Ritratto maschile di Antonello da Messina. Enciclopedia scolastica. Rappresentante della nuova direzione

Antonello da Messina nacque intorno al 1430 e morì relativamente giovane nel 1479. Anche Vasari, nella sua raccolta di biografie, illumina la sua vita. Mi sono ricordato di Vasari non a caso, scriveva di quasi tutti e raccontava una storia romantica, quasi avventurosa, ma del tutto inaffidabile su Antonello. Secondo Vasari, Antonello da Messina andò nei Paesi Bassi da adolescente e fu apprendista di Jan van Eyck, che allora si credeva avesse inventato la pittura a olio. Van Eyck, o meglio, i fratelli van Eyck: Jan e Hubert non hanno inventato, ma migliorato la pittura ad olio. E così, Jan van Eyck avrebbe tenuto la ricetta nella massima riservatezza anche ai suoi fratelli più stretti, ma il giovane italiano era così affascinante, così fidato che Jan van Eyck rivelò ad Antonello da Messina i segreti della pittura ad olio. E dopo aver saputo tutto dal maestro, Antonello se ne andò e portò in Italia la ricetta olandese.

Partiamo dal fatto che non poté studiare con Jan van Eyck, perché van Eyck morì quando Antonello aveva solo undici anni. Ma in realtà conosceva molto bene la tecnica della pittura ad olio, ci lavorava e ovviamente l'ha appresa dalla sua terra natale, nel Sud Italia, da quegli olandesi che potevano essere in qualche modo, almeno indirettamente, collegati alla cerchia di Jan van Eyck e altri artisti che operarono nella prima metà del XV secolo. nelle Fiandre.

"Salvator Mundi (Salvatore del mondo)". 1465. Olio su tavola, National Gallery, Londra.

Gli ampi collegamenti della città italiana di Messina con i Paesi Bassi affondano le loro radici nel Medioevo. Si tratta principalmente di rapporti commerciali, ma anche di rapporti culturali. Non si può dire che a Messina si sia formata un'intera colonia di artisti olandesi, ma a partire dal regno di Federico II, uno degli imperatori più brillanti del Sacro Romano Impero, morto nel 1250, i settentrionali - francesi, fiamminghi, olandesi - hanno non è stato tradotto qui. E Antonello da Messina, secondo la sua formazione, è chiaramente connesso con loro.
E la Toscana, lo ricordo, in questo momento lavora tutta a tempera. Dipinto ad olio della metà e del terzo quarto del XV secolo. per gli italiani ancora una perfetta novità. Furono fatti esperimenti separati, ma sporadicamente ed erano, per così dire, di natura sperimentale. E Antonello da Messina sta vivendo il suo momento più bello: è un anno e mezzo: 1475 e parte del 1476, quando, probabilmente, vive a Venezia su invito. In questo periodo crea molte opere e scrive le sue cose migliori. È molto probabile che a Venezia fosse apprezzato, comunque più che in patria. È possibile che nel 1476 Antonello sia finito a Milano per un periodo relativamente breve, presso il duca degli Sforza. Sappiamo che ricevette tale invito, per poi ritornare in patria, a Messina, dove, come ho già detto, morì nel 1479.
Bastò il solo fatto che Antonello da Messina diffuse e introdusse non solo nell'arte italiana, ma anche in quella tedesca una tecnica artistica nuova, molto più ricca, flessibile, mobile, perché il suo nome rimanesse nella storia dell'arte. Ma è anche notevole come maestro di prim'ordine, uno dei più grandi artisti del Quattrocento, un maestro che si è distinto in vari ambiti della pittura da cavalletto. E nell'immagine di un corpo nudo (il suo famoso "San Sebastiano" di Dresda), e nella formazione di un tipo di altare puramente veneziano "Santa Conversazione" ("Santa Conversazione") nel suo "Altare di San Cassiano", che purtroppo è giunto a noi in forma frammentata.

"Cristo alla Colonna". Circa 1476. Legno, olio. Museo del Louvre, Parigi.

