Alessandro Borodin. Eroe della musica russa. Lezione aperta "La musica eroica di Borodin" Programma della Sinfonia 2 di Borodin in parti

18.06.2019

16 gennaio 2013, 02:40

I musicologi nazionali distinguono due tipi di sinfonismo russo:
conflittuale (lirico-drammatico),
epico.
Un rappresentante del primo tipo è, ad esempio, Čajkovskij; il secondo è Borodin.
L'integrità in una sinfonia epica è di tipo diverso rispetto a quella in una sinfonia conflittuale.
Il ciclo di una sinfonia epica non va in pezzi, perché ogni parte rappresenta un aspetto della vita (testi, dramma, commedia).
Insieme, queste parti creano un quadro completo del mondo.
Borodin è l'autore di una sinfonia epica, riconosciuta come uno standard.
Quello standard: ciclo.
La prima parte incarna l'eroismo.
Interessante è il rapporto tra tempo (Allegro) e densa orchestrazione.
Si crea un effetto puramente borodiniano di monumentalismo dinamico sinfonico.
Il monumentalismo dinamico è una massa sonora voluminosa e sedentaria, a cui viene dato un ritmo rapido che non corrisponde alle sue capacità.
Borodin è stato il primo nella musica russa a infrangere la legge della massa e della velocità.
Il secondo movimento è uno scherzo.
Per Borodin questa è una tradizione.
La seconda parte incarna l'idea del mondo come gioco.
Maschere lampeggianti.
Questa parte rivela in larga misura un tratto caratteristico della personalità di Borodin: l’umorismo.
La terza parte contiene due sfere figurative: testi e dramma.
Il finale ripete l'idea della prima parte in forma generalizzata.
L'idea di fondere l'eroe e le masse.
Il secondo standard: interpretazione della forma sonata.
La forma sonata di una sinfonia epica è diversa dalla forma sonata di una sinfonia conflittuale.
Innanzitutto, il tematismo.
Il tema della sinfonia epica è costruito su intonazioni generali; ha collegamenti con il folklore russo.
Tale tematismo non ha bisogno di ulteriore sviluppo; ha fondamentalmente una struttura completa.
Tutti i temi della sinfonia non sono sviluppati, Borodin li ripete solo a un'altezza diversa.
Il tema del GP è un fenomeno unico.
Contiene la dualità nazionale:
terze e quarte pesanti con una pesante "caduta" sul tono fondamentale - puramente russo,
la sua intonazione iniziale è qualcosa di orientale.
La sua soluzione modale è unica:
Variabilità russa della terza fase,
Frigio minore con IV ridotto (trovato nella musica orientale).
I suoi toni di riferimento delineano le principali zone tonali del movimento:
inizio dello sviluppo – c-mill,
PP in ripresa – Es (Dis)-dur.
GP e PP hanno intonazioni comuni.
La seconda parte “campana” del GP è simile all'intonazione iniziale del PP.
Questa è la base per la successiva convergenza degli argomenti.
Anche lo sviluppo di una sinfonia epica è diverso da quello di R. conf. sinfonia
È dominato dall’idea di integrità (immutabilità).
La frammentazione dell'argomento non mira a distruggere l'argomento, ma ad avvicinarlo ad altri argomenti sulla base di intonazioni comuni.
Quasi immediatamente appare un ibrido di GP e PP: 5a battuta da ts.6.
Si sviluppa in modo indipendente.
Sulla sua base viene creato un canone politonale (ts. 7).
Successivamente, GP e PP suonano uno dopo l'altro come una naturale continuazione l'uno dell'altro.
Molto interessante lo schema tonale del GP in sviluppo: do (frigio, con terza vibrante) – sol – fa – re.
Il principio di una grande corsa:
Come portatore di funzionalità modale, Borodin propone non un accordo, un tono o una tonalità, ma complessi modali integrali.
Un'altra manifestazione di questo principio: lo sviluppo nello sviluppo mira a un'implementazione sempre più potente degli argomenti.
Scherzo.
Il suo ritmo è al limite delle sue capacità esecutive – un totale =108 (!).
La chiave di Fa-dur si acquisisce gradualmente.
All'inizio suona un non accordo di dominante senza quinta in si-moll.
Grazie alla sostituzione enarmonica (il basso da fis viene spostato a do), si forma la tonalità di fa-dur.
Secondo il principio di Beethoven, il GP emerge gradualmente.
Il trio ha un carattere orientale.
La terza parte.
Andante, Des major.
Forma sonata.
GP – ambito lirico-epico.
Blocco SP e PP (e-C-As) – drammatico.
Programmazione generale - Borodin ha voluto disegnare la figura di Bayan:
prima il salterio (arpa), poi un canto sulle “cose del passato” (corno solista).
Lo sviluppo scaturisce dalla RFP, il che crea una straordinaria flessibilità nella forma.
Il finale.
N-dur.
Il tema del GP è vicino alla canzone popolare “Vado a Tsargorod”.
(È stato utilizzato da Balakirev in “100 Anni”).
GP e PP formano un'epica opposizione tra il maschile e il femminile.

AP Borodin "Sinfonia del Bogatyr"

La sinfonia “Bogatyrskaya” è l’apice della creatività sinfonica di Borodin. L'opera glorifica il patriottismo e il potere della Patria e del popolo russo. La chiarezza del suono, la purezza dei timbri e le melodie incredibilmente belle ti fanno vedere la ricchezza delle tue terre natali. Le melodie, una dopo l'altra, sembrano aprirci la porta della storia, riportandoci alle origini, alla creatività epica.

Non è un caso che la sinfonia si chiami “Bogatyrskaya”. Puoi scoprire perché l'opera ha un nome simile, come è stata creata la composizione e molti altri fatti interessanti sulla nostra pagina.

Storia della creazione

Le immagini epiche, così come le forme sinfoniche, hanno sempre attirato l'attenzione del compositore. Nel 1869 Borodin mi è venuta in mente l'idea meravigliosa di creare una sinfonia che personifichi tutta la potenza russa esposta nei poemi epici. Nonostante il fatto che la prima parte della composizione sia stata completata nel 1870 e mostrata agli amici Cerchio Balakirevskij, il lavoro procedette piuttosto lentamente. Il motivo principale delle lunghe pause nell'attività musicale era che Alexander Borodin era un chimico eccezionale e l'attività professionale era spesso la sua priorità. Inoltre, contemporaneamente, era in corso la composizione di un’opera di maggiori dimensioni, vale a dire l’opera “ Il principe Igor"(da qui vale la pena evidenziare la parentela delle due opere).

Di conseguenza, la seconda sinfonia fu completata solo sette anni dopo, nel 1876. La prima ebbe luogo nel febbraio dell'anno successivo sotto gli auspici della Società musicale russa a San Pietroburgo. La composizione è stata diretta dallo straordinario direttore d'orchestra del XIX secolo E.F. Guida. Per la presentazione era riunito l'intero mondo della società di San Pietroburgo. La sala si è rallegrata. La seconda sinfonia ha sicuramente creato scalpore.

Nello stesso anno seguì una prima di Mosca di altrettanto successo. Ha diretto l'incomparabile Nikolai Grigorievich Rubinstein. È interessante notare che durante l'ascolto la società è stata divisa in due parti in base alle loro impressioni: alcuni hanno riconosciuto che l'autore era in grado di ritrarre pienamente il potere e l'invincibilità della Rus', mentre altri hanno cercato di contestare l'uso del folklore russo nella musica secolare. .

Uno degli ascoltatori era un compositore ungherese ed eccellente pianista F.Liszt. Dopo il discorso, ha deciso di sostenere Alexander Borodin e di mostrargli il proprio rispetto come professionista di altissimo livello.

Attualmente, la “Bogatyr Symphony” è una delle opere incluse nel repertorio permanente di molte orchestre sinfoniche in tutto il mondo.

