Arte decorativa e applicata: tipi, immagini, sviluppo. Museo di Arte Decorativa, Applicata e Popolare. Il valore delle arti e dei mestieri nella vita umana

13.04.2019

Il ruolo delle arti e dei mestieri nello sviluppo dei bambini in età prescolare.

L'istruzione è stata e rimane il fattore di trasformazione più importante nello sviluppo sociale. Il futuro è in gran parte determinato dal livello di educazione dello sviluppo spirituale e morale delle giovani generazioni. L'asilo, insieme alla famiglia, svolge un ruolo importante nell'educazione di un bambino in età prescolare. Un'istituzione educativa prescolare ha il suo impatto educativo sul bambino nel periodo più sensibile (sensibile, ricettivo) della sua vita. Il compito principale dell'asilo è migliorare l'efficienza e la qualità dell'educazione dei bambini basata sull'educazione completa e sullo sviluppo della personalità di ogni bambino. Prima di un'istituzione educativa prescolare, tra i compiti più importanti c'è la formazione della prima infanzia della cultura di base dell'individuo, elevate qualità morali: amore per la Patria, rispetto per il suo patrimonio storico e culturale; cultura e tradizioni di altre nazioni.

Le arti e i mestieri popolari del nostro paese sono parte integrante della cultura. L'emotività, le immagini poetiche di quest'arte sono vicine, comprensibili e care alle persone. Fa emergere un atteggiamento sensibile nei confronti della bellezza, contribuisce alla formazione di una personalità sviluppata armoniosamente. Basata su profonde tradizioni artistiche, l'arte popolare entra nella vita e nella cultura della nostra gente, ha un effetto benefico sulla formazione di una persona del futuro. Le opere artistiche create da artigiani popolari riflettono sempre l'amore per la loro terra natale, la capacità di vedere e comprendere il mondo che li circonda.

Nella cultura contemporanea, l'arte popolare vive nelle sue forme tradizionali. Grazie a ciò, i prodotti degli artigiani popolari mantengono le loro caratteristiche stabili e sono percepiti come portatori di una cultura artistica integrale.

Le tradizioni e lo stile di vita di ogni popolo si incarnano in costumi, gioielli, oggetti per la casa, decorazioni per la casa, che provengono da tempi antichi e cambiano nel tempo, pur mantenendo le caratteristiche principali.

Sempre più spesso le opere d'arte e artigianato penetrano nella vita delle persone, formano un gusto artistico, creando un ambiente esteticamente completo che determina il potenziale creativo dell'individuo. Pertanto, il ruolo delle istituzioni educative prescolari è ottimo, dove si sta lavorando con successo per familiarizzare i bambini con esempi di arte popolare. Gli oggetti dell'arte popolare sono diversi. Questi possono essere giocattoli in legno, argilla, piatti, tappeti, pizzi, miniature laccate.

L'alto significato spirituale e ideologico delle arti e dei mestieri popolari ha una forte influenza sulla formazione del mondo interiore dei bambini. L'impiego sistematico con vari tipi di lavorazione artistica dei materiali ha un effetto benefico sullo sviluppo del gusto estetico dei bambini e, allo stesso tempo, è associato all'acquisizione delle competenze necessarie per il loro ulteriore lavoro.

Grazie all'interesse per queste attività, vengono allevati l'entusiasmo per loro, l'operosità e la perseveranza nel lavoro. Attraverso il processo di creazione di prodotti di arti e mestieri belli ed esteticamente giustificati, gradualmente, in modo discreto, ma molto produttivo, l'amore per varie professioni viene instillato nei bambini.

Il più grande effetto educativo è dato dalla conoscenza dei bambini in età prescolare con le arti e l'artigianato dell'artigianato popolare. I prodotti degli artigiani popolari si distinguono per il loro senso del materiale, l'unità organica dell'utilitarismo (orientamento pratico) di una cosa con il suo decoro, colore nazionale e alti meriti morali ed estetici. C'è così tanta carica educativa nell'arte popolare (non solo nei prodotti finiti che piacciono alla vista, ma anche nel processo stesso, nella tecnologia della loro creazione), che sorge spontanea la domanda sul suo uso più attivo nel lavorare con i bambini in età prescolare.

Il compito dell'educatore è guidare il processo creativo dei bambini in età prescolare, orientandoli allo studio di campioni di arti e mestieri popolari. Il principio di concentrarsi sull'arte popolare dovrebbe costituire la base del contenuto delle lezioni con bambini in età prescolare in vari tipi di arti e mestieri.

Nel processo di studio dei principali tipi di arte popolare, i bambini padroneggiano la struttura artistica dell'ornamento, conoscono il lavoro degli artisti. Vengono allevati sentimenti patriottici, orgoglio per la propria patria, la propria gente, rispetto per la cultura e le tradizioni di altri popoli. Attraverso le tradizioni popolari, l'educazione della sensibilità emotiva, della gentilezza, del senso di cameratismo e dell'autostima, sviluppa la creatività artistica dell'individuo, il senso estetico e gli orizzonti. Gli alunni ricevono conoscenze sullo sviluppo dei principali tipi di arti decorative e applicate, sul lavoro degli artisti e artigiani più significativi, sulle caratteristiche dei costumi e degli ornamenti nazionali, sulla collezione di opere d'arte e artigianato popolare dei musei locali ; familiarizzare con concetti elementari, come colore, ritmo, forma, proporzione, linea, volume, spazio.

L'arte popolare è figurativa, colorata, originale nel suo design. È accessibile alla percezione dei bambini, poiché porta un contenuto comprensibile, che nello specifico, in forme semplici e concise, rivela al bambino la bellezza e il fascino del mondo circostante. Queste sono immagini favolose di animali, sempre familiari ai bambini, fatte di legno e argilla.

Gli ornamenti usati dagli artigiani popolari per dipingere giocattoli e piatti includono fiori, bacche, foglie, alcuni che il bambino incontra nella foresta, nel campo, nell'area dell'asilo. Gli asili dovrebbero avere un numero sufficiente di oggetti di arte popolare. I prodotti artistici vengono mostrati ai bambini durante le conversazioni sugli artigiani e vengono utilizzati nelle attività educative. Per i bambini in età prescolare più piccoli è bene avere giocattoli in legno cesellato, giocattoli divertenti dei maestri di Bogorodsk, prodotti degli artigiani di Kargopol. Se nel primo gruppo più giovane i bambini giocano con i giocattoli, nel secondo gruppo più giovane questi giocattoli possono essere considerati prima della modellazione. Per il gruppo di mezzo, è bello avere giocattoli Semenov, Filimonovo e Kargopol, Bogorodsk trasformati in giocattoli di legno.

Per i bambini dei gruppi anziani e preparatori per la scuola è disponibile qualsiasi giocattolo popolare, di argilla e di legno.

I giocattoli popolari con i loro temi ricchi influenzano l'idea del bambino durante la modellazione, arricchiscono l'idea del mondo che li circonda. Sotto l'influenza di oggetti d'arte popolare, i bambini percepiscono illustrazioni per racconti popolari, il cui lavoro si basa sulle tradizioni nazionali, più profonde e con grande interesse. L'insegnante ha bisogno di conoscere i mestieri popolari, la storia del loro verificarsi. Ma prima di tutto, deve capire e amare le arti e i mestieri popolari, sapere a quale tipo di artigianato popolare appartiene questo o quel giocattolo. Essere in grado di parlare dei maestri che realizzano giocattoli e raccontarlo in modo divertente per interessare un bambino piccolo.

Pertanto, l'arte popolare ha un grande potere di impatto emotivo ed è una buona base per la formazione del mondo spirituale di una persona.

1.1 Posto speciale per arti e mestieri

1.2 Filosofia delle arti e dei mestieri

2.1 Nascita delle arti e dei mestieri

2.2 Il ruolo delle arti e dei mestieri nella società moderna

2.3 Arti decorative e applicate come parte integrante della vita culturale della società Conclusione Elenco della letteratura usata

Introduzione L'arte decorativa e applicata ha le sue radici nella profondità dei secoli. L'uomo ha creato oggetti esteticamente preziosi durante tutto il suo sviluppo, riflettendo in essi interessi materiali e spirituali, quindi le opere d'arte e artigianato sono inseparabili dal momento in cui sono state create. Nel suo significato di base, il termine "arti e mestieri" indica il design di oggetti per la casa che circondano una persona per tutta la vita: mobili, tessuti, armi, piatti, gioielli, vestiti, ovvero tutto ciò che forma l'ambiente con cui quotidianamente entra in contatto. Tutte le cose che una persona usa non dovrebbero essere solo comode e pratiche, ma anche belle.

Questo concetto si è formato nella cultura umana non immediatamente. Inizialmente, ciò che circonda una persona nella vita di tutti i giorni non era percepito come avente valore estetico, anche se le cose belle hanno sempre circondato una persona. Anche nell'età della pietra, gli oggetti domestici e le armi erano decorati con ornamenti e tacche, poco dopo apparvero gioielli in osso, legno e metallo, per il lavoro veniva utilizzata un'ampia varietà di materiali: argilla e pelle, legno e oro, vetro e fibre vegetali, artigli e denti di animali. Il dipinto copriva piatti e tessuti, i vestiti erano decorati con ricami, tacche e inseguimenti venivano applicati ad armi e piatti, i gioielli erano realizzati con quasi tutti i materiali. Ma una persona non ha pensato al fatto che le solite cose che lo circondano per tutta la vita possono essere chiamate arte e separate in una tendenza separata. Ma già nel Rinascimento l'atteggiamento nei confronti degli oggetti di uso quotidiano iniziò a cambiare. Ciò è stato causato dal risveglio degli interessi delle persone in passato, associato al culto dell'antichità sorto in quel momento. Allo stesso tempo, è sorto l'interesse per l'abitazione come oggetto equivalente in termini di valore estetico ad altri oggetti d'arte. L'arte decorativa e applicata raggiunge il suo massimo sviluppo nell'era del barocco e del classicismo. Molto spesso, la forma semplice e praticamente conveniente di un oggetto era nascosta dietro squisite decorazioni: pittura, ornamenti, goffratura.