E infine, forse il più importante, è l'enorme contributo di Antonello da Messina allo sviluppo della ritrattistica italiana. Abbiamo parlato di Botticelli, che in un certo senso è stato un innovatore della ritrattistica, ma a tappe l'opera di Antonello da Messina precede Botticelli e per molti versi, nonostante la modestia esteriore, lo supera.
La maggior parte delle sue opere del periodo veneziano sono sopravvissute. Ma non solo. Sono note anche cose che vengono definite le prime opere del maestro. Tra questi c'è il suo celebre “San Girolamo in cella”. Piccola tavola datata intorno al 1460 e realizzata molto prima della comparsa dell'artista nella città adriatica. In quest'opera è particolarmente evidente il suo legame più stretto con la pittura olandese. L'abbiamo visto più di una volta, e ho parlato, e tu stesso hai potuto sentire che l'interno come problema specifico, l'interno come tema, incarnato nella sua concretezza, per così dire, ritratto, non attirava gli artisti italiani. Interni di maestri toscani della metà del XV secolo. e gli interni del Ghirlandaio, se parliamo degli artisti della fine del secolo, sono sempre alquanto fantastici, intricati, decorativi, monumentali, illogici e in qualche modo poco correlati con l'uomo. Un atteggiamento completamente diverso nei confronti degli interni si è manifestato in Antonello da Messina in questo piccolo, ma importantissimo dipinto fondamentale per la pittura italiana.

San Girolamo nella cella. Circa 1475. Legno, olio. Galleria Nazionale, Londra.

Enormi e potenti portali in pietra si aprono in una stanza leggermente cupa, ma per niente cupa, che ha anche un elemento di qualche fantasia architettonica. Qualcosa come una sala, se si tenta di percepire l'intero spazio architettonico di apertura come l'integrità di una determinata sala, le cui funzioni non sono indicate. All'interno appare un altro micro-interno: un posto di lavoro o un ufficio semichiuso dove lavora San Girolamo, il patrono degli umanisti, un maestro scriba. Se guardi i rami dello spazio che si biforcano in profondità, allora questo spazio, per così dire, gira attorno allo scheletro dell'ufficio, lasciando due correnti all'interno dell'immagine. A sinistra - qualcosa come una pace residenziale, la luce che cade dalla finestra sul pavimento, sgabelli in piedi vicino alla finestra, una finestra rettangolare in profondità, e a destra - appaiono all'improvviso colonne gotiche, una volta, quasi la navata di una chiesa . Anche in alto compaiono archi a sesto acuto, l'altezza non è definita, va oltre i limiti dell'immagine, dove si addensa un'oscurità impenetrabile. C'è una sorta di incertezza quasi romantica qui, soprattutto perché l'interno termina, il pavimento si avvicina al muro, più vicino allo spettatore, non sono allo stesso livello, quindi è difficile immaginare il muro come un unico e monolitico. Questa abbondanza di dettagli interni, tra i quali vive e lavora San Girolamo, deriva chiaramente dall'amore olandese per l'obiettività. Qui ci sono vari vasi: ceramica, vetro, metallo, libri e manoscritti, nonché alcune specie di scatole di legno, vernice scoppiettante e asciugamani appesi. Tutto questo è scritto in modo molto amorevole e sottile, nel modo in cui scrivevano gli olandesi, e solo dai maestri olandesi si potrebbe imparare un'attenzione così attenta a una cosa e avere un'idea del suo fascino.

Vergine Annunciata (Antonello da Messina, Galleria Regionale della Sicilia, Palermo)

"Maria Annunziata (olio su tavola, dimensioni: 45 x 34,5 cm) è uno dei dipinti più famosi dell'artista italiano Antonello da Messina. Attualmente si trova al Museo Nazionale di Palermo.
Antonello da Messina è nato nella città di Messina, nell'isola di Sicilia. Nato intorno al 1430. Era un rappresentante della scuola di pittura meridionale del primo Rinascimento. L'istruzione primaria si svolgeva in una scuola di provincia, lontana dai centri artistici d'Italia, dove i principali punti di riferimento erano i maestri del sud della Francia, della Catalogna e dei Paesi Bassi. I ritratti occupano un posto speciale nell'opera di Antonello da Messina. "Maria Annunziata" ha i tratti caratteristici della pittura da Messina.
Ci sono varie ipotesi sulla datazione del dipinto. Si ritiene che lo scrisse nel 1475 quando si recò a Venezia.
Il dipinto rivela i valori fondamentali del Rinascimento italiano. Prospettiva, desiderio di equilibrio e simmetria, desiderio di estrarre dalle forme mutevoli della natura le regole eterne della geometria, ponendo l'uomo al centro stesso dell'universo.
Questo dipinto testimonia la profonda conoscenza di Antonello della tecnica della pittura fiamminga, che sempre diligentemente, con attenzione analitica, riproduceva la realtà e l'essenza fisica dei materiali: un leggio leggero, pagine in movimento di un libro, occhi e sopracciglia accuratamente disegnati.
La composizione del seno di Maria è raffigurata su sfondo nero. Antonello lo usa per enfatizzare l'immagine luminosa di Maria e mostrare così la sua importanza nella salvezza dell'umanità dal potere delle tenebre.
La maggior parte degli artisti raffigurava l'Annunciazione come una scena di dialogo tra Maria e l'Arcangelo. Antonello però prova a mettere altri accenti. Il suo compito è trasmettere il mondo interiore di Maria.
La Vergine Maria, seduta al leggio, tiene con la mano sinistra il velo azzurro gettato su di lei e alza l'altra mano. È difficile capire il suo gesto. Forse è indirizzato all'Arcangelo. Oppure è un gesto di consenso, o magari di sorpresa. Maria è pensierosa. La sua espressione del viso, la postura delle mani e della testa, così come il suo sguardo raccontano allo spettatore che Maria è ormai lontana dal mondo mortale.