Fatti interessanti

Quando ho sentito il pezzo per la prima volta, Musorgskij modesto Sono rimasto piacevolmente sorpreso. Ha suggerito di chiamare l'opera "Eroica slava", ma il nome non è rimasto.
Il lavoro sulla sinfonia è continuato per sette anni interi. Il fatto è che Borodin semplicemente non aveva il tempo di comporre musica, poiché allo stesso tempo era attivo come professore, il che lo obbligava a condurre “corsi di medicina femminile”.
Nel film documentario “Sergei Gerasimov. Bogatyr Symphony”, l'opera è un leitmotiv che permea l'intero percorso di vita del grande regista dell'URSS.
La prima esecuzione della sinfonia fu molto apprezzata non solo dai compatrioti del compositore, ma anche da famosi musicisti stranieri. F. Liszt, dopo l'ascolto, rimase scioccato nel profondo; dopo la prima, si avvicinò a Borodin e gli consigliò di seguire i propri sentimenti nella musica e di non ascoltare le grida dei critici dispettosi, poiché la sua musica ha sempre una logica chiara ed è eseguito abilmente.
La terza e la quarta parte formano un unico miniciclo, per cui vengono eseguite senza interruzione.
Vale la pena notare che a quei tempi i compositori russi scrivevano poco nel genere “sinfonico”, quindi Alexander Porfiryevich Borodin, insieme a Rimskij-Korsakov E Čajkovskij sono considerati i fondatori della sinfonia classica russa.
In molti modi, la Seconda Sinfonia è simile all'opera Prince Igor. Il fatto è che la scrittura procedette parallelamente. Spesso il compositore prendeva in prestito temi da un'opera e li inserirà in una sinfonia o, al contrario, li componeva originariamente per una sinfonia e li utilizzava in un'opera. Quindi il tema principale della sinfonia aveva lo scopo di esporre l'immagine dei russi nell'opera "Il principe Igor".
Il primo tema è basato sulle intonazioni della famosa canzone laburista Burlatsky "Ehi, facciamo un grido!"
Pochi lo sanno, ma inizialmente Stasov propose di chiamare l'opera sinfonica "Leonessa". Ma dopo aver riconsiderato veramente il piano di Alexander Borodin, il grande critico suggerì di chiamarlo “Bogatyrskaya”. L'idea gli è venuta dopo che il compositore gli ha parlato della natura programmatica della musica.
L'opera è stata curata seriamente da due maestri della composizione e dell'arrangiamento, vale a dire Nikolai Rimsky-Korsakov e Aleksandr Glazunov. Oggi questa edizione viene eseguita più spesso della versione originale.
Il tema principale del finale è la canzone popolare "Vado a Costantinopoli".

Il lavoro di Alexander Borodin si basa principalmente su immagini epiche russe che evocano negli ascoltatori l'orgoglio per la Patria.

La composizione è composta da quattro parti classiche; l'unica differenza è che l'autore ha scambiato la seconda e la terza parte nella struttura per realizzare la propria idea compositiva.

Il genere della sinfonia è epico, il che determina la presenza di immagini corrispondenti al tema, tra cui il potente eroe che difende la Patria e il narratore Bayan.

È interessante notare che l'opera non ha un concetto programmatico chiaro (poiché non esiste una fonte letteraria alla base della sinfonia), ma risaltano le caratteristiche programmatiche. In relazione a questo fatto, ciascuna parte può avere nomi convenzionali:

Parte I – Sonata allegro. "Incontro di eroi."
Parte II – Scherzo. "Il gioco degli eroi"
Parte III – Andante. "Canzone di Bayan"
Parte IV – Finale. "Festa eroica"

Alexander Borodin parlò a Stasov di questo nome per le unità. Vale la pena notare che il compositore non ha insistito per introdurre un programma specifico, permettendo all'ascoltatore di inventare lui stesso le immagini. Questa caratteristica è in gran parte caratteristica della creatività dei partecipanti " Un gruppo potente”, e si manifesta solo in una gravitazione verso il software.

Lo sviluppo drammatico è costruito sulla tecnica della dinamizzazione per contrasti, tipica di una sinfonia epica; per meglio comprendere l'intero significato inteso dall'autore è necessario esaminare ogni parte più in dettaglio.

La sonata allegro è costruita su due parti contrastanti: la prima parte ha un carattere severo e coraggioso ed è eseguita all'unisono, personificando potere e forza eroici, il secondo tema è pieno di energia vitale, dimostrando abilità giovanile e rapidità d'animo. La parte si sta sviluppando attivamente, il nuovo materiale musicale è già in fase di sviluppo, mostrando la scena della battaglia degli eroi, si sta svolgendo l'inizio dell'azione. Il finale è un suono schiacciante del tema principale "eroico".

Lo scherzo contrasta nel carattere con il movimento precedente. Si può considerare che in termini drammatici rappresenti una liberazione emotiva.

La terza e la quarta parte devono essere intese come un tutt'uno. Andante è un racconto Bayan, che determina il corrispondente insieme di tecniche figurative e strumentali, come l'imitazione del suono dei gusli mediante l'arpa, la presenza di una dimensione variabile caratteristica del racconto. Lo sviluppo interno della parte si basa sulla solenne proclamazione del tema “eroico” nella ripresa, che prepara così l'inizio di una nuova parte, che è contrassegnata come la “festa degli eroi”. Il finale è caratterizzato dall'uso di timbri luminosi per la cultura russa: pipe, gusli, balalaika. La sinfonia si conclude con un fantastico tripudio di colori musicali, che riflette l'abilità e l'energia del popolo russo.

Il cambiamento di immagini musicali su larga scala brillantemente contrastanti, collegate dall'unità di intonazione: questo è il principio principale della sinfonia di Borodin, manifestato in molte delle sue creazioni.

La sinfonia “Bogatyr” è una cronaca musicale dell'antica Rus'. Grazie al talento Alessandra Borodina e il suo sconfinato amore per la storia russa, la direzione epica si diffuse e si sviluppò attivamente nel lavoro di compositori come Tanev, Glazunov e Rachmaninov. La seconda sinfonia rappresenta un simbolo speciale della Russia, della sua cultura e identità, che non svanirà nel corso degli anni, ma acquisirà potere ogni anno.

Video: ascolta la “Sinfonia Bogatyr”

Alessandro Borodin. Eroe della musica russa

Borodin era un compositore dal talento unico e uno scienziato eccezionale. Il suo non così vasto patrimonio musicale lo pone però alla pari dei più grandi compositori russi.

Biografia

Alexander Borodin nacque a San Pietroburgo nel 1833 da una relazione extraconiugale tra il principe georgiano Luka Stepanovich ed Evdokia Antonova. Per nascondere le origini del ragazzo, fu registrato come figlio del servo del principe, Porfiry Borodin. Alexander è stato allevato da sua madre, ma nella società è stato presentato come suo nipote.

Fin da bambino, il ragazzo padroneggiava tre lingue straniere: francese, tedesco e inglese.

Nel 1850 Borodin entrò all'Accademia medico-chirurgica, ma mentre studiava medicina continuò a studiare chimica, che divenne il lavoro della sua vita.

Nel 1858 Borodin ricevette il titolo di Dottore in Scienze e andò all'estero per tre anni: a Heidelberg, in Germania, e poi in Italia e Francia. Ad Heidelberg, Borodin incontrò la talentuosa pianista russa Ekaterina Protopopova, che in seguito sposò. Nel 1869 adottarono una bambina di 7 anni.

Nel corso dei due decenni successivi, la carriera di Borodin all'Accademia si sviluppò brillantemente: nel 1864 divenne professore e nel 1872 giocò un ruolo importante nella fondazione dei corsi di medicina femminile.

Pur studiando diligentemente scienze, Borodin allo stesso tempo non abbandonò gli studi di musica, sebbene lo considerasse solo il suo hobby. E, nonostante Borodin fosse davvero uno scienziato di successo, è stata la musica a immortalare il suo nome.

Al ritorno in Russia, nella vita di Borodin si verificarono grandi cambiamenti, grazie alla sua conoscenza con Mily Balakirev e la sua cerchia, che comprendeva anche i compositori Modest Mussorgsky, Cesar Cui e Nikolai Rimsky-Korsakov. Anche Borodin divenne membro di questo circolo, noto come il “Possente Manciata”. I compositori del “Mighty Handful” vedevano il loro obiettivo come lo sviluppo della musica nazionale russa.

Le opere principali di Borodin sono tre sinfonie, due quartetti d'archi, un dipinto sinfonico, 16 romanzi e canzoni e diverse opere per pianoforte: un'eredità non così scarsa per un compositore che scriveva di tanto in tanto. Inoltre, tutte queste opere sono ottimi esempi di musica classica.

Tuttavia, per circa 18 anni, tutti i pensieri di Borodin come compositore furono legati all'opera principale della sua vita: la brillante opera "Il principe Igor", che non fu mai completata.

Dicono che...
La sorella di M. I. Glinka, L. I. Shestakova, ha ricordato: “Amava soprattutto la sua chimica, e quando volevo accelerare il completamento del suo lavoro musicale, gli ho chiesto di prenderlo sul serio; invece di rispondere, ha chiesto: "Hai visto un negozio di giocattoli sulla Liteiny, vicino alla Nevskij, sull'insegna del quale è scritto:" Divertimento e affari? Alla mia osservazione: "A cosa serve?" - ha risposto: "Ma, vedi, per me la musica è divertente e la chimica è affari".
Gli amici di Borodin erano molto preoccupati che ci fosse di nuovo un'interruzione nei lavori sull'opera Il principe Igor. Rimsky-Korsakov venne e disse al compositore che "Igor" doveva essere completato a tutti i costi.
- Tu, Alexander Porfiryevich, sei impegnato con le sciocchezze che chiunque può fare in varie società di beneficenza, ma solo tu puoi finire "Igor".

Il grande compositore e scienziato morì durante una serata di carnevale il 15 febbraio (27 febbraio) 1887. Aveva solo 53 anni. Fu sepolto nel cimitero dell'Alexander Nevsky Lavra accanto ai suoi amici: Mussorgsky, Dargomyzhsky, Serov.

