ESECUZIONE AUTENTICA, esecuzione di musica del passato su strumenti dell'epoca corrispondente e sulla base di dati storico-musicali sulla natura e le modalità dell'articolazione vocale e strumentale, sulla decodificazione dei melismi e del basso continuo (basso digitale), sul sistema del temperamento, sul significato delle istruzioni dinamiche, agogiche, ecc. Il pioniere dell'esecuzione autentica è considerato il britannico Arnold Dolmech, che suonava strumenti antichi. Ricostruì il liuto, il clavicordo, il flauto dolce, pubblicò numerosi manoscritti e scrisse un'opera sui principi dell'esecuzione della musica antica. Molto merito per aver promosso l’idea di esecuzione autentica va anche alla clavicembalista polacca Wanda Landowska. La diffusione di tale pratica, soprattutto dopo la seconda guerra mondiale, fu facilitata dalle attività di numerosi musicisti, tra cui Noah Greenberg (1919–1966), David Munrow (1942–1976), Alfred Deller (1912–1979; fece rivivere l'arte del canto del controtenore); oggi in questo campo sono particolarmente attivi e fruttuosi Nikolaus Harnoncourt (n. 1929) e Gustav Leonhardt (n. 1928), che hanno realizzato registrazioni esemplari della musica di J. S. Bach, compositori del barocco e delle epoche precedenti. Attualmente in molti paesi, inclusa la Russia, esistono ensemble specializzati nell'esecuzione autentica della musica del Medioevo, del Rinascimento, del Barocco e del Classicismo. Spesso, i leader dell'ensemble e i singoli artisti agiscono contemporaneamente come ricercatori, redattori o arrangiatori delle opere che eseguono.
Uno dei motivi per l'emergere del movimento per la performance autentica è solitamente indicato nell'accresciuto senso di storicismo caratteristico del XX secolo. Di grande importanza fu anche la reazione all'arbitrarietà dei virtuosi dell'epoca romantica e post-romantica, che eseguivano musica antica in maniera molto libera, allontanandosi molto dal testo dell'autore. Infine, il movimento per l'esecuzione autentica ha introdotto nella pratica concertistica e nella coscienza degli ascoltatori un'enorme quantità di musica mai ascoltata (che è stata particolarmente facilitata dal costante progresso tecnologico nel campo della registrazione del suono). Per molto tempo è sembrato che le opere del lontano passato, riprodotte in modo autentico – “museale”, cioè in tempi precisi e rigorosamente mantenuti, molto ritmicamente, senza “sensibilità” romantica, con un suono un po' secco, “purificato” - corrispondono alla percezione dell'ascoltatore moderno. Tuttavia, recentemente c'è stata una reazione all'attuazione troppo coerente di tali principi, che sono già diventati standard, da parte di molti artisti ed ensemble. Tuttavia, i migliori rappresentanti del movimento, in particolare il suo leader, il direttore d'orchestra N. Harnoncourt, uniscono l'autenticità nella scelta del testo, della strumentazione, del modo di suonare e di cantare con la libertà creativa di interpretazione.
In Russia, oltre al problema dell'autentica esecuzione della musica antica dell'Europa occidentale (qui gli artisti nazionali, ovviamente, seguono i loro colleghi stranieri), esiste un problema molto complesso dell'autentica esecuzione della musica sacra russa di epoche lontane, comprese le questioni di decifrare registrazioni non autentiche (soprattutto quelle polifoniche). Tra gli ensemble di canto che prestano attenzione a questo argomento, si può evidenziare il coro da camera maschile “Old Russian Chant” sotto la direzione di A.T. Grindenko.
Ciao, cari lettori del sito blog. La parola “autentico” è diventata una dichiarazione di moda.
Risuona dagli schermi televisivi, appare nei discorsi di avvocati, critici d'arte, psicologi e si trova sui social network.
Questa parola è usata in diversi contesti, quindi il suo vero significato non è sempre chiaro. Per evitare di finire nei guai, dovresti “scavare più a fondo” e scoprire tutto su questo termine misterioso.
Autenticità: il significato della parola in senso generale
Il concetto, che porta con sé un leggero tocco di mistero e mistero, deriva dalla lingua greca. Tradotto in russo αὐθεντικός significa “ autentico", "vero". offre ulteriori “tocchi al ritratto” che rendono questa parola più facile da capire:
- VERO;
- autentico;
- equivalente;
- valido;
- affidabile.
Autentico è un significato caratteristico che l'oggetto in questione è reale, genuino, non contraffatto.
Concetti opposto nel significato- falso, non reale, contraffatto, non originale, ma copia. Insomma, un'altra parola di moda tradotta dall'inglese come “falso”.
Data la diffusa prevalenza di falsi economici (i concorsi per il titolo della copia più autentica delle aziende di marca sono già diventati un luogo comune), l'acquisto di un oggetto vero e genuino è un grande successo.
Pertanto, nell'interpretazione moderna, “autentico” significa anche “alta qualità”.
A volte puoi sentire la pronuncia "autentico" o "autentico". Queste designazioni sono equivalenti. Ma il concetto dal suono simile di “autistico” è tratto da “un’altra opera” ed è associato a disturbi dello sviluppo.
Ma non affrettarti a trarre conclusioni, che l'autenticità è molto semplice. Questo termine, infatti, viene utilizzato in decine di ambiti, dalla psicologia al diritto, e ogni volta il suo significato verrà interpretato in modo diverso.
Ad esempio, l’autenticità del comportamento di una persona è quanto è diverso il suo comportamento “in pubblico” e quando nessuno lo guarda. Questa parola denota anche l'autenticità dei prodotti. Autenticarsi sui siti significa verificare l'autenticità della propria identità. E così via.
Ma non preoccuparti, risolveremo tutto in pochissimo tempo.
Ciò che può essere autentico
Questo è quello che dicono di qualsiasi genuino prodotto originale. Ad esempio, possono essere autentici un amuleto africano, uno smalto Rostov, un profumo Chanel n. 5, un grano saraceno russo, un tappeto uzbeko o delle scarpe da ginnastica Nike.
Gli amanti dei viaggi conoscono l’espressione “ cucina autentica" Questo si riferisce ai piatti nazionali che incarnano le preferenze culinarie degli abitanti del paese (paella spagnola, falafel israeliano, tortilla messicana).
Si usa spesso la parola autenticità quando si tratta di documenti. Questo termine è comune nel diritto internazionale in relazione ai contratti in due o più lingue.
Il testo può essere stato inizialmente compilato in una di esse, ma tutte le altre versioni sono considerate autentiche, aventi pari validità, cioè autentiche.
Dalle labbra dei musicisti puoi sentire la frase “ prestazione autentica" Questo si dice quando le opere antiche vengono riprodotte in modo speciale su strumenti dell'epoca corrispondente per portarci la musica nella forma in cui l'hanno creata Bach o Beethoven.
Il pioniere in questa direzione fu il britannico Arnold Dolmech, che ricostruì antichi strumenti musicali e creò un'opera sui principi dell'esecuzione della musica antica.
In letteratura il termine L'autenticità viene applicata ai testi originali che non sono stati modificati. Molto spesso stiamo parlando di corrispondenza personale, diari e manoscritti.
Ci sono casi in cui l'autenticità non è la stessa cosa dell'autenticità, ad esempio nell'arte contemporanea. Qui, tale qualità può essere attribuita a una copia che trasmette pienamente lo stile e l'idea dell'autore: tutto è come nella fonte originale.
L'autenticazione è un test di autenticità
Come caratteristica personale, l'autenticità è la capacità di essere se stessi nelle diverse situazioni, guidati dalle proprie idee sulla vita e assumendosi la responsabilità di questa scelta. Questo è l'antonimo di .
Sole con se stesse, quando non c’è nessuno da impressionare e conquistare, le persone tendono a comportarsi in modo autentico. In presenza di altri, il comportamento può cambiare notevolmente. L'autenticità è caratteristica dei bambini piccoli, finché gli adulti non insegnano loro a comportarsi diversamente.
Quanto più piccola è la differenza tra il comportamento di una persona da sola e “in pubblico”, tanto più autentica è.
Segni di una persona autentica:
- percezione realistica di sé e degli altri;
- espressione aperta delle proprie emozioni e opinioni, anche quelle diverse dalla maggioranza.
- assenza di dichiarazioni e azioni che contraddicono le linee guida della vita;
- autosufficienza, mancanza di disagio quando si è soli ();
- indifferenza ai pettegolezzi e alle voci infondate, mancanza di risentimento per le critiche di altre persone e tendenza a condannare le azioni degli altri.
Da un punto di vista psicologico, i concetti sono parole vicine nel significato alla parola "autentico". "sincero", "aperto", "onesto". Queste qualità si manifestano non solo in relazione ad altre persone, ma anche verso se stessi.
Breve riassunto
In un mondo traboccante di copie (contraffazioni di abiti, scarpe e smartphone griffati, rapporti con mascherine sui volti, account falsi), l'autenticità ha acquisito un valore speciale. E non importa che spesso dietro non ci siano benefici esterni: piacere, ricchezza o fama.
Buona fortuna a te! A presto sulle pagine del blog del sito
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Performance autentica, autentismo(vit tardi lat. Autentico - reale, affidabile)- un movimento nell'esecuzione musicale che mira a ricreare il più fedelmente possibile il suono della musica del passato, abbinando all'esecuzione moderna un'esecuzione originale e “storica”.
L'autenticità è spesso associata all'esecuzione della musica barocca. Tuttavia, trova applicazione nell'esecuzione della musica di tutte le epoche, le cui tradizioni musicali differiscono da quelle moderne: Medioevo, Rinascimento, Classicismo e anche in una certa misura al folklore musicale arcaico.
1. Teoria
L'esecuzione autentica richiede che l'esecutore sia consapevole di tutti (se possibile) gli aspetti della pratica e della teoria musicale del periodo e del paese in cui e quando la musica è stata scritta. Pertanto, nei paesi occidentali, il termine performance “storicamente informata” è diventato recentemente più diffuso. Pratica esecutiva “storicamente informata”. , abbreviato in HIPP). L'autenticità inizia con la capacità di interpretare il testo musicale nell'originale. Ecco perché è così importante la pubblicazione e la distribuzione di edizioni in facsimile della musica antica e dell'educazione in questo settore.
Importanti (molto diversi da quelli moderni) sono gli approcci all'interpretazione della partitura (la capacità di suonare e decifrare il basso digitale, scegliere la composizione e il numero degli esecutori), la conoscenza delle regole e delle tecniche del gioco (colpi, “buoni” e “ cattive”, agogica, tempi, dinamica, articolazione, ecc.), selezione degli strumenti, loro equipaggiamento e accordatura (altezza, temperamento), capacità di improvvisare, suonare correttamente gli ornamenti.
La manifestazione più visibile di autenticità è l'uso in interpretazioni moderne di strumenti musicali del passato (originali o copie realizzate in tempi moderni) nei casi in cui questi strumenti siano caduti in disuso o siano cambiati in modo significativo, ad esempio: viola da gamba, viola barocca violino, flauto longitudinale, clavicembalo, clavicordo, pianoforti a martelli, nonché strumenti del XIX secolo (pianoforte a pedali, arpeggione, armonium, ecc.). Idealmente è consigliabile eseguire un brano su uno strumento dell'epoca in cui il brano è stato scritto. L'autenticità include anche l'esecuzione di parti vocali acute (femminili, scritte per cantanti castrati) nelle prime opere da parte di voci maschili (controtenore) invece che da cantanti donne e l'esecuzione di parti vocali acute nella musica sacra del XVIII secolo da parte di ragazzi, non cantanti, come inteso dai compositori.
La direzione autentica dello spettacolo folcloristico è caratterizzata dal desiderio di riprodurre accuratamente il modo dello spettacolo popolare. A questo scopo i musicisti autentici effettuano spedizioni nei villaggi alla ricerca di portatori della tradizione popolare, soprattutto tra gli anziani. Secondo il leader del gruppo Bozhichi, Ilya Fetisov, la solita decodifica di una canzone popolare con note perde circa la metà delle informazioni.
2. Storia
L'interesse per il suono autentico della musica antica è nato a cavallo tra il XIX e il XX secolo. Il fondatore del movimento è tradizionalmente considerato Arnold Dolmech (1858-1940), che progettò copie di strumenti antichi e su di essi eseguì musica dei secoli XVII-XVIII. Dolmech è l'autore dell'opera "Esecuzioni di musiche dei secoli XVII-XVIII" (ing. L'interpretazione della musica dei secoli XVII e XVIII ; Londra, 1915), che divenne la base teorica fondamentale dell’autenticismo. In Francia, nello stesso periodo, venne fondata la Società dei Concerti sugli Strumenti Antichi (francese. Società di concerti di strumenti antichi ) - Il suo presidente era Camille Saint-Saens, e il suo principale promotore era Henri Casadesus. In Germania, all'inizio del XX secolo, una società simile fu fondata dal violoncellista Christian Döbereiner, che promosse la rinascita della viola da gamba. Allo stesso tempo, Albert Schweitzer e i suoi sostenitori lanciarono un movimento antiromantico (Orgelbewegung) per ripristinare il suono originale. organo musica di Bach (andava sotto lo slogan “Ritorno a Silberman”! La rinascita del clavicembalo come strumento da concerto è stata facilitata dalle attività concertistiche e didattiche di Wanda Landowski in diversi paesi.
Dagli anni '50 si sono distinti Gustav Leonhardt, Nikolaus Harnoncourt, Ton Kopman (Koopman), Sigizwald Keiko e i suoi fratelli (ensemble) La Petite Bande), Frans Bruggen, Philipp Herreweghe, John Eliot Gardiner, Christopher Hogwood, Reinhard Goebel, Rene Jacobs, William Christie, Masaaki Suzuki, Christophe Rousset e molti altri luminari del moderno movimento HIPP.
Le origini delle autentiche esibizioni in URSS furono l'ensemble di Mosca "Madrigal" (fondato dal compositore e pianista principe Andrei Volkonsky) e l'ensemble di Tallinn "Hortus Musicus" (fondato dal violinista Andres Mustonen). Un contributo significativo allo sviluppo dell'esecuzione autentica in Russia è stato dato dal tastierista Alexey Lyubimov e dalla violinista Tatyana Grindenko (direttore dell'orchestra dell'Accademia di musica antica).
3. Autentismo in Ucraina
A cavallo tra il XIX e il XX secolo, l'interesse per il suono autentico della musica ucraina fu mostrato da Lysenko, che organizzò concerti del kobzar Ostap Veresay e lasciò uno studio sulla sua opera, “Caratteristiche delle caratteristiche musicali dei pensieri e delle canzoni ucraine eseguito dal kobzar Veresay", così come il libro "Strumenti musicali popolari in Ucraina", pubblicato sulle pagine della rivista "Zarya" nel 1894. Note importanti sull'esecuzione autentica si trovano nelle opere dell'eccezionale folclorista K. Kvitka , che in particolare scriveva "... è anche molto necessario coltivare la riproduzione dal vivo attraverso cantanti e strumentisti, che si dedichino alla precisa conservazione, per così dire, museale del repertorio popolare, delle tradizioni dell'esecuzione popolare e della modo di suonare strumentale"
L’impulso per lo sviluppo degli studi medievali ucraini e la divulgazione della musica antica fu il primo simposio scientifico dedicato ai problemi della musica antica ucraina, che si tenne a Kiev dal 5 al 9 aprile 1969. Alla fine degli anni '70, un gruppo di persone affini si riunì attorno agli appassionati ucraini di musica antica Anatoly Shpakov (liuto) e Svyatoslav Krutikov (clavicembalo, flauti dolci), che cercavano di avvicinarsi all'autenticità nell'esecuzione. Negli anni '80 e '90, l'ensemble "Silva Rerum" guidato da Tatyana Tregub era attivo nel lavoro creativo, che si poneva l'obiettivo di presentare al grande pubblico esempi di musica antica ucraina. Dagli anni '90 Natalia Sviridenko promuove l'esecuzione autentica della musica antica, il repertorio comprende cicli di programmi monografici: "Barocco ucraino", "Musica virginale inglese", "Tutta la musica da camera di J. S. Bach", "La musica ai tempi di dei Borboni”, “Musica dei Razumovsky”, opere di G. Frescobaldi, C. F. E. Bach, D. Scarlatti, A. Soler, M. de Falla, musica spagnola del XVI secolo. .
4. Critica
I critici dell'autenticismo dubitano che un'esecuzione vicina all'era di creazione dell'opera aiuti l'ascoltatore moderno ad ascoltare la musica dei tempi antichi come la ascoltavano i contemporanei, perché per questo l'ascoltatore deve avere la cultura musicale di quel tempo. Sebbene sia abbastanza ragionevole che la percezione della musica di un certo periodo sia facilitata da una conoscenza minima della cultura di quel tempo.
Un'altra critica all'Autenticismo riguarda gli strumenti antichi. L'essenza dei cambiamenti negli strumenti avvenuti nelle epoche successive era quella di semplificare, espandere le loro capacità tecniche, livellare o aumentare la potenza del suono. Da qui l'opinione comune che gli strumenti antichi siano “deboli” o addirittura “falsi”. Inoltre, gli strumenti antichi furono progettati per altre sale, di piccole dimensioni, mentre le grandi sale filarmoniche non esistevano fino al XIX secolo.
La semantica è anche una critica al termine stesso “autentico”. Lo stesso Gustav Leonhardt osserva che, ad esempio, un vaso del XVIII secolo può essere autentico, ma qualsiasi esecuzione moderna non può essere autentica nel pieno senso della parola, poiché è impossibile viaggiare 300 anni nel passato. Gli stili esecutivi, qualunque sia il loro nome, portano inevitabilmente l'impronta del loro tempo. Pertanto, le registrazioni "autentiche" di oltre 30 anni (ad esempio, gli ensemble un tempo famosi di René Klemencic, Studio der frhen Musik, "Early Music Consort" di David Munrow, Arnold Dolmetsch, Wanda Landowski, molti altri ensemble e singoli artisti) sono in grado di diventare obsoleti come stili di esecuzione "accademici".
Intervista a Zamudin Guchev
Zamudin Guchev - maestro ricercatore dell'arte tradizionale di Adyghe, artista onorato della Repubblica di Adygea, insegnante del dipartimento di folklore della Scuola d'arte repubblicana per bambini di Adyghe che porta il nome. K.H. Tletseruka, fondatore degli autentici gruppi di performance "Zhyu" e "Tyzhyn", autore di pubblicazioni uniche sulla cultura Adyghe: "The Art of the Adyghe Mat" (1990), "Learning to Play the Shichepshin" (2014), un libro enciclopedico pubblicazione “Atlante del circasso (Adyghe) Shichepshin” (2017), ecc.
Insegni a suonare gli strumenti popolari di Adyghe presso il dipartimento di folclore della Scuola d'arte repubblicana per bambini di Adyghe che porta il suo nome. K.H. Tletseruka. Pensi che oggi i giovani abbiano l'opportunità di apprendere autentiche abilità prestazionali ad Adighezia?
Z.G.: Penso che ognuno abbia l'opportunità, se lo desidera, c'è abbastanza letteratura, materiale audio e video. Deve esserci solo un desiderio. Ma per studiare da qualche parte in alcuni corsi o da un maestro, o da un artista, oggi i mentori possono già essere giovani interpreti moderni della musica autentica, di cui già abbiamo. Se camminiamo attraverso le regioni dell’Adighezia, prendiamo ad esempio il distretto di Takhtamukay. C'è Khyak1eshch Chetyz Aslan, dove i ragazzi già suonano da soli e cantano vecchie canzoni. Tuttavia, nella regione di Takhtamukai non abbiamo ancora un artista così virtuoso su cui fare affidamento. Questi musicisti c'erano e sono nelle registrazioni. Tali artisti vivono accanto a questa zona nella città di Adygeisk, padre e figlio Abid - Gissa e Arthur. Hanno un effetto benefico sul cambiamento dell'atteggiamento nei confronti dell'antica canzone e sul suonare lo shichepshin. Arthur Abid ha imparato di più da suo padre, anche se c'è un po' della mia influenza. La mia partecipazione è stata proprio all'inizio, ho contribuito a realizzare uno strumento per Gissa. Poi, quando Arthur ha studiato alla Adyghe State University, ha frequentato il nostro autentico ensemble di performance "Zhyuu", dove ha acquisito fiducia nelle sue capacità e ha migliorato le sue capacità. Lo abbiamo comunque ispirato a cantare. E così oggi suona perfettamente il tradizionale shichepshin nello stile di Chicha Aslanbech e canta magnificamente. Sebbene abbia un repertorio limitato, esegue magnificamente la canzone sul Nart Shebatnuko, la canzone lamentosa dei fratelli Sheretlukov. Ma ha un vasto repertorio di brani su shichepshin. E proprio nel distretto di Takhtamukay i giovani imparano da lui. Li incontra spesso a Khyak1esh Chetyz Aslan. Si scopre che è lui il mentore principale lì. Forse qualcuno va a studiare appositamente nella sua casa ad Adygeisk. Non posso dirlo esattamente. Ma in ogni caso, Arthur Abid dà il tono a quella regione.
In altre zone, ad esempio nel distretto di Teuchezhsky, così come nel distretto di Takhtamukaysky, c'erano molti artisti eccezionali. C'erano le radici più prolifiche dell'autentica esecuzione della musica Adyghe. La mia ricerca durante la creazione del libro "Atlante dell'Adyghe (circasso) Shichepshin" ha dimostrato che queste due regioni hanno le radici più estese e forti. Ma, sfortunatamente, le conoscenze, le abilità e l’eredità di quegli artisti rimangono per ora immobili, soprattutto nella regione di Teuchezh, dove è nato il grande Chich Aslanbech. Lì si potrebbe sviluppare un'enorme quantità di lavoro attorno alla memoria di questo eccezionale Shichepshinao. Ma per alcuni motivi, per così dire, “assonnati”, purtroppo lì sono inattivi. Tutto ciò è legato all'ignoranza folcloristica dei moderni lavoratori dei club, all'alienazione dai canti antichi, al rifiuto delle raccomandazioni dei dotti folcloristi, e oggi c'è anche il problema dell'aumento del numero di giovani che non conoscono la loro lingua madre. E senza conoscere la lingua Adyghe, come puoi immergerti nei canti antichi?! E questo accade non solo in queste zone, ma nel mondo Adyghe in generale. E strumenti e canti sono strettamente interconnessi. Io stesso ho studiato con Chich Aslanbech. Ho avuto la fortuna di incontrarlo; viveva a Maykop. E ho ascoltato molte registrazioni audio di un ensemble di anziani del villaggio di Neshukai. Lì ha cantato l'eccezionale interprete di canzoni antiche, Aliy Udychak. Ho una fotografia di questo completo appesa nel mio ufficio. Lì Titu Chesebiev suonava i sonagli e cantava, così come altri vecchi, accompagnati da Aslanbech Chich. E suonavano nel vecchio stile tradizionale. Cerco sempre di concentrarmi su di loro, di imitarli.
Negli ultimi dieci anni, nel distretto di Shovgenovsky, è apparso un talentuoso oratore di canto tradizionale e di suonare lo shichepshin. Questo è Nagarokov Kazbek. Padroneggia tutti gli strumenti popolari, anche se ancora non li suona tutti con la stessa abilità. Ma è bellissimo nel suo stile autentico, ha un gusto eccellente e suona lo shichepshin in modo superbo. E può eseguire meravigliosamente tutto ciò che suona con l'armonica sia sullo shichepshin che sul kamyl (flauto longitudinale aperto). Lavora continuamente con questi strumenti e c'è molto da imparare da lui. Kazbek trasmette tutte le sue capacità ai giovani che vogliono imparare a suonare strumenti popolari. Lui stesso è il direttore artistico dell'autentico ensemble di spettacoli “Dzhenyku”. Questo è l'insieme della Casa della Cultura del Distretto Shovgenovsky. Proprio questo ensemble si è esibito in occasione degli eventi festivi dedicati al Giorno della Cultura Adyghe. Questo meraviglioso ensemble si è esibito magnificamente lì. Hanno bisogno di essere promossi, propagandati, come fanno in tutto il mondo, promossi sia in Russia che all'estero.
Sfortunatamente, ciò che ci manca oggi è la promozione attiva di questo stile autentico all’interno della nostra società Adyghe. Compreso nella diaspora circassa. Tali gruppi dovrebbero viaggiare costantemente nei villaggi, nelle città, ovunque vivano i circassi e promuovere la nostra musica etnica autentica. Per questo, ovviamente, devono esserci determinate condizioni, opportunità finanziarie e devono esserci inviti. "Dzhenyku" è un gruppo professionale di autentico stile circasso. E la loro promozione giocherà un ruolo enorme nell'emergere di nuovi gruppi, nuovi giovani interessanti e talentuosi.
Tuttavia, questo è esattamente quello che è successo con l'avvento degli artigiani che producevano shichepshin. Tali maestri sono apparsi sia a Samsun che a Duzce in Turchia negli ultimi cinque anni. Non c'erano prima. Grazie alla propaganda, a tutte le attività svolte dalla televisione, ai giornali e alla ricerca, sono apparsi dei maestri. E a Kabarda questo cominciò a svilupparsi e muoversi molto più velocemente. Con l'avvento di "Zhyu", lì furono creati diversi ensemble e apparvero molti talentuosi interpreti di canti autentici. Tuttavia, la nostra influenza nella rinascita dello stile autentico non è ancora grande. Per fare questo, devi essere costantemente in vista, essere costantemente ascoltato, lavorare costantemente.
Continuando i miei pensieri sul distretto di Shovgenovsky, come ho detto, grazie al lavoro di Kazbek Nagarokov, è apparso l'ensemble "Dzhenyku" ("Focolare"). C'è un tale centro di rinascita ad Adygeisk, e a Takhtamukai c'è un club ensemble, un ensemble folcloristico del Palazzo della Cultura di Uj. In precedenza si chiamava "Kamyl". Arrangiano melodie popolari, le adattano al palcoscenico, al pubblico e ai moderni Palazzi della Cultura.
Se parliamo della situazione, riguardo all'argomento della nostra conversazione, nei distretti di Krasnogvardeisky e Koshekhablsky, bisogna dire che sono in un profondo sonno letargico provinciale.
Fino a poco tempo fa, il centro di autenticità a Maykop era “Zhyu”. Il suo solista era Zaur Nagoev. Suona magnificamente lo strumento e conosce molte vecchie canzoni. Il resto dei ragazzi, ex membri dell'ensemble, dicono, lo stesso Erhan Turcao, Selim Gonezhuk, hanno organizzato gli stessi gruppi nelle città turche di Duzce, Ankara e Tokat. Cioè, sono già stati creati i propri gruppi attorno a ciascun ex membro di "Zhyu". A Maykop è apparso anche un ensemble femminile di canti autentici “Akuanda”, in cui la composizione principale sono rappresentanti della diaspora che, tornati nella loro patria storica, hanno preso l'iniziativa di creare l'ensemble stesso.
Non ci sono altri gruppi di uno stile così autentico a Maykop. C'è un ensemble teatrale "Ashamez". È più orientato verso Islamey. E lo stesso “Islamey” è più concentrato sul palcoscenico, sui canti accademici. È uno stile diverso. Ed ecco un altro ensemble di stile autentico: "Tyzhyn". Questo è l'insieme della scuola d'arte dei nostri figli. Nonostante la loro giovane età, i suoi partecipanti fanno un ottimo lavoro. Ciò include la partecipazione a festival e concorsi vari livelli... Nel profondo del gruppo è apparso un piccolo ensemble strumentale, guidato da Guagov Damir. È composto da 7-8 partecipanti. Un altro ensemble è stato creato sulla base dei canti. Questo è "Nebziy" dei bambini. Sono preparati da Tamara Chesebieva, insegnante del dipartimento di folklore della Adyghe Republican Children's Art School.
Anche se nella zona arriva una persona che suona magistralmente il violino e si è diplomata al conservatorio, come risultato non apparirà immediatamente un'esecuzione autentica. Questo dovrebbe essere insegnato anche a una persona con un'istruzione al conservatorio, perché ha studiato uno stile diverso e una direzione diversa nell'arte. E oggi il problema di tutte le istituzioni educative e culturali è che l’arte tradizionale viene ignorata. Anche se all'università si dice "ensemble folcloristico"... ecc. Ma lì cantano e si esibiscono tutti in uno stile diverso, nello stile del coro Pyatnitsky o degli ensemble di strumenti popolari russi. Ciò era dovuto al fatto che il sistema educativo si era formato in epoca sovietica. Aveva i suoi compiti e sfornava musicisti e cori con lo stesso pennello, senza tener conto delle specificità della musica etnica. Ciò era anche legato all'ideologia. Ma insegnare l'arte autentica nazionale non era prestigioso. Oggi queste istituzioni educative non sono ancora tornate in sé e non hanno compreso l'essenza della vera arte tradizionale. Al giorno d'oggi, tutti sono soddisfatti che l'antica arte dei Circassi sia solo una componente del sistema educativo. Cioè, un piccolo rudimento quasi inutile nel corpo di un enorme sistema. Domani, come accade per la lingua materna, questa componente potrebbe semplicemente essere esclusa dal sistema con il pretesto di una banale mancanza di finanziamenti. Ma questo non è connesso solo con la nostra gente, è connesso con l'ecologia della cultura su scala di tutta l'umanità.
Ad Adighezia, l'arte musicale tradizionale è sopravvissuta ed è persino diventata prestigiosa. Ciò è accaduto grazie a molti narratori e musicisti folk, tra cui Chich Aslanbech, Meretukov Aslan, Sheozhev Elmurza, Khapachev Hasan e altri, grazie ai nostri dotti folcloristi, etnografi e musicologi. Al giorno d'oggi, la televisione e Internet svolgono un ruolo enorme nella promozione della nostra arte popolare. E in qualche modo tutto ha funzionato in modo potente. Tuttavia, non possiamo ancora affrontare il problema dell'apertura dei dipartimenti di folclore a livello locale, nelle scuole d'arte per bambini. Ma questo è legato alla necessità di aprire un dipartimento in una scuola d'arte, sviluppare metodi di insegnamento, programmi e come procedere. Allora l’apprendimento della performance autentica diventerà accessibile e sistematico.
Un'esperienza così fantastica esiste in Kazakistan. Avevano problemi anche con il loro strumento nazionale, il kobyz e la dombra. Suonare la dombra era molto popolare, ma comunque tutto andava sprecato. E Kobyz, questo è lo Shichepshin dei kazaki, poche persone se ne ricordavano. Ora suonare il kobyz viene insegnato nelle scuole di musica, nelle scuole d'arte e nei conservatori. I loro compositori scrivono intere sinfonie e balletti basati su questo strumento. Ciò è accaduto negli ultimi 25-30 anni, da quando sono diventati una repubblica indipendente. Naturalmente il Kazakistan è una repubblica ricca, un paese enorme. Ma in realtà non è necessario spendere molti soldi qui. Diciamo che se in una scuola d'arte per bambini della zona diverse persone insegnano pianoforte, puoi concentrare una di queste unità sull'arte tradizionale. È tutto!
Naturalmente, un tale meccanismo può essere pensato. Non è affatto difficile. In questa direzione deve esserci innanzitutto la volontà dello Stato. I ministeri della cultura stabiliscono se una scuola debba esistere o meno e come dovrebbe funzionare. Quindi, se c'è comprensione su questo problema, allora ci sarà il sostegno dall'alto, dal Capo della Repubblica, dal Parlamento di Adighezia. Perché in effetti, tutti sono interessati a questo. Ed è compito del Ministero della Cultura proporre un simile meccanismo. Dobbiamo quindi lavorare su questo. Soprattutto ora, quando si parla costantemente di preservare e far rivivere le tradizioni. Tutte le repubbliche ne scrivono nella Legge sulla Cultura. Scrivono, poi rimandano, sottolineando che non ci sono finanziamenti. Ma i finanziamenti non c’erano e non ci saranno mai. Vediamo che la situazione economica sta diventando sempre più complicata. Tutto si riduce quindi al “no” e tutto viene scaricato sulle spalle dei popoli stessi. Ci offrono lavoro. Eccoci al lavoro.
I bambini studiano all'ARDSHI. Ci sono corsi oggi nella capitale di Adygea o nella repubblica nel suo insieme per i giovani per imparare a suonare gli strumenti popolari di Adyghe?
Z.G.: Se parliamo di formazione, in ogni momento tutti gli artisti Adyghe hanno imparato per imitazione. E quanto fosse talentuoso l'imitatore è stato dimostrato in futuro dalle sue capacità di esibizione. Potrei non essere il miglior imitatore, ma ci provo. In un modo o nell'altro, l'antica tecnica esecutiva è stata tramandata “di mano in mano”, con l'aiuto di un mentore. E anche il mentore una volta era uno studente. E cerca di insegnare la metodologia che lui stesso ha seguito allo stesso modo. Cioè come posizionare correttamente lo strumento, come prendere correttamente l'arco. Per prima cosa devi imparare come accordare lo strumento. Quindi viene data una sorta di melodia, con la quale di solito muovono i primi passi. L'ho sentito spesso dalle parole di Chich Aslanbech e da quelle di Guchetl Ramazan. Questa è “T1uryt1 kafe”, “Uj”, una melodia particolarmente popolare. L'ho preso anche come base per la formazione. Cosa c'è di buono in questa particolare melodia? Come ho scritto nel mio libro “Imparare a suonare lo Shichepshin”, esistono sia la tecnica del colpo della mano destra, sia il movimento delle dita della mano sinistra, sia la rotazione dello strumento. Se impari a suonare questa melodia, tutto il resto diventerà più facile.
Può un giovane imparare, ad esempio, a suonare lui stesso lo shichepshin? Se sì, da dove dovrebbe iniziare?
Z.G.: Il primo dovere è avere lo strumento stesso. Senza uno strumento sarà impossibile imparare. Fortunatamente per noi, gli strumenti di tale produzione di massa sono realizzati da Patokov Aidamir. È necessario contattarlo e ordinare lo strumento. Poi in Karachay-Circassia è Azamat Ashibokov, Nart Sh'eozh. Nart Sh'eozh è uno dei miei studenti. Una volta viveva qui a Maykop. È anche un grande promotore della musica autentica. A Kabarda ci sono Zuber Ehuaz, Timur Kodzokov, Tembulat Kerefov e altri, cioè ci sono già maestri a Kabarda che fanno shichepshins per coloro che vogliono imparare a suonarlo. Devi prima determinare che tipo di strumento ti serve: tradizionale o non tradizionale. A Kabarda, lo shichepshin non tradizionale a quattro corde è ora più popolare, e nella nostra regione è più popolare quello tradizionale a due corde. Pertanto, devi decidere quale strumento vuoi imparare a suonare e poi rivolgerti ai maestri. Naturalmente a Kabarda ne faranno anche uno tradizionale. Ecco Azamat Ashibokov, vive nel villaggio di Psauche-Dakhe, in linea di principio può fare tutto. Tutti loro sono artigiani di alta classe.
Poi, se c'è qualcuno nelle vicinanze che sa giocare, potete chiedergli di dare lezioni. In caso contrario, puoi utilizzare il mio libro "Imparare a suonare lo Shichepshin". Ci sono molte informazioni utili lì, c'è un'applicazione video e un disco DVD. Questa applicazione può essere scaricata sul tuo computer e c'è tutto, dalla "A" alla "Z". Il giovane interprete Erhan Turcao, che considero un virtuoso, mostra tutto ciò che bisogna fare: come sedersi, come prendere lo strumento, ecc. Cioè come iniziare, come accordare lo strumento. Questo CD è molto utile per imparare. Inoltre in Internet si trova un video di Zuber Ehuaz che dà consigli utili. Se lo desideri, puoi andare da una persona che conosce i segreti del gioco dello shichepshin. Il mondo pratica questo tipo di turismo quando una persona viaggia, ad esempio, dall’Europa all’Asia per imparare a giocare. Così, durante il Concorso Internazionale degli Artisti Kobyz ad Astana, c'erano una donna tedesca, un'ungherese e una giapponese che suonavano lo strumento ad arco kazako kobyz. È vero, suonava uno strumento mongolo. Cioè, questo è ora praticato nel mondo. Ci sono molte persone che vanno in India per studiare. Tutto questo può essere rintracciato su Internet. Cioè, puoi rendere popolare la tua regione grazie a un programma educativo per imparare a suonare strumenti popolari.
In passato, ogni giovane che iniziava acquisiva le basi da un mentore. E poi ogni giorno, ogni ora, ha affinato le sue capacità, ampliato il suo repertorio e si è trasformato in un interprete, portatore della cultura strumentale tradizionale o dei canti, ecc., qualunque cosa lo affascinasse di più. Ed è sempre stato così. Pertanto, questa tecnica sarà per sempre viva. E tutti coloro che iniziano dovrebbero dedicare tempo a questo ogni giorno. Almeno 15-20 minuti. Quando sei appassionato, di solito passi più tempo. E poi, quando hai già le capacità, puoi impiegare meno tempo, ma devi giocare costantemente. Questo è ciò che fa qualsiasi musicista di qualsiasi strumento. Se non lavori, le tue capacità diventano noiose. Pertanto, devi lavorare e poi sarai al livello. E non essere timido nel suonare davanti a qualsiasi pubblico.
Ogni interprete suona innanzitutto per se stesso, per soddisfare il proprio bisogno di creatività. Naturalmente, quando senti di essere saldamente in piedi, puoi suonare davanti a qualsiasi pubblico, su qualsiasi palco. Sì, e devi suonare, perché questo fa parte della propaganda di questo strumento.
In ARDSHI abbiamo esperienza di lavoro non solo con i bambini, ma anche con gli adulti. L'insegnante Marina Shkhabatseva lavora con l'ensemble femminile dell'autentica performance "Akuanda". Si tratta di persone mature e familiari che avevano una passione per l'arte tradizionale. Sono riuscito ad affascinare Marina. È un'artista di grande talento, ha un ricco repertorio, che comprende l'intero ciclo dell'epopea di Nart. Ha un'ottima memoria. Può concentrarsi in qualsiasi momento ed eseguire qualsiasi canzone sulle slitte. Poi si è interessata allo strumento. Ora insegna agli studenti della prima elementare. Lei prepara per me le persone più talentuose per l'istruzione superiore e abbiamo con lei un tale nastro trasportatore educativo. E così queste appassionate donne di famiglia si sono rivolte per la prima volta a me affinché potessi insegnare loro le arti dello spettacolo. Ma ho attirato la loro attenzione su Marina Shkhabatseva, che aveva già padroneggiato quest'arte a un buon livello e conosceva la materia. E ha accettato questo compito con piacere. Il gruppo si è raccolto intorno a lei. E nel gruppo, Sevil Edidzh, Bela Bodzhokova e altri si sono presentati in modo abbastanza brillante e vivido, ora "Akuanda" esegue canzoni antiche come venivano fatte in ogni momento.
In passato, tra i Circassi, gli uomini cantavano in pubblico e le donne cantavano nella metà femminile della casa. Ma oggi è un momento diverso. Non dovremmo usare questo approccio di genere per la propaganda. Pertanto oggi sia le ragazze che i ragazzi dovrebbero lavorare tutti in questa direzione. Tutti devono fare uno sforzo per preservare l'arte tradizionale per introdurla ai circassi più moderni.
A quali tradizioni esecutive della musica popolare Adyghe dovresti prestare attenzione quando studi in modo indipendente?
Z.G.: Quando ti insegno a suonare uno strumento, ti insegno subito a cantare canti antichi. Questo è stato fatto in passato. Innanzitutto, la persona che inizia a cantare, se non conosce bene la lingua, la perfezionerà. Poi, se ama cantare, ma si vergogna di valutare le sue capacità vocali, lo convinco che tutti sanno cantare. Non è necessario cantare come cantanti d'opera con una voce allenata, una voce, ma devi cantare in uno stile folk. E proprio lì, nella prima lezione, fa zhyuu. Comincio a cantare io stesso, dicendoti come farlo. E stiamo già cantando con lui e muovendo i primi passi sullo shichepshin. E così appare il portatore dell'arte narrativa dei Circassi. Per me, questo è l'apice dell'imparare a suonare uno strumento. Puoi anche trasmettere una storia, imitare. Questo è già un intero teatro dell'arte popolare di Adyghe.
Quegli anziani con cui ho avuto l'opportunità di comunicare, vale a dire Aslanbech Chich, Turkubiy Dzharimok e Aslan Meretukov, erano esperti nell'arte narrativa dei Circassi. Lo stesso Aslanbech cantava ed era un cantante. E Aslan Meretukov potrebbe conoscere vecchie canzoni, ma non le ha mai eseguite davanti a me. Non l'ho visto cantare e non è registrato. Hanno raccontato ciò che è stato mostrato loro, loro stessi hanno ascoltato e ricordato. E sulla base della loro esperienza, ho sviluppato un'intera metodologia per insegnare sia il canto che il gioco. Ma non l'ho ancora descritto in dettaglio, come nel libro "Imparare a suonare lo Shichepshin". Io stesso spero per i giovani che dovrebbero anche lavorare più attivamente.
Le attività degli interpreti dello stile autentico sono molto importanti per preservare la lingua. Dopotutto, le canzoni antiche sono capolavori poetici, se prendiamo il testo. E se prendiamo la musica, queste sono opere musicali uniche nell'ordine mondiale. Essendo a San Pietroburgo alla IX Conferenza internazionale, ciò era chiaramente visibile dai canti delle nostre repubbliche vicine: Ossezia settentrionale e meridionale, Daghestan, Cabardino-Balcaria. È stato possibile confrontare, è già stato possibile trarre conclusioni interessanti.
Io stesso ho concluso che lo stile autentico nelle altre repubbliche è ancora agli inizi tra i giovani. E nel mondo Adyghe, questo ha ricevuto una svolta convincente, in gran parte grazie all'ensemble "Zhyyu", al lavoro di quei ragazzi, alla comparsa di quei dischi, compact disc che abbiamo registrato. Potrebbe essere stato di scarsa qualità da qualche parte, ma l'abbiamo registrato e ha fatto il suo lavoro.
Oggi Ored Recordings dà il suo contributo: le attività del leader di questo gruppo, Bulat Khalilov, meritano ogni elogio. Questo è un lavoro enorme. Non si tratta solo di registrare dischi. Raccoglie gruppi separati e li porta a Mosca, San Pietroburgo e oltre. Cioè, promuovono la musica e i canti autentici di Adyghe. Va detto anche dei successi dell'ensemble Khagauj. Il loro lavoro è molto importante nel promuovere la musica etnica Adyghe più in profondità nella nostra gente e più ampiamente nello spazio della cultura mondiale.
Sei il fondatore degli autentici ensemble di performance “Zhyu” e “Tyzhyn”. I loro partecipanti sono diventati più volte vincitori di numerosi concorsi regionali, russi e internazionali. Quest'anno Gupsa Pashtova ha ottenuto il diploma al II Concorso Internazionale intitolato a Tlep Aspantayuly tra gli interpreti di strumenti a corda ad Astana (Kazakistan). Shan Libzo ha ricevuto il Gran Premio all'VIII Festival Internazionale della Cultura Adyghe (circassa) a Maykop (Adygea). E il diplomato dell'ARDSHA Damir Guagov si è esibito con successo in una competizione in Abkhazia. Questo è uno dei giovani artisti di musica popolare più talentuosi di Adygea, che ha padroneggiato l'antica tecnica di esecuzione. Secondo te, cosa rende vincente la tua formazione nelle autentiche tradizioni performative?
Z.G.: Il successo, credo, sta innanzitutto nella continuità del lavoro e nel sostegno statale. Nella mia vita, questo lavoro continuo sul problema dell’insegnamento della performance autentica va avanti da quasi 30 anni. O meglio, dal 1989. Proprio l’anno prossimo saranno 30 anni. E dal 1986 lavoro con i bambini all'interno delle mura del collegio repubblicano n. 1, poi della Adyghe Republican Children's Art School. Metà della mia vita è stata trascorsa nello stesso territorio e nello stesso edificio. Durante questo periodo, abbiamo imparato a costruire uno strumento, a suonare uno strumento e abbiamo provato a creare un ensemble scolastico “Ashamez”. Quindi, con decisione del Ministero della Cultura, divenne l'ensemble filarmonico di Zhyu, poi divenne l'ensemble dell'Università statale di Adyghe. E poi la mia attività è fluita dolcemente tra le mura della scuola d'arte per bambini, e qui non è stata interrotta in tutti questi anni. E trasmettiamo l'esperienza accumulata da una generazione all'altra, la trasmettiamo ai giovani. E in questo modo, per ogni generazione, quella precedente diventa un esempio. Quindi metà della mia vita è durata trent'anni e ci sono stati tali risultati. Questi sono i risultati di un lavoro continuo!
In effetti è così ovunque. L'emergere di grandi interpreti su qualsiasi strumento è il risultato di un lavoro continuo. Questo è un miglioramento continuo di questo lavoro, la qualità del tuo lavoro e quindi si ottiene un risultato positivo. Questo è successo nella mia vita. Forse il mio fanatismo è presente anche qui. Ma senza di lui non ci sarebbe alcun risultato. Prendiamo lo stesso fanatismo di Amerbiy Kulov. Quanti ensemble sono apparsi grazie al suo fanatismo. O il fanatismo dello stesso Aslan Nekhai, grazie al quale l'ensemble Islamey è apparso ed esiste con successo. Quindi senza fanatismo, nel senso buono del termine, queste cose non accadono. Quest'anno i miei studenti hanno ottenuto molte vittorie nelle competizioni.
Oggi, purtroppo, non è possibile fare affidamento su qualcuno che fornisca una formazione specifica da qualche parte. Oggi, infatti, i giovani devono prendere in mano questi problemi e affrontarli. Da quanto ricordo, sono stato affascinato dai canti antichi, dalla poesia popolare, ad esempio, dalla poesia di Jeguaco e, naturalmente, dall'arte applicata. Inizialmente mi occupavo e mi occupo tuttora, anche se saltuariamente, di arte applicata. Questa è l'arte di tessere stuoie Adyghe (puable, ardzhen, khasyr) e di realizzare shichepshins.
Ho sempre ascoltato con shock e ammirazione il grande Zaramuk Kardangushev. Per coloro che non lo sanno, è un famoso interprete adyghe-cabardiano di canzoni antiche, folclorista e scrittore. Era un uomo poliedrico. Fin dall'infanzia, ciò che ho sentito mi ha sempre scioccato e, probabilmente, da qualche parte si è depositato nella mia memoria, nelle mie cellule. Poi ho incontrato il grande Zaur Naloev, ho fatto spedizioni con lui, ho ascoltato le canzoni e le storie degli anziani. A quel tempo cominciavo appena ad immergermi nel canto e nella cultura strumentale, anche se ero più coinvolto nella raccolta di materiali sulle arti applicate. E poi si è mescolato da qualche parte dentro e si è manifestato in hobby come una performance autentica. In effetti, ho sempre amato la musica classica europea e mi interessa ancora adesso. Ma oggi mi sono allontanato molto dalla musica dei compositori europei e in gioventù amavo ascoltare esibizioni di violino e concerti sinfonici. Ho attraversato tutto questo e poi sono tornato in me stesso, all'autentica performance di Adyghe. Oggi, per la natura della mia passione, preferisco ascoltare la musica popolare non solo dei circassi, ma anche di qualsiasi altro popolo: kazako, mongolo, giapponese, ecc.
Ad Astana, al II Concorso Internazionale intitolato a Tlep Aspantayuly, hai ricevuto un premio speciale. Si tratta di un premio per il contributo allo sviluppo della cultura popolare?
Z.G.: Questo è un evento molto interessante. Eravamo ad Astana per la seconda volta. I kazaki ed io, grazie al dottore in storia dell'arte, professore dell'ASU Alla Nikolaevna Sokolova, abbiamo sviluppato buoni e attivi legami con il Kazakistan. Quest'anno mi hanno assegnato una medaglia d'oro intitolata a Koblandy Batyr. Koblandy Batyr è un eroe epico dei kazaki. Questa medaglia viene assegnata a coloro che preservano il patrimonio culturale e che sono attivamente coinvolti nella conservazione delle tradizioni. Devo dire che questo è un buon incentivo in termini di promozione e propaganda di questa o quell'arte, di questa o quella gente. Ne ho preso atto e mi sono anche permesso di sognare, perché non assegnare la stessa medaglia intitolata a Chich Aslanbech e organizzare festival e concorsi internazionali. Grazie al grande lavoro svolto da molte persone per far rivivere Shichepshin, oggi i Circassi hanno l'opportunità di organizzare il 1° Festival Internazionale degli artisti Shichepshin. E questo è molto importante per rafforzare questo movimento. E quanto segue: sarebbe possibile organizzare un concorso internazionale di artisti sullo Shichepshin intitolato a Chich Aslanbech nella sua terra natale, nel villaggio di Neshukai. Rendi questo villaggio il centro del festival di Shichepshinao. Spero davvero che i giovani se ne occupino. Io stesso ho già organizzato un festival del flauto popolare Adyghe - kaamyl, e un festival basato sull'epopea di Nart, naturalmente con il sostegno del Ministero della Cultura. Si tratta di molto lavoro e i giovani devono prendere il testimone nelle proprie mani, imparare dall’esperienza e continuare a lavorarci. Se qualcuno lo accetta, lo aiuterò in ogni modo possibile. Ma questo deve essere già fatto.
È già noto che Damir Guagov terrà un concerto da solista il 14 marzo 2019. I lavori preparatori sono già in corso. È ancora un artista giovane ma di talento. Ma questo sarà quasi il primo progetto di concerto su larga scala di un'autentica esibizione nella sala principale della Filarmonica di Stato, progettata per un vasto pubblico.
Z.G.: Assolutamente giusto! Questo è proprio il risultato di quel lavoro continuo. Oggi abbiamo l'opportunità, per la prima volta nella storia di questo strumento, di tenere un concerto da solista non solo di Shichepshinao, ma del vincitore di concorsi internazionali, Guagov Damir. Naturalmente, oltre a lui, parteciperanno anche "Zhyu", "Dzhenyku" e "Tyzhyn". Cioè, questi sono alcuni numeri, alcune inclusioni. Ma il peso principale ricadrà su di lui come shichepshinao e come interprete di canti antichi. Ora abbiamo già sviluppato sia il repertorio che il programma. Continuiamo a lavorare, perché dobbiamo presentare l'esecutore stesso, lo strumento e, in generale, l'arte tradizionale della narrazione di Adyghe in un modo molto degno. È tutto interconnesso.
Hai già avuto esperienze di successo nell'esecuzione di autentici concerti per un piccolo pubblico. Questo è un concerto di Kazbek Nagarokov. E nella primavera di quest'anno, grazie a Svetlana Kushu, si è tenuto un concerto per il tuo anniversario, quando il pubblico ha ascoltato attentamente tutti gli artisti per tre ore. E questi erano "Zhyu", "Tyzhyn", "Akuanda", Anton Platonov. Cioè, tale esperienza esiste già. Ma non si è ancora tenuto un concerto pensato per un pubblico di massa.
Z.G.: Per quanto riguarda la serata dell'anniversario, vorrei ringraziare di cuore Svetlana Kush per aver organizzato questo evento. Per esperienza personale so quanto sia difficile. Thauegepsou! Una volta rilanciato dall'ensemble Zhyu, Khyak1eshch è già popolare tra la gente e dovrebbe essere tenuto regolarmente. Il mio sogno è la creazione di un museo permanente sulla base dello stesso Museo Nazionale. Questo decorerà anche il museo. C'è una stanza meravigliosa lì. E se ne realizzerai uno così secondo un progetto esclusivo in centro città, sarà ancora più bello. Oggi ci sono abbastanza piattaforme per questo. Ma vedo meglio il museo, perché il museo contiene anche oggetti della cultura Adyghe, lì c'è uno spirito antico. Diciamo, restaura questa piccola sala e conduci costantemente Hyak1esh. Ma chi lo farà? Finora nessuno prende l’iniziativa.
Sfortunatamente, non importa quanto parliamo, non importa quanto mostriamo, non c’è continuazione. Mostri, dici, va bene, ma se ti fermi è tutto finito. Ma questo non è possibile. Ci sono tutte le condizioni. Siamo una repubblica! E questo sarà il volto della nostra gente non solo per gli ospiti, ma soprattutto per noi stessi, per la conservazione vivente dell'eredità dei nostri antenati. Non solo l'orchestra sinfonica, Islamey o Nalmes, ma anche lo spettacolo tradizionale autentico, tutto questo mondo musicale con un museo - questo ci rappresenterà con forza per tutti gli ospiti della regione, per tutti coloro che amano e sono interessati all'arte tradizionale. Sì, ora ci manca un colore popolare come l'aria, che colpisce l'anima.
Tuttavia, c’è ancora molto da fare. Abbiamo giovani musicisti, interpreti di musica autentica, abbiamo giovani insegnanti, come avete già menzionato, come Kazbek Nagarokov, Marina Shkhabatseva e il dipartimento folcloristico dell'ARDSHA intitolato a Kim Tletseruk.
Z.G.: Sì, non è ancora perduto. Sono solo di fretta. Ho fretta, perché il tempo nel mondo ha accelerato così tanto da portare via tutto ciò che trova sul suo cammino. La globalizzazione sta schiacciando tantissimo tutto. E se oggi non resistiamo con azioni attive, intendo insegnando ed educando le giovani generazioni all'arte tradizionale, domani lo ricorderemo semplicemente come un passato lontano. Non vorrei che la storia ci insegnasse un’altra deplorevole lezione.
Grazie mille per l'intervista! Molto dettagliato, interessante! Molte grazie!
Gli strumenti a fiato sono i più antichi insieme al tamburo e ad alcuni altri strumenti a percussione. In molte scene pastorali e immagini antiche puoi vedere tutti i tipi di flauti e flauti suonati dai nostri antenati.
Il materiale era a portata di mano. Canne, bambù e altri ramoscelli servirono come base per le future pipe. Nessuno sa chi e quando abbia indovinato di farvi dei buchi. Tuttavia, gli strumenti a fiato realizzati con materiali di scarto hanno sempre preso posto nel cuore delle persone.
Le persone si resero conto che man mano che la canna diventava più grande, l'altezza del suono cambiava e questa comprensione fu l'impulso per il miglioramento degli strumenti. A poco a poco cambiarono fino a trasformarsi in moderni strumenti a fiato.
Ancora oggi i musicisti chiamano affettuosamente questi strumenti “legno” o “pezzi di legno”, sebbene questo nome abbia da tempo cessato di riflettere il materiale di cui sono realizzati. Oggi non si tratta di tubi di origine naturale, ma di metallo per flauti e sassofoni, di ebanite per clarinetti, di plastica per flauti dolci.
Strumenti in legno autentici
Tuttavia, il legno rimane il materiale costante degli autentici strumenti a fiato, che sono molto apprezzati e vengono ascoltati su molti palcoscenici di tutto il mondo. Questi includono, ad esempio, duduk, zurna, zhaleika, flauti traversi popoli del mondo e altri strumenti. Le voci di questi strumenti risvegliano nell'animo delle persone il richiamo dei loro antenati.
Tutti questi strumenti sono accomunati da un comune sistema di fori: fori che vengono creati per poter aumentare o diminuire la lunghezza del fusto dello strumento.
Rapporto tra strumenti in legno e rame
Gli strumenti a fiato, tuttavia, hanno qualche parentela con gli ottoni. Questa relazione sta nel fatto che per produrre il suono è necessaria l'aria, che viene rilasciata dai polmoni. Questi due gruppi di strumenti non hanno altre caratteristiche comuni. Strumenti in legno e rame possono essere combinati in .
Divertente! Un direttore d'orchestra, lui stesso violinista, amava molto gli strumenti a fiato. I suoni degli strumenti a corda gli sembravano molto trasparenti e senza peso. Chiamò i suoni del "rame" "carne" e i suoni del "legno" erano come un buon condimento per il piatto principale. Ascoltando gli strumenti a fiato, sentiva meglio la musica, la sentiva.
Strumenti a fiato labiali e ad ancia
Secondo il metodo di produzione del suono, i legni sono suddivisi in labiale , che include flauto E canna o canna , che include clarinetto, sassofono, fagotto e oboe .
Nel primo caso il musicista non deve spendere soldi per ance e bocchini, ma nel secondo, al contrario, deve preoccuparsi di cambiarli periodicamente. Tali spese sono però giustificate dalla bellezza del suono e del timbro degli strumenti.
Quale strumento è adatto a un bambino?
Per i bambini piccoli, gli strumenti a fiato sono proprio ciò di cui hanno bisogno. Di norma, si inizia a imparare a suonare gli ottoni quando appare la forza e il corsetto muscolare si rafforza, anche se ci sono delle eccezioni. Per quanto riguarda i legni, un flauto dolce è una scelta eccellente per i bambini. È semplice e facile da suonare perché non richiede alcuno sforzo da parte dell'apparato respiratorio.
Gli strumenti a fiato sono strumenti di grandi capacità ed enormi potenzialità. Nel corso della storia dell'umanità, lo hanno ripetutamente dimostrato. Valutiamo anche loro!