Il tavolo o leggio è raffigurato in diagonale, su di esso poggia un leggio con un libro, che spinge la figura in profondità, esaltando il senso di spazialità. Lo spettatore è al posto dell'Arcangelo Gabriele ed è complice degli eventi.
La raffigurazione del busto su sfondo scuro, tecnica ereditata dalla ritrattistica fiamminga, costituisce un'innovazione nella raffigurazione di Maria. Maria è isolata e domina lo spazio intorno a lei.

La storia di questo dipinto inizia nel 1906, quando Monsignor Di Giovanni, che lo ereditò dalla famiglia Collucio, lo lasciò in eredità all'allora Museo Nazionale di Palermo.
"La mano più bella che abbia mai visto nell'arte", ha detto Roberto Longhi, riferendosi al movimento in avanti della mano destra. La mano può rappresentare lo spazio attorno ad essa. La piega centrale del manto sulla testa della Vergine determina il centro del campo visivo dello spettatore.
Così Leonardo Schiaschia descriveva l'effetto dell'immagine sullo spettatore: "Lo spettatore dovrebbe notare una profonda piega al centro della fronte".
Sebbene per l'artista fosse solo un dettaglio pittorico, ci racconta degli abiti che erano accuratamente conservati nella cassa insieme ad altre cose care. Questo mantello veniva tolto in particolari occasioni solenni.
Da notare il meraviglioso contrasto tra il gesto della mano destra e il gesto della mano sinistra della contadina: lei piega i lembi della veste.
Guarda le misteriose espressioni facciali delle labbra, uno sguardo più da vicino all'eternità. Forse questa è la realizzazione della loro futura maternità.
Grazie all'influenza diretta della pittura fiamminga che prese forma a Napoli, grazie a Colantino, suo maestro, grazie allo studio dei dipinti di molti artisti lì operanti, Antonello diede un grande contributo alla diffusione dei valori del Rinascimento italiano tra le varie classi sociali di professionisti e commercianti in città come Messina, Napoli, Venezia.

Gli artisti del primo Rinascimento trovarono nuove forme, inventarono nuove tecniche e soluzioni stilistiche e divennero famosi per i loro esperimenti con la pittura. Il lavoro degli artisti del Rinascimento ha influenzato direttamente l'arte di tutti i successivi culti degli artisti ed è ancora un esempio per i pittori alle prime armi.

Antonello da Messina (ital. Antonello da Messina c. 1429 (1429) / 1431 - 1479) - Artista italiano, un importante rappresentante della scuola di pittura dell'Italia meridionale del primo Rinascimento.

Maestro di Girolamo Alibrandi, soprannominato il “Raffaello messiniano”.

Antonello nacque nella città di Messina in Sicilia tra il 1429 e il 1431. L'istruzione primaria si svolgeva in una scuola di provincia, lontana dai centri artistici d'Italia, dove i principali punti di riferimento erano i maestri della Francia meridionale, della Catalogna e dei Paesi Bassi. Intorno al 1450 si trasferì a Napoli. All'inizio degli anni Cinquanta del Quattrocento studiò con Colantonio, pittore legato alla tradizione olandese. Nel 1475-1476. sì, Messina visitò Venezia, dove ricevette ed eseguì ordini, fece amicizia con artisti, soprattutto con Giovanni Bellini, che in una certa misura adottò la sua tecnica pittorica.

L'opera matura di Antonello da Messina è una fusione di elementi italiani e olandesi. Fu uno dei primi in Italia a lavorare con la tecnica della pittura a olio puro, prendendola in gran parte in prestito da Van Eyck.