Il processo artistico moderno è complesso e sfaccettato, proprio come la realtà moderna è complessa e sfaccettata. L'arte, comprensibile a tutti, ci circonda ovunque - a casa e in ufficio, in azienda e nel parco, negli edifici pubblici - teatri, gallerie, musei. Tutto — da anelli, braccialetti e servizi da caffè a un complesso tematico olistico di opere d'arte e artigianato per un grande edificio pubblico — porta la diversità delle ricerche artistiche di maestri che sentono sottilmente lo scopo decorativo di un oggetto, organizzano e riempiono la nostra vita di bellezza. Per creare i comfort necessari per una persona e allo stesso tempo decorare la sua vita, gli artisti si sforzano di garantire che tutte le cose utilizzate nella vita di tutti i giorni non solo corrispondano al loro scopo, ma siano anche belle, eleganti e originali. E la bellezza e l'utilità sono sempre vicine quando gli artigiani intraprendono il lavoro e da una varietà di materiali (legno, metallo, vetro, argilla, pietra, ecc.) Creano oggetti per la casa che sono opere d'arte.

1. Il ruolo delle arti e dei mestieri nella vita delle persone

1.1 Un posto speciale per le arti ei mestieri Da più di un secolo i problemi etnici hanno letteralmente invaso le discipline umanistiche in varie forme, riordinando concetti già più o meno consolidati e rivelando in essi nuovi contenuti. In effetti, il sincretismo osservabile esteriormente e la natura euristica della realtà etnica non possono passare inosservati a quelle sezioni della scienza umana che pretendono di essere sistematiche. Insieme ai compiti di ricerca per rivelare il comune e lo speciale nella vita culturale di varie comunità etniche, c'è un bisogno acuto, in molti casi urgente, di cercare costumi popolari e risolvere rapidamente problemi psicologici pratici per stabilire i mezzi culturali minimi. Zavyalov K. F. Religione dei popoli slavi. T. 1, 2 / Tomsk, 1994 - 1995. Un posto speciale tra questi mezzi è occupato da arti e mestieri (DPI), che è strettamente connesso, più precisamente, cresce organicamente dal solito, radicato stile di vita delle persone . Il DPI dei popoli, in particolare, è giustamente considerato ormai non come oggetti domestici obsoleti, ma come polifunzionali, costituenti allo stesso tempo la mentalità (secondo L. Fevre) e l'uso utilitaristico, come cose belle, abilmente e opportunamente fatte, in quali talenti popolari e cultura artistica, tecnologia e consapevolezza di sé del gruppo etnico, la personalità dell'autore e la norma sociale. DPI non ha mai limitato le sue funzioni al solo design utilitaristico (decorativo). Qualunque sia il lato considerato della vita delle tribù slave, ovunque si possono vedere due influenze reciproche: la vita sull'arte e l'arte sulla vita. In questa "respiro ed espirazione" dell'arte si tracciano tangibilmente il ritmo del pensiero popolare, la sua magia e "prelogicità", la visione del mondo e il sistema delle relazioni interpersonali, i fondamenti educativi e le priorità etiche. Il modo in cui questi segni, oltre il crogiolo della comprensione artistica, influenzano la generazione emergente di una comunità etnica è l'oggetto del nostro studio.

Secondo G. W. F. Hegel, “se stiamo parlando dell'obiettivo universale, e non casuale dell'arte, allora, tenendo conto della sua essenza spirituale, questo obiettivo ultimo può essere solo spirituale e, inoltre, non accidentale, ma radicato nello stesso natura del carattere obiettivo. Per quanto riguarda l'edificazione, questo obiettivo non poteva che essere quello di portare alla coscienza contenuti spirituali essenziali per mezzo di un'opera d'arte. L'arte è diventata davvero la prima maestra dei popoli”. A ciò va aggiunto che l'identità del popolo e della sua cultura significa la sua autorealizzazione, l'alterità del suo spirito, la sua espansione e rappresentazione esterna sotto forma di prodotti della cultura del suo pensiero. L'immagine artistica che accompagna un'opera d'arte non è solo determinata dallo scopo della cosa o dal materiale di cui è composta, ma è anche fonte, mezzo e risultato di un'attività semiotica, segno e messaggio allo stesso tempo . Pertanto, in relazione ai popoli con un DPI primordialmente conservato, si può sostenere che fin dalla nascita, i muti inviati della cultura iniziano a educare un bambino dalla nascita. Qualunque sia l'oggetto che un bambino raccoglie, fin dalla tenera età si trova di fronte alla necessità di deoggettivare questo messaggio, poiché non esiste un tale ambito di utilizzo, soprattutto tra i popoli il cui stile di vita non è ancora molto ricettivo al ideali della cultura di massa europea o asiatica (dove, insieme al carattere di massa, l'alienazione), dove i prodotti dell'artista della “vita quotidiana” non sarebbero penetrati. Il compito generale della ricerca psicologica può essere così orientato a determinare il ruolo effettivo del PPI nello sviluppo dei bambini delle persone, poiché anche la più preliminare osservazione delle forme educative consolidate indica il profondo coinvolgimento del PPI in tutte le circostanze culturali di attività dei bambini.

Tra gli slavi, che continuano a vivere nel contesto della natura (villaggi, fattorie, ecc.) E conservano il loro modo di vivere abituale, questa educazione avviene con l'aiuto del mondo circostante, che è inquadrato non solo in "concetti" , come in una società tecnogenica, ma anche in uno spazio simbolico simbolico - una sorta di rifrazione attraverso decori, ornamenti e mosaici, incorporati negli oggetti domestici, nei vestiti, nel modo di vivere, nei comandamenti eternamente vivi e custoditi con cura, che vengono trasmessi di secolo in secolo non sotto forma di istruzioni e consigli "come vivere", ma attraverso le tradizioni di studio, uso, produzione congiunta di articoli DPI. Secondo D. Lukács, “decorando gli strumenti del lavoro, una persona già da tempo immemorabile si impossessava di singoli oggetti, che sia praticamente che tecnicamente sono stati a lungo una sorta di continuazione del suo raggio d'azione soggettivo, li ha resi parte integrante di il suo “io” in senso lato”. In effetti, il DPI tra gli slavi è una lingua di comunità, i primi segni di padronanza che si possono trovare anche nei bambini. Questa lingua non è stata appositamente formata, ma nelle condizioni di un collegio nazionale - una sorta di confine tra due culture: esterna e interna, la sua - diventa uno dei sistemi di mezzi più sviluppati di cui un bambino è pronto a disporre in una nuova situazione per se stesso. Zavyalov K. F. Religione dei popoli slavi. Vol. 1, 2 / Tomsk, 1994 - 1995.

1.2. Filosofia delle arti e dei mestieri La combinazione di metodi etnografici, storici, culturali e psicologici è, secondo I. S. Kon, necessaria per il corretto studio del fenomeno psicologico e filosofico. Ecco perché, nello studio della funzione e del ruolo del DPI nella formazione dei mezzi di orientamento adeguato dei bambini nel mondo che ci circonda, consideriamo DAYS un fenomeno indipendente, cercando nei primi passi di determinarne i confini e di presentare la sua fenomenologia filosofica in termini generali. In altre parole, il punto della nostra ricerca è rivolto al fenomeno del DPI in modo tale che dietro le forme di comportamento ludico e di pensiero del bambino, colte nella soluzione di compiti speciali, per rivelare il significato generale del DPI per il bambino sviluppo.

Studi di carattere culturale e filosofico (J. Fraser, E. B. Tylor, L. Levy-Bruhl, K. Levy-Strauss, ecc.) ci rivelano uno spazio privilegiato per l'esistenza del pensiero degli slavi “naturali” (mantenendo ancora un rapporto speciale con la natura). Questo spazio è pieno dello spirito (pensante) del popolo, modellato dalle sue tradizioni, rituali, stereotipi etnici, saturo di magia, partecipazione, pralogicità, ecc. DPI è una parte essenziale e integrante, un momento di questo spirito; una delle sue proprietà più essenziali è rivolgersi a ogni nuova generazione emergente di una comunità etnica. È in questa forma (insieme alla scrittura formalizzata o emergente) nel linguaggio del costume e dell'ornamento, del modello e del rituale, dell'arredamento e del colore che i popoli mantengono la connessione dei tempi e tramandano le loro norme etniche dal nonno al nipote. Questo processo di trasmissione è nascosto da occhi indiscreti; è intimo sebbene quotidiano, non sistematico sebbene regolare; è stabilito dalla routine culturale, ma è padroneggiato in modo personale.

Quindi, tutti gli articoli per la casa degli slavi erano realizzati esclusivamente con materiali locali. Ogni famiglia aveva molti contenitori di corteccia di betulla di varie forme e scopi, e gli uomini scolpivano mortai, tinozze, palette e cucchiai di legno. Scatole e targhe erano originali. Vestiti e piccoli oggetti venivano riposti in borse e borse varie fatte di pelli e tessuti. Forse più importanti di queste funzioni puramente pratiche e utilitarie erano le funzioni informative e magiche di DPI. Vestiti e scarpe sono stati realizzati in modo colorato e artistico, con grande immaginazione. La funzione informativa (identificativa) era svolta dagli elementi del design del colore e dall'ornamento, che era molto diffuso. Motivi decoravano abiti, scarpe, cappelli, cinture, porta aghi, cuscini, borse, scatole, corpi, culle. L'ornamento degli slavi, come qualsiasi altra lingua grafema etnica, si distingueva per la ricchezza delle forme, la varietà delle trame, il rigore e la chiarezza della costruzione. Pertanto, l'ornamento di oggetti, così come tutti i DPI in generale, dovrebbe essere percepito da noi non come una fantasia stravagante del maestro, ma come una parte importante della cultura popolare, come mezzo per esprimere gusti artistici, caratteristiche nazionali del persone, la loro visione del mondo e la loro storia. Hegel GWF Estetica. T. 1. M., 1968,

La funzione educativa del DPI potrebbe non essere chiaramente espressa per un osservatore esterno, ma la sua completezza e regolarità sono certamente evidenti. Dalla culla, il bambino è accompagnato da oggetti per la casa realizzati con la brillante tecnica artistica di DPI. Per quanto possiamo giudicare dai risultati di sondaggi, interviste e osservazioni, nel corso di questa inclusione nella cultura, avviene una sorta di trasformazione della "simbiosi" dell'educatore (nei Khanty non si distingue esplicitamente, questa funzione è assunta da tutti gli adulti che stanno accanto al bambino), sistema segno-simbolico del DPI e del bambino. La distanza psicologica tra l'adulto, il bambino e l'oggetto comincia già nella prima infanzia a trasformarsi sostanzialmente in questa laconica cultura in una sorta di parità.

