I Paesi Bassi sono una regione storica che occupa parte delle vaste pianure sulla costa nord europea dal Golfo di Finlandia al Canale della Manica. Attualmente, in questo territorio si trovano gli stati dei Paesi Bassi (Olanda), Belgio e Lussemburgo.
Dopo il crollo dell'Impero Romano, i Paesi Bassi divennero un insieme eterogeneo di stati semi-indipendenti grandi e piccoli. I più significativi tra loro erano il Ducato di Brabante, le contee delle Fiandre e dell'Olanda e il Vescovado di Utrecht. Nel nord del paese la popolazione era principalmente tedesca - i Frisoni e gli Olandesi, nel sud predominavano i discendenti dei Galli e dei Romani - i Fiamminghi e i Valloni.
Gli olandesi hanno lavorato disinteressatamente con il loro talento speciale "senza noia per fare le cose più noiose", come ha detto lo storico francese Hippolyte Taine su queste persone, totalmente dedite alla vita di tutti i giorni. Non conoscevano la poesia elevata, ma onoravano con più riverenza le cose più semplici: una casa pulita e confortevole, un focolare caldo, cibo modesto ma gustoso. L'olandese è abituato a guardare il mondo come un'enorme casa in cui è chiamato a mantenere l'ordine e il comfort.

Le caratteristiche principali dell'arte del Rinascimento dei Paesi Bassi

Comune all'arte del Rinascimento in Italia e nei paesi dell'Europa centrale è il desiderio di una rappresentazione realistica dell'uomo e del mondo che lo circonda. Ma questi compiti sono stati risolti in modo diverso a causa della differenza nella natura delle culture.
Per gli artisti italiani del Rinascimento era importante generalizzare e creare un'immagine ideale, dal punto di vista dell'umanesimo, di una persona. Per loro, la scienza ha svolto un ruolo importante: gli artisti hanno sviluppato teorie della prospettiva e insegnamenti sulle proporzioni.
I maestri olandesi erano attratti dalla diversità dell'aspetto individuale delle persone e dalla ricchezza della natura. Non cercano di creare un'immagine generalizzata, ma trasmettono il caratteristico e lo speciale. Gli artisti non usano la teoria della prospettiva e altri, ma trasmettono l'impressione di profondità e spazio, effetti ottici e la complessità delle relazioni di luce e ombra attraverso un'attenta osservazione.
Sono caratterizzati dall'amore per la loro terra e dalla straordinaria attenzione a tutte le piccole cose: alla loro nativa natura settentrionale, alle peculiarità della vita, ai dettagli degli interni, ai costumi, alla differenza di materiali e trame ...
Gli artisti olandesi riproducono i più piccoli dettagli con la massima cura e ricreano la scintillante ricchezza dei colori. Questi nuovi compiti pittorici potevano essere risolti solo con l'aiuto della nuova tecnica della pittura a olio.
La scoperta della pittura a olio è attribuita a Jan van Eyck. Dalla metà del XV secolo, questa nuova "maniera fiamminga" soppiantò anche in Italia l'antica tecnica della tempera. Non è un caso che sugli altari olandesi, che riflettono l'intero universo, si possa vedere tutto ciò di cui è composto: ogni filo d'erba e albero nel paesaggio, dettagli architettonici di cattedrali e case cittadine, punti di ornamenti ricamati sulle vesti dei santi, così come una miriade di altri, più piccoli, dettagli.

L'arte del XV secolo è l'età d'oro della pittura olandese.
Il suo rappresentante più brillante Jan Van Eyck. OK. 1400-1441.
Il più grande maestro della pittura europea:
ha aperto con il suo lavoro una nuova era del primo Rinascimento nell'arte olandese.
Era il pittore di corte del duca di Borgogna, Filippo il Buono.
Fu uno dei primi a padroneggiare le possibilità plastiche ed espressive della pittura a olio, utilizzando sottili strati trasparenti di vernice sovrapposti l'uno sull'altro (la cosiddetta maniera fiamminga della pittura trasparente a più strati).

L'opera più grande di Van Eyck è stata la pala d'altare di Gand, che ha eseguito con suo fratello.
L'altare di Gand è un grande polittico a più livelli. La sua altezza nella parte centrale è di 3,5 m, la larghezza da aperta è di 5 m.
All'esterno dell'altare (quando chiuso) è raffigurato il ciclo quotidiano:
- Nella fila inferiore sono raffigurati i donatori: l'abitante della città Jodok Veidt e sua moglie, in preghiera davanti alle statue dei Santi Giovanni Battista e Giovanni il Teologo, patroni della chiesa e della cappella.
- in alto è la scena dell'Annunciazione, e le figure della Madre di Dio e dell'Arcangelo Gabriele sono separate dall'immagine di una finestra in cui incombe il paesaggio cittadino.

