrandt "Il ritorno del figliol prodigo".

Serie letteraria: N. Nekrasov "Bambini che piangono".

Eroi, combattenti e difensori

Nella lotta per la libertà e la giustizia, tutti i popoli vedono la manifestazione della bellezza spirituale. Tutti i popoli cantano i loro eroi. In ogni nazione molte opere d'arte - pittura, scultura, musica, letteratura - sono dedicate a questo argomento. Il tema eroico nell'arte di popoli diversi. Schizzo di un monumento all'eroe a scelta dell'autore (bambino).

materiali: plastilina, pile, tavola.

campo visivo: monumenti agli eroi di diverse nazioni, monumenti del Rinascimento, opere scultoree del XIX e XX secolo.

Gioventù e speranza

Il tema dell'infanzia, della giovinezza nell'arte. Un'immagine della gioia dell'infanzia, dei sogni di felicità, delle imprese, dei viaggi, delle scoperte.

Arte dei popoli del mondo (generalizzazione dell'argomento)

Mostra finale delle opere. Lezione aperta per genitori, insegnanti. Discussione.

materiali: carta per scartoffie, colla, forbici, ecc.

campo visivo: i migliori lavori dell'anno o dell'intera scuola elementare, pannelli collettivi, materiale storico dell'arte raccolto dai bambini sui temi trattati.

Serie letterarie e musicali: a discrezione dell'insegnante come illustrazione ai messaggi delle guide.

Come risultato dello studio del programma, gli studenti:

• padroneggiare le basi delle idee primarie sui tre tipi di attività artistica: l'immagine sul piano e in volume; costruzione o progettazione artistica nel piano, nel volume e nello spazio; attività di decorazione o arte decorativa con l'utilizzo di vari materiali artistici;
• acquisire competenze primarie nel lavoro artistico nelle seguenti arti: pittura, grafica, scultura, design, inizi dell'architettura, arti e mestieri e forme di arte popolare;
• sviluppare le loro capacità di osservazione e cognitive, la reattività emotiva ai fenomeni estetici nella natura e nell'attività umana;
• sviluppare fantasia, immaginazione, manifestata in forme specifiche di attività artistica creativa;
• padroneggiare le possibilità espressive dei materiali artistici: colori, tempera, acquerello, pastelli e pastelli, carboncino, matita, plastilina, carta da disegno;
• acquisire competenze primarie di percezione artistica delle varie tipologie d'arte; una prima comprensione delle caratteristiche del linguaggio figurativo dei diversi tipi di arte e del loro ruolo sociale - significato nella vita umana e nella società;
• imparare ad analizzare le opere d'arte; acquisire la conoscenza di opere specifiche di artisti eccezionali in varie forme d'arte; imparare a utilizzare attivamente termini e concetti artistici;
• padroneggiare l'esperienza iniziale di attività creativa indipendente, nonché acquisire le competenze della creatività collettiva, la capacità di interagire nel processo di attività artistica congiunta;
• acquisire abilità primarie nella rappresentazione del mondo oggettivo, raffigurazione di piante e animali, abilità iniziali nella rappresentazione dello spazio su un piano e costruzioni spaziali, idee primarie sulla rappresentazione di una persona su un piano e in volume;
• acquisire capacità comunicative attraverso l'espressione di significati artistici, l'espressione dello stato emotivo, la loro attitudine all'attività artistica creativa, nonché nella percezione delle opere d'arte e della creatività dei loro compagni;
• acquisire conoscenze sul ruolo dell'artista in vari ambiti della vita umana, sul ruolo dell'artista nell'organizzare le forme di comunicazione tra le persone, creando un ambiente di vita e il mondo oggettivo;
• acquisire idee sull'attività dell'artista nelle forme d'arte sintetiche e spettacolari (nel teatro e nel cinema);
• acquisire idee primarie sulla ricchezza e la diversità delle culture artistiche dei popoli della Terra e sui fondamenti di questa diversità, sull'unità delle relazioni emotive e di valore con i fenomeni della vita.

