INTRODUZIONE 3
CAPITOLO 1. IL PROBLEMA DELLO SVILUPPO DELL'INSEGNAMENTO MUSICALE ALLA LUCE DELLA MODERNA PEDAGOGIA E PSICOLOGIA 5
§ 1. Il problema della correlazione tra formazione e sviluppo nella scienza pedagogica 5
§ 2. Pedagogia della cooperazione alla luce del problema dell'apprendimento e dello sviluppo 8
§ 3. Principi dell'educazione allo sviluppo in pedagogia musicale 10
CAPITOLO 2
§ 1. La musica d'insieme come metodo di sviluppo globale degli studenti 15
§ 2. La musica d'insieme come forma collettiva dell'attività esecutiva e creativa degli studenti 22
§ 3. Il ruolo della musica d'insieme nella formazione delle capacità musicali degli scolari nella fase iniziale dell'educazione 25
§ 1. Caratteristiche della scelta del repertorio e principi dell'arrangiamento 38
§ 2. Fondamenti di tecnica d'insieme 39
§ 3. Lavoro sperimentale e analisi dei suoi risultati 42
§ 4. Classificazione pedagogica della letteratura d'insieme per principianti 45
RIFERIMENTI 58
INTRODUZIONE
L'educazione musicale universale è di grande importanza nell'adempimento dei compiti dell'educazione estetica degli scolari, che impone requisiti moderni alla qualità dell'educazione e alla personalità dell'insegnante. Lo scopo e la specificità dell'insegnamento ai bambini nell'educazione musicale di massa è l'educazione degli amanti della musica alfabetizzati, l'espansione dei loro orizzonti, la formazione di capacità creative di gusto musicale e artistico e, nelle lezioni individuali, l'acquisizione di abilità puramente professionali, la rinascita delle forme del fare musica: suonare in un ensemble, selezionare a orecchio, leggere da uno spartito, trasporre un saggio.
I bambini possono ricevere una formazione più professionale per le scuole musicali per bambini e più accessibile per l'educazione musicale: circoli, studi, scuole d'arte, laboratori musicali, ecc. La particolarità di lavorare con un contingente di tali istituzioni educative e musicali è che è necessario trovare un approccio più creativo. A differenza delle scuole di musica, in tali istituzioni educative e musicali possono studiare i bambini con un'ampia varietà di abilità musicali che hanno espresso il desiderio di studiare. Fondamentalmente, non passano attraverso una rigorosa selezione competitiva.
Le lezioni di pianoforte sono il mezzo più potente di educazione musicale. Pertanto, dovrebbe essere sviluppato, cioè specificamente focalizzato sullo sviluppo completo degli studenti. Trovare la soluzione ottimale al problema dell'insegnamento evolutivo nella classe del pianoforte significa contribuire alla soluzione di questo problema sulla scala dell'intera pratica musicale e pedagogica.
Lo sviluppo dell'educazione ha recentemente guadagnato un posto nella pedagogia del pianoforte. Ci sono nuove opere pedagogiche. Ma non può ancora essere considerato saldamente radicato, perché il tradizionalismo è ancora conservato (non c'è ricerca di una nuova fermata su vecchie forme e metodi di lavoro). Nelle forme e nei metodi tradizionali, l'importante è lavorare su un brano musicale, che assorbe il 000% del tempo di studio e sostituisce forme più efficaci in termini di apprendimento evolutivo.
Tra gli immeritatamente offesi - musica d'insieme che suona. Di solito questa forma di lavoro viene utilizzata ma non occupa molto spazio. Ad esempio, i bambini che studiano l'esecuzione musicale nella pratica quotidiana hanno a che fare con un numero limitato di opere, la lezione spesso si trasforma in formazione di qualità esecutive professionali, gli studenti non sviluppano un'attività indipendente e un'iniziativa creativa.
Il valore pedagogico della musica d'insieme non è ben noto. Questo tipo di lavoro non ha ricevuto copertura pratica nella letteratura metodologica. Non esiste un metodo per suonare d'insieme come forma di lavoro educativo nella fase iniziale della formazione musicale degli scolari.
Allo stesso tempo, la produzione di musica d'insieme ha grandi capacità, la cui considerazione ci ha permesso di avanzare la seguente ipotesi: la produzione di musica d'insieme può aumentare l'effetto evolutivo dell'insegnamento del pianoforte e ci consentirà di attuare le idee della pedagogia della cooperazione.
Lo scopo del lavoro è considerare l'esecuzione d'insieme come una forma di educazione allo sviluppo nella classe del pianoforte. Per raggiungerlo, è stato necessario risolvere i seguenti compiti:
0. Considerare lo sviluppo dell'educazione musicale alla luce della moderna pedagogia e psicologia.
0. Studiare il ruolo della musica d'insieme nell'attuazione dei principi dello sviluppo dell'educazione musicale.
0. Rivelare il ruolo dell'ensemble nella formazione delle capacità musicali degli scolari (ritmo, udito, memoria, padronanza della conoscenza teorica delle abilità di gioco)
In conformità con i compiti, il lavoro ha incluso:
0) studio della letteratura;
0) analisi dell'esperienza degli insegnanti - pianisti;
0) proprio lavoro sperimentale e pratico.
La struttura dello studio è determinata dai compiti di cui sopra. Si compone di tre sezioni dell'introduzione e conclusione della bibliografia che contiene 00 riferimenti.
CAPITOLO 0
§ 0. Il problema del rapporto tra formazione e sviluppo nella scienza pedagogica
Formazione in via di sviluppo - formazione che, fornendo la piena assimilazione delle conoscenze, forma attività educative e quindi influisce direttamente sullo sviluppo mentale. Questa è una formazione in cui l'assimilazione della conoscenza funge da processo di lavoro attivo e indipendente dello studente. Pertanto, l'individualizzazione dell'apprendimento è sia una conseguenza di tale apprendimento sia il suo contenuto principale.
I principi dell'educazione allo sviluppo assicurano la consapevolezza dell'apprendimento, l'attività degli studenti, la possibilità del loro lavoro indipendente, ecc. È necessario creare tali condizioni di apprendimento che garantiscano l'interazione dei due lati dell'attività di apprendimento: il pensiero e i processi di osservazione. Il compito di sviluppare l'educazione è il massimo sviluppo possibile di tutte le qualità psicologiche e personali di una persona: capacità, interessi, inclinazioni, processi cognitivi, qualità volitive, ecc. in altre parole, lo sviluppo intensivo e completo delle capacità degli studenti nel corso dell'istruzione.
Le attività educative sono organizzate dall'educazione allo sviluppo, tenendo conto delle caratteristiche di età e delle differenze individuali degli studenti. Nel contesto dell'apprendimento evolutivo, gli studenti, tra gli altri obiettivi di apprendimento, si prefiggono l'obiettivo di padroneggiare il sistema di tecniche di cui hanno bisogno sia per l'ulteriore apprendimento che per attività extrascolastiche indipendenti.
Un'altra componente dell'attività educativa deve essere individuata nelle condizioni di sviluppo dell'educazione: padroneggiare i sistemi di metodi generalizzati di gestione della propria attività educativa (metodi di pianificazione dell'autocontrollo, organizzazione dei propri interessi cognitivi e attenzione). I metodi del lavoro educativo sono strettamente correlati ai metodi di gestione delle attività educative e i metodi del lavoro educativo sono strettamente correlati alla conoscenza. Nelle condizioni dell'educazione allo sviluppo, i metodi del lavoro educativo e la sua gestione servono come base su cui gli studenti acquisiscono le competenze e le abilità pertinenti. Tutto ciò richiederà una ristrutturazione in un certo senso di tutti i collegamenti nell'istruzione. "Affinché il processo di apprendimento sia un processo di formazione della personalità degli studenti, è necessario procedere fin dall'inizio dal riconoscimento di ogni studente come personalità unica e non solo oggetto delle influenze educative ed educative dell'insegnante ( 00 p.00).” Al fine di formare ogni studente come una personalità creativamente attiva e socialmente matura sviluppata in modo completo, è necessario organizzare e condurre il processo educativo secondo i principi pertinenti.
Lo sviluppo completo da un punto di vista psicologico significa il massimo sviluppo possibile di tutte le qualità mentali e personali di una persona. Tale sviluppo dovrebbe essere inteso come l'uguaglianza di opportunità e condizioni per lo sviluppo delle caratteristiche individuali di ciascun individuo al fine di identificare e sviluppare quelle capacità di questo individuo per le quali ha le inclinazioni. Un mare. Anufriev "la cosa principale nello sviluppo globale dell'individuo è creare condizioni reali non solo per lo sviluppo, ma anche per la realizzazione di tutte le potenziali capacità di ogni persona (0 p. 000)"
Il processo educativo, la sua organizzazione e il suo svolgimento devono essere tali da contribuire in ogni modo possibile all'identificazione e alla realizzazione dell'individualità di ogni alunno. Lo sviluppo a tutto tondo della personalità si forma sulla base dell'impegno per un tipo di attività per un tipo di hobby. È importante solo che l'impegno selettivo dell'individuo non si trasformi nella sua unilateralità, ma che questa passione per una materia serva da leva e incentivo per padroneggiare tutta la ricchezza della scienza della cultura dell'arte per lo sviluppo del individuo nel suo complesso.
Il problema del rapporto tra formazione e sviluppo è uno dei più urgenti. La ricerca della sua soluzione ottimale continua attualmente.
La formazione e lo sviluppo sono categorie diverse. L'efficacia dell'apprendimento è misurata dalla quantità e dalla qualità delle conoscenze acquisite e l'efficacia dello sviluppo è misurata dal livello raggiunto dalle capacità degli studenti. Più K.D. Ushinsky sosteneva che l'istruzione fosse evolutiva. Ma a quei tempi il problema dell'educazione allo sviluppo non poteva essere risolto in modo soddisfacente perché le classi dirigenti non erano interessate allo sviluppo mentale della popolazione e la penetrazione della conoscenza scientifica nei programmi educativi era limitata. Ecco perché a quei tempi c'era la tendenza a sviluppare la mente del bambino non sulla base dell'assimilazione della conoscenza scientifica, ma sulla base di speciali esercizi logici.
Nelle opere di psicologi domestici: L.S. Vygotskij B.G. Ananyeva A.n. Leontieva L.V. Zankov - ha teoricamente motivato la necessità di organizzare la formazione per lo sviluppo avanzato, nonché la disposizione su due zone di sviluppo interconnesse: attuale e immediata. Se l'allenamento è in anticipo rispetto al livello attuale e rende attive le forze che si trovano nella zona di sviluppo prossimale, soddisfa il bisogno di conoscenza del bambino, gli dà gioia, è vissuto come un'attività entusiasmante. Allo stesso tempo, l'orientamento degli studenti al domani determina la necessità di affidarsi all'assistenza della collaborazione dell'insegnante. “Il momento centrale per tutta la psicologia è la possibilità di elevarsi in collaborazione al più alto livello intellettuale, la possibilità di transizione da ciò che il bambino può a ciò che non può (0 p. 000).”
Affrontare correttamente la questione del rapporto tra sviluppo e apprendimento è di fondamentale importanza. Ogni concetto di apprendimento è centrale. Ogni concetto di apprendimento include un certo concetto di sviluppo e viceversa. Il bambino si sviluppa attraverso l'educazione e l'apprendimento. Ciò significa che l'educazione e l'istruzione sono incluse nel processo stesso di sviluppo del bambino e non sono costruite su di esso. Il compito dell'istruzione e della formazione è quello di plasmare lo sviluppo.
Se lo studente comprende le basi di quelle operazioni che possiede, allora il loro studio dà un certo contributo al fondo del suo sviluppo. Se, attraverso esercizi ripetuti, un bambino impara a eseguire determinate operazioni senza rendersene conto, ciò non lo fa avanzare nello sviluppo generale.
La psicologia moderna ritiene che l'apprendimento e lo sviluppo non siano processi adeguati. Allo stesso tempo, questi processi sono strettamente interconnessi e rappresentano un'unità. Lo sviluppo viene effettuato durante la formazione man mano che gli studenti acquisiscono una certa quantità di conoscenza. Con il progredire dello sviluppo, le funzioni mentali vengono ricostruite nella direzione della complicazione, la qualità delle operazioni mentali cambia. L'apprendimento, a sua volta, si basa sui processi di sviluppo. Le proprietà intellettuali dello sviluppo della coscienza dello studente hanno un impatto diretto sul corso della lettura: contenuto, struttura, indicatori di qualità, risultati finali.
Da ciò possiamo concludere che lo sviluppo in modo naturale viene effettuato nel corso dell'allenamento. Ma l'effetto sullo sviluppo dell'apprendimento non è sempre lo stesso. Quali fattori influenzano la funzione evolutiva dell'apprendimento? Decisivo è: la costruzione del processo educativo, il contenuto della forma e dei metodi di insegnamento.
§ 0. Pedagogia della cooperazione alla luce del problema dell'apprendimento e dello sviluppo
Lo sviluppo dell'educazione è impossibile da immaginare senza una pedagogia collaborativa. La pedagogia della cooperazione è indissolubilmente legata alle principali direzioni della ristrutturazione della nostra società: la sua democratizzazione e umanizzazione. Il compito della scuola di oggi è attivare l'iniziativa e la creatività dei bambini, per rivelare il potenziale personale di ogni giovane. In senso figurato, la pedagogia della cooperazione è il percorso della personalità dello studente.
Il desiderio di mettere un tale percorso per creare le condizioni per un'educazione "non invadente" è sorto in momenti diversi in diversi paesi. È sufficiente per completare le opere di J. Comenius I. Pestalozzi K. Ushinsky V. Sukhommensky. Questo testimone è stato raccolto da insegnanti moderni - innovatori: Sh. Amonashvili S. Lysenkova I. Volkov V. Shatalov E. Goncharova e altri Le idee e l'esperienza di questi insegnanti sono ora ampiamente riconosciute.
L'idea principale della pedagogia della cooperazione è cambiare la natura delle relazioni interpersonali tra insegnante e studente. Per lei, un atteggiamento tipico è aprire una comunicazione riservata con gli studenti, accettandoli così come sono, comprensione e simpatia. “L'attività educativa dello studente è stimolata non solo dal materiale didattico interessante e dai vari metodi di insegnamento, ma anche dalla natura del rapporto che l'insegnante afferma nel processo di apprendimento. In un clima di amore, benevolenza, fiducia, empatia, rispetto, lo studente accetta facilmente e volentieri il compito educativo e conoscitivo (0 p.000).
Le relazioni per tipo di cooperazione creano opportunità per l'emergere di un contatto psicologico tra l'insegnante e lo studente. La democratizzazione della comunicazione interpersonale è un ambiente fertile per lo sviluppo delle proprietà psicologiche di base dello studente. Insegnanti - gli innovatori cercano di allontanarsi dai tradizionali metodi di insegnamento informativo per stimolare l'attività cognitiva degli studenti. È importante non "insegnare" ma creare un'atmosfera in cui lo studente stesso e con piacere si unisca al superamento delle difficoltà intellettuali emergenti.
Il rafforzamento dell'attività cognitiva degli studenti, la creazione delle condizioni per la manifestazione della loro indipendenza e iniziativa portano al concetto di insegnamento dell'attività creativa. La comunicazione è una lezione di co-creazione del pensiero comune di partenariato. una lezione di libertà dove ognuno deve esprimersi. Insegnanti - gli innovatori offrono forme di attività creativa collettiva volte a creare studenti per creare un prodotto originale (layout di una poesia, canzone)
L'organizzazione delle attività di valutazione degli studenti acquista grande importanza nella pedagogia della cooperazione. La valutazione di qualsiasi tipo di attività è percepita come una valutazione della sua personalità. Se questa valutazione è negativa, può causare lo sviluppo di una bassa autostima, che forma un complesso di inferiorità e crea tensione nella comprensione reciproca tra insegnante e studente. Pertanto, si propone di modificare la natura e le forme della valutazione a favore del rafforzamento del suo contenuto, sviluppando negli studenti un senso di sicurezza e fiducia nel successo, formando un'adeguata autovalutazione basata sulle capacità di introspezione.
L'idea di aiutare lo studente è di natura profondamente umanistica e costituisce il fondamento della pedagogia collaborativa. I suoi componenti di base possono essere riassunti come un sistema di principi. Tuttavia, va sottolineato che la padronanza delle scoperte individuali di insegnanti innovativi senza la trasformazione da parte dell'insegnante della sua posizione personale nell'assimilazione di una nuova filosofia pedagogica non può essere una garanzia dell'efficacia del processo educativo. Il compito dell'insegnante è utilizzare l'idea e i principi della pedagogia della cooperazione per trovare la propria strada alla ricerca di sussidi didattici ottimali.
Pertanto, la connessione tra i problemi dello sviluppo dell'istruzione e delle relazioni di collaborazione è la più stretta. L'attuazione dei principi della pedagogia della cooperazione può essere considerata come una delle condizioni più importanti per ottenere un effetto di sviluppo nell'educazione. D'altra parte, un'atmosfera di fraternità tra insegnante e studente può essere stabilita solo quando lo sviluppo di quest'ultimo viene proposto come un obiettivo speciale dell'attività pedagogica. È naturale presumere che le forme ei metodi dell'educazione funzionino. quelli che incarnano più chiaramente le idee dell'educazione allo sviluppo sono anche promettenti in termini di attuazione pratica dei principi della cooperazione. Ecco perché ci siamo rivolti alla forma d'insieme di fare musica nella classe del pianoforte.
Nel nostro lavoro, cercheremo di dimostrare che fare musica d'insieme è la migliore forma di cooperazione tra un insegnante e uno studente che darà un effetto di sviluppo. Ma prima di procedere allo studio di questa forma di lavoro educativo, è necessario considerare i principi dell'educazione allo sviluppo nella pedagogia musicale.
§ 0. Principi di educazione allo sviluppo in pedagogia musicale
La ristrutturazione in atto sul fronte pedagogico non può lasciare indifferenti insegnanti e musicisti. Influenzando direttamente la sfera emotiva e morale, l'arte musicale gioca un ruolo enorme nella formazione di una personalità spiritualmente ricca dal pensiero creativo. Il contenuto stesso dell'arte richiede una relazione speciale tra insegnante e studente basata sulla comprensione empatica (compassionevole). “La tendenza più importante della pedagogia musicale avanzata del nostro tempo determina in gran parte i suoi metodi. può essere caratterizzato come un desiderio di raggiungere - insieme alla pedagogia generale - lo sviluppo armonioso della personalità umana, avendo raggiunto un equilibrio tra ragione e anima (0 p.0).
Ma i fenomeni negativi osservati nel sistema dell'educazione generale non hanno scavalcato l'educazione musicale. Molti insegnanti-musicisti vedono il loro compito nello sviluppare un fondo limitato di conoscenze e abilità esecutive negli studenti. Lo stile autoritario dell'insegnamento non stimola lo sviluppo dei sensi dell'intelletto e degli interessi cognitivi degli studenti. Non è un segreto che la maggior parte degli alunni della musica per bambini e delle istituzioni educative abbandoni le lezioni di musica subito dopo la laurea. Non conoscono i metodi del fare musica indipendente e perdono il loro amore per l'arte della musica.
Insieme a questo, la pedagogia ha accumulato la più ricca esperienza di insegnanti di musica eccezionali. Le idee stabilite negli ultimi due decenni nella metodologia dell'apprendimento strumentale sono, in sostanza, l'incarnazione pratica del concetto pedagogico di cooperazione. Esempi brillanti di sviluppo della pedagogia sono le opere dei maestri delle scuole di pianoforte russe e sovietiche: A.G. e N.G. Rubinsteinov V.I. Safonov A.N. Esipova N.S. Zvereva F.M. Blumenfeld K.N. Igumino G.G. Neuhausa L.V. Nikolaeva A.B. Gondelweiser e altri.
Come viene rifratta l'idea di educazione allo sviluppo in relazione alla teoria e alla pratica dell'insegnamento del pianoforte? Tsypin ritiene che, in primo luogo, i metodi e i metodi di insegnamento nel sistema di educazione e educazione musicale di massa dovrebbero essere direttamente correlati alla padronanza dello studente delle opere a lui assegnate e, in secondo luogo, è necessario che gli stessi metodi e metodi di istruzione attività contribuiscono allo sviluppo musicale complessivo degli studenti.
Il problema del rapporto tra formazione e sviluppo è rilevante anche nella pedagogia musicale. Sfortunatamente, ancora oggi molti praticanti sono convinti che la formazione e lo sviluppo nell'esecuzione musicale siano concetti sinonimi. Da qui la sproporzione tra formazione e sviluppo. C'è apprendimento invece che secondo il concetto didattico di L.S. Il "correre avanti rispetto allo sviluppo" di Vygotsky "fugge" di gran lunga da esso, e quindi la formazione di abilità e abilità di gioco professionale esaurisce quasi completamente il contenuto del processo educativo. Il compito di un insegnante che lavora nel sistema dell'educazione musicale di massa è ottenere il massimo effetto di sviluppo possibile. Il rapporto tra l'assimilazione delle conoscenze musicali e delle capacità esecutive, da un lato, e lo sviluppo musicale, dall'altro ... non è affatto così diretto e semplice come a volte sembra ad alcuni insegnanti. L'educazione di massa al pianoforte spesso “può essere tangenziale allo sviluppo e non avere un impatto significativo su di esso; l'addestramento dogmatico che porta all'assimilazione e alla memorizzazione di determinati schemi musicali può rallentare lo sviluppo e distorcere il pensiero dello studente (0 p.000).
L'impoverimento e la portata limitata del repertorio musicale studiato, il focus ristretto delle lezioni individuali nella classe di pianoforte, lo stile autoritario dell'insegnamento - tutto questo è una manifestazione del concetto secondo il quale lo sviluppo degli studenti è una conseguenza inevitabile di insegnare a coloro che non richiedono cure particolari.
Il lavoro su un brano musicale si trasforma in un fine a se stesso dettato dal desiderio di ottenere voti alti per un'esibizione. Da qui - "allenamento" quando lo studente adempie diligentemente alle numerose istruzioni dell'insegnante, lucidando i contorni sonori esterni della composizione. In sostanza, l'insegnante esegue il lavoro con le mani dello studente.
La lucidatura di più giorni di opere limita nettamente la gamma di opere studiate. Nel frattempo, è l'esperienza musicale accumulata nel lavoro su una varietà di materiale musicale che costituisce la base per lo sviluppo intensivo dello studente. L'apprendimento che fa avanzare lo sviluppo e quindi stimola la necessità di cooperazione richiede un ritmo veloce di apprendimento del materiale con un alto livello di difficoltà. Il fondamento dell'educazione allo sviluppo nelle lezioni di musica e di esecuzione è formato da un sistema di principi che dichiarano un aumento del volume e un'accelerazione del ritmo del passaggio di materiale musicale ed educativo, il rifiuto di un'interpretazione puramente pragmatica delle lezioni e la transizione dall'insegnamento autoritario alla massima autonomia e iniziativa creativa dello studente.
L'istruzione nelle classi performanti di solito porta alla formazione di abilità e abilità locali altamente sviluppate ma allo stesso tempo ristrette. In questo caso, vengono violati gli interessi dello sviluppo dello studente-musicista. Lo sviluppo musicale generale è un processo sfaccettato. Uno dei suoi aspetti importanti è associato allo sviluppo di un complesso di abilità speciali (orecchio musicale, senso del ritmo musicale, memoria musicale). Significativi anche in termini di sviluppo musicale generale sono i cambiamenti interni che vengono migliorati nel campo del pensiero professionale della coscienza artistica dello studente.
La formazione e lo sviluppo dell'intelligenza musicale è stata effettuata nel corso dell'arricchimento dell'esperienza personale dell'individuo. Nel processo di apprendimento del pianoforte, vengono create condizioni ottimali per reintegrare la conoscenza dello studente. Grandi in questo senso sono le possibilità della pedagogia pianistica, che permette agli studenti di entrare in contatto con un repertorio ricco e versatile. Qui sta il potenziale valore dell'aspetto cognitivo della lezione di pianoforte: lo studente può incontrare un numero e una varietà di fenomeni sonori maggiore che in una lezione di qualsiasi altra classe esecutiva.