Essendo la lingua della comunità, DPI porta idee che uniscono le persone in un unico insieme, un segno comune che consolida le forze spirituali dei Khanty e i loro modi di autocoscienza ed espressione di fede in un futuro migliore, i cui segni sono facilmente rilevabile nei bambini. Allo stesso tempo, è interessante notare che la lingua DPI non è completamente formata (o è già stata persa) come universale etnico universale e viene utilizzata principalmente senza comprensione.

Molto probabilmente, il valore educativo del DPI supera tutte le nostre possibili idee al riguardo. Una cosa è chiara, non si limita solo alle funzioni pratiche e utilitarie: un tempo i prodotti DPI svolgevano la funzione di "talismano" e nessuna persona poteva farne a meno. Gli spiriti maligni gli saltavano addosso e lo ferivano o lo facevano ammalare. Questi prodotti, come i gioielli per le donne, un ornamento o un segno generico sui vestiti per gli uomini, proteggevano i loro proprietari dall'influenza di forze che non erano ancora chiare per loro. Al giorno d'oggi, le persone non sempre ammettono di credere nel potere miracoloso di gioielli e ornamenti, ma continuano a realizzare e indossare questi prodotti. Oltre al fatto che i gioielli sono belli e sorprendenti, esprimono l'affiliazione nazionale, tribale ed etnica e in precedenza portavano anche l'identificazione e l'identità personale dei loro proprietari. Hegel GWF Estetica. T. 1. M., 1968,

Il fenomeno DPI permea tutti gli aspetti della vita: l'organizzazione della vita quotidiana, il modo delle relazioni familiari, tribali, "internazionali" e interpersonali. Il ruolo e le funzioni del DPI (illuministico, rituale, estetico, ecc.) non sono sempre chiaramente compresi, ma sono costantemente contenuti in qualsiasi oggetto d'arte, in manifestazioni di comportamento e pensiero. DPI è compreso, apprezzato e utilizzato da tutti i membri di questa comunità e non sarebbe esagerato affermare che molti ne sono coinvolti. L'atteggiamento nei confronti del DPI può servire come misura dell'autocoscienza delle persone come contenente l'integrità mentale ed espressa in un "messaggio" segno-simbolico per gli altri e per se stessi.

2. Lo sviluppo delle arti e dei mestieri nel nostro tempo

2.1 Emersione di arti e mestieri Pertanto, non inventeremo nuove definizioni di DPI e ci rivolgeremo al Dizionario enciclopedico russo (RES), un libro progettato per affermare seccamente opinioni stereotipate su qualsiasi fenomeno scientifico. DPI è presentato in un articolo molto dettagliato:

"L'arte decorativa e applicata è il campo dell'arte decorativa: la creazione di prodotti artistici che hanno uno scopo pratico nella vita pubblica e privata e la lavorazione artistica di oggetti utilitaristici (utensili, mobili, tessuti, strumenti, veicoli, abbigliamento, gioielli, giocattoli, ecc.). Nella lavorazione dei materiali (metallo, legno, vetro, ceramica, vetro, tessuti, ecc.) Vengono utilizzati fusione, forgiatura, goffratura, incisione, intaglio, pittura, intarsio, ricamo, stampa, ecc. D.-p.i. fanno parte dell'ambiente oggettivo che circonda una persona e lo arricchiscono esteticamente. Di solito sono strettamente connessi con l'ambiente architettonico e spaziale, l'insieme (sulla strada, nel parco, all'interno) e tra loro, formando un sottile. complesso. Sorta in tempi antichi, D.p.i. diventata una delle aree più importanti dell'arte popolare, la sua storia è legata all'artigianato artistico, alle attività di artisti e artigiani professionisti, dall'inizio del XX secolo. anche con progettazione e costruzione. Sokolov K. F. Religione dei popoli slavi. T. 1, 2 / Mosca, 1994 - 1995.

Quindi, nell '"arte decorativa" si distinguono tre tipi: arte monumentale e decorativa, arte del design e DPI.

Poniamoci subito la domanda: perché di questi tre tipi solo DPI ha ricevuto un nome breve noto a quasi tutti? Perché esiste un nome comunemente usato per gli artisti che lavorano nel campo delle belle arti - "DPIshniki", e non ci sono "MDIshniki" e "OIshnikov"? Perché quando parlano di “applicati” intendono proprio gli artisti del DPI?

Vediamo: qualsiasi muralista può definirsi pittore (o scultore), e nessuno si opporrà a questo. I designer (così come i cartellonisti, così come gli scenografi) hanno il diritto di essere chiamati grafici o pittori (e talvolta scultori), e anche questo è nell'ordine delle cose. Ma i "DPIshniki" (ufficialmente - "applicati") - questi sono gioiellieri, ceramisti, produttori di scrigni e maestri dell'artigianato popolare e chiunque, ma non pittori, non artisti grafici e non scultori.

E se un gioielliere o un ceramista si definisce scultore e un miniaturista Palekh o Rostov si definisce pittore, allora questo provocherà una lieve sorpresa tra coloro che lo circondano, nel migliore dei casi, e nel peggiore un'osservazione come “non salire sulla tua slitta. "

Tipicamente, il RES ha "legittimato" anche questa situazione. Senza entrare nelle vicissitudini di vari ambiti della filosofia dell'arte, i suoi autori affermano:

"Arte,

1) sottile. creatività in generale: letteratura, architettura, scultura, pittura, arti grafiche, arti e mestieri, musica, danza, teatro, cinema e altre varietà di attività umane che si combinano come forme artistiche e immaginative per dominare il mondo...

2) In senso stretto - le belle arti.

3) Un alto grado di abilità, padronanza in qualsiasi campo di attività.

E "arte in senso stretto" - va bene, - secondo gli autori del RES, significa "una sezione di arte plastica che unisce pittura, scultura e grafica".

E se l'assenza in questo elenco esaustivo, ad esempio, dell'arte fotografica può essere spiegata dalla relativa novità di quest'ultima, allora perché il DPI, che esiste da molti millenni, non è stato incluso qui?

2.2 Il ruolo delle arti e dei mestieri nella società moderna Per capire se una situazione così strana con il DPI sia nata per caso o meno, è necessario ricordare gli anni Trenta e Cinquanta del XX secolo - un lungo periodo di formazione di "sindacati di artisti sovietici". Fu allora che quando furono create l'Unione degli artisti di Mosca e l'Unione degli artisti dell'URSS, sezioni di pittori, grafici, scultori, decoratori, muralisti e "artisti applicati" furono assegnate su un piano di parità.

Probabilmente, nel risolvere i problemi organizzativi dei sindacati, tutte queste sezioni godevano davvero di pari diritti. Ma la confusione era già iniziata. Sokolov K. F. Religione dei popoli slavi. T. 1, 2 / Mosca, 1994 - 1995.

Sta di fatto che non è facile nominare un pittore che non abbia mai progettato in vita sua nessun museo, mostra, chiesa o centro culturale. O uno scultore che ha lavorato esclusivamente in plastica da cavalletto e non ha messo in scena una sola opera monumentale. O un grafico che non ha mai illustrato un solo libro.

E così è successo che tra le sezioni "uguali" c'erano tre "più uguali" - pittori, artisti grafici e scultori, che potevano dedicarsi alla loro "alta" arte da cavalletto, e allo stesso tempo fare tutto ciò che, in teoria, apparteneva alla competenza di muralisti e disegnatori. E, naturalmente, nessuno poteva vietare ai membri delle sezioni "applicate" di dedicarsi alla "pittura da cavalletto", ma alle mostre di massa di tutta l'Unione potevano contare solo su sale "periferiche", e l'acquisto di opere da cavalletto da loro era l'eccezione piuttosto che la regola.

Di conseguenza, qualsiasi artista che almeno una volta nella vita si sia cimentato con la pittura, la grafica o la scultura da cavalletto (e come potrebbe essere senza questo?), Prima di tutto, ha cercato di unirsi alle sezioni che formavano "l'arte in senso stretto. " E se per qualche motivo non ha funzionato, è andato "in periferia" - da muralisti o designer. C'erano eccezioni a questa regola, ovviamente, ma solo per ragioni soggettive: se, ad esempio, tutti gli amici dell'artista N erano già entrati a far parte dell'Unione degli artisti di Mosca come designer, allora perché N ha cercato di dedicarsi alla pittura o alla grafica con un enorme rischio di "rotolare" alle commissioni di accoglienza? È meglio andare direttamente dal tuo...

C'erano anche eccezioni di diverso tipo: nella storia di ciascuno dei "sindacati degli artisti sovietici", come negli attuali sindacati creativi russi, ci sono periodi in cui i muralisti o i designer erano "al timone". Ma queste situazioni erano e sono esclusivamente soggettive.

In tutta onestà, notiamo che la divisione in pittori e grafici era altrettanto condizionale e soggettiva. Ad esempio, quale pittore non ha mai dipinto ad acquerello e non ha mai preso in mano il pastello?

Ma l'assegnazione del pittore alla grafica, sebbene significasse l'impossibilità di essere al centro onorario di qualsiasi esposizione tutta sindacale (e ora tutta russa), non equivaleva comunque a uscire dall '"arte in senso stretto". - belle Arti.

Come abbiamo già visto, muralisti e designer non hanno perso il diritto di essere chiamati pittori e artisti grafici e, di conseguenza, non sono nemmeno usciti dall'“arte in senso stretto”. Gli scultori-monumentalisti non si sono mai distinti dalla "comunità scultorea generale".

