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Se solo per vedere con i tuoi occhi i dipinti "La ragazza con le pesche", "I corvi sono arrivati", "L'apparizione di Cristo al popolo", "Mattina in una foresta di pini" e molte altre opere d'arte russa, familiari anche a tutte le persone lontane dal dipingere dalle carte delle caramelle e dai meme di Internet.
sito web ho scavato nella collezione del museo d'arte e ho scelto 10 dipinti con una storia interessante. Speriamo che ti ispirino a visitare la Galleria Tretyakov.
“L'Apoteosi della Guerra” Vasily Vereshchagin
Il dipinto fu dipinto nel 1871 sotto l'impressione delle operazioni militari in Turkestan, che stupirono i testimoni oculari con la loro crudeltà. Inizialmente, la tela si chiamava "Il trionfo di Tamerlano", le cui truppe lasciarono dietro di sé tali piramidi di teschi. Secondo la storia, un giorno le donne di Baghdad e Damasco si rivolsero a Tamerlano, lamentandosi dei loro mariti, impantanati nei peccati e nella dissolutezza. Quindi il crudele comandante ordinò a ciascun soldato del suo esercito di 200.000 uomini di portare con sé la testa mozzata dei loro mariti depravati. Dopo aver eseguito l'ordine, sono state disposte 7 piramidi di teste.
“Matrimonio ineguale” Vasily Pukirev
Il dipinto raffigura il processo del matrimonio nella Chiesa ortodossa. Una giovane sposa senza dote sposa contro la sua volontà un vecchio funzionario. Secondo una versione, l'immagine mostra un dramma d'amore dell'artista stesso. Il prototipo nell'immagine della sposa è la sposa fallita di Vasily Pukirev. E nell'immagine del testimone, raffigurato sul bordo del quadro dietro la sposa, con le mani incrociate sul petto, c'è l'artista stesso.
“Boyaryna Morozova” Vasilij Surikov
Il dipinto di dimensioni giganti (304 x 586 cm) di Vasily Surikov raffigura una scena della storia dello scisma della chiesa nel XVII secolo. Il dipinto è dedicato a Feodosia Prokopievna Morozova, associata del leader spirituale dei sostenitori dell'antica fede, l'arciprete Avvakum. Intorno al 1670 divenne segretamente suora, nel 1671 fu arrestata e nel 1673 fu mandata al monastero Pafnutiev-Borovsky, dove morì di fame in una prigione di terra.
Il dipinto raffigura un episodio in cui la nobildonna Morozova viene trasportata per Mosca nel luogo di prigionia. Accanto a Morozova c'è sua sorella Evdokia Urusova, che ha condiviso il destino dello scismatico; nel profondo c'è un vagabondo, nel cui volto si leggono i lineamenti di un artista.
"Non ci aspettavamo" Ilya Repin
Il secondo dipinto, dipinto tra il 1884 e il 1888, raffigura l'inaspettato ritorno a casa di un esule politico. Il ragazzo e la donna al pianoforte (apparentemente sua moglie) sono felici, la ragazza sembra diffidente, la cameriera guarda incredula, si avverte un profondo shock emotivo nella figura curva della madre in primo piano.
Attualmente entrambi i dipinti fanno parte della collezione della Galleria Tretyakov.
"Trinità" Andrey Rublev
La Galleria Tretyakov possiede una ricca collezione di dipinti antichi russi dall'XI al XVII secolo, tra cui opere di Dionisio, Simon Ushakov e Andrei Rublev. Nella sala 60 della galleria è esposta una delle icone più famose e celebrate al mondo: “La Trinità”, dipinta da Andrei Rublev nel primo quarto del XV secolo. Tre angeli si radunarono attorno al tavolo su cui si trovava la coppa sacrificale per una conversazione tranquilla e senza fretta.
“La Trinità” è conservata nella sala dell'antica pittura russa della Galleria Tretyakov, in una speciale vetrina in cui vengono mantenute umidità e temperatura costanti e che protegge l'icona da qualsiasi influenza esterna.
