زنی با گربه 1875

نقاش، گرافیست و مجسمه ساز فرانسوی، یکی از نمایندگان اصلی امپرسیونیسم. رنوار در درجه اول به عنوان استاد پرتره سکولار شناخته می شود، نه خالی از احساسات. او اولین کسی از امپرسیونیست ها بود که در بین پاریسی های ثروتمند به موفقیت دست یافت. در اواسط دهه 1880. در واقع از امپرسیونیسم گسست و به خطی بودن کلاسیک، به انگریسم بازگشت.

سلف پرتره. 1876

آگوست رنوار در 25 فوریه 1841 در لیموژ، شهری واقع در جنوب مرکزی فرانسه به دنیا آمد. رنوار ششمین فرزند یک خیاط فقیر به نام لئونارد و همسرش مارگریت بود.

پرتره مادر رنوار. 1860

در سال 1844، خانواده رنوار به پاریس نقل مکان کردند و در اینجا آگوست وارد گروه کر کلیسای کلیسای جامع سنت استاش شد. او چنان صدایی داشت که مدیر گروه کر، چارلز گونود، سعی کرد والدین پسر را متقاعد کند که او را برای تحصیل موسیقی بفرستند. با این حال، علاوه بر این، آگوست به عنوان یک هنرمند هدیه ای از خود نشان داد و زمانی که 13 ساله بود، با یافتن شغل نزد استادی که از او نقاشی بشقاب چینی و سایر ظروف را آموخت، به کمک خانواده پرداخت. عصرها، آگوست به مدرسه نقاشی می رفت.

رقص در Bougival. 1883

در سال 1865، در خانه دوستش، هنرمند ژول لوکور، با دختری 16 ساله به نام لیزا ترئو آشنا شد که به زودی معشوق رنوار و مدل مورد علاقه او شد. در سال 1870، دختر آنها ژان مارگریت به دنیا آمد، اگرچه رنوار رسماً پدری او را تأیید نکرد. رابطه آنها تا سال 1872 ادامه یافت، زمانی که لیزا رنوار را ترک کرد و با شخص دیگری ازدواج کرد.

سلف پرتره. 1875

کار خلاقانه رنوار در سالهای 1870-1871 متوقف شد، زمانی که او در طول جنگ فرانسه و پروس به ارتش فراخوانده شد، که با شکست سخت برای فرانسه به پایان رسید.

رقص در حومه شهر. 1883

پرتره آلین شاریگو، همسر رنوار، احتمالاً زمانی که خانواده در حومه شهر در شرق فرانسه بودند، کشیده شده است. 1885

در سال 1890، رنوار با آلینا شاریگو، که ده سال پیش از آن، زمانی که خیاطی 21 ساله بود، با او آشنا شده بود، ازدواج کرد.

مادر شدن 1886

آنها قبلاً یک پسر به نام پیر متولد 1885 داشتند و پس از ازدواج دو پسر دیگر داشتند - ژان متولد 1894 و کلود (معروف به "کوکو") متولد 1901 و یکی از محبوب ترین مدل ها شد. پدر

ژان رنوار رنگ می کند. 1901

در زمان تشکیل خانواده او، رنوار به موفقیت و شهرت دست یافت، به عنوان یکی از هنرمندان برجسته در فرانسه شناخته شد و موفق شد عنوان شوالیه لژیون افتخار را از دولت دریافت کند.

خانواده این هنرمند 1896

شادی شخصی و موفقیت حرفه ای رنوار تحت الشعاع بیماری قرار گرفت. در سال 1897، رنوار پس از سقوط از دوچرخه، دست راست خود را شکست. در نتیجه به بیماری روماتیسم مبتلا شد که تا پایان عمر از آن رنج می برد. روماتیسم زندگی رنوار را در پاریس دشوار کرد و در سال 1903 خانواده رنوار به ملکی به نام "کولت" در شهر کوچک کاگن سور-مر نقل مکان کردند.

سلف پرتره. 1899

پس از یک حمله فلج در سال 1912، علیرغم دو عمل جراحی، رنوار روی صندلی چرخدار محصور شد، اما به نقاشی با قلمویی که پرستار بین انگشتانش گذاشته بود ادامه داد.

آگوست رنوار. سلف پرتره.1910

رنوار در آخرین سال های زندگی خود به شهرت و شهرت جهانی دست یافت. در سال 1917، زمانی که چترهای او در گالری ملی لندن به نمایش گذاشته شد، صدها هنرمند و هنردوست بریتانیایی به او تبریک گفتند: «از لحظه‌ای که عکس شما در کنار آثار استادان قدیمی آویزان شد، ما این شادی را تجربه کردیم که معاصرمان جایگاه شایسته خود را در نقاشی اروپایی به دست آورد.

چتر. 1883

نقاشی رنوار نیز در موزه لوور به نمایش گذاشته شد و در اوت 1919 این هنرمند برای آخرین بار از پاریس دیدن کرد تا به آن نگاه کند.

سلف پرتره. 1910

در 3 دسامبر 1919، پیر آگوست رنوار در سن 78 سالگی در Cagnes-sur-Mer بر اثر ذات الریه درگذشت. او در اسوئیس به خاک سپرده شد.

دسته گل بهاری. 1866

ایجاد

انتخاب ژانرهای 1862-1873

در آغاز سال 1862، رنوار امتحانات مدرسه هنرهای زیبا را در آکادمی هنرهای زیبا پس داد و در کارگاه گلیر ثبت نام کرد. در آنجا با فانتین لاتور، سیسلی، باسیل و کلود مونه آشنا شد. آنها خیلی زود با سزان و پیزارو دوست شدند و اینگونه بود که ستون فقرات گروه امپرسیونیست های آینده شکل گرفت.

کامیل مونه. 1873

رنوار در سال‌های اولیه‌اش تحت تأثیر آثار باربیزونی‌ها، کوروت، پرودون، دلاکروا و کوربه قرار گرفت.

تابستان 1868

در سال 1864، گلیر کارگاه خود را تعطیل کرد و تحصیلاتش به پایان رسید. رنوار شروع به نقاشی اولین بوم های خود کرد و سپس برای اولین بار نقاشی "اسمرالدا در حال رقص در میان ولگردها" را به سالن ارائه داد. پذیرفته شد، اما وقتی بوم به او برگردانده شد، نویسنده آن را از بین برد.

پرتره سیسلی ها. 1868

استخر پارویی. 1869

او با انتخاب ژانرهایی برای آثارش در آن سال ها، تا پایان عمر تغییری در آنها ایجاد نکرد. این یک منظره است - "ژول لو کور در جنگل فونتنبلو" (1866)، صحنه های روزمره - "استخر پاشیدن" (1869)، "پونت نوف" (1872)، یک طبیعت بی جان - "دسته گل بهار" (1866)، "طبیعت بی جان با یک دسته گل و یک فن" (1871)، پرتره - "لیزا با یک چتر" (1867)، "Odalisque" (1870)، برهنه - "Diana the Huntress" (1867).

اودالیسک. 1870

طبیعت بی جان با دسته گل و پنکه. 1871

در سال 1872، رنوار و دوستانش شرکت تعاونی ناشناس را ایجاد کردند.

مادمازل سیکو. 1865

مادام کلمنتین والنسی استورا. 1870

کامیل مونه. 1872

مادام ادوارد برنیر. 1871

زنی با طوطی. 1871

رافا ماتر.1871

چتر غیر ضروری 1872

رانندگی به Bois de Boulogne. 1873

مبارزه برای به رسمیت شناختن 1874-1882

اولین نمایشگاه این مشارکت در 15 آوریل 1874 افتتاح شد. رنوار پاستیل و شش نقاشی از جمله "رقصنده" و "لژ" (هر دو 1874) ارائه کرد. این نمایشگاه با شکست به پایان رسید و اعضای این مشارکت یک نام مستعار توهین آمیز دریافت کردند - "امپرسیونیست".

کلبه. 1874

این نقاشی یک زن (در پیش زمینه) و یک مرد (در پس زمینه) را نشان می دهد که در یک جعبه در یک خانه اپرا نشسته اند. برادر رنوار، روزنامه‌نگار ادموند رنوار، و مدل مونت‌مارتر، نینی لوپز، برای این نقاشی ژست گرفته‌اند.

زن خندان. پرتره مادام پکی. 1875

زن ماهی. 1875

مادام ویکتور شوکت. 1875

با وجود فقر، در این سال ها بود که این هنرمند شاهکارهای اصلی خود را خلق کرد: "بلوارهای بزرگ" (1875)، "پیاده روی" (1875)، "توپ در مولن د لا گالت" (1876)، "برهنه" (1876) ، "برهنه" در نور خورشید" (1876)، "تاب" (1876)، "نخستین عزیمت" (1876/1877)، "مسیر در چمن های بلند" (1877).

توپ در مولن د لا گالت. 1876

تاب خوردن. 1876

پرتره مادام آلفونس داودت. 1876

برهنه 1876

زن جوانی که موهایش را می بافد. 1876

رنوار به تدریج شرکت در نمایشگاه های امپرسیونیستی را متوقف کرد. در سال 1879، او پرتره بازیگر زن ژان سامری (1878) و پرتره مادام شارپنتیه با کودکان (1878) را به سالن ارائه کرد و به رسمیت شناخته شد و متعاقباً به استقلال مالی دست یافت. او به نقاشی بوم‌های جدید ادامه داد - به‌ویژه، بلوار معروف کلیشی (1880)، ناهار پاروزن‌ها (1881)، و روی تراس (1881).