Ma gli "applicatori" sono stati i meno fortunati. Si sono rivelati l'eterna "seconda elementare". Si è scoperto che gioiellieri, ceramisti e artisti del vetro non sono scultori e che i miniaturisti non sono pittori. Sull'albero lussureggiante e diffuso del riconoscimento ufficiale sovietico, nella migliore delle ipotesi, brillava per loro il titolo di "Artista onorato" o "Operaio onorato delle arti". Artista popolare dell'URSS, membro corrispondente e ancor più membro a pieno titolo dell'Accademia delle arti: queste "vette" erano alle stelle per loro. Inoltre, per la stragrande maggioranza dei "lavoratori applicati" il "nuoto libero" era praticamente escluso (ordini da organizzazioni ufficiali, acquisti del Ministero della Cultura da mostre, ecc.) - erano costretti a guadagnare attraverso "artigianato popolare" o "di sinistra" .

Dopo il crollo del potere sovietico, le restrizioni formali alle attività degli "applicatori" sono scomparse, ma è rimasto lo stigma di "seconda categoria". Di recente, a un mio amico pittore, che ha presentato domanda di ammissione all'Unione degli artisti di Mosca, è stato offerto di entrare nella sezione DPI solo perché ha avuto l'imprudenza di portare al comitato di selezione non fotografie delle sue opere da cavalletto, ma cartoline stampate con le loro riproduzioni. E se ai nostri tempi non ci fossero unioni "alternative" di artisti, questo pittore sarebbe rimasto un "artista applicato". Ramzin V. M.,. Incontra gli slavi. Mosca, 1992.

Allora da dove viene questo "applicatore di second'ordine" a priori, ed è giustificato?

È molto probabile che nelle condizioni di dominio monopolistico del sistema di distribuzione sovietico, tale status di "seconda classe" avesse determinate ragioni.

"Storicamente" - dal XVIII all'inizio del XX secolo - gioiellieri russi, soffiatori di vetro, ceramisti, ricamatori e altri "lavoratori applicati" erano in gran parte "impersonali". Il grande pubblico conosceva solo i nomi dei proprietari di fabbriche e officine e quasi tutti gli artigiani, anche i più talentuosi, raramente avevano l'opportunità di mostrare l'individualità del proprio autore.

Per quanto riguarda i pittori e gli scultori, l'Accademia Imperiale delle Arti, imponendo rigidamente il proprio stile e le proprie "regole del gioco", non ha quasi mai permesso la spersonalizzazione, conservando i nomi anche di molti "apprendisti" per la storia. E la stragrande maggioranza dei maestri "ordinari" dell'industria della gioielleria, del vetro e della porcellana dell'Impero russo cadde irrimediabilmente nell'oblio. L'ascesa senza precedenti dell '"arte decorativa dell'URSS" dell'autore avvenne solo alla fine degli anni Cinquanta del XX secolo.

E negli anni '30 -'50, i leader dei sindacati creativi ei loro curatori degli organi del partito cercarono sinceramente (in ogni caso, secondo la tradizione "imperiale") di separare gli "agnelli dalle capre" - "autentici creatori" da "artigiani".

Fu allora che sorse la divisione degli artisti in "puliti e impuri" - "pittori da cavalletto" e "artisti applicati". In teoria, i pittori e gli scultori "veri sovietici" non avrebbero dovuto guadagnare soldi extra con l'artigianato popolare e fabbricare giocattoli (il fatto che molti veri artisti fossero costretti a guadagnare soldi extra come caricatori e fuochisti è ora fuori discussione). Sì, e stampando "cloni" delle loro opere, mettendo i loro dipinti e sculture sul flusso industriale, in teoria, "veri artisti" non avrebbero dovuto essere - ma per l '"artista applicato" questo sembra essere nell'ordine delle cose.

2.3 Arti decorative e applicate come parte integrante della vita culturale della società Rimane quindi irrisolta una questione: cosa fare del termine “arte decorativa”, le cui opere, secondo il RES, “formano artisticamente la materia ambiente che circonda una persona e portano un inizio esteticamente figurativo", ma allo stesso tempo, in contrasto con l'arte da cavalletto "autosufficiente", "rivelano più pienamente il loro contenuto nell'insieme, per l'organizzazione estetica di cui sono creati" ?

Sì, è ancora più difficile abbandonare la divisione delle opere d'arte in “decorativo” e “cavalletto” che in “cavalletto” e “applicato”. Ma, a quanto pare, dovremo farlo. Altrimenti, il dibattito sul fatto che la "Madonna Sistina" abbia un carattere "da cavalletto" o "decorativo" può essere infinito e infruttuoso, poiché qualsiasi opinione qui può essere estremamente soggettiva.

Ad esempio, dove ha un aspetto migliore "Trinity" di Andrei Rublev? In una cattedrale poco illuminata e fumosa, ma "nativa", o è nella Galleria Tretyakov, dove è assolutamente conservata ed esposta secondo tutti i canoni espositivi?

Secondo la visione stereotipata, "legittimata" dal RES, risulta che il riconoscimento del capolavoro di Rublev come opera "decorativa" o "da cavalletto" dipende esclusivamente dalla risposta alla domanda su dove "Trinity" abbia un aspetto migliore. Ma in effetti, probabilmente non è vano che si dica: un capolavoro è un capolavoro anche in Africa. E per di più, anche se all'improvviso si scopre che la "Trinità" di Rublev sta meglio nella cattedrale che nella Galleria Tretyakov, qualcuno oserebbe chiamare questa icona "un'opera d'arte decorativa"?

In effetti, nessuno chiama così la "Trinità". Ma la stragrande maggioranza delle icone viene solitamente classificata in questo modo.

Ciò significa che con “arte decorativa” risulta esattamente come con DPI: nella pratica corrente della critica d'arte, questo termine esprime a priori l'opera di second'ordine. Di conseguenza, tutti i tipi di arte in esso inclusi risultano essere "di seconda categoria": monumentale, progettuale e applicata, da cui abbiamo iniziato il nostro studio.

Ma dopotutto, pochi storici dell'arte moderna non saranno d'accordo con il fatto che il senso dell'insieme, la capacità di formare uno spazio unico, l'uscita del concetto dell'autore oltre lo scopo dell'opera stessa sia "acrobazia aerea", e non tutti " pittore da cavalletto" ne è capace [22, sito].

Quindi, abbiamo ragione a parlare di "seconda classe" qui? No e no ancora. Ma è proprio questa "seconda categoria" che ci viene dettata dalla moderna comprensione stereotipata di "arte decorativa".

Certo, non abbandoneremo affatto del tutto il concetto di "decoratività" in quanto tale. Ad esempio, il posizionamento primario di un'opera d'arte come “decorativo” è possibile, come nel caso di Raffaello con la “Madonna Sistina” o di Rublev con la “Trinità”. Vediamo anche l'uso diffuso di oggetti "da cavalletto" a scopo decorativo: la maggior parte delle opere d'arte bidimensionali e tridimensionali non sono ancora nei musei, ma nella "vita pubblica e privata" negli interni.

Ma oggi una cosa può finire in un interno, domani in un museo, e dopodomani può tornare di nuovo all'interno. Tutti questi casi sono soggetti solo a una valutazione locale e in nessun caso comportano un'assegnazione classificatoria a categorie globali come il cavalletto o l'arte decorativa.

LV Tazba, nel suo articolo "Rating of Artists and the Philosophical Understanding of Art", pubblicato nel terzo numero del libro di riferimento "Unified Artistic Rating", ha definito il fenomeno dell'arte (al di fuori dell'opportunità politica, economica e sociale concreta) come un unità soggetto-oggetto "artista-opera". Questo approccio, secondo L. V. Tazba, offre a tutti l'opportunità di manifestarsi nella situazione di "spettatore-lavoro".

Queste definizioni ci aiuteranno a passare dai concetti obsoleti di cavalletto e arte decorativa a una terminologia più moderna. Dopotutto, "pittura da cavalletto" e "decorazione" classificano le opere d'arte in base alla loro collocazione in uno spazio particolare: un tempio, un museo, un corridoio, una camera da letto, ecc. Quindi, abbiamo il diritto di dire che questi termini denotano la componente spaziale della situazione "spettatore-opera".

Tutte le opere hanno indubbi meriti artistici, ma in esse c'è anche una certa calma e ripetizioni di tecniche già riscontrate. Le opere di molti maestri riconosciuti a volte mancano di coraggio creativo, nitidezza e ricerca di novità nella forma. Forse è per questo che l'esposizione richiama l'attenzione sui tentativi di introdurre la creatività nella tecnica del macramè, che si è diffusa negli ultimi anni. Ciò vale principalmente per il grande trittico di T. Myazina (Regione di Mosca) "Birch Grove" e l'arazzo degli artisti V. e N. Yanovs "Fair" (Gorky). L'arazzo dei giovani artisti di Krasnodar V. e L. Zubkov "Kubanskaya Niva", realizzato in modo audace ed espressivo, ha suscitato grande interesse alla mostra. Anche la sua consistenza è stata trovata con successo, ricordando leggermente il pane denso di Kuban.

Arti plastiche: vetro: ceramica, porcellana e altri - sono stati presentati in mostra principalmente da opere sperimentali. Le ricerche sono molto diverse. Nel vetro, siamo già abituati a grandi forme decorative, che i nostri principali vetrai usano per esprimere la loro visione del mondo e talvolta profondi pensieri filosofici. Tali sono le opere di L. Savelyeva, V. Muratov, B. Fedorov. Sono interessanti per noi in termini di sviluppo di temi e immagini di cui questi artisti sono costantemente appassionati. Di mostra in mostra, l'abilità di incidere e tagliare il cristallo cresce e viene affinata da A. Astvatsaturyan (Leningrado), O. Kozlova e V. Korneev (Gus-Khrustalny), la plastica diventa più ricca e piena nelle composizioni di S. Beskinskaya ( Mosca), A. Stepanova (Mosca), L. Urtaeva (Mosca), soluzione cromatica più emotiva e sottile delle opere di G. Antonova (Mosca), S. Ryazanova (Mosca), D. e L. Shushkanov (Mosca) . Grandi opportunità sono aperte agli artisti del vetro per trasmettere proprietà materiali come trasparenza, viscosità, fragilità, malleabilità, spazialità. La scoperta di tutte queste proprietà del vetro è resa possibile dall'alto livello tecnico della nostra industria vetraria. È difficile immaginare come potrebbero essere le opere degli artisti di Gusev se la fabbrica non sapesse come saldare meravigliosi cristalli colorati, o difficilmente vedremmo le ultime opere di B. Fedorov se non ci fossero tradizioni così ricche di taglio del cristallo a la fabbrica di cristalli Dyatkovo.