Lo stile dell'artista è caratterizzato da un alto livello di virtuosismo tecnico, meticolosa attenzione ai dettagli e interesse per le forme monumentali e la profondità dello sfondo, caratteristico della scuola italiana.

Nel dipinto “Cristo morto sorretto da angeli” le figure emergono chiaramente su uno sfondo chiaro illuminato, dove si distingue vagamente Messina, città natale dell’artista. L'iconografia e il trattamento emotivo del tema sono associati all'opera di Giovanni Bellini.

I dipinti che dipinse a Venezia sono tra i migliori. "Crocifissione" (1475, Anversa) parla della formazione olandese dell'artista.

Negli anni Settanta del Quattrocento, i ritratti iniziarono a occupare un posto significativo nella sua opera (“Giovane”, 1470 circa; “Autoritratto”, 1473 circa; “Ritratto di uomo”, 1475, ecc.), caratterizzati da tratti dell'arte olandese: uno sfondo scuro e neutro, un'accurata trasmissione del modello delle espressioni facciali. La sua ritrattistica lasciò un segno profondo nella pittura veneziana della fine del XV secolo. - inizi del XVI secolo

Morì a Messina nel 1479.

L'opera di Antonello da Messina è un esempio di come nella pittura italiana, a partire dal 1470 circa, nuove forme di ritrattistica si siano diffuse in centri diversi quasi contemporaneamente, talvolta indipendentemente l'una dall'altra, e spesso grazie all'instaurarsi di contatti tra scuole d'arte e ruolo decisivo di diversi importanti maestri. Così, contemporaneamente a Mantegna negli anni Settanta del Quattrocento, nella lontana periferia - in Sicilia, venne alla ribalta un altro importante maestro del ritratto, Antonello da Messina, che creò una serie di opere che sono un esempio di ritratto a tre quarti del busto, che per decenni determinò la via principale per lo sviluppo del ritratto veneziano (inoltre conquistò i veneziani insegnando loro a dipingere con colori ad olio). È nel senso stretto del termine il primo maestro italiano del ritratto da cavalletto. Non dipinse mai affreschi con ritratti e donatori nascosti nelle pale d'altare. Sono sopravvissuti circa 10 suoi ritratti autentici, ma occupa un posto molto importante nello sviluppo della ritrattistica da cavalletto del primo Rinascimento.

Tutte le sue opere superstiti appartengono al periodo maturo (Sicilia e Venezia, 1465-76). Utilizza una formula sviluppata di composizione del ritratto, senza cambiarla in futuro, inoltre, senza cambiare l'ideale con cui viene confrontato il modello vivente. Questo perché si affidò alla lunga tradizione del ritratto olandese, che applicò direttamente alla comprensione italiana dell'immagine umana. Molto probabilmente, la comparsa del ritratto da cavalletto nella sua opera è direttamente correlata alla sua ardente passione per la pittura olandese. La nascita del genere del ritratto nella sua opera coincise direttamente anche con un periodo di attiva familiarità con le forme e gli ideali del Rinascimento. Antonello si concentra sulla direzione più avanzata di questo periodo: l'opera di Jan van Eyck, prendendo in prestito da lui composizione, tecnica e colore. Potrebbe aver viaggiato nei Paesi Bassi.

Dal lavoro di Eik, sceglie la soluzione più concisa e plastica alla composizione - allo stesso tempo, la più emozionante. Antonello dipinge sempre un modello a busto, con un parapetto, indossando sempre un copricapo e guardando direttamente lo spettatore. Non dipinge mani e non raffigura accessori. Grazie al parapetto in primo piano e alla cornice prospettica, il busto ritratto, leggermente arretrato in profondità, acquista spazialità. Il punto di vista dal basso conferisce all'immagine un tocco di monumentalità. Sul parapetto “in pietra” è sempre presente un foglio di carta sgualcito, “attaccato” con una goccia di ceralacca, con la scritta “Antonello Messinets mi ha scritto” e la data. L'illusione della tridimensionalità è esaltata da un ambiente di luce-aria morbida. Il volto è rivolto verso la luce che cade da sinistra, è sottilmente modellato da ombre trasparenti, che gradualmente si addensano verso i bordi del quadro e diventano completamente impenetrabili sullo sfondo. Nei Paesi Bassi l'analogia più vicina ai suoi ritratti è il ritratto di una persona sconosciuta con un turbante rosso. Antonello e van Eyck sono simili non solo nella composizione, ma anche nella pittura, dai toni profondi e colorati, ottenuti da sottili strati trasparenti di olio; le radiografie mostrano che il loro lavoro è identico nella tecnica. Ma il metodo di costruzione di una forma pittorica utilizzato da Antonello ha le sue caratteristiche. Il suo disegno è volutamente arrotondato e semplificato, a differenza degli olandesi, non studia le differenze, ma generalizza. I dettagli sono pochi, i ritratti ricordano una scultura rotonda, che sembra dipinta - le forme del viso sono stereometrizzate.