دختر جوان در حال خواندن کتاب 1876

پرتره مادام شارپنتیه. 1877

پرتره ژانا ساماری بازیگر. 1877

پرتره ژانا ساماری بازیگر. 1878

فنجان شکلات. 1878

به صورت محرمانه. 1878

پرتره آلفونسین پچی 1879

ناهار برای پاروزنان در ساحل رودخانه. 1879

زنی جوان در حال خیاطی 1879

پرتره ترزا برارد. 1879

نزدیک دریاچه. 1880

صبحانه پاروزنان. 1881

این نقاشی در رستوران Fournaise، واقع در جزیره ای در رودخانه سن، واقع در Chatou، کمی غرب پاریس، کشیده شده است. رنوار این مکان را دوست داشت - نه تنها "ناهار پاروزنان" در اینجا نقاشی شده است، بلکه برخی از نقاشی های دیگر نیز در اینجا نقاشی شده است. در واقع این نقاشی یک پرتره گروهی از ملاقات دوستان است. یک فضای شاد و آرام حاکم است، هیچ شکوهی وجود ندارد، همه در حالت های طبیعی و معمولی هستند. در پشت نرده ها می توان فضای سبز متراکمی را دید که در پشت آن رودخانه سن دیده می شود.رنوار در این نقاشی بسیاری از دوستان و آشنایان خود را به تصویر کشیده است.

دو خواهر (در تراس). 1881

آلبر کان، آهنگساز اپرا فرانسوی.1881

دختر با فن 1881

دختران سیاه پوش 1881

پرتره آلفرد برارد با سگش. 1881

خیاطی ماری ترز دوراند روئل. 1882

"دوره اینگر" 1883-1890

رنوار از الجزایر و سپس ایتالیا دیدن کرد و در آنجا از نزدیک با آثار کلاسیک دوره رنسانس آشنا شد و پس از آن ذائقه هنری او تغییر کرد. رنوار مجموعه ای از نقاشی های "رقص در کشور" (1882/1883)، "رقص در شهر" (1883)، "رقص در بوگیوال" (1883)، و همچنین نقاشی هایی مانند "در باغ" (1885) کشید. ) و «چترها» (1881/1886)، جایی که گذشته امپرسیونیستی هنوز قابل مشاهده است، اما رویکرد جدید رنوار به نقاشی آشکار می شود.

دختری با کلاه حصیری. 1884

به اصطلاح "دوره انگرس" باز می شود. مشهورترین اثر این دوره «حمام‌کنندگان بزرگ» (1884/1887) است. نویسنده برای اولین بار از طرح ها و طرح های کلی برای ساخت ترکیب استفاده کرد. خطوط نقاشی مشخص و مشخص شد. رنگ ها درخشندگی و اشباع قبلی خود را از دست دادند، نقاشی به طور کلی آرام تر و سردتر به نظر می رسید.

حمام کننده های بزرگ 1884-1887.

در پیش زمینه سه زن برهنه هستند - دو نفر در ساحل هستند و سومی در آب ایستاده است و ظاهراً قصد دارد آنها را پاشیده باشد. فیگورهای زنان بسیار واضح و واقع گرایانه ترسیم شده اند که سبک مشخصی برای این دوره از کار رنوار بود که دوره خشک یا انگر (نام هنرمند دومینیک اینگر) نامیده می شد.

برای نقاشی رنوار (از چپ به راست) آلینا شاریگو، همسر آینده رنوار (در سال 1885 اولین پسرشان پیر به دنیا آمد و ازدواج رسماً در سال 1890 منعقد شد) و سوزان والدون (نام واقعی ماری-کلمنتین والدون) بودند. ، که بعدها هنرمند مشهور شد.

رنوار حدود سه سال بر روی این نقاشی کار کرد و در این فرآیند تعداد زیادی طرح و مطالعات، از جمله حداقل دو نسخه چند شکلی در مقیاس کامل، تولید کرد. پس از "حمام کنندگان بزرگ" هیچ نقاشی وجود نداشت که او این همه زمان و تلاش را صرف آن کند.

درست در ساحل دریا 1883

در شهر برقصید. 1883

خانم های جوان بدمینتون بازی می کنند. 1885

پرتره سوزان والدون. 1885

یک دختر جوان در حال خواندن 1886

مدل مو. 1888

دختر جوان با گل های مروارید. 1889

مادام دو ورنون. 1889

دختری با کلاه صورتی و مشکی. 1890

"دوره مادر مروارید" 1891-1902

در سال 1892، دوراند-روئل نمایشگاه بزرگی از نقاشی های رنوار را افتتاح کرد که موفقیت بزرگی بود. مقامات دولتی نیز به رسمیت شناخته شدند - نقاشی "دختران در پیانو" (1892) برای موزه لوکزامبورگ خریداری شد.

دختران پشت پیانو 1892
این نقاشی دو دختر جوان را به تصویر می کشد: یکی پشت پیانو نشسته و دیگری کنار او ایستاده است. هر دو دختر با دقت و مشتاقانه به نت ها نگاه می کنند و ظاهراً نوعی ملودی را انتخاب می کنند. چنین تصویر آرام، نمادی از فرهنگ بورژوازی فرانسه در آن زمان بود.

زن با کلاه. 1891

دخترا دارن میخونن 1891

کریستینا لرول گلدوزی می کند. 1895

نوازندگی گیتار. 1897

رنوار به اسپانیا سفر کرد و در آنجا با آثار ولاسکوز و گویا آشنا شد.
در اوایل دهه 90 تغییرات جدیدی در هنر رنوار رخ داد. رنگین کمانی رنگ به صورت تصویری ظاهر می شود، به همین دلیل است که این دوره گاهی اوقات "مادر مروارید" نامیده می شود.
در این زمان، رنوار نقاشی هایی مانند "سیب و گل" (1895/1896)، "بهار" (1897)، "پسر ژان" (1900)، "پرتره مادام گاستون برنهایم" (1901) را نقاشی کرد. او به هلند سفر کرد و در آنجا به نقاشی های ورمیر و رامبراند علاقه مند شد.

مادام پائول گالیمار، لوسی دوس به دنیا آمد. 1892

دخترانی که به یک آلبوم نگاه می کنند. 1892

دختری که موهایش را شانه می کند. 1894

زنی با رژگونه قرمز. 1896

سه حمام کننده با یک خرچنگ. 1897

پرتره کریستینا لرول.1897

زن جوان اسپانیایی در حال نواختن گیتار. 1898

ایوان و کریستین در پیانو. 1898

"دوره سرخ" 1903-1919

دوره "مروارید" جای خود را به دوره "قرمز" داد که به دلیل ترجیح دادن سایه های گل های مایل به قرمز و صورتی نامگذاری شد.
رنوار به نقاشی مناظر آفتابی، طبیعت بی جان با گل های درخشان، پرتره های فرزندانش، زنان برهنه ادامه داد، او «یک پیاده روی» (1906)، «پرتره آمبرواز ولار» (1908)، «گابریل با بلوز قرمز» (1910) را خلق کرد. )، "دسته گل رز" "(1909/1913)، "زنی با ماندولین" (1919).

پرتره مارتا دنیس. 1904

تفکر. 1906

پرتره آمبرویز ولارد. 1908

Ambroise Vollard یکی از مهمترین دلالان هنری (مارچند) در پاریس در اواخر قرن نوزدهم - اوایل قرن نوزدهم است. قرن XX او از تعداد زیادی از هنرمندان مشهور و ناشناخته از جمله سزان، مایلول، پیکاسو، روو، گوگن و ون گوگ هم از نظر مالی و هم از نظر اخلاقی حمایت کرد. او همچنین به عنوان یک مجموعه دار و ناشر نیز شناخته می شد.

جبرئیل جسارت می کند. 1908

خانم با یک پنکه 1908

آقا و خانم برنهایم دی ویلر. 1910

شستشو. 1912

زن پشت اجاق گاز 1912

حقایق جالب

یکی از دوستان نزدیک آگوست رنوار، هانری ماتیس بود که تقریباً 28 سال از او کوچکتر بود. زمانی که A. Renoir اساساً به دلیل بیماری در بستر بود، A. Matisse هر روز با او ملاقات می کرد. رنوار که به دلیل آرتروز تقریباً فلج شده بود، با غلبه بر درد، به نقاشی در استودیوی خود ادامه داد. یک روز، ماتیس با مشاهده دردی که هر ضربه قلم مو به او وارد می‌شد، طاقت نیاورد و پرسید: آگوست، چرا نقاشی را رها نمی‌کنی، اینقدر رنج می‌کشی؟ رنوار خود را به پاسخ اکتفا کرد: "درد می گذرد، اما زیبایی باقی می ماند." و این کل رنوار بود که تا آخرین نفس کار کرد.

هر کشوری قهرمانان هنر معاصر خود را دارد که نام‌های آن‌ها شناخته شده است، نمایشگاه‌هایشان انبوهی از طرفداران و افراد کنجکاو را به خود جذب می‌کند و آثارشان به مجموعه‌های خصوصی فروخته می‌شود.

در این مقاله شما را با محبوب ترین هنرمندان معاصر فرانسه آشنا می کنیم.