2.2. La progettazione del programma scolastico di educazione artistica.

Questo schema rivela il contenuto del programma: le sue "tre fasi".

La prima fase - la scuola elementare - come se fosse il piedistallo dell'intero edificio - è composta da quattro gradini ed è di fondamentale importanza. Senza aver ricevuto lo sviluppo qui esposto è (quasi) inutile acquisire cognizione delle fasi successive. Potrebbero rivelarsi esterni, non inclusi nella costruzione della personalità. Ripetiamo costantemente agli insegnanti: da qualunque classe inizi a lavorare con bambini impreparati e "grezzi", devi iniziare da questa fase.

E qui il contenuto delle prime due lezioni è particolarmente significativo: non possono essere aggirate, gettano le basi dell'intero corso, di tutte le fasi della formazione del pensiero artistico.

Perdere le nozioni di base qui esposte è come perdere un'introduzione elementare all'esistenza dei numeri in matematica, con la possibilità di addizionarli e sottrarli. Sebbene qui vengano gettate anche basi più complesse delle arti.

Come suggerisce il diagramma, la prima fase, le classi primarie, mirano ad una familiarizzazione emotiva con i legami tra arte e vita. In generale, questo problema è la base dell'essenza del programma. L'arte si conosce proprio in questo contesto: si conosce il suo ruolo nella vita di ognuno di noi e si realizzano i mezzi - il linguaggio attraverso il quale l'arte svolge questa funzione.

Nella prima fase, le arti non sono divise in tipi e generi: i loro ruoli nella vita vengono appresi, per così dire, dalla personalità del bambino all'ampiezza delle culture dei popoli della Terra.

La seconda fase è completamente diversa. Qui i legami con la vita sono ricondotti proprio ai tipi e ai generi dell'arte. A ciascuno è dedicato un ampio blocco integrale, di almeno un anno. Immersione nei sentimenti e nei pensieri e consapevolezza delle peculiarità del linguaggio di ogni tipo di arte e delle ragioni di questa particolarità, dell'unicità della funzione spirituale, sociale, del ruolo nella vita di una persona e della società. Anno - Arti decorative e applicate. Due anni - bene. Anno: costruttivo. Nona elementare - arti sintetiche.

E la terza fase è l'istruzione secondaria finale. Qui è necessario fornire a tutti un livello abbastanza serio di conoscenza della storia dell'arte sia nel corso di "Cultura artistica mondiale", sia nei corsi di programmi paralleli di arti plastiche, musica, letteratura, cinema. Ogni opzione ha i suoi vantaggi e svantaggi.

Ma parallelamente a questo corso teorico, uno dei corsi pratici avrebbe dovuto essere dato, a scelta dello studente, ma proprio a tutti, uno dei corsi pratici: “graphic Literacy”, “decorative Literacy”, “design Literacy”, “ fondamenti della cultura spettacolare”. Solo creando una tale duplice unità tra teoria e pratica nella fase di completamento dell'istruzione generale, saremo in grado di competere nell'economia (e nella cultura) con i paesi economicamente sviluppati. Questo modo di completare l’istruzione secondaria, ad esempio, è operativo in Giappone da più di cinquant’anni.

Oggi poniamo il problema della connessione tra le arti e l'atteggiamento del mondo. Ma non meno significativi sono i suoi legami con l’economia. È questo il lato che sottolineano gli esperti di diversi paesi, dove viene dato spazio all'arte (fino a sei ore settimanali).

Questo programma è progettato per 1-2 ore di insegnamento per argomento. Idealmente, lo svolgimento di tutti gli argomenti dovrebbe richiedere almeno due ore (doppia lezione).

Tuttavia, con un uso chiaro della metodologia sviluppata, è realistico (anche se indebolito) condurre lezioni sull'argomento in una lezione. Tutto dipende dalla comprensione da parte della scuola del ruolo dell'educazione artistica.