La percezione dell'unità soggetto-oggetto "artista-opera" dipende in gran parte da questa componente. In effetti, ogni spettatore percepisce l'opera (insieme alle informazioni che ha sull'artista) principalmente nello spazio circostante: museo, interno, culto, pianificazione urbana, ecc.

Chiariamo: non solo lo spettatore percepisce l'opera nello spazio. L'artista di solito abbraccia la natura "da cavalletto" o "decorativa" dell'opera creata con la sua idea, cioè pensa anche per essa una certa posizione nello spazio. Ma questa idea è parte integrante dell'atto di creare un'opera e, quindi, è inclusa nell'unità soggetto-oggetto "artista-opera". E successivamente, la collocazione dell'opera nello spazio (per brevità, la designeremo come il “luogo dell'opera”) può cambiare molte volte - abbiamo già detto che oggi la cosa può essere all'interno, domani - nel museo, e dopodomani - di nuovo ritorno all'interno.

Mi sembra utile fare un'ulteriore precisazione. Indubbiamente, i valori dell'arte sono eterni e imperituri: ai nostri tempi, per accertare questo fatto, non sono quasi necessarie profonde escursioni nella filosofia. Eppure, la percezione di qualsiasi opera d'arte è significativamente correlata ai gusti e alle tradizioni di un'epoca particolare in cui vive lo spettatore. Compreso nella questione dell'attribuzione ad "arte da cavalletto" o "arte decorativa" (cioè, nella motivazione per collocare una determinata opera in un museo, su una piazza, in un tempio, in una camera da letto, ecc.).

Pertanto, se abbandoniamo i concetti di "pittura da cavalletto" e "decorazione" come classificatori primari, dobbiamo aggiungere all'unità soggetto-oggetto componenti "artista-opera" che denotano la percezione dello spettatore - il luogo e il tempo della percezione dell'opera. Il luogo e il tempo della creazione dell'opera sono inclusi nella prima componente - l '"artista", quindi, per distinguere la percezione dello spettatore dall'atto di creare l'opera, chiamiamo il luogo e il tempo della percezione dello spettatore il circostanze di luogo e di tempo.

Così, l'unità soggetto-oggetto "artista-opera", esistente nelle circostanze di luogo e di tempo, può essere uno strumento teorico esaustivo per la percezione, la valutazione e la classificazione di una determinata opera d'arte.

Tutti i problemi secolari della percezione del pubblico - "mi piace-non mi piace", "buono-cattivo" - sono determinati dall'interazione di queste categorie primarie. Ma in ogni caso, non c'è posto nell'arte per il plagio e la replica senz'anima - solo l'unicità e l'originalità dell'unità "artista-opera" (diversamente percepita in diverse circostanze di luogo e tempo, ma non cambiando la sua profonda, vera essenza da questo) creano quel fenomeno, che noi chiamiamo arte.

E tutte le altre componenti della percezione, valutazione e classificazione delle opere d'arte (bidimensionalità o tridimensionalità, collocazione primaria “decorativa” o “da cavalletto”, collocazione decorativa o museale in una determinata epoca, stile realistico o astratto, plasticità, colori, materiali artistici, ecc. .) possono svolgere solo il ruolo di ausiliari, ma non di primari.

E non dovrebbe esserci alcuna divisione dei creatori in "puri e impuri" - cavalletto e applicato, realisti e astrattisti, tradizionalisti e concettualisti, muralisti e miniaturisti - a questo livello di comprensione. La vera (e non dichiarativa) uguaglianza di tutte le tendenze e tendenze nell'arte è uno dei più grandi risultati della storia dell'arte del 20 ° secolo, ed è tempo di allineare la terminologia di base a questi risultati.

gioielliere barocco ha applicato il classicismo

Conclusione L'arte decorativa e applicata ha le sue radici nel profondo dei secoli. L'uomo ha creato oggetti esteticamente preziosi durante tutto il suo sviluppo, riflettendo in essi interessi materiali e spirituali, quindi le opere d'arte e artigianato sono inseparabili dal momento in cui sono state create. Nel suo significato di base, il termine "arti e mestieri" indica il design di oggetti per la casa che circondano una persona per tutta la vita: mobili, tessuti, armi, piatti, gioielli, vestiti, ovvero tutto ciò che forma l'ambiente con cui quotidianamente entra in contatto. Tutte le cose che una persona usa non dovrebbero essere solo comode e pratiche, ma anche belle.

Il dipinto copriva piatti e tessuti, i vestiti erano decorati con ricami, tacche e inseguimenti venivano applicati ad armi e piatti, i gioielli erano realizzati con quasi tutti i materiali. Ma una persona non ha pensato al fatto che le solite cose che lo circondano per tutta la vita possono essere chiamate arte e separate in una tendenza separata. Ma già nel Rinascimento l'atteggiamento nei confronti degli oggetti di uso quotidiano iniziò a cambiare. Ciò è stato causato dal risveglio degli interessi delle persone in passato, associato al culto dell'antichità sorto in quel momento. Allo stesso tempo, è sorto l'interesse per l'abitazione come oggetto equivalente in termini di valore estetico ad altri oggetti d'arte. L'arte decorativa e applicata raggiunge il suo massimo sviluppo nell'era del barocco e del classicismo. Molto spesso, la forma semplice e praticamente conveniente di un oggetto era nascosta dietro squisite decorazioni: pittura, ornamenti, goffratura.

Nelle opere altamente artistiche dei maestri dell'antica Rus', il principio plastico si manifestava in ogni cosa: cucchiai e tazze si distinguevano per forme scultoree, proporzioni impeccabili, i mestoli assumevano solitamente la forma di un uccello - un'anatra o un cigno, la testa e il collo fungeva da manico. Tale metafora aveva un significato magico e il significato rituale determinava il carattere tradizionale e la stabilità di tale forma nella vita popolare. Catene d'oro, una monista di eleganti medaglioni, perline colorate, ciondoli, ampi braccialetti d'argento, anelli preziosi, tessuti decorati con ricami: tutto ciò ha conferito all'abito femminile festivo multicolor e ricchezza. Dipingere una brocca con motivi, decorare un tagliere con intagli, tessere motivi su tessuto: tutto ciò richiede grande abilità. Probabilmente, tali prodotti decorati con ornamenti sono anche classificati come arte decorativa e applicata perché è necessario applicare le mani e l'anima per creare una bellezza straordinaria.

Per creare i comfort necessari per una persona e allo stesso tempo decorare la sua vita, gli artisti si sforzano di garantire che tutte le cose utilizzate nella vita di tutti i giorni non solo corrispondano al loro scopo, ma siano anche belle, eleganti e originali.

E la bellezza e l'utilità sono sempre vicine quando gli artigiani intraprendono il lavoro e da una varietà di materiali (legno, metallo, vetro, argilla, pietra, ecc.) Creano oggetti per la casa che sono opere d'arte.

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A differenza degli oggetti senza volto prodotti in serie, gli oggetti fatti a mano sono sempre unici. Utensili per la casa, vestiti, elementi interni realizzati magistralmente sono costosi. E se ai vecchi tempi queste cose erano oggetti utilitaristici, oggi sono passate alla categoria dell'arte. Una cosa bella fatta da un buon artigiano sarà sempre preziosa.

Negli ultimi anni, lo sviluppo dell'arte applicata ha ricevuto un nuovo impulso. Questa tendenza è incoraggiante. Bellissimi piatti in legno, metallo, vetro e argilla, pizzi, tessuti, gioielli, ricami, giocattoli: dopo diversi decenni di oblio, tutto questo è tornato ad essere rilevante, alla moda e richiesto.

Storia del Museo di arte popolare di Mosca

Nel 1981 è stato aperto a Mosca, in via Delegatskaya, il Museo di arte decorativa, applicata e popolare. La sua collezione comprende campioni unici di artigianato di maestri domestici del passato, nonché le migliori opere di artisti contemporanei.

Nel 1999 si è svolto il seguente importante evento: il Museo tutto russo di arte decorativa, applicata e popolare ha accettato nella sua collezione le mostre del Museo di arte popolare intitolato a Savva Timofeevich Morozov. Il nucleo di questa collezione si è formato prima della rivoluzione del 1917. La base per questo erano le mostre del primissimo museo etnografico russo. Era il cosiddetto Museo dell'Artigianato di Arti Decorative e Applicate, inaugurato nel 1885.

Il museo dispone di una biblioteca specializzata dove è possibile conoscere libri rari sulla teoria e la storia dell'arte.

Collezione museale

I tipi tradizionali di arti e mestieri sono sistematizzati e divisi in dipartimenti. Le principali aree tematiche sono la ceramica e la porcellana, il vetro, i gioielli e il metallo, l'osso e l'intaglio del legno, i tessuti, le miniature laccate ei materiali pregiati.

Il Museo delle arti decorative e applicate nel fondo aperto e nei depositi ha più di 120mila reperti. L'Art Nouveau russo è rappresentato dalle opere di Vrubel, Konenkov, Golovin, Andreev e Malyutin. La collezione di porcellane e tessuti di propaganda sovietica del secondo quarto del secolo scorso è ampia.

Attualmente, questo museo di arti e mestieri popolari è considerato uno dei più significativi al mondo. I più antichi reperti di alto valore artistico risalgono al XVI secolo. La collezione del museo è sempre stata attivamente reintegrata da donazioni di privati, nonché grazie agli sforzi di funzionari responsabili dell'apparato statale durante gli anni del potere sovietico.

Pertanto, l'esclusiva esposizione di tessuti si è formata in gran parte grazie alla generosità del cittadino francese P. M. Tolstoy-Miloslavsky, che ha presentato al museo una vasta collezione di tessuti russi, orientali ed europei, raccolti da N. L. Shabelskaya.