مالیکا فاوره

مالیکا فاور توسط مادر هنرمندش به دنیای هنرهای زیبا معرفی شد - در خانه آنها تلویزیون یا بازی های ویدیویی وجود نداشت، این سرگرمی ها با نقاشی جایگزین شد. فاور پس از فارغ التحصیلی از دانشگاه به لندن نقل مکان کرد و هنوز در آنجا زندگی و کار می کند. پس از چهار سال کار در استودیو ایرساید، در لندن بود که تماس خود را پیدا کرد و به یک تصویرگر حرفه ای تبدیل شد.

توماس مایناردیس

توماس یک هنرمند خودآموخته فرانسوی است. نقاشی‌های او، سبکی که هنرمند از آن به عنوان اکسپرسیونیسم پاپ یاد می‌کند، برداشت‌های ذهنی و لحظاتی هستند که از فرهنگ پاپ مدرن ربوده شده‌اند و سرشار از احساسات و تخیلات هستند. این هنرمند در حال حاضر در شهر کوچکی بین پاریس و لیل زندگی و کار می کند.

نوشکا

نوشکا هنرمند در پاریس زندگی و کار می کند و بیش از 10 سال است که نقاشی می کند. او نقاشی نوشکا را در دیترویت نزد هنرمند آمریکایی زاواکی، که اصول اولیه نقاشی را به او آموخت، و نزد مگی سینر که او را با مکانیک رنگ ها آشنا کرد، آموخت. او همچنین نزد هنرمند هشپا درس خواند. به لطف چنین پایگاه غنی، نقاشی هنرمند مهارت فنی و سبک را با مضامین مدرن ترکیب می کند.

لوران بوتلا

لوران در کارگاه Maithe Rovino در Osson و در مدرسه Beaux Arts در تولوز نقاشی خواند. نقاشی های او با تکنیک امپرسیونیستی ساخته شده اند - و تکنیک برای لوران از اهمیت بالایی برخوردار است: ترکیب بندی و طرح رنگ با هدف تأکید بر مؤلفه طرح تصویر است. از سال 1991، لوران بوتلا به طور منظم در نمایشگاه ها و مسابقات شرکت می کند، که در آن بارها جوایز و جوایز دریافت کرده است.

لوران داپتن

لوران داوپتین دارای مدرک کارشناسی ارشد نقاشی است. موضوع آثار او غیرمعمول است: هنرمند عمدتاً پرتره های خود را می کشد و تکنیک های مختلفی را آزمایش می کند. لوران هر از گاهی خود را در ژانرهای دیگر امتحان می کند، اما همیشه به سلف پرتره بازمی گردد. از سال 1981، داپتن دائماً به نمایش گذاشته است، بارها در مسابقات مختلف شرکت کرده و جوایز متعددی را برای کارهای خود دریافت کرده است که از مهمترین آنها می توان به جایزه بزرگ Salon Peintres de l'Armee، 2003، جایزه تیلور، 2001 و یک جایزه اشاره کرد. مدال طلا سالن هنرمند فرانسه، 1997.

میشل دلاکروا

میشل دلاکروا در سال 1933 به دنیا آمد. عشق او به طراحی در زمان اشغال پاریس توسط آلمان آغاز شد. این پاریس است که حتی پس از آن پاریس باقی مانده است، که قهرمان نقاشی های او است - شهری آرام و آرام دوران کودکی هنرمند. دلاکروا برای مدت طولانی سبک‌ها را آزمایش کرد تا اینکه سرانجام در جهتی که امضای او شد - سبک "ساده‌انگیز" نقاشی، تصمیم گرفت. دلاکروا بارها جوایز مختلفی را دریافت کرده است، از جمله جایزه بزرگ هنرهای آماتور، پاریس 1973، جایزه بزرگ کوت دازور، کن 1976، جایزه برتر سپتامبر کولین، رم 1976 و غیره. آثار او را می توان در چندین مجموعه عمومی و خصوصی یافت، از جمله موزه ملی هنر مدرن پاریس و موزه بین المللی هنر ساده لوحانه.

سیلوستر اورارد

هنرمند فرانسوی سیلوستر اورارد در لیل زندگی و کار می کند. اصولاً قهرمانان نقاشی های او مردم هستند. سبک و حال و هوای نقاشی های هنرمند را به قول خودش می توان به اختصار با بیان آندره مالرو مشخص کرد: "هنر حضور در زندگی چیزی است که باید متعلق به مرگ باشد."

پاتریشیا پریر-رادیکس

کار پاتریشیا با سهولت، سهولت و کمال مشخص می شود. این هنرمند از جستجوی سبک خود دست نمی کشد، دائماً با مطالعه مواد مختلف دانش خود را غنی می کند، اما تمایل دارد با اکریلیک و رنگ روغن روی بوم کار کند. نقاشی های او به طرز شگفت انگیزی احساسی هستند - با نقاشی شخصیت های بدون چهره، پاتریشیا به طرز ماهرانه ای کوچکترین سایه های احساسات و حالات را با دقت حرکات و ژست های زودگذر منتقل می کند.

هانری لامی

هنرمند فیگوراتیو معاصر فرانسوی هنری لامی در نقاشی رنگ روغن آموزش دیده است اما خود را جذب بی‌واسطگی و خودانگیختگی اکریلیک می‌داند و کار خود را با رنگ‌های تند و گویا تقویت می‌کند. هانری نقاشی‌های خود را با رنگی که از چاقویی چکه می‌کند خلق می‌کند، قطره‌های آن در هم می‌پیچد، به هم متصل می‌شود و تقریباً بلافاصله خشک می‌شود. از نزدیک، این نقاشی های اکریلیک می توانند انتزاعی به نظر برسند و فقط رنگ واقعی خود را به بیننده ای که چند قدم به عقب برمی دارد نشان دهند.

یوهانا پردو

جوانا که در بین همکاران و هنردوستان به نام لا دجو نیز شناخته می شود، دیپلم هنرهای زیبا را دریافت کرد و خود را وقف آن با تمام تنوع آن از نقاشی گرفته تا عکاسی کرد.او ایده های خود را از دنیای سرگرمی می گیرد: موسیقی، رقص، تئاتر، سیرک.. و در مرکز نقاشی های او همیشه موجودات زنده ای از این دنیای جادویی وجود دارد.امروزه نقاشی های او را می توان در گالری های نقاط مختلف جهان یافت.آثار ساده لوحانه عمدی پردو توجه منتقدان را به خود جلب کرده است. نقدهای زیادی را برای آنها به ارمغان آورد، معمولاً آنهایی که تحسین برانگیز بودند.

زمانی بود که هنرمندان به خاطر کارشان قدردانی نمی کردند. اما این روزها برای این افراد ارزش زیادی قائل هستند، فارغ از اینکه متعلق به دوران تاریخی هستند یا زنده هستند. نقاشان فرانسوی به دلیل آثار شگفت انگیز و لذت بخش خود مورد احترام هستند.

در اینجا 10 مورد از مشهورترین و برجسته ترین هنرمندان و نقاشان فرانسوی آورده شده است. بیایید به گذشته برگردیم و همه را با هم ببینیم. لطفا لذت ببر!

10 هنرمند و نقاش مشهور فرانسوی:

10. پل گوگن (1848-1903)

پل گوگن هنرمند و نقاش فرانسوی دوران پسا امپرسیونیسم بود. او سهم زیادی در توسعه نقاشی های آوانگارد داشت. گوگن رابطه نزدیکی با ون گوگ داشت.

9. ونسان ون گوگ (1853-1890)

ونسان ون گوگ متعلق به دوره پست امپرسیونیسم است. او یکی از مشهورترین نقاشان و هنرمندان جهان است. وینسنت که به خاطر جسارت و نقاشی های پر جنب و جوشش معروف است، در هلند متولد شد.

8. کامیل پیسارو (1830-1903)

کامیل پیسارو متعلق به دوران امپرسیونیست ها و پست امپرسیونیست ها است. او یکی از تاثیرگذارترین و بهترین نقاشان تمام دوران است. او روی سبک های جدید و منحصر به فردی در نقاشی هایش کار می کرد که می توانست به حرفه او امتیاز بدهد.

7. ادوارد مانه (1832-1883)

ادوارد مانه به خاطر مشارکت هایش در مکاتب رئالیسم و ​​امپرسیونیسم شناخته شده است. او نقاش بزرگ و مبتکری بود. او آثار را به امپرسیونیسم تبدیل کرد تا ظاهری مدرن به آنها ببخشد.

6. یوجین دلاکروا (1798-1863)

اوژن دلاکروا به خاطر نقاشی های عاشقانه و آثار هنری خود مشهور است. او برای این کار از نقاشان رنسانس ونیزی و روبنس الهام گرفت.

5. پل سزان (1839-1906)

پل سزان در قرن هجدهم متولد شد. هنرمند شگفت انگیز دوران امپرسیونیسم. او کار خود را در اشکال امپرسیونیستی آغاز کرد، اما خود را به عنوان یک هنرمند مبتکر توسعه داد و بهترین آثار هنری را در قرن نوزدهم تولید کرد.

4. چارلز فرانسوا دابیگنی (1817-1878)

چارلز فرانسوا دابیگنی یکی از مشهورترین هنرمندان تمام دوران است. هنوز هم به خاطر نقاشی های منظره سنتی اش به یاد می آید و برای تحت تاثیر قرار دادن دیگران با آثار هنری منحصر به فرد استفاده می شود.