Conclusione

Nel formare la personalità di un bambino, vari tipi di attività artistiche e creative hanno un valore inestimabile: disegnare, modellare, ritagliare figure dalla carta e incollarle, creare vari disegni con materiali naturali, ecc.

Tali attività danno ai bambini la gioia dell'apprendimento, della creatività. Avendo sperimentato questa sensazione una volta, il bambino si sforzerà di raccontare nei suoi disegni, applicazioni, mestieri ciò che ha imparato, visto, sperimentato.

L'attività visiva del bambino, che sta appena iniziando a padroneggiare, necessita della guida qualificata di un adulto.

Ma per sviluppare le capacità creative inerenti alla natura in ogni allievo, l'insegnante stesso deve comprendere le belle arti, la creatività dei bambini e padroneggiare i metodi necessari dell'attività artistica. L'insegnante deve gestire tutti i processi associati alla creazione di un'immagine espressiva: con la percezione estetica dell'oggetto stesso, la formazione di idee sulle proprietà e l'aspetto generale dell'oggetto, lo sviluppo della capacità di immaginare sulla base di idee esistenti , padronanza delle proprietà espressive di colori, linee, forme, incarnazione delle idee dei bambini nel disegno, modellazione, applicazioni, ecc.

Pertanto, nel processo dell'attività visiva, vengono svolti vari aspetti dell'educazione: sensoriale, mentale, estetica, morale e lavorativa. Questa attività è di primaria importanza per l'educazione estetica; È importante anche per preparare i bambini alla scuola.

Va sottolineato che è possibile garantire lo sviluppo completo dello studente solo se l'attenzione dell'insegnante è diretta alla risoluzione di questo problema, se viene eseguito il programma per l'insegnamento dell'attività visiva e viene utilizzata la metodologia corretta e varia.