Il ciclo festivo è raffigurato all'interno dell'altare.
Quando le porte dell'altare si aprono, davanti agli occhi dello spettatore avviene una trasformazione davvero sbalorditiva:
- la dimensione del polittico è raddoppiata,
- l'immagine della vita quotidiana viene immediatamente sostituita dallo spettacolo di un paradiso terrestre.
- gli armadi angusti e cupi scompaiono e il mondo sembra aprirsi: l'ampio paesaggio si illumina di tutti i colori della tavolozza, luminosi e freschi.
Il dipinto del ciclo festivo è dedicato al tema del trionfo del mondo trasfigurato, cosa rara nell'arte cristiana, che dovrebbe venire dopo il Giudizio Universale, quando il male sarà finalmente sconfitto e la verità e l'armonia saranno stabilite sulla terra.

Riga superiore:
- nella parte centrale dell'altare è raffigurato Dio Padre seduto in trono,
- la Madre di Dio e Giovanni Battista siedono a sinistra e a destra del trono,
- inoltre su entrambi i lati ci sono angeli che cantano e suonano,
- chiudono la fila le figure nude di Adamo ed Eva.
L'ultima fila di dipinti raffigura una scena di adorazione dell'Agnello Divino.
- in mezzo al prato si erge un altare, su di esso sta un agnello bianco, il sangue scorre dal suo petto trafitto in una coppa
- più vicino allo spettatore c'è un pozzo da cui sgorga acqua viva.

Geronimo Bosch (1450 - 1516)
La connessione della sua arte con le tradizioni popolari, il folklore.
Nelle sue opere, ha combinato in modo stravagante le caratteristiche della fantasia medievale, del folklore, della parabola filosofica e della satira.
Ha creato composizioni religiose e allegoriche a più figure, dipinti sui temi di proverbi popolari, detti e parabole.
Le opere di Bosch sono piene di numerose scene ed episodi, immagini e dettagli realistici e stranamente fantastici, pieni di ironia e allegoria.

Il lavoro di Bosch ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo di tendenze realistiche nella pittura olandese del XVI secolo.
Composizione "La tentazione di S. Anthony" - una delle opere più famose e misteriose dell'artista. Il capolavoro del maestro è stato il trittico "Il giardino delle delizie", un'intricata allegoria che ha ricevuto molte interpretazioni diverse. Nello stesso periodo i trittici "Il Giudizio Universale", "L'Adorazione dei Magi", le composizioni "S. Giovanni a Patmos, Giovanni Battista nel deserto.
L'ultimo periodo del lavoro di Bosch comprende il trittico "Heaven and Hell", le composizioni "The Tramp", "Carrying the Cross".

La maggior parte dei dipinti di Bosch del periodo maturo e tardo sono bizzarre grottesche contenenti profonde sfumature filosofiche.

Al periodo maturo dell'opera dell'artista appartiene il grande trittico "Carrozza di fieno", molto apprezzato da Filippo II di Spagna. La composizione dell'altare è probabilmente basata su un vecchio proverbio olandese: "Il mondo è un pagliaio e tutti cercano di afferrarne il più possibile".

Tentazione di S. Antonio. Trittico. Parte centrale Legno, olio. 131,5 x 119 cm (centro), 131,5 x 53 cm (fogli) Museo Nazionale di Arte Antica, Lisbona
Giardino delle Delizie. Trittico. Intorno al 1485. Parte centrale
Legno, olio. 220 x 195 cm (centro), 220 x 97 cm (porte) Museo del Prado, Madrid

Arte olandese del XVI secolo. segnato dall'emergere dell'interesse per l'antichità e dalle attività dei maestri del Rinascimento italiano. All'inizio del secolo si formò un movimento basato sull'imitazione dei modelli italiani, chiamato "romanismo" (da Roma, nome latino di Roma).
L'apice della pittura olandese nella seconda metà del secolo fu opera di Pieter Brueghel il Vecchio. 1525/30-1569. Soprannominato Muzhitsky.
Ha creato un'arte profondamente nazionale basata sulle tradizioni olandesi e sul folklore locale.
Ha svolto un ruolo enorme nella formazione del genere contadino e paesaggio nazionale... Nell'opera di Brueghel, l'umorismo popolare grossolano, il lirismo e la tragedia, i dettagli realistici e il fantastico grottesco, l'interesse per la narrativa dettagliata e il desiderio di un'ampia generalizzazione erano intrecciati in modo intricato.

Nelle opere di Brueghel - vicinanza agli spettacoli moralizzanti del teatro popolare medievale.
Il duello clownesco tra Maslenitsa e Lent è una scena comune di spettacoli fieristici che si tengono nei Paesi Bassi nei giorni di saluto all'inverno.
La vita è in pieno svolgimento ovunque: c'è un ballo rotondo, qui si lavano i vetri, alcuni giocano a dadi, altri commerciano, qualcuno chiede l'elemosina, qualcuno viene portato per essere seppellito ...

