ارکستر - گروه بزرگی از آلات موسیقی که کارهایی را انجام می دهند که مخصوص این ترکیب طراحی شده است.

بسته به ترکیب، ارکسترها دارای قابلیت های متفاوت، بیانی، صدایی و پویا هستند و نام های مختلفی دارند:

• ارکستر سمفونیک (بزرگ و کوچک)،
• مجلسی، ارکستر سازهای محلی،
• باد،
• ترکیدن،
• جاز

در ارکستر سمفونیک مدرن، سازها به گروه های زیر تقسیم می شوند:

I. کمان رشته ای:ویولن، ویولا، ویولن سل، کنترباس.
II. بادهای چوبی:فلوت، ابوا، کلارینت، باسون.
III. برنج:بوق، ترومپت، ترومبون، لوله.
IV. طبل:

آ) سر و صدا:کاستنت، جغجغه، ماراکا، شلاق، تام تام، طبل (بزرگ و کوچک). قطعات آنها در یک خط موسیقی ضبط شده است – "نخ".
ب) با یک زمین خاص:تیمپانی، سنج، مثلث، زنگ، زیلوفون، ویبرافون، سلستا.

V. صفحه کلید:پیانو، ارگ، هارپسیکورد، کلاویکورد.
VI. گروه توسعه دهنده:ساز چنگ.

صدای کامل ارکستر به نام " توتی " - ("همه").

رهبر ارکستر - (از فرانسوی - "مدیریت، مدیریت") تیمی از نوازندگان - نوازندگان را مدیریت می کند، او صاحب تفسیر هنری کار است.

روی کنسول روبروی هادی قرار دارد - نمره (نت نویسی کامل تمامی قسمت های سازهای ارکستر).

قطعات سازهای هر گروه یکی زیر دیگری ضبط می شوند که از بالاترین صدا شروع می شود و با کمترین صدا ختم می شود.

تنظیم موسیقی ارکسترال برای نوازنده پیانو نامیده می شود کلاویه .

ویژگی های گروه های ارکستر سمفونیک

I. ریسمان کمان

این سازها از نظر ظاهر و رنگ آمیزی صدا (تیمبر) مشابه هستند. علاوه بر این، صدای آنها با کمان استخراج می شود. از این رو نام. خوش زبان ترین و رساترین ساز این گروه است ویولن . شبیه صدای خواننده است. صدای ملایم و آوازخوانی دارد. معمولاً ملودی اصلی اثر به ویولن سپرده می شود. ارکستر دارای ویولن I و II است. نقش های مختلفی را بازی می کنند.
آلتو شبیه ویولن است، اما اندازه آن خیلی بزرگتر نیست و صدایی خفه تر و مات دارد /
ویولن سل می توان آن را "ویولن بزرگ" نامید. این ساز مانند ویولن یا ویولا روی شانه نیست، بلکه روی پایه ای قرار می گیرد که زمین را لمس می کند. صدای ویولن سل کم، اما در عین حال نرم، مخملی، نجیب است.
بزرگترین ساز این گروه است کنترباس . نشسته می نوازند چون از آدم بلندتر است. این ساز به ندرت به عنوان تکنواز استفاده می شود. صدای او در این گروه کمترین صدای زمزمه است.
گروه زهی آرشه در ارکستر رهبر ارکستر است. دارای قابلیت های تند و فنی بسیار زیاد است.

II. بادهای چوبی

از چوب برای ساخت ابزار چوبی استفاده می شود. آنها را سازهای بادی می نامند زیرا با دمیدن هوا در ساز صدا تولید می کنند.
فلوت (از ایتالیایی به معنای "باد، نفس"). صدای فلوت شفاف، صوت، سرد است.
صدایی ملودیک، غنی، گرم، اما تا حدودی بینی دارد ابوا.
دارای انواع تناوب کلارینت. این کیفیت به او اجازه می دهد تا نقاشی های دراماتیک، غنایی و اسکرزو را اجرا کند.
قسمت باس را اجرا می کند باسون - سازی با صدای ضخیم و کمی خشن.
پایین ترین باسون اسمی دارد کنتراباسون .
گروه سازهای بادی چوبی به طور گسترده برای ترسیم تصاویر طبیعت، قسمت های غنایی استفاده می شود.

III. برنج

برای ساخت سازهای بادی مسی از فلزات مس (مس، برنج و ...) استفاده می شود.
تمام گروه سازهای بادی برنجی در ارکستر با قدرت و جدیت، درخشان و درخشان به صدا در می آیند.
"صدای" واضحی دارد لوله . صدای بلند ترومپت حتی زمانی که کل ارکستر در حال نواختن است شنیده می شود. اغلب ترومپت یک بخش انفرادی دارد.
شیپور فرانسوی ("شاخ جنگل") می تواند در موسیقی شبانی استفاده شود.
در لحظه بالاترین تنش در یک قطعه موسیقی به خصوص دراماتیک همراه با پیپ می نوازند. ترومبون ها.
پایین ترین ساز برنجی در ارکستر - توبا. اغلب در ترکیب با سازهای دیگر نواخته می شود.

وظیفه سازهای کوبه ای- صدای ارکستر را تقویت کنید، آن را رنگی تر کنید، بیان و تنوع ریتم را نشان دهید.

این یک گروه بزرگ، رنگارنگ و متنوع است که با یک روش رایج برای استخراج صدا - یک ضربه متحد می شود. یعنی ذاتاً ملودیک نیستند. هدف اصلی آنها تأکید بر ریتم، افزایش صدای کلی ارکستر و تکمیل، تزئین آن با جلوه های مختلف است. فقط تیمپانی ها عضو دائمی ارکستر هستند. از قرن نوزدهم، گروه شوک به سرعت شروع به پر شدن کرد. درام های باس و دام، سنج و مثلث، و سپس تنبور، تام تام، زنگ و زنگ، زیلوفون و سلستا، ویبرافون. اما این سازها فقط به صورت پراکنده مورد استفاده قرار می گرفتند.

ویژگی بارز تعدادی از سازها وجود کلیدهای سفید و سیاه است که در مجموع به آنها کیبورد یا برای ارگ دستی می گویند.
سازهای صفحه کلید اصلی: عضو (بستگان - قابل حمل , مثبت ), کلاویکورد (مربوط