Imparare a suonare il pianoforte occupa uno dei posti più importanti nell'ampia educazione e educazione musicale. È al centro dei circoli e degli studi della Children's Music School e del VMSh of Music Laboratories, ecc. Il pianoforte è uno strumento dalla più ampia gamma di azione, che svolge un ruolo eccezionalmente importante nell'educazione e nell'educazione musicale di massa, nessuno che abbia a che fare con l'apprendimento della musica può evitare di incontrarlo. Trovare la soluzione ottimale al problema dell'insegnamento evolutivo nella classe del pianoforte significa contribuire alla soluzione di questo problema sulla scala dell'intera pratica musicale e pedagogica.
È l'esecuzione pianistica che ha un potenziale particolarmente ricco in relazione allo sviluppo musicale dello studente. Le risorse educative del fare musica per pianoforte non si limitano al solo lavoro sul repertorio pianistico. Con l'aiuto del pianoforte, qualsiasi musica viene riconosciuta e padroneggiata nella pratica educativa: coro vocale-strumentale da camera-strumentale, ecc. La stessa letteratura per pianoforte ha ampie possibilità di sviluppo, la cui padronanza sistematica è una dimostrazione di una moltitudine dei più diversi fenomeni artistici e stilistici.
Lo sviluppo musicale generale degli studenti è migliorato nel processo di apprendimento. Nella musica, come altrove, lo sviluppo al di fuori dell'insegnamento, in linea di principio, non può essere. I modi per risolvere il problema dello sviluppo musicale generale degli studenti dovrebbero essere ricercati all'interno del processo di apprendimento in un'organizzazione tale da garantire risultati elevati nello sviluppo.
La questione dei principi musicali e didattici volti a raggiungere il massimo effetto evolutivo nell'insegnamento è, in sostanza, il punto culminante centrale nelle questioni in esame. Ci sono quattro principali principi musicali e didattici che, presi insieme, possono costituire una base abbastanza solida per lo sviluppo dell'educazione nelle classi di esecuzione.
Un aumento del volume del materiale utilizzato nel lavoro educativo e pedagogico; un ampliamento della struttura del repertorio dovuto all'appello a un maggior numero di opere musicali. Questo principio è di grande importanza per lo sviluppo musicale generale dello studente, arricchendo la sua coscienza professionale con l'esperienza musicale e intellettuale.
Accelerazione del ritmo di passaggio di una certa parte del materiale educativo; rifiuto di lunghi periodi di lavoro su opere musicali; installazione sulla padronanza degli esercizi e delle abilità di esecuzione necessari in brevi periodi di tempo. Questo principio fornisce un afflusso costante e rapido di varie informazioni nel processo musicale e pedagogico e contribuisce all'espansione degli orizzonti professionali.
Un aumento della misura della capacità teorica delle lezioni di esecuzione musicale, l'uso di una più ampia gamma di informazioni di natura musicale e storica durante la lezione. Questo principio arricchisce la coscienza con sistemi dispiegati.
La necessità di lavorare con materiale in cui si manifesti con la massima completezza l'indipendenza dell'iniziativa creativa dell'allievo-esecutore.
Questi sono i principi fondamentali in base ai quali l'insegnamento della musica per l'esecuzione musicale può diventare veramente di natura evolutiva. La loro attuazione pratica influisce sul contenuto dell'educazione, porta in primo piano determinati tipi e forme di lavoro nel processo educativo, non lascia da parte i metodi di insegnamento. “... l'insegnante è chiamato non solo a stare al passo con i tempi, ma anche ad anticiparli. Deve essere un appassionato propagandista e un profondo conoscitore della scienza delle basi di cui insegna, ben consapevole degli ultimi dati in essa contenuti. Ha bisogno di comprendere correttamente e tenere conto nel suo lavoro dei fenomeni e dei processi della vita sociale. È obbligato a verificare costantemente le sue capacità pedagogiche nella misura in cui gli è soggetta la soluzione dei problemi professionali, a cercare le vie migliori per la mente e il cuore dei bambini ”(00 p. 00).
Si discuterà ulteriormente di come il campo dell'esecuzione musicale - l'esecuzione di musica d'insieme aiuti ad attuare i principi dell'educazione allo sviluppo.
Quindi riassumiamo quanto detto:
0. Lo sviluppo viene effettuato nel corso della formazione. La funzione evolutiva dell'apprendimento è influenzata dalla costruzione del processo educativo, dal contenuto della forma e dai metodi di insegnamento.
0. L'attuazione dei principi della pedagogia della cooperazione è la condizione più importante per ottenere un effetto di sviluppo nell'educazione.
0. Fare musica d'insieme è la migliore forma di cooperazione tra insegnanti e studenti che dà un effetto di sviluppo.
CAPITOLO 0
§ 0. La musica d'insieme come metodo di sviluppo globale degli studenti
Suonare il pianoforte a quattro mani è una sorta di esecuzione musicale congiunta che è stata praticata in ogni momento in ogni occasione ea qualsiasi livello di competenza strumentale viene ancora praticata. Il valore pedagogico di questo tipo di fare musica in comune non è sufficientemente conosciuto e quindi è usato troppo raramente nell'insegnamento. Sebbene i benefici dell'ensemble per lo sviluppo degli studenti siano noti da molto tempo.
Il crescente interesse per vari ensemble da camera ha reso particolarmente rilevante il compito di educare i musicisti di ensemble. Questo compito, che è necessario risolvere in tutte le fasi dell'educazione, a partire dai primi, ci fa dare uno sguardo nuovo alla possibilità di fare musica in duetto.
Qual è il vantaggio di fare musica d'insieme? Per quali motivi è in grado di stimolare lo sviluppo musicale generale degli studenti?
Il gioco d'insieme è una forma di attività che apre le opportunità più favorevoli per una conoscenza completa e ampia della letteratura musicale. Davanti al musicista ci sono opere di vari stili artistici di epoche storiche. Va notato che il suonatore d'insieme si trova allo stesso tempo in condizioni particolarmente favorevoli - insieme al repertorio indirizzato al pianoforte vero e proprio, può anche utilizzare clavicembali d'opera, arrangiamenti di opere sinfoniche da camera-strumentali e vocali. In altre parole, l'esecuzione in ensemble è un costante e rapido cambiamento di nuove percezioni delle impressioni delle "scoperte", un intenso afflusso di informazioni musicali ricche e diversificate. Il significato del suonare in ensemble: ampliare gli orizzonti di ciò che gli studenti conoscono in musica, reintegrare il fondo delle sue impressioni uditive, arricchire l'esperienza professionale, aumentare il bagaglio di informazioni specifiche, ecc. è in grado di svolgere un ruolo attivo nella formazione e nello sviluppo della coscienza musicale.
La musica d'insieme crea le condizioni più favorevoli per la cristallizzazione delle qualità musicali e intellettuali dello studente. Perché, in quali circostanze? Innanzitutto, poiché il gioco d'insieme è una forma di lavoro intraclasse, in fondo non viene portato in scena. Lo studente tratta il materiale con le parole di V.A. Sukhomlinsky "non per memorizzare, non per memorizzare, ma perdonami per il bisogno di pensare, imparare, aprire, comprendere, finalmente stupirmi" (00 p.00). Ecco perché c'è un atteggiamento psicologico speciale durante le lezioni nell'ensemble. Il pensiero musicale migliora notevolmente la percezione diventa più luminoso, vivace, affilato tenace.
Garantendo un flusso continuo di impressioni fresche e diverse di esperienze, la produzione di musica d'insieme contribuisce allo sviluppo del "centro della musicalità": la reattività emotiva alla musica. L'accumulo di uno stock di rappresentazioni uditive numerose e luminose stimola la formazione di un orecchio musicale di immaginazione artistica. Con l'espansione del volume della musica compresa e analizzata, aumentano anche le possibilità del pensiero musicale (la generalizzazione delle caratteristiche essenziali di un gran numero di fatti musicali stimola la formazione di un sistema di concetti).
Sulla cresta di un'onda emotiva, c'è un aumento generale delle azioni musicali e intellettuali. Da ciò ne consegue che le lezioni di esecuzione d'insieme sono importanti non solo come un modo per espandere gli orizzonti del repertorio o l'accumulo di informazioni teorico-musicali e storico-musicali - queste lezioni contribuiscono a un miglioramento qualitativo nei processi del pensiero musicale . Quindi suonare a quattro mani è uno dei modi più brevi e promettenti di sviluppo musicale generale degli studenti. È nel processo dell'esecuzione d'insieme che i principi didattici di base dell'educazione allo sviluppo menzionati in precedenza vengono pienamente e distintamente rivelati: a) un aumento del volume del materiale musicale eseguito nell'insegnamento e b) un'accelerazione del ritmo del suo passaggio. Pertanto, un gioco d'insieme non è altro che l'assimilazione di un massimo di informazioni in un tempo minimo.
Lo sviluppo dell'intelletto musicale professionale riceve una visione completa solo se si basa sulla capacità di apprendere attivamente in modo indipendente per ottenere le conoscenze e le abilità necessarie senza un aiuto esterno per navigare nell'intera varietà di fenomeni dell'arte musicale. Nei processi di formazione del pensiero musicale gioca un ruolo non solo cosa e quanto è stato acquisito dagli allievi-esecutori durante le lezioni sullo strumento, ma anche come sono state fatte queste acquisizioni, in che modo sono stati raggiunti i risultati. Il requisito dell'iniziativa e dell'indipendenza delle azioni mentali dello studente riflette il quarto dei principi dell'educazione allo sviluppo in generale.
Il problema della formazione dell'attività e dell'indipendenza del pensiero dello studente ai nostri giorni ha acquisito un suono particolarmente vivido; la sua rilevanza è strettamente correlata al compito di intensificare l'apprendimento e rafforzare il suo effetto sullo sviluppo. L'indipendenza delle operazioni mentali è un fattore che assicura lo sviluppo stabile dell'intelletto dello studente. L'attività intellettuale basata su un approccio indipendente è un obiettivo importante per un insegnante di qualsiasi specialità. Quanto più le azioni educative dell'animale domestico della classe esecutore si avvicinano alle azioni pratiche del musicista-interprete, tanto più favorevoli sono le condizioni per la formazione dell'autonomia della creazione artistica dello studente. L'interpretazione della musica, la comprensione e l'esecuzione della divulgazione del suo contenuto figurativo e poetico è un modo efficace per diventare un intelletto professionale di un musicista.
L'effetto di sviluppo del fare musica d'insieme si manifesta solo quando si basa su una base metodologica razionale. Ciò include la politica del repertorio e l'organizzazione appropriata del lavoro sul lavoro e metodi ponderati di orientamento pedagogico. Compiliamo la "tecnologia" sviluppata della creazione di musica d'insieme e le scoperte metodologiche di insegnanti innovativi che lavorano nel sistema di formazione educativa generale degli studenti. Ad esempio, prendiamo come esempio la selezione del repertorio. La loro decisione determina l'organizzazione del repertorio del processo di apprendimento. lavorare su un'opera è il principale tipo di attività educativa nelle classi di discipline musicali e performative. Il suo potenziale di sviluppo cresce se la selezione del repertorio d'insieme viene effettuata sulla base della somiglianza delle opere in una serie di caratteristiche importanti (lo stile dei singoli mezzi di espressività musicale, il tipo di trama e tecnica del pianoforte) nei blocchi originali. La presenza nel lavoro dello stesso tipo di fenomeni musicali dei fatti delle abilità creerà le condizioni per la loro comprensione attiva e generalizzazione, che contribuisce allo sviluppo dell'intelligenza musicale. Questo processo è particolarmente evidente quando gli studenti padroneggiano lo stile musicale. La maggior parte degli insegnanti di musica di spicco come G.G. Neugauz N.N. Shumnov sottolinea la necessità di un'ampia conoscenza del lavoro dell'autore dell'opera in esame. Tale esigenza corrisponde al principio di fondarsi sul contenuto teorico della materia oggetto di studio, legando l'educazione pianistica all'origine del corso delle discipline teoriche musicali.
L'organizzazione "a blocchi" del materiale musicale viene utilizzata anche per padroneggiare determinate forme e generi di opere musicali, mezzi per eseguire l'espressività. Questo principio può essere considerato equivalente ai principi dell'attuazione di grandi blocchi da parte dei rappresentanti della pedagogia della cooperazione. La forma dell'ensemble è la più appropriata per lavorare sul materiale di cui lo studente ha bisogno per uno sviluppo musicale a tutti gli effetti. Una delle condizioni per sviluppare la reattività emotiva alla musica è fare affidamento sugli interessi musicali dello studente. È auspicabile la più attiva partecipazione dello studente alla scelta del repertorio, tenendo conto dei suoi gusti artistici individuali. L'ascesa dell'energia creativa dello studente aiuta a far fronte a molte difficoltà della crescita pianistica. Il repertorio per la creazione di musica d'insieme può includere arrangiamenti per pianoforte e trascrizioni di musica da camera e opera-sinfonica, nonché composizioni apprezzate dal pubblico amatoriale. La scelta delle opere è soggetta sia alla prospettiva di sviluppo dello studente che agli obiettivi di apprendimento. L'insegnante tiene conto del grado di sviluppo musicale e pianistico dello studente, dei suoi risultati e delle carenze del repertorio passato. In termini di difficoltà, ogni opera dovrebbe corrispondere all'ulteriore sviluppo delle sue capacità musicali e pianistiche, tenendo conto della loro obbligatoria versatilità. Pertanto, la forma d'insieme dello studio del repertorio implementa una serie di principi della pedagogia della cooperazione in anticipo rispetto alla definizione degli obiettivi della libera scelta dell'educazione senza coercizione. Questa forma di lavoro comporta una politica di repertorio più flessibile e audace volta allo sviluppo armonioso completo dello studente.
La cooperazione tra un insegnante e uno studente in pedagogia musicale è intesa come co-creazione. Nel processo co-creativo di lavorare su un'opera d'arte, sorgono le condizioni per l'attuazione delle idee principali della pedagogia della cooperazione: cambiare il rapporto tra l'insegnante e lo studente, i principi della definizione degli obiettivi e dell'educazione creativa. Per stabilire un contatto creativo reciproco tra un insegnante e uno studente, l'esecuzione congiunta di musica d'insieme è un mezzo ideale. Fin dall'inizio dell'insegnamento a un bambino a suonare uno strumento, compaiono molti compiti: atterrare, impostare le mani, studiare la tastiera, modi per suonare le note, contare le pause, i tasti, ecc. Ma tra l'abbondanza di compiti da risolvere, è importante non perdere quello principale: in questo periodo cruciale, non solo mantenere l'amore per la musica, ma anche sviluppare un interesse per le attività musicali. Dipende da molte condizioni, tra le quali un ruolo importante è svolto dalla personalità dell'insegnante e dai suoi contatti con lo studente. Dopotutto, per qualche tempo l'insegnante diventa la personificazione del musicista e della persona ideali. Eseguendo la canzone più semplice, l'insegnante è ispirato dal suo stato d'animo ed è più facile per lui trasmettere questo stato d'animo e ispirazione allo studente. Questa esperienza congiunta di musica è il contatto più importante che spesso è decisivo per il successo dello studente. Così. l'insegnante crea le condizioni per lo sviluppo di vivide impressioni musicali per lavorare su un'immagine artistica. E, cosa più importante, questo contatto musicale di solito contribuisce all'emergere di una maggiore iniziativa nello studente. Questo risveglio dell'iniziativa di una tensione attiva alla realizzazione è il primo successo nel lavoro pedagogico e il criterio principale per il corretto approccio allo studente. "Nell'ensemble insegnante-studente, l'unità è stabilita non solo tra i due, ma soprattutto, un effetto armonico tra lo studente e il compositore attraverso il mezzo dell'insegnante", sottolinea Neuhaus G.G. Il gioco di uno studente in un ensemble con un insegnante include la possibilità di trasferire l'esperienza musicale e di vita del credo esecutivo e le visioni estetiche dell'insegnante allo studente direttamente nel processo di esecuzione di un brano musicale.
Si noti anche l'originalità dell'eco con i riscontri metodologici della pedagogia della cooperazione. I dati dell'analisi teorica dell'opera (confronto delle caratteristiche del piano tonale del linguaggio armonioso della trama della melodia dell'atto) sono veri e propri segnali di riferimento. L'analisi emotiva ed estetica delle opere si riflette nella fissazione verbale o grafica di un programma emotivo soggettivo - una catena di stati d'animo vissuti dall'esecutore (V. Medushevsky, V. Ratnikov, K. Tsaturyan, Ts. Nasyrova). Pertanto, i principi dei segnali di riferimento hanno trovato una varietà di soluzioni metodologiche nella pedagogia del pianoforte.
Con questa forma di lavoro, il principio di valutazione dell'attività dello studente cambia. Viene rimosso il rischio di una valutazione negativa della prestazione e si pone la possibilità di altre forme di valutazione volte a sviluppare un senso di sicurezza fiducia. La forma della creazione di musica d'insieme ti consente di trovare il carattere e la forma di valutazione più ottimali. Di norma, questo tipo di lavoro non è soggetto a esami e non è soggetto a rigidi criteri di valutazione. E quindi, i bambini che svolgono questo tipo di lavoro in classe, esibendosi ai concerti, ricevono una carica emotiva positiva dal suonare insieme. Fare musica d'insieme comporta anche forme di controllo come le “conversazioni al pianoforte”, riunioni collettive su un argomento prestabilito. L'ultima opzione è l'incarnazione dell'idea di pedagogia della cooperazione sulla creatività collettiva degli studenti. La pedagogia pianistica in quest'area ha le sue tradizioni provenienti da A.G. e N.G. Rubensteinov V.N. Safonov N.K. Medtner G.G. Neuhaus. La forma del fare musica d'insieme è l'area dell'azione più visiva e attiva dei principi della pedagogia della cooperazione e, allo stesso tempo, un esempio della loro rifrazione creativa secondo i compiti e le caratteristiche della pedagogia musicale. Il gioco d'insieme è terreno fertile per la nascita di un prodotto collettivo in un'atmosfera di collaborazione. Sopperisce alla mancanza di formazione individuale e la creazione di musica d'insieme, durante la quale avviene la creazione congiunta di un'immagine, è il modo per risolvere questo problema.
Il ruolo dell'ensemble nella fase iniziale dell'apprendimento del pianoforte è inestimabile. È il modo migliore per interessare il bambino, aiuta a colorare emotivamente la fase iniziale di apprendimento solitamente poco interessante. Imparare elementare a suonare il pianoforte - un'area di lavoro con uno studente che ha le sue caratteristiche specifiche I principi di tenere conto delle caratteristiche crescenti dello studente emergono chiaramente. I bambini iniziano a conoscere la musica e lo strumento all'età di 0 - 0 anni. Questa è la transizione dall'attività di gioco a quella educativa e cognitiva. Dopo aver ricevuto una serie di conoscenze e abilità preparatorie, lo studente inizia a padroneggiare le basi soprattutto del pianoforte. E immediatamente compaiono molti nuovi compiti: atterrare l'impostazione delle mani, contare le note, ecc. Spesso questo spaventa il bambino lontano da ulteriori attività. È importante che il passaggio dal gioco alle attività educative e preparatorie avvenga in modo più fluido e indolore. E in questa situazione, fare musica d'insieme sarà la forma ideale di lavoro con gli studenti. Fin dalla prima lezione, lo studente è coinvolto nella produzione musicale attiva. Insieme all'insegnante suona brani semplici ma già artistici. I bambini provano immediatamente la gioia della percezione diretta anche di un granello d'arte. “La performance congiunta dell'insegnante e dello studente collega l'udito dei bambini a quello che Busoni chiamava “il chiaro di luna che si riversa sul paesaggio”. Intendo il pedale del pianoforte. Il suono riprodotto con il pedale diventa più ricco e contribuisce a uno sviluppo più intenso dell'immagine sonora. (00s.000)
§ 0. La musica d'insieme come forma collettiva di attività esecutiva e creativa degli studenti
Fin dai primi passi, è necessario considerare il suonare d'insieme come una forma di fare musica creativa, una forma di creazione nel campo della musica.
"Se un bambino salta le fasi dello sviluppo, non suona musica, ma solo "interpreta" ... non è possibile gettare le basi della musicalità in un'ampia massa di bambini", osserva K. Orff. La musica d'insieme può essere paragonata ad altri tipi di attività esecutive collettive (gruppi teatrali e corali, ensemble di cori vocali e folcloristici, ensemble di strumenti musicali per bambini), tra i quali spicca il famoso "Schulwerk" di K. Orff nel primo posto.
La metodologia dell'educazione musicale per bambini e giovani sviluppata da K. Orff si basa sull'ampio sviluppo dell'iniziativa creativa degli studenti "Schulwerk" contiene materiale per la pratica della musica. Questo tipo di scuola elementare generale di musicalità prima dell'educazione musicale speciale è obbligatoria per tutti i bambini. Il compito dell'educazione musicale, secondo Orfak, è stimolare e dirigere l'immaginazione creativa, la capacità di improvvisare e comporre nel processo di produzione musicale individuale e collettiva. K. Orff consiglia di iniziare l'educazione musicale anche in età prescolare con musica collettiva suonata su strumenti che quasi non richiedono una formazione speciale. Questo è un fattore importante nell'educazione del gusto estetico dei bambini.
Ensemble di pianoforte - può essere considerato una forma di transizione dal tipo semplice dell'orchestra per bambini di K. Orff alla forma solista dell'esecutore al pianoforte. Ti consente di cavartela con tipi semplificati di tecnica pianistica e focalizzare l'attenzione dell'insegnante sulla padronanza delle basi della musica.
K. Orff ritiene che se il bambino non diventa un musicista, l'iniziativa creativa stabilita nelle lezioni di musica influenzerà tutto ciò che farà in età avanzata. Il principio alla base del lavoro su "Schulwerk" è sviluppare l'indipendenza degli studenti in ogni fase, spingerli a ricerche creative.
"Schulwerk" di K. Orff è considerato un manuale per bambini in età prescolare. Le sue collezioni, infatti, sono destinate ai bambini da 0 a 00 anni. Orff credeva che la musica elementare fosse possibile e necessaria a qualsiasi età. Pertanto, l'analogia con l'opportunità di forme collettive di fare musica tra i metodi di educazione musicale e la formazione pianistica è valida anche in relazione agli studenti dei circoli pianistici.
L'ensemble, come forma di fare musica creativa, è ancora più vicino ad altre forme collettive attraverso l'uso dell'improvvisazione congiunta, la selezione a orecchio, la composizione. Queste forme predominano. corrispondono alle caratteristiche psicologiche dell'età della scuola primaria. La particolarità dello sviluppo emotivo si esprime particolarmente attivamente nel desiderio di comunicazione nel desiderio di avvicinarsi alla vita spirituale dei coetanei. I bambini hanno un forte aumento della necessità di correlare le loro esperienze con altre persone. Le forme collettive di classi soddisfano le esigenze degli studenti più giovani, il loro bisogno di espressione artistica, introduce un elemento ludico nella lezione, aiuta a creare un'atmosfera di entusiasmo per le lezioni di musica.
Uno studio sulla teoria dell'educazione musicale dell'età della scuola primaria ritiene che la forma più comune di produzione musicale dei bambini sia l'azione di un piccolo gruppo di studenti. Le lezioni di musica con un piccolo gruppo hanno enormi vantaggi se l'insegnante ha a che fare con bambini che hanno idee musicali e uditive non sufficientemente sviluppate sensibilità musicale e ritmica con bambini timidi che possono essere creativi ma hanno paura di agire in grandi gruppi di coetanei o mostrano isolamento e distacco in privato con un insegnante (in lezioni individuali).
Pertanto, la produzione di musica d'insieme, insieme ad altre forme collettive di lezioni di musica, consente di tenere maggiormente conto sia delle caratteristiche di età di un contingente significativo di studenti sia delle proprietà mentali individuali dei singoli bambini. Quindi, lavorando con una studentessa Katya K., abbiamo riscontrato molta attività, isolamento e silenzio di una ragazza che non si è "separata" anche dopo diverse lezioni. Ma quando lo studente è stato incluso in un duetto per pianoforte con un pari di livello più avanzato e di carattere attivo, il quadro è cambiato. Katya cominciò a sentirsi più rilassata.
La creazione di musica d'insieme consente di includere gli scolari in un ambiente musicale attivo fin dai primi passi della formazione. Hanno l'opportunità di eseguire piccoli brani per ensemble di pianoforte davanti ai loro coetanei già nei primi mesi di lezione. Inoltre, non dimentichiamoci di un'interessante forma di lezioni di musica: un gioco a quattro flussi introdotto da D.B. Cabalsky. Il compito di tali classi è quello di attirare gli studenti all'esecuzione, insieme all'insegnante, di opere figurative non complesse e di piccolo volume ma luminose, e anche di presentarli allo strumento universale dal suono più ricco: il pianoforte.