“Il principe Igor” fu completato da Rimsky-Korsakov e Glazunov e la prima ebbe luogo sul palco del Teatro Mariinsky nel 1890.

La musica inebriante di quest'opera ha guadagnato popolarità all'estero quando a Broadway è stato messo in scena il musical Kismet, in cui sono stati utilizzati frammenti dell'opera del grande compositore russo.

Suoni della musica

"Principe Igor"

La trama dell'opera è stata suggerita al compositore da V. Stasov, che ha anche abbozzato la prima versione del libretto, basata sull'opera dell'antica letteratura russa "Il racconto della campagna di Igor". Il Laico ha raccontato della campagna infruttuosa del coraggioso principe Igor contro i Polovtsiani, le tribù nomadi orientali. Al compositore è piaciuta la trama. Tuttavia, è stato costretto a sottrarre costantemente tempo alla creazione dell'opera a favore del lavoro scientifico, quindi il lavoro sull'opera è durato per anni. Il compositore stesso scrisse il libretto e, volendo ricreare l'epoca nel miglior modo possibile, studiò prima i monumenti dell'antica letteratura russa, così come le opere di scienziati che avevano qualche relazione con la trama che aveva scelto.

Nonostante il fatto che i compositori di The Mighty Handful fossero pieni di entusiasmo per il principe Igor, Borodin perse improvvisamente completamente interesse per l'opera e non la toccò per molto tempo, ignorando le suppliche dei suoi amici. Si mise invece a lavorare alla Seconda Sinfonia, che compose anche lui a singhiozzo, tra le sue attività scientifiche. Ironicamente, la persona che convinse il compositore a riprendere l’opera dimenticata fu l’amico di Borodin, il giovane dottor Shonorov, e non i compositori di The Mighty Handful. Ad esempio, N. Rimsky-Korsakov ha ripetutamente tentato di spingere Borodin al completamento. Ma inutilmente. Incoraggiò il compositore a ritornare all'orchestrazione delle Danze Polovtsiane, stando letteralmente sopra di lui mentre lavorava sulla partitura con una matita (per accelerare il processo), e la coprì con un sottile strato di gelatina in modo che le linee musicali non essere cancellato.

Poiché Borodin non ebbe il tempo di completare l'opera, fu completata dai compositori Glazunov e Rimsky-Korsakov. La prima ebbe luogo nel 1890. Glazunov ricostruì a memoria l'ouverture che aveva sentito eseguire dall'autore più di una volta. Quest'opera, sebbene incompiuta, era un brano musicale eccezionale basato su una trama su larga scala, che raccontava sia l'aspra lotta che l'amore sincero.

L'azione inizia nell'antica città russa di Putivl, dove il principe Igor, lasciando la moglie, insieme al figlio e al seguito, si prepara a intraprendere una campagna contro i Polovtsiani sotto la guida di Khan Konchak. Sullo sfondo degli eventi militari, la trama è complicata dalla relazione d'amore tra il figlio di Igor, il principe Vladimir, e la figlia del khan, Konchakovna.

L'ouverture inizia in uno stato d'animo pensieroso che sboccia in colori sfrenati e ribelli che anticipano le scene e gli eventi contrastanti che si svolgono nell'opera. Insieme ai suoni delle chiamate militari, qui si sentono temi orientali elaborati e speziati associati all'immagine di Khan Konchak, e l'espressiva melodia lirica degli archi riflette le esperienze emotive di un cuore amorevole, intrecciate nel contorno musicale.

Le danze polovtsiane si sentono nel momento in cui l'azione dell'opera viene trasferita nel campo polovtsiano. Dove il principe Igor e suo figlio languono prigionieri di Khan Konchak.

Sorprendentemente, il khan tratta i prigionieri in modo ospitale. È persino pronto a lasciare andare Igor se dà la sua parola di non alzare la spada contro i Polovtsiani. Tuttavia, Igor dichiara coraggiosamente che, avendo ottenuto la libertà, riunirà nuovamente i suoi reggimenti contro il khan. Per dissipare i pensieri cupi del principe, Konchak ordina alle schiave di cantare e ballare. All'inizio si sente il loro canto, pieno di tristezza e fascino gentile, ma poi all'improvviso viene sostituito da una danza selvaggia e guerriera di uomini. I suoni potenti del tamburo esplodono come una tempesta, dando inizio a una danza frenetica: tutti glorificano il valore e la forza del khan. In seguito, ci sembra di sentire il clangore degli zoccoli - cavalieri audaci galoppano sui cavalli - questo ritmo frenetico lascia nuovamente il posto alla dolce melodia delle schiave, finché alla fine la danza sfrenata irrompe con rinnovato vigore. I temi precedenti si susseguono accelerando il ritmo, fino a un finale grandioso, violento, sfrenato e bellicoso.

Quartetto d'archi n. 2

Pur perseguendo la scienza, Borodin scrisse musica principalmente per modesti ensemble da camera. Nel mezzo del suo percorso creativo, Borodin tornerà alla sua forma preferita: il Quartetto per archi n. 2 sarà creato nel 1881.

Nonostante l'atmosfera di leggera tristezza che permea l'intera opera (il quartetto è stato scritto subito dopo la morte del suo amico M. P. Mussorgsky), è dedicato alla sua amata moglie. Il 3o movimento (arrangiato per orchestra d'archi) si apre con una dolce melodia espressiva di violoncelli, supportata da un delicato accompagnamento. Poi la melodia viene ripresa da altri strumenti e, sviluppandosi, ci porta al 3° movimento, più concitato. Presto la melodia lirica suona di nuovo, restituendo l'atmosfera pensosa in cui svaniscono gli ultimi respiri degli archi.

Sinfonia n. 2 “Bogatyrskaya”

L’alba dei poteri creativi di Borodin è associata alla composizione della seconda sinfonia “Bogatyr” e all’opera “Principe Igor”. Entrambe le opere sono state create negli stessi anni, quindi sono fortemente legate tra loro nel contenuto e nella composizione musicale.

Borodin creò la sua seconda sinfonia, la sua opera più grande, nel corso di 7 anni.

Secondo Stasov, che soprannominò la sinfonia “Bogatyrskaya”, Borodin presentò l'immagine di Bayan nel terzo movimento lento, l'immagine degli eroi russi nel primo e la scena di un'audace festa russa nel finale.

Il primo motivo musicale della sinfonia, deciso e persistente, da cui nasce la musica dell'intero 1o movimento, crea un'immagine potente degli eroi russi.

Il carattere lirico-epico è incarnato più chiaramente nel terzo movimento: il piacevole Andante. È percepito come una storia del narratore popolare Bayan sulle gloriose imprese militari degli eroi russi e degli antichi principi. Il canto solista del clarinetto sullo sfondo delle morbide tinte accordali dell'arpa ricorda il suono di un gusli. Accompagna il discorso calmo del cantante.

La Seconda Sinfonia ha un grande significato storico. Divenne il primo esempio di sinfonismo epico, che, insieme al genere pittoresco e al lirico-drammatico, divenne uno dei tipi della musica sinfonica russa.

Maggiori informazioni su Borodino

Borodin amava la musica da camera, a differenza di alcuni membri del “Mighty Handful”, che la consideravano un genere accademico occidentale. Tuttavia, anche in gioventù, Borodin scrisse il Quartetto per pianoforte in la minore, la cui creazione fu ispirata da Mendelssohn e Schumann. Più tardi scriverà altri due bellissimi quartetti d'archi di questo genere.

I romanzi e le canzoni di Borodin sono molto espressivi. "La principessa addormentata" ci immerge nell'atmosfera di pace e premurosità, tanto amata da Ravel, Debussy e Stravinsky. In "The Sea Princess" suona il richiamo della leggendaria Lorelei, che attira dolcemente il viaggiatore nell'abisso delle acque. "La canzone della foresta oscura" è una vera epopea.

Oltre alle sinfonie, Borodin ha un'altra opera orchestrale, caratterizzata da un'abilità eccezionale: il quadro sinfonico “In Asia centrale”. È stato scritto da Borodin in occasione del 25° anniversario del regno dell'imperatore Alessandro II. Questo lavoro ha portato Borodin alla fama europea. Non ha mai utilizzato direttamente le canzoni popolari russe nelle sue opere, ma le loro melodie hanno plasmato le caratteristiche del suo stile.

Prova la tua conoscenza

Quale strumento ha imparato a suonare Borodin da bambino?

Pianoforte
Violino
Flauto

Quale professione Borodin iniziò a studiare nel 1850 a San Pietroburgo?

Compositore
Violinista

Qual era la professione di Borodin?

Medico
Chirurgo
Scienziato

Qual era la professione della moglie di Borodin?

Pianista
Insegnante
Chimico

Chi ha suggerito a Borodin la trama dell'opera “Il principe Igor”?

Stasov
Gogol
Puškin

Su quali opere ha lavorato Borodin contemporaneamente all'opera "Il principe Igor"?