Proverbi. 1559. Il dipinto è una sorta di enciclopedia del folklore olandese.
I personaggi di Brueghel si guidano l'un l'altro per il naso, si siedono tra due sedie, battono la testa contro il muro, sono sospesi tra cielo e terra... Il proverbio olandese "E ci sono crepe nel tetto" ha un significato vicino a quello russo " E i muri hanno le orecchie." L'olandese "gettare denaro nell'acqua" significa lo stesso del russo "sprecare denaro", "sprecare denaro". L'intera immagine è dedicata allo spreco di denaro, forza, tutta la vita: qui coprono il tetto di frittelle, scoccano frecce nel vuoto, tosano i maiali, si riscaldano con le fiamme di una casa in fiamme e si confessano al diavolo.

Tutta la terra aveva una lingua e un dialetto. Provenienti da oriente, trovarono una pianura nel paese di Sennaar e vi si stabilirono. E si dissero l'un l'altro: "Facciamo mattoni e bruciamoli con il fuoco". E divennero mattoni invece di pietre e catrame di terra invece di calce. E dissero: “Costruiamoci una città e una torre alte fino al cielo, e facciamoci un nome, prima di essere dispersi sulla faccia della terra. E il Signore scese per vedere la città e la torre che i figli degli uomini stavano costruendo. E il Signore disse: “Questo è un popolo, e tutti hanno una lingua, e questo è ciò che hanno iniziato a fare, e non rimarranno indietro rispetto a ciò che avevano programmato di fare. Scendiamo e confondiamo la loro lingua lì, in modo che l'uno non capisca il discorso dell'altro. E il Signore li disperse di là su tutta la terra; e smisero di costruire la città e la torre. Pertanto, le fu dato un nome: Babilonia, poiché lì il Signore confuse la lingua di tutta la terra, e da lì il Signore li disperse su tutta la terra (Genesi, cap. 11). A differenza del trambusto eterogeneo dei primi lavori di Brueghel, questo dipinto colpisce lo spettatore con la sua calma. La torre raffigurata nella foto ricorda l'anfiteatro romano Colosseo, che l'artista ha visto in Italia, e allo stesso tempo - un formicaio. Il lavoro instancabile è in pieno svolgimento su tutti i piani dell'enorme struttura: i blocchi ruotano, le scale vengono lanciate, le figure degli operai si affrettano. È evidente che il legame tra i costruttori è già andato perso, probabilmente a causa della "mescolanza di lingue" che è iniziata: da qualche parte la costruzione è in pieno svolgimento, e da qualche parte la torre si è già trasformata in rovina.

Dopo che Gesù fu consegnato per la crocifissione, i soldati gli misero una pesante croce e lo condussero al luogo del teschio chiamato Golgota. Lungo la strada presero Simone di Cirene, che tornava dalla campagna, e lo costrinsero a portare la croce per Gesù. Molte persone seguirono Gesù, tra loro c'erano donne che piangevano e piangevano per lui. "Portare la croce" è un'immagine religiosa, cristiana, ma non è più un'immagine di chiesa. Brueghel ha correlato le verità della Sacra Scrittura con l'esperienza personale, riflettendo sui testi biblici, ha dato loro la sua interpretazione, ad es. violò apertamente il decreto imperiale del 1550, allora in vigore, che, pena la morte, proibiva lo studio indipendente della Bibbia.

Brueghel crea una serie di paesaggi "Mesi". "Hunters in the Snow" è dicembre-gennaio.
Ogni stagione per il maestro è, prima di tutto, uno stato unico della terra e del cielo.

Una folla di contadini, catturati dal ritmo rapido della danza.

La pittura fiamminga è una delle scuole classiche nella storia delle belle arti. Tutti coloro che sono interessati al disegno classico hanno sentito questa frase, ma cosa c'è dietro un nome così nobile? Potresti, senza esitazione, identificare alcune caratteristiche di questo stile, nominare i nomi principali? Per navigare con più sicurezza nelle sale dei grandi musei ed essere un po 'meno timidi del lontano XVII secolo, devi conoscere questa scuola.

Storia della scuola fiamminga

Il XVII secolo iniziò con una divisione interna nei Paesi Bassi a causa di una lotta religiosa e politica per la libertà interna dello stato. Ciò ha portato a una scissione nella sfera culturale. Il paese è diviso in due parti, meridionale e settentrionale, la cui pittura inizia a svilupparsi in direzioni diverse. I meridionali che sono rimasti nella fede cattolica sotto il dominio spagnolo diventano rappresentanti scuola fiamminga, mentre gli artisti del nord sono storici dell'arte scuola olandese.