Due grandi collezioni di porcellane sono state donate al museo da figure di spicco dell'arte sovietica: Leonid Osipovich Utyosov e i coniugi Maria Mironova e Alexander Menaker.

Il Museo di arti applicate di Mosca vanta sale dedicate alla vita del popolo russo in diversi periodi di tempo. Qui puoi conoscere le abitazioni dei rappresentanti di varie classi. Mobili, utensili, vestiti di contadini e residenti urbani, giocattoli per bambini sono stati conservati, restaurati ed esposti per la visione. Le decorazioni intagliate di architravi e guglie dei tetti, stufe in maiolica, cassapanche, che fungevano non solo da comodo ripostiglio per le cose, ma anche da letti, in quanto realizzate di adeguate dimensioni, evocano immagini della vita tranquilla, misurata e ben nutrita di l'entroterra russo.

Miniatura laccata

La miniatura laccata come arte applicata raggiunse il suo apice nei secoli XVIII e XIX. Le città famose per i loro laboratori di pittura di icone sono diventate centri artistici che hanno dato un permesso di soggiorno alle principali direzioni. Questi sono Palekh, Mstyora, Kholuy e Fedoskino. Cofanetti, spille, pannelli, cassapanche in cartapesta venivano dipinti con colori ad olio o tempera e verniciati. I disegni erano immagini stilizzate di animali, piante, personaggi di fiabe ed epiche. Artisti, maestri delle miniature laccate, icone dipinte, ritratti realizzati su ordinazione, scene di genere dipinte. Ogni località ha sviluppato il proprio stile di scrittura, ma quasi tutti i tipi di arte applicata nel nostro paese sono accomunati da qualità come la saturazione e la luminosità dei colori. Elaborazione dettagliata di disegni, linee morbide e arrotondate: questo è ciò che distingue le miniature russe. È interessante che le immagini dell'arte decorativa applicata del passato ispirino anche artisti contemporanei. I disegni vintage sono spesso usati per creare tessuti per collezioni di moda.

Pittura d'arte su legno

I dipinti di Khokhloma, Mezen e Gorodets sono riconoscibili non solo in Russia, ma anche all'estero. Mobili, tuesas, scatole, cucchiai, ciotole e altri utensili domestici in legno, dipinti con una di queste tecniche, sono considerati la personificazione della Russia. Utensili in legno chiaro, dipinti con colori neri, rossi e verdi su fondo oro, sembrano massicci e pesanti: questo è uno stile caratteristico di Khokhloma.

I prodotti Gorodets si distinguono per una tavolozza di colori multicolore e una rotondità delle forme leggermente più piccola, rispetto a Khokhloma. Come trame, vengono utilizzate scene di genere, così come tutti i tipi di rappresentanti immaginari e reali del mondo animale e vegetale.

Le arti e i mestieri della regione di Arkhangelsk, in particolare la pittura Mezen su legno, sono oggetti utilitari decorati con motivi speciali. Gli artigiani Mezen usano solo due colori per il loro lavoro: nero e rosso, cioè fuliggine e ocra, un disegno schematico frazionato di mar, cofanetti e casse, fregi a forma di bordi da figure troncate ripetute di cavalli e cervi. Un piccolo motivo statico, spesso ripetuto, evoca una sensazione di movimento. La pittura di Mezen è una delle più antiche. Quei disegni usati dagli artisti moderni sono iscrizioni geroglifiche usate dalle tribù slave molto prima dell'emergere dello stato russo.

Gli artigiani del legno, prima di trasformare qualsiasi oggetto da una barra piena, trattano il legno contro le crepe e l'essiccazione, quindi i loro prodotti hanno una durata molto lunga.

Vassoi Zhostovo

I vassoi di metallo dipinti con fiori sono l'arte applicata di Zhostovo vicino a Mosca. Un tempo avendo uno scopo esclusivamente utilitaristico, i vassoi Zhostovo sono stati a lungo utilizzati come decorazione d'interni. Mazzi luminosi di un grande giardino e piccoli fiori selvatici su uno sfondo nero, verde, rosso, blu o argento sono facilmente riconoscibili. I caratteristici mazzi di Zhostovo ora decorano scatole di metallo con tè, biscotti o dolci.

Smalto

Arti e mestieri come lo smalto si riferiscono anche alla pittura su metallo. I più famosi sono i prodotti dei maestri di Rostov. Le vernici refrattarie trasparenti vengono applicate su una lastra di rame, argento o oro e poi cotte in un forno. Nella tecnica dello smalto a caldo, come viene anche chiamato lo smalto, vengono realizzati gioielli, piatti, manici di armi e posate. Sotto l'influenza dell'alta temperatura, le vernici cambiano colore, quindi gli artigiani devono comprendere la complessità della loro manipolazione. Molto spesso, i motivi floreali sono usati come trame. Gli artisti più esperti realizzano miniature con ritratti di persone e paesaggi.

Maiolica

Il Museo di arti applicate di Mosca ti dà l'opportunità di vedere le opere di maestri riconosciuti della pittura mondiale, realizzate in un modo che non è del tutto caratteristico di loro. Quindi, ad esempio, in una delle sale c'è la maiolica di Vrubel - un caminetto "Mikula Selyaninovich e Volga".

La maiolica è un prodotto fatto di argilla rossa, dipinta su smalto grezzo e cotta in uno speciale forno ad altissima temperatura. Nella regione di Yaroslavl, le arti e l'artigianato si sono diffuse e sviluppate grazie al gran numero di depositi di argilla pura. Attualmente, nelle scuole di Yaroslavl, ai bambini viene insegnato a lavorare con questo materiale plastico. L'arte applicata per bambini è una seconda ventata per antichi mestieri, un nuovo sguardo alle tradizioni popolari. Tuttavia, questo non è solo un tributo alle tradizioni nazionali. Lavorare con l'argilla sviluppa capacità motorie fini, amplia l'angolo di visione e normalizza lo stato psicosomatico.

gzhel

L'arte decorativa e applicata, a differenza delle belle arti, implica l'uso utilitaristico ed economico di oggetti creati da artisti. Teiere in porcellana, vasi per fiori e frutta, candelieri, orologi, manici per posate, piatti e tazze sono tutti estremamente raffinati e decorativi. Sulla base dei souvenir Gzhel, le stampe sono realizzate su materiali a maglia e tessili. Pensavamo che Gzhel fosse un motivo blu su sfondo bianco, ma inizialmente la porcellana Gzhel era multicolore.

Ricamo

Il ricamo su tessuto è uno dei più antichi tipi di ricamo. Inizialmente, era progettato per decorare gli abiti della nobiltà, così come i tessuti destinati ai riti religiosi. Queste arti e mestieri popolari ci sono arrivate dai paesi dell'Est. Le vesti dei ricchi erano ricamate con seta colorata, fili d'oro e d'argento, perle, pietre preziose e monete. Il più prezioso è il ricamo con piccoli punti, in cui si ha la sensazione di un motivo liscio, come se fosse disegnato con colori. In Russia, il ricamo è entrato rapidamente in uso. Sono emerse nuove tecnologie. Oltre al tradizionale punto pieno e punto croce, hanno iniziato a ricamare con orli, cioè stendendo percorsi traforati lungo i vuoti formati dai fili tirati.

Giocattoli Dymkovo per bambini

Nella Russia pre-rivoluzionaria, i centri dell'artigianato popolare, oltre agli oggetti utilitari, producevano centinaia di migliaia di giocattoli per bambini. Erano bambole, animali, stoviglie e mobili per il divertimento dei bambini, fischietti. L'arte decorativa e applicata di questa direzione è ancora molto popolare.

Il simbolo della terra di Vyatka - il giocattolo Dymkovo - non ha analoghi al mondo. Sono immediatamente riconoscibili giovani donne, signori, pavoni, giostre, capre dai colori vivaci. Non si ripete un solo giocattolo. Su uno sfondo bianco come la neve, i motivi a forma di cerchi, linee rette e ondulate sono disegnati con vernici rosse, blu, gialle, verdi e dorate. Tutti i mestieri sono molto armoniosi. Irradiano un'energia positiva così potente che chiunque prende in mano un giocattolo può sentirla. Forse non è necessario posizionare simboli cinesi di benessere sotto forma di rospi a tre zampe, pesci rossi di plastica o alberi di denaro negli angoli dell'appartamento, ma è meglio decorare la tua casa con prodotti di maestri russi: l'argilla souvenir di Kargopol, Tula o Vyatka, sculture in legno in miniatura di artigiani di Nizhny Novgorod. Non può essere che non attirino alla famiglia amore, prosperità, salute e benessere.

Giocattolo Filimonov

Nei centri di creatività dei bambini in molte regioni del nostro paese, ai bambini viene insegnato a scolpire dall'argilla e dipingere i mestieri alla maniera dei mestieri popolari nella Russia centrale. Ai bambini piace molto lavorare con un materiale così comodo e plastico come l'argilla. Escogitano nuovi disegni secondo le antiche tradizioni. È così che l'arte applicata domestica si sviluppa e rimane richiesta non solo nei centri turistici, ma in tutto il paese.

Le mostre itineranti dei giocattoli Filimonovo sono molto popolari in Francia. Viaggiano in tutto il paese durante tutto l'anno e sono accompagnati da corsi di perfezionamento. I fischietti vengono acquistati dai musei in Giappone, Germania e altri paesi. Questa imbarcazione, che ha una residenza permanente nella regione di Tula, ha circa 1000 anni. Realizzati in modo primitivo, ma dipinti con colori rosa e verdi, sembrano molto allegri. La forma semplificata è spiegata dal fatto che i giocattoli hanno delle cavità all'interno con dei fori che escono. Se ci soffi dentro, chiudendo alternativamente diversi buchi, ottieni una semplice melodia.