3. آگوستوس رنوار (1841-1919)

آگوست رنوار متعلق به دوران امپرسیونیسم است. او یکی از مشهورترین نقاشانی است که در توسعه آثار امپرسیونیستی نقش اساسی داشت.

2. کلود مونه (1840-1926)

کلود مونه یک نقاش امپرسیونیست است. او یکی از تأثیرگذارترین نقاشان قرن هجدهم است. او به شدت تحت تأثیر آثار دانش‌آموزان دبیرستانی قرار گرفت و آثار خود او مانند «تأثیر»، «طلوع خورشید» و غیره پدید آمد.

1. ادگار دگا (1834-1917)

ادگار دگا را پیشرو امپرسیونیسم می دانند. او جنبه های واقع گرایانه زندگی انسان را به تصویر کشید. سبک کار او واقعا منحصر به فرد و بسیار چشمگیر بود.

جزئیات دسته: هنرهای زیبا و معماری اواخر قرن 16-18 تاریخ انتشار 1396/04/27 14:46 بازدید: 3249

در آغاز قرن 18. سبک جدیدی در فرانسه ظاهر شد - روکوکو.

ترجمه شده از روکوکو فرانسوی (rocaille) به معنای "پوسته" است. نام این سبک هنری ویژگی بارز آن را نشان می دهد - عشق به اشکال پیچیده، خطوط فانتزی، یادآور شبح برازنده یک پوسته.
سبک روکوکو چندان دوام نیاورد (تا حدود دهه 40)، اما تأثیر آن بر فرهنگ اروپایی بسیار قوی بود.
در نیمه دوم قرن 18. موج جدیدی از علاقه به فرهنگ باستان آغاز شد. این تا حدی به دلیل حفاری های پمپئی بود که آثار هنری منحصر به فردی را کشف کرد. از سوی دیگر، این علاقه توسط ایده های روشنگری فرانسوی ترویج شد: آنها آرمان هنر و زندگی اجتماعی را در تاریخ و فرهنگ یونان باستان و روم باستان می دیدند. بنابراین، سبک جدیدی ظهور کرد - نئوکلاسیک. در همه کشورها اینطور نبود. به عنوان مثال، در ایتالیا سبک باروک به طور همزمان با سبک روکوکو وجود داشت، در حالی که در فرانسه سبک باروک توسعه چندانی دریافت نکرد. در روسیه، روکوکو و نئوکلاسیک مکمل یکدیگر بودند.
در قرن 18 مشتریان دیگر نقش اصلی را در سرنوشت این هنرمند بازی نمی کردند: افکار عمومی قاضی اصلی آثار هنری شد. نقد هنری ظاهر شد: دنیس دیدرو، ژان ژاک روسو و دیگران.
رویداد مهمی در زندگی هنری فرانسه در قرن هجدهم. به نمایشگاه های عمومی تبدیل شد - سالن ها. از سال 1667، آنها هر ساله توسط آکادمی سلطنتی نقاشی و مجسمه سازی پاریس و با حمایت دربار سلطنتی سازماندهی می شدند. موفقیت در سالن برای یک نقاش یا مجسمه ساز به رسمیت شناخته شد. نه تنها فرانسوی ها به دنبال شرکت در سالن ها بودند، بنابراین پاریس به تدریج به یک مرکز هنری پاناروپایی تبدیل شد.

ژان آنتوان واتو (1684-1721)

روزالبا کریرا. پرتره آنتوان واتو (1721)
آنتوان واتو نقاش فرانسوی در ثلث اول قرن هجدهم، بنیانگذار سبک روکوکو است.
او در نقاشی حوزه عواطف لطیف را که هماهنگ با غزلیات منظره است، کشف کرد.
A. Watteau در یک شهر استانی در خانواده یک سقف‌ساز به دنیا آمد. در همان سالهای اولیه توانایی های هنری او آشکار شد و پدرش او را نزد یک نقاش محلی با استعداد جزئی شاگردی کرد. خیلی زود مربی دیگر برای هنرمند آینده مفید نبود. آنتوان واتو، برخلاف میل پدرش، مخفیانه زادگاهش والنسین را ترک می‌کند و با پای پیاده به پاریس می‌رود، جایی که در یک کارگاه نقاشی در پل نوتردام استخدام می‌شود که صاحب آن تولید سریالی از کپی‌های ارزان نقاشی را در سال « سلیقه مشترک” برای خریداران عمده. واتو به طور مکانیکی از همان نقاشی های محبوب کپی می کرد و در اوقات فراغت خود از زندگی نقاشی می کرد. او فوق العاده سخت کوش بود.

Antoine Watteau "The Capricious" (حدود 1718). موزه دولتی هرمیتاژ (سن پترزبورگ)
به زودی واتو اولین حامیان خود را پیدا کرد - پیر ماریت و پسرش ژان، حکاکی ها و مجموعه داران، صاحبان یک شرکت بزرگ که حکاکی و نقاشی می فروخت. در ماریتس، واتو این فرصت را داشت که با آثار رامبراند، تیتیان و روبنس آشنا شود. با وساطت ماریت ها، واتو شاگرد هنرمند کلود ژیلو، استاد مناظر تئاتر و خالق نقاشی های کوچک شد. از این استاد، واتو فقط ذوق گروتسک و کمیک و همچنین ذائقه موضوعات مدرن را به دست آورد که متعاقباً خود را وقف آن کرد. و با این حال باید اعتراف کنیم که با ژیلو، واتو سرانجام خود را درک کرد و از آن زمان نشانه‌های استعدادی که باید شکوفا شود، آشکارتر شده است» (زندگی‌نامه هنرمند ادمه فرانسوا گرسین).

آنتوان واتو "بازیگران کمدی فرانسوی" (حدود 1712). موزه دولتی هرمیتاژ (سن پترزبورگ)
واتو در 33 سالگی به محبوب ترین نقاش پاریس تبدیل شد که به شهرت اروپایی او کمک کرد.

آنتوان واتو "ژیل" (1718-1719). لوور (پاریس)
M.Yu Watteau در مورد این نقاشی اینگونه صحبت می کند. آلمانی، محقق برجسته موزه روسیه: «ژیل تقریباً هیچ مشابهی در تاریخ هنر ندارد. افراد کمی اصلاً بازیگر می نوشتند. علاوه بر این ، هیچ کس جرات نکرد بازیگر را در انفعال کامل نشان دهد. برای خود واتو، این یک گام شجاعانه بود: نقاشی یک فیگور در وسط بوم، پر کردن بیشتر آن با لباسی گشاد که بدن کمدین را کاملاً پنهان می کند، و در اعماق، چهره بازیگران دیگر را به تصویر می کشد. سرگرمی و انیمیشن به شدت در تضاد با چهره تقریباً بی حرکت قهرمان ... بدون ژست ها و حالات چهره، به طور متقارن و صاف در بوم حک شده است، او با آرامش در زمان وجود دارد، گویی برای همیشه برای او متوقف شده است. هر آنچه زودگذر و گذرا است برای او بیگانه است. شلوغی پشت سر او در حرکات بازیگران است. خنده و شادی حضار پیش روی اوست. و او همیشه بی حرکت می ماند، با ملامتی خنده دار و تکان دهنده در چشمان گرد، محبت آمیز و باهوشش.»
واتو که قبلاً بیمار بود، تابلوی عتیقه‌فروشی «پادشاه بزرگ» روی پل نوتردام را برداشت. این مغازه متعلق به دوستش گرسن بود.

آنتوان واتو. علامت مغازه گرسن (1720-1721). کاخ شارلوتنبورگ (برلین)
واتو تابلوی تابلو را روی دو بوم جداگانه نقاشی کرد که سپس در یک قاب قرار گرفتند. عمل نقاشی از منظره به فضای داخلی منتقل می شود. این بوم یک مغازه بزرگ را به تصویر می کشد که طبق نقشه این هنرمند مستقیماً روی سنگفرش پاریس باز می شود.
در پیش‌زمینه سمت چپ، خادمان پرتره‌ای از لویی چهاردهم که اخیراً درگذشته را در جعبه قرار می‌دهند. در گوشه بالا پرتره ای از پدرشوهرش، پادشاه اسپانیایی فیلیپ چهارم آویزان شده است؛ در سمت راست، کارشناسان به دقت نقاشی را در یک قاب بیضی بررسی می کنند. مناظر و طبیعت بی جان در اینجا با صحنه های اساطیری همزیستی دارند.
ویژگی اصلی این اثر برنامه ای بودن آن است. به گفته لویی آراگون، واتو در پوشش یک نشانه، تاریخ نقاشی را آنگونه که می دانست ارائه کرد. این نقاشی، همانطور که بود، عهدنامه هنری نویسنده شد. آنتوان واتو در 36 سالگی بر اثر بیماری سل درگذشت.

بنای یادبود آنتوان واتو در زادگاهش والنسین (1884)
کار فرانسوا بوچر نیز با توسعه سبک روکوکو همراه است.

فرانسوا بوچر (1703-1770)

F. Boucher - نقاش فرانسوی، حکاکی، دکوراتور. از ویژگی های آثار او فرم های نفیس، رنگ آمیزی لطیف غزلیات، برازندگی، عشوه گری است که گاه به نقطه عاطفه می رسد.