I rappresentanti della scuola di pittura fiamminga hanno continuato la tradizione dei colleghi artisti italiani più anziani del Rinascimento: Raffaello Santi, Michelangelo Buonarroti che prestava grande attenzione ai temi religiosi e mitologici. Muovendosi lungo un binario familiare, integrato da elementi inorganici grezzi di realismo, gli artisti olandesi non sono riusciti a creare opere d'arte eccezionali. La stagnazione è continuata finché non si è alzato al cavalletto Pietro Paolo Rubens(1577-1640). Cosa c'era di così straordinario che questo olandese potesse portare all'arte?

famoso maestro

Il talento di Rubens ha saputo dare vita alla pittura dei meridionali, che prima di lui non era molto notevole. Conoscendo da vicino l'eredità dei maestri italiani, l'artista ha continuato la tradizione di rivolgersi a temi religiosi. Ma, a differenza dei suoi colleghi, Rubens ha saputo intrecciare armoniosamente in soggetti classici i tratti del proprio stile, gravitando verso la saturazione dei colori, l'immagine della natura piena di vita.

Dai dipinti dell'artista, come da una finestra aperta, è come se fuoriuscisse la luce del sole (Il giudizio universale, 1617). Soluzioni insolite per costruire la composizione di episodi classici della Scrittura o della mitologia pagana hanno attirato l'attenzione su un nuovo talento tra i suoi contemporanei e attraggono ora. Tale innovazione sembrava fresca, rispetto alle cupe e tenui sfumature delle tele dei contemporanei olandesi.

Una caratteristica era il modello dell'artista fiammingo. Donne bionde obese, dipinte con interesse senza abbellimenti inappropriati, divennero spesso i personaggi centrali dei dipinti di Rubens. Esempi si possono trovare sulle tele "Il giudizio di Paride" (1625), "Susanna e i vecchioni" (1608), "Venere davanti allo specchio"(1615) e altri.

Inoltre, Rubens ha fornito influenza sulla formazione del genere paesaggistico. Cominciò a svilupparsi nella pittura degli artisti fiamminghi fino al principale rappresentante della scuola, ma fu l'opera di Rubens a stabilire le caratteristiche principali della pittura paesaggistica nazionale, riflettendo il sapore locale dei Paesi Bassi.

Seguaci

Rubens rapidamente famoso si trovò presto circondato da imitatori e studenti. Il maestro ha insegnato loro a usare le caratteristiche popolari della zona, il colore, a cantare, forse, l'insolita bellezza umana. Questo ha attirato spettatori e artisti. I seguaci si sono cimentati in generi diversi: dai ritratti ( Gaspare De Caine, Abraham Janssens) alle nature morte (Frans Snyders) e ai paesaggi (Jan Wildens). Pittura domestica della scuola fiamminga originariamente eseguita Adrian Brouwer E David Tenier Jr.

Uno degli studenti di maggior successo e notevoli di Rubens era Antonio Van Dyck(1599-1641). Lo stile del suo autore si è sviluppato gradualmente, dapprima completamente subordinato all'imitazione del mentore, ma nel tempo è apparsa una grande precisione con i colori. Lo studente tendeva a tonalità morbide e tenui in contrasto con l'insegnante.

I dipinti di Van Dyck fanno capire che non aveva una forte inclinazione a costruire composizioni complesse, spazi voluminosi con figure pesanti, che contraddistinguevano i dipinti del maestro. La galleria delle opere dell'artista è piena di ritratti singoli o doppi, frontali o da camera, che parlano delle priorità di genere dell'autore, diverse da Rubens.

Pittura dei primi Paesi Bassi(raramente antico dipinto olandese) - una delle tappe del Rinascimento settentrionale, un'epoca della pittura olandese e, in particolare, fiamminga, che abbraccia circa un secolo nella storia dell'arte europea, a partire dal secondo quarto del XV secolo. L'arte tardogotica è sostituita in questo momento dal primo Rinascimento. Se il tardo gotico, apparso in Francia, creò un linguaggio universale della forma d'arte, a cui contribuirono anche molti maestri olandesi della pittura, allora nel periodo descritto nel territorio dei Paesi Bassi si formò una scuola pittorica indipendente chiaramente riconoscibile, che era caratterizzato da un modo di scrivere realistico, che ha trovato espressione principalmente nel genere del ritratto.

YouTube enciclopedico

• 1 / 5

  Dal XIV secolo in questi territori si sono verificati cambiamenti culturali e sociologici: mecenati laici sono venuti a sostituire la chiesa come principale committente di opere d'arte. I Paesi Bassi come centro d'arte iniziarono a respingere l'arte del tardo gotico alla corte francese.