Quartetto d'archi n. 2
Sinfonia n. 2
Sinfonia n. 3

A cui Borodin ha dedicato il suo Quartetto per archi n. 2

A sua moglie
M. P. Mussorgskij
A Cesare Cui

A chi Borodin dedicò il dipinto sinfonico “In Asia centrale?

Nicola I
Alessandro II
Alessandro I

Quale dei compositori contemporanei di Borodin ha contribuito allo sviluppo della musica russa?

M. P. Mussorgskij
M. A. Balakirev
A. K. Glazunov

A quale comunità apparteneva Borodin?

"Sei francesi"
"Il potente manipolo"
"Artisti liberi"

Qual è il nome dell'opera più famosa di Borodin?

"Principe Igor"
"Principe Oleg"
"Principessa Yaroslavna"

Che carattere ha la Seconda Sinfonia?

Lirico
Drammatico
Epico

Presentazione

Incluso:
1. Presentazione, ppsx;
2. Suoni della musica:
Borodin. “Danze Polovtsiane” dall'opera “Il principe Igor” (frammento), mp3;
Borodin. Ouverture dall'opera “Il principe Igor”, mp3;
Borodin. Sinfonia n. 2:
Parte I Allegro (frammento), mp3;
Parte III Andante (frammento), mp3;
Borodin. Quartetto N. 2. III parte Andante, mp3;
3. Articolo di accompagnamento, docx.

OPERA SINFONICA DI BORODIN.

SINFONIA DEL BOGATYR.

Le opere sinfoniche includono: 3 sinfonie (1867, 1876, 1887); quadro musicale “In Asia centrale” (1880).

Il compositore non ha annunciato alcun programma per la Bogatyrskaya Symphony. Eppure qui ci sono caratteristiche chiare del software. Stasov ha scritto a questo proposito: “Lo stesso Borodin mi ha detto più di una volta che nella parte lenta voleva dipingere Bayan, nella prima parte - un incontro di eroi russi, nel finale - una scena di una festa eroica al suono del gusli, con l’esultanza della grande folla russa”. Questo è ciò che diede a Stasov il motivo di chiamare la sinfonia Bogatyrskaya (Mussorgsky la chiamava "eroica slava"). Tutti questi dipinti sono uniti da un'unica idea patriottica: l'idea dell'amore per la madrepatria e la glorificazione del potere eroico del popolo.

PARTE I - scritto in forma sonata allegro. L'incarnazione di immagini eroiche. La parte principale è vicina alle melodie epiche russe ed è eseguita da fiati.

La parte laterale è vicina alle canzoni liriche dello stile folk. Esprime i sentimenti lirici non solo di una persona, ma di un'intera massa di persone. Disegna l'estesa steppa russa.

Lo sviluppo è costruito secondo il principio epico e pittorico preferito di Borodin. È costruito sull'alternanza di episodi eroici, che ricordano battaglie militari, imprese epiche, e momenti lirici, più personali, costruiti sullo sviluppo di una festa parallela.

Dopo una ripresa condensata del codice, esso afferma con grande forza il primo tema.

SECONDA PARTE - scherzo dal ritmo frenetico. È collegato alla parte precedente dalla connessione più breve: un accordo esteso.

Il primo tema dello scherzo irrompe rapidamente dalle profondità del basso sullo sfondo di un'ottava ripetuta dai corni, per poi proseguire verso il basso, come “senza prendere fiato”.

Il 2° tema suona più morbido, sebbene mantenga ancora il suo carattere maschile.

La melodia del trio è piena di beatitudine orientale.

PARTE III –Andante, scritto in forma di sonata allegro. Può essere definita una canzone epica eroica. Dipinge un'immagine di Bayan, il leggendario antico cantante russo. Questa parte è percepita come la storia di un narratore popolare sulle gloriose battaglie e le imprese degli antichi cavalieri.

La parte principale sono gli accordi dell'arpa che disegnano la pizzicata delle corde sull'arpa Bayan.

Un gioco secondario sembra una continuazione di quello principale. Ma l'atmosfera qui diventa diversa, come se il narratore passasse da una storia sulla vita pacifica a una narrazione di eventi allarmanti e minacciosi.

PARTE IV - Allegro. La musica affascina con la sua portata, brillantezza, allegria e straordinaria grandezza.

La parte principale è un tema ampio e selvaggiamente allegro, il cui prototipo è la canzone popolare "Vado nella città dello zar".

La parte laterale è più lirica e calma. Ha il carattere di glorificazione e suona sullo sfondo di una sorta di "suonare l'arpa tintinnante".

La sinfonia si conclude con una musica piena di coraggiosa abilità e divertimento incontrollabile.

ROMANTICI DI A.P. BORODIN

La creatività vocale di Borodin ha un volume ridotto. Ha scritto un totale di 16 romanzi e canzoni basati su testi di A.S. Pushkin, A. Tolstoy, Heine, A. Nekrasov, nonché sui suoi testi. Possono essere divisi in 3 gruppi.

1. Romanzi che incarnano immagini di poemi epici e fiabe popolari:

"Il canto della foresta oscura", "La principessa addormentata".

2. Schizzi lirici e affermazioni psicologiche e schizzi psicologici:

"Le mie canzoni sono piene di veleno", "per le rive della patria lontana".

3. Romanzi quotidiani e divertenti:

"Arroganza", "Nelle case della gente".

"La principessa addormentata" scritto secondo il testo di Borodin. Questa storia d'amore mette a confronto le immagini di una principessa addormentata, creature fantastiche malvagie e un eroe liberatore.

"Il canto della foresta oscura" contiene un'immagine eroica più specifica. Lo stesso Borodin compose le parole nello spirito delle antiche canzoni popolari degli uomini liberi (non per niente l'autore diede alla sua storia d'amore il sottotitolo "Old Song"). In questa storia d'amore, Borodin ha mostrato immagini popolari del passato, sottolineando in esse ciò che era vicino alla modernità: la forza elementare e un desiderio incontrollabile di libertà.

“Per le rive della patria lontana” Genere: elegia. Fu scritto nel 1881 sotto l'impressione della morte di Mussorgsky. La musica di questa storia d'amore si fonde brillantemente con il testo di Pushkin. L'umore di profonda tristezza contenuta, dolore coraggioso, gravità e dolore delle esperienze contraddistinguono quest'opera del compositore.

"Arroganza" - una storia d'amore umoristica basata sulle poesie di A.K. Tolstoy, in cui le caratteristiche principali di questo genere nell'opera del compositore sono chiaramente visibili. Borodin non era caratterizzato dal ridicolo pungente o dall'ironia caustica. I suoi romanzi si distinguono per la commedia bonaria. Ma l’arroganza è un vizio sociale. Pertanto, esprimendolo, il compositore si avvicina alla satira sociale, un genere così popolare nelle opere di Dargomyzhsky e Mussorgsky.

Argomento 19 (6)

N. A. Rimsky-Korsakov

La versatilità delle attività creative e sociali di Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844-1908) - compositore, insegnante, scrittore ed editore musicale, direttore d'orchestra e promotore della musica russa. Riflessione nel suo lavoro della storia e della vita delle persone; ampio ricorso al folklore nazionale.

Anni dell'infanzia a Tichvin. Prima introduzione alla musica. Studi nel Corpo della Marina a San Pietroburgo (1856-1862). Passione per la musica, frequentazione di opere e concerti, lezioni con Canille. Conoscenza di Balakirev e il suo ruolo nello sviluppo del talento e nella formazione delle visioni artistiche di Rimsky-Korsakov. Viaggi d'oltremare (1862-1865). Completamento ed esecuzione riuscita della Prima Sinfonia; realizzazione di altre opere per orchestra.

Lavora all'opera “La donna di Pskov” basata su una trama storica. L'ascesa alla fama del compositore. Inizio dell'attività di insegnamento al conservatorio (1871). Migliorare le capacità compositive. Passione per le canzoni popolari e creazione di raccolte di canzoni. Appello alle trame popolari e fiabesche nelle opere "May Night" e "Snow Maiden".

Il periodo di massima maturità creativa; creazione delle migliori opere per orchestra negli anni '80 (“Scheherazade”, “Capriccio spagnolo”), circolo di Belyaevskij. Lavoro al completamento e alla modifica delle opere di Mussorgsky e Borodin (“Boris Godunov”, “Khovanshchina”, “Prince Igor”), esibizioni come direttore d'orchestra. Una nuova fioritura della creatività operistica dalla metà degli anni '90. La solidarietà di Rimsky-Korsakov con i sentimenti della parte avanzata della società russa durante gli anni della rivoluzione del 1905-1907. Creazione dell'opera-satira “Il galletto d'oro”. La lotta di Rimsky-Korsakov per il realismo e la nazionalità dell’arte musicale russa. Studenti e seguaci di Rimsky-Korsakov. Riconoscimento mondiale del compositore.