Da ciò possiamo concludere che l'ensemble di pianoforte è una forma collettiva di educazione professionale di un musicista basata su un metodo di insegnamento di gruppo individuale. Il bambino sviluppa un senso di comunità. La riproduzione creativa individuale di ogni singola parte è combinata in un unico insieme. L'opportunità di ascoltarsi costantemente l'un l'altro, fondere il suono della propria parte con un'altra, l'opportunità di unire le forze per raggiungere un obiettivo comune, così come l'atmosfera delle lezioni di gruppo creano opportunità favorevoli per lo sviluppo delle capacità.
§ 0. Il ruolo della musica d'insieme nella formazione delle capacità musicali degli scolari nella fase iniziale dell'educazione
Nel complesso delle capacità specifiche di un allievo-musicista spiccano quelle primarie: orecchio per la musica, sensibilità ritmica, memoria, capacità motorie ("tecniche"), pensiero musicale. Lo sviluppo delle capacità musicali può avvenire in vari tipi di attività musicali: ascoltare musica, studiare discipline musicali e teoriche. Ma i processi di sviluppo di uno studente-musicista sono particolarmente efficaci quando opera con il materiale con le proprie mani. È questa opportunità che gli offre una performance musicale. "Il modo migliore per padroneggiare un fenomeno è ricrearlo e riprodurlo" (S.I. Savshinsky). In accordo con il compito, consideriamo come il gioco d'insieme contribuisce allo sviluppo accelerato delle capacità musicali dello studente.
0. La formazione delle rappresentazioni del tono del suono è la prima fase dell'educazione uditiva di uno studente. Imparare a suonare il pianoforte inizia con il cosiddetto periodo di donazione. Il suo obiettivo è sviluppare l'udito del tono dello studente del tipo principale di orecchio musicale. A tal fine, la maggior parte degli insegnanti inizia il periodo di donazione con la selezione delle melodie. Questo processo dovrebbe passare al materiale delle canzoni per bambini e popolari, che dovranno essere organizzate in ordine crescente di complessità. Sono ricordati dal bambino e sono selezionati a orecchio da chiavi diverse. Le melodie per la selezione sono utilizzate al meglio con un testo poetico, che contribuisce alla comprensione del lavoro eseguito e facilita la sensazione del ritmo della metropolitana e della struttura della melodia. Nel processo di selezione, il bambino è costretto a cercare la giusta intonazione all'inizio della produzione musicale, che lo conduce al più acuto senso dell'altezza nel modo più breve.
Alcune melodie di canzoni vengono eseguite al meglio in un ensemble con un insegnante. Grazie all'accompagnamento ricco di colori melodici e armonici, la performance diventa più colorata e vivace. Come dimostra la pratica, i bambini prendono parte a questa forma di allenamento con piacere e gioia. “Prima di iniziare a imparare qualsiasi strumento. lo studente deve già padroneggiare spiritualmente un qualche tipo di musica: per così dire, tenerla nella mente, indossarla nell'anima e ascoltarla con l'orecchio ”(00 p.00).
0. L'udito armonico spesso è in ritardo rispetto al melodico. L'allievo può confrontarsi liberamente all'unanimità ma allo stesso tempo sperimentare difficoltà di orientamento uditivo nella polifonia del magazzino armonico. Riproduci accordo di polifonia verticale - condizioni particolarmente favorevoli per lo sviluppo dell'orecchio armonico. "Nell'interesse di sviluppare l'orecchio armonico di un musicista", scrive L.A. Barenboim ha bisogno di sviluppare in modo persistente e persistente un senso olistico della verticale musicale fin dall'infanzia.
Il mezzo più efficace per sviluppare l'udito armonico è la selezione dell'accompagnamento armonico a varie melodie, che può avvenire come una speciale tecnica educativa uditiva nella maggior parte delle fasi della formazione di un pianista. Ma di regola, un lungo periodo associato al posizionamento delle mani e all'esecuzione di melodie prevalentemente monofoniche non consente al bambino di eseguire immediatamente brani con accompagnamento armonico. In questo caso è consigliabile eseguire brani in ensemble dove l'accompagnamento armonico sarà eseguito da un insegnante o da un altro allievo. Questo permetterà allo studente di partecipare all'esecuzione della musica polifonica fin dalle prime lezioni. Lo sviluppo dell'orecchio armonico andrà di pari passo con quello melodico. il bambino percepirà completamente verticale.
Di recente sono comparsi molti ensemble che abituano immediatamente l'orecchio di un piccolo studente ad armonie piuttosto complesse.
V. Agafonnikov "È ora di dormire Orso"
Anche con la selezione a orecchio, è improbabile che il bambino sia in grado di apprendere armonie complesse ricche di contenuto armonico. Riuscirà a padroneggiare solo semplici armonie - TSD. L'insegnante dovrebbe sforzarsi di garantire che l'orecchio armonico del bambino non sia allevato sull'accordo primitivo. Soprattutto dovrebbe tenerne conto se si occupa lui stesso della sistemazione dell'opera. Fare musica d'insieme implica sempre una conoscenza dell'armonia. E così, l'esecuzione della seconda parte consente di padroneggiare le abilità dell'analisi armonica: presentazione del piano tonale dell'opera, conoscenza di insolite armonie di accordi, sensazione del tonico, conoscenza delle più semplici rivoluzioni armoniche (TST TSDKT) .
0. L'educazione dell'udito polifonico o, in altre parole, la capacità di percepire e riprodurre in un'azione di esecuzione musicale più linee sonore che sono considerate tra loro nello sviluppo simultaneo è una delle sezioni più importanti e più difficili dell'educazione musicale . L'interpretazione della musica polifonica al pianoforte si riduce in gran parte al problema di mantenere diverse linee sonore che suonano contemporaneamente al centro della coscienza sonora (vale a dire, al problema della distribuibilità).
Nella fase iniziale dell'apprendimento del pianoforte, il bambino non ha abilità sufficienti per eseguire opere polifoniche, non ha la capacità sufficiente per ascoltare diverse linee melodiche ed eseguire un complesso tessuto polifonico. Pertanto, la pedagogia pianistica ha accumulato un numero significativo di metodi metodologici di natura formativa che sono in grado di accelerare questo processo nel corso del lavoro sulla musica polifonica.
La tecnica più efficace che può essere applicata nella pratica d'insieme è l'esecuzione congiunta di un'opera polifonica su uno o due strumenti per voci ma per coppie di voci. Pertanto, l'esecuzione in ensemble sviluppa la capacità di ascoltare la polifonia. L'esecuzione di una linea metodica facilita la riproduzione della polifonia e permette di ascoltare tutti i suoi elementi costitutivi. Suonare in un ensemble aiuta a evidenziare in modo più brillante i singoli elementi delle strutture sonore. L'esecuzione differenziata in un ensemble non consente la selezione di una sola (di regola) voce superiore, non consente ai fili di cui è intessuto il tessuto musicale di “aderire insieme”, “aggrovigliarsi”. Già i primi ensemble per principianti contengono vari tipi di polifonia: canonica, subvocale, contrastante, ecc.
I. Berkovich "Storia"
Canzone rivoluzionaria "Audacemente compagni al passo"
0. Udito timbrico-dinamico.
Il pianoforte è uno strumento dalle più ricche potenzialità timbricodinamiche. Le colossali risorse della dinamica forte e l'ampia gamma del pedale consentono di creare una varietà di pittoreschi effetti calorici: tutto ciò dà motivo di parlare della sonorità caleidoscopica del pianoforte moderno. F. Busoni ha sottolineato che il pianoforte è “un magnifico attore”, gli è stata data la possibilità di imitare la voce di qualsiasi strumento musicale, di imitare qualsiasi sonorità.
L'orecchio musicale nella sua manifestazione in relazione al timbro e alla dinamica è chiamato orecchio timbrico-dinamico. L'udito timbrico-dinamico è importante in tutti i tipi di pratica musicale, ma il suo ruolo nell'esecuzione musicale è particolarmente importante e responsabile. Lui, ricevendo impulsi dall'immaginazione pittorica e dalla fantasia del musicista, cristallizza e migliora attraverso il desiderio di dare vita a determinate idee e idee artistiche e visive. "In onore del pianoforte - uno strumento di armonia di suono pieno e polifonia di un'ampia gamma sonora di colori orchestrali di canto e parola, grafica in bianco e nero di colori pittoreschi e prospettiva aerea - compositori - da Mozart e Beethoven a Prokofiev e Shostakovich !" (00s.00)
La riproduzione d'insieme offre il massimo spazio per lo sviluppo dell'orecchio timbrico-dinamico grazie all'arricchimento della trama, che consente di ascoltare un suono orchestrale immaginario. Insieme all'insegnante, una ricerca creativa di vari colori timbrici, sfumature dinamiche di effetti di tratto, ecc. aiuta lo sviluppo dell'udito timbrico-dinamico dello studente.
A partire dall'istruzione elementare, è necessario sviluppare l'immaginazione del bambino, anche utilizzando esempi di semplici opere musicali, per cercare vari colori nelle più semplici combinazioni sonore. I musicisti principianti possono facilmente imitare i suoni dell'orologio della torre, i richiami del cuculo, gli effetti eco, ecc. Su questi brani lo studente acquisirà le capacità di "orchestrazione" sulla tastiera.
La trama a quattro mani è in grado di riprodurre effetti orchestrali. La presenza di quattro mani consente di trasmettere al pianoforte sia la ricchezza del suono pieno di tutti sia la varietà dei metodi di estrazione del suono dei tratti e alcuni mezzi timbrici dei singoli gruppi orchestrali.
T. Chudov "Flauto rullante e grancassa"
In questo esempio, il bambino non deve solo immaginare il suono di uno strumento dell'orchestra, ma anche raffigurarlo. Il compito è imitare i timbri caratteristici. Questa marcia è, per così dire, eseguita da tre strumenti opposti per altezza e sonorità: un flauto (suono acuto, leggero, penetrante), un rullante (esecuzione ritmata di secondi da parte di uno studente) e una grancassa (suoni di basso rimbombanti ).
Il gioco d'insieme ha un effetto positivo sull'educazione del pensiero figurativo dello studente. I più accessibili alla percezione sono l'introduzione di elementi visivi programmatici nel tessuto musicale: nella parte dell'insegnante si possono sentire il ronzio di uno scarafaggio e i segnali di corno di un trillo di usignolo e altre onomatopee. Anche le associazioni non musicali svolgono un certo ruolo: suonare distanti e vicini, pesanti e leggeri, ecc. Un grande aiuto nella creazione di questa o quell'immagine artistica è fornito da un testo verbale, che ha anche una funzione educativa.
V. Ignatiev "Piccola canzone sulla pioggia"
0. Il ritmo è uno degli elementi centrali della musica. La formazione di un senso del ritmo è un compito importante nella pedagogia musicale. Il ritmo nella musica non è solo una categoria di misurazione del tempo, ma anche emotivamente espressiva, figurativamente poetica, artistica e semantica.
Un certo numero di autorevoli ricercatori indicano tre elementi strutturali principali che formano un senso del ritmo: 0) temi 0) enfasi 0) il rapporto delle durate nel tempo. Tutto ciò si somma ad una capacità musicale-ritmica.
Ecco alcuni modi per formarlo che interagiscono direttamente con l'esecuzione in ensemble:
0) Già i primi passi di un pianista alle prime armi, quando esegue gli ensemble più semplici, sono accompagnati dallo sviluppo di una serie di tecniche e abilità di esecuzione che sono legate al processo di sviluppo del senso del ritmo e fungono da "sostegno" . La più importante di queste abilità è la riproduzione di una sequenza uniforme di durate identiche. "La sensazione ... di uniformità di movimento è acquisita da qualsiasi gioco congiunto ..." - ha scritto N.A. Rimsky-Korsakov nella sua opera "Sull'educazione musicale", riferendosi all'influenza ritmicamente disciplinata e liberamente correttiva della musica d'insieme su ciascuno dei partner.
La selezione abile del materiale è molto importante. All'inizio, la parte dello studente dovrebbe essere estremamente semplice (sia melodicamente che ritmicamente) e collocata in una posizione comoda. Va bene se la parte dell'insegnante rappresenta una pulsazione uniforme, sostituendo lo spartito con lo spartito.
E. Timkin
Suonando insieme all'insegnante, lo studente si trova in un certo quadro metro-ritmico. La necessità di "mantenere" il proprio ritmo rende più organica l'assimilazione delle varie figure ritmiche. Tale ritmo è facilitato anche dall'apprendimento di esempi con il testo.
L. Heresco "Montagna di ghiaccio"
L'abilità di educare e riprodurre la pulsazione misurata, saldamente padroneggiata dallo studente, costruisce una base "materiale" per sviluppare il senso del tempo. Non è un segreto che a volte gli studenti eseguono brani a un ritmo lento, il che può distorcere il corretto senso del tempo. Il gioco d'insieme non solo offre all'insegnante l'opportunità di dettare il tempo corretto in ogni caso, ma forma anche la corretta percezione del tempo nello studente.
0) L'esecuzione di qualsiasi musica è accompagnata da un accento "pesante" durante il gioco. Suonare il pianoforte, intriso di accentuazioni diverse e di rilievo, ha un impatto sul lato accentato del complesso ritmico-musicale, la sensazione di pulsazione metrica, che enfatizza i battiti iniziali della misura nell'esecuzione d'insieme, è particolarmente pronunciata.
Ecco alcuni problemi più complessi del ritmo dell'esecuzione musicale.
Nell'esecuzione in ensemble, i partner devono determinare il tempo prima di iniziare la propria esibizione. In un ensemble, il tempo-ritmo deve essere collettivo. Con tutta la severità, dovrebbe essere naturale e organico. La mancanza di stabilità ritmica è spesso associata alla tendenza dei pianisti alle prime armi ad accelerare. Questo di solito accade con un aumento della forza della sonorità: l'eccitazione emotiva accelera il polso ritmico; oppure - nei passaggi impetuosi, quando a un pianista inesperto comincia a sembrare di scivolare lungo un piano inclinato; così come in luoghi difficili da eseguire. Le difficoltà tecniche provocano il desiderio di "saltare" il percorso pericoloso il prima possibile.
Quando due pianisti affetti da tale carenza si uniscono in un duetto, l'accelerando che ne scaturisce si sviluppa con l'inesorabilità di una reazione a catena e trascina il partner verso un'inevitabile catastrofe. Se questa mancanza è inerente solo a uno dei partecipanti, il secondo risulta essere un fedele assistente.
Pertanto, nelle condizioni delle lezioni congiunte, ci sono alcune opportunità favorevoli per correggere gli errori di prestazione individuali.
0) Libertà del ritmo musicale (rubato agogika). Il gioco del rubato non può essere adottato meccanicamente, si impara nell'esperienza artistica personale. La cosa più importante nell'unione insegnante-studente è l'influenza intuitiva. Molte difficoltà dinamiche e agogiche vengono superate più facilmente dall'esempio di un insegnante che coinvolge direttamente l'accelerazione e la decelerazione del movimento musicale.
0) Pausa. Il sistema di educazione musicale e ritmica dovrebbe "assorbire" quei momenti specifici che sono associati alla funzione espressiva e semantica di una pausa nell'arte della musica. Particolare attenzione deve essere prestata affinché le pause siano percepite dagli studenti come una componente naturale della struttura musicale e non come un arresto meccanico o improvviso.
In un'esibizione d'insieme, non è raro incontrare momenti in cui si contano lunghe pause e i musicisti alle prime armi non sempre hanno le capacità per contarle. Un modo semplice ed efficace per farlo è suonare la musica che sta suonando il tuo partner.
La performance d'insieme ha le sue specifiche per memorizzare un'opera a memoria. Se nel fare musica da solista, quando si impara a memoria, molto spesso predomina l'apprendimento meccanico, derivante dall'abitudine di esercitarsi meccanicamente, penetrando poco nel significato di ciò che si sta memorizzando, orientandosi superficialmente nel suo contenuto, allora suonare in un insieme non permettere questo. La memoria del musicista d'insieme si forma più intensamente.
Una comprensione approfondita di un'opera musicale della sua essenza figurativa e poetica, caratteristiche della sua struttura di modellatura, ecc. - la condizione principale per una memorizzazione artistica completa e di successo della musica. I processi di comprensione agiscono come tecniche di memorizzazione. La performance d'insieme non contribuirà alla memorizzazione meccanica, ma aprirà la strada allo sviluppo della memoria razionale logico analitica (basata sull'analisi reale). Prima di passare alla memorizzazione a memoria dell'ensemble, i partner devono comprendere la forma musicale nel suo insieme, riconoscerla come una sorta di unità strutturale, quindi procedere all'assimilazione differenziata delle sue parti costitutive, lavorare sul fraseggio, sui piani dinamici, ecc. Sapere questo è particolarmente necessario per l'esecutore della seconda parte, poiché di solito è rappresentata da una trama di accordi o espansa (arpeggio) e non avendo un'idea della prima parte, non tutti gli studenti saranno in grado di costruire un'opera strutturalmente per lui stesso.
M. Glinka "Allodola"
L'esecutore della seconda parte deve concentrarsi anche sull'analisi armonica e, sulla base dell'armonia, deve imparare ad ascoltare mentalmente l'intero tessuto musicale del brano. Il metodo di memorizzazione "speculativa", privo di affidamento sul suono reale, si basa esclusivamente su rappresentazioni intrauditive.
0) Suonare in un ensemble consente di ampliare la gamma di conoscenze e concetti musicali e intensificare il processo della loro assimilazione. "Il modo migliore per insegnare la musica", ha scritto N. Sherman, "è il modo in cui lo studente riceve tutta la conoscenza mentre suona ... Quando suoni una canzone e la guardi mentre viene registrata, devi ricordare come ogni suono della canzone viene registrato, imparerai molto velocemente l'alfabeto musicale. In nessun caso non imparare l'alfabeto musicale senza suonare una canzone. Sarà noioso e non interessante".
Questo processo di apprendimento dell'alfabeto musicale può essere descritto ancora di più se l'insegnante utilizza esempi di ensemble per questo. Il bambino sentirà immediatamente la brillantezza e la varietà del suono del pianoforte.
Mostriamo il processo di assimilazione della conoscenza musicale sull'esempio della padronanza dei generi musicali. A causa della diversità del repertorio musicale delle trascrizioni d'insieme, gli studenti acquisiscono conoscenze nel campo dei generi che vanno dai più semplici: danza (valzer polka galoppo) canzoni (romance ninna nanna aria) al contatto con i principali generi musicali come l'opera sinfonica balletto. In futuro, c'è uno sviluppo e una consapevolezza delle caratteristiche di genere della musica: la scrittura di canzoni. danza in marcia (a causa della loro evidenziazione nella parte dell'insegnante). L'identificazione consapevole di queste caratteristiche quando lo studente esegue spettacoli contribuisce anche a una più completa divulgazione dell'immagine artistica.
Quante volte i pianisti vogliono eseguire un brano scritto per l'orchestra. Suonare brani delle sinfonie delle opere di balletto in quattro arrangiamenti manuali per pianoforte può, in una certa misura, placare la sete di esecuzione. Allo stesso tempo, l'esecutore può provare una grande gioia estetica. Ciò contribuirà anche all'espansione degli orizzonti musicali nel campo dell'opera da camera e della letteratura sinfonica, alla conoscenza dei capolavori dei classici musicali. A sua volta, la conoscenza delle principali opere di genere (opera sinfonica) presuppone l'assimilazione della conoscenza nel campo della formazione. Quando si eseguono generi di danza, è necessario focalizzare l'attenzione dello studente sulle caratteristiche ritmiche e sugli schemi inerenti a un particolare genere. Più ampia è la gamma del materiale studiato, più veloce sarà il processo di accumulo di varie conoscenze. E quindi avrà un effetto positivo nella formazione del pensiero musicale.
abilità 0.Game
Considereremo l'influenza della musica d'insieme sullo sviluppo delle capacità musicali di un bambino nella fase iniziale della formazione (ascolto del ritmo della memoria). E ora concentriamoci sull'effetto positivo del suonare insieme nel processo di sviluppo delle capacità di suonare.
È grazie all'interesse mostrato per l'ensemble nella fase iniziale che l'organizzazione dell'apparato di gioco del bambino avviene facilmente e indolore con grande effetto, padroneggia le tecniche di base della produzione del suono e conosce vari tipi di trame.
A prima vista, le capacità motorie quando si suona in un ensemble si sviluppano in modo abbastanza tradizionale: lo stesso graduale abbraccio della scala, l'introduzione di ritmi sempre più nuovi, ecc. Ma solo a prima vista. La pratica ha dimostrato che le capacità motorie si sviluppano durante l'esecuzione in ensemble molto più intensamente e sono fissate più saldamente, poiché ricevono un potente supporto dall'udito dello studente.
Molti educatori si oppongono al gioco a quattro mani per motivi tecnici. Si ritiene che la posizione un po 'angusta degli artisti possa influire negativamente sull'adattamento del giocatore. Ma questi svantaggi sono così insignificanti rispetto ai vantaggi che non vale affatto la pena evitare il gioco a quattro mani.
Tutti conoscono la tendenza dei bambini a imitare. Questa inclinazione può essere di grande beneficio sia per lo studente che per l'insegnante nello stabilire i necessari movimenti di esecuzione confortevoli, nello sviluppare il corretto adattamento allo strumento, nella capacità di raggiungere la melodiosità del suono e molto altro, cioè nella formazione di un intero complesso di conoscenza delle capacità e delle capacità del futuro musicista.
V. Belyaev "Ninna nanna"
Questo esempio è un esempio di come i movimenti morbidi e arrotondati delle mani dell'insegnante e il tocco morbido della punta delle dita siano un testimone diretto per copiare queste tecniche da parte dello studente.
I. Haydn "Insegnante e studente"
Questo ensemble è un appello tra le parti dell'insegnante e dello studente, lo spettacolo è persino chiamato "L'insegnante e lo studente". L'allievo durante le sue pause seguirà i metodi di estrazione del suono ei movimenti delle mani dell'insegnante e lo imiterà immediatamente. Nella musica d'insieme, lo studente arricchisce la sua esperienza pianistica padroneggiando vari tipi di tessiture (questo è particolarmente vero per l'esecuzione della parte di accompagnamento).
La riproduzione d'insieme darà molto spazio per padroneggiare varie tecniche di articolazione con colori sonori. La seconda parte (accompagnamento), dove l'accompagnamento varia, ha un carattere di studio - la stessa formula viene ripetuta a lungo in chiavi diverse, il che contribuisce alla formazione di una forte abilità pianistica.
0. Leggere da un foglio
Una delle forme più efficaci per sviluppare l'intera gamma delle capacità musicali è suonare a vista. Gli insegnanti esperti sanno che l'apparato flessibile dei lettori di buona vista è che la musica d'insieme è una delle forme di sviluppo di questa abilità. Considerando il compito di come riempire di significato il processo di lavoro e sviluppare la concentrazione a lungo termine di un bambino, dovrebbe essere considerata una delle condizioni principali. Consiste nell'insegnare a smontare la musica e insegnare a impararla. È molto importante che la prima conoscenza dell'opera susciti interesse e non lo spenga. Dare significato al processo di apprendimento per ridurre il tempo e aumentare l'interesse è un lato del lavoro. Parallelamente, si dovrebbero sviluppare le capacità di lettura continua di note di attenzione continua. È necessario ottenere una lunga concentrazione dell'attenzione e una fluida continuità del pensiero andando un po 'in anticipo rispetto ai movimenti delle mani, garantendo così l'integrità del gameplay. A tale scopo, già nel periodo iniziale (non appena l'allievo ha padroneggiato le note e le semplici divisioni ritmiche), si consiglia di suonare sistematicamente brani leggeri a quattro mani (con un insegnante o un altro allievo). Passare a pezzi più difficili non dovrebbe essere prima del livello di difficoltà precedente. La complicazione dei compiti dovrebbe essere graduale e quasi impercettibile per lo studente. I partner durante la lettura da un foglio a quattro mani sono scelti, se possibile, da bambini della stessa età e dello stesso livello di formazione. E poiché ognuno di loro non vuole compromettersi di fronte agli altri, allora nasce qualcosa come una tacita competizione, che è uno stimolo per un gioco più approfondito e più attento. È necessario indirizzare gli esecutori a coprire la composizione nel suo insieme, cioè a prestare attenzione all'essenziale. Quando si legge un ensemble da un foglio, non si dovrebbe migliorare, fermarsi in luoghi difficili, poiché ciò porta a una violazione del contatto con i partner. Fermate troppo frequenti rovinano la gioia di suonare a prima vista e quindi è necessario scegliere materiale musicale per questo che sia molto più leggero. È auspicabile che uno dei giocatori non interrompa il gioco quando l'altro si ferma. Questo insegnerà al secondo esecutore a navigare rapidamente e rientrare nel gioco.