  I Paesi Bassi erano anche collegati alla Francia dalla comune dinastia borgognona, quindi artisti fiamminghi, valloni e olandesi trovarono facilmente lavoro in Francia presso le corti di Anjou, Orleans, Berry e lo stesso re francese. Eccezionali maestri del gotico internazionale, i fratelli Limburg di Geldern erano essenzialmente artisti francesi. Con una rara eccezione nella persona di Melchior Bruderlam, in patria, nei Paesi Bassi, rimasero solo pittori di rango inferiore.

  All'origine della prima pittura olandese, intesa in senso stretto, c'è Jan van Eyck, che nel 1432 completò il suo capolavoro principale: la pala d'altare di Gand. Anche i contemporanei consideravano il lavoro di Jan van Eyck e di altri artisti fiamminghi "nuova arte", qualcosa di completamente nuovo. Cronologicamente, la pittura dei Paesi Bassi si sviluppò all'incirca nello stesso periodo del Rinascimento italiano.

  Con l'avvento del ritratto, il tema secolare e individualizzato diventa per la prima volta il motivo principale della pittura. I dipinti di genere e le nature morte hanno fatto la loro svolta nell'arte solo durante il periodo barocco olandese del XVII secolo. Il carattere borghese della prima pittura olandese parla dell'avvento della New Age. Sempre più spesso, oltre alla nobiltà e al clero, la ricca nobiltà e i mercanti fungevano da clienti. La persona nei dipinti non era più idealizzata. Davanti allo spettatore appaiono persone reali con tutti i loro difetti umani. Rughe, borse sotto gli occhi: tutto senza abbellimenti era naturalmente raffigurato nella foto. I santi non abitavano più esclusivamente nelle chiese, entravano anche nelle case dei cittadini.

  Artisti

  Uno dei primissimi rappresentanti delle nuove visioni artistiche, insieme a Jan van Eyck, è considerato il maestro Flemalsky, attualmente identificato come Robert Campin. La sua opera principale è la pala d'altare (o trittico) dell'Annunciazione (altro nome: pala d'altare della famiglia Merode; circa 1425), ora al Cloisters Museum di New York.

  Per molto tempo, l'esistenza stessa del fratello di Jan van Eyck, Hubert, è stata messa in dubbio. Le ultime ricerche hanno dimostrato che Hubert van Eyck, menzionato solo in poche fonti, era solo un artista mediocre della scuola di Gand, che non aveva né legami familiari né altri rapporti con Jan van Eyck.

  Rogier van der Weyden, che probabilmente partecipò ai lavori del trittico di Merode, è considerato allievo di Kampen. A sua volta, ha influenzato Dirk Boats e Hans Memling. Il contemporaneo di Memling era Hugo van der Gus, menzionato per la prima volta nel 1465.

  L'artista più misterioso di questo tempo, Hieronymus Bosch, si distingue da questa serie, il cui lavoro non ha ancora ricevuto un'interpretazione univoca.

  Accanto a questi grandi maestri, meritano una menzione i primi artisti olandesi come Petrus Christus, Jan Provost, Colin de Koeter, Albert Bouts, Gosvin van der Weyden e Quentin Masseys.

  Un fenomeno sorprendente è stato il lavoro degli artisti di Leiden: Cornelis Engelbrechtsen ei suoi studenti Artgen van Leiden e Lucas van Leiden.

  Solo una piccola parte del lavoro dei primi artisti olandesi è sopravvissuta fino ad oggi. Innumerevoli dipinti e disegni caddero vittime dell'iconoclastia durante la Riforma e le guerre. Inoltre molte opere risultavano gravemente danneggiate e necessitavano di costosi restauri. Alcune opere sono sopravvissute solo in copie, mentre la maggior parte è andata perduta per sempre.

  Il lavoro dei primi olandesi e fiamminghi è rappresentato nei più grandi musei d'arte del mondo. Ma alcuni altari e dipinti sono ancora al loro posto - in chiese, cattedrali e castelli, come l'altare di Gand nella Cattedrale di San Bavone a Gand. Tuttavia, ora puoi guardarlo solo attraverso uno spesso vetro blindato.

  Influenza

  Italia

  Nella culla del Rinascimento, in Italia, Jan van Eyck godeva di grande rispetto. Pochi anni dopo la morte dell'artista, l'umanista Bartolomeo Fazio chiamò addirittura van Eyck "il principe tra i pittori del secolo".

  Mentre i maestri italiani usavano complessi strumenti matematici e geometrici, in particolare il sistema prospettico, i fiamminghi riuscirono a visualizzare correttamente la "realtà" senza troppe, a quanto pare, difficoltà. L'azione nei dipinti non si svolgeva più come nel gotico contemporaneamente sullo stesso palcoscenico. I locali sono raffigurati secondo le leggi della prospettiva e i paesaggi hanno cessato di essere uno sfondo schematico. Uno sfondo ampio e dettagliato conduce lo sguardo all'infinito. E i vestiti, i mobili e gli arredi erano esposti con precisione fotografica.