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Nel primo Rinascimento rappresentò la scuola di pittura meridionale. Fu maestro di Girolamo Alibrandi, soprannominato il Raffaello messiniano. Per ottenere la profondità del colore in ritratti nitidi e dipinti poetici, ha utilizzato la tecnica della pittura a olio. Nell'articolo presteremo attenzione a una breve biografia dell'artista e ci soffermeremo sul suo lavoro in modo più dettagliato.

Rappresentante della nuova direzione

Molte informazioni sulla vita di Antonello da Messina sono controverse, dubbie o perdute. Ma è abbastanza ovvio che sia stato lui a dimostrare agli artisti veneziani le luminose possibilità della pittura ad olio. Così, l'italiano gettò le basi per una delle aree chiave dell'arte dell'Europa occidentale. Seguendo l'esempio di molti altri artisti dell'epoca, Antonello combinò la tradizione olandese di resa otticamente accurata dei dettagli dell'immagine con le innovazioni pittoriche degli italiani.

Gli storici hanno trovato un documento secondo cui nel 1456 l'eroe di questo articolo aveva uno studente. Cioè, molto probabilmente, il pittore è nato prima del 1430. Il napoletano Colantonio fu il primo maestro di Antonello da Messina, le cui opere verranno descritte di seguito. Questo fatto conferma il messaggio di J. Vasari. Proprio a quel tempo, Napoli era sotto l’influenza culturale della penisola iberica, dei Paesi Bassi e della Francia, piuttosto che del Nord Italia e della Toscana. Sotto l'influenza del lavoro di Van Eyck e dei suoi sostenitori, l'interesse per la pittura aumentava ogni giorno. Si diceva che l'eroe di questo articolo avesse studiato da lui la tecnica della pittura ad olio.

maestro del ritratto

Di nascita Antonello da Messina era italiano, ma in termini di educazione artistica apparteneva in gran parte alle tradizioni pittoriche del nord Europa. Dipinse splendidi ritratti, che costituiscono quasi il trenta per cento delle sue opere sopravvissute. Di solito Antonello raffigurava il modello con busto e primo piano. Allo stesso tempo, le spalle e la testa erano posizionate su uno sfondo scuro. A volte in primo piano l'artista dipingeva un parapetto su cui era attaccato un cartellino (un piccolo pezzo di carta con un'iscrizione). La precisione illusionistica e la natura grafica di questi dettagli indicano che sono di origine olandese.

"Ritratto di uomo"

Questo dipinto, dipinto da Antonello da Messina nel 1474-1475. è una delle sue opere migliori. La tavolozza del maestro è limitata al marrone intenso, al nero e ai tratti separati di carne e bianco. L'eccezione è il cappello rosso, completato da una striscia rosso scuro che fa capolino sulla parte inferiore del vestito. Il mondo interiore del modello disegnato non viene praticamente rivelato. Ma il viso irradia intelligenza ed energia. Antonello lo modellò molto sottilmente col chiaroscuro. Il disegno netto dei lineamenti del viso, unito ai giochi di luce, conferisce all'opera di Antonello un'espressività quasi scultorea.

"È un uomo"

I ritratti di un italiano attirano lo spettatore con una superficie lucida, brillante e un formato da camera. E quando Messina trasferisce queste qualità nella pittura religiosa (il dipinto “Questo è un uomo”), allora la vista della sofferenza umana diventa terribilmente dolorosa.

Con le lacrime sul viso e una corda al collo, Cristo nudo guarda lo spettatore. La sua figura riempie quasi l'intero campo della tela. L'interpretazione della trama è leggermente diversa dal tema dell'icona. L'italiano ha cercato di trasmettere l'immagine psicologica e fisica di Cristo nel modo più realistico possibile. Questo è ciò che costringe lo spettatore a concentrarsi sul significato della sofferenza di Gesù.