Quindi riassumiamo quanto detto:
0. La musica d'insieme contribuisce allo sviluppo intensivo di tutti i tipi di orecchio musicale (altezza armonica polifonica timbrica dinamica).
0. Suonare in un ensemble ti consente di lavorare con successo sullo sviluppo del sentimento ritmico. Aiuta a gettare le basi elementari del ritmo così come a padroneggiare categorie metro-ritmiche più complesse (ogogyga pause, ecc.).
0. La musica d'insieme contribuisce allo sviluppo della memoria razionale logica analitica.
0. Il lavoro sull'ensemble di pianoforte sviluppa intensamente il pensiero figurativo degli studenti e la formazione di concetti musicali generalizzati.
0. Il gioco d'insieme ha un effetto positivo sullo sviluppo delle capacità di gioco.
0. Il gioco d'insieme può essere incluso in varie attività degli studenti della classe di pianoforte (improvvisazione, lettura a prima vista, selezione a orecchio).
0. La musica d'insieme è una forma di cooperazione tra uno studente e un insegnante. Consente di tenere conto dell'età e delle caratteristiche individuali degli studenti. Agisce come un'attività collettiva.
§ 0. Caratteristiche della scelta del repertorio e principi dell'arrangiamento
In molte raccolte, con una quantità significativa di repertorio d'insieme di una varietà di soluzioni materiche, non c'è un focus metodico, lontano da tutte le possibilità del lavoro educativo con gli studenti. I criteri per la selezione del materiale musicale consentono di individuare i seguenti indicatori strettamente correlati: estetico - opere di significato ideologico ed estetico moderno; vari generi e stili che si sono sviluppati nella cultura musicale; opere artisticamente complete e accessibili; psicologico - opere il cui contenuto è consono alla vita e all'esperienza musicale degli scolari sono più complesse rispetto al livello precedente; opere che, in relazione alla vita e all'esperienza musicale degli scolari, sono in successione; opere che vanno oltre l'esperienza musicale della vita degli scolari e determinare la prospettiva del loro sviluppo musicale; musicale e pedagogico - opere corrispondenti al contenuto teatrale del programma; opere su argomenti per bambini; scritti indirizzati ai figli di tutta la terra; opere disponibili per le prestazioni dei bambini (tenendo conto delle caratteristiche della macchina da gioco); opere scritte e arrangiate non solo tenendo conto dei meriti ideologici e artistici delle caratteristiche legate all'età della percezione della musica, ma anche della formazione di rappresentazioni musicali e uditive.
Gli indicatori elencati, quando interconnessi, hanno un contenuto specifico. Estetica - indica il riflesso dei principi della cultura musicale della società; psicologico - caratterizza la correlazione del materiale con i modelli di sviluppo; pedagogico musicale - richiede la corrispondenza del materiale musicale ai compiti dello sviluppo degli scolari.
§ 0. Fondamenti di tecnica d'insieme
Nonostante il corso dell'ensemble pianistico sia da tempo inserito nei curricula obbligatori dell'educazione musicale, purtroppo non esistono ancora sussidi didattici a supporto dell'insegnante praticante.
Le lezioni di ensemble iniziano con un duetto. I partner possono essere un insegnante-studente uno dei membri della famiglia - uno studente due studenti della stessa classe.
a) Nella lezione, l'insegnante di solito gioca con lo studente. Di norma, nei brani per principianti, la prima parte è monofonica e la seconda parte di basso è destinata all'insegnante - contiene un'aggiunta o un accompagnamento armonico.
b) E la cosa più bella è se uno dei membri della famiglia suona regolarmente musica con il bambino. Questo porta grande gioia al bambino. Suona la sua parte con sicurezza ritmicamente chiaramente e si abitua a superare piccoli "manchi". Ed è un bene che anche gli adulti con cui si gioca in casa possano sbagliare: qui bisogna essere estremamente attenti e più informati di loro.
c) Anche questo fattore psicologico gioca un ruolo importante nel gioco congiunto di due studenti. In questo caso vengono scelti come partner, se possibile, bambini della stessa età e dello stesso livello di formazione. Poiché ognuno di loro non vuole compromettersi di fronte agli altri, nasce qualcosa come una tacita competizione, che è un incentivo per un gioco più attento.
È necessario dire sulle specifiche dell'analisi del lavoro d'insieme. Per prima cosa devi scegliere un ritmo lento, puoi usare questa opzione: ognuno dei partner suona con una sola mano o entrambe le voci soliste o voci estreme o tempo in voci diverse o una melodia suona separatamente, ecc.
Un'abile guida pedagogica e una metodologia razionale per lavorare su un ensemble presuppongono una chiara conoscenza delle specificità del gioco d'insieme.
I primi passi della "tecnica d'insieme" dell'istruzione elementare includono: caratteristiche dell'atterraggio della pedalata, modi per raggiungere la sincronia quando si prende e si rimuove il suono; bilanciamento del suono nei raddoppi e accordi divisi tra i partner, coordinamento delle tecniche di estrazione del suono; trasferimento vocale da partner a partner; proporzionalità nella combinazione di più voci.
Con la complicazione dei compiti artistici, si espandono anche i compiti tecnici dell'esecuzione congiunta: superare le difficoltà del poliritmo, utilizzare le speciali possibilità timbriche di un duetto per pianoforte, pedalare, ecc.
Quando si suona a quattro mani con uno strumento, la differenza rispetto all'esibizione da solista inizia con l'atterraggio stesso, poiché ognuno ha a disposizione solo metà della tastiera. I partner dovrebbero "dividerlo" in modo da non interferire tra loro.
L'esecutore della seconda parte pedala, in quanto funge da base. Ha bisogno di ascoltare attentamente il suo amico. Può essere utile che uno studente che suona la parte di Secondo non suoni altro che pedalare mentre un altro pianista suona la parte di Primo.
Spesso la continuità di un'esecuzione a quattro mani è interrotta a causa della mancanza da parte dei pianisti delle più semplici capacità di voltare pagina e contare lunghe pause. Gli studenti devono determinare quale dei partner, a seconda dell'impiego delle loro mani, è più conveniente voltare pagina. Questo deve essere appreso senza trascurare una formazione specifica.
Grande allenamento e comprensione reciproca richiedono la sincronicità dell'inizio del gioco. È necessario spiegare agli studenti l'uso dell'oscillazione dell'auftact da parte del direttore in questo caso. Con questo gesto è utile consigliare agli esecutori di riprendere fiato allo stesso tempo. Altrettanto importante è il finale sincrono "rimozione del suono". Per raggiungere un equilibrio nel suono dei singoli suoni, è necessario che i membri dell'ensemble si accordino sui metodi per estrarre il suono.
Altri esempi della tecnica elementare dell'ensemble sono il trasferimento di passaggi di melodie di accompagnamento contrappuntistico "di mano in mano" tra i partner, ecc. I pianisti devono imparare a “raccogliere” una frase incompiuta e passarla al proprio partner senza strappare il tessuto musicale.
Lo svantaggio più comune delle prestazioni degli studenti è la monotonia dinamica. La gamma dinamica di un'esecuzione a quattro mani dovrebbe essere più ampia di quella di un assolo, poiché avere due pianisti consente un uso più completo della tastiera. Dopo aver raccontato il piano dinamico generale dell'opera, è necessario determinarne il culmine e consigliare a Fortissimo di suonare "con un margine" e non al limite. Va ricordato che prima della sfumatura c'è ancora molta gradazione.
Quindi, prima di iniziare un'esecuzione congiunta, i partner si accordano su chi mostrerà l'introduzione, quale dovrebbe essere la natura del suono e con quale tecnica e con quale forza verrà avviato il brano. Inoltre, il ritmo deve essere determinato in anticipo. I partner dovrebbero sentirlo allo stesso modo prima ancora di iniziare a giocare.
Un posto speciale nell'esecuzione congiunta è occupato da questioni legate al ritmo. Questo problema è stato considerato in dettaglio nel capitolo 0. Soffermiamoci solo sulla complessità del modello ritmico, a cui gli insegnanti dovrebbero prestare particolare attenzione quando lavorano con musicisti d'insieme.
La distorsione del modello ritmico si trova più spesso nel ritmo puntato quando i sedicesimi sono sostituiti da trenta secondi e combinati con terzine in condizioni di poliritmia quando il ritmo cambia in cinque - sette tempi, ecc. Il compito specifico delle lezioni d'insieme è l'educazione di un ritmo collettivo. Può essere risolto solo attraverso lo studio persistente di diverse opere e lo sviluppo sistematico del contatto a tutto tondo dei partner nel processo di esecuzione.
Nell'esecuzione in ensemble, la scelta appropriata della diteggiatura diventa particolarmente importante per aiutare a superare le difficoltà pianistiche. Le costruzioni sequenziali, che nella maggior parte dei casi nelle parti soliste vengono eseguite con la stessa diteggiatura negli ensemble, non sono sempre possibili. I casi di dita incrociate 0 dopo 0 0 dopo 0 nell'esercitazione d'insieme sono più comuni che nell'esibizione da solista.
La divulgazione ideologica dell'immagine artistica, la ricchezza emotiva, la fantasia poetica, la capacità di sperimentare l'esecuzione della musica, la penetrazione flessibile nel contenuto dell'opera, richiede l'unità del pensiero creativo di tutti gli esecutori nell'ensemble pianistico. Comprensione e accordo reciproci sono alla base della creazione di un unico piano interpretativo. Quando si incarna un'interpretazione creata collettivamente, si deve parlare di "empatia creativa degli artisti". La capacità di "comunicare" con un partner è un elemento essenziale dell'ensemble. Nel dialogo musicale, la "pronuncia" delle repliche da parte dei partner è interconnessa. Consapevolezza di una frase musicale che risuona da un altro esecutore e intonazione della propria risposta ad essa come accordo, dubbio, negazione, ecc. - e c'è un processo di comunicazione. La comunicazione musicale attiva la volontà creativa dell'esecutore e amplia i confini della sua immaginazione.
§ 0. Lavoro sperimentale e analisi dei suoi risultati
Il lavoro sperimentale è stato svolto nell'arco di sei semestri (0000-0000 0000-0000 0000-0000 ac. p.) sulla base del laboratorio musicale dell'USPI della facoltà di musica e pedagogia e della scuola corale di bambini n. 0 a Ekaterinburg.
L'obiettivo principale dei dirigenti delle lezioni di pianoforte in tali istituzioni educative e musicali per bambini è approfondire la percezione musicale e l'interesse per la musica, espandere gli orizzonti degli studenti, instillare le capacità di suonare uno strumento musicale con le note e ad orecchio.
La particolarità di lavorare in un laboratorio musicale è che cerchiamo di trovare un approccio più creativo. A differenza delle scuole di musica, i bambini con un'ampia varietà di abilità musicali possono studiare con noi. Inoltre, tutti i bambini che hanno espresso un desiderio possono studiare con noi senza selezione preliminare competitiva senza limiti di età. In sostanza, il contingente di studenti è composto principalmente da bambini con inclinazioni musicali mediocri, quindi i metodi di insegnamento qui giocano un ruolo speciale.
La metodologia del lavoro sperimentale includeva: 0) osservazione mirata e conversazioni con gli studenti durante le lezioni; 0) selezione del repertorio e conduzione di lezioni sistematiche individuali con gli studenti secondo le regole metodologiche sviluppate; 0) osservare le lezioni di altri insegnanti che lavorano con un simile contingente di studenti.
Lavorando con i bambini nel laboratorio musicale, non ci poniamo fine a se stesso: insegnare un mestiere professionale che a volte allontana un bambino dal vero contatto con la musica, purtroppo a volte per sempre. Il nostro compito: prima di tutto insegnare a capire la musica, sviluppare i dati creativi di un bambino, padroneggiare l'alfabetizzazione musicale, con l'aiuto della quale sarà in grado di familiarizzare autonomamente non solo con canzoni popolari, ma anche con capolavori di musica classica musica.
Un posto speciale nelle nostre classi con bambini è dato allo sviluppo di forme di lavoro: selezione di melodie popolari e popolari con semplice armonizzazione e varianti di accompagnamento; formazione di abilità nella lettura della notazione musicale; suonare in un insieme; sviluppo di semplici capacità di accompagnamento; improvvisazione elementare con registrazione di melodie; . Le lezioni includevano anche: ascoltare la musica delle opere eseguite dall'insegnante (in combinazione con una conversazione e la ripetizione di singoli episodi) abbozzare attraverso il materiale (familiarizzare con facili trascrizioni di brani di musica classica e leggera prepara gli studenti alla percezione di serie opere musicali).
È molto importante in qualsiasi lavoro con i bambini tenere conto delle loro caratteristiche di età. Se il contenuto delle opere studiate corrisponde agli interessi dello studente, il processo di apprendimento procederà più attivamente. Abbiamo avuto alcune difficoltà con la selezione del repertorio nel nostro lavoro. Fondamentalmente, tutte le collezioni di pianoforti per principianti sono pensate per bambini 0-0 anni, e i bambini coinvolti nel nostro laboratorio musicale hanno già lasciato questa età. Abbiamo affrontato con molta attenzione la questione della selezione del repertorio e abbiamo utilizzato anche i nostri arrangiamenti.
Il livello di sviluppo musicale degli studenti è stato valutato sulla base dei risultati del controllo delle esibizioni collettive e aperte dei bambini. È stato tenuto un diario pedagogico in cui sono state registrate sezioni periodiche della conoscenza dei bambini, un'analisi comparativa delle caratteristiche compilata per i bambini alla fine di ogni trimestre; sono stati registrati il materiale trattato, la natura e il contenuto dei compiti pedagogici nella lezione, il risultato della loro attuazione da parte dei bambini e i commenti dell'insegnante.
Un'analisi dei dati del lavoro sperimentale, i materiali del diario pedagogico, la valutazione da parte della commissione della qualità dell'esecuzione dei bambini in un concerto aperto, ci ha permesso di trarre le seguenti conclusioni: i bambini hanno sviluppato e padroneggiato con successo il quantità necessaria di abilità pianistiche. Entro la fine dell'anno, sono stati trasmessi i seguenti programmi: canzone in francese antico Rebikov V. "Peasant" Watt "Three Little Pigs" - ans. (Marina P.); Krieger I. Menurt Danza antica Cotrdance Gretri A. Song - ans. (Irina P.) valutato dalla commissione per una valutazione positiva. Gli orizzonti musicali degli studenti si sono notevolmente ampliati nei questionari, tra i preferiti c'erano le opere di Bach Beethoven Schumann Chopin e altri » Canzoni popolari russe "Kalinka" "Yabloko" "Lady" Lebedev "Song of the midshipmen" e altra musica popolare.
Alla lezione di controllo sul controllo delle capacità di lettura da un foglio, i bambini hanno affrontato abbastanza bene i compiti. Dopo una piccola preparazione, in un ensemble con un insegnante, i bambini si sono esibiti: N. Sokolov "Autumn" (Marina P.) N. Sokolov "New Day" (Irina P.).
Interesse notevolmente aumentato per le lezioni di musica, nessuno degli studenti ha lasciato il laboratorio musicale, nonostante il possesso di deboli capacità musicali.
Alle lezioni finali i bambini si sono sentiti a proprio agio, rilassati in classe, regnava un'atmosfera creativa, i bambini erano molto interessati al lavoro dei loro coetanei.
Come risultato di questo lavoro sperimentale, abbiamo sviluppato raccomandazioni metodologiche speciali che saranno necessarie a tutti coloro che entrano in contatto con l'apprendimento iniziale del pianoforte (direttori di studi di circoli pianistici presso scuole secondarie di scuole d'arte e altre istituzioni educative musicali ).
Nel lavoro sperimentale in corso, un posto speciale è stato dato alla musica d'insieme. Tutte le forme e i metodi di cui sopra sono stati utilizzati nel lavoro congiunto di due studenti. Riassumendo i risultati del lavoro, possiamo concludere che questa forma di lavoro nel sistema dell'educazione musicale di massa è molto promettente per l'ulteriore sviluppo degli studenti.
La tecnica stessa della creazione di musica d'insieme è stata trattata da noi sopra. Abbiamo ritenuto necessario sviluppare un sistema di tipi di ensemble di pianoforte per principianti, che rifletta i compiti e le fasi importanti della formazione iniziale del pianoforte.
§ 0. Classificazione pedagogica della letteratura d'insieme per principianti
Ensemble della fase preparatoria delle lezioni di musica.
I brani d'insieme che vengono suonati prima di familiarizzare con la notazione musicale e appresi a orecchio dallo spettacolo dell'insegnante includono brevi "parole" musicali che mirano alla specificità e all'espressività. Possono anche essere estratti dai segnali di chiamata delle stazioni radiofoniche e televisive, un terzo discendente associato al cucù del cuculo, segnali di tromba, grida messe in musica, intonazioni del richiamo di una domanda, un'esclamazione di lamento, ecc. pronuncia e suonare sullo strumento delle rime di conteggio dei bambini, battute in giro.
O. Feltsman "Buongiorno"
Già in questo semplice esempio verrà stabilita la coordinazione elementare di entrambe le mani.
Sat. è particolarmente ricco di esempi di questo tipo. "pianista moderno". Sarà facile per un insegnante che lo usa nel suo lavoro instillare un interesse per il gioco fin dall'inizio. Qui l'insegnante farà conoscere allo studente l'abilità di estrarre uno, due, tre suoni e, infine, l'esecuzione delle melodie più semplici (accompagnate dalla parte dell'insegnante). Questo tipo di esercizio introduce gli studenti alla tastiera.
casa del gatto
Gli ensemble per le primissime lezioni sono i seguenti: l'insegnante esegue un canto familiare o un semplice canto e lo studente suona "l'accompagnamento" su uno o più tasti del registro superiore o inferiore del pianoforte. Se la parte dell'insegnante è sufficientemente trasparente e semplice, e la parte dello studente, sebbene elementare, ma compresa, questo tipo di gioco congiunto pone le basi per lo sviluppo dell'attenzione uditiva e della disciplina ritmica. Inoltre, è possibile utilizzare la parte dello studente per formare le prime capacità di produzione del suono.
D. Shostakovich "Marcia"
Questo ensemble viene eseguito dagli studenti in una fase successiva della formazione. Il suo arrangiamento è molto interessante. Eseguendo questo ensemble, lo studente padroneggerà involontariamente sia la sua forma che il suo genere. Ed è fatto come segue: lo studente esegue le parti estreme e l'insegnante esegue la parte centrale.
Nel periodo iniziale di lavoro con i bambini, è necessario utilizzare una varietà di melodie luminose e ritmi di spettacoli di musica popolare che possano risvegliare l'immaginazione del bambino, insegnare loro a comprendere e sperimentare musica di diversa natura.
Ensemble per due studenti
Se possibile, i bambini della stessa età e dello stesso livello di formazione vengono selezionati come partner dell'ensemble pianistico. C'è qualcosa come una competizione non detta, che è un incentivo per un gioco più approfondito e attento. In questo caso, c'è un problema con il repertorio. Sfortunatamente, per l'allenamento iniziale, c'è pochissima letteratura per rendere facile il secondo gioco.
V. Agafonnikov "Ninna nanna"
La seconda parte è semplice e quindi potrebbe essere eseguita da un altro studente (vengono prese in considerazione le capacità fisiche della mano del bambino).
Ecco un altro esempio simile:
Canzone popolare bielorussa "Una zanzara si è seduta su una quercia"
Anche con grande interesse, i bambini sono coinvolti nel lavoro quando tre studenti prendono parte all'ensemble.
V. Agafonnikov "Il sole"
Il sabato. Agafonnikov "Musical Games" ha raccolto brani d'insieme per gli artisti più giovani. Sono divertenti ed educativi.
Il problema del repertorio può essere superato utilizzando arrangiamenti indipendenti di opere classiche, semplificando il meno possibile le parti degli studenti, ma allo stesso tempo mantenendo il suono complessivo.
A. Canzone di Gretry
Ensemble per la lettura a prima vista
La raccolta di Sokolov "A Child at the Piano" è piena di tipi simili di ensemble. Ogni gioco in questa raccolta è dato con le parole. Questo è un momento molto importante per interessare il bambino al lavoro imminente. Nel periodo iniziale, per la lettura a prima vista a quattro mani, si consiglia di utilizzare manuali come "Primi passi" di Maykapar, nonché brani di molte raccolte per l'istruzione elementare in cui il materiale d'insieme è ampiamente rappresentato.
L'estrema semplicità del pezzo assicura la comodità e la naturalezza del tocco dello studente allo strumento. La distribuzione della melodia tra le due mani di cui ogni Ber un solo suono allevia la tensione aiuta a utilizzare tutte le mani per ottenere fermezza e profondità del suono.
Gli ensemble di lettura a prima vista dovrebbero essere semplici variazioni.
Complessi che tengono conto delle capacità fisiche della mano del bambino
Nell'arrangiare brani per pianoforte di un ensemble è necessario tenere conto dei seguenti valori: 0) il valore del braccio teso, la possibilità di eseguire accordi di ottava; 0) la quantità di abilità pianistiche padroneggiate: tipi di tecnica fine, arpeggi brevi e lunghi; 0) coordinazione manuale; 0) la forza del suono (l'equilibrio tra le parti dell'insegnante e dello studente).
P. Tchaikovsky Frammento dal primo concerto 0 ore
L'uso di abili arrangiamenti ti permetterà di entrare in contatto con tali capolavori già all'inizio dell'apprendimento del pianoforte. Anche la seconda parte di questo ensemble viene presentata tenendo conto delle capacità fisiche della mano di un bambino, che consentirà a due studenti di eseguire questa musica.
Ensemble di arrangiamenti di opere di musica classica
I classici sono stati e continuano ad essere uno degli aspetti più importanti del repertorio musicale e pedagogico.
F. Chopin Studio n. 0 (estratto)
Come si può vedere dall'esempio, la festa dello studente è estremamente semplice e accessibile alla percezione dei bambini. È presentato in modo molto conveniente utilizzando la partecipazione alternata delle mani al gioco.
Per introdurre i bambini all'eredità classica, consigliamo Sat. "Ciao Baby!" Contiene arrangiamenti leggeri di musica non per pianoforte che aiuteranno soprattutto i giovani insegnanti nel loro lavoro sull'educazione estetica dei bambini. Si consiglia, contestualmente al passaggio di brani delle opere originali per pianoforte, di farli ascoltare integralmente al bambino su dischi (ciò vale anche per brani di opere cameristiche e sinfoniche).
Nei tuoi arrangiamenti di opere classiche, devi tenere conto dell'esperienza uditiva dei bambini e del loro desiderio di dedicarsi alla musica di alto rango. Questi possono essere la sonata al chiaro di luna di Beethoven, la polacca di Chopin, il cigno di Saint-Saens, ecc.
Un altro esempio per conoscere il patrimonio classico.
Coro M. Glinka "Gloria!"
Ensemble per la selezione a orecchio
La selezione a orecchio dovrebbe avvenire sul materiale di canzoni per bambini e popolari, che dovrebbero essere organizzate in ordine crescente di complessità. Sono ricordati dal bambino e sono selezionati a orecchio da chiavi diverse. Le melodie per la selezione sono utilizzate al meglio con un testo poetico, che contribuisce alla comprensione del lavoro eseguito e facilita la sensazione del ritmo della metropolitana e della struttura della melodia. È necessario in un primo momento limitare la gamma di tonalità, tenendo conto delle difficoltà metro-ritmiche e delle caratteristiche individuali degli studenti.
D. Watt "I tre porcellini"
Questa canzone è ben nota a tutti i bambini, selezionarla su uno strumento non sarà molto difficile. L'accompagnamento è strutturalmente semplice. Può essere eseguito secondo lo schema armonico fornito dall'insegnante.
Sulla base della nostra esperienza, consigliamo di utilizzare raccolte di solfeggi (Terentyeva Basvoy-Zibryak Davydova Kotlyarevskaya-Kraft) in cui sono raccolte numerose melodie a voce singola, tenendo conto del patrimonio classico e folcloristico. Sono queste melodie che possono essere utilizzate per la selezione a orecchio.