“Sconosciuto” Ivan Kramskoy
La location del film è fuori dubbio: è la Prospettiva Nevskij a San Pietroburgo, il Ponte Anichkov. Ma l'immagine di una donna rimane ancora un mistero per l'artista. Kramskoj non ha lasciato menzione di una persona sconosciuta né nelle sue lettere né nei suoi diari. I critici hanno collegato questa immagine con Anna Karenina di Leo Tolstoy, con Nastasya Filippovna di Fyodor Dostoevskij, e sono stati nominati i nomi di famose donne del mondo. Esiste anche una versione in cui il dipinto raffigura la figlia dell'artista, Sofia Ivanovna Kramskaya.
In epoca sovietica, lo "Sconosciuto" di Kramskoy divenne quasi una Madonna Sistina russa, un ideale di bellezza e spiritualità ultraterrena. Ed era appeso in ogni casa sovietica decente.
"Bogatiri" Viktor Vasnetsov
Vasnetsov ha dipinto questo quadro per quasi vent'anni. Il 23 aprile 1898 fu completato e presto fu acquistato da P. M. Tretyakov per la sua galleria.
Nei poemi epici, Dobrynya è sempre giovane, come Alyosha, ma per qualche motivo Vasnetsov lo ha ritratto come un uomo maturo con una barba lussuosa. Alcuni ricercatori ritengono che i lineamenti del viso di Dobrynya assomiglino all'artista stesso. Il prototipo di Ilya Muromets era il contadino della provincia di Vladimir Ivan Petrov, che Vasnetsov aveva precedentemente catturato in uno degli schizzi.
A proposito, Ilya Muromets non è un personaggio da favola, ma una figura storica. La storia della sua vita e delle imprese militari sono eventi reali. Invecchiato e dopo aver compiuto le sue fatiche per proteggere la sua patria, divenne monaco del monastero Pechersk di Kiev, dove morì nel 1188.
"Fare il bagno al cavallo rosso" Kuzma Petrov-Vodkin
Il dipinto “Il bagno del cavallo rosso”, che stupì i contemporanei con la sua monumentalità e destino, portò all'artista Kuzma Petrov-Vodkin fama mondiale. Il cavallo rosso funge da destino della Russia, che il fragile e giovane cavaliere non è in grado di trattenere. Secondo un'altra versione, il Cavallo Rosso è la stessa Russia. In questo caso non si può non notare il dono profetico dell'artista, che simbolicamente predisse con la sua pittura il destino “rosso” della Russia del XX secolo.
Petrov-Vodkin ha basato il cavallo su un vero stallone di nome Boy. Per creare l'immagine di un adolescente seduto su un cavallo, l'artista ha utilizzato le caratteristiche del suo studente, l'artista Sergei Kalmykov: “Per informazione dei futuri compilatori della mia monografia. Il nostro caro Kuzma Sergeevich mi ha ritratto su un cavallo rosso. ...Nell'immagine di un languido giovane su questo stendardo sono raffigurato in persona."
"La principessa del cigno" Mikhail Vrubel
Il dipinto è stato dipinto nel 1900 sulla base dell'immagine scenica dell'eroina dell'opera di N. A. Rimsky-Korsakov "La storia dello zar Saltan" basata sulla trama dell'omonima fiaba di A. S. Pushkin. Vrubel ha ideato questa performance e il ruolo della Principessa del Cigno è stato interpretato dalla moglie dell'artista, Nadezhda Zabela-Vrubel. "Tutti i cantanti cantano come uccelli, ma Nadya canta come una persona!" - Vrubel ha parlato di lei.
Complotto
Nel mezzo della calda steppa si erge una piramide di teschi umani cotti dal sole. Ognuno di essi è scritto in modo molto chiaro, puoi persino determinare da cosa è morta la persona: da un proiettile, una sciabola, un forte colpo. Alcuni teschi conservavano le ultime emozioni delle persone: orrore, sofferenza, tormento insopportabile.