Una breve panoramica del patrimonio creativo. Il genere e la ricchezza tematica delle opere di Rimsky-Korsakov. La posizione principale dell'opera; la predominanza di opere fiabesche-epiche. Base del genere popolare della musica sinfonica; il ruolo del software in esso. Suite, sinfonie e opere in un movimento per orchestra. Musica vocale da camera. Opere di altri generi. Libri e articoli

Rimsky-Korsakov sulla musica. “Cronaca della mia vita musicale” come esempio di autobiografia creativa.

Dalla musica di Rimsky-Korsakov, in una lezione biografica puoi ascoltare la canzone dell'ospite varangiano e la canzone dell'ospite indiano dall'opera “Sadko”.

"Scheherazade". Rivolgersi a "Scheherazade" offre l'opportunità di ripristinare ed espandere in modo significativo le idee degli studenti sull'orchestra sinfonica. Entro la fine del terzo anno di studio, hanno già accumulato una certa esperienza uditiva dalla comunicazione con la musica sinfonica e una certa conoscenza nel campo della strumentazione. Il suono colorato dell'orchestra Rimsky-Korsakov e la natura programmatica della suite migliorano la percezione della musica, e gli episodi solisti di quasi tutti gli strumenti facilitano il riconoscimento delle loro voci. In una conversazione sull'orchestra, che diventa una sorta di introduzione allo studio della composizione orchestrale, possono essere sollevate domande che aiuteranno gli studenti a comprendere una serie di concetti relativi alla musica orchestrale e in futuro a navigarli in modo indipendente. Le principali sono: tipologie di orchestre, diverse per composizione strumentale e finalità (repertorio); orchestra sinfonica moderna, gruppi orchestrali e loro composizione strumentale, arrangiamento di gruppi sul palco del concerto; funzioni del conduttore; concetto di partitura.

Racconti arabi “Mille e una notte” come fonte del contenuto della musica della suite. Carattere favoloso e orientale della musica. Pittoresco e colorato delle immagini musicali; il ruolo espressivo dei timbri orchestrali. Struttura del ciclo. Individuazione uditiva e visiva (utilizzando esempi musicali dal libro di testo) delle qualità espressive dei temi principali dell'introduzione. Analisi della struttura della sonata del primo movimento, i suoi temi principali. Confronto di immagini contrastanti nella seconda parte, sviluppo variazionale del tema principale. Il canto e la danza caratterizzano i temi della terza parte, la sua struttura lirica. Alternanza di temi delle parti precedenti nel finale. Codici dei programmi e dei contenuti tematici.

Opera "La fanciulla di neve". "La fanciulla di neve" di Rimsky-Korsakov soddisfa al meglio gli obiettivi del lavoro educativo, sebbene l'insegnante abbia il diritto di sostituirla con qualsiasi altra opera fiabesca. Allo stesso tempo, insegnare lezioni su "La fanciulla di neve" è più difficile che presentare ai bambini "Ivan Susanin" e "Il principe Igor". In primo luogo, c'è il pericolo di semplificare, riducendo il tema dell'opera a una fiaba per bambini sulla ragazza Snow Maiden. D'altra parte, l'inizio filosofico dell'opera, il suo panteismo e ritualismo pagani e la poesia speciale sono lontani dalla visione del mondo degli adolescenti moderni. Avvicinare il lavoro di Rimsky-Korsakov alla percezione degli scolari aiuterà a rivolgersi al meraviglioso testo poetico di A. N. Ostrovsky e ad organizzare lezioni sotto forma di una composizione musicale e letteraria unica. Ciò, tuttavia, non esclude il tradizionale approccio metodologico allo studio dell'opera. Si basa sull'alternanza di frammenti di musica con la lettura del testo di Ostrovsky. La lettura espressiva di un testo poetico da parte di un insegnante è un prerequisito per la consapevolezza degli alti meriti artistici dell'opera e una percezione vivace ed emotiva delle immagini letterarie da parte degli scolari.

Così, dopo aver analizzato e ascoltato l'introduzione al prologo, si percepiscono naturalmente le righe di testo del monologo di Spring e il suo discorso agli uccelli, che preparano il "Canto e la danza degli uccelli". L'apparizione di Frost e il suo dialogo con la Primavera vengono letti secondo il testo di Ostrovsky, che motiva la scena successiva con la fanciulla di neve. La sua aria e arietta sono il centro musicale del prologo. Nella scena del saluto a Maslenitsa, si sente il primo dei cori e la scena finale, dall'apparizione della fanciulla di neve.

Il tempo limitato non ti consente di concentrarti sulla prima azione. Il significato di ciò che accade in esso è necessario per comprendere tutto ciò che segue: viene spiegato dall'insegnante con una selezione di frammenti di testo.

Nel secondo atto, puoi rivolgerti ai versi dei saggi detti di Berendey nel suo dialogo con Bermyata (il secondo fenomeno), alla denuncia di Kupava (senza ascoltare la musica del duetto) e alla frase dello zar (“Gente onesta, la sua colpa è degna della pena di morte…”). I numeri d'azione musicali tradizionalmente analizzati e ascoltati sono il corteo dello zar Berendey e la sua Cavatina. La musica lenta, tranquilla e piena di sentimento dell'aria fa un'impressione più evidente con la sua fragile bellezza dopo aver letto il suo testo basato sul libretto, che glorifica la natura potente e piena di meraviglie.

Le ultime due azioni richiedono meno attenzione e tempo, e la scelta dei frammenti di testo poetico da leggere qui è più limitata. Se il ritornello "Sì, c'è un albero appiccicoso nel campo" e "La danza dei buffoni" vengono ascoltati solo con commenti esplicativi, allora la canzone di Lelya è molto indicativa per l'analisi dei mezzi espressivi e delle caratteristiche strutturali. L'ulteriore sviluppo della trama viene brevemente raccontato e l'arioso di Mizgir funge da illustrazione musicale di ciò che sta accadendo nella foresta notturna.

L'ultimo atto inizia con la scena della Fanciulla di neve con la Primavera, da cui si legge il suo testo iniziale con tagli fino all'addio della Primavera alla Fanciulla di neve, compreso il testo del coro a colori. L'alta poesia di questi versi evoca il calore e i profumi delle giornate primaverili, avvicinando le persone alla natura. L'unità tra uomo e natura è una delle idee fondamentali dell'opera. Nella scena di fusione, nelle ultime parole di Berendey e nel coro finale, la fusione di testo e musica è percepita nella loro unità come il risultato della creazione di due grandi rappresentanti dell'arte russa. Prima di ascoltare l'arioso della Fanciulla di neve, la musica dell'opera evidenzia il tema di Yarila il Sole, tema trasformato dall'arietta del prologo, l'immagine della Fanciulla di neve viene confrontata nel finale con la sua apparizione nel prologo.

Quando studiamo questo argomento usiamo:

Note n. 27 (6)

Aiuti visuali:

Riproduzioni dalla guida della Galleria Tretyakov

Serie di ritratti di compositori

3. Audioguida:

1. “Nikolai Andreevich Rimskij-Korsakov”

4. Esercitazione video:

1. N.D. Opera di Rimsky-Korsakov "La fanciulla di neve"

NOTA N. 27 (6)

NIKOLAI ANDREEVICH RIMSKY-KORSAKOV.

(1844 – 1908)

Lavori principali:

- 15 opere: "Sadko", "Il galletto d'oro", "Kashchei l'immortale", "La sposa dello zar" e altre.

- per orchestra: 3 sinfonie, musica. dipinto “Sadko”, “Fantasia serba”, “Fiaba”, “Sinfonia su temi russi”, “Capriccio spagnolo”, “Scheherazade”, “Vacanze luminose”.

- concerti, ensemble per vari strumenti con orchestra.

- opere per pianoforte.

- 79 romanze, duetti vocali, trii e altri.

Rimsky-Korsakov è nato il 6 marzo 1844 nella provincia di Novgorod, nella città di Tikhvin. Il padre del compositore, ex governatore, possedeva una casa. La madre è la figlia di un contadino servo. La famiglia era musicale. Nika, come lo chiamavano affettuosamente i suoi genitori, ha mostrato abilità musicali molto presto. All'età di 6 anni gli fu insegnata la musica e all'età di 11 anni ottenne un grande successo. Nika faceva gli esercizi obbligatori con pigrizia, ma gli piaceva cambiare il finale dello spettacolo che stava rappresentando.

Ma a quel tempo non era solo la musica ad interessare la giovane Nika. Era molto più attratto dal romanticismo del mare - una passione che si sviluppò sotto l'influenza di suo fratello maggiore, Voin Andreevich, un ufficiale marinaio, partecipante a lunghe spedizioni, che aveva il grado di contrammiraglio. Nika era affascinata dall'idea di diventare un marinaio. Finalmente il suo sogno si è avverato. All'età di 12 anni entrò nel Corpo della Marina a San Pietroburgo.

