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L'autunno è pieno di romanticismo e speciale sentimento. La natura risplende d'oro e cremisi, le persone diventano più sentimentali e gli artisti prendono in mano i pennelli con ispirazione. E le loro creazioni, così diverse nell'esecuzione, riflettono tutte le cose più belle: foreste colorate, piogge che cullano metropoli, foglie cadute nei laghi...
Squadra sito webè anche intriso di un'atmosfera lirica e ti invita a goderti i dipinti di artisti incantati dall'autunno.
Melodie cittadine di Guy Dessat
Il talentuoso artista francese ha visitato varie parti del mondo. Nei suoi dipinti puoi vedere sia il Giappone che l'America. Ma soprattutto, le opere di Guy Dessat sono memorabili, dedicate alla città più romantica del mondo: Parigi.
Acquerello magico di Abe Toshiyuki
I meravigliosi acquerelli dell'artista giapponese Abe Toshiyuki ti mettono in uno stato d'animo filosofico. I più piccoli dettagli sono importanti: lo spruzzo del fiume, il fruscio delle foglie, la tenerezza dei petali di sakura... Secondo il pittore, "l'arte è uno specchio dell'anima di chi guarda", quindi tu stesso puoi impostare il tuo umore a qualsiasi immagine.
La bella realtà di Peter Mörk Mönsted
Peter Mørk Mønsted, un famoso artista realista danese, nei suoi dipinti raffigurava spesso aree rurali, foreste e fiumi. Nonostante la semplicità della trama, è impossibile dimenticare i paesaggi di un pittore di talento. Sono eseguiti con maestria e ci invitano a godere della contemplazione del mondo naturale.
Il mondo soleggiato di Laurent Parselier
Se il tempo nuvoloso ti rende triste, allora ti piaceranno i dipinti soleggiati del vero francese Laurent Parselier. Nei dipinti dell'artista impressionista positivo anche in autunno c'è solo bel tempo. E i suoi raggi di sole “firmati” ti sollevano immediatamente il morale.
Il mistero di John Atkinson Grimshaw
Di questo straordinario artista hanno detto che "dipinge con la luce della luna, la nebbia e il crepuscolo". I suoi splendidi dipinti sembrano essere pieni di un significato mistico. Oggi le opere di John Atkinson possono essere viste solo nei cataloghi, poiché tutti gli originali si trovano in collezioni private. Ma una volta i genitori del giovane John erano categoricamente contrari alla sua passione per la pittura.
18-19 secoli segnò il periodo di massimo splendore dell'arte europea. In Francia, l'imperatore Napoleone III ordinò la ricostruzione di Parigi in seguito alle ostilità durante la guerra franco-prussiana. Parigi divenne rapidamente la stessa "città splendente" che era stata sotto il Secondo Impero e si autoproclamò nuovamente il centro dell'arte europea. Pertanto, molti artisti impressionisti si sono rivolti al tema della città moderna nelle loro opere. Nelle loro opere, la città moderna non è un mostro, ma una patria dove vivono le persone. Molte delle opere sono intrise di un forte senso di patriottismo.
Ciò può essere visto soprattutto nei dipinti di Claude Monet. Ha creato più di 30 dipinti con vedute della cattedrale di Rouen in un'ampia varietà di condizioni di illuminazione e atmosferiche. Ad esempio, nel 1894 Monet dipinse due dipinti: "Cattedrale di Rouen a mezzogiorno" e "Cattedrale di Rouen di sera". Entrambi i dipinti raffigurano lo stesso frammento della cattedrale, ma in toni diversi: nei caldi toni giallo-rosa del mezzogiorno e nelle fredde sfumature bluastre della luce crepuscolare morente. Nei dipinti, la macchia colorata dissolve completamente la linea, l'artista non trasmette il peso materiale della pietra, ma, per così dire, una leggera tenda colorata.