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Queste linee guida hanno lo scopo di assistere gli studenti durante la pratica didattica. LBC 74.268.51 i 723 © Tetskova V.A., 2003 © GOU OSU, 2003 Introduzione Queste linee guida sono destinate agli studenti a tempo pieno della specialità 0312 "Insegnamento nella scuola primaria" nella disciplina "Belle arti con metodi di insegnamento" Le raccomandazioni si basano su l'esperienza di insegnamento della disciplina nella filiale Akbulak dell'Istituto scolastico statale OSU. L'età scolare più giovane è la più favorevole all'educazione morale ed estetica. È molto importante sviluppare in un bambino la capacità di approfondire se stesso, di realizzare la complessità e la ricchezza delle proprie esperienze interiori, la capacità di entrare in empatia e relazionarsi con le persone che lo circondano. Ciò è facilitato dall'argomento "Belle Arti". Le presenti linee guida hanno lo scopo di assistere gli studenti durante la pratica didattica. 1 Il ruolo dell'arte nello sviluppo degli scolari primari L'obiettivo principale dell'istruzione primaria moderna è l'educazione e lo sviluppo della personalità del bambino. Il raggiungimento di questo obiettivo è impossibile senza l'attuazione dei compiti affrontati nel campo educativo "Arte", che fa parte delle belle arti. Nella scuola elementare vengono risolti i seguenti compiti: - la formazione dell'atteggiamento emotivo e valoriale degli studenti nei confronti dei fenomeni della realtà e dell'arte; - la formazione del pensiero artistico e figurativo come base per lo sviluppo di una personalità creativa; - sviluppo della capacità degli scolari di percepire le opere d'arte come manifestazione dell'attività spirituale di una persona; - padroneggiare il linguaggio intonazionale-figurativo dell'arte sulla base dell'oggetto emergente dell'attività creativa e della relazione tra diversi tipi di arte; - formazione di una visione olistica della cultura artistica e musicale nazionale e del loro posto nella cultura artistica mondiale. Negli scolari più giovani, a differenza di altri periodi di età, l'orientamento personale è determinato dall'attenzione al mondo oggettivo esterno, in loro prevalgono il pensiero visivo-figurativo e la percezione emotivamente sensibile della realtà e l'attività di gioco rimane rilevante per loro. La specificità dell'arte, la sua natura artistica e figurativa, rispondono perfettamente alle esigenze personali di un bambino in età di scuola primaria. Ciò determina il potenziale pedagogico e il significato delle materie del campo educativo "Arte" nella fase della scuola elementare. Adempiendo pienamente ai compiti che si frappongono in quest'area educativa, gli insegnanti possono raggiungere con successo la realizzazione dell'obiettivo principale dell'istruzione primaria: lo sviluppo della personalità del bambino. Qualsiasi tipo di arte “pensa” per immagini e l'immagine, per sua natura artistica, è integrale. E in ogni immagine artistica, come in una goccia d'acqua, si riflette il mondo intero. Pertanto, l'area educativa "Arte" contribuisce alla soluzione di un altro compito importante che deve affrontare l'istruzione primaria: il compito di formare una percezione olistica del mondo che circonda il bambino. Per risolverlo, elementi artistici vengono introdotti nell'insegnamento di altre materie scolastiche. C'è una tendenza a costruire l'educazione nell'unità dei principi e dei metodi di insegnamento delle basi della scienza e dell'arte. Nella scuola elementare gli alunni delle scuole elementari formano la cultura artistica e musicale come parte integrante della cultura spirituale. La conoscenza, le competenze e le abilità artistiche e musicali non sono più l'obiettivo, ma i principali mezzi di formazione della cultura, composizione, forma, ritmo, proporzioni, spazio, colore, suono, parola, tempo, dinamica, ecc. sono raggruppati attorno a modelli generali del linguaggio artistico e figurativo della musica e delle belle arti. Questo approccio consente di creare corsi integrati che risolvono anche il problema di formare un quadro olistico del mondo. Un aspetto importante dell'educazione e dello sviluppo dell'individuo è l'educazione morale ed estetica del bambino. È l'età della scuola primaria, in cui predomina la percezione emotiva e sensoriale della realtà, quella più favorevole all'educazione morale