Ensemble di accompagnamento
Sfortunatamente per l'istruzione elementare c'è pochissima letteratura in cui la parte inferiore sarebbe così facile da poter essere eseguita da uno studente. Pertanto, è necessario sfruttare ogni opportunità per cambiare ruolo. Suonando la seconda parte, il bambino impara l'accompagnamento e gli esercizi in un suono ovattato e un'esecuzione di bassi morbidi. Anche la lettura della chiave di basso presenta inizialmente notevoli difficoltà.
Ecco alcuni tipi di accompagnamento per principianti:
K. Longchamp - Drushkevich Polka
In questo esempio, è necessario indirizzare lo studente in modo che, mentre suona l'accompagnamento, guardi nella parte musicale del suo partner. Sarà difficile leggere subito la tua parte e quella del tuo partner, ma devi seguire almeno la direzione della melodia e lo schema ritmico dell'altra parte.
Ensemble per migliorare le capacità di gioco
I primi passi nell'organizzazione di una macchina da gioco possono essere risolti in un gioco d'insieme. Questi includono gli stessi ensemble che abbiamo raccomandato nel periodo del donot. Il passo successivo possono essere brani eseguiti a orecchio o dallo spettacolo di un insegnante.
A. Artobolevskaya "Valzer dei cani"
Questo esempio è un esempio di semplicità e praticità per impostare le mani fin dall'inizio, insegna al bambino l'accuratezza ritmica, il bambino ha l'opportunità di usare liberamente entrambe le mani, si sviluppa l'immersione libera del peso della mano nella chiave, affidandosi sul terzo dito. Questo gioco è accessibile alla percezione dei bambini, i bambini sono interessati ad esso dal primo minuto.
Il suonare d'insieme contribuisce anche all'assimilazione di abilità pianistiche più complesse.
V. Rebikov "Una barca galleggia sul mare (II parte)"
Di norma, la II parte (di accompagnamento) è una formula planistica che ha carattere etudale e si ripete a lungo in diverse tonalità. Ciò contribuisce alla formazione di una forte abilità planistica.
"Canzone - uno scherzo" arr. I. Hanusa
In questo esempio, l'insegnante e lo studente utilizzano la stessa tecnica planistica. Questo aiuterà il bambino a padroneggiarlo rapidamente copiando l'insegnante. Le peculiarità dell'infanzia includono il fatto che il bambino non è in grado di comprendere analiticamente ogni movimento di gioco, li percepisce sinteticamente. Con grande successo riesce a imitare il maestro. C'è una naturale adozione dell'esperienza pianistica.
"Canzone - danza" di P. Eden
Questo esempio di ensemble è un appello dello stesso suono a sua volta in parti diverse. Lo studente affronterà con successo il suo compito imitando l'insegnante.
Ensemble per conoscere il linguaggio musicale moderno
L'ensemble pianistico offre l'opportunità di conoscere la musica moderna e di studiare più a fondo il linguaggio musicale moderno attraverso l'esecuzione diretta. Il principio dell'esecuzione moderna del linguaggio musicale moderno deve essere preso in considerazione negli arrangiamenti indipendenti di melodie popolari e classiche. L'insegnante dovrebbe sforzarsi di garantire che l'orecchio armonico del bambino non sia allevato sull'accordo primitivo.
N. Sokolov "Fa freddo nella foresta"
Le seguenti raccolte sono sature di materiale di questo tipo di ensemble: N. Sokolova "A Child at the Piano" V. Agafonnikov "Musical Games" "Modern Pianist". Si consiglia di utilizzarli con i principianti.
Ensemble per l'improvvisazione
I membri dell'ensemble devono possedere anche capacità di improvvisazione. Poiché ogni membro dell'ensemble non deve solo concentrarsi sull'insieme di cui fa parte, ma anche essere costantemente all'erta in caso di un possibile errore, la cui abile correzione richiede che sia in grado di rispondere rapidamente e improvvisare.
Ecco alcune tecniche metodologiche che aiuteranno la formazione delle capacità di improvvisazione tra i musicisti d'insieme.
I punti di partenza sono necessari per questa attività. Possono essere: a) una melodia familiare
b) successione armonica
a) data una melodia
Una canzone familiare viene eseguita a orecchio in qualsiasi tonalità. La melodia è suonata dallo studente e l'insegnante accompagna. Quindi si scambiano i ruoli e lo studente improvvisa la seconda voce o l'accompagnamento di accordi.
b) Data una successione armonica
Una semplice cadenza TSDT può essere utilizzata come orientamento armonico per l'improvvisazione congiunta. Gli accordi sono difesi in una certa sequenza e vengono suonati dall'esecutore della seconda parte in qualsiasi esecuzione al pianoforte. Il primo esecutore deve poi improvvisare la melodia. All'inizio, la melodia dovrebbe essere composta solo dai suoni dell'armonia.
Man mano che l'esperienza si accumula, la melodia improvvisata diventa più libera. Toni aggiuntivi (0 0 0, ecc.) Possono anche essere introdotti nell'accompagnamento di accordi stesso, a causa dei quali la loro severità armonica è in qualche modo ammorbidita e violata.
c) Il ritmo è dato
Sulla base del ritmo stabilito, puoi improvvisare molto facilmente. Il ritmo è inventato dallo studente ed eseguito nella seconda parte sotto forma di basso ostinato. Qui puoi usare la riproduzione di note doppie scegliendo note doppie scegliendo qualsiasi intervallo. Il ritmo si ripete costantemente mentre gli intervalli possono essere spostati o modificati.
A questo, l'insegnante improvvisa una melodia con il pattern ritmico opposto (complementare).
E un'altra piccola raccomandazione metodica. Per gli studenti che hanno già le capacità di suonare d'insieme, la più appropriata è la disposizione delle parti una sotto l'altra nella partitura, che consente ai membri dell'ensemble di vedere l'intera trama dell'opera. Ma come dimostra l'esperienza nella fase iniziale delle lezioni d'insieme, quando i primissimi lavori d'insieme pongono agli studenti una serie di nuovi compiti specifici, la presentazione della partitura del materiale può distrarre l'attenzione dello studente dal controllo uditivo e visivo sulla sua parte.
CONCLUSIONE
Pertanto, la ricerca condotta ci ha permesso di trarre le seguenti conclusioni:
0. Il problema della formazione e dello sviluppo nella pedagogia del pianoforte continua a rimanere rilevante e richiede un'implementazione specifica nella metodologia della lezione di pianoforte nella politica del repertorio nella ricerca di nuovi metodi di lavoro con gli studenti. È particolarmente importante stabilire un rapporto di collaborazione tra l'insegnante e lo studente.
0. La musica d'insieme svolge un ruolo importante nell'attuazione dei principi dell'educazione allo sviluppo. Ti consente di sviluppare l'intera gamma di abilità dello studente (ritmo, udito, memoria, abilità di gioco).
0. La musica d'insieme soddisfa pienamente le specificità della fase iniziale dell'istruzione degli studenti. È particolarmente conveniente nelle condizioni dell'educazione musicale di massa (studi di circoli di scuole di arti di laboratori musicali). La musica d'insieme consente di superare una serie di difficoltà legate all'età e psicologiche per inserire gli studenti nell'ambiente musicale fin dai primi passi.
0. L'uso diffuso dell'ensemble pianistico contribuisce al principio della pedagogia collaborativa. Ha lo scopo di rivelare il potenziale creativo di ogni bambino, lo sviluppo delle capacità di autoespressione, lo sviluppo del patrimonio culturale.
0. La musica d'insieme come forma di lavoro educativo richiede un'abile guida pedagogica e una metodologia razionalmente ponderata. Pertanto, la fase iniziale della formazione pianistica, per il suo compito e la sua specificità, richiede una politica flessibile del repertorio basata sulla classificazione pedagogica della letteratura d'insieme.
Ci auguriamo che il nostro lavoro continui in un'attività professionale indipendente.
Agafonnikov V. È ora di dormire Bear Sun. Ninna nanna dal ciclo "giochi musicali".
Aleksandrov A. Viola.
Arensky A. Sei commedie, op. 00.
Balakirev M. 00 Canzoni popolari russe.
Beethoven L. Danza country.
Beethoven L. Estratto dalla Sinfonia n. 0.
Borodin A. Cui Ts. Lyadov A. Rimsky-Korsakov N. Parafrasi. 00 variazioni e 00 pezzi su un tema conosciuto immutabile.
Brahms I. Ninna nanna.
Brahms I. Canzone popolare.
Bruckner A. Tre piccole commedie.
Weiner A. Tre piccoli giochi.
Vankhal Ya Sonata leggerissima in Do dur op. 00; sonata in fa maggiore op. 00.
Vekerlen J.B. Vieni presto primavera.
Vitlin V. Babbo Natale.
Lupo E.V. Sonata in do maggiore.
Andrò al fiume. Canzone popolare russa.
Haydn J. Insegnante e studente.
Glinka M. Allodola.
La marcia di Glinka M. Chernomor dall'opera "Ruslan e Lyudmila".
Glinka M. Coro "Gloria"! dall'opera "Ivan Susanin" (estratto).
Glière R. 00 suona op. 00; 00 pezzi op.00.
Grechaninov A. Mattina di primavera.
Grechaninov A. Su un prato verde 00 pezzi leggeri op. 00.
Gurnik I. Valzer.
Daniel Lesyure Bouquet di Beatrice №0 0.
Dvorak A. Danza slava gmoll.
Delvencourt K. Immagini di fiabe tempi passati.
Diabelli A. Sei sonatine op. 000 00 esercizi melodici op. 000 valzer op. 000.
Dubuk A. Il giardino fiorito musicale per bambini 00 suona.
Dutis O. Cinque pezzi per tastiera.
Ignatiev V. Nuka cavalli.
Kozhelukh L. Sonata in do op. 00 #0.
Kokhan G. 00 piccoli giochi.
Krzyska J. 0 ninne nanne.
Cui I. 00 pezzi per tastiera op. 00.
Lazukhin N. Repertorio per bambini 0 opere teatrali.
Levina Z. Passero.
Lee E. Alice nel Paese delle Meraviglie 00 duetti.
Longshan Drushkevichova. Polka.
Il mio cavallo. Canzone popolare ceca.
MozartW.A. Canzone di primavera.
Mussorgsky M. Gopak dall'opera "Sorochinsky Fair".
Nekaza J. Al pianoforte in 0 mani 0 pezzi.
Nife K.G. Un breve pezzo basato su temi dell'opera di Mozart Il flauto magico.
Auric J. 0 bagatelle.
Canzone-scherzo arr. Sono Hanusha.
Prokof'ev S. Chiacchierone.
Prokofiev S. Waltz dall'opera "Guerra e pace".
Prokof'ev S.Cat. Peter. Dalla fiaba sinfonica "Pietro e il lupo".
Pavane di Ravel M. La Bella Addormentata dai Racconti di Mamma Oca.
Rebikov V. Una barca galleggia sul mare.
Rebikov V. Piccola Suite op. 00 №0 danza dei nontiscordardime №0 Danza orientale.
Reinecke K. 00 piccole fantasie sui temi delle canzoni tedesche, op. 000 00 pezzi op. 000.
Rowley A. 0 pezzi in cinque chiavi Fianco a fianco 0a serie 0 danza.
Scott S. Nursery fa rima 0 pezzi.
Sokolov N. BabaYaga. Pupazzo di neve. Disegnerò la casa di un gatto. Molto noioso. La mamma ha acceso la stufa. Pioggia estiva.
Stravinsky I. Cinque pezzi facili a quattro mani №0 Andante; N. 0 Galoppo.
Stravinskij I. Tilibom. Canzone per bambini
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“Un vero insieme è vicinanza in tutto: vicinanza di individui, atteggiamenti etici, livelli intellettuali. Questa è unità spirituale, parentela emotiva, vicinanza di metodi, forme, indicazioni nel lavoro congiunto. N.Luzum
Il XXI secolo è il secolo delle Personalità, delle Individualità, perché siamo già passati attraverso folle senza volto, o popoli “silenti”. L'arte e il suo apice - musica geniale - la più grande panacea contro la schiavitù spirituale. “Solo comprendendo profondamente l'arte, inizi a comprendere: qual è il valore di una persona, quanto è grande il significato della vita umana, quale destino è degno dell'umanità, che ha dato origine non solo a guerre, totalitarismo, livellamento dell'individuo , distruzione, ma anche grande Creatività. Creazione, dando all'Uomo il diritto di chiamarsi Homo sapiens e di viaggiare per l'Universo a testa alta" (Michail Kazinik). E il nostro compito di insegnanti, lavorando con i bambini, è cercare di fare tutto il possibile affinché ogni bambino umano possa coltivare in se stesso il bisogno interiore di comunicare con l'arte, così che senta l'impossibilità di una vita piena senza di essa.
L'introduzione dei bambini all'arte della musica avviene in modo più naturale nelle forme attive di produzione musicale congiunta, in particolare nel suonare il pianoforte d'insieme, che costituisce il fondamento dell'educazione musicale dei bambini in età prescolare, primaria e secondaria. Questo approccio si è diffuso in tutto il mondo.
Sappiamo che l'educazione e l'educazione musicale di massa in Russia si svolgono principalmente attraverso il lavoro educativo nel sistema di istituzioni musicali speciali: scuole d'arte per bambini (DSHI), scuole di musica per bambini (DMSH), licei musicali, ecc. Ma la pratica dell'ensemble è particolarmente importante per i bambini con dati medi e in qualche modo limitati, che non superano la competizione in istituti educativi specializzati e non possono dedicare molto tempo al lavoro al pianoforte. Mentre nella nostra palestra esiste un dipartimento di educazione aggiuntiva per bambini, che comprende una direzione artistica ed estetica, dove gli insegnanti di educazione aggiuntiva insegnano ai bambini a suonare il pianoforte nell'ambito del programma Ensemble Music Making. Pertanto, abbiamo affrontato una serie di domande: come combinare "Solfeggio", "Alfabetizzazione musicale", "Letteratura musicale", "Esecuzione per pianoforte solo", "Pianoforte o ensemble misto" e "Accompagnamento" in un unico spazio educativo, e come insegnare ai bambini in gruppo senza formazione individuale in gruppi da 10 a 15 persone?
A differenza delle istituzioni musicali specializzate, abbiamo bambini con una varietà di abilità musicali che hanno espresso il desiderio di studiare musica. I nostri studenti non sono competitivi. I gruppi sono composti da bambini di tutte le età. Un ruolo importante nella decisione di insegnare ai bambini a suonare musica d'insieme spetta agli insegnanti di istruzione aggiuntiva, che sono chiamati a fornire le condizioni per lo sviluppo di ogni bambino incluso nell'ensemble. A questo proposito, è sorto il problema di un repertorio correttamente selezionato per la produzione musicale d'insieme, all'interno del quale si formano le competenze artistiche e pratiche dei bambini nel campo della produzione musicale collettiva e lo sviluppo musicale completo dei bambini è assicurato da competenze artistiche ed estetiche mezzi, la loro attività sociale, indipendenza e comunicazione.
Quali sono i requisiti per la selezione del repertorio? Innanzitutto, i principali principi didattici dell'insegnamento:
Il principio della gradualità - dal semplice al complesso;
Un approccio differenziato ai dati del bambino, in base alle capacità e alle caratteristiche psico-emotive dello studente (tenendo conto dell'occupazione del bambino);
Accettazione concordata del repertorio del programma da parte di tutti i componenti della musica d'insieme, in quanto il gruppo può comprendere 10-15 persone;
Attrarre una varietà di moderne tecnologie di apprendimento pedagogico.
Certo, possiamo affermare che i nostri figli non possono (e non vogliono) padroneggiare tutte le tecniche tecniche tipiche dell'esecuzione pianistica. Ma concentriamo la loro attenzione sull'incarnazione dell'immagine musicale attraverso una conoscenza completa e ampia della letteratura musicale, attraverso la distribuzione dei compiti tra tutti i membri dell'ensemble.
Ad esempio, prendiamo come esempio la selezione del repertorio. Il repertorio dovrebbe consistere in opere di diversa natura, stile, orientamento tecnico, forma e genere, spaziando dalle melodie popolari dei cartoni animati, arrangiamenti di canzoni e melodie popolari e terminando con le opere di compositori contemporanei. Il potenziale di sviluppo dell'attività educativa in classe cresce se la selezione del repertorio dell'ensemble si basa sulla somiglianza delle opere in termini di alcune delle caratteristiche più importanti di stile, mezzi espressivi, tipo di trama del pianoforte, tecniche, ecc.
I anno di studio- si tratta di arrangiamenti leggeri di canzoni per bambini, canzoni dei loro cartoni animati, film per bambini. La presenza nel lavoro dello stesso tipo di fenomeni musicali, abilità, crea le condizioni per la loro comprensione attiva e generalizzazione e contribuisce allo sviluppo dell'intelligenza musicale del bambino. L'esperienza pedagogica mostra che il periodo donot è strettamente connesso con la musica d'insieme in un duetto: un insegnante-studente, o, il ruolo di un insegnante è svolto da un bambino di II-III anno di studio. Ciò consente ai bambini fin dalle prime lezioni di partecipare all'esecuzione di musica polifonica. Lo sviluppo dell'udito armonico e polifonico va di pari passo con quello melodico. Per alleviare la tensione eccessiva al momento dell'inizio dell'esecuzione dell'opera o le lunghe pause in questa fase, è importante insegnare ai giovani musicisti ad avviare contemporaneamente l'esecuzione dell'opera e tecniche come il "conductor's auftakt", cioè un cenno del capo, così come il respiro sincrono, aiutano.
II anno di corso- assimilazione da parte dei bambini del concetto di stile musicale. Per fare ciò, utilizziamo l'organizzazione "a blocchi" del materiale musicale, che contribuisce all'assimilazione di determinate forme e generi di opere musicali, mezzi per eseguire l'espressività.
III anno di corso - aspetto culturale dello studio dell'arte musicale con il coinvolgimento delle moderne tecnologie dell'informazione. Ci sono molte conferenze, concerti, discorsi sull'arte. Durante l'anno, gli studenti superano 1 opera di un compositore russo, 1 opera di un compositore moderno, 1 opera di un compositore straniero o arrangiamenti di melodie popolari, 1-2 trascrizioni create indipendentemente nello stile di qualsiasi direzione musicale, preparano presentazioni, video, scrivere saggi, eseguire progetti su concorsi. Allo stesso tempo, i bambini svolgono la maggior parte del lavoro individuale da soli.
La forma d'insieme di studio del repertorio implementa i principi della cooperazione: libera scelta, apprendimento senza coercizione. La cooperazione tra insegnante e studenti in pedagogia musicale è intesa come co-creazione. E la musica d'insieme offre un'eccellente opportunità di apprendimento reciproco e di educazione reciproca, essendo un terreno fertile per la nascita di un nuovo suono musicale in un'atmosfera di cooperazione.
Pertanto, un repertorio adeguatamente selezionato di musica d'insieme espande gli orizzonti di ciò che i bambini conoscono nella musica, reintegrando le loro impressioni uditive e svolge un ruolo attivo nella formazione e nello sviluppo della coscienza, del pensiero e dell'intelletto musicali di un bambino. Le conoscenze acquisite, le scoperte e la conoscenza del mondo attraverso l'arte della musica consentono ai nostri figli di prendere il loro posto nella società moderna in futuro.