  Spagna

  La prima testimonianza della diffusione delle tecniche pittoriche settentrionali in Spagna si trova nel regno di Aragona, che comprendeva Valencia, la Catalogna e le Isole Baleari. Già nel 1431 il re Alfonso V inviò nelle Fiandre il suo pittore di corte Louis Dalmau. Nel 1439, l'artista di Bruges, Louis Alimbrot, si trasferì a Valencia dal suo studio ( Luis Alimbrot, Lodewijk Allyncbrood). Jan van Eyck visitò probabilmente Valencia già nel 1427 come parte di una delegazione borgognona.

  Valencia, a quel tempo uno dei centri più significativi del Mediterraneo, attirava artisti da tutta Europa. Oltre alle tradizionali scuole d'arte dello "stile internazionale", c'erano laboratori che lavoravano sia in stile fiammingo che italiano. Qui si sviluppò la cosiddetta direzione artistica "spagnolo-fiamminga", i cui principali rappresentanti sono considerati Bartolomé Bermejo.

  I re castigliani possedevano diverse opere famose di Rogier van der Weyden, Hans Memling e Jan van Eyck. Inoltre, l'artista in visita Juan de Flandes ("Jan of Flanders", cognome sconosciuto), divenne il ritrattista di corte della regina Isabella, che gettò le basi della scuola realistica della ritrattistica di corte spagnola.

  Portogallo

  Una scuola di pittura indipendente sorse in Portogallo nella seconda metà del XV secolo nella bottega di Lisbona del pittore di corte Nuño Gonçalves. L'opera di questo artista è in completo isolamento: sembra non aver avuto né predecessori né seguaci. L'influenza fiamminga si fa sentire in particolare nel suo polittico "Saint Vincent" Jan van Eyck e Seine Zeit. Flamische Meister und der Süden 1430-1530. Ausstellungskatalog Brügge, Stoccarda 2002. Darmstadt 2002.

• Bodo Brinkmann: Die flämische Buchmalerei am Ende des Burgunderreichs. Der Meister des Dresdner Gebetbuchs und die Miniaturisten seiner Zeit. Turnhout 1997. ISBN 2-503-50565-1
• Birgit Franke, Barbara Welzel (Hg.): Die Kunst der burgundischen Niederlande. Eine Einführung. Berlino 1997. ISBN 3-496-01170-X
• Max Jakob Friedlander: Altniederländische Malerei. 14 Bde. Berlino 1924-1937.
• Erwin Panofsky: Die altniederländische Malerei. Ihr Ursprung und Wesen.Übersetzt und hrsg. von Jochen Sander e Stephan Kemperdick. Colonia 2001. ISBN 3-7701-3857-0 (Originale: Pittura dei primi Paesi Bassi. 2 bde. Cambridge (Massachusetts) 1953)
• Otto Pacht: Van Eyck, die Begründer der altniederländischen Malerei. Monaco di Baviera 1989. ISBN 3-7913-1389-4
• Otto Pacht: Altniederländische Malerei. Von Rogier van der Weyden bis Gerard David. Orari di Monika Rosenauer. Monaco di Baviera 1994. ISBN 3-7913-1389-4
• Jochen Sander, Stephan Kemperdick: Der Meister von Flémalle und Rogier van der Weyden: Die Geburt der neuzeitlichen Malerei: Eine Ausstellung des Städel Museums, Francoforte sul Meno und der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin Ostfildern: Hatje Cantz Verlag, 2008
• norberto lupo: Trecento und Altniederländische Malerei. Kunst-Epochen, Bd. 5 (Reclami Universal Bibliothek 18172).

Olanda. XVII secolo Il paese sta vivendo una prosperità senza precedenti. La cosiddetta "età dell'oro". Alla fine del XVI secolo, diverse province del paese ottennero l'indipendenza dalla Spagna.

Ora i Paesi Bassi protestanti andarono per la loro strada. E le Fiandre cattoliche (ora Belgio) sotto l'ala della Spagna - la sua.

Nell'Olanda indipendente, quasi nessuno aveva bisogno della pittura religiosa. La Chiesa protestante non approvava il lusso della decorazione. Ma questa circostanza "ha giocato nelle mani" della pittura secolare.

Letteralmente ogni abitante del nuovo paese ha risvegliato l'amore per questo tipo di arte. Gli olandesi volevano vedere la propria vita nelle immagini. E gli artisti sono andati volentieri ad incontrarli.

Mai prima d'ora la realtà circostante è stata rappresentata così tanto. Gente comune, stanze normali e la colazione più ordinaria di un cittadino.

Il realismo fiorì. Fino al XX secolo sarà un degno concorrente dell'accademismo con le sue ninfe e dee greche.