ed estetica. Sentimenti ed esperienze che evocano opere d'arte, l'atteggiamento del bambino nei loro confronti sono la base per acquisire esperienza personale e la base dell'autocreazione. Questa è la chiave per l'ulteriore sviluppo dell'interesse per il mondo interiore di una persona, la capacità di approfondire se stessi, di realizzare la complessità e la ricchezza delle proprie esperienze interiori, la capacità di entrare in empatia e relazionarsi con le persone che lo circondano. L'opportunità mancata nell'educazione morale ed estetica nella fase iniziale dell'educazione non può più essere compensata nella scuola di base. Nella scuola elementare è importante mostrare al bambino la connessione dell'arte con il mondo personale dei suoi pensieri e sentimenti. Pertanto, è molto importante tenere conto delle caratteristiche locali della cultura nazionale nel processo di insegnamento degli oggetti d'arte: mestieri e mestieri caratteristici, specificità del costume popolare, utensili, architettura, ecc. Si risolve così il problema di introdurre il bambino all'arte sulla base del materiale artistico della sua terra natale, che è personalmente significativo per lui. L'insegnante dovrebbe tenere conto delle caratteristiche di età degli studenti più giovani e nelle lezioni d'arte utilizzare in misura maggiore metodi attivi e creativi, derivanti dalle leggi dell'arte, e in misura minore - verbali e informativi. Un altro compito importante del campo educativo "Arte" è l'armonizzazione del pensiero astratto-logico e figurativo del bambino, che è particolarmente importante nella fase iniziale dell'educazione, quando il bambino sta appena entrando nell'attività educativa. Passare gli studenti dalle lezioni di scienze alle attività artistiche aiuta a ridurre il sovraccarico dei bambini. Le attività artistiche hanno un significativo effetto psicoterapeutico sullo studente più giovane, alleviando lo stress neuropsichico causato da altre lezioni, preservando così la salute del bambino. Attualmente, le scuole in Russia offrono formazione secondo programmi e libri di testo variabili dell'autore. Al fine di preservare uno spazio educativo unificato sul territorio della Federazione Russa, con ordinanza del Ministero della Pubblica Istruzione russo del 19 maggio 1998 n. 1235 è stato sviluppato e approvato un contenuto minimo obbligatorio dell'istruzione generale primaria (standard) , tra gli altri, viene determinato il contenuto della componente educativa "Belle Arti". Sulla base del minimo obbligatorio, è stato sviluppato un programma esemplare "Belle Arti" e i requisiti per gli studenti che si diplomano alla scuola elementare. Il programma contiene una quantità approssimativa di conoscenze e non è suddiviso in classi, il che consente di costruire la logica e la struttura dello studio di questa componente educativa in modi diversi, senza violare i requisiti del contenuto minimo. Questi documenti costituiscono una linea guida per la preparazione dei programmi dell'autore, lo sviluppo del calendario e dei piani tematici, e creano anche le condizioni per l'attuazione di un approccio differenziato all'organizzazione dell'istruzione, per la creatività dell'insegnante, la libera scelta delle forme e dei metodi di insegnamento. Questo sviluppo metodologico propone uno schema della lezione del programma "Belle Arti e Lavoro Artistico", sviluppato sotto la guida di B.M. Nemensky. Il suo programma pone fondamentalmente il compito dello sviluppo spirituale dell'individuo. Presenta gli studenti a tre modi di sviluppo artistico della realtà: pittorico, decorativo, costruttivo. Lo sviluppo della percezione artistica e le attività pratiche sono presentati nel programma nella loro unità significativa e nell'interazione dell'arte con la vita. Tre tipi di attività economica, che determinano l'intera varietà delle rappresentazioni visive delle arti, costituiscono la base della prima classe introduttiva. La prima forma figurata di comunione viene in aiuto dei bambini (e dell'insegnante): "Tre Fratelli - Maestri - il Maestro dell'immagine, il Maestro della decorazione e il Maestro della costruzione". I bambini dovrebbero scoprire che molti dei loro giochi quotidiani sono attività artistiche, proprio come fanno gli artisti adulti (non ancora arte). Vedere il lavoro di questo o quel “Fratello Maestro” nella vita circostante è un gioco