Scialli Pavlovo

Gli scialli accoglienti, femminili e molto luminosi dei tessitori Pavlovo-Posad sono diventati famosi in tutto il mondo grazie alla straordinaria collezione di moda dello stilista russo Vyacheslav Zaitsev. Ha usato tessuti e modelli tradizionali per abiti da donna, camicie da uomo, altri indumenti e persino scarpe. Lo scialle Pavlovsky Posad è un accessorio che può essere ereditato come un gioiello. La durata e la resistenza all'usura dei fazzoletti sono ben note. Sono realizzati in lana fine di alta qualità. I disegni non sbiadiscono al sole, non sbiadiscono con il lavaggio e non si restringono. La frangia delle sciarpe è realizzata da artigiani appositamente addestrati: tutte le celle della rete traforata sono annodate alla stessa distanza l'una dall'altra. Il disegno rappresenta dei fiori su fondo rosso, blu, bianco, nero, verde.

Pizzo Vologda

Il famoso pizzo Vologda è tessuto utilizzando bobine di betulla o ginepro da fili di cotone o lino. In questo modo si realizzano metri, copriletti, scialli e persino abiti. Il pizzo Vologda è una striscia stretta, che è la linea principale del motivo. I vuoti sono pieni di reti e insetti. Il colore tradizionale è il bianco.

L'arte applicata non si ferma. Lo sviluppo e il cambiamento avvengono continuamente. Devo dire che all'inizio del secolo scorso, sotto l'influenza di un'industria in via di sviluppo, apparvero fabbriche industriali, dotate di macchine elettriche ad alta velocità, nacque il concetto di produzione di massa. Le arti e i mestieri popolari iniziarono a declinare. Solo a metà del secolo scorso sono stati restaurati i tradizionali mestieri russi. In centri d'arte come Tula, Vladimir, Gus-Khrustalny, Arkhangelsk, Rostov, Zagorsk e altri, sono state costruite e aperte scuole professionali, sono stati formati insegnanti qualificati e sono stati formati nuovi giovani maestri.

Tipi moderni di ricamo e creatività

Le persone viaggiano, conoscono le culture di altre nazioni, imparano il mestiere. Di tanto in tanto compaiono nuovi tipi di arti e mestieri. Scrapbooking, origami, quilling e altri sono diventati tali novità per il nostro paese.

Un tempo, muri e recinzioni di cemento fiorivano con una varietà di disegni e iscrizioni realizzati in modo altamente artistico. I graffiti, o spray art, sono un'interpretazione moderna di un antico tipo di arte rupestre. Puoi ridere degli hobby degli adolescenti quanto vuoi, il che include sicuramente i graffiti, ma guarda le foto su Internet o passeggia per la tua città e troverai un lavoro davvero altamente artistico.

scrapbooking

Il design di quaderni, libri e album che esistono in un'unica copia si chiama scrapbooking. In generale, questa attività non è del tutto nuova. In precedenza sono stati creati album progettati per preservare la storia di una famiglia, di una città o di un individuo per i posteri. La visione moderna di quest'arte è la creazione di libri d'arte con illustrazioni degli autori, nonché l'uso di computer con vari editor grafici, musicali, fotografici e di altro tipo.

Quilling e origami

Il quilling, tradotto in russo come "arrotolamento della carta", viene utilizzato per creare pannelli, per decorare cartoline, cornici per foto, ecc. La tecnica consiste nell'attorcigliare sottili strisce di carta e incollarle sulla base. Più piccolo è il frammento, più elegante e decorativo è il mestiere.

L'origami, come il quilling, è un lavoro di carta. Solo l'origami è un lavoro con fogli di carta quadrati, da cui si formano tutti i tipi di forme.

Di norma, tutti i mestieri associati alla fabbricazione della carta hanno radici cinesi. Le arti e i mestieri asiatici erano originariamente l'intrattenimento della nobiltà. I poveri non erano impegnati nella creazione di cose belle. Il loro destino è l'agricoltura, l'allevamento del bestiame e ogni tipo di lavoro umile. Gli europei, avendo adottato le basi della tecnologia, che storicamente è un lavoro molto piccolo e delicato con la carta di riso, hanno trasferito l'arte a condizioni per loro convenienti.

I prodotti cinesi si distinguono per l'abbondanza di piccolissimi dettagli che sembrano monolitici e molto eleganti. Tale lavoro è possibile solo per artigiani molto esperti. Inoltre, i nastri di carta sottili possono essere attorcigliati in una bobina stretta e uniforme solo con l'ausilio di strumenti speciali. Gli amanti dell'artigianato europeo hanno in qualche modo modificato e semplificato l'antico mestiere cinese. La carta, arricciata in spirali di varie dimensioni e densità, è diventata una popolare decorazione per scatole di cartone, vasi per fiori secchi, cornici e pannelli.

Parlando di arti e mestieri, sarebbe ingiusto ignorare mestieri come la pittura su seta, o batik, stampa o goffratura, cioè pittura su metallo, tessitura di tappeti, perline, macramè, lavoro a maglia. Qualcosa sta diventando un ricordo del passato e qualcos'altro sta diventando così di moda e popolare che persino le imprese industriali stanno avviando la produzione di attrezzature per questo tipo di creatività.

La conservazione degli antichi mestieri e la dimostrazione dei migliori esempi nei musei è una buona azione che servirà sempre come fonte di ispirazione per le persone di professioni creative e aiuterà tutti gli altri a unirsi al bello.

Le arti e i mestieri popolari - uno dei mezzi di educazione estetica - aiutano a formare il gusto artistico, ci insegnano a vedere e comprendere la bellezza nella vita che ci circonda e nell'arte. L'arte popolare, di contenuto nazionale, può influenzare attivamente lo sviluppo spirituale di una persona, la formazione di sentimenti patriottici e internazionali.

L'arte popolare contribuisce all'educazione artistica dei bambini, poiché si basa su tutti i modelli specifici dell'arte decorativa: simmetria e ritmo. Nei motivi dei dipinti decorativi, caratteristici di vari mestieri popolari, si osservano un certo ritmo, simmetria, proporzionalità dei singoli elementi e numerabilità nell'esecuzione dell'ornamento. Ciò fornisce materiale per lo sviluppo di concetti matematici elementari.

Le arti e i mestieri popolari russi sono strettamente legati al folklore, ai costumi e ai rituali, alle feste popolari e alla musica popolare. Pertanto, la familiarizzazione con l'artigianato popolare può essere integrata dall'educazione musicale dei bambini in età prescolare.

Le arti e i mestieri popolari del nostro paese sono parte integrante della cultura. L'emotività, le immagini poetiche di quest'arte sono vicine, comprensibili e care alle persone. Come ogni grande arte, favorisce un atteggiamento sensibile nei confronti della bellezza e contribuisce alla formazione di una personalità armoniosamente sviluppata. Basata su profonde tradizioni artistiche, l'arte popolare entra nella vita e nella cultura delle persone, ha un effetto benefico sulla formazione di una persona del futuro. Le opere artistiche create da artigiani popolari riflettono sempre l'amore per la loro terra natale, la capacità di vedere e comprendere il mondo che li circonda.

Sempre più spesso le opere d'arte e artigianato penetrano nella vita delle persone, formando un gusto artistico, creando un ambiente esteticamente completo che determina il potenziale creativo dell'individuo. Pertanto, il ruolo degli asili nido è ottimo, dove si sta lavorando con successo per familiarizzare i bambini con esempi di arte popolare.

“La natura delle immagini e dei motivi dell'arte decorativa popolare è indissolubilmente legata ai suoi compiti intrinseci di trasformare l'ambiente che circonda una persona e se stesso secondo l'idea di bontà e bellezza. Quest'arte ha la capacità di portare nella vita gioia, colori vivaci, ritmi vigorosi, di affermare ideali positivi. L'arte decorativa popolare contribuisce all'educazione di persone ottimiste riguardo alla vita, spiritualmente ricche, dotate di un sottile sentimento poetico, insegna loro ad amare e apprezzare ciò che è riconosciuto dalla gente.

Decoratività, espressività del colore e plasticità, ornamenti a motivi geometrici, una varietà di trame di materiali: questi sono i tratti caratteristici delle opere di arte applicata popolare che sono in sintonia con il senso estetico, la percezione e la comprensione dei bambini. Sia nelle opere d'arte popolare che nel lavoro dei bambini tutto è gioioso e colorato. E qua e là, la vita è percepita e rappresentata in toni allegri e importanti. Le immagini di fantastici uccelli, animali e piante raffigurate su tessuti, assi di pan di zenzero, nei dipinti di filatoi sono percepite dai bambini, prima di tutto, come favolose, e allo stesso tempo riconoscono in esse uccelli e piante a loro familiari in vita, perché nell'arte popolare " l'immagine di animali domestici, uccelli, animali e piante, scene quotidiane ha acquisito un significato e una spiritualità speciali e le immagini fantastiche non hanno perso la loro credibilità.

La composizione del motivo e la sua struttura cromatica sono soggette a leggi estetiche, che diventano gradualmente disponibili per i bambini. A questo proposito, le lezioni di disegno decorativo e appliqué contribuiscono allo sviluppo del gusto artistico.

L'arte popolare poeticizza la vita. Gli artigiani popolari usano spesso immagini di animali selvatici per creare una speciale forma espressiva di articoli per la casa, per decorarli. Un incontro con un uccello colorato raffigurato su un arcolaio, con un veloce cavallo di argilla, che sparge la criniera al vento, con un ornamento a motivi geometrici su un tessuto, con scintillanti ceramiche smaltate può essere un materiale fertile per i bambini, sviluppando la loro immaginazione.

Nell'arte popolare, l'espressività dell'immagine artistica si ottiene principalmente generalizzando dettagli, macchie di colore. Manca l'illusorietà e la frammentazione nelle soluzioni compositive. La forma tridimensionale, la soluzione pittorica è trasmessa in modo semplice, conciso, solo dai tratti principali ed essenziali.

Campioni di arte popolare contribuiscono allo sviluppo nei bambini della capacità di lavorare in modo decorativo con il colore, di procedere dall'insieme nella creazione di prodotti in argilla, ottenendo una soluzione plastica nitida con mezzi laconici, arricchire l'espressività grafica delle opere dei bambini.