Gli impressionisti cercavano di realizzare un dipinto come una finestra aperta attraverso la quale è visibile il mondo reale. Spesso sceglievano la vista dalla finestra sulla strada. Il famoso “Boulevard des Capucines” di C. Monet, dipinto nel 1873 ed esposto alla prima mostra impressionista del 1874, è un ottimo esempio di questa tecnica. C'è molta innovazione qui: come motivo del paesaggio è stata scelta la vista di una grande strada cittadina, ma l'artista è interessato al suo aspetto nel suo insieme e non alle sue attrazioni. L'intera massa di persone è raffigurata con tratti scorrevoli, in modo generalizzato, in cui è difficile distinguere le singole figure.
Monet trasmette in quest'opera un'impressione istantanea, puramente visiva, dell'aria vibrante appena percettibile, delle strade, delle persone e delle carrozze in partenza che si addentrano sempre più nelle profondità. Distrugge l'idea di una tela piatta, creando l'illusione dello spazio e riempiendola di luce, aria e movimento. L'occhio umano corre verso l'infinito e non c'è punto limite in cui possa fermarsi.
Il punto di vista dall'alto consente all'artista di abbandonare il primo piano e di trasmettere la brillante luce del sole in contrasto con le ombre bluastre-viola delle case adagiate sul marciapiede. Monet conferisce al lato soleggiato l'arancione, il caldo dorato, il lato ombroso al viola, ma un'unica foschia leggera conferisce armonia tonale all'intero paesaggio, e i contorni delle case e degli alberi emergono nell'aria, permeati dai raggi del sole.
Nel 1872, a Le Havre, Monet dipinge “Impressione. Sunrise" - una veduta del porto di Le Havre, successivamente presentata alla prima mostra degli impressionisti. Qui l'artista, a quanto pare, si è finalmente liberato dall'idea generalmente accettata dell'oggetto immagine come un certo volume e si è dedicato interamente a trasmettere lo stato momentaneo dell'atmosfera nei toni del blu e del rosa-arancio. Tutto, infatti, sembra diventare immateriale: il molo di Le Havre e le navi si fondono con le striature del cielo e il riflesso nell'acqua, e le sagome dei pescatori e delle barche in primo piano sono solo macchie scure realizzate con pochi intensi tratti . Il rifiuto delle tecniche accademiche, la pittura all'aria aperta e la scelta di soggetti insoliti furono accolti con ostilità dalla critica dell'epoca. Louis Leroy, autore di un furioso articolo apparso sulla rivista "Charivari", per la prima volta, in relazione a questo particolare dipinto, usò il termine "impressionismo" come definizione di un nuovo movimento pittorico.
Un’altra opera eccezionale dedicata alla città è stato il dipinto di Claude Monet “Gare Saint-Lazare”. Monet dipinse più di dieci dipinti ispirati alla stazione ferroviaria di Saint-Lazare, sette dei quali furono esposti alla terza mostra impressionista del 1877.
Monet affittò un minuscolo appartamento in Monsey Street, vicino alla stazione. All'artista è stata data completa libertà d'azione. Il movimento dei treni si fermò per un po 'e poté vedere chiaramente i binari, le fornaci delle locomotive fumanti, che erano piene di carbone, in modo che il vapore uscisse dai camini. Monet si “stabilì” fermamente alla stazione, i passeggeri lo guardarono con rispetto e stupore.