interessante. È qui che inizia la conoscenza dei legami tra arte e vita. Qui l'insegnante pone le basi nella conoscenza del vasto e complesso mondo delle arti plastiche. Il compito di quest'anno comprende anche la consapevolezza che i "Maestri" lavorano con determinati materiali, e comprende anche lo sviluppo iniziale di questi materiali. Ma “I maestri non compaiono davanti ai bambini tutti in una volta. All'inizio sono sotto il "berretto dell'invisibilità". Nel primo quarto si toglie il cappello" e comincia a giocare apertamente con i bambini "Maestro dell'immagine". Nel secondo trimestre aiuterà a rimuovere il "tappo dell'invisibilità" dal "Maestro della decorazione", nel terzo - dal "Maestro della costruzione". E nel quarto mostrano ai bambini che non possono vivere l'uno senza l'altro e lavorare sempre insieme. È necessario tenere presente il significato speciale delle lezioni generalizzate, in cui, attraverso il lavoro di ciascun "Maestro", l'opera d'arte dei bambini è collegata all'arte degli adulti. Il tema dei blocchi di lezioni (8 ore) del primo quadrimestre: “Tu ritrai - conosci il “Maestro Immagine”” “Il Maestro Immagine ti insegna a vedere e raffigurare. E tutti gli anni successivi di studio aiuteranno i bambini in questo: aiutali a vedere, a considerare il mondo. Per vedere non bisogna solo guardare, ma anche disegnare se stessi. Questo deve essere imparato. Qui vengono poste solo le basi per comprendere l'enorme ruolo dell'attività dell'immagine nella vita delle persone. Negli anni successivi l’insegnante svilupperà questa comprensione. La scoperta del quartiere comprende anche il fatto che nell'arte non c'è solo un Artista, ma anche uno Spettatore. Anche essere un buon spettatore va imparato, e Image Master ce lo insegna. Compito del “Maestro” è anche quello di insegnare ai bambini l'esperienza primaria di possedere i materiali a disposizione della scuola elementare. Questa esperienza sarà approfondita e ampliata in tutti i lavori successivi. "Image Master" aiuta a vedere, insegna a considerare. La primissima lezione di belle arti del nuovo anno accademico è una vera celebrazione del colore! L'abbondanza di fiori freschi che decorano l'aula non è solo un entourage visivamente attivo che crea un'atmosfera festosa in classe, ma è anche uno sfondo per ammirare, scrutare, immergere e comprendere la bellezza della diversità multicolore del mondo naturale . La bellezza dei fiori penetra nell'anima dei bambini, suscitando entusiasmo. Ne hanno bisogno come le ali di un uccello, sarà il loro principale impulso emotivo nel loro lavoro. 2 Schema della lezione sulle belle arti Insegnante della scuola n. ___ r.c. Akbulak F.___ I.____ O.___ Data________ Tipo di lezione: Disegnare dalla vita in prima elementare Argomento della lezione: “Fiori da favola” Obiettivo della lezione: insegnare a vedere la bellezza nella realtà circostante (nella natura). Educazione dei sentimenti, reattività emotiva. Introduci materiali visivi come carta, pennarelli, matite colorate o pastelli. Conoscere il livello generale di preparazione della classe per le belle arti. Obiettivo della lezione: Basandosi sulla percezione emotiva ed estetica dei fiori freschi autunnali, ognuno disegna la propria radura di "Fiori fatati" Attrezzatura della lezione: 1) Per l'insegnante: diversi mazzi di fiori autunnali, riproduzioni di dipinti: "Fiori" di Nalbandyan; Van Gogh "Girasoli"; O. Tolstoj "Fiori, un uccello e una farfalla"; oggetti di arte decorativa e applicata (piatti, fazzoletto). Fila musicale: P.I. Čajkovskij "Valzer dei fiori". Attrezzatura per gli studenti: Album, matite colorate, pennarelli, pastelli colorati. Design a lavagna: sul lato destro - oggetti d'arte decorativa (sciarpe pavloviane), sul lato sinistro - riproduzioni di dipinti di artisti. La parte centrale rimane pulita, in modo che alla fine della lezione, dai migliori lavori degli studenti, venga aggiunto un comune “Prato delle fiabe” Piano della lezione: 1. Parte organizzativa. – 2-3 minuti. 2. Introduzione all'argomento della lezione. - 10 minuti. 3. Percezione delle opere d'arte 5 min. E un appello alla realtà circostante. 4. Attività pratica creativa creativa degli studenti sull'argomento della lezione. 5. Generalizzazione e discussione dei risultati della lezione. 