Maria Annunziata di Antonello da Messina

Questo lavoro, a differenza del dipinto "Questo è un uomo", ha un umore completamente diverso. Ma da parte dello spettatore richiede anche un'esperienza interiore e una partecipazione emotiva. Quanto a "Maria Annunziata", Antonello sembra collocare lo spettatore al posto dell'arcangelo nello spazio. Ciò dà un senso di complicità mentale. La Vergine Maria, seduta al leggio, tiene con la mano sinistra il velo azzurro gettato su di lei e alza l'altra mano. La donna è completamente calma e pensierosa, la sua testa scolpita e illuminata in modo uniforme sembra irradiare luce sullo sfondo scuro dell'immagine.

"Maria Annunziata" non è l'unico busto di donna dipinto da Antonello da Messina. “L'Annunciazione” è il nome di un altro dipinto simile del pittore, che raffigura la stessa Vergine Maria, solo in una posizione diversa: tiene con entrambe le mani il velo azzurro.

In entrambi, ha cercato di esprimere il sentimento della connessione spirituale di una donna con poteri superiori. La sua espressione del viso, la postura delle mani e della testa, così come il suo sguardo raccontano allo spettatore che Maria è ormai lontana dal mondo mortale. E lo sfondo nero delle tele non fa altro che sottolineare il distacco della Vergine.

"S. Girolamo in cella"

Nei dipinti sopra discussi non c'è nemmeno il minimo interesse per il problema del trasferimento dello spazio circostante. Ma in altre opere, il pittore sotto questo aspetto era significativamente in anticipo sui tempi. Nel dipinto "S. Girolamo in cella” raffigura un santo che legge al leggio. Il suo studio si trova all'interno di una sala gotica, sulla parete di fondo della quale si aprono finestre su due piani. In primo piano l'immagine è incorniciata da un bordo e da un arco. Sono percepiti come proskenium (tecnica comune nell'arte dei paesi a nord delle Alpi). Il colore senape della pietra enfatizza il contrasto tra ombra e luce all'interno dello spazio simile a una grotta. I dettagli dell'immagine (paesaggio in lontananza, uccelli, oggetti sugli scaffali) sono trasmessi con un altissimo grado di precisione. Questo effetto può essere ottenuto solo applicando la pittura ad olio con pennellate piuttosto piccole. Ma il vantaggio più importante del dipinto Sì Messina non è ancora nel trasferimento affidabile dei dettagli, ma nell'unità stilistica dell'ambiente aereo e della luce.

altare monumentale

Nel 1475-1476. l'artista visse a Venezia. Lì dipinse una magnifica pala d'altare per la chiesa di San Cassiano. Purtroppo oggi è sopravvissuta solo la parte centrale, che raffigura la Madonna col Bambino che troneggia sul trono. Ai suoi lati ci sono dei santi. Questo altare appartiene al tipo della sacra conversione. Cioè, i santi sono nello stesso spazio. E questo è il contrario nella forma di un polittico diviso in parti. La ricostruzione dell'altare monumentale si basava sulle opere successive di Giovanni Bellini.

"Pietà" e "Crocifissione"

La pittura ad olio di Antonello, o meglio, la capacità di trasmettere la luce con questa tecnica, fu molto apprezzata dai suoi colleghi artisti. Da quel momento, il colorismo veneziano si è basato esclusivamente sullo sviluppo del grande potenziale di una nuova direzione. Le opere di Da Messina del periodo veneziano seguono la stessa tendenza concettuale dei suoi lavori precedenti. Il dipinto "Pietà", pesantemente usurato, anche in uno stato così danneggiato, riempie il pubblico con un teso sentimento di compassione. Sul coperchio della tomba, il corpo morto di Cristo è sorretto da tre angeli con ali appuntite che fendono l'aria. L'artista ha raffigurato la figura centrale in primo piano.

È come se fosse premuto sulla superficie della tela. Empatia con la sofferenza raffigurata: questo è ciò che Antonello da Messina ha ottenuto utilizzando la tecnica di cui sopra. "Crocifissione" è un altro dipinto del pittore. È simile nel tema alla Pietà. La tela raffigura Gesù crocifisso sulla croce. Alla sua destra siede Maria, e alla sua sinistra c'è l'apostolo Giovanni. Così come “Pietà”, la tela mira a suscitare empatia nello spettatore.

"San Sebastiano"

Questo dipinto è un esempio di come Antonello gareggiò nella nudità eroica e nella padronanza della prospettiva lineare con i suoi colleghi dell'Italia settentrionale. Sullo sfondo della piazza lastricata in pietra, il corpo del santo trafitto dalle frecce acquista dimensioni enormi. Lo spazio che precipita in profondità, un frammento di colonna in primo piano e una prospettiva con un punto di fuga molto basso confermano che il pittore si è avvalso dei principi della geometria euclidea nella costruzione della composizione.