Dietro il mucchio di ossa si vede all’orizzonte una città in rovina. I corvi volteggiano nelle vicinanze. Per loro, indifferenti alla sorte degli abitanti dell'insediamento distrutto, questa è una festa durante la peste.
Vasily Vereshchagin ha sempre prestato molta attenzione al design della cornice: ciascuno dei suoi dipinti ha una cornice individuale. Spesso l'artista ha chiesto iscrizioni esplicative di natura reportage: spiegano la trama e trasmettono le emozioni dell'autore. Per "L'Apoteosi della Guerra", Vereshchagin ha chiesto di scrivere sulla cornice: "Dedicato a tutti i grandi conquistatori: passato, presente e futuro". Con questa frase l'artista trasmette l'idea della tela: è importante ricordare a quale prezzo arrivano i trionfi militari.
Contesto
"L'Apoteosi della Guerra" è l'unica immagine in cui Vereshchagin ha raffigurato qualcosa che non ha visto nella realtà. La trama è basata sugli eventi del XIV secolo associati a Tamerlano. Il suo nome terrorizzava i governanti dell'Est e dell'Ovest. Ha dissanguato l'Orda, ha brutalmente soggiogato ogni villaggio sul suo cammino. Ad esempio, essendo venuto in Iran e preso la fortezza di Sebzevar, Tamerlano ordinò la costruzione di una torre, murando vive 2mila persone nelle sue mura. E dopo il sacco di Delhi, per ordine del comandante, furono decapitati 100mila civili. Secondo le memorie dei contemporanei, le torri realizzate con teste indiane raggiungevano altezze enormi. Tamerlano credeva che tali piramidi glorificassero il suo talento di comandante.
Porte di Khan Tamerlano (Timur), 1875
Il dipinto fa parte della serie del Turkestan, alla quale Vereshchagin lavorò dopo aver partecipato alla campagna di Russia in Asia centrale nella seconda metà degli anni Sessanta dell'Ottocento. L'artista è stato invitato sul luogo delle operazioni militari dal governatore generale del Turkestan e dal comandante delle truppe russe, K. P. Kaufman. Vereshchagin non solo scrisse, ma combatté anche eroicamente, per il quale gli fu conferito l'Ordine di San Giorgio, IV grado. Sulla base degli schizzi da lui realizzati, l'artista ha lavorato per due anni a Monaco. I dipinti inclusi nella serie Turkestan, così come studi e schizzi, furono esposti per la prima volta a Londra nel 1873, poi nel 1874 a San Pietroburgo e Mosca.
Dipinto della serie Turkestan , 1872
In Russia, i militari, incluso Kaufman, hanno definito Vereshchagin un calunniatore. I giornalisti hanno scritto che gli eroi della serie Turkestan sono i turkmeni che trionfano sull'esercito russo, e "Apoteosi della guerra" presumibilmente glorifica le loro imprese.
Samarcanda. Mausoleo Gur-Emir, 1890
Nel frattempo, durante la campagna del Turkestan, Vereshchagin dipinse non solo dipinti di battaglie. Tra le sue opere ci sono anche quelle che mostrano la bellezza del mondo, l'esotismo dei luoghi: il trambusto del bazar con le sue merci colorate, i minareti scolpiti, i residenti locali e il loro modo di vivere. Mostrando tali immagini, Vereshchagin ha aperto al pubblico un meraviglioso nuovo mondo, sullo sfondo del quale la guerra, la morte e la crudeltà sembravano un'assurdità incomprensibile.
Il destino dell'artista
Vasily Vereshchagin è nato nella famiglia di un ricco proprietario terriero a Cherepovets. Suo padre insisteva affinché ciascuno dei suoi quattro figli diventasse soldato. Vasily si diplomò al corpo dei cadetti della marina e, dopo aver ricevuto il grado di ufficiale, si ritirò, con l'intenzione di diventare un artista. In risposta a ciò, il padre ha detto che se Vasily realizzasse i suoi piani, potrebbe non tornare a casa. Questo è stato il loro ultimo incontro.
Vereshchagin era preciso in ogni dettaglio. I Wanderers ammiravano la sua sincerità senza compromessi. Ma i critici e le autorità lo consideravano un artista con dubbi, dicendo che era più un fotografo, ma non un pittore. Ai suoi contemporanei Vasily Vasilyevich sembrava terribile, sanguinario, esoticamente crudele. C'era anche chi sospettava che lui apprezzasse deliberatamente i dettagli, per solleticare i nervi della gente. L'artista stesso ha detto: "Le lacrime vengono quando ricordo tutto questo orrore, e le "persone intelligenti" mi assicurano che sto componendo favole con una mente fredda".
"Sconfitto. Servizio commemorativo dei soldati caduti", 1877
Come militare professionista, Vereshchagin conosceva il vero volto della guerra. Era indignato dal fatto che le persone morissero invano a causa di un comando incompetente. E al quartier generale bevono champagne per la gloria del sovrano, credendo che più persone morissero, più forte fosse la gloria.
Prese parte anche alle guerre balcaniche. La sua serie di dipinti mostra un numero enorme di persone ferite e morenti. Alle sue mostre gridava letteralmente di vittime insensate. Il pubblico non ci credette e continuò ad accusare il pittore di diffamazione.
Mausoleo del Taj Mahal vicino ad Agra, 1874
Vereshchagin ha deciso di non scrivere più sulla guerra. Dedica diversi anni a viaggiare in India, Giappone e Medio Oriente. Studiò anche la personalità di Napoleone, sul quale creò non solo diversi dipinti, ma anche libri.
Donna giapponese, 1903
Con l'inizio della guerra russo-giapponese, Vereshchagin ricevette un'offerta per accompagnare il vice ammiraglio S. O. Makarov. Il 31 marzo 1904, mentre erano sulla corazzata Petropavlovsk, morirono quando la nave colpì una mina.
"L'Apoteosi della Guerra" non è solo un'immagine, è un verdetto sui militaristi di tutti i tempi e di tutti i popoli. Ci sono guerre di liberazione, santi. Ma la tela di Vasily Vasilyevich Vereshchagin denuncia le guerre di conquista: sulla cornice c'è un'iscrizione che dedica quest'opera ai conquistatori, sia passati, presenti e futuri.
La storia del dipinto: due versioni
"L'Apoteosi della Guerra" è un dipinto che ha acquisito un suono così potente e senza tempo che entrambe le versioni, che presumibilmente hanno spinto l'artista a creare un capolavoro, sembrano ridicole.
Secondo il primo, le donne di due città - Damasco e Baghdad - si sono lamentate con Tamerlano dei loro mariti, peccatori e dissoluti. E quest'uomo di eccezionale decenza, incline alla monogamia, prese profondamente a cuore la follia della donna e distrusse 200mila persone, dai cui teschi furono costruite 7 piramidi. I sensualisti furono brutalmente distrutti: i teschi recano tracce di proiettili e colpi di sciabola. Si deve presumere che le mogli ingannate fossero molto soddisfatte di ciò che vedevano e ringraziarono infinitamente Timur. Forse la leggenda era una sorta di trovata pubblicitaria, per giustificare le atrocità di uno dei dieci conquistatori più brutali nel corso dei secoli.
La seconda opzione testimonia anche la crudeltà di Tamerlano, che ordinò di posizionare la testa mozzata del viaggiatore in cima alla piramide di teschi di persone precedentemente giustiziate. Ovviamente entrambi gli incidenti hanno avuto luogo, mostrando la crudeltà sia degli uomini che delle donne, ma erano privati.