6. Pulizia del posto di lavoro. - 2 minuti. Avanzamento della lezione: Per la lezione, gli studenti preparano i materiali necessari: un album, pennarelli, matite colorate (è più conveniente metterle in un bel barattolo o bicchiere). Dopo la chiamata metto le cose in ordine, attirando l'attenzione su uno dei bellissimi mazzi di fiori in piedi sul tavolo (prendo tra le mani un vaso di fiori, lo giro ammirandolo). Insegnante: Ragazzi, e ora inizia la lezione magica della Bellezza! -Guardati intorno. Quanti bei fiori hai portato a scuola oggi! Come decorano la nostra classe! Che umore provi quando guardi questa bellezza in giro? Bambini: - Gioiosi, festosi, allegri ... Insegnante: (esaminando un altro mazzo) - Oh, e qualcuno si è nascosto qui! (mostrando la bambola ai bambini) - Chi è costui? Da dove viene? Esaminando la bambola, i ragazzi notano che ha un naso lungo, grandi occhi chiari, una bocca sorridente, la bambola è vestita con un soffice pollo, pantaloni larghi, una tavolozza con un pennello, una matita e un pennarello sono dentro le sue mani. - Ma sulla giacca c'è scritto qualcosa: Ragazzi, sono un maestro allegro! Quando tengo tra le mani un pennarello o una matita magica, posso raffigurarvi tutti, foreste, campi e montagne, distese meravigliose, fogliame squillante, una stella lontana. L'intero mondo in cui viviamo - lo chiamiamo Realtà. - Beh, certo, ora mi sono ricordato del mio vecchio amico che mi ha aiutato a studiare quando ero piccolo. Questo è un allegro "Maestro dell'immagine" - E ora è venuto alla nostra lezione per aiutarti in un'attività così difficile ed entusiasmante come lo studio. Questo "Maestro" ci ha detto che può raffigurare, cioè disegnare tutto intorno. E questi bellissimi fiori, puoi disegnarli anche tu (riferendosi alla bambola)? (la bambola annuisce) - E, probabilmente, hai disegnato tu queste immagini (vado al tabellone con le riproduzioni)? (la bambola scuote la testa) No? Allora chi? I tuoi studenti? (la bambola annuisce). SÌ?! Van Gogh "Girasole" ho letto l'iscrizione sulla riproduzione. Bambini, avete sentito questo nome? NO? Certo, non potevi conoscere questa persona, perché Vincent Van Gogh viveva sulla terra molto prima che tu nascessi, anche le tue nonne non erano ancora nate e Van Gogh aveva già lasciato questo mondo. Ma le creazioni delle sue mani: i dipinti vivono per sempre e deliziano i nostri occhi. I girasoli nella sua foto sono gli stessi come li vediamo nella vita - caldi, soleggiati, arroganti e uno è un po' triste - perché ha inclinato la testa verso il basso. - E anche questa foto è una tua studentessa? (riferendosi alla bambola). Lei annuisce. - Fedor Tolstoj è il nome della persona che ha dipinto questo bellissimo mazzo di fiori con un uccello e una farfalla. - L'immagine è dipinta in modo così naturale, anche una goccia di rugiada “trema” su una foglia, anche una mosca, come se fosse viva, si siede sul petalo di un fiore, un bruco sembra muoversi, strisciare ... e riconosciamo i fiori - Ecco una campana, ma ecco una "rosa-malva", ed ecco un garofano ... Cosa ha aiutato l'artista a rappresentare questi fiori in modo così accurato? Bambini: li ha esaminati attentamente. Insegnante: "Esatto. Questo si chiama osservazione. E questo ci insegnerà il "Maestro dell'immagine", ma in questa foto e su queste sciarpe luminose vediamo... cosa? Bambini: Anche i fiori! Insegnante: Possiamo nominarli? Bambini: no. Sembrano tanti fiori contemporaneamente. Insegnante: Sì, qui, puoi dire subito, un'immagine generalizzata di un fiore. Come se si fondessero insieme, rosa e peonia, maggiore e aster. E si è rivelato un fiore favoloso e fantastico, che sembra esistere e non esiste in natura. Questi fiori sulle cose non sono creati dalla natura, ma dalla fantasia e dall'abilità dell'uomo. L'uomo, come la natura, può creare la stessa bellezza che piace, porta luce e bontà! - Ragazzi, volete essere i creatori della bellezza? - SÌ! - Come crei la bellezza? - Disegneremo! - Sai cosa disegnerai? - Sì, fiori. - Meraviglioso! Ottima idea per disegnare fiori! E che tipo di fiori disegneresti: veri, come li vedi nei bouquet, o i tuoi, favolosi? - (le opinioni sono divise) - Bene, lascia che ognuno disegni il proprio prato magico (cioè, un foglio di carta paesaggistico si trasformerà in un prato) con fiori meravigliosi, e alla fine della lezione realizzeremo un grande prato fiorito da i tuoi disegni Hai matite, pennarelli, pastelli tra le mani. Sai già come usarli? - SÌ!