گوستاف لوندبرگ. پرتره فرانسوا بوچر
بوچر استاد حکاکی بود و کتاب‌های اووید، بوکاچیو و مولیر را به تصویر می‌کشید. او مناظری برای اپراها و نمایشنامه ها، نقاشی ها برای ملیله های سلطنتی خلق کرد. اجرای نقاشی های زینتی از چینی سور، فن های نقاشی، مینیاتور و غیره.
او در نقاشی به موضوعات تمثیلی و اساطیری، نقاشی صحنه‌های ژانر، شبانی (شاعرانه‌سازی زندگی آرام و ساده روستایی)، منظره‌ها و پرتره‌ها روی آورد.

اف. بوچر. پرتره مادام دو پومپادور
بوچر عنوان هنرمند دربار را دریافت کرد. او اقامتگاه های پادشاه و مادام دو پومپادور، عمارت های خصوصی در پاریس را تزئین کرد. در آخرین سال‌های زندگی، او مدیر آکادمی سلطنتی نقاشی و مجسمه‌سازی و «نخستین نقاش پادشاه» بود.

اف. بوچر. پرتره ماری بوزو، همسر هنرمند (1733)
نقاشی دیگری از F. Boucher اپیزودی از داستان کوتاه Lafontaine "The Hermit" را به تصویر می کشد. مرد جوانی که قصد دارد یک دختر روستایی زیبا اما ترسو را اغوا کند، در همان نزدیکی به بهانه یک گوشه نشین ساکن می شود. او موفق می شود مادر دختر را به قدوسیتش متقاعد کند و خودش دخترش را نزد او می برد تا به آموزه های خوب او گوش دهد. بوچر تفسیری اصیل از کار لافونتن را نشان می دهد، اما چشم انداز جایگاه اصلی را در ترکیب بندی او اشغال می کند.

F. Boucher «چشم انداز با یک گوشه نشین. برادر لوس» (1742). موزه هنرهای زیبا. A. S. Pushkina (مسکو)

دیدگاه‌های دموکراتیک هنر فرانسه

آنها در کار "نقاش طبقه سوم" ژان باپتیست سیمئون شاردن و پرتره های موریس کوئنتین دو لاتور مجسم شدند.

ژان باپتیست سیمئون شاردن (1699-1779)

شاردن سلف پرتره
شاردن عمداً از موضوعات مشخصه هنر زمان خود اجتناب می کرد. او عمدتاً طبیعت بی جان و صحنه های روزمره را نقاشی می کرد، اما در آنها مشاهدات خود را بیان می کرد. او به زندگی مردم "دولت سوم" (همه گروه های جمعیت به استثنای ممتازان: روحانیون و اشراف) علاقه مند بود.
کار شاردن به عنوان یک هنرمند سنت های استادان هلندی و فلاندری را ادامه داد و نشان دهنده شکوفایی رئالیسم در قرن هجدهم بود. حتی طبیعت بی جان او جنبه ای برای به تصویر کشیدن واقعیت داشت. معمولی ترین اشیاء برای او به منابع ترکیب برای به تصویر کشیدن وجود هماهنگ تبدیل شدند: کوزه ها، گلدان های قدیمی، سبزیجات و غیره.

شاردن "Scat" (1728). لوور (پاریس)
این هنرمند می دانست که چگونه تنوع رنگ را کاملاً منتقل کند و ارتباط درونی اشیاء را احساس کرد. او سایه های رنگی را با ضربات کوچک منتقل می کرد و این توانایی را داشت که تأثیر نور خورشید را در تصویر بگنجاند.
شاردن با روی آوردن به نقاشی ژانر و صحنه های معمولی داخلی، روی بوم شیوه ای آرام و سنجیده از زندگی روزمره را بازسازی کرد که نزدیک به هر فرد بود. نقاشی هایی از این دست بود که او را به یکی از مکان های برجسته در تاریخ نقاشی فرانسه تبدیل کرد. در سال 1728 او به عضویت آکادمی هنر پاریس و در سال 1743 - مشاور آن شد. بعدها به عضویت آکادمی علوم، ادبیات و هنرهای زیبای روئن درآمد.
او معمولی ترین اشیا و فعالیت ها را معنوی کرد: "شستشو" (1737)، "کوزه زیتون" (1760)، "ویژگی های هنر" (1766).

شاردن "طبیعت بی جان با ویژگی های هنری" (1766، موزه دولتی ارمیتاژ (سن پترزبورگ) این نقاشی به سفارش کاترین دوم برای ساختمان آکادمی هنر در حال ساخت در سن پترزبورگ ساخته شده است.
د. دیدرو مهارت خود را با جادوگری مقایسه کرد: «اوه، شاردن، این رنگ‌های سفید، قرمز و سیاهی نیست که روی پالت خود می‌مالی، بلکه جوهره اشیا است. شما هوا و نور را در نوک قلم مو می گیرید و آن را روی بوم می گذارید!»

شاردن "حباب های صابون" (1733-1734). گالری ملی هنر، واشنگتن (ایالات متحده آمریکا)
تلفیقی عجیب از نقاشی "غالمان" و ژانر روزمره، آثار ژان آنوره فراگونار را متمایز می کند.

ژان اونوره فراگونار (1732-1806)

نقاش و حکاکی فرانسوی. او به سبک روکوکو کار می کرد. نویسنده بیش از 550 نقاشی (بدون احتساب نقشه ها و حکاکی ها).

J.O. فراگونارد. سلف پرتره (حدود 1760-1770)
او شاگرد F. Boucher و J.B.S. شاردن در ابتدا به نقاشی تاریخی علاقه مند بود و سپس با روح واتو و بوچر شروع به نقاشی کرد. او اغلب صحنه هایی از زندگی صمیمی، محتوای وابسته به عشق شهوانی، تابلوهای تزئینی، پرتره، مینیاتور، آبرنگ، و پاستل را تولید می کند. او همچنین به قلمزنی مشغول بود.
اما در عصر کلاسیک، محبوبیت خود را از دست داد.

J.O. فراگونارد "چفت" (1777). لوور (پاریس)
این نقاشی صحنه ای عاشقانه را به تصویر می کشد: آقا بدون اینکه چشم از خانم بردارد، با دست راست خود به دری می رسد که پیچ بالایی را روی آن می بندد. به نظر می رسد دست چپ خانم این حرکت را تکرار می کند. روی میز یک سیب قرار دارد که نماد کتاب مقدس وسوسه و سقوط است.
در نقاشی های تاریخی، فراگونارد کمی اصیل است. مناظر او کاملاً آراسته شده است. اما نقاشی‌های ژانر این هنرمند با ترکیب ماهرانه، طراحی زیبا، رنگ‌آمیزی ظریف و طعم لطیف متمایز می‌شوند: "درس موسیقی"، "پستورال"، "حمام‌کنندگان"، "پوره خفته"، "کوپید که پیراهن را از روی زیبایی برمی‌دارد"، " گیتاریست جوان، "بوسه ای بر حیله گر."

J.O. فراگونارد "بوسه دزدیده شده" ارمیتاژ (سن پترزبورگ)
در اواسط قرن 18. روشنگری فرانسه آرمان های کلاسیک را به عنوان ابزاری برای آموزش مطرح کرد. یک جهت احساسی و اخلاقی در نقاشی ظاهر شد که در آن هنرمند ژان باپتیست گروز برجسته بود.

ژان باپتیست گروز (1725-1805)

J.-B. رویاها سلف پرتره
گروز به ویژه در ژانر زندگی خانوادگی با مشکلات و درام هایش موفق شد - در اینجا او رقبای کمی در نقاشی فرانسوی دارد.

J.-B. رویاهای "نفرین پدر" (1777). لوور (پاریس)
این نقاشی صحنه ای از یک درام خانوادگی را به تصویر می کشد، زمانی که پسر به پدرش اعلام می کند که به سربازی می رود و پدر او را نفرین می کند.
او به عنوان یک نقاش پرتره نیز در بهترین حالت خود بود، زیرا... پرتره را متفاوت از معاصرانش درک می کرد که مردان را به صورت آپولوس و زنان را به صورت فلوراس و ونوس ترسیم می کردند. پرتره های او مملو از شباهت بیرونی است، پر از زندگی و احساسات.

J.-B. رویاهای "پرتره یک دختر". موزه ملی هنر آذربایجان
ارمیتاژ سن پترزبورگ شامل 11 اثر از گروز است.
در فرانسه در قرن 18. علاقه به طبیعت و نقاشی منظره افزایش یافت. نوعی منظره ("فانتزی معماری") مشخصه نئوکلاسیک توسط هوبرت رابرت ایجاد شد.

هوبرت رابرت (1733-1808)

ویژی-لبرون، ماری الیزابت لوئیز. پرتره هوبرت رابرت (1788) لوور (پاریس)
نقاش منظره فرانسوی; به خاطر بوم های بزرگ خود با تصاویر رمانتیک از خرابه های باستانی احاطه شده توسط طبیعت ایده آل شهرت اروپایی به دست آورد. نام مستعار او "رابرت خرابه ها" بود.