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trascrizione
1 ISTITUTO EDUCATIVO COMUNALE PER L'ISTRUZIONE SUPPLEMENTARE DEI BAMBINI Fryazino SCUOLA DI ARTI PER BAMBINI ENSEMBLE FARE MUSICA COME METODO DI SVILUPPO DEGLI STUDENTI sviluppo metodico di un insegnante nella classe di fisarmonica a bottoni Autore (compilatore) Soldatova O.V. Friazino
2 Informazioni sull'autore Soldatova Olga Viktorovna insegnante di fisarmonica a bottoni MOU DOD DShI, Fryazino. Laureato presso l'Istituto statale di cultura di Mosca. Ha la categoria di qualificazione più alta. 40 anni di esperienza nelle scuole di musica per bambini e nelle scuole d'arte per bambini. Tra gli studenti di Soldatova O.V. vincitori e diplomati di festival e concorsi cittadini, distrettuali, zonali, interzonali, regionali e interstatali (Russia, Bielorussia) per studenti di scuole di musica per bambini e scuole d'arte per bambini nella specialità fisarmonica a bottoni e musica d'insieme. Tra i diplomati di Soldatova O.V. musicisti professionisti che lavorano nelle scuole di musica e nelle orchestre. 2
3 INDICE Introduzione 4 1. Principi dell'educazione allo sviluppo in pedagogia musicale 6 2. Pratica della produzione musicale d'insieme Produzione musicale congiunta di uno studente e di un insegnante Lavorare con un gruppo di studenti Metodi metodologici per lavorare con un gruppo 20 Conclusione 24 Elenco di riferimenti 25 3
4 Introduzione L'obiettivo dell'insegnamento nella classe di fisarmonica del Children's Art Institute non è solo la formazione pre-professionale dei bambini più capaci, ma soprattutto l'educazione dei musicisti dilettanti, l'ampliamento degli orizzonti musicali degli studenti, la la formazione delle loro capacità creative e del gusto musicale e artistico e l'acquisizione delle capacità di creatività musicale. Nelle condizioni moderne, le scuole di musica accettano bambini con un'ampia varietà di abilità musicali, che non subiscono una dura selezione competitiva e non sono sempre motivati per lezioni quotidiane sistematiche sullo strumento. La particolarità di lavorare con un tale contingente è che è necessario trovare approcci creativi incentrati sullo sviluppo globale degli studenti, la formazione di una motivazione positiva. Ovviamente, i problemi dell'imparare a suonare uno strumento e lo sviluppo creativo dovrebbero essere strettamente correlati. Il processo di creatività, l'atmosfera stessa di ricerca e scoperta in ogni lezione fa desiderare ai bambini di agire in modo indipendente, sincero e naturale. Pertanto, imparare a suonare lo strumento dovrebbe essere uno sviluppo. I principi dell'educazione allo sviluppo diventano leader nel sistema di istruzione generale, che è sancito dagli standard statali federali di istruzione generale. Anche l'educazione allo sviluppo sta guadagnando un posto nella pedagogia musicale, ma è ancora prematuro considerarla saldamente radicata. Prevalgono ancora forme e metodi di lavoro tradizionali, in cui l'importante è lavorare su un brano musicale, che assorbe quasi tutto il tempo di studio. Con questo approccio, gli studenti si confrontano con un numero limitato di opere, la lezione spesso si trasforma in una formazione in abilità di gioco professionale, l'attività indipendente e l'iniziativa creativa passano in secondo piano. La musica d'insieme ha un enorme potenziale di sviluppo. Valore pedagogico del fare musica d'insieme 4
5 non è sufficientemente trattato nella letteratura metodologica. La tecnica dell'ensemble come forma di lavoro educativo nella fase iniziale dell'apprendimento musicale per suonare lo strumento non è stata praticamente sviluppata. Allo stesso tempo, la pratica di lavorare con gli ensemble nella classe di fisarmonica a bottoni del Children's Art Institute di Fryazino ci consente di avanzare la seguente tesi: suonare la musica d'insieme può aumentare l'effetto sullo sviluppo dell'imparare a suonare la fisarmonica a bottoni e renderà possibile implementare le idee della pedagogia della cooperazione. Lo scopo di questo lavoro è considerare la musica d'insieme come una forma di educazione allo sviluppo nella classe di fisarmonica. La struttura del lavoro è determinata dall'obiettivo. La prima sezione è dedicata al ruolo dei principi dell'educazione allo sviluppo nella classe strumentale della scuola di musica per bambini, la seconda sezione è dedicata all'analisi della pratica dell'organizzazione della musica d'insieme nella classe di fisarmonica a bottoni della scuola d'arte per bambini di Friazino. 5
6 1. Principi dell'educazione allo sviluppo nella pedagogia musicale Attualmente, l'idea di sviluppare gli studenti nel processo del loro apprendimento rimane una delle più importanti in pedagogia. Numerosi approcci alla sua fondatezza teorica e all'implementazione pratica hanno portato alla creazione della teoria dell'apprendimento evolutivo. Nella pedagogia e psicologia domestica, questa teoria è stata sviluppata nelle opere di L.S. Vygotskij, B.G. Anan'eva, A.N. Leontieva, L.V. Zankov. Hanno teoricamente confermato la necessità di organizzare una formazione di sviluppo avanzata, nonché la disposizione su due zone di sviluppo interconnesse dell'attuale e della più vicina. Se l'apprendimento è in anticipo rispetto al livello attuale e chiama all'attività le forze che si trovano nella zona di sviluppo prossimale, soddisfa il bisogno di conoscenza del bambino, gli dà gioia, è vissuto come un'attività eccitante. Il problema dell'interazione tra apprendimento e sviluppo nella pedagogia musicale moderna rimane rilevante. Il problema del rapporto tra apprendimento e sviluppo nella pedagogia musicale è soggetto alle leggi generali della didattica. Affinché il processo di apprendimento a suonare lo strumento contribuisca intensamente allo sviluppo musicale e generale degli studenti, dovrebbe mirare allo sviluppo del pensiero musicale, dell'iniziativa creativa, dell'indipendenza e della massimizzazione delle prospettive. Pertanto, l'educazione allo sviluppo comporta: lo sviluppo del pensiero e dell'intelligenza, le capacità musicali degli studenti. Nella pedagogia musicale, una delle prime opere dedicate alla risoluzione del problema dello sviluppo e dell'apprendimento, l'interazione del processo di cognizione e lo sviluppo del pensiero, la formazione dell'intelligenza musicale nel processo di studio in una classe strumentale, è stata l'opera di G. M. Tsypin "Lo sviluppo degli studenti con la musica nel processo di apprendimento del pianoforte" . 1 Il rapporto tra l'assimilazione della conoscenza musicale e l'esecuzione 1 Tsypin G. M. Lo sviluppo di uno studente-musicista nel processo di apprendimento del pianoforte:. - M.: MGPI,
7 competenze da un lato e sviluppo musicale dall'altro, non è affatto così lineare e semplice. L'apprendimento di massa a suonare strumenti musicali spesso “può essere tangenziale allo sviluppo e non avere un impatto significativo su di esso; l'addestramento dogmatico che porta all'assimilazione e alla memorizzazione di determinati schemi musicali può rallentare lo sviluppo e distorcere il pensiero dell'allievo” una conseguenza inevitabile dell'apprendimento che non richiede cure particolari. Il lavoro su un brano musicale si trasforma in fine a se stesso, dettato dal desiderio di ottenere voti alti per l'esecuzione. Da qui la "formazione" quando lo studente segue diligentemente numerose istruzioni che rifiniscono i contorni sonori esterni della composizione. In sostanza, l'insegnante esegue il lavoro con le mani dello studente. La lucidatura di più giorni di opere limita nettamente la gamma di opere studiate. Nel frattempo, è l'esperienza musicale accumulata nel lavoro su una varietà di materiale musicale che costituisce la base per lo sviluppo intensivo dello studente. L'apprendimento che anticipa lo sviluppo e quindi stimola la necessità di cooperazione richiede un ritmo veloce di apprendimento del materiale con un alto livello di difficoltà. Il fondamento dell'educazione allo sviluppo nelle lezioni di musica e di esecuzione è costituito da un sistema di principi che dichiarano un aumento del volume e un'accelerazione del ritmo di passaggio di materiale musicale ed educativo, il rifiuto di un'interpretazione puramente pragmatica delle lezioni e il passaggio dall'insegnamento autoritario alla massima autonomia e intraprendenza creativa dello studente. La formazione nelle classi di esecuzione di solito porta alla formazione di studenti con abilità locali altamente sviluppate, ma allo stesso tempo ristrette e 2 Gotlib A.D. Fondamenti di tecnica d'insieme. M., Musica,
8 abilità. In questo caso, vengono violati gli interessi dello sviluppo dello studente musicista. Lo sviluppo musicale generale è un processo sfaccettato. Uno dei suoi aspetti importanti è associato allo sviluppo di un complesso di abilità speciali (orecchio musicale, senso del ritmo musicale, memoria musicale). Significativi anche in termini di sviluppo musicale generale sono i cambiamenti interni che vengono migliorati nella sfera del pensiero professionale della coscienza artistica dello studente. La formazione e lo sviluppo dell'intelligenza musicale è stata effettuata nel corso dell'arricchimento dell'esperienza personale dello studente. Nel processo di apprendimento a suonare lo strumento, vengono create condizioni ottimali per reintegrare la conoscenza dello studente. A questo proposito, le possibilità del repertorio per fisarmonica sono grandi, permettendoti di entrare in contatto sia con la musica popolare che con campioni di musica classica (opera-sinfonia, coro vocale-strumentale da camera) Nella pratica moderna dell'insegnamento in classi strumentali di scuole di musica per bambini (non solo in Per la maggior parte, l'apprendimento ha la precedenza sullo sviluppo. Le ragioni di questo fenomeno: la limitazione del quadro del repertorio; lungo apprendimento delle opere musicali dal programma; concentrandosi sul lato performante; metodi didattici autoritari. GM Tsypin ha formulato quattro principi dell'educazione allo sviluppo, la cui attuazione porterà ad un aumento della natura evolutiva delle classi nella classe strumentale: 1. Aumentare la quantità di materiale utilizzato nel lavoro educativo e pedagogico, ampliando la struttura del repertorio rivolgendosi a più opere musicali. Questo principio è di grande importanza per lo sviluppo musicale generale dello studente, l'arricchimento della sua coscienza professionale, esperienza musicale e intellettuale. 8
9 2. Accelerare il ritmo di trasmissione di una certa parte del materiale didattico, rifiutandosi di lavorare a lungo su opere musicali, mirando a padroneggiare le capacità e le abilità esecutive necessarie in brevi periodi di tempo. Questo principio fornisce un afflusso costante e rapido di varie informazioni nel processo pedagogico musicale e contribuisce all'espansione degli orizzonti musicali. 3. Un aumento della misura della capacità teorica delle lezioni di esecuzione musicale, l'uso di una più ampia gamma di informazioni di natura musicale e storica durante la lezione. Questo principio arricchisce la coscienza con sistemi dispiegati. 4. La necessità di lavorare con il materiale, in cui si manifesterebbe con la massima completezza l'indipendenza, l'iniziativa creativa dello studente-esecutore. Questi sono i principi fondamentali, in base ai quali l'insegnamento della musica, l'esecuzione musicale può diventare veramente in via di sviluppo in natura. La loro attuazione pratica influisce sul contenuto dell'educazione, porta in primo piano determinati tipi e forme di lavoro nel processo educativo e non lascia da parte i metodi di insegnamento. Una delle forme di attuazione dei principi dell'educazione allo sviluppo nella classe strumentale può essere la produzione musicale congiunta dell'insegnante e dello studente (nella fase iniziale) e la produzione musicale d'insieme di studenti di diversi anni di studio. I principi dell'educazione allo sviluppo assicurano la consapevolezza dell'apprendimento, l'attività degli studenti, la possibilità del loro lavoro indipendente, ecc. Il compito dell'educazione allo sviluppo è il massimo sviluppo possibile di tutte le qualità psicologiche e personali di una persona: capacità, interessi, inclinazioni, processi cognitivi, qualità volitive, ecc. In altre parole, lo sviluppo intensivo e completo delle capacità degli studenti nel corso dell'istruzione. Nel contesto dell'apprendimento evolutivo, gli studenti tra gli altri obiettivi di apprendimento 9
10 si sono posti l'obiettivo di padroneggiare i sistemi di metodi generalizzati di gestione delle loro attività educative (metodi di pianificazione, autocontrollo, organizzazione dei loro interessi cognitivi e attenzione). Nelle condizioni dell'educazione allo sviluppo, i metodi del lavoro educativo e la sua gestione servono come base su cui gli studenti padroneggiano le abilità e le abilità pertinenti. Lo sviluppo dell'educazione è impossibile da immaginare senza una pedagogia collaborativa. La pedagogia della cooperazione è indissolubilmente legata alle principali direzioni della ristrutturazione della nostra società, della sua democratizzazione e umanizzazione. Il compito della scuola di oggi è attivare l'iniziativa e la creatività dei bambini, per rivelare il potenziale personale di ogni studente. L'idea principale della pedagogia della cooperazione è cambiare la natura delle relazioni interpersonali tra insegnante e studente. È tipico per lei stabilire comunicazioni riservate aperte con gli studenti, accettandoli così come sono, comprensione e simpatia. “L'attività educativa di uno studente è stimolata non solo da materiale didattico interessante e da vari metodi di insegnamento, ma anche dalla natura del rapporto che l'insegnante afferma nel processo di apprendimento. In un'atmosfera di amore, buona volontà, fiducia, empatia, rispetto, lo studente accetta facilmente e volentieri il compito educativo e conoscitivo” (Sh.A. Amonashvili). Le relazioni di cooperazione creano opportunità per l'emergere di un contatto psicologico tra l'insegnante e lo studente. La democratizzazione della comunicazione interpersonale è un ambiente fertile per lo sviluppo delle proprietà psicologiche di base dello studente. Gli insegnanti innovativi cercano di allontanarsi dai tradizionali metodi di insegnamento informativo per stimolare l'attività cognitiva degli studenti. È importante non "insegnare" ma creare un'atmosfera in cui lo studente stesso e con piacere si unisca al superamento delle difficoltà intellettuali emergenti. Rafforzare l'attività cognitiva degli studenti, creare le condizioni per la manifestazione della loro indipendenza e iniziativa portano al concetto di 10
11 attività creative di apprendimento. La comunicazione è una lezione di co-creazione del pensiero comune di partenariato, una lezione di libertà, dove ognuno deve esprimersi. Nella classe strumentale, il terreno più fertile per la manifestazione della pedagogia della cooperazione è fornito dalla musica d'insieme congiunta dell'insegnante e dell'allievo, soprattutto nella fase iniziale dell'apprendimento dello strumento. Pertanto, la connessione tra i problemi dell'educazione allo sviluppo e il rapporto di cooperazione è la più stretta. L'attuazione dei principi della pedagogia della cooperazione può essere considerata una delle condizioni più importanti per ottenere un effetto evolutivo nell'imparare a suonare uno strumento musicale. E, al contrario, un'atmosfera di comunione tra insegnante e studente può essere stabilita solo quando lo sviluppo di quest'ultimo viene proposto come un obiettivo speciale dell'attività pedagogica. È naturale presumere che le forme ei metodi del lavoro educativo che incarnano più chiaramente le idee dell'educazione allo sviluppo siano promettenti anche in termini di attuazione pratica dei principi della cooperazione. Il gioco d'insieme è una forma di attività che apre le opportunità più favorevoli per una conoscenza completa e ampia della letteratura musicale. Allo stesso tempo, i membri dell'ensemble sono in condizioni più favorevoli, insieme al repertorio per fisarmonica a bottoni, l'ensemble può eseguire arrangiamenti di composizioni sinfoniche, strumentali da camera e vocali, ecc. rapido cambiamento di impressioni, un intenso afflusso di informazioni musicali ricche e diversificate. Pertanto, è in grado di svolgere un ruolo attivo nella formazione e nello sviluppo della coscienza musicale. Garantendo un flusso continuo di impressioni ed esperienze fresche e varie, la musica d'insieme contribuisce allo sviluppo della reattività emotiva alla musica. L'accumulo di uno stock di rappresentazioni uditive numerose e luminose stimola la formazione di 11
12 orecchio musicale, immaginazione artistica. Con l'espansione del volume della musica compresa e analizzata, aumentano anche le possibilità del pensiero musicale. Le lezioni di musica d'insieme sono importanti non solo come un modo per espandere gli orizzonti del repertorio o per accumulare informazioni teorico-musicali e storico-musicali; queste lezioni contribuiscono a un miglioramento qualitativo nei processi del pensiero musicale. Ecco perché suonare in ensemble è uno dei modi più brevi e promettenti di sviluppo musicale generale degli studenti. La forma dell'ensemble è più utile per lavorare sul materiale di cui lo studente ha bisogno per uno sviluppo musicale a tutti gli effetti. Una delle condizioni per lo sviluppo della reattività emotiva alla musica è fare affidamento sugli interessi musicali dello studente. È auspicabile la più attiva partecipazione dello studente alla scelta del repertorio, tenendo conto dei suoi gusti artistici individuali. La cooperazione tra un insegnante e uno studente in pedagogia musicale è intesa come co-creazione. Nel processo co-creativo di lavorare su un'opera d'arte, sorgono le condizioni per l'attuazione delle idee di base della pedagogia della cooperazione.Per stabilire un contatto creativo reciproco tra un insegnante e uno studente, la creazione di musica d'insieme congiunta è un mezzo ideale. Fin dall'inizio dell'insegnamento a un bambino a suonare uno strumento, compaiono molti compiti: atterraggio, impostazione delle mani, apprendimento della tastiera, metodi di produzione del suono, ecc. Ma tra l'abbondanza di compiti da risolvere, è importante non perdere il principale durante questo periodo cruciale, non solo per mantenere l'amore per la musica, ma anche per sviluppare un interesse per le attività musicali. Dipende da molte condizioni, tra le quali un ruolo importante è svolto dalla personalità dell'insegnante e dai suoi contatti con lo studente. L'esperienza congiunta della musica è il contatto più importante, che spesso è decisivo per il successo dello studente. Pertanto, l'insegnante crea le condizioni per lo sviluppo di vivide impressioni musicali, per lavorare su un'immagine artistica. E ciò che è particolarmente importante è questo 12 musicale
13 contatto di solito contribuisce all'emergere di una maggiore iniziativa nello studente. Con questa forma di lavoro, il principio di valutazione dell'attività dello studente cambia. Viene rimosso il rischio di una valutazione negativa della prestazione e si pone la possibilità di altre forme di valutazione volte a sviluppare un senso di sicurezza fiducia. La forma della musica d'insieme consente di trovare il carattere e le forme di valutazione più ottimali. Di norma, questo tipo di lavoro non viene sottoposto a test ed esami. E quindi, gli studenti, svolgendo questo tipo di lavoro in classe, esibendosi ai concerti, ricevono una carica emotiva positiva dal suonare musica insieme. Il ruolo dell'ensemble nella fase iniziale dell'apprendimento dello strumento è inestimabile. È il modo migliore per interessare il bambino, aiuta a colorare emotivamente la fase iniziale di apprendimento solitamente poco interessante. L'apprendimento iniziale a suonare lo strumento ha le sue caratteristiche specifiche. Appaiono immediatamente molti nuovi compiti: atterrare, impostare le mani, ecc. Spesso questo spaventa il bambino lontano da ulteriori attività. Durante questo periodo, è importante passare agevolmente e senza dolore dal gioco alle attività di apprendimento. In questa situazione, fare musica d'insieme sarà la forma ideale di lavoro con gli studenti. Insieme all'insegnante, suona giochi semplici, ma già artistici. Conclusioni: 1. Lo sviluppo viene effettuato nel corso della formazione. La funzione evolutiva dell'apprendimento è influenzata dalla costruzione del processo educativo, dal contenuto della forma e dai metodi di insegnamento. 2. L'attuazione dei principi della pedagogia della cooperazione è la condizione più importante per ottenere un effetto di sviluppo nell'educazione. 3. Fare musica d'insieme è una forma efficace di cooperazione tra un insegnante e uno studente, che dà un effetto di sviluppo. 13
14 2. Pratica di lavorare con un ensemble 2.1. Esecuzione musicale congiunta di uno studente e di un insegnante È auspicabile formare le capacità di suonare d'insieme di un giovane fisarmonicista in una fase iniziale della formazione. Fin dalla tenera età i bambini si abituano alla musica, la percepiscono in modo naturale e semplice e cercano di capirla con la stessa curiosità degli altri fenomeni del mondo che li circonda. Pertanto, all'inizio delle lezioni di musica, il bambino deve essere interessato, usando la sua naturale curiosità. Il modo migliore per farlo è suonare in un ensemble insegnante-studente. L'esecuzione del disegno più semplice pone compiti seri allo studente, suonando una nota, lo studente conosce il nome delle note e dei pulsanti, con la gamma dello strumento, padroneggia schemi ritmici, dinamiche elementari, così come il gioco iniziale movimenti. Ad esempio, quando conosce la nota "sale", lo studente può eseguire la canzone popolare russa "Suona, la mia cornamusa" insieme all'insegnante: studente insegnante Quando suona in un ensemble, lo studente si sente come un partecipante a tutti gli effetti fare musica, che aiuta a risvegliare il suo amore per la musica. Coltivare l'interesse per la musica come linguaggio dei sentimenti è un momento molto importante nell'istruzione primaria, poiché è durante questo periodo che vengono poste le basi per lo sviluppo delle capacità creative dello studente. Quando eseguito insieme a un insegnante, lo studente coglie abbastanza bene le imprecisioni di ritmo e tempo. Lo studente si convince che anche la minima deviazione dal tempo, la minima violazione del ritmo, sfuggente nell'esecuzione da solista, sia evidente quando si suona in un ensemble. 14
15 Ad esempio, nella "Canzone sulla cavalletta", lo studente suona prima note lunghe e alla fine della canzone esegue semiminime allo stesso ritmo con l'insegnante: l'insegnante è uno studente una delle condizioni più importanti per un gioco d'insieme è la sincronicità dell'esecuzione, l'unità della pulsazione ritmica e del tempo. Sugli stessi semplici esempi, viene assimilato il ruolo e il significato di una pausa in un testo musicale. Di solito una pausa viene "inghiottita" o memorizzata formalmente, senza senso. Lo stesso accade spesso con l'esecuzione di note lunghe. Suonare in un ensemble insegna l'attenta gestione delle lunghe durate e delle pause. Il loro ruolo nel contesto musicale diventa, per così dire, più chiaro e compreso molto più velocemente dallo studente. Alternativamente all'insegnante, eseguendo una nota lunga sostenuta o una pausa che accompagna una frase musicale, l'allievo si convince della necessità di ascoltare la fine della frase senza “calpestarla”, aspettando il proprio turno per eseguire questa frase. Una nota lunga o una pausa che accompagna una frase, un motivo, che risuona in un'altra parte, viene percepita naturalmente. È molto importante che il pensiero musicale non si interrompa in pause e note lunghe, in modo che questi momenti non vengano percepiti come una battuta d'arresto nella musica. Un esempio è la canzone popolare austriaca, arrangiata per il duetto di fisarmonica "The Mocking Cuckoo": 15
16 Quindi, instillare le capacità di suonare d'insieme richiede un lavoro sistematico, graduale (dal semplice al complesso) e mirato per un lungo periodo di tempo. Come accennato in precedenza, l'apprendimento delle abilità elementari per suonare in un ensemble è più efficace se l'insegnante è il primo partner dello studente nell'ensemble. Le lezioni nella classe ensemble forniscono una chiara comprensione delle capacità di intonazione della fisarmonica a bottoni. Suonare in un ensemble non solo contribuisce allo sviluppo dell'udito, ampliando gli orizzonti musicali, ma suscita anche l'interesse del bambino per le lezioni. Il feeling dell'ensemble, la capacità di ascoltare un partner viene allevato già nel periodo iniziale di formazione. Il gioco d'insieme, dando vita allo spirito di competizione, favorisce lo sviluppo dinamico delle capacità creative e delle abilità tecniche degli studenti. È anche importante che un partner più forte abbia un impatto artistico e tecnico su un partner meno avanzato, stimolando il suo progresso musicale e tecnico generale. Sentendo il sostegno dell'insegnante, lo studente si unisce volentieri al processo di creazione musicale congiunta. L'insegnante in questa situazione funge sia da partner sensibile che da mentore attento, il cui obiettivo è sviluppare nel suo allievo le abilità più importanti del suonare d'insieme: le abilità di "assolo", quando devi suonare la tua parte in modo più brillante, e " accompagnamento”, la capacità di passare in secondo piano. La creazione di duetti contribuisce anche al superamento riuscito di vari stress psicologici-morsetti che sorgono in un bambino durante un'esibizione da solista. Inoltre, il gioco d'insieme aiuta lo studente a consolidare le abilità e le abilità acquisite nelle lezioni di specialità, sviluppa un buon senso del ritmo, espressività musicale e orecchio armonico. 16
17 Un repertorio variegato arricchisce il suo pensiero creativo e il suo gusto musicale. Un esempio illustrativo dell'effettivo coinvolgimento dei bambini nella musica attraverso la creazione di musica d'insieme è l'esibizione di uno studente con un insegnante di fronte ai genitori o l'alternanza di esibizioni di bambini con i numeri dei concerti dell'insegnante. Tali forme di musica d'insieme consentono al bambino di sentirsi un artista in una fase iniziale di apprendimento, rimangono a lungo nella memoria e sono un ottimo incentivo per ulteriori lezioni sullo strumento. Anche un'altra cosa è importante: le esibizioni concertistiche congiunte dell'insegnante e degli studenti contribuiscono alla formazione di un'alta autorità professionale del mentore, che ispira rispetto e fiducia nei genitori. 17