Poiché l'aspetto della stazione cambiava costantemente, Monet realizzò solo schizzi sul posto e sulla base di essi dipinse i dipinti stessi nello studio. Sulla tela vediamo una grande stazione ferroviaria, coperta da una tettoia montata su pali di ferro. Ci sono binari a sinistra e a destra: un binario è destinato ai treni pendolari, l'altro ai treni a lunga percorrenza. L'atmosfera speciale è trasmessa attraverso il contrasto tra la scarsa illuminazione all'interno della stazione e l'illuminazione stradale brillante e abbagliante. Pennacchi di fumo e vapore sparsi su tutta la tela bilanciano le strisce contrastanti di illuminazione. Il fumo filtra ovunque, nuvole luminose turbinano contro le deboli sagome degli edifici. Densi vapori sembrano dare forma alle massicce torri, ricoprendole di un velo leggero, come la più sottile ragnatela. L'immagine è dipinta in delicati toni tenui con sottili transizioni di tonalità. I tratti rapidi e precisi a forma di virgole, caratteristici dell'epoca, vengono percepiti come un mosaico; lo spettatore ha l'impressione che il vapore si stia dissipando o condensando.
Un altro rappresentante degli impressionisti, C. Pissarro, come tutti gli impressionisti, amava dipingere la città, che lo affascinava con il suo movimento infinito, il flusso delle correnti d'aria e i giochi di luce. Lo percepiva come un organismo vivo e irrequieto, capace di cambiare a seconda del periodo dell'anno e del grado di illuminazione.
Nell'inverno e nella primavera del 1897, Pissarro lavorò a una serie di dipinti chiamati “Boulevards of Paris”. Queste opere diedero fama all'artista e attirarono l'attenzione dei critici che associarono il suo nome al movimento divisionista. L'artista ha realizzato gli schizzi per la serie dalla finestra di una camera d'albergo a Parigi e ha completato i dipinti nel suo studio di Eragny alla fine di aprile. Questa serie è l’unica nell’opera di Pissarro in cui l’artista ha cercato di catturare con la massima precisione varie condizioni meteorologiche e solari. Ad esempio, l'artista ha dipinto 30 dipinti raffiguranti Montmartre Boulevard, osservandolo dalla stessa finestra.
Nei dipinti “Boulevard Montmartre a Parigi”, il maestro C. Pissarro ha trasmesso magistralmente la ricchezza degli effetti atmosferici, la complessità colorata e la sottigliezza di una giornata nuvolosa. La dinamica della vita cittadina, incarnata in modo così convincente dal pennello veloce del pittore, crea un’immagine di una città moderna – non cerimoniale, non ufficiale, ma eccitata e viva. Il paesaggio urbano divenne il genere principale nell'opera di questo eccezionale impressionista, il "cantante di Parigi".
La capitale della Francia occupa un posto speciale nell'opera di Pissarro. L'artista viveva costantemente fuori città, ma Parigi lo attirava con insistenza. Parigi lo affascina con il suo movimento incessante e universale: il camminare dei pedoni e la corsa delle carrozze, il flusso delle correnti d'aria e i giochi di luce. La città di Pissarro non è un elenco di case degne di nota entrate nel campo visivo dell'artista, ma un organismo vivo e inquieto. Affascinati da questa vita, non ci rendiamo conto della banalità degli edifici che compongono il Boulevard Montmartre. L'artista trova nell'inquietudine dei Grand Boulevards un fascino unico. Pissarro ha catturato Montmartre Boulevard come mattina e giorno, sera e notte, illuminato dal sole e grigio, guardandolo dalla stessa finestra. Il motivo chiaro e semplice di una strada che si estende in lontananza crea una chiara base compositiva che non cambia da tela a tela. In modo completamente diverso è costruito il ciclo di tele dipinte l'anno successivo dalla finestra dell'Hotel Louvre. In una lettera al figlio, mentre lavorava al ciclo, Pissarro sottolinea il carattere diverso di questo luogo dai Boulevards, cioè dalla piazza del Teatro Francese, e dall'area circostante. In effetti, lì tutto corre lungo l'asse della strada. Qui la piazza, che fungeva da capolinea di numerosi autobus, si interseca in diverse direzioni e, invece di un ampio panorama con abbondanza d'aria, ai nostri occhi si presenta uno spazio chiuso in primo piano.