هوبرت رابرت "ویرانه های باستانی" (1754-1765). بوداپست

ژاک لوئیس دیوید (1748-1825)

J.-L. دیوید سلف پرتره (1794)
نقاش و معلم فرانسوی، نماینده اصلی نئوکلاسیک فرانسه در نقاشی. وقایع نگار حساس دوران پرتلاطم خود.
در خانواده یک عمده فروش آهن به دنیا آمد. او عمدتاً در خانواده ای از بستگان بزرگ شد. وقتی به توانایی کودک در نقاشی توجه شد، فرض بر این بود که او نیز مانند هر دو عمویش معمار خواهد شد.
دیوید در آکادمی St. لوک در سال 1764، بستگانش او را به فرانسوا بوچر معرفی کردند، اما به دلیل بیماری نتوانست با مرد جوان درس بخواند. در سال 1766، دیوید وارد آکادمی سلطنتی نقاشی و مجسمه سازی شد و در کارگاه وین شروع به تحصیل کرد. در 1775-1780 دیوید در آکادمی فرانسه در رم تحصیل کرد و هنر باستان و آثار استادان رنسانس را مطالعه کرد.
در سال 1783 به عضویت آکادمی نقاشی انتخاب شد.
او فعالانه در جنبش انقلابی شرکت کرد، به عضویت کنوانسیون ملی انتخاب شد، به مونتاناردها به رهبری مارات و روبسپیر پیوست و به مرگ شاه لوئی شانزدهم رای داد. او تعدادی نقاشی تقدیم به انقلابیون کشید: "سوگند در سالن رقص" (1791، ناتمام)، "مرگ مارات" (1793). همچنین در این زمان او جشنواره های عمومی گسترده را ترتیب داد و موزه ملی را در لوور ایجاد کرد.

J.-L. دیوید "مرگ مارات" (1793). موزه‌های سلطنتی هنرهای زیبا (بروکسل)
این تابلو یکی از مشهورترین نقاشی های اختصاص داده شده به انقلاب کبیر فرانسه است.
ژان پل مارات روزنامه نگار روزنامه رادیکال دوست مردم، رهبر ژاکوبن ها است. مارات که به بیماری پوستی مبتلا شده بود، از خانه بیرون نیامد و برای تسکین رنج خود، غسل کرد. در 13 ژوئیه 1793، او توسط نجیب زاده شارلوت کوردی با چاقو در آپارتمانش کشته شد.
کتیبه روی پایه چوبی تقدیم نویسنده است: «ماراتو، دیوید». در دست مارات، تکه‌ای کاغذ با این متن است: «۱۳ ژوئیه ۱۷۹۳، ماری آن شارلوت کوردی به شهروند مارات. من ناراضی هستم و از این رو حق حمایت از شما را دارم.» در واقع مارات وقت دریافت این یادداشت را نداشت، زیرا... کوردی ابتدا او را کشت.
در سال 1794 به دلیل عقاید انقلابی خود به زندان افتاد.
در سال 1797 او شاهد ورود تشریفاتی ناپلئون بناپارت به پاریس بود و از آن زمان به حامی سرسخت او تبدیل شد و پس از به قدرت رسیدن - "نخستین هنرمند" دربار. دیوید نقاشی هایی می آفریند که به عبور ناپلئون از کوه های آلپ، تاج گذاری او و همچنین تعدادی ترکیب بندی و پرتره از افراد نزدیک به ناپلئون اختصاص دارد. پس از شکست ناپلئون در نبرد واترلو در سال 1815، او به سوئیس گریخت، سپس به بروکسل رفت و تا پایان عمر در آنجا زندگی کرد.

J.-L. دیوید "بوناپارت در گذرگاه سنت برنارد" (1801)
این نقاشی از دیوید، دوران رمانتیسم را در نقاشی اروپایی باز می کند. این یک پرتره سوارکاری بسیار رمانتیک از ژنرال ناپلئون بناپارت است که ارتش ایتالیا را از طریق گذرگاه سنت برنارد در ارتفاعات آلپ در می 1800 رهبری کرد.
پس زمینه طبیعی نیز به نقاشی معنایی رمانتیک می دهد: صخره های شیب دار کوه، برف، بادهای شدید و آب و هوای بد. در زیر، اگر دقت کنید، می توانید نام حک شده سه فرمانده بزرگی را که از این جاده عبور کرده اند، ببینید: هانیبال، شارلمانی و بناپارت.

J.-L. دیوید "تاج گذاری ناپلئون" (1805-1808)
این بوم تحت تأثیر نقاشی روبنس "تاج گذاری ماری دو مدیچی" خلق شده است.
ژاک لویی دیوید در بروکسل به خاک سپرده شد و قلب او به پاریس منتقل شد و در گورستان پرلاشز به خاک سپرده شد.
در قرن 18 در فرانسه، نقاشان تاریخی ژان ژونه، نیکلاس کولومبل، پیر سوبلیرا، نقاشان پرتره کلود لوفور، نیکلاس لارژیلیر و هیاسنت ریگو کار می کردند.
در اواسط قرن 18. خانواده وانلو به ویژه برادران ژان باپتیست و چارلز و دیگر هنرمندان مشهور بودند.

مکتب هنر فرانسه در آغاز قرن‌های 17 و 18 را می‌توان مکتب پیشرو اروپایی نامید؛ در آن زمان در فرانسه بود که سبک‌های هنری مانند روکوکو، رمانتیسم، کلاسیک، رئالیسم، امپرسیونیسم و ​​پست امپرسیونیسم سرچشمه گرفت.

روکوکو (روکوکو فرانسوی، از rocaille - یک نقوش تزئینی به شکل صدف) - سبکی در هنر اروپایی نیمه اول قرن 18. ویژگی روکوکو لذت‌گرایی، عقب‌نشینی به دنیای نمایش‌های نمایشی بت‌ها، و تمایل به موضوعات شبانی و حسی-شهوانی است. شخصیت دکور روکوکو فرم‌های بسیار ظریف و پیچیده‌ای به دست آورد.

فرانسوا بوچر، آنتوان واتو و ژان اونوره فراگونار به سبک روکوکو کار می کردند.

کلاسیک گرایی - سبکی در هنر اروپایی قرن هفدهم - اوایل قرن نوزدهم که یکی از ویژگی های بارز آن توسل به اشکال هنر باستانی به عنوان استاندارد زیبایی شناختی و اخلاقی ایده آل بود.

ژان باپتیست گروز، نیکلاس پوسین، ژان باپتیست شاردن، ژان دومینیک اینگر و ژاک لوئیس دیوید به سبک کلاسیک کار می کردند.

رمانتیسم - سبکی از هنر اروپایی در قرن های 18-19، که ویژگی های بارز آن تأیید ارزش ذاتی زندگی معنوی و خلاقانه فرد، به تصویر کشیدن احساسات و شخصیت های قوی و اغلب سرکش بود.

فرانسیسکو دو گویا، یوژن دلاکروا، تئودور جریکولت و ویلیام بلیک به سبک رمانتیسم کار می کردند.

ادوارد مانه صبحانه در کارگاه. 1868

واقع گرایی - سبکی از هنر که وظیفه آن این است که واقعیت را تا حد امکان دقیق و عینی نشان دهد. از نظر سبکی، رئالیسم چهره های زیادی دارد و گزینه های زیادی دارد. جنبه های مختلف رئالیسم در نقاشی عبارتند از: توهم گرایی باروک کاراواجو و ولاسکز، امپرسیونیسم مانه و دگا و آثار نینن ون گوگ.

تولد رئالیسم در نقاشی اغلب با کار هنرمند فرانسوی گوستاو کوربه همراه است که نمایشگاه شخصی خود را با عنوان "غرفه رئالیسم" در پاریس در سال 1855 افتتاح کرد، اگرچه حتی قبل از او هنرمندان مکتب باربیزون، تئودور روسو، ژان- فرانسوا میله و ژول برتون به شیوه ای واقع گرایانه کار کردند. در دهه 1870. رئالیسم به دو جهت اصلی تقسیم شد - ناتورالیسم و ​​امپرسیونیسم.

نقاشی رئالیستی در سراسر جهان رواج یافته است. گردشگران در قرن نوزدهم در روسیه به سبک رئالیسم با گرایش اجتماعی قوی کار می کردند.

امپرسیونیسم (از تأثیر فرانسوی - تأثیر) - سبکی در هنر یک سوم پایانی قرن 19 - اوایل قرن 20، که ویژگی بارز آن تمایل به گرفتن طبیعی ترین دنیای واقعی در تحرک و تنوع آن، برای انتقال زودگذر است. برداشت ها امپرسیونیسم مسائل فلسفی را مطرح نکرد، بلکه بر سیالیت لحظه، حال و هوا و نور تمرکز داشت. موضوعات امپرسیونیست ها خود زندگی است، به عنوان مجموعه ای از تعطیلات کوچک، مهمانی ها، پیک نیک های دلپذیر در طبیعت در یک محیط دوستانه. امپرسیونیست ها جزو اولین کسانی بودند که بدون اینکه کار خود را در استودیو به پایان برسانند، به طور کامل نقاشی کردند.

ادگار دگا، ادوارد مانه، کلود مونه، کامیل پیسارو، آگوست رنوار، ژرژ سورات، آلفرد سیسلی و دیگران به سبک امپرسیونیسم کار کردند.

پست امپرسیونیسم یک سبک هنری است که در اواخر قرن نوزدهم ظهور کرد. پست امپرسیونیست ها به دنبال این بودند که آزادانه و به طور کلی مادی بودن جهان را منتقل کنند و به سبک سازی تزئینی متوسل شدند.