"Orrori della guerra"
Il dipinto “L’Apoteosi della Guerra” aveva infatti il titolo originale “Il Trionfo di Tamerlano”, ma la tragedia planetaria della tela lo elevava al di sopra dei confini e del tempo. Il più grande artista russo non è un pittore di battaglie nel vero senso della parola, non ha né schiere ordinate di attaccanti né la brillantezza delle armi. Lui, come Goya, mostra gli “orrori della guerra” (questo era il nome della serie del grande spagnolo), la tragedia, la sporcizia e l'estrema crudeltà. Non sono molti i geni che riescono a trasmettere tutto questo in un'unica opera.
E il titolo “Apoteosi della guerra” è stato scelto in modo sorprendentemente accurato. Dalla tela si affaccia la Morte vittoriosa: terra bruciata, alberi che non diventeranno mai verdi, una città morta in lontananza, i resti mutilati degli abitanti e difensori della fortezza in primo piano e i suoi simboli e compagni - il corvo, che ancora spera di trarre profitto da qualcosa in questo luogo morto.
Tela dell'Apocalisse
L'immagine non può essere descritta a parole: è sorprendente. Il potere della sua influenza sulle persone normali è così alto che il generale prussiano consigliò ad Alessandro II di bruciarlo in modo che tutti coloro che vedevano l'immagine non si trasformassero in pacifisti. E l’imperatore russo era molto insoddisfatto del lavoro, ovviamente credeva che tali dipinti uccidessero il patriottismo, il desiderio di combattere in generale, inclusa la difesa della Patria. Questo è il suono apocalittico che V.V. ha ottenuto in questo lavoro. Vereshchagin. “L’Apoteosi della Guerra”, un dipinto dipinto nel 1871, fa parte della serie del Turkestan (1871-1874), apparsa come risultato dei viaggi dell’artista nel 1867-1870. V. Vereshchagin prese parte alle ostilità e fu insignito dell'Ordine di S. George per la battaglia vicino a Samarcanda.
Tutti i dipinti di questa serie sono molto buoni (“La Porta di Tamerlano”, “Ritratto di un Bachi”, “Ferito mortale”). Ma, naturalmente, l’opera centrale è stata il dipinto rivelatore “L’Apoteosi della Guerra”. Vasily Vereshchagin, che aveva già mostrato la serie a Londra (la mostra era al Crystal Palace), pose come condizione l'acquisto dell'intera serie. Nel 1874 P.M. Tretyakov lo comprò per 92mila in argento.
Valutazione contemporanea
Tutte le persone migliori dell'epoca, dopo aver guardato l'immagine, la valutarono molto bene. V.V. Stasov, parlando con entusiasmo della tela, ha definito Vereshchagin uno storico e giudice dell'umanità. Kramskoy aveva un'alta opinione sia del dipinto che dell'artista stesso, che per primo mostrò il lato negativo della guerra. Alcune opere della serie provocarono indignazione e furono chiamate calunnie (il dipinto “The Forgotten”). Anche molti artisti progressisti, ad esempio Perov e Repin, trovarono la serie del Turkestan estranea all'arte russa.
Tuttavia, nel tempo, l’opinione di Kramskoy ha prevalso. Ha detto che uno dei migliori rappresentanti del realismo russo è Vereshchagin. “L’Apoteosi della Guerra”, come l’intera serie, è uno dei risultati più alti della scuola di pittura russa, il suo brillante successo. Secondo Kramskoy, la mostra alla quale ha preso parte la Serie Turkestan ha portato alla Russia più conquiste che successi territoriali.
Il significato della tela
Va notato che Vasily Vereshchagin non ha avanzato rivendicazioni contro alcuni conquistatori astratti, si è anche rimproverato specificamente per aver partecipato alle ostilità. Ne ha scritto in una lettera a Stasov. E quindi non sorprende che i dipinti della serie Turkestan facciano riempire il cuore di orgoglio, perché “Vereshchagin è russo”. Kramskoy ha elogiato così tanto “L’apoteosi della guerra”.
La descrizione può essere conclusa con il fatto che, secondo lo stesso Kramskoy, l'artista è riuscito a ottenere un'unica combinazione di colori nel dipinto e che la tela di 127 x 197 cm è una decorazione della sala Vereshchagin nella Galleria Tretyakov. La morte e la guerra si vendicarono dell'artista-accusatore: la corazzata su cui Vasily Vereshchagin partì per la guerra russo-giapponese fu fatta saltare in aria da una mina nel 1904.
Il dipinto “Apoteosi della guerra” fu dipinto da Vasily Vereshchagin nel 1871. Ha fatto una forte impressione sui contemporanei dell’artista, ma anche più di cento anni dopo la gente si ferma davanti ad essa, riflettendo sulla vita e sulla morte. "L'Apoteosi della Guerra" può essere definita l'opera programmatica di Vereshchagin. Attualmente l'opera si trova nella Galleria Statale Tretyakov. E gli storici dell'arte continuano a discutere sulla storia della trama, trovando nuove conferme o confutazioni dell'una o dell'altra versione.
Vasily Vasilyevich Vereshchagin è meglio conosciuto come pittore di battaglie. Nacque nel 1842 a Cherepovets, si diplomò al corpo dei cadetti della marina, prestò servizio brevemente, poi entrò all'Accademia delle arti di San Pietroburgo e studiò pittura a Parigi.
Nel 1867 Vereshchagin partì per il Turkestan, dove, con il grado di guardiamarina, fu artista sotto il governatore generale K. P. Kaufman. “Sono andato perché volevo scoprire cos'è una vera guerra, di cui ho letto e sentito molto...”, ha scritto l'artista. Qui concepì la famosa “Serie del Turkestan”, nella quale in seguito raffigurò non le vere e proprie scene di battaglia, ma i momenti precedenti o successivi alla battaglia. Dipinse anche la natura e scene della vita quotidiana degli abitanti dell'Asia centrale. Tuttavia, durante la guerra, Vereshchagin non si limitò a contemplare ciò che stava accadendo per poi fissarlo su carta. Dopo aver sostituito una matita con una pistola, prese parte alle battaglie, resistette all'assedio di Samarcanda insieme a soldati e ufficiali e ricevette l'Ordine di San Giorgio di 4a classe per i servizi militari. Ma ha realizzato schizzi in qualsiasi condizione.
Di ritorno dal Turkestan, Vereshchagin partì per Monaco nel 1871, dove, sulla base di schizzi e collezioni importate, lavorò intensamente su argomenti del Turkestan. Nella sua forma finale, la “Serie Turkestan” comprendeva tredici dipinti, ottantuno schizzi e centotrentatré disegni. In questa composizione fu esposto alla prima mostra personale di Vereshchagin a Londra nel 1873, e poi nel 1874 a San Pietroburgo e Mosca.
Un certo numero di dipinti di battaglie furono combinati dall’artista in una serie, che chiamò “Barbari”. Il dipinto “Apoteosi della guerra” è incluso in esso e, a sua volta, fa parte della “Serie Turkestan”.
Complotto
Il dipinto raffigura una piramide di teschi umani sullo sfondo di una città distrutta e alberi carbonizzati nella calda steppa. Stormi di rapaci affamati volteggiano sopra la piramide e atterrano sui teschi. Tutti i dettagli della tela, inclusa la colorazione giallo-grigiastra, simboleggiano la morte e la devastazione, trasmettendo la sensazione di una natura morta seccata dal sole. Il cielo azzurro e limpido sottolinea solo la morte dell'immagine. Qui vivono solo i corvi, simboli di morte nell'arte.
"L'Apoteosi della Guerra" in forma simbolica parla degli orrori della guerra, che porta solo dolore, distruzione, distruzione. In esso l'artista condanna severamente tutte le guerre di conquista che portano morte.
Il famoso critico d’arte russo Vladimir Stasov ha scritto sull’“Apoteosi della guerra”:
“Il punto qui non è solo l’abilità con cui Vereshchagin ha dipinto con i suoi pennelli la steppa secca e bruciata e in mezzo ad essa una piramide di teschi, con corvi che svolazzano intorno, alla ricerca di quello che potrebbe essere ancora un pezzo di carne sopravvissuto. NO! Qui è apparso nel quadro qualcosa di più prezioso e di più alto della straordinaria virtualità dei colori di Vereshchagin: questo è il sentimento profondo di uno storico e giudice dell'umanità ... "
Diverse versioni del dipinto
Inizialmente, il dipinto si chiamava “Il trionfo di Tamerlano”. Esistono diverse versioni su ciò che ha ispirato l'artista a creare questo dipinto. Secondo uno di loro, con il suo lavoro voleva mostrare la storia delle guerre di Tamerlano, dopo le cui campagne rimasero solo mucchi di teschi e città vuote.
Secondo un'altra versione, ancora associata a Tamerlano, l'artista ha raffigurato una storia in cui le donne di Baghdad e Damasco si lamentavano con il leader che i loro mariti erano impantanati nella dissolutezza e nell'ubriachezza. Tamerlano ordinò a ciascuno dei suoi 200.000 guerrieri di portare con sé la testa dell'uomo malvagio. Dopo che l'ordine fu eseguito, dalle teste furono costruite sette piramidi. Questa versione è meno plausibile, poiché riecheggia debolmente sia il primo che il secondo titolo dell'immagine.
Secondo la terza versione, Vereshchagin ha creato questa immagine dopo aver saputo che il sovrano di Kashgar, Valikhan Tore, aveva giustiziato un viaggiatore europeo e aveva ordinato che la sua testa fosse posizionata sulla cima di una piramide realizzata con i teschi di altre persone giustiziate.
Si ritiene inoltre che il dipinto sia stato ispirato dalla spietata repressione della rivolta uigura nella Cina occidentale da parte di Tamerlano. Tuttavia, i segni rotondi dei proiettili sui teschi indicano eloquentemente che Tamerlano non ha nulla a che fare con questa immagine. Inoltre, l'illusione del Medioevo è dissipata dall'iscrizione che l'artista ha fatto sulla cornice: "Dedicato a tutti i grandi conquistatori: passato, presente e futuro".
Si propose che i dipinti di Vereshchagin venissero bruciati
"L'apoteosi della guerra" ha lasciato un'impressione deprimente sul pubblico dell'alta società in Russia e all'estero. La corte imperiale riteneva che questo e altri dipinti di battaglie dell'artista screditassero l'esercito russo. Un generale prussiano convinse addirittura Alessandro II a bruciare tutti i dipinti di Vereshchagin sulla guerra, perché avevano “l’influenza più dannosa”. Per questo motivo, le opere del maestro non furono vendute; solo il mecenate privato Tretyakov acquistò diversi dipinti della serie Turkestan.
Vasily Vereshchagin non è morto nel suo letto. All'inizio della guerra russo-giapponese, l'artista si recò nuovamente dove infuriavano i combattimenti. Nell'Oceano Pacifico, sulla rada esterna di Port Arthur, morì nell'esplosione di una mina sulla corazzata Petropavlovsk, insieme all'ammiraglio Makarov.
Purtroppo l’uomo moderno è talmente abituato alla violenza e alla morte che accadono ogni giorno in tutto il mondo che i massacri non sorprendono più. Per creare “L’Apoteosi della Guerra”, Vereshchagin aveva solo pochi teschi, che raffigurava da diverse angolazioni. Tuttavia, nella storia moderna, ci sono già casi in cui ciò che è stato disegnato dall'artista viene ricreato nella pratica. Vereshchagin non sapeva che affinché una piramide di teste umane fosse stabile, i teschi non dovevano avere la mascella inferiore. Tuttavia, le terrificanti realtà del XX secolo ci rendono tutti tristi “esperti” in questa materia.