Questi artisti sono chiamati "piccoli" olandesi. Perché? I dipinti erano di piccole dimensioni, perché creati per piccole case. Quindi, quasi tutti i dipinti di Jan Vermeer non superano il mezzo metro di altezza.

Ma preferisco l'altra versione. Nei Paesi Bassi del XVII secolo visse e lavorò un grande maestro, un "grande" olandese. E tutti gli altri erano "piccoli" rispetto a lui.

Stiamo parlando, ovviamente, di Rembrandt. Cominciamo da lui.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoritratto all'età di 63 anni. 1669 Galleria Nazionale di Londra

Rembrandt ha avuto la possibilità di provare la più ampia gamma di emozioni durante la sua vita. Pertanto, nei suoi primi lavori c'è così tanto divertimento e spavalderia. E tanti sentimenti complessi - in quelli successivi.

Eccolo giovane e spensierato nel dipinto “Il figliol prodigo nella taverna”. In ginocchio c'è l'amata moglie di Saskia. È un artista popolare. Gli ordini stanno arrivando a fiumi.



Rembrandt. Il figliol prodigo nell'osteria. 1635 Galleria dei Maestri Antichi, Dresda

Ma tutto questo scomparirà in circa 10 anni. Saskia morirà di tubercolosi. La popolarità scomparirà come il fumo. Una grande casa con una collezione unica sarà portata via per debiti.

Ma apparirà lo stesso Rembrandt, che rimarrà per secoli. I nudi sentimenti dei personaggi. I loro pensieri più segreti.

2. Frans Hals (1583-1666)



Frans Hals. Auto ritratto. 1650 Metropolitan Museum of Art, New York

Frans Hals è uno dei più grandi ritrattisti di tutti i tempi. Pertanto, lo classificherei anche tra i "grandi" olandesi.

In Olanda a quel tempo era consuetudine commissionare ritratti di gruppo. Quindi c'erano molte opere simili che ritraevano persone che lavoravano insieme: tiratori della stessa corporazione, dottori della stessa città, gestori di una casa di cura.

In questo genere, Hals si distingue di più. Dopotutto, la maggior parte di questi ritratti sembrava un mazzo di carte. Le persone si siedono al tavolo con la stessa espressione sui loro volti e guardano. Hals era diverso.

Guarda il suo ritratto di gruppo "Arrows of the Guild of St. Giorgio".



Frans Hals. Frecce della Gilda di S. Giorgio. 1627 Museo Frans Hals, Haarlem, Paesi Bassi

Qui non troverai una singola ripetizione nella postura o nell'espressione facciale. Allo stesso tempo, non c'è caos qui. Ci sono molti personaggi, ma nessuno sembra superfluo. Grazie alla disposizione sorprendentemente corretta delle figure.

Sì, e in un solo ritratto Hals ha superato molti artisti. I suoi modelli sono naturali. Le persone dell'alta società nei suoi dipinti sono prive di grandezza inverosimile e le modelle dal basso non sembrano umiliate.

E i suoi personaggi sono molto emotivi: sorridono, ridono, gesticolano. Come, ad esempio, questo "zingaro" dall'aspetto sornione.



Frans Hals. Zingaro. 1625-1630

Hals, come Rembrandt, finì la sua vita in povertà. Per la stessa ragione. Il suo realismo andava contro i gusti dei clienti. Chi voleva abbellire il proprio aspetto. Hals non ha optato per l'adulazione totale, e quindi ha firmato la sua frase: "Oblivion".

3. Gérard Terborch (1617-1681)



Gerardo Terborch. Auto ritratto. 1668 Galleria Reale Mauritshuis, L'Aia, Paesi Bassi

Terborch era un maestro del genere domestico. I ricchi e non molto borghesi parlano lentamente, le signore leggono lettere e una mezzana osserva il corteggiamento. Due o tre figure ravvicinate.

È stato questo maestro a sviluppare i canoni del genere domestico. Che verranno poi presi in prestito da Jan Vermeer, Pieter de Hooch e tanti altri "piccoli" olandesi.



Gerardo Terborch. Un bicchiere di limonata. 1660. Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo

A Glass of Lemonade è una delle famose opere di Terborch. Mostra un altro vantaggio dell'artista. Immagine incredibilmente realistica del tessuto del vestito.

Terborch ha anche opere insolite. Che parla del suo desiderio di andare oltre le esigenze dei clienti.

Il suo "Grinder" mostra la vita degli abitanti più poveri dell'Olanda. Siamo abituati a vedere cortili accoglienti e stanze pulite nelle foto dei "piccoli" olandesi. Ma Terborch ha osato mostrare l'Olanda poco attraente.