Il corpo dei cadetti ha cambiato radicalmente il suo modo di vivere. Tutto in esso era subordinato agli ordini militari. Ma il giovane cadetto si abituò rapidamente lì, fece amicizia con gli studenti delle scuole superiori, tra cui il futuro scrittore, autore di "Storie di mare" K. Stanyukovich e l'artista V. Vereshchagin. Nikolai ha studiato bene. Per sei anni è stato sempre tra i “top ten” cadetti. Pertanto gli sono state concesse ferie settimanali. Iniziò a frequentare concerti e opere.

Ma l’educazione musicale di Nikolai lasciava molto a desiderare. Pertanto, dal 1859, iniziò a studiare con F. A. Canille, musicista, pianista, conoscitore della musica russa. Attraverso Canille, il giovane musicista ha incontrato Balakirev, Cui, Mussorgsky e Stasov. Questo è ciò che ha determinato il suo percorso futuro. Inizia a lavorare sulla sua prima opera seria: la Prima Sinfonia. Ma allo stesso tempo supera gli esami nel Corpo dei Marines e poi, come guardiamarina, gira il mondo sul clipper da addestramento militare Almaz. Il viaggio è durato 3 anni. Il clipper ha visitato Inghilterra, America, Brasile, Italia, Spagna e Francia.

Il ritorno alla musica è avvenuto molto rapidamente. Il debutto del compositore fu la Sinfonia n. 1, poi apparvero il quadro sinfonico "Sadko" e la sinfonia "Antar". Ma l'opera più grande del primo periodo fu l'opera “La donna di Pskov”. Il completamento dell'opera coincise con un felice evento nella vita del compositore: sposò N.N. Purgold, un pianista di talento, partecipante alle serate musicali del circolo Balakirev e interprete regolare di opere di altri compositori. Musorgskij la chiamava affettuosamente “la nostra amata orchestra”.

Allo stesso tempo, Rimsky-Korsakov ha lavorato molto su raccolte di canzoni russe. Per prima cosa, ha registrato e armonizzato 40 canzoni del talentuoso cantante amatoriale T. Filippov, e poi ha iniziato a cercare lui stesso canzoni popolari russe di vari generi. Era particolarmente interessato ai giochi antichi e ai canti rituali. È così che è nata la raccolta "Cento canzoni popolari russe".

Nel 1871 Rimsky-Korsakov divenne professore al Conservatorio di San Pietroburgo. Subito dopo viene invitato a prendere il posto di ispettore delle fanfare del dipartimento navale. Per qualificarsi per quest'ultima posizione, ha imparato a suonare strumenti a fiato. A metà degli anni '70 assunse anche l'incarico di direttore della Free Music School, in sostituzione di Balakirev.

Nel 1905, Rimsky-Korsakov si schierò dalla parte degli studenti dalla mentalità rivoluzionaria, per i quali fu espulso dalla cattedra. Il suo ritorno al conservatorio fu una grande vittoria per le forze democratiche.

Nella primavera del 1908, Rimsky-Korsakov iniziò a soffrire di malattie cardiache, ma continuò a lavorare sul libro di testo "Fondamenti di orchestrazione". Le sue ultime registrazioni risalgono al 7 giugno. E la notte dell'8 giugno il compositore è morto.

OPERA DI N.A. RIMSKY-KORSAKOVY.

SUL. Rimsky-Korsakov ha scritto 15 opere di contenuto diverso:

1. “La donna di Pskov” è un'opera storica.

2. “Mozart e Salieri” - opera storica.

3. “La sposa dello zar” è un'opera storica.

4. "The Snow Maiden" è una fiaba epica.

5. “La notte prima di Natale” è una fiaba.

6. "Il galletto d'oro" è una fiaba.

7. "La storia dello zar Saltan" è una fiaba.

9. "Il racconto della città invisibile di Kitezh" - un'opera fantastica.

10. "Servilia".

11. "Pan Voivode".

12. "Sadko".

13. “Mlada” - opera-balletto.

14. "Koschey l'Immortale" - una fiaba.

15. "Boyaryna Vera Sheloga".

OPERA "LA NEVE".

Genere: una combinazione di fiaba epica e dramma lirico.

Storia della creazione. Complotto: Rimsky-Korsakov amava molto la natura, soprattutto in primavera. Dopo aver letto la "fiaba primaverile" di A. Ostrovsky, dove la saggezza popolare si intreccia con il mondo dei sentimenti, ho deciso di scrivere un'opera basata sulla trama di questa fiaba. L'opera è ambientata nel regno fiabesco dei Berendey, dove tutte le persone sono gentili e giuste e amano l'arte. La menzogna e l'inganno sono considerati crimini. I Berendey adorano la natura e il sole. Rimsky-Korsakov ha mostrato usanze e rituali antichi.

Libretto: N.A. Rimsky-Korsakov.

Personaggi dell'opera:

Eroi mitici Semi-fantastici, Eroi reali:

eroi semi-reali:

Padre Gelo; Fanciulla di neve - flauto. Kupava

Primavera – corno; L'immagine è favolosamente fredda Mizgir: clarinetto basso

Leshy. e allo stesso tempo pieno di lirismo. Bobyl, Bobylikha

Lel – (clarinetto) pastore,

simbolo della magia eterna

il potere dell’arte.

Berendey – re, personificazione

governo saggio, vero

padre del suo popolo.

Nell'opera "La fanciulla di neve" Rimsky-Korsakov utilizza leitmotiv: caratteristiche musicali coerenti.

Composizione: prologo e 4 atti (predominano i numeri solisti).

Idea e drammaturgia: confronto e sviluppo di 2 ambiti diversi: il mondo umano e il mondo naturale. Vengono mostrati antichi rituali e autentici canti popolari.

PROLOGO

L'azione del prologo si svolge lontano, molto lontano, oltre le foreste impenetrabili, dove si trova il favoloso paese dei Berendey. Gli abeti rossi ispidi si ergono fino alla cintola nei cumuli di neve e Leshy e altri spiriti maligni nidificano in cavità profonde. Fa freddo nella terra dei Berendey.

L'introduzione orchestrale introduce l'ascoltatore nel regno della natura. Tra i tanti canti e temi melodici su cui si basa l'introduzione, due si distinguono.

Il tema aspro e prepotente di Babbo Natale contrasta brillantemente con il tema morbido e caldo della primavera.

INIl gallo canta e Leshy annuncia la fine dell'inverno. La primavera scende sulla terra e riferisce che Yarilo-Sun con rabbia si allontanò dai Berendey, dando la loro terra al potere di Padre Gelo, perché la fanciulla di neve, la figlia di Padre Gelo e Primavera, vive nella loro foresta protetta. Snegurochka viene rilasciata per vivere con i Beredei e Leshy viene rilasciata come guardia.

1. Canti e danze degli uccelli. L'accompagnamento orchestrale è pieno di motivi onomatopeici: melodie di uccelli registrate da Rimsky-Korsakov. Nella musica si sente chiaramente il grido del cuculo, il bussare del picchio, il ticchettio, il fischio e il tintinnio di altri uccelli. E in questo contesto suonano 2 melodie popolari: "Gli uccelli si sono radunati", "L'aquila del governatore".

2. L'aria della fanciulla di neve "Camminando tra le bacche con gli amici". CONPer 15 anni, la Fanciulla di neve ha vissuto nel folto della foresta, nascosta agli occhi umani e allo sguardo distruttivo di Yarila, e desidera ardentemente il calore dei sentimenti umani. Le piace tutto di Berendey. Le piace ascoltare le canzoni della pastorella Lel, vuole camminare con i suoi amici, ballare in tondo e ripetere le sue canzoni dopo Lel.Lo canta nella sua prima aria. La musica di quest'aria è leggera, elegante e aggraziata. Il timbro freddo del flauto accompagna costantemente la Fanciulla di neve all'inizio dell'opera.

3. Arietta Snow Maiden “Ho sentito, ho sentito...” esprime un sentimento di desiderio per le persone. La melodia lirica è costruita su intonazioni di mezzitoni. L'armonia è costituita dalle triadi maggiori e minori e dalle loro inversioni.

La seconda parte del prologo è dedicata all'antico rito di salutare Maslenitsa. Un'effigie di paglia (Maslenitsa) veniva vestita e portata per le strade cantando, e bruciata la sera, cioè si cercava di accelerare l'arrivo della primavera.

4. Coro “Addio, Maslenitsa”. La melodia del coro si basa sui giri melodici di antichi canti rituali.

Ma poi Bobyl nota la fanciulla di neve. I Berendey rimangono sorpresi, stupiti dalla sua bellezza. Insieme a Bobylikha, la porta a casa sua. Gli alberi e i cespugli si inchinano alla fanciulla di neve, salutandola.

1 AZIONE

La primavera è arrivata nella terra dei Berendey. La fanciulla di neve vive con Bobyl e Bobylikha. Anche Lel è qui. Canta 2 canzoni per la fanciulla di neve. Ma è annoiato dalla fredda fanciulla di neve, che vuole baciarlo per aver cantato. E, gettando via il fiore che le aveva regalato, Lel fugge dalle ragazze allegre. La fanciulla di neve è sconvolta, il suo cuore è stretto dalla malinconia.