In questo articolo vedrai San Pietroburgo paesaggio urbano presentato nella galleria d'arte Art-Breeze. Qui sono raccolte opere di vari autori, realizzate in vari stili e tecniche. Tutte queste opere hanno una cosa in comune: raffigurano il Santo, come lo vedeva l'artista.
Paesaggio urbano, come genere di pittura, si formò piuttosto tardi, nel XVIII secolo. Fu allora che le città iniziarono ad acquisire il loro carattere moderno e il numero dei residenti urbani cominciò ad aumentare rapidamente. Prima di allora, solo pochi artisti medievali rappresentavano le città sulle loro tele. Queste immagini erano molto primitive, mancavano di precisione topografica e servivano a indicare il luogo degli eventi a cui era dedicata la trama. Antenati paesaggio urbano nella pittura possiamo citare gli artisti olandesi del XVII secolo Wermeer di Delft, J. Goyen e J. Ruisdael. È nelle loro opere che si ritrova il paesaggio cittadino così come siamo abituati a vederlo nei dipinti moderni.
Gli artisti contemporanei che espongono i propri paesaggi urbani alla galleria d'arte Ar-Breeze di San Pietroburgo ritraggono San Pietroburgo principalmente come una nebbiosa città balneare con una vita vivace e una magnifica architettura. La maggior parte dei dipinti sono stati creati nello stile dell'impressionismo e dei classici. La ricchezza di colori e la capacità di riempire la tela di luce, fornita dalla tecnica pittorica impressionista, ti consente di riflettere pienamente lo spirito di questa città sulla Neva!
Uno dei più grandi movimenti artistici degli ultimi decenni del XIX secolo e dell'inizio del XX è l'impressionismo, che si diffuse in tutto il mondo dalla Francia. I suoi rappresentanti erano impegnati nello sviluppo di metodi e tecniche di pittura che avrebbero permesso di riflettere in modo più vivido e naturale il mondo reale in dinamica, per trasmetterne impressioni fugaci.
Molti artisti hanno creato le loro tele nello stile dell'impressionismo, ma i fondatori del movimento furono Claude Monet, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frederic Basil, Camille Pissarro. È impossibile nominare le loro opere migliori, perché sono tutte bellissime, ma ci sono le più famose e ne parleremo più avanti.
Claude Monet: “Impressione. Alba"
La tela con cui dovresti iniziare una conversazione sui migliori dipinti degli impressionisti. Claude Monet lo dipinse nel 1872 dal vero nel vecchio porto di Le Havre, in Francia. Due anni dopo, il dipinto fu mostrato per la prima volta al pubblico nell'ex studio dell'artista e caricaturista francese Nadar. Questa mostra è diventata fatidica per il mondo dell'arte. Impressionato (non nel senso migliore) dall’opera di Monet, il cui titolo nella lingua originale suona come “Impression, soleil levant”, il giornalista Louis Leroy coniò per primo il termine “impressionismo”, denotando una nuova direzione nella pittura.
Il dipinto fu rubato nel 1985 insieme ad opere di O. Renoir e B. Morisot. È stato scoperto cinque anni dopo. Attualmente “Impressione. Il Sol Levante" appartiene al Museo Marmottan-Monet di Parigi.
Edouard Monet: "Olimpia"
Il dipinto "Olympia", realizzato dall'impressionista francese Edouard Manet nel 1863, è uno dei capolavori della pittura moderna. Fu presentato per la prima volta al Salon di Parigi nel 1865. Gli artisti impressionisti e i loro dipinti si trovarono spesso al centro di scandali di alto profilo. Tuttavia, Olympia ha causato il più grande di loro nella storia dell'arte.
Sulla tela vediamo una donna nuda, il viso e il corpo rivolti verso il pubblico. Il secondo personaggio è una cameriera dalla pelle scura che tiene in mano un lussuoso bouquet avvolto in carta. Ai piedi del letto c'è un gattino nero in una caratteristica posa con la schiena arcuata. Non si sa molto della storia del dipinto; ci sono pervenuti solo due schizzi. Il modello era molto probabilmente il modello preferito di Manet, Quiz Meunard. Si ritiene che l'artista abbia utilizzato l'immagine di Marguerite Bellanger, l'amante di Napoleone.
Durante il periodo creativo in cui fu creata Olympia, Manet era affascinato dall'arte giapponese e quindi si rifiutò deliberatamente di elaborare le sfumature dell'oscurità e della luce. Per questo motivo i suoi contemporanei non vedevano il volume della figura raffigurata e la consideravano piatta e ruvida. L'artista è stato accusato di immoralità e volgarità. Mai prima d'ora i dipinti impressionisti avevano suscitato tanta eccitazione e derisione da parte della folla. L'amministrazione è stata costretta a mettere delle guardie intorno a lei. Degas paragonò la fama di Manet acquisita grazie a Olimpia e il coraggio con cui accettò le critiche alla biografia di Garibaldi.
Per quasi un quarto di secolo dopo la mostra, la tela fu tenuta fuori dalla portata di sguardi indiscreti nello studio dell’artista. Poi fu nuovamente esposto a Parigi nel 1889. Fu quasi acquistato, ma gli amici dell’artista raccolsero la somma richiesta e acquistarono “Olympia” dalla vedova di Manet, per poi donarla allo Stato. Ora il dipinto appartiene al Museo d'Orsay a Parigi.
Auguste Renoir: "Grandi bagnanti"
Il dipinto fu dipinto da un artista francese nel 1884-1887. Tenendo conto di tutti i dipinti impressionisti attualmente conosciuti tra il 1863 e l'inizio del XX secolo, "Grandi bagnanti" è definita la tela più grande con figure femminili nude. Renoir ci ha lavorato per più di tre anni e durante questo periodo sono stati realizzati numerosi schizzi e schizzi. Non c'era nessun altro dipinto nel suo lavoro a cui dedicasse così tanto tempo.
In primo piano, lo spettatore vede tre donne nude, due delle quali sono sulla riva e la terza è in piedi nell'acqua. Le figure sono dipinte in modo molto realistico e chiaro, che è una caratteristica dello stile dell’artista. I modelli di Renoir erano Alina Charigo (la sua futura moglie) e Suzanne Valadon, che in futuro divenne lei stessa un'artista famosa.
Edgar Degas: "Ballerine blu"
Non tutti i famosi dipinti impressionisti elencati nell'articolo sono stati dipinti ad olio su tela. La foto sopra permette di capire cosa rappresenta il dipinto “Blue Dancers”. È stato realizzato a pastello su un foglio di carta di 65x65 cm e appartiene al periodo tardo dell'attività dell'artista (1897). L'ha dipinto con una vista già compromessa, quindi è di fondamentale importanza l'organizzazione decorativa: l'immagine è percepita come grandi macchie di colore, soprattutto se vista da vicino. Il tema dei ballerini era vicino a Degas. È stato ripetuto molte volte nel suo lavoro. Molti critici ritengono che, grazie all’armonia del colore e della composizione, “Blue Dancers” possa essere considerato il miglior lavoro dell’artista su questo argomento. Attualmente il dipinto è conservato nel Museo d'Arte. A. S. Pushkin a Mosca.
Frédéric Bazille: "Vestito rosa"
Uno dei fondatori dell'impressionismo francese, Frédéric Bazille, nacque in una famiglia borghese di un ricco viticoltore. Mentre studiava ancora al Liceo, iniziò ad interessarsi alla pittura. Trasferitosi a Parigi, conosce C. Monet e O. Renoir. Purtroppo il destino ha destinato l'artista ad avere un percorso di vita breve. Morì all'età di 28 anni al fronte durante la guerra franco-prussiana. Tuttavia, i suoi dipinti, anche se in numero limitato, sono giustamente inclusi nell’elenco dei “migliori dipinti impressionisti”. Uno di questi è “Pink Dress”, dipinto nel 1864. Secondo tutti gli indizi, la tela può essere attribuita al primo impressionismo: contrasti di colore, attenzione al colore, luce solare e un momento congelato, proprio ciò che veniva chiamato “impressione”. Una delle cugine dell’artista, Teresa de Hors, fece da modella. Il dipinto appartiene attualmente al Museo d'Orsay a Parigi.
Camille Pissarro: “Boulevard Montmartre. Pomeriggio soleggiato"
Camille Pissarro divenne famoso per i suoi paesaggi, la cui caratteristica è la rappresentazione della luce e degli oggetti illuminati. Le sue opere hanno avuto un'influenza significativa sul genere dell'impressionismo. L'artista ha sviluppato in modo indipendente molti dei suoi principi inerenti, che hanno costituito la base per la sua futura creatività.
A Pissarro piaceva dipingere lo stesso luogo in momenti diversi della giornata. Ha tutta una serie di tele con viali e strade parigine. Il più famoso di questi è “Boulevard Montmartre” (1897). Riflette tutto il fascino che l'artista vede nella vita ribollente e inquieta di questo angolo di Parigi. Osservando il viale dallo stesso luogo, lo mostra allo spettatore in una giornata soleggiata e nuvolosa, al mattino, pomeriggio e tarda sera. La foto sotto mostra il dipinto “Montmartre Boulevard at Night”.
Questo stile è stato successivamente adottato da molti artisti. Menzioneremo solo quali dipinti impressionisti furono scritti sotto l'influenza di Pissarro. Questa tendenza è chiaramente visibile nel lavoro di Monet (la serie di dipinti “Haystacks”).
Alfred Sisley: "Prati in primavera"
“Prati in primavera” è uno degli ultimi dipinti del paesaggista Alfred Sisley, dipinto nel 1880-1881. In esso, lo spettatore vede un sentiero nel bosco lungo le rive della Senna con un villaggio sulla sponda opposta. In primo piano c'è una ragazza: la figlia dell'artista Jeanne Sisley.
I paesaggi dell’artista trasmettono l’atmosfera autentica della regione storica dell’Ile-de-France e conservano la speciale morbidezza e trasparenza dei fenomeni naturali caratteristici delle stagioni specifiche. L'artista non è mai stato un sostenitore di effetti insoliti e ha aderito a una composizione semplice e a una tavolozza di colori limitata. Il dipinto è ora conservato alla National Gallery di Londra.
Abbiamo elencato i dipinti impressionisti più famosi (con nomi e descrizioni). Questi sono capolavori della pittura mondiale. Lo stile pittorico unico, originario della Francia, fu inizialmente percepito con scherno e ironia; i critici sottolinearono la totale disattenzione degli artisti nel dipingere le loro tele. Ormai quasi nessuno osa sfidare il proprio genio. I dipinti impressionisti sono esposti nei musei più prestigiosi del mondo e rappresentano una mostra ambita per qualsiasi collezione privata.
Lo stile non è caduto nell'oblio e ha molti seguaci. Il nostro connazionale Andrei Koch, il pittore francese Laurent Parselier, le americane Diana Leonard e Karen Tarleton sono famosi impressionisti moderni. I loro dipinti sono realizzati secondo le migliori tradizioni del genere, pieni di colori vivaci, tratti audaci e vita. Nella foto sopra c'è l'opera di Laurent Parselier “In the Rays of the Sun”.
L'ulteriore sviluppo della pittura europea è associato all'impressionismo. Questo termine è nato per caso. Il motivo era il titolo del paesaggio di C. Monet “Impressione. Sunrise" (vedi Appendice n. 1, Fig. 3) (dall'impressione francese - impressione), apparso alla mostra impressionista nel 1874. Questa prima esibizione pubblica di un gruppo di artisti, che comprendeva C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro e altri, fu accolta dalla critica ufficiale borghese con rude ridicolo e persecuzione. È vero, già dalla fine degli anni Ottanta dell'Ottocento, le tecniche formali della loro pittura furono riprese da rappresentanti dell'arte accademica, il che diede a Degas motivo di osservare amaramente: "Ci hanno sparato, ma allo stesso tempo le nostre tasche sono state perquisite".
Ora che gli accesi dibattiti sull’impressionismo appartengono al passato, quasi nessuno oserà contestare che il movimento impressionista abbia rappresentato un ulteriore passo avanti nello sviluppo della pittura realistica europea. "L'impressionismo è, prima di tutto, l'arte di osservare la realtà che ha raggiunto una raffinatezza senza precedenti" (V.N. Prokofiev). Cercando la massima spontaneità e accuratezza nel trasmettere il mondo visibile, iniziarono a dipingere principalmente all'aria aperta e aumentarono l'importanza degli schizzi dalla natura, che quasi sostituirono il tipo tradizionale di pittura, creata con cura e lentamente in studio.
Chiarindo costantemente la loro tavolozza, gli impressionisti liberarono la pittura dalle vernici e dai colori terrosi e marroni. L'oscurità convenzionale e “museale” nelle loro tele lascia il posto a un gioco infinitamente diverso di riflessi e ombre colorate. Hanno ampliato incommensurabilmente le possibilità delle belle arti, rivelando non solo il mondo del sole, della luce e dell'aria, ma anche la bellezza delle nebbie, l'atmosfera inquieta della vita di una grande città, la dispersione delle luci notturne e il ritmo del movimento continuo.
A causa del metodo stesso di lavorare all'aria aperta, il paesaggio, compreso il paesaggio urbano da loro scoperto, occupava un posto molto importante nell'arte degli impressionisti. La misura in cui tradizione e innovazione si fondono organicamente nell'arte degli impressionisti è testimoniata, innanzitutto, dall'opera dell'eccezionale pittore del XIX secolo Edouard Manet (1832-1883). È vero, lui stesso non si considerava un rappresentante dell'impressionismo e si esibiva sempre separatamente, ma in termini ideologici e ideologici era senza dubbio sia il precursore che il leader ideologico di questo movimento.
All'inizio della sua carriera creativa, E. Manet fu ostracizzato (il ridicolo della società). Agli occhi del pubblico e della critica borghese, la sua arte diventa sinonimo del brutto, e l’artista stesso viene definito “un pazzo che dipinge un quadro, tremante in delirium tremens” (M. de Montifaud) (vedi Appendice n. 1, Figura 4). Solo le menti più perspicaci dell'epoca erano in grado di apprezzare il talento di Manet. Tra loro c'erano Charles Baudelaire e il giovane E. Zola, che dichiaravano che "il signor Manet è destinato a un posto al Louvre".
L'impressionismo ha trovato la sua espressione più coerente, ma anche di vasta portata, nell'opera di Claude Monet (1840-1926). Il suo nome è spesso associato a risultati di questo metodo pittorico come il trasferimento di sfuggenti stati transitori di illuminazione, la vibrazione della luce e dell'aria, la loro interrelazione nel processo di continui cambiamenti e trasformazioni. “Questa è stata senza dubbio una grande vittoria per l’arte dei tempi moderni”, scrive V. N. Prokofiev e aggiunge: “Ma anche la sua vittoria finale”. Non è un caso che Cézanne, pur inasprendo in modo un po’ polemico la sua posizione, abbia poi sostenuto che l’arte di Monet è “solo l’occhio”.
I primi lavori di Monet sono piuttosto tradizionali. Contengono ancora figure umane, che in seguito si trasformano sempre più in staffage e gradualmente scompaiono dai suoi dipinti. Negli anni settanta dell'Ottocento prese finalmente forma lo stile impressionista dell'artista, che da quel momento in poi si dedicò interamente al paesaggio. Da allora lavora quasi esclusivamente en plein air. È nella sua opera che si afferma definitivamente la tipologia del grande dipinto, il bozzetto.
Monet è stato uno dei primi a creare una serie di dipinti in cui lo stesso motivo si ripete in diversi momenti dell'anno e del giorno, in diverse condizioni di illuminazione e meteorologiche (vedi Appendice n. 1, Fig. 5, 6). Non tutti sono uguali, ma i migliori dipinti di queste serie stupiscono per la freschezza dei loro colori, l'intensità dei colori e la maestria dei loro effetti di luce.
Nell’ultimo periodo della creatività nella pittura di Monet, le tendenze del decorativismo e della piattezza si intensificarono. La luminosità e la purezza dei colori si trasformano nel loro opposto, appare una sorta di biancore. Parlando dell'abuso da parte degli ultimi impressionisti del “tono leggero, trasformando alcune opere in tele scolorite”, E. Zola scrive: “E oggi non c'è altro che plein air... rimangono solo macchie: il ritratto è solo una macchia, il le figure sono solo macchie, solo macchie”.
Anche altri artisti impressionisti erano per lo più pittori di paesaggi. Il loro lavoro spesso rimaneva immeritatamente nell'ombra accanto alla figura davvero colorata e imponente di Monet, sebbene non fossero inferiori a lui nella vigilanza della visione della natura e nelle abilità pittoriche. Tra questi vanno citati per primi i nomi di Alfred Sisley (1839-1899) e Camille Pissarro (1831-1903). Le opere di Sisley, inglese di nascita, sono caratterizzate da una particolare eleganza pittorica. Un brillante maestro dell'aria aperta, sapeva come trasmettere l'aria trasparente di una limpida mattina invernale, la leggera foschia della nebbia riscaldata dal sole e le nuvole che corrono attraverso il cielo in una giornata ventosa. La sua gamma si distingue per la ricchezza di sfumature e la fedeltà dei toni. I paesaggi dell’artista sono sempre intrisi di uno stato d’animo profondo, che riflette la sua percezione essenzialmente lirica della natura (vedi Appendice n. 1, Fig. 7, 8, 9).
Il percorso creativo di Pissarro, l'unico artista che ha partecipato a tutte le otto mostre impressioniste, è stato più complesso: J. Rewald lo ha definito il “patriarca” di questo movimento. Partendo da paesaggi simili nella pittura ai Barbizon, sotto l'influenza di Manet e dei suoi giovani amici, iniziò a lavorare all'aria aperta, alleggerendo gradualmente la tavolozza. A poco a poco sviluppa il proprio metodo impressionistico. Fu uno dei primi ad abbandonare l'uso della vernice nera. Pissarro è sempre stato incline ad un approccio analitico alla pittura, da qui i suoi esperimenti sulla scomposizione del colore: “divisionismo” e “puntinismo”. Tuttavia, presto tornò al modo impressionistico in cui furono create le sue opere migliori: meravigliose serie di paesaggi urbani di Parigi (vedi Appendice n. 1, Fig. 10, 11, 12, 13). La loro composizione è sempre ponderata ed equilibrata, la loro pittura è raffinata nei colori e magistrale nella tecnica.
In Russia, il paesaggio urbano nell’impressionismo è stato illuminato da Konstantin Korovin. "Parigi è stata per me uno shock... gli impressionisti... in loro ho visto ciò per cui ero stato rimproverato a Mosca." Korovin (1861-1939), insieme al suo amico Valentin Serov, furono le figure centrali dell'impressionismo russo. Sotto la grande influenza del movimento francese, creò il proprio stile, che mescolava gli elementi principali dell'impressionismo francese con i ricchi colori dell'arte russa di quel periodo (vedi Appendice n. 1, Fig. 15).