Gerardo Terborch. Macinino. 1653-1655 Musei Statali di Berlino

Come capisci, tali lavori non erano richiesti. E sono un evento raro anche a Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)



Jan Vermer. Bottega dell'artista. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Vienna

L'aspetto di Jan Vermeer non è noto con certezza. È ovvio che nel dipinto "La bottega dell'artista" ha raffigurato se stesso. Vero da dietro.

Pertanto, è sorprendente che recentemente sia diventato noto un nuovo fatto della vita del maestro. È associato al suo capolavoro "Street of Delft".



Jan Vermer. Via Delft. 1657 Rijksmuseum di Amsterdam

Si è scoperto che Vermeer ha trascorso la sua infanzia in questa strada. La casa nella foto apparteneva a sua zia. Ha cresciuto lì i suoi cinque figli. Potrebbe essere seduta sulla soglia a cucire mentre i suoi due bambini giocano sul marciapiede. Lo stesso Vermeer viveva nella casa di fronte.

Ma più spesso ha raffigurato l'interno di queste case e dei loro abitanti. Sembrerebbe che le trame dei dipinti siano molto semplici. Ecco una bella signora, una ricca cittadina, che controlla il lavoro della sua bilancia.



Jan Vermer. Donna con i pesi. 1662-1663 Galleria Nazionale d'Arte, Washington

In che modo Vermeer si è distinto tra migliaia di altri "piccoli" olandesi?

Era un insuperabile maestro della luce. Nel dipinto "Woman with Scales", la luce avvolge dolcemente il volto dell'eroina, i tessuti e le pareti. Dando all'immagine una spiritualità sconosciuta.

E le composizioni dei dipinti di Vermeer sono attentamente verificate. Non troverai un singolo dettaglio in più. Basta rimuoverne uno, l'immagine si "sbriciolerà" e la magia se ne andrà.

Tutto questo non è stato facile per Vermeer. Una qualità così straordinaria richiedeva un lavoro scrupoloso. Solo 2-3 dipinti all'anno. Di conseguenza, l'incapacità di nutrire la famiglia. Vermeer ha anche lavorato come mercante d'arte, vendendo opere di altri artisti.

5. Pieter de Hooch (1629-1684)



Pietro de Hooch. Auto ritratto. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Hoch è spesso paragonato a Vermeer. Hanno lavorato contemporaneamente, c'è stato anche un periodo nella stessa città. E in un genere: la famiglia. In Hoch, vediamo anche una o due figure in accoglienti cortili o stanze olandesi.

Porte e finestre aperte rendono lo spazio dei suoi dipinti multistrato e divertente. E le figure si inseriscono in questo spazio in modo molto armonioso. Come, ad esempio, nel suo dipinto "Servo con una ragazza in cortile".



Pietro de Hooch. Cameriera con una ragazza in cortile. 1658 Galleria Nazionale di Londra

Fino al XX secolo Hoch era molto apprezzato. Ma poche persone hanno notato le poche opere del suo concorrente Vermeer.

Ma nel 20° secolo tutto è cambiato. La gloria di Hoch svanì. Tuttavia, è difficile non riconoscere i suoi successi nella pittura. Poche persone potrebbero combinare l'ambiente e le persone in modo così competente.



Pietro de Hooch. Giocatori di carte nella veranda. 1658 Royal Art Collection, Londra

Si prega di notare che in una casa modesta sulla tela "Giocatori di carte" c'è un'immagine in una cornice costosa.

Questo parla ancora una volta di quanto fosse popolare la pittura tra gli olandesi ordinari. Le immagini adornavano ogni casa: la casa di un ricco borghese, un modesto cittadino e persino un contadino.



6. Jan Steen (1626-1679)



Jan Stan. Autoritratto con liuto. 1670 Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen è forse il "piccolo" olandese più allegro. Ma amorevole moralismo. Raffigurava spesso taverne o case povere in cui si trovava il vizio.

I suoi personaggi principali sono festaioli e donne di facili costumi. Voleva intrattenere lo spettatore, ma lo metteva implicitamente in guardia contro una vita viziosa.



Jan Stan. Caos. 1663 Museo di Storia dell'Arte, Vienna

Stan ha anche opere più tranquille. Come, ad esempio, "Toilette mattutina". Ma anche qui l'artista sorprende lo spettatore con dettagli troppo franchi. Ci sono tracce di gomma da masticare, e non un vaso da notte vuoto. E in qualche modo non è affatto il modo in cui il cane giace proprio sul cuscino.



Jan Stan. Toilette mattutina. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

Ma nonostante tutta la frivolezza, le combinazioni di colori di Stan sono molto professionali. In questo ha superato molti dei "piccoli olandesi". Guarda come la calza rossa si abbina perfettamente alla giacca blu e al tappeto beige brillante.

7. Jacob Van Ruysdael (1629-1682)



Ritratto di Ruisdael. Litografia da un libro del XIX secolo.