18 2.2. Lavorare con un ensemble di studenti Una delle forme di ensemble più promettenti sono i duetti per fisarmonica. Rispetto a complessi di fisarmoniche più numerosi (trio, quartetto, quintetto, ecc.), il duetto è più mobile. È più facile organizzarlo per tempo, ad es. fare un programma conveniente per ogni bambino. Ma esibirsi in un duetto ha le sue difficoltà. Un artista non può "nascondersi dietro la schiena" di un altro, perché ogni parte in un duetto è in piena vista. Pertanto, uno dei compiti importanti è la selezione di membri dell'ensemble che siano uguali nella loro formazione musicale e abilità strumentali. Studiando con un tale ensemble, l'insegnante deve distribuire in modo flessibile e abile le parti. Dai a ogni studente l'opportunità di suonare la parte solista e di insegnare gli elementi dell'accompagnamento. In questo caso i bambini impareranno con piacere le loro parti, ci sarà senso di responsabilità, competizione. Scegliendo un repertorio interessante, aiutando a padroneggiare le difficoltà di suonare con un partner nelle lezioni individuali, l'insegnante può affascinare lo studente con questa forma di ensemble. Se nei duetti è importante che gli studenti siano approssimativamente uguali, allora in altri ensemble (trio, quartetto, quintetto, ecc.) Possono essere uniti studenti con background musicali e tecnici diversi. Nella mia pratica per sei anni c'era un quartetto di fisarmonicisti. In prima elementare, tutti i membri dell'ensemble erano impegnati nel fare musica insieme a un insegnante, e dalla seconda elementare erano uniti in un quartetto. La particolarità della distribuzione dei ruoli in una squadra relativamente ampia è che la prima e la seconda parte più complesse sono eseguite da studenti forti, mentre la terza e la quarta parte sono affidate a studenti tecnicamente meno preparati. Allo stesso tempo, sono stati attratti dal primo e in classe hanno tutti elaborato con cura ogni dettaglio del lavoro che stavano imparando. Una certa difficoltà è la selezione del repertorio per un particolare ensemble. 18
19 I brani per quartetto pubblicati in varie raccolte non potevano essere inseriti nel repertorio del nostro ensemble per vari motivi, perché o non si adattavano alle capacità tecniche degli studenti, oppure non coincidevano con i programmi concertistici della scuola di musica. L'unica soluzione a questo problema era un arrangiamento indipendente per il quartetto di varie opere, tenendo conto delle capacità tecniche dei partecipanti e dei piani concertistici della scuola di musica. Il repertorio del quartetto del periodo iniziale del suo sviluppo comprendeva opere come: la canzone popolare russa "Walks along the Don", V. Shainsky "The Blue Carriage", A. Novikov "Roads", N. Bogoslovsky "Dark Night ". L'attività concertistica è diventata un grande stimolo per lo sviluppo dell'ensemble. Il quartetto si è esibito a scuola, concerti cittadini, è stato vincitore di concorsi zonali e regionali di esibizioni d'insieme. Il team ha preso parte ed è diventato vincitore del Secondo Festival Internazionale "Creatività dei giovani" ad Anapa. Questo viaggio ha radunato ancora di più i ragazzi, esibendosi nelle sedi dei concerti del festival, hanno acquisito esperienza nel comportamento scenico sul grande palco. Il repertorio dell'ensemble affermato comprendeva opere più complesse: I.S. Bach Siciliana, T. Albinoni Adagio, E. Dreysen Waltz "Birch", Potpuri sui temi delle canzoni degli anni della guerra nell'elaborazione di Y. Likhachev, E. Derbenko A. Belyaev Parafrasi sul tema della canzone di N. Bogoslovsky "Cocchiere di Mosca", L. Kolesov " Allegri trucchi". L'esperienza di lavorare con questo quartetto ha dimostrato che è necessario tenere conto delle relazioni interpersonali dei membri dell'ensemble. Se la squadra è composta da persone che si rispettano e si apprezzano a vicenda, le lezioni sono più efficaci, i bambini si incontrano e provano più spesso. Un clima morale e psicologico favorevole nell'ensemble è la chiave per un lavoro di successo. 19
20 2.3. Metodi metodologici di lavoro con un ensemble Comincio le lezioni con opere accessibili ai bambini, nel cui gioco le difficoltà tecniche vengono superate in modo relativamente semplice e tutta l'attenzione è rivolta agli obiettivi artistici. Lo studente mostra un maggiore interesse per le lezioni quando non sente la propria impotenza, ma gode dei risultati del suo lavoro. Il gioco congiunto differisce dal gioco da solista principalmente in quanto sia il piano generale che tutti i dettagli dell'interpretazione sono il frutto della riflessione e dell'immaginazione creativa di non uno, ma di diversi artisti e sono realizzati dai loro sforzi comuni. La sincronicità del suono d'insieme è intesa come la coincidenza con la massima precisione delle più piccole durate (suoni o pause) per tutti gli esecutori. La sincronicità è il risultato delle qualità più importanti dell'ensemble di una comune comprensione e sensazione di tempo e pulsazione ritmica da parte dei partner. Nel campo del tempo e del ritmo, le individualità degli esecutori sono molto pronunciate. Un leggero cambiamento di tempo impercettibile in un'esibizione da solista o una leggera deviazione dal ritmo quando si suona insieme può interrompere drasticamente la sincronia. La minima violazione della sincronia quando si suona insieme viene catturata dall'ascoltatore. Il tessuto musicale è strappato, la voce che guida l'armonia è distorta. Il raggiungimento della sincronicità nell'esecuzione dell'ensemble è facilitato dal contatto visivo tra tutti i partecipanti, la comunicazione regolare attraverso gesti, sguardi, aiuta a determinare l'inizio e la fine delle costruzioni musicali. Suonare in un ensemble aiuta un musicista a superare i suoi difetti intrinseci: l'incapacità di tenere il passo, un ritmo lento o eccessivamente duro, aiuta a rendere la sua performance più sicura, brillante e diversificata. Di grande importanza nell'ensemble è il lavoro sull'accompagnamento. È molto importante eseguire abilmente l'accompagnamento in pieno accordo con la natura della melodia. Di solito l'accompagnamento è diviso in subvocale, pedale e 20
21 accordi. Un sottotono emerge dalla voce principale, completandola. Il pedale fa da sfondo al suono espressivo e in rilievo della melodia, e l'accompagnamento degli accordi, guidato dal basso, funge da base armonica e ritmica. Di conseguenza, l'accompagnamento nell'ensemble completa e arricchisce la melodia. Ad esempio, in Romance dalle illustrazioni musicali alla storia di A.S. "Snowstorm" di Pushkin di G. Sviridov, la dolce melodia della prima parte dovrebbe essere accompagnata da un accompagnamento morbido e tranquillo della seconda parte: il lavoro sui tratti richiede anche prove scrupolose e approfondite. I tratti sono uno dei principali fattori di espressività figurativa e parte integrante dell'intenzione del compositore. La scelta di questo o quel tratto dipende interamente dal contenuto musicale e dalla sua interpretazione da parte degli esecutori. Lavorare su un tratto è un perfezionamento del pensiero musicale, trovando la forma di maggior successo del suo suono, si possono determinare l'opportunità artistica e la persuasività di risolvere qualsiasi problema di tratto. Ad esempio, la presentazione del duetto nell'opera teatrale di G. Belyaev "Gothic Minuet" è associata allo stesso tipo di colpi, che presenta una notevole difficoltà per gli studenti. Nelle misure adiacenti, staccato e legato, ballabilità e canto vengono confrontati ripetutamente. Di conseguenza, sorge il compito più importante dell'insieme: passo dopo passo per ottenere le prestazioni più accurate, unificate e sincrone: 21
22 La dinamica in un'esecuzione d'insieme è anche uno dei mezzi più espressivi. L'equilibrio del suono è l'uso sapiente di mezzi dinamici. L'uso sapiente della dinamica aiuta a rivelare il carattere generale della musica, il suo contenuto emotivo e mostra le caratteristiche progettuali della forma dell'opera. L'importanza dell'esatta osservanza da parte di ciascun membro dell'insieme dei requisiti dinamici dovrebbe essere compresa dagli studenti fin dalle prime lezioni. È necessario insegnare la capacità di eseguire correttamente l'una o l'altra sfumatura generale in parti diverse, a seconda del loro carico semantico, comprendendo la relatività del suono della stessa sfumatura (il pianoforte della melodia è più luminoso del pianoforte della parte di accompagnamento ). Un esempio è l'Adagio di T. Albinoni, dove il pianoforte nella terza parte dovrebbe suonare un po' più piano del pianoforte nella seconda parte: le sfumature spesso causano cambiamenti di tempo (il forte è più veloce, il pianoforte è più lento, il crescendo accelera). Dalla prima lezione, devi prestare costante attenzione a questo. Quando lavoro con uno studente sul testo musicale della sua parte, cerco di ottenere una pura intonazione melodica e armonica. Lavorando sul lato ritmico dell'opera, sfumature, tratti, il metodo di visualizzazione “funziona” bene. Lo studente si rende conto che suonare in un ensemble richiede particolari requisiti a questi elementi, maggiori rispetto a quando si suona da soli. Prima di incontrarsi come parte dell'ensemble, lo studente deve conoscere il testo della sua parte con tutte le designazioni di tratti e sfumature. Avendo ricevuto un'idea del lavoro studiato in un ensemble con un insegnante, lo studente è pronto per le lezioni collettive. 22
23 Alla prima lezione collettiva, spiego chiaramente agli studenti il ruolo di ciascuna parte, il suo schema musicale, l'interconnessione delle voci, la distribuzione delle loro funzioni in principale, sottovoce, accompagnamento, ecc. Dalle prime lezioni di l'ensemble, cerco di instillare negli studenti la consapevolezza della pari responsabilità per l'esecuzione di ogni parte, ogni voce , la capacità di subordinare la propria voce ai compiti generali dell'opera. Il processo di lavoro dell'ensemble su un brano può essere suddiviso condizionatamente in tre fasi, che in pratica sono strettamente correlate tra loro: conoscenza dell'ensemble con il brano nel suo insieme; sviluppo tecnico dei mezzi espressivi; lavorare sull'incarnazione dell'immagine artistica. Il compito della prima fase è creare un'impressione intellettuale ed emotiva generale dell'opera nel suo insieme. Nella seconda fase del lavoro sul lavoro, il compito principale è superare le difficoltà tecniche dell'ensemble. Uno dei compiti nella fase finale è ottenere i massimi risultati con il minimo dispendio di energia e tempo dei membri dell'ensemble. 23
24 Conclusione La pratica di fare musica d'insieme ci permette di trarre le seguenti conclusioni: La musica d'insieme svolge un ruolo importante nell'attuazione dei principi dell'educazione allo sviluppo. Ti consente di sviluppare l'intera gamma di abilità dello studente (ritmo, udito, memoria, abilità di gioco). La musica d'insieme soddisfa pienamente le specificità della fase iniziale dell'educazione degli studenti ed è particolarmente appropriata nel contesto dell'educazione musicale di massa. La musica d'insieme consente di superare una serie di difficoltà legate all'età e psicologiche per inserire gli studenti nell'ambiente musicale fin dai primi passi. L'ampio uso dell'ensemble di fisarmoniche contribuisce al principio della pedagogia della cooperazione. Ha lo scopo di rivelare il potenziale creativo di ogni bambino, sviluppare capacità di autoespressione, padroneggiare il patrimonio culturale. L'ensemble è di grande importanza per lo sviluppo musicale versatile dello studente. Come dimostra la pratica, alla maggior parte degli studenti piacciono le lezioni in vari ensemble. Il gioco d'insieme amplia notevolmente gli orizzonti musicali dello studente, sviluppa tali qualità necessarie per un musicista, come la capacità di ascoltare non solo la propria esecuzione, ma anche un partner, il suono generale dell'intero brano; coltiva la capacità di affascinare un compagno con il suo piano e quando è necessario obbedire alla sua volontà; attiva l'immaginazione e la creatività, acuisce il senso del colore del suono; aumenta il senso del dovere e la responsabilità di conoscere la propria parte, poiché l'esecuzione congiunta richiede fluidità nel testo, infonde negli studenti un senso di cameratismo. La musica d'insieme come forma di lavoro educativo richiede un'abile guida pedagogica e una metodologia razionalmente ponderata. L'insegnante della scuola di musica per bambini è responsabile della formazione di 24
25 gusti musicali dei loro allievi. Indipendentemente da chi sta studiando, con un futuro professionista o semplicemente un amante della musica, l'insegnante deve ricordare il significato principale del suo lavoro per portare ai bambini la gioia di comunicare con la musica. 25
26 Elenco della letteratura utilizzata. 1. Amonashvili Sh.A. L'educazione e la funzione educativa della valutazione degli scolari. M Barenboim L. Modo di fare musica. L.: "Compositore sovietico", suonatori di bayan e bayan. Riassunto di articoli. M.: "Compositore sovietico", Berger N. Primo ritmo. Sussidio didattico per scuole di educazione generale e di musica, scuole d'arte, dipartimenti di pratica pedagogica delle scuole di musica e conservatori. San Pietroburgo, Questioni di pedagogia musicale. Problema. 2: sab. articoli. ed. comp. Rudenko V.I. M., Gottlieb A. Fondamenti di tecnica d'insieme. M., Zimina A.N. Fondamenti di educazione musicale e sviluppo dei bambini piccoli. M., Imkhanitsky M., Mishchenko A. Duetto di suonatori di bayan: questioni di teoria e pratica: repertorio e guida metodologica. Problema Kalmykova Z.I. Principi psicologici dell'educazione allo sviluppo. M Kryukova V.V. Pedagogia musicale. Rostov n / a: "Phoenix", Laptev I.G. Orchestra di bambini nella scuola elementare: libro. per l'insegnante. M., Lips F. L'arte di suonare la fisarmonica a bottoni. M., Ushenin V. School of Ensemble Music Making for Bayanists (Accorder Players): Part 1 Rostov n/a., Tsypin G.M. Lo sviluppo di uno studente musicista nel processo di apprendimento del pianoforte. M. Yakimanskaya I.S. Formazione evolutiva. M
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1.1. L'ensemble come una delle forme efficaci di educazione musicale degli studenti……………………………………………………………………………………………………… …………………………………………………………………………………………………….
2.Parte principale…………………………………………………………4
2.1. Organizzazione pedagogica del processo di lavoro con l'insieme scolastico……………………………………………………4
2.2. Forma collettiva di lavoro………………………………...5
2.3. Disciplina esterna e creativa nell'ensemble…………7
2.4. La metodologia delle classi d'insieme………………………….8
a) scelta del repertorio………………………...8
b) lavoro sui colpi……………………..9
c) lavorare sulla dinamica………………………………………….9
d) imparare a leggere la musica da uno spartito……………………………….10
e) lavorare sull'opera………………………………….10
3. Conclusione………………………………………………………….12
4. Elenco dei riferimenti ………………………………………………...13
1. Introduzione
Non è un segreto che la maggior parte degli studenti delle scuole di musica studia musica non per scegliere la professione di musicista, ma per lo sviluppo e gli orizzonti musicali generali. Il compito delle scuole di musica non è solo quello di preparare gli studenti a entrare nelle istituzioni musicali professionali, ma anche di educare promotori attivi della conoscenza musicale ed estetica - partecipanti a spettacoli amatoriali, aumentare l'esercito di amanti della musica, ascoltatori alfabetizzati del nostro pubblico di concerti, a formare persone le cui vite saranno arricchite da un grande dono: la capacità di ascoltare e comprendere la musica.
È difficile sorprendere un bambino moderno con qualcosa adesso, la gamma dei loro interessi è molto sfaccettata e ampia, poiché oltre alla scuola di musica, gli studenti frequentano qualche altro circolo o sezione, quindi il compito della scuola di musica (o scuola d'arte ) l'insegnante non è solo interessare e insegnare a suonare lo strumento, ma anche conservare. Ogni bambino deve trovare il proprio approccio separato, ognuno deve essere trattato a modo suo. Una delle attività interessanti ed eccitanti con uno studente è suonare in un ensemble.
Ensemble come una delle forme efficaci di musical
educare gli studenti
Un ensemble è una sorta di creazione musicale congiunta, che è stata praticata in ogni momento, in ogni occasione ea qualsiasi livello di competenza strumentale. Quasi tutti i compositori eccezionali hanno scritto in questo genere.
Le lezioni nell'ensemble sono una delle forme efficaci di educazione musicale e sviluppo dello studente. Suonando in un ensemble, le esibizioni collettive danno vivide impressioni musicali sia al futuro musicista professionista che al partecipante di spettacoli amatoriali: l'ensemble lo soddisfa con le sue possibilità inaspettate, nuove combinazioni timbriche, dinamiche brillanti, lo cattura con la comunanza del compito creativo, unisce e dirige le emozioni musicali.
Le lezioni nella classe d'insieme aiutano anche a consolidare le competenze acquisite nelle lezioni di una classe speciale. È necessario che le lezioni d'insieme stimolino l'interesse dello studente per lo strumento, per le lezioni nella specialità e instillino l'amore per la creatività collettiva. Un senso di responsabilità nei confronti di un partner, una squadra per il risultato di un lavoro comune, la qualità dell'esecuzione pubblica dovrebbe naturalmente sorgere nella classe dell'ensemble. Comprendere il lavoro svolto, "innamorarsi" di esso crea un'atmosfera di entusiasmo creativo collettivo, necessario per lezioni efficaci con i bambini. L'insegnante, svelando i "segreti" del suonare d'insieme e dirigendo correttamente l'entusiasmo dei bambini, fa emergere in loro una disciplina collettiva creativa ed esecutiva.
La capacità di suonare musica con più partner o come parte di una grande squadra è necessaria in futuro sia per la partecipazione a gruppi amatoriali che per lezioni di successo in classi di ensemble e orchestra nelle scuole di musica.
L'ensemble, in quanto disciplina accademica, non riceve sempre la dovuta attenzione. Spesso le ore previste per la musica vengono utilizzate dagli insegnanti per lezioni individuali. Un altro problema per gli insegnanti delle scuole di musica è trovare un repertorio adatto. La mancanza di letteratura pertinente per gli ensemble bayan (fisarmonicisti) della scuola di musica rallenta il processo di apprendimento e l'opportunità di mostrarsi sul palco del concerto. Molti insegnanti stessi fanno trascrizioni, arrangiamenti delle commedie che preferiscono. Vorrei sottolineare l'importanza del lavoro d'insieme fin dalle prime lezioni sullo strumento. Prima uno studente inizia a suonare in un ensemble, più diventerà un musicista competente, tecnico.
Molti insegnanti di uno strumento speciale si esercitano in ensemble all'interno della classe. Può essere sia ensemble omogenei che misti. È meglio iniziare a lavorare in un ensemble con studenti della stessa classe.
2.1. Organizzazione pedagogica del processo di lavoro con l'ensemble scolastico
L'esecuzione anche del disegno più semplice pone serie sfide allo studente. Anche quando si suona una nota, lo studente conosce il nome dei tasti, l'estensione dello strumento, padroneggia gli schemi ritmici, le dinamiche elementari, nonché i movimenti iniziali dell'esecuzione. Quando suona in un ensemble, lo studente si sente come un partecipante alla creazione di musica a tutti gli effetti, il che aiuta a risvegliare il suo amore per la musica.
Coltivare l'interesse per la musica come linguaggio dei sentimenti è un momento molto importante nell'istruzione primaria, poiché è durante questo periodo che vengono poste le basi per lo sviluppo delle capacità creative dello studente.
Quando eseguito insieme a un insegnante, lo studente coglie abbastanza bene le imprecisioni di ritmo e tempo. Lo studente si convince che anche la minima deviazione dal tempo, la minima violazione del ritmo, sfuggente nell'esecuzione da solista, diventi immediatamente evidente quando si suona in un ensemble.
Così, dalle prime lezioni in classe d'insieme, contemporaneamente all'apprendimento della sua parte, lo studente riceve un'idea concreta di una delle condizioni più importanti per l'esecuzione d'insieme: sincronismo dell'esecuzione, unità del polso ritmico, tempo.
Sugli stessi semplici esempi, viene assimilato il ruolo e il significato di una pausa in un testo musicale. Di solito una pausa viene "inghiottita" o memorizzata formalmente, senza senso. Lo stesso accade spesso con l'esecuzione di note lunghe. Suonare in un ensemble insegna l'attenta gestione delle lunghe durate e delle pause. Il loro ruolo nel contesto musicale diventa, per così dire, più chiaro e molto più rapidamente compreso dallo studente. Alternativamente all'insegnante, eseguendo una nota lunga sostenuta o una pausa che accompagna una frase musicale, l'insegnante è convinto della necessità di ascoltare la fine della frase senza “calpestarla”, aspettando il suo turno per eseguire questa frase.
Una lunga nota o pausa che accompagna una frase, un motivo, che suona con un'altra voce, viene percepita in modo naturale. È molto importante che il pensiero musicale non si interrompa in pause e note lunghe, in modo che questi momenti non vengano percepiti come una battuta d'arresto nella musica.
Quindi, instillare le abilità del gioco d'insieme richiede un lavoro sistematico, graduale (dal semplice al complesso) e mirato per molto tempo.
Come accennato in precedenza, l'apprendimento delle abilità elementari per suonare in un ensemble è più efficace se l'insegnante è il primo partner dello studente nell'ensemble. Le lezioni nella classe d'insieme forniscono una chiara comprensione delle capacità intonazionali del pianoforte, del bayan e della fisarmonica.
2.2. Forma collettiva di lavoro
Gli studenti delle scuole elementari che iniziano la loro prima volta in un ensemble traggono maggiori benefici dall'esecuzione di duetti. Scegliendo un repertorio interessante, aiutando a padroneggiare le difficoltà di suonare con un partner nelle lezioni individuali, l'insegnante può affascinare molto lo studente con questa forma di ensemble. I duetti sono un eccellente trampolino di lancio per unisoni e altri ensemble a due o più voci.
Uno dei compiti importanti è la selezione dei membri dell'ensemble, uguali nella loro formazione musicale e abilità strumentali. È necessario tener conto delle relazioni interpersonali dei membri dell'ensemble. Se la squadra è composta da persone che si rispettano e si apprezzano a vicenda, le lezioni sono più efficaci, i bambini si incontrano più spesso, provano più intensamente. Un clima morale e psicologico favorevole nell'ensemble è la chiave per un lavoro di successo.
Lo studente mostra un maggiore interesse per le lezioni quando non sente la propria impotenza, ma gode dei risultati del suo lavoro.
Il gioco congiunto differisce dal gioco da solista principalmente in quanto sia il piano generale che tutti i dettagli dell'interpretazione sono il frutto della riflessione e dell'immaginazione creativa di non uno, ma di diversi artisti e sono realizzati dai loro sforzi comuni. La sincronicità del suono d'insieme è intesa come la coincidenza con la massima precisione delle più piccole durate (suoni o pause) per tutti gli esecutori. La sincronicità è il risultato delle qualità più importanti dell'ensemble: una comprensione e una sensazione comuni del tempo e della pulsazione ritmica da parte dei partner.
Nel campo del tempo e del ritmo, le individualità degli esecutori sono molto pronunciate. Un leggero cambiamento di tempo impercettibile in un'esibizione da solista o una leggera deviazione dal ritmo quando si suona insieme può interrompere drasticamente la sincronia. Il suonatore d'insieme in questi casi "lascia" il partner, davanti a lui o dietro di lui. La minima violazione della sincronia quando si suona insieme viene catturata dall'ascoltatore. Il tessuto musicale è strappato, la voce che guida l'armonia è distorta.
Suonare in un ensemble aiuta un musicista a superare i suoi difetti intrinseci: l'incapacità di tenere il passo, un ritmo lento o eccessivamente duro, aiuta a rendere la sua performance più sicura, brillante e diversificata.
Se scegli abilmente il repertorio, i ragazzi avranno fiducia nelle loro capacità, l'interesse sarà attivato. È molto utile organizzare un ensemble con un cantante. R. Schumann consigliava anche di accompagnare più spesso i cantanti in modo che i pianisti potessero sentire più sottilmente il respiro di una frase musicale, di fronte a un tipo di scienza del suono completamente diverso (rispetto al pianoforte): un lungo canto, la lunghezza del suono di un frase, e la sua enorme flessibilità.
Le lezioni di accompagnamento sono importanti anche per ampliare la gamma dinamica di un pianista, bayanista, fisarmonicista. Dopotutto, ogni accompagnamento dovrebbe essere suonato in modo diverso, con diversa forza del suono, fraseggio, densità, enfasi sui registri bassi o alti dello strumento.
La scelta di questo o quel tratto dipende interamente dal contenuto musicale e dalla sua interpretazione da parte degli esecutori. Lavorare su un tratto è un raffinamento del pensiero musicale, trovando la forma più riuscita della sua espressione. I tratti nell'insieme dipendono dai tratti delle singole parti. Solo con un suono generale è possibile determinare l'opportunità artistica e la persuasività della soluzione di qualsiasi domanda tratteggiata. I tratti in alcuni testi sono indicati con l'ausilio di leghe, punti, trattini, accenti, indicazioni verbali.
In conclusione, vorrei sottolineare che la cosa principale per tutte le forme di lavoro è che l'iniziativa creativa rimane allo studente. Il compito dell'insegnante è sviluppare e attivare l'inizio creativo della personalità del bambino.
2.3. Disciplina esterna e creativa nell'ensemble
Concerto, performance - è il risultato creativo di qualsiasi squadra. L'oggetto dell'attenzione del leader dovrebbe essere la preparazione dell'ensemble per la performance, il comportamento sul palco, lo sviluppo di un'attenzione sostenuta, la chiarezza e la ponderazione delle azioni. I partecipanti devono sapere chiaramente chi sale sul palco da quale parte e dietro chi. È necessario assicurarsi che tutti escano attivamente verso l'esterno con la postura corretta, osservino l'intervallo di movimento, camminino a un certo ritmo uniforme, conoscano il proprio posto sul palco, si alzino o si siedano magnificamente e tengano magnificamente lo strumento quando se ne vanno. Momento organizzativo non meno difficile: lasciare il palco. Altrettanto importante è l'esattezza dell'aspetto dell'oratore. Si raccomanda di discutere collettivamente della performance dei membri dell'ensemble, per dare l'opportunità di esprimere le loro impressioni sul loro gioco. Suonare in un ensemble offre al giovane musicista l'opportunità di comunicare in modo creativo con le grandi masse di ascoltatori. Il gioco d'insieme non è solo una delle forme importanti di sviluppo delle capacità professionali tra gli artisti. Forma anche il carattere, infonde nei bambini un senso di collettivismo, cameratismo, coinvolgimento in una grande causa, promozione della cultura musicale. Il compito della scuola di musica e degli insegnanti è diffondere ampiamente nuovi compositori, educare alle opere classiche, studiare opere in diversi stili e generi. È molto importante che gli stessi insegnanti suonino ai concerti, dando l'esempio ai bambini.
Lo sviluppo della performance d'insieme contribuisce all'ulteriore crescita della popolarità della fisarmonica a bottoni e della fisarmonica, gli strumenti preferiti del popolo russo. L'educazione della squadra dell'ensemble è uno dei compiti più importanti dell'insegnante-leader.
2.4. Metodologia delle lezioni d'insieme
Le lezioni d'insieme in una scuola di musica non possono essere ridotte a riunioni generali di studenti con un insegnante per l'apprendimento e l'esecuzione congiunta di brani. È chiaro che senza la necessaria libertà tecnica, senza una sicura padronanza del testo, le riunioni congiunte dei membri dell'ensemble sono generalmente prive di significato. Ma la ripetuta esecuzione congiunta di un brano, anche con parti coscienziosamente ben preparate, non porta ancora alla soluzione di specifici problemi d'insieme. L'esatta riproduzione del testo, l'esecuzione di tutte le sfumature, i tratti, i cambi di tempo indicati dall'autore o dall'insegnante dovrebbero essere combinati con un senso comune per tutti i partecipanti. respiro da prestazione. Ecco perché suonare in un ensemble deve essere insegnato specificamente come uno dei tipi di arte musicale.