• Antonello da Messina, i cui dipinti sono stati descritti sopra, di solito raffigurava i suoi eroi a busto, in primo piano e su uno sfondo scuro.
• Secondo G. Vasari, l'italiano si recò nei Paesi Bassi per apprendere il segreto di una nuova tecnica pittorica. Tuttavia, questo fatto non è stato dimostrato.
• Fino ad ora, non è stato stabilito in modo affidabile chi abbia insegnato all'eroe di questo articolo la pittura ad olio. Secondo alcune indiscrezioni si trattava di Van Eyck.

Le informazioni biografiche su Antonello da Messina sono scarse: si tratta principalmente della menzione del nome del maestro in vari documenti che non consentono di ricostruire la sua biografia creativa. Originario della Sicilia, potrebbe aver studiato a Napoli, ma trascorse gran parte della sua vita nella sua città natale. Nel 1474-1475 lavorò a Venezia, dove eseguì numerosi ordini. La formazione creativa di Antonello da Messina procedette in un ambiente molto meno favorevole rispetto a quello dei suoi contemporanei che operarono nell'Italia centro-settentrionale. Né a Napoli, né in Sicilia, esisteva una scuola di pittura significativa. Ma allo stesso tempo, la Sicilia e l'Italia meridionale erano ricche di monumenti antichi, le chiese siciliane erano decorate con mosaici bizantini, eminenti scultori della scuola toscana lavoravano a Napoli nei secoli XIV e XV e si conoscevano dipinti di maestri olandesi. Infine, qui, alla corte del re napoletano Alfonso d'Aragona, si riunì una cerchia di eminenti umanisti italiani. Le opere di Antonello da Messina testimoniano che conosceva le opere dei maestri olandesi, dai quali adottò la tecnica della pittura con colori ad olio. Il suo patrimonio creativo è relativamente piccolo e si riferisce principalmente agli anni Settanta del Quattrocento, sebbene l'artista abbia lavorato molto nel decennio precedente. Purtroppo alcune delle sue composizioni sono pervenute a noi in pessime condizioni. Ma allo stesso tempo Antonello da Messina appare come uno dei più grandi maestri del primo Rinascimento. Nella sua opera compaiono chiaramente gli "accenti settentrionali", che indicano una conoscenza con le opere dei maestri olandesi. Lo caratterizza un'attenzione al mondo delle “piccole cose” un po' insolita per i maestri italiani; non solo gli arredi, ma anche le ombre da essi proiettate, acquistano da lui vita autonoma. Ama le illusioni ottiche: ad esempio, l'artista spesso appone la sua firma su pezzi di carta accartocciati, con gli angoli arricciati, scritti abilmente, presumibilmente incollati ai parapetti. Infine, seguendo i maestri del nord, scopre la vita della luce solare, scivolando, gradualmente indebolendosi, nelle profondità dei locali, rivelando chiaramente la forma degli oggetti, riflettendosi leggermente sulla loro superficie. Allo stesso tempo, Antonello da Messina guarda il mondo attraverso gli occhi di un maestro del Rinascimento italiano, che vede nel suo quadro eterogeneo un inizio chiaro, ragionevole, armonioso.

In una certa misura, il programma per Antonello da Messina è una delle sue opere più notevoli: una piccola composizione (46 x 36,5 cm) "San Girolamo nella cella" (Londra, National Gallery, 1474 circa). È pieno di solennità ed equilibrio armonioso. L'enorme portale ad arco che incornicia il vasto spazio dell'interno della chiesa, dove un leone cammina pacifico nel portico che scende in profondità, sottolinea la maestosa solennità della posa di San Girolamo, seduto nella sua strana cella ricavata all'interno della chiesa, come su un palcoscenico teatrale. Allo stesso tempo, in questo maestoso spettacolo che si apre davanti a noi, il micro e il macrocosmo appaiono in una bizzarra unità. Il colossale portale si trasforma in una piccola apertura, nella parte inferiore della quale vagano una quaglia e un pavone; minuscole finestre nelle profondità del tempio offrono vasti panorami paesaggistici immersi in una luce argentata. Questa unità organica del mondo, la maestosa solennità della decisione complessiva della composizione e dei segni della vita quotidiana, è completata dalla complessa vita della luce, che, per così dire, cade dall'esterno, attraverso l'apertura ad arco, illuminando la figura di S. nelle navate laterali ed evidenziando gli archi della navata destra su cui cammina un leone.

Tra le opere più significative di Antonello da Messina c'è il "San Sebastiano" (1475 circa, Dresda, Pinacoteca), scritto durante il suo soggiorno a Venezia e che costituiva il lato sinistro dell'altare non conservato della chiesa veneziana di San Giuliano. Questa è una delle opere più armoniose di Antonello. Gli artisti italiani del XV secolo erano soliti interpretare l'immagine di San Sebastiano in modo drammatico, raffigurandone il martirio. In Antonello da Messina anche il corpo nudo del giovane è trafitto da frecce, ma nell’espressione del suo bel viso con gli occhi alzati al cielo e le labbra socchiuse si avverte solo un lieve accenno di sofferenza. L'eroe di Antonello è calmo e bello, pieno di vita e appare davanti a noi in completa armonia con il mondo contro il quale è raffigurato: edifici che vanno in profondità, le cui pareti sembrano assorbire la calda luce del sole, collegandole con archi, i cui contorni riecheggiano i contorni morbidi della figura del santo. Il bellissimo panorama della strada cittadina, che scende in profondità, irradia calma: un viandante sonnecchia pacificamente, i giovani parlano tranquillamente sotto il portico e i cittadini camminano sullo sfondo, le donne che hanno appeso i tappeti all'aria guardano nell'aria giù pensieroso. Queste figure del personale, dipinte con tratti leggeri e liberi, non sono affatto illustrative; si inseriscono naturalmente nella struttura armonica della pittura di Antonello. La gamma colorata dell'immagine, costruita su una combinazione tra l'azzurro del cielo e i toni chiari e dorati del corpo nudo di un giovane, edifici, piastrelle del marciapiede, irradia il calore della luce solare.

Il desiderio di una maggiore generalizzazione delle forme rispetto ai dipinti precedenti San Sebastiano è spesso associato alla conoscenza di Antonello con le opere di Piero della Francesca, che poté vedere sulla strada per Venezia. In un modo o nell'altro, lo stile di Antonello da Messina a Venezia sta cambiando in modo significativo. Diventa più generalizzato, le forme sono dolcemente arrotondate, i contorni acquisiscono ampiezza e levigatezza, le immagini - pienezza di vita e calma grandezza. Questa è la “Madonna col Bambino” (1475-1476, Vienna, Museo di Storia dell'Arte) - uno dei frammenti superstiti di un grande altare dipinto dall'artista per la chiesa veneziana di San Casciano, trafugato nel XVII secolo da la chiesa e barbaramente fatta a pezzi. La monumentale generalizzazione dello stile e la pienezza della vita contraddistinguono la piccola composizione Madonna Annunziata (1475 circa, Palermo, Galleria Nazionale della Sicilia), apparentemente realizzata a Venezia e portata dall'artista in patria.

Un capitolo a parte nell'opera di Antonello da Messina è la galleria di ritratti da lui creata. Come ritrattista occupa una posizione di primo piano tra gli artisti italiani del XV secolo e può competere solo con i maestri olandesi. Al suo nome non sono associati più di venti ritratti, l'appartenenza di alcuni di essi al suo pennello rimane controversa. La maggior parte di questi ritratti furono dipinti nel 1475-1476 a Venezia, come testimoniano le date apposte dall'artista su alcuni di essi. Dal punto di vista compositivo, sono risolti allo stesso modo: si tratta di immagini di busti piccoli (meno naturali) su uno sfondo scuro; il viso e le spalle della modella sono girati di tre quarti verso destra. Questo tipo di ritratto fu ovviamente preso in prestito da Antonello da Messina dai maestri olandesi. Antonello era un ritrattista nato, capace di cogliere nei lineamenti del volto del suo modello qualcosa che solo approssimativamente viene trasmesso dalla descrizione verbale dei suoi ritratti: il riflesso di una personalità unica. Appare anche nel volto limpido e pacato di un giovane in veste rossa (“Ritratto di giovane”, 1474, Berlino, Musei Statali) e nel cosiddetto “Ritratto di Trivulzio”, 1476, Torino, Palazzo Museo Madama). L'opera di Antonello da Messina, che lasciò un segno luminoso nell'arte italiana del XV secolo, ebbe una grande influenza sui maestri della scuola veneziana, in particolare su Giovanni Bellini.

Irina Smirnova