L'arte applicata popolare è inerente all'unità di estetica e utilitaristica (uso pratico). In qualsiasi oggetto, sia esso una brocca di ceramica, un costume popolare, un vecchio castello, una luce per una torcia, una casa, uno scopo pratico - la cosa è in sorprendente accordo con il suo arredamento. Tutti i mezzi espressivi sono subordinati alla creazione di una cosa: la forma dell'oggetto, il materiale con cui è realizzato, l'ornamento, la combinazione di colori. Dipingendo un tuesok di corteccia di betulla con fiori, decorando un mestolo di legno con intagli, l'artista crea secondo le leggi della bellezza. La ricerca della bellezza attraverso cose la cui funzione sociale consiste non solo nella loro natura utilitaristica, ma anche nella loro capacità di decorare la nostra vita, di moltiplicare la bellezza in essa, è il significato spirituale delle opere d'arte popolare.

La connessione con la vita quotidiana e il lavoro ha determinato le caratteristiche del contenuto e il linguaggio artistico dell'arte popolare. La natura ha fornito ai maestri i materiali più semplici: legno, argilla, metalli, osso, lino, lana, lavorazione che, con l'ausilio di semplici strumenti, hanno raggiunto un alto livello artistico e perfezione tecnica.

Rivelando la bellezza naturale del materiale, la capacità di estrarre il massimo effetto decorativo era spesso unita a metodi semplici e puramente tecnici: applicare buche, tratti e stelle con un timbro speciale, utilizzando trame di strisce o fili alternati in modo uniforme. Essendo una delle fonti importanti di espressività artistica dei prodotti dell'arte popolare, la semplicità tecnica di queste tecniche è di particolare interesse in relazione alla familiarizzazione dei bambini con vari materiali e vari modi di decorarli. Padroneggiare le singole tecniche è abbastanza accessibile per i bambini in età prescolare e può portare una certa novità alla creatività dei bambini, renderla più interessante ed eccitante.

Analizzando le peculiarità della percezione dei bambini delle opere d'arte popolare, N.P. Sakulina osserva: “I bambini in età prescolare sono vicini e comprendono molte delle opere dei maestri della pittura decorativa, dell'intaglio, del ricamo, l'arte di un produttore di giocattoli è comprensibile. I bambini piccoli li percepiscono più profondamente e più pienamente delle grandi tele di pittura e scultura da cavalletto, e questo aiuta molto la maestra d'asilo a plasmare il gusto artistico dei bambini e a dirigere la loro arte raffinata. Il valore educativo dell'arte popolare è stato più volte notato da A.P. Usova. Ha scritto che l'uso dell'arte popolare nella scuola materna non è mai stato un impulso o una moda accidentale, ma ha sempre agito in stretta connessione con i compiti pedagogici e artistici della pedagogia prescolare, la cui attuazione pratica è stata notevolmente facilitata dall'arte popolare. “I bambini piccoli non hanno ancora idea della Patria. L'educazione a questa età è preparare loro il terreno allevando un bambino in un'atmosfera satura di immagini vivide, colori vivaci del suo paese.

Attualmente, l'arte popolare applicata è ampiamente utilizzata nell'educazione artistica dei bambini nelle scuole materne. Campioni autentici di arte popolare e moderne opere d'arte e artigianato sono utilizzati nelle aule e nella progettazione degli asili.

Tutto ciò ci consente di affermare che le opere di arte applicata popolare dovrebbero svolgere un ruolo importante nello sviluppo artistico dei bambini in età prescolare: nello sviluppo della loro immaginazione, fantasia, nella formazione del gusto artistico, nell'arricchire l'espressività figurativa delle opere create dai bambini.

I prodotti degli artigiani popolari aiutano a educare i bambini a un atteggiamento attento e attento nei confronti dell'ambiente, poiché le arti e i mestieri sono vicini alla natura nelle loro motivazioni. Per secoli gli artisti hanno osservato il mondo degli animali, la bellezza degli uccelli, la diversità delle piante, hanno visto e sentito l'armonia della natura. Quindi la sua bellezza, proporzione, razionalità, ordine si riflettevano nei motivi dei dipinti decorativi. In essi - l'immagine di un uomo, animali, uccelli, motivi floreali, ornamenti. L'artigianato aiuta a capire e sentire che una persona fa parte della natura, e questa è la base per lo sviluppo armonioso di un bambino.

L'arte popolare è proprietà non solo degli adulti, ma anche dei bambini che giocano con entusiasmo sia con bambole nidificanti dipinte in legno che con figurine di argilla dei maestri Kirov. Bambini come Bogorodsk scherzano sui giocattoli e Zagorsk trasformano i prodotti.

Come già accennato, la raffinata arte popolare ha un grande potere di impatto emotivo ed è una buona base per la formazione del mondo spirituale di una persona. L'arte popolare è figurativa, colorata, originale nel suo design. È accessibile alla percezione dei bambini, in quanto trasporta contenuti comprensibili ai bambini, che nello specifico, in forme semplici e concise, rivelano al bambino la bellezza e il fascino del mondo circostante. Queste sono immagini favolose di animali, sempre familiari ai bambini, realizzate in legno o argilla.

Gli ornamenti usati dagli artigiani popolari per dipingere giocattoli e piatti includono fiori, bacche, foglie che il bambino incontra nella foresta, nel campo, all'asilo. Quindi, i maestri della pittura Khokhloma realizzano abilmente ornamenti con foglie, bacche di viburno, lamponi, mirtilli rossi. Gli artigiani Gorodets creano i loro ornamenti da foglie e grandi fiori di kupavka, rosa selvatica e rosa.

I maestri di giocattoli di argilla dipingono i loro prodotti più spesso con ornamenti geometrici: anelli, strisce, cerchi, comprensibili anche ai bambini piccoli. Tutti questi prodotti, sia in legno che in argilla, vengono utilizzati negli asili non solo per decorare l'interno della stanza. Sotto la guida di un insegnante, li esaminano attentamente, disegnano e modellano secondo campioni di prodotti popolari.

Sotto l'influenza di oggetti di arte acquatica, i bambini percepiscono illustrazioni per racconti popolari russi di artisti come I. Bilibin e Yu Vasnetsov, il cui lavoro si basa sulle tradizioni nazionali, più profondamente e con grande interesse.

Le lezioni che utilizzano oggetti di arte popolare aiutano a sviluppare l'attività mentale di un bambino piccolo. Tuttavia, ciò è possibile solo se viene effettuata una conoscenza pianificata e sistematica dei bambini con oggetti di arte popolare, a seguito della quale i bambini creano le proprie opere decorative: giocattoli, piatti, piatti decorati con ornamenti come piastrelle.

Il ruolo delle arti e dei mestieri nella vita delle persone

2.2 Il ruolo delle arti e dei mestieri nella società moderna

Per capire se una situazione così strana con il DPI sia nata per caso o meno, è necessario ricordare gli anni Trenta e Cinquanta del Novecento, un lungo periodo di formazione dei "sindacati degli artisti sovietici". Fu allora che quando furono create l'Unione degli artisti di Mosca e l'Unione degli artisti dell'URSS, sezioni di pittori, grafici, scultori, decoratori, muralisti e "artisti applicati" furono assegnate su un piano di parità.

Probabilmente, nel risolvere i problemi organizzativi dei sindacati, tutte queste sezioni godevano davvero di pari diritti. Ma la confusione era già iniziata. Sokolov K.F. Religione dei popoli slavi. Vol. 1, 2 / Mosca, 1994 - 1995.

Di conseguenza, qualsiasi artista che almeno una volta nella vita si sia cimentato con la pittura, la grafica o la scultura da cavalletto (e come potrebbe essere senza questo?), Prima di tutto, ha cercato di unirsi alle sezioni che formavano "l'arte in senso stretto. " E se per qualche motivo non ha funzionato, è andato "in periferia" - dai monumentalisti o dai designer. C'erano, ovviamente, eccezioni a questa regola, ma solo per ragioni soggettive: se, ad esempio, tutti gli amici dell'artista N erano già entrati a far parte dell'Unione degli artisti di Mosca come designer, allora perché N ha cercato di dedicarsi alla pittura o alla grafica con un enorme rischio di "rotolare" alle commissioni di accoglienza? È meglio andare direttamente da te...

Ma gli "applicatori" sono stati i meno fortunati. Si sono rivelati l'eterna "seconda elementare". Si è scoperto che gioiellieri, ceramisti e artisti del vetro non sono scultori e che i miniaturisti non sono pittori. Sull'albero lussureggiante e diffuso del riconoscimento ufficiale sovietico, nella migliore delle ipotesi, brillava per loro il titolo di "Artista onorato" o "Operaio onorato delle arti". Artista popolare dell'URSS, membro corrispondente e ancor più membro a pieno titolo dell'Accademia delle arti: queste "vette" erano alle stelle per loro. Inoltre, per la stragrande maggioranza dei lavoratori "applicati", il "nuoto libero" era praticamente escluso (ordini da organizzazioni ufficiali, acquisti del Ministero della Cultura da mostre, ecc.) - erano costretti a guadagnare denaro attraverso "artigianato popolare" o " di sinistra".

Allora da dove viene questo "applicatore di second'ordine" a priori, ed è giustificato?

È molto probabile che nelle condizioni di dominio monopolistico del sistema di distribuzione sovietico, tale status di "seconda classe" avesse determinate ragioni.

"Storicamente" - dal XVIII all'inizio del XX secolo - gioiellieri, soffiatori di vetro, ceramisti, ricamatori e altri "lavoratori applicati" russi erano in gran parte "impersonali". Il grande pubblico conosceva solo i nomi dei proprietari di fabbriche e officine, e quasi tutti gli artigiani, anche i più talentuosi, raramente avevano l'opportunità di mostrare l'individualità del proprio autore.

Fu allora che sorse la divisione degli artisti in "puliti e impuri" - "pittori da cavalletto" e "artisti applicati". In teoria, i pittori e gli scultori "veri sovietici" non avrebbero dovuto guadagnare soldi extra con l'artigianato popolare e fabbricare giocattoli (il fatto che molti veri artisti fossero costretti a guadagnare soldi extra come caricatori e fuochisti è ora fuori discussione). Sì, e sfornare "cloni" delle loro opere, mettere i loro dipinti e sculture nel flusso industriale, in teoria, "veri artisti" non avrebbero dovuto essere - ma per l '"artista applicato" questo sembra essere nell'ordine delle cose .

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