5. Arietta Snow Maiden “Quanto è doloroso qui, quanto mi pesa il cuore...” - canta Snegurochka, lamentandosi sia di Lel che di Padre Gelo, che l'hanno privata del calore del suo cuore.

Accanto alla fragile fanciulla di neve appare un'altra immagine: la donna Berendey Kupava. Parla di un incontro con il bel Mizgir, un ricco ospite commerciale.

Appare Mizgir. Secondo l'usanza, deve fare regali alle ragazze che sono le amiche di Kupava per riscattare la sposa. Cantano canzoni nuziali. Ma Mizgir vede la fanciulla di neve e si dimentica di tutto nel mondo. Le promette ricchezze indicibili per amore. I Berendey sono indignati. Non c'è mai stato un simile tradimento nel loro paese. Tutti consigliano a Kupava di cercare protezione dallo zar Berendey.

2 AZIONE

L'azione si svolge nel palazzo dello zar Berendey, dove la bontà, la giustizia,

amore per tutto ciò che è bello: nelle persone, nella natura e nell'arte. Lo zar Berendey è impegnato a disegnare. Ma non può sentirsi felice. È preoccupato per lo sfavore di Yarila, l'incomprensibile raffreddamento sia della natura che dei cuori umani.

Kupava corre in lacrime e chiede la protezione del re. Scioccato dal dolore di Kupava e dal tradimento dello sposo, il re ordina che Mizgir venga processato.

5. Processione dello zar Berendey è una marcia solenne e fiabesca. Le forti grida di trombe, tromboni e altri strumenti d'ottone contrastano vividamente con il leggero pizzicato dei violini.

Il processo a Mizgir è di breve durata. Nessuno dubitava della sua colpevolezza e lui non cerca scuse. La sentenza del re è dura: lo attende l'esilio eterno. Ma Mizgir vuole guardare la fanciulla di neve un'ultima volta.

Qui appare la fanciulla di neve. Con la sua bellezza affascina tutti, compreso il re.

6. Cavatina Berendey suona come un inno tranquillo ed entusiasta di natura onnipotente:“La natura potente è piena, piena di miracoli...” Alla voce di Berendey fa eco il violoncello con la sua melodia ritmicamente ondeggiante, gentile e rilassante.

E il re capì perché Yarilo era arrabbiato con loro. Tale bellezza non può essere fredda. E lo zar Berendey decide: domani, il primo giorno d'estate - il giorno di Yarilin - di sposare tutte le spose e gli sposi davanti al sole nascente. E tra gli innamorati dovrebbe esserci la fanciulla di neve con il suo prescelto. Mizgir chiede un ritardo nell'esilio e promette di piantare l'amore nel cuore della fanciulla di neve. Berendey è d'accordo. La gente loda la saggezza di Berendey.

3 AZIONE

Alla vigilia del giorno di Yarilin - la festa del sole - i giovani ballano in cerchio al ritmo dell'autentica canzone popolare "Sì, c'è un albero appiccicoso nel campo". Gli anziani si concedono purè e pan di zenzero. Lo zar Berendey si rivolge al popolo. I buffoni ballavano. Lel ha cantato la sua meravigliosa canzone.

7. La canzone di Lelya "Una nuvola cospirava con il tuono...". L'apparizione di Lel è quasi sempre accompagnata dal delicato luccichio del clarinetto (a volte dell'oboe). Questa canzone inizia con un assolo di clarinetto che suona un'autentica melodia strimpellata. L'introduzione contiene caratteristiche figurative: imitazione del tuono (tremolo dei timpani). La melodia della canzone è basata su frasi e canti popolari.

Come ricompensa per la canzone, il re invita Lelya a scegliere una ragazza. La fanciulla di neve chiede a Lel di sceglierla, ma Lel, comprendendo il dolore del Kupava offeso, la sceglie. Tutti i Berendey si disperdono e nella radura della foresta rimane solo la malinconica fanciulla di neve.

8. Arioso di Mizgir “Sul caldo mare blu...”. Mizgir nel suo arioso implora l'amore della ragazza.

Offre alla fanciulla di neve perle inestimabili per il suo amore. Ma la ragazza non capisce i suoi sentimenti e scappa. Mizgir la sta inseguendo. La foresta prende vita, trasformandosi in un boschetto impenetrabile, e l'immagine spettrale della fanciulla di neve lampeggia in lontananza. Il goblin attira Mizgir nel deserto. La radura riprende l'aspetto precedente. Lel e Kupava escono. Loro sono felici. La fanciulla di neve corre dentro e rimprovera Kupava. Lel consiglia a Snegurochka di imparare ad amare da Kupava.

4 AZIONE

In un lago magico, in un boschetto impenetrabile, nascosto alle persone, vive la primavera. La fanciulla di neve chiede a Madre Primavera di darle un sentimento d'amore. La primavera regala una ghirlanda, i cui fiori hanno poteri miracolosi - e proprio in quel momento il mondo intero si trasforma per la fanciulla di neve. Appare Mizgir. Il suo amore devoto tocca il cuore della ragazza. Happy Mizgir la conduce dal re. Ma la fanciulla di neve ha paura dei raggi del sole. Il Sole sta sorgendo.

Il giorno di Yarilin sta arrivando: una vacanza estiva. Lo zar Berendey benedice le giovani coppie. Mizgir la porta dal re. Alla domanda dello zar sul suo amore, la fanciulla di neve risponde: "Chiedemelo cento volte, risponderò cento volte che lo amo". E in quel momento un raggio del sole nascente la illumina. Provando sentimenti incomprensibili, inizia a sciogliersi.

9. Arioso della Fanciulla di Neve “Ma cosa c'è che non va in me..” (scena di scioglimento). Se dapprima il violino solista e il flauto colorano la musica di toni caldi (“Ma cosa c'è che non va in me!? Beatitudine o morte”), poi alle parole “I love and melt...” i fiati e l'arpa (glissando) si uniscono in, che ti permette di sentire una sorta di fusione, dissoluzione della melodia.

Mizgir si getta nel lago. E Yarilo dona alle persone luce e calore. Così regnano di nuovo la pace e l'armonia tra la natura e le persone.

10. Ritornello finale “Luce e forza, dio Yarilo..” - costruito sull'aumento della forza. Lel canta la prima strofa. Il secondo è un coro di Berendeys, e il terzo è un ensemble di solisti.

La musica di "The Snow Maiden" è intrisa di amore per le persone, la natura, fede nella bellezza dell'uomo e grande apprezzamento per l'arte, che risveglia tutto il meglio in una persona, fede nel trionfo della verità e del bene.

SUITE SINFONICA “SCHEHERAZADE”.

La poeticizzazione dell'Oriente da parte dei compositori russi si riflette in vari generi musicali. Tutti sono caratterizzati da immagini magiche colorate e immagini della natura, originalità e originalità del linguaggio dell'intonazione. Basti citare il secondo atto "polovtsiano" dall'opera "Il principe Igor" di A.P. Borodin, "Coro persiano" nell'opera "Ruslan e Lyudmila"

MI. Glinka. Reale e immaginario, l’“Oriente russo” unisce natura selvaggia, dissolutezza, spontaneità e raffinatezza, languore, beatitudine, fiaba, magia, incanto.

Da diverse centinaia di anni, le persone sono affascinate ed emozionate dalle avventure di Sinbat il marinaio, che intraprese viaggi lontani e pericolosi, dal destino dell'intelligente e intraprendente Aladino, dalla storia di Ali Baba, che, dopo aver appreso le parole miracolose : “Apri Sesamo!”, si impossessò degli innumerevoli tesori di quaranta ladri, della leggenda e dell'autenticità della personalità dell'onnipotente e verbale califfo di Baghdad, Harun al-Rashid.

L'eroe delle fiabe "1001 notti" è diventato da tempo uno dei preferiti sia dai bambini che dagli adulti. Una raccolta di questi racconti apparve nel XVIII secolo in Francia. Dal francese le fiabe furono presto tradotte in molte altre lingue. "1001 Nights" è una composizione veramente popolare. È stato creato da molte generazioni di diversi popoli dell'Oriente: arabi, persiani, indù. La suite sinfonica "Scheherazade" è stata scritta in soli due mesi. Nelle quattro parti di questa fiaba musicale non solo puoi ascoltare, ma anche vedere i miracoli. La saggia e bella Scheherazade ne parla al formidabile sultano Shahriar.

La suite “Scheherazade” non è solo una serie di pittoreschi dipinti orientali, ma anche un duello tra due avversari: Shahriar e Scheherazade. L'arma del Sultano è la forza bruta, l'arma del narratore è un dono poetico, la sua sconfinata immaginazione. Chi vincerà?

La suite sinfonica “Scheherazade” di Rimsky-Korsakov (1888) è un'opera programmatica. Tutte e 4 le parti sono unite non solo da un concetto, ma anche da temi musicali comuni. Pertanto, il tema di Scheherazade appare in tutte le parti. Nel comporre la suite, il compositore intendeva innanzitutto dare a ciascuna parte il proprio nome. Tuttavia, in seguito abbandonò questa idea, ritenendo più utile per gli ascoltatori seguire liberamente la propria immaginazione.

PARTE I inizia con un'introduzione in cui suonano 2 temi contrastanti.

Il tema del re Shahriar, un sovrano formidabile e crudele, è eseguito da strumenti a fiato in un registro basso.

Il tema della giovane e bella Scheherazade suona sempre sull'assolo di violino.

La parte I era stata originariamente chiamata da Rimsky-Korsakov “Immagine del mare su cui naviga la nave di Sinbad" . La sua musica trasmette in modo sorprendentemente sottile il respiro dell'elemento mare, raffigura una serie infinita di onde, la nave di Sinbad il Marinaio che naviga attraverso la calma distesa dell'oceano. Ma la turbolenza del mare aumenta gradualmente, e ora la musica descrive la grandezza degli elementi infuriati. Ma alla fine del movimento, tutto si calma e la musica dipinge di nuovo l'immagine di un mare pacifico che schizza dolcemente.

SECONDA PARTE - "La storia di Tsarevich Kalender." Qui appare un nuovo personaggio: il principe, e Scheherazade sembra dargli la parola. Nasce così una storia nella storia, una fiaba nella fiaba. Il compositore crea un ritratto musicale di Kalender e poi descrive le sue fantastiche avventure. Il tema di Kalender si basa sulle intonazioni delle canzoni popolari orientali e suona nella parte del fagotto.

PARTE III - si chiamava il più lirico della suite"Lo zarevich e la principessa."

La musica è piena di luce, sole caldo, dolce languore.

Il primo tema (dello Tsarevich) è ampio e melodioso.

Il secondo tema (La Principessa) è di natura danzante e crea un'immagine aggraziata e femminile.

PARTE IV è la più suggestiva dell'intera suite. Combina i temi di tutte le parti precedenti. Il compositore ha chiamato questo pezzo"Foto di una festa popolare a Baghdad." Questo carattere festoso si rivela nel cambiamento di vari temi, nel gioco di ritmi e timbri. L'ampia coda, che funge da conclusione dell'intero ciclo, dipinge un'immagine indipendente di un mare maestoso e minaccioso e di una nave che si schianta contro una roccia.

Nell'epilogo, il tema di Shahriar diventa morbido e calmo, perché il crudele Sultano viene pacificato e per l'ultima volta, come conclusione della fiaba, suona il tema della giovane Scheherazade. Questo conclude la suite.

"Scheherazade" è una delle opere più sorprendenti che descrivono il mondo dell'Oriente musicale. Utilizza il principio del pittoresco, un confronto di episodi di natura diversa, uniti dal tema di Scheherazade, ricordandoci che tutta questa è la storia di una persona: l'affascinante narratore Scheherazade. Non c'è una trama coerente nel programma della suite e non ci sono spiegazioni per il contenuto dei racconti.

Composizione dell'orchestra: 2 flauti, 2 ottavini, 2 oboi, 2 clarinetti, 2 fagotti, 4 corni, 2 trombe, 3 tromboni, tuba, timpani, triangolo, arpa, archi.

Storia della creazione

La seconda sinfonia di Borodin è uno dei picchi del suo lavoro. Appartiene ai capolavori sinfonici mondiali, grazie alla sua luminosità, originalità, stile monolitico e ingegnosa implementazione delle immagini dell'epopea popolare russa. Il compositore lo concepì all'inizio del 1869, ma vi lavorò con pause molto lunghe, causate sia dalle sue principali responsabilità professionali sia dalla realizzazione di altre idee musicali. La prima parte fu scritta nel 1870. Poi lo mostrò ai suoi compagni: Balakirev, Cui, Rimsky-Korsakov e Mussorgsky, che costituivano il cosiddetto circolo Balakirev o Mighty Handful (la definizione del loro mentore senior e leader ideologico, critico d'arte V. Stasov). Ciò che è stato mostrato ha suscitato autentico entusiasmo tra gli amici. Caldo e pronto a rispondere alle definizioni forti, Stasov la chiamò immediatamente "Leonessa". Mussorgsky propose per questo il nome Slavic Heroic. Tuttavia, Stasov, che non pensava più alla definizione emotiva, ma al nome con cui sarebbe vissuta la musica, suggerì: Bogatyrskaya. L'autore non si è opposto a questa interpretazione del suo piano e la sinfonia è rimasta con lui per sempre.

Era ancora molto lontano dalla fine. Ci sono molte distrazioni: insegnare all'Accademia medico-chirurgica, dove Borodin ricopre la carica di professore, insegnare ai corsi di medicina femminile, numerosi incarichi pubblici, inclusa la redazione della popolare rivista scientifica "Conoscenza". Quest'ultima durò solo una stagione, poiché il governo, insoddisfatto dell'orientamento ateo della rivista, “raccomandò” a Borodin di lasciare la redazione. Alla fine, il compositore fu distratto dalla creazione di altre opere. In questi stessi anni apparvero frammenti dell'opera “Il principe Igor”, in cui erano molto forti anche le note “eroiche”. La sinfonia fu completata solo nel 1876. La sua prima ebbe luogo il 2 febbraio 1877 in uno dei concerti della Società musicale russa a San Pietroburgo sotto la direzione di E. F. Napravnik.

La sinfonia, nonostante la mancanza di un programma annunciato, ha caratteristiche chiaramente programmatiche. Stasov ha scritto a questo proposito: “Lo stesso Borodin mi ha detto più di una volta che nell'adagio voleva disegnare la figura di Boyan, nella prima parte - un incontro di eroi russi, nel finale - una scena di una festa eroica con il suono dei gusli, con l’esultanza di una grande folla”. In realtà, questa interpretazione ha dato a Stasov la ragione del nome Bogatyrskaya.

Musica

La prima parte si basa sul confronto di due immagini. Il primo è un potente tema all'unisono eseguito dagli archi, come se calpestassero, pesante e tozzo. È completato, ammorbidendo in qualche modo la severità, da un motivo più vivace, intonato dai fiati. Un tema collaterale - un'ampia melodia di una canzone eseguita da violoncelli - sembra rappresentare la vasta steppa russa. Lo sviluppo si basa sull'alternanza di episodi eroici, intensi, che evocano associazioni con battaglie, imprese epiche, con momenti lirici, più personali, in cui un tema secondario, a seguito dello sviluppo, acquisisce un carattere giubilante. Dopo una ripresa condensata, il primo tema si afferma con forza gigantesca nella coda del movimento.

Il secondo movimento è uno scherzo dal ritmo serrato, il cui primo tema esplode rapidamente dalle profondità del basso sullo sfondo di un'ottava ripetuta dai corni, e poi precipita giù, come se “senza prendere fiato”. Il secondo tema suona un po' più morbido, anche se conserva ancora il suo carattere maschile. Nel suo peculiare ritmo sincopato si sentono i suoni del folle galoppo dei cavalli della steppa attraverso le distese infinite. Il trio affascina con il suo fascino melodico e, come spesso accade con Borodin, la melodia è piena di beatitudine orientale. Ma l'episodio centrale è breve e la corsa rapida riprende, svanendo gradualmente, come se fosse trasportato nell'ignoto.

La terza parte, progettata, secondo lo stesso Borodin, per trasmettere l'immagine di Boyan, il leggendario cantante dell'antica Russia, è di natura narrativa e si svolge in un movimento fluido e calmo. Gli accordi dell'arpa imitano il pizzicare le corde del salterio. Dopo alcune battute di un’introduzione intonata da un clarinetto, il corno comincia a cantare una melodia poetica che appartiene alle migliori pagine della musica del compositore. Tuttavia, la calma narrativa non dura a lungo: nuovi motivi introducono un vago senso di minaccia, i colori si fanno più densi e scuri. La chiarezza iniziale viene gradualmente ripristinata. Il pezzo si conclude con un meraviglioso episodio lirico, in cui la melodia principale suona in tutta la pienezza del suo fascino.

La ripetizione delle battute iniziali conduce direttamente al finale, che inizia senza pausa. La sua musica affascina con la sua portata, brillantezza, allegria e allo stesso tempo grandezza. L'immagine musicale principale è il tema principale della forma della sonata: un tema ampio e selvaggiamente allegro in un ritmo acuto e sincopato, che ha il suo prototipo nella canzone corale popolare "Andrò alla città dello zar". È completato da un breve motivo di oboe “spazzatura”. Il tema secondario è più lirico e calmo. Ha il carattere di una glorificazione e suona prima dal clarinetto solista, poi dal flauto e dall'oboe sullo sfondo di una sorta di "suonare l'arpa tintinnante". Questi tre temi sono soggetti a uno sviluppo vario e magistrale, il cui inizio è contrassegnato da una sequenza al rallentatore dal suono aspro e potente. Poi il movimento diventa sempre più animato, la sinfonia si conclude con una musica piena di coraggiosa abilità e divertimento incontrollabile.