Alle lezioni dell'ensemble, i bambini imparano ad ascoltare se stessi, i loro partner e allo stesso tempo il suono dell'ensemble nel suo insieme. Imparano come "adattarsi" al suono generale dell'ensemble, a volte "dissolvendosi" in esso, a volte venendo alla ribalta, obbedendo all'interpretazione artistica e alla logica del brano. Una delle caratteristiche del gioco d'insieme è che diverse persone con diversi livelli di sviluppo musicale e formazione performativa sono combinate in un unico organismo performante.
La metodologia delle lezioni d'insieme è uno dei temi urgenti dell'educazione musicale.
a) selezione del repertorio
Quando si lavora con i membri dell'ensemble scolastico, è necessario prestare molta attenzione alla compilazione del repertorio. Il repertorio dovrebbe essere compilato tenendo conto non solo delle capacità tecniche degli studenti, ma anche del loro temperamento, della "resistenza pop" e dell'età. In piccoli ensemble (duetti, trii) ha senso unire studenti con capacità approssimativamente uguali. In grandi ensemble, è possibile alternare bambini meno avanzati con quelli più forti, che hanno le capacità di intonazione stabile, moderazione ritmica ed esperienza nelle esibizioni di varietà. Di conseguenza, i partner si arricchiscono reciprocamente: uno studente più debole, come se facesse affidamento su uno forte, acquisisce gradualmente fiducia, “si allunga” verso di lui; il più forte, a sua volta, impara a guidare, non soccombendo agli errori di un partner, acquisisce l'abilità di un accompagnatore. I brani di carattere diverso (movimento e cantilena) sono accettati dai bambini con grande interesse e danno all'insegnante l'opportunità di focalizzare l'attenzione degli studenti su diversi aspetti della tecnica d'insieme - melodica e ritmica.
b) lavorare sui tratti
Suonare in un ensemble richiede un'attenzione particolare all'esatta esecuzione dei colpi. Ogni deviazione dai tratti generali viola l'integrità della percezione visiva dell'insieme e, ovviamente, interferisce con i partner e, soprattutto, danneggia l'espressività della performance, poiché i tratti portano un grande carico dinamico e semantico. Naturalmente, l'uso di questo o quel tratto dipende completamente dal contenuto dell'opera, sfumatura, tempo, schema ritmico.
Lavorare sui tratti è un raffinamento del pensiero musicale, trovando la forma più riuscita della sua espressione. La sincronicità è il primo requisito tecnico del gioco. Dobbiamo prendere e rimuovere il suono insieme, mettere in pausa insieme, passare insieme al suono successivo.
Naturalmente, bisogna tenere conto del livello di avanzamento degli studenti, nonché del numero di partecipanti all'ensemble, poiché maggiore è la composizione dell'ensemble, più difficile è eseguire colpi complessi in sincronia.
c) lavorare sulla dinamica
La dinamica è uno dei mezzi di espressione più efficaci. L'uso sapiente della dinamica aiuta a rivelare il carattere generale della musica, il suo contenuto emotivo e mostra le caratteristiche progettuali della forma dell'opera. Di particolare importanza è la dinamica nel campo del fraseggio. Accenti logici posizionati diversamente cambiano radicalmente il significato di un brano musicale. Ad esempio, durante le lezioni, puoi invitare i bambini a eseguire un estratto dell'opera studiata, modificandone tutte le dinamiche. I risultati di tale esecuzione "al contrario" sono molto convincenti per gli studenti.
L'importanza dell'esatta osservanza da parte di ciascun membro dell'insieme dei requisiti dinamici dovrebbe essere compresa dagli studenti fin dalle prime lezioni. Inoltre, non dobbiamo permettere l'identità formale dell'esecuzione delle istruzioni dinamiche. L'insegnante insegna la capacità di eseguire correttamente l'una o l'altra sfumatura generale in voci diverse, a seconda del loro carico semantico, comprendendo la relatività del suono della stessa sfumatura (il pianoforte della melodia è più luminoso del pianoforte della figura di accompagnamento). Le sfumature spesso causano cambiamenti di tempo (forte - più veloce, piano - più lento, crescendo - accelerando ...). Fin dalla prima lezione, l'insegnante deve prestare costante attenzione a questo.
d) imparare a leggere gli spartiti
Con l'ensemble, la lettura a prima vista è obbligatoria. È necessario scegliere lavori più leggeri in modo che le difficoltà tecniche non distraggano lo studente dai compiti principali. Ogni studente riceve le prime abilità di gioco da un foglio in classe nella specialità. Ma nelle lezioni dell'ensemble, leggere le note è più efficace e suscita più interesse nei bambini. L'ovvia necessità di obbedire al polso generale aiuta a imparare rapidamente le regole per leggere le note da un foglio. Il contatto con i partner fornisce supporto, aumentando al contempo la responsabilità di ciascuno per il testo. Si acquisisce la capacità, sbagliando, di rimanere nell'ensemble, senza interferire con i partner, lo studente è convinto del valore di una diteggiatura competente, comoda, che aiuta a “afferrare” velocemente il testo.
La lettura di spartiti in un ensemble, per così dire, dimostra allo studente l'inammissibilità di eventuali correzioni, arresti, abbandono di pause, sfumature. I bambini imparano a saltare le note "non lette" per un arrivo tempestivo e accurato alla battuta, "non saltare fuori" nelle pause, leggere immediatamente la notazione delle sfumature, insieme alle note, reagendo in modo particolarmente chiaro al pianoforte, e navigare rapidamente nel materiale musicale. La pratica dimostra che la capacità di leggere bene da un foglio è una componente necessaria dell'attività creativa sia per un partecipante professionista che per un dilettante. Il successo della formazione dipende dalla serietà e dalla regolarità con cui tali lezioni vengono condotte fin dalle prime fasi dell'educazione musicale. Le lezioni di lettura a prima vista sono di grande beneficio per coltivare la fiducia sul palco, esibendosi in "tenacia" - le qualità necessarie per parlare in pubblico.
e) lavorare sul lavoro
Lavorando con lo studente sul testo musicale della sua parte, l'insegnante, essendo il primo partner dello studente, raggiunge la pura intonazione melodica e armonica. Il metodo di visualizzazione è convincente anche nel lavoro sul lato ritmico dell'opera, sfumature, tratti. Lo studente si rende conto che suonare in un ensemble richiede particolari requisiti a questi elementi, maggiori rispetto a quando si suona da soli.
Prima di incontrare i partner, lo studente deve conoscere il testo della sua parte con tutte le designazioni di tratti e sfumature. Quindi, avendo ricevuto un'idea del lavoro studiato in un ensemble con un insegnante, è pronto per le lezioni collettive.
Alla prima lezione collettiva, l'insegnante spiega chiaramente agli studenti il ruolo di ciascuna parte, il suo schema musicale, il rapporto delle voci, la distribuzione delle loro funzioni in principale, sottovoce, accompagnamento, ecc. Dalle prime lezioni di l'ensemble, si dovrebbe cercare di instillare nello studente la consapevolezza della pari responsabilità per l'esecuzione di ogni parte, ogni voce , la capacità di subordinare la propria voce ai compiti generali di questo lavoro, comprendendo ogni episodio nel contesto.
Il processo del lavoro dell'ensemble su un brano può essere suddiviso condizionatamente in tre fasi, che in pratica sono strettamente correlate tra loro:
conoscenza dell'ensemble con l'opera nel suo insieme;
sviluppo tecnico dei mezzi espressivi;
lavorare sull'incarnazione dell'immagine artistica.
Il compito della prima fase è creare un'impressione intellettuale ed emotiva comune dell'opera nel suo insieme tra i musicisti dell'ensemble.
Nella seconda fase del lavoro sul lavoro, il compito principale è superare le difficoltà tecniche dell'ensemble.
Uno dei compiti dell'insegnante nella fase finale è ottenere i massimi risultati con il minimo dispendio di energia e tempo dei musicisti dell'ensemble.
Conclusione
La partecipazione degli ensemble ai concerti è di grande importanza educativa. La pratica delle lezioni ha fornito molti esempi di come suonare in un ensemble abbia un effetto benefico sui bambini. Suscitando interesse per la musica, le lezioni dell'ensemble incoraggiano anche gli studenti negligenti a prendere più seriamente le lezioni in una scuola di musica.
La musica d'insieme non solo sviluppa un orecchio per la musica, ma contribuisce allo sviluppo del pensiero polifonico, insegna ad ascoltare e comprendere il contenuto della musica.
La maggior parte del patrimonio musicale mondiale ricade su opere scritte per orchestre o per solisti accompagnati da orchestre, opere, cori e ensemble di vario genere. La cultura musicale di un ascoltatore che ha acquisito le capacità di suonare musica d'insieme fin dall'infanzia è più alta, la tavolozza della sua percezione della musica è più ricca.
Un insegnante di una scuola di musica per bambini è responsabile della formazione dei gusti musicali dei suoi allievi. Indipendentemente da chi sta studiando, con un futuro professionista o semplicemente un amante della musica, l'insegnante deve ricordare il significato principale del suo lavoro: portare ai bambini la gioia di comunicare con la musica.
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V.Ushenin. School of Ensemble Music Making of Bayanists (Fisarmonicisti) - Parte 2, Gradi 4-6. Rostov sul Don. Fenice.2011
Suoniamo insieme: Raccolta di ensemble per fisarmonica a bottoni (fisarmonica). Rostov sul Don. Fenice.2011
Suonare il pianoforte a quattro mani è una sorta di esecuzione musicale congiunta che è stata praticata in ogni momento in ogni occasione ea qualsiasi livello di competenza strumentale viene ancora praticata. Il valore pedagogico di questo tipo di fare musica in comune non è sufficientemente conosciuto e quindi è usato troppo raramente nell'insegnamento. Sebbene i benefici dell'ensemble per lo sviluppo degli studenti siano noti da molto tempo.
Il crescente interesse per vari ensemble da camera ha reso particolarmente rilevante il compito di educare i musicisti di ensemble. Questo compito, che è necessario risolvere in tutte le fasi dell'educazione, a partire dai primi, ci fa dare uno sguardo nuovo alla possibilità di fare musica in duetto.
Qual è il vantaggio di fare musica d'insieme? Per quali motivi è in grado di stimolare lo sviluppo musicale generale degli studenti?
Il gioco d'insieme è una forma di attività che apre le opportunità più favorevoli per una conoscenza completa e ampia della letteratura musicale. Davanti al musicista ci sono opere di vari stili artistici di epoche storiche. Va notato che il suonatore d'insieme si trova allo stesso tempo in condizioni particolarmente favorevoli - insieme al repertorio indirizzato al pianoforte vero e proprio, può anche utilizzare clavicembali d'opera, arrangiamenti di opere sinfoniche da camera-strumentali e vocali. In altre parole, l'esecuzione in ensemble è un costante e rapido cambiamento di nuove percezioni delle impressioni delle "scoperte", un intenso afflusso di informazioni musicali ricche e diversificate. Il significato del suonare in ensemble: ampliare gli orizzonti di ciò che gli studenti conoscono in musica, reintegrare il fondo delle sue impressioni uditive, arricchire l'esperienza professionale, aumentare il bagaglio di informazioni specifiche, ecc. è in grado di svolgere un ruolo attivo nella formazione e nello sviluppo della coscienza musicale.
La musica d'insieme crea le condizioni più favorevoli per la cristallizzazione delle qualità musicali e intellettuali dello studente. Perché, in quali circostanze? Innanzitutto, poiché il gioco d'insieme è una forma di lavoro intraclasse, in fondo non viene portato in scena. Lo studente tratta il materiale con le parole di V.A. Sukhomlinsky "non per memorizzare, non per memorizzare, ma perdonami per il bisogno di pensare, scoprire, scoprire, finalmente, stupirmi" (00 p. 00). Ecco perché c'è un atteggiamento psicologico speciale durante le lezioni nell'ensemble. Il pensiero musicale migliora notevolmente la percezione diventa più luminoso, vivace, affilato tenace.
Garantendo un flusso continuo di impressioni fresche e diverse di esperienze, la produzione di musica d'insieme contribuisce allo sviluppo del "centro della musicalità": la reattività emotiva alla musica. L'accumulo di uno stock di rappresentazioni uditive numerose e luminose stimola la formazione di un orecchio musicale di immaginazione artistica. Con l'espansione del volume della musica compresa e analizzata, aumentano anche le possibilità del pensiero musicale (la generalizzazione delle caratteristiche essenziali di un gran numero di fatti musicali stimola la formazione di un sistema di concetti).
Sulla cresta di un'onda emotiva, c'è un aumento generale delle azioni musicali e intellettuali. Da ciò ne consegue che le lezioni di esecuzione d'insieme sono importanti non solo come un modo per espandere gli orizzonti del repertorio o l'accumulo di informazioni teorico-musicali e storico-musicali - queste lezioni contribuiscono a un miglioramento qualitativo nei processi del pensiero musicale . Quindi suonare a quattro mani è uno dei modi più brevi e promettenti di sviluppo musicale generale degli studenti. È nel processo dell'esecuzione d'insieme che i principi didattici di base dell'educazione allo sviluppo menzionati in precedenza vengono pienamente e distintamente rivelati: a) un aumento del volume del materiale musicale eseguito nell'insegnamento e b) un'accelerazione del ritmo del suo passaggio. Pertanto, un gioco d'insieme non è altro che l'assimilazione di un massimo di informazioni in un tempo minimo.
Lo sviluppo dell'intelletto musicale professionale riceve una visione completa solo se si basa sulla capacità di apprendere attivamente in modo indipendente per ottenere le conoscenze e le abilità necessarie senza un aiuto esterno per navigare nell'intera varietà di fenomeni dell'arte musicale. Nei processi di formazione del pensiero musicale gioca un ruolo non solo cosa e quanto è stato acquisito dagli allievi-esecutori durante le lezioni sullo strumento, ma anche come sono state fatte queste acquisizioni, in che modo sono stati raggiunti i risultati. Il requisito dell'iniziativa e dell'indipendenza delle azioni mentali dello studente riflette il quarto dei principi dell'educazione allo sviluppo in generale.
Il problema della formazione dell'attività e dell'indipendenza del pensiero dello studente ai nostri giorni ha acquisito un suono particolarmente vivido; la sua rilevanza è strettamente correlata al compito di intensificare l'apprendimento e rafforzare il suo effetto sullo sviluppo. L'indipendenza delle operazioni mentali è un fattore che assicura lo sviluppo stabile dell'intelletto dello studente. L'attività intellettuale basata su un approccio indipendente è un obiettivo importante per un insegnante di qualsiasi specialità. Quanto più le azioni educative dell'animale domestico della classe esecutore si avvicinano alle azioni pratiche del musicista-interprete, tanto più favorevoli sono le condizioni per la formazione dell'autonomia della creazione artistica dello studente. L'interpretazione della musica, la comprensione e l'esecuzione della divulgazione del suo contenuto figurativo e poetico è un modo efficace per diventare un intelletto professionale di un musicista.
L'effetto di sviluppo del fare musica d'insieme si manifesta solo quando si basa su una base metodologica razionale. Ciò include la politica del repertorio e l'organizzazione appropriata del lavoro sul lavoro e metodi ponderati di orientamento pedagogico. Compiliamo la "tecnologia" sviluppata della creazione di musica d'insieme e le scoperte metodologiche di insegnanti innovativi che lavorano nel sistema di formazione educativa generale degli studenti. Ad esempio, prendiamo come esempio la selezione del repertorio. La loro decisione determina l'organizzazione del repertorio del processo di apprendimento. lavorare su un'opera è il principale tipo di attività educativa nelle classi di discipline musicali e performative. Il suo potenziale di sviluppo cresce se la selezione del repertorio d'insieme viene effettuata sulla base della somiglianza delle opere in una serie di caratteristiche importanti (lo stile dei singoli mezzi di espressività musicale, il tipo di trama e tecnica del pianoforte) nei blocchi originali. La presenza nel lavoro dello stesso tipo di fenomeni musicali dei fatti delle abilità creerà le condizioni per la loro comprensione attiva e generalizzazione, che contribuisce allo sviluppo dell'intelligenza musicale. Questo processo è particolarmente evidente quando gli studenti padroneggiano lo stile musicale. La maggior parte degli insegnanti di musica di spicco come G.G. Neugauz N.N. Shumnov sottolinea la necessità di un'ampia conoscenza del lavoro dell'autore dell'opera in esame. Tale esigenza corrisponde al principio di fondarsi sul contenuto teorico della materia oggetto di studio, legando l'educazione pianistica all'origine del corso delle discipline teoriche musicali.
L'organizzazione "a blocchi" del materiale musicale viene utilizzata anche per padroneggiare determinate forme e generi di opere musicali, mezzi per eseguire l'espressività. Questo principio può essere considerato equivalente ai principi dell'attuazione di grandi blocchi da parte dei rappresentanti della pedagogia della cooperazione. La forma dell'ensemble è la più appropriata per lavorare sul materiale di cui lo studente ha bisogno per uno sviluppo musicale a tutti gli effetti. Una delle condizioni per sviluppare la reattività emotiva alla musica è fare affidamento sugli interessi musicali dello studente. È auspicabile la più attiva partecipazione dello studente alla scelta del repertorio, tenendo conto dei suoi gusti artistici individuali. L'ascesa dell'energia creativa dello studente aiuta a far fronte a molte difficoltà della crescita pianistica. Il repertorio per la creazione di musica d'insieme può includere arrangiamenti per pianoforte e trascrizioni di musica da camera e opera-sinfonica, nonché composizioni apprezzate dal pubblico amatoriale. La scelta delle opere è soggetta sia alla prospettiva di sviluppo dello studente che agli obiettivi di apprendimento. L'insegnante tiene conto del grado di sviluppo musicale e pianistico dello studente, dei suoi risultati e delle carenze del repertorio passato. In termini di difficoltà, ogni opera dovrebbe corrispondere all'ulteriore sviluppo delle sue capacità musicali e pianistiche, tenendo conto della loro obbligatoria versatilità. Pertanto, la forma d'insieme dello studio del repertorio implementa una serie di principi della pedagogia della cooperazione in anticipo rispetto alla definizione degli obiettivi della libera scelta dell'educazione senza coercizione. Questa forma di lavoro comporta una politica di repertorio più flessibile e audace volta allo sviluppo armonioso completo dello studente.
La cooperazione tra un insegnante e uno studente in pedagogia musicale è intesa come co-creazione. Nel processo co-creativo di lavorare su un'opera d'arte, sorgono le condizioni per l'attuazione delle idee principali della pedagogia della cooperazione: cambiare il rapporto tra l'insegnante e lo studente, i principi della definizione degli obiettivi e dell'educazione creativa. Per stabilire un contatto creativo reciproco tra un insegnante e uno studente, l'esecuzione congiunta di musica d'insieme è un mezzo ideale. Fin dall'inizio dell'insegnamento a un bambino a suonare uno strumento, compaiono molti compiti: atterrare, impostare le mani, studiare la tastiera, modi per suonare le note, contare le pause, i tasti, ecc. Ma tra l'abbondanza di compiti da risolvere, è importante non perdere quello principale: in questo periodo cruciale, non solo mantenere l'amore per la musica, ma anche sviluppare un interesse per le attività musicali. Dipende da molte condizioni, tra le quali un ruolo importante è svolto dalla personalità dell'insegnante e dai suoi contatti con lo studente. Dopotutto, per qualche tempo l'insegnante diventa la personificazione del musicista e della persona ideali. Eseguendo la canzone più semplice, l'insegnante è ispirato dal suo stato d'animo ed è più facile per lui trasmettere questo stato d'animo e ispirazione allo studente. Questa esperienza congiunta di musica è il contatto più importante che spesso è decisivo per il successo dello studente. Così. l'insegnante crea le condizioni per lo sviluppo di vivide impressioni musicali per lavorare su un'immagine artistica. E, cosa più importante, questo contatto musicale di solito contribuisce all'emergere di una maggiore iniziativa nello studente. Questo risveglio dell'iniziativa di una tensione attiva alla realizzazione è il primo successo nel lavoro pedagogico e il criterio principale per il corretto approccio allo studente. "Nell'ensemble insegnante-studente, l'unità è stabilita non solo tra i due, ma soprattutto, un effetto armonico tra lo studente e il compositore attraverso il mezzo dell'insegnante", sottolinea Neuhaus G.G. Il gioco di uno studente in un ensemble con un insegnante include la possibilità di trasferire l'esperienza musicale e di vita del credo esecutivo e le visioni estetiche dell'insegnante allo studente direttamente nel processo di esecuzione di un brano musicale.
Si noti anche l'originalità dell'eco con i riscontri metodologici della pedagogia della cooperazione. I dati dell'analisi teorica dell'opera (confronto delle caratteristiche del piano tonale del linguaggio armonioso della trama della melodia dell'atto) sono veri e propri segnali di riferimento. L'analisi emotiva ed estetica delle opere si riflette nella fissazione verbale o grafica di un programma emotivo soggettivo - una catena di stati d'animo vissuti dall'esecutore (V. Medushevsky, V. Ratnikov, K. Tsaturyan, Ts. Nasyrova). Pertanto, i principi dei segnali di riferimento hanno trovato una varietà di soluzioni metodologiche nella pedagogia del pianoforte.
Con questa forma di lavoro, il principio di valutazione dell'attività dello studente cambia. Viene rimosso il rischio di una valutazione negativa della prestazione e si pone la possibilità di altre forme di valutazione volte a sviluppare un senso di sicurezza fiducia. La forma della creazione di musica d'insieme ti consente di trovare il carattere e la forma di valutazione più ottimali. Di norma, questo tipo di lavoro non è soggetto a esami e non è soggetto a rigidi criteri di valutazione. E quindi, i bambini che svolgono questo tipo di lavoro in classe, esibendosi ai concerti, ricevono una carica emotiva positiva dal suonare insieme. Fare musica d'insieme comporta anche forme di controllo come le “conversazioni al pianoforte”, riunioni collettive su un argomento prestabilito. L'ultima opzione è l'incarnazione dell'idea di pedagogia della cooperazione sulla creatività collettiva degli studenti. La pedagogia pianistica in quest'area ha le sue tradizioni provenienti da A.G. e N.G. Rubensteinov, V.N. Safonov. N.K. Medtner, G.G. Neuhaus. La forma del fare musica d'insieme è l'area dell'azione più visiva e attiva dei principi della pedagogia della cooperazione e, allo stesso tempo, un esempio della loro rifrazione creativa secondo i compiti e le caratteristiche della pedagogia musicale. Il gioco d'insieme è terreno fertile per la nascita di un prodotto collettivo in un'atmosfera di collaborazione. Sopperisce alla mancanza di formazione individuale e la creazione di musica d'insieme, durante la quale avviene la creazione congiunta di un'immagine, è il modo per risolvere questo problema.
Il ruolo dell'ensemble nella fase iniziale dell'apprendimento del pianoforte è inestimabile. È il modo migliore per interessare il bambino, aiuta a colorare emotivamente la fase iniziale di apprendimento solitamente poco interessante. Imparare elementare a suonare il pianoforte - un'area di lavoro con uno studente che ha le sue caratteristiche specifiche I principi di tenere conto delle caratteristiche crescenti dello studente emergono chiaramente. I bambini iniziano a conoscere la musica e lo strumento all'età di 0 - 0 anni. Questa è la transizione dall'attività di gioco a quella educativa e cognitiva. Dopo aver ricevuto una serie di conoscenze e abilità preparatorie, lo studente inizia a padroneggiare le basi soprattutto del pianoforte. E immediatamente compaiono molti nuovi compiti: atterrare l'impostazione delle mani, contare le note, ecc. Spesso questo spaventa il bambino lontano da ulteriori attività. È importante che il passaggio dal gioco alle attività educative e preparatorie avvenga in modo più fluido e indolore. E in questa situazione, fare musica d'insieme sarà la forma ideale di lavoro con gli studenti. Fin dalla prima lezione, lo studente è coinvolto nella produzione musicale attiva. Insieme all'insegnante suona brani semplici ma già artistici. I bambini provano immediatamente la gioia della percezione diretta anche di un granello d'arte. “La performance congiunta dell'insegnante e dello studente collega l'udito dei bambini a quello che Busoni chiamava “il chiaro di luna che si riversa sul paesaggio”. Intendo il pedale del pianoforte. Il suono riprodotto con il pedale diventa più ricco e contribuisce a uno sviluppo più intenso dell'immagine sonora. (00 sec. 000)