پست امپرسیونیسم باعث ظهور جنبش های هنری مانند اکسپرسیونیسم، نمادگرایی و مدرنیسم شد.

ونسان ون گوگ، پل گوگن، پل سزان و تولوز لوترک به سبک پست امپرسیونیستی کار می کردند.

بیایید نگاهی دقیق تر به امپرسیونیسم و ​​پست امپرسیونیسم با استفاده از نمونه کارهای استادان منفرد فرانسه در قرن نوزدهم بیندازیم.

ادگار دگا. سلف پرتره. 1854-1855

ادگار دگا (زندگی 1834-1917) - نقاش، گرافیست و مجسمه ساز فرانسوی.

با شروع با نقاشی های تاریخی و پرتره هایی که از نظر ترکیب بندی سختگیرانه بودند ، در دهه 1870 دگا به نمایندگان امپرسیونیسم نزدیک شد و به تصویر کشیدن زندگی مدرن شهری - خیابان ها ، کافه ها ، نمایش های تئاتری روی آورد.

در نقاشی‌های دگا، یک ترکیب پویا و اغلب نامتقارن، طراحی دقیق انعطاف‌پذیر، زوایای غیرمنتظره و تعامل فعال بین شکل و فضا به دقت فکر شده و تأیید می‌شود.

ای. دگا. حمام. 1885

در بسیاری از آثار، ادگار دگا رفتار و ظاهر مشخصه افراد را نشان می دهد که توسط ویژگی های زندگی آنها ایجاد شده است، مکانیسم ژست حرفه ای، وضعیت بدن، حرکت انسان، زیبایی پلاستیکی او را نشان می دهد. هنر دگا با ترکیبی از زیبایی و عروضی مشخص می شود. هنرمند، به عنوان یک ناظر هوشیار و ظریف، به طور همزمان کارهای خسته کننده روزمره را که در پشت نمایشگری ظریف پنهان شده است، به تصویر می کشد.

تکنیک مورد علاقه پاستیل به ادگار دگا اجازه داد تا استعداد خود را به عنوان یک نقشه نویس به طور کامل نشان دهد. رنگ‌های غنی و خطوط «درخشنده» پاستل به هنرمند کمک کرد تا آن فضای رنگارنگ خاص، آن هوای رنگین کمانی را ایجاد کند که همه آثار او را متمایز می‌کند.

دگا در سال های بلوغ خود اغلب به موضوع باله روی آورد. چهره های شکننده و بی وزن بالرین ها یا در گرگ و میش کلاس های رقص یا در کانون توجه روی صحنه و یا در دقایقی کوتاه استراحت در برابر بیننده ظاهر می شوند. تصادفی بودن ظاهری ترکیب بندی و موقعیت بی طرفانه نویسنده این تصور را ایجاد می کند که از زندگی دیگران جاسوسی می کند؛ هنرمند بدون اینکه در احساسات بیش از حد فرو برود، دنیایی از لطف و زیبایی را به ما نشان می دهد.

ادگار دگا را می‌توان یک رنگ‌شناس ظریف نامید؛ پاستل‌های او به طرز شگفت‌آوری هماهنگ، گاهی ملایم و سبک هستند، گاهی اوقات بر اساس تضادهای رنگی تیز ساخته شده‌اند. سبک دگا به خاطر آزادی شگفت‌انگیزش قابل توجه بود؛ او پاستیل‌هایی را با خط‌های برجسته و شکسته به کار می‌برد، گاهی اوقات رنگ کاغذ را از میان پاستل نشان می‌داد یا خطوطی به رنگ روغن یا آبرنگ اضافه می‌کرد. رنگ در نقاشی های دگا از یک درخشش کمانی رنگین، از جریانی روان از خطوط رنگین کمانی که شکل را به وجود می آورد، نشات می گیرد.

آثار متأخر دگا با شدت و غنای رنگ متمایز می‌شوند که با جلوه‌های نور مصنوعی، فرم‌های بزرگ‌شده و تقریباً مسطح و فضای تنگ تکمیل می‌شوند و شخصیتی به شدت دراماتیک به آن‌ها می‌دهند. در آن

دوره دگا یکی از بهترین آثار خود را نوشت - "رقصندگان آبی". هنرمند در اینجا با تکه های رنگی بزرگ کار می کند و اهمیت اولیه را به سازماندهی تزئینی سطح نقاشی می دهد. از نظر زیبایی هارمونی رنگی و طراحی ترکیب بندی، تابلوی رقصندگان آبی را می توان بهترین تجسم تم باله دگا دانست که در این تابلو به نهایت غنای ترکیب بافت و رنگ دست یافته است.

P. O. Renoir. سلف پرتره. 1875

پیر آگوست رنوار (زندگی 1841-1919) - نقاش، گرافیست و مجسمه ساز فرانسوی، یکی از نمایندگان اصلی امپرسیونیسم. رنوار در درجه اول به عنوان استاد پرتره سکولار شناخته می شود، نه خالی از احساسات. در اواسط دهه 1880. در واقع از امپرسیونیسم جدا شد و به خطی بودن کلاسیک در دوره خلاقیت انگرس بازگشت. رنوار که یک رنگ‌شناس برجسته است، اغلب با کمک ترکیب‌های ظریف ارزش‌ها، که از نظر تن رنگی مشابه هستند، به تأثیر نقاشی تک رنگ دست می‌یابد.

P.O. Renoir. استخر پارویی. 1869

مانند اکثر امپرسیونیست ها، رنوار اپیزودهای زودگذر زندگی را به عنوان موضوعات نقاشی خود انتخاب می کند و به صحنه های جشن شهر - توپ، رقص، پیاده روی ("پل جدید"، "استخر اسپلش"، "مولین دالا گالت" و دیگران ترجیح می دهد). روی این بوم ها نه سیاه و نه قهوه ای تیره را نخواهیم دید. فقط طیفی از رنگ های شفاف و روشن که وقتی از فاصله ای معین به نقاشی ها نگاه می کنید با هم ادغام می شوند. فیگورهای انسانی در این نقاشی‌ها با همان تکنیک امپرسیونیستی مناظر اطرافشان نقاشی شده‌اند که اغلب با آن ادغام می‌شوند.

P. O. Renoir. پرتره بازیگر زن ژانا سامری. 1877

جایگاه ویژه ای در آثار رنوار توسط تصاویر شاعرانه و جذاب زنانه اشغال شده است: از نظر درونی متفاوت هستند، اما از نظر ظاهری کمی شبیه به یکدیگر هستند، به نظر می رسد که آنها با مهر مشترک آن دوران مشخص شده اند. رنوار سه پرتره مختلف از ژان سامری بازیگر زن نقاشی کرد. در یکی از آنها، این بازیگر با لباسی نفیس سبز-آبی در پس زمینه صورتی به تصویر کشیده شده است. رنوار در این پرتره موفق شد بر بهترین ویژگی های مدل خود تأکید کند: زیبایی، ذهن پر جنب و جوش، نگاه باز، لبخند درخشان. سبک کار هنرمند بسیار آزاد است و در جاهایی تا حد بی احتیاطی است، اما فضایی از طراوت، وضوح معنوی و آرامش فوق العاده ایجاد می کند. رنوار در به تصویر کشیدن برهنه به پیچیدگی کمیاب میخک (نقاشی به رنگ میخک) دست می یابد. پوست انسان)، که بر روی ترکیبی از رنگ‌های گوشت گرم با بازتاب‌های متمایل به سبز روشن و آبی خاکستری کشویی ساخته شده و سطحی صاف و مات به بوم می‌دهد. در نقاشی "برهنه در نور خورشید"، رنوار در درجه اول از رنگ های اصلی و ثانویه استفاده می کند، که به طور کامل سیاه را حذف می کند. لکه های رنگی که با استفاده از خطوط رنگی کوچک به دست می آیند، با دور شدن بیننده از تصویر، جلوه ادغام مشخصی را ایجاد می کنند.

لازم به ذکر است که استفاده از رنگ های سبز، زرد، اخرایی، صورتی و قرمز برای به تصویر کشیدن پوست، عموم مردم آن زمان را شوکه کرد، بدون آمادگی برای درک این واقعیت که سایه ها باید رنگی، پر از نور باشند.

در دهه 1880، به اصطلاح "دوره انگرس" در آثار رنوار آغاز شد. معروف‌ترین اثر این دوره «حمام‌کنندگان بزرگ» است. برای ساخت یک ترکیب، رنوار برای اولین بار شروع به استفاده از طرح ها و طرح ها کرد، خطوط نقاشی واضح و مشخص شدند، رنگ ها درخشندگی و اشباع قبلی خود را از دست دادند، نقاشی به طور کلی شروع به مهار و سردتر کرد.

در اوایل دهه 1890 تغییرات جدیدی در هنر رنوار رخ داد. در حالتی نقاشی، رنگین کمانی ظاهر می شود، به همین دلیل است که این دوره را گاهی مروارید می نامند، سپس این دوره جای خود را به قرمز می دهد که به دلیل ترجیح سایه های رنگ های قرمز و صورتی به این نام خوانده می شود.

یوجین هانری پل گوگن (زندگی 1848-1903) - نقاش، مجسمه ساز و گرافیست فرانسوی. او در کنار سزان و ون گوگ بزرگترین نماینده پست امپرسیونیسم بود. او نقاشی را در بزرگسالی آغاز کرد؛ دوره اولیه خلاقیت او با امپرسیونیسم همراه است. بهترین آثار گوگن در جزایر تاهیتی و هیوا اوآ در اقیانوسیه نوشته شد، جایی که گوگن «تمدن شرور» را ترک کرد. از ویژگی های بارز سبک گوگن می توان به ایجاد روی بوم های مسطح بزرگ ترکیبات رنگی ایستا و متضاد، عمیقاً احساسی و در عین حال تزئینی اشاره کرد.

در نقاشی "مسیح زرد"، گوگن مصلوب شدن را در پس زمینه یک منظره معمولی روستایی فرانسوی به تصویر کشیده است، عیسی رنج کشیده توسط سه زن دهقان برتون احاطه شده است. آرامش در هوا، ژست های مطیع آرام زنان، منظره اشباع شده از رنگ زرد آفتابی با درختانی در شاخ و برگ های قرمز پاییزی، دهقانی که در دوردست به کار خود مشغول است، نمی تواند با آنچه روی صلیب می گذرد در تضاد باشد. محیط در تضاد شدید با عیسی است، که چهره‌اش آن مرحله از رنج را نشان می‌دهد که در مرز بی‌تفاوتی، بی‌تفاوتی نسبت به همه چیز اطرافش است. تضاد بین عذاب های بی حد و حصر پذیرفته شده توسط مسیح و ماهیت "غیر قابل توجه" این قربانی توسط مردم، موضوع اصلی این اثر گوگن است.

پی گوگن. تو حسودی؟ 1892

نقاشی "اوه، حسودی می کنی؟" متعلق به دوره پلینزی آثار این هنرمند است. این نقاشی بر اساس صحنه ای از زندگی است که توسط هنرمند مشاهده شده است:

در ساحل، دو خواهر - آنها به تازگی شنا کرده اند، و اکنون بدن آنها روی شن ها در حالت های شهوانی معمولی دراز شده است - در مورد عشق صحبت می کنند، یک خاطره باعث اختلاف می شود: "چطور؟ تو حسودی!".

گوگن در نقاشی زیبایی های سرسبز طبیعت گرمسیری، انسان های طبیعی دست نخورده از تمدن، رویایی آرمان شهر از بهشت ​​زمینی، زندگی انسان در هماهنگی با طبیعت را به تصویر کشید. نقاشی‌های پلینزی گوگن از نظر رنگ تزئینی، صاف بودن و به یاد ماندنی بودن ترکیب‌بندی و کلیت طرح تلطیف‌شده، به تابلوها شباهت دارند.

پی گوگن. ما از کجا آمده ایم؟ ما که هستیم؟ کجا داریم می رویم؟ 1897-1898

نقاشی «از کجا آمدیم؟ ما که هستیم؟ کجا داریم میریم؟" گوگن آن را نقطه اوج عالی تأملات خود می دانست. طبق نقشه هنرمند، نقاشی باید از راست به چپ خوانده شود: سه گروه اصلی از چهره ها سوالات مطرح شده در عنوان را نشان می دهند. گروه زنان با یک کودک در سمت راست تصویر نشان دهنده آغاز زندگی است. گروه میانی نمادی از وجود روزانه بلوغ است. در گروه چپ افراطی، گوگن پیری انسان را در حال نزدیک شدن به مرگ به تصویر کشید. بت آبی در پس زمینه نماد دنیای دیگر است. این نقاشی اوج سبک نوآورانه پسامپرسیونیست گوگن است. سبک او ترکیبی از استفاده واضح از رنگ ها، رنگ و ترکیب تزئینی، صاف بودن و یادبود بودن تصویر با بیان احساسی بود.

آثار گوگن بسیاری از ویژگی‌های سبک آرت نوو را پیش‌بینی می‌کرد که در این دوره در حال ظهور بود و بر پیشرفت استادان گروه «نبی» و دیگر نقاشان اوایل قرن بیستم تأثیر گذاشت.

وی. ون گوگ. سلف پرتره. 1889

ونسان ون گوگ (زندگی 1853-1890) - هنرمند پست امپرسیونیست فرانسوی و هلندی نقاشی را مانند پل گوگن در بزرگسالی در دهه 1880 شروع کرد. تا این زمان، ون گوگ با موفقیت به عنوان دلال کار کرد، سپس به عنوان معلم در یک مدرسه شبانه روزی کار کرد و بعداً در یک مدرسه مبلغان پروتستان تحصیل کرد و به مدت شش ماه به عنوان مبلغ در یک محله معدن فقیر در بلژیک کار کرد. در اوایل دهه 1880، ون گوگ به هنر روی آورد و در آکادمی هنر در بروکسل (1880-1881) و آنتورپ (1885-1886) حضور یافت. ون گوگ در دوره اولیه کار خود طرح ها و نقاشی هایی را در یک پالت تاریک و نقاشی می نوشت و صحنه هایی از زندگی معدنچیان، دهقانان و صنعتگران را به عنوان موضوع انتخاب می کرد. آثار ون گوگ در این دوره ("سیب زمینی خواران"، "برج کلیسای قدیمی در نین"، "کفش") نشان دهنده درک دردناکی حاد از رنج و احساس افسردگی انسان، فضای سرکوبگر تنش روانی است. این هنرمند در نامه‌های خود به برادرش تئو درباره یکی از نقاشی‌های این دوره به نام «سیب‌زمینی‌خواران» چنین می‌نویسد: «در آن سعی کردم بر این نکته تأکید کنم که این افراد سیب‌زمینی‌های خود را زیر نور چراغ می‌خورند. با همان دست هایی که به سمت ظرف دراز کردند، زمین را حفر می کردند. بنابراین، نقاشی از کار سخت و این واقعیت صحبت می کند که شخصیت ها صادقانه غذای خود را به دست آورده اند." در 1886-1888. ون گوگ در پاریس زندگی می کرد، از استودیوی هنری خصوصی و معتبر معلم معروف پی کورمون در سراسر اروپا دیدن کرد، نقاشی امپرسیونیستی، حکاکی ژاپنی و آثار مصنوعی پل گوگن را مطالعه کرد. در این دوره، پالت ون گوگ روشن شد، سایه خاکی رنگ ناپدید شد، رنگ های آبی خالص، زرد طلایی، قرمز ظاهر شد، حرکت قلم موی پویا و روان او ("Agostina Segatori در کافه Tambourine"، "Bridge over the Sen," "Père Tanguy"، "نمای پاریس از آپارتمان تئو در خیابان Lepic").

در سال 1888، ون گوگ به آرل نقل مکان کرد، جایی که سرانجام اصالت سبک خلاقانه او مشخص شد. خلق و خوی هنری آتشین، انگیزه ای دردناک به سمت هماهنگی، زیبایی و خوشبختی و در عین حال ترس از نیروهای دشمن انسان، یا در مناظر درخشان با رنگ های آفتابی جنوب تجسم می یابد ("خانه زرد"، "درو". La Croe Valley»)، یا در تصاویر شوم، یادآور یک کابوس («کافه تراس در شب»). پویایی رنگ و قلم مو

وی. ون گوگ. تراس کافه شبانه. 1888

نه تنها طبیعت و مردم ساکن در آن ("تاکستان های سرخ در آرل")، بلکه اشیاء بی جان ("اتاق خواب ون گوگ در آرل") پر از زندگی معنوی و حرکت است.

کار شدید ون گوگ در سال‌های اخیر با دوره‌های بیماری روانی همراه بود که او را به یک بیمارستان روانی در آرل، سپس به سنت رمی (1889-1890) و به Auvers-sur-Oise (1890) کشاند، جایی که او خودکشی کرد. . آثار دو سال آخر زندگی این هنرمند با وسواس هیجان‌انگیز، بیان فوق‌العاده ترکیب رنگ‌ها، تغییرات ناگهانی در خلق و خوی مشخص شده است - از ناامیدی دیوانه‌وار و رویایی غم‌انگیز ("جاده‌ای با سرو و ستاره‌ها") تا احساس مهیب روشنگری. و صلح ("منظره در اوورز پس از باران") .

وی. ون گوگ. زنبق. 1889

در طول دوره درمان در کلینیک سنت رمی، ون گوگ چرخه نقاشی "عنبیه" را نقاشی کرد. نقاشی گل او فاقد کشش بالا است و تأثیر چاپ های ژاپنی ukiyo-e را نشان می دهد. این شباهت در برجسته کردن خطوط اجسام، زوایای غیر معمول، وجود مناطق دقیق و مناطق پر از رنگ ثابتی که با واقعیت مطابقت ندارد، آشکار می شود.

وی. ون گوگ. مزرعه گندم با کلاغ ها. 1890

«گندمزار با کلاغ‌ها» نقاشی از ون گوگ است که توسط این هنرمند در ژوئیه 1890 کشیده شد و یکی از معروف‌ترین آثار اوست. این نقاشی ظاهراً در 10 ژوئیه 1890، 19 روز قبل از مرگ او در Auvers-sur-Oise به پایان رسید. نسخه ای وجود دارد که ون گوگ در روند نقاشی این نقاشی خودکشی کرد (او با موادی برای نقاشی به هوای آزاد رفت، با تپانچه ای که برای ترساندن دسته های پرندگان خریداری کرده بود به قلب خود شلیک کرد، سپس به طور مستقل به این نقاشی رسید. بیمارستان، جایی که او بر اثر از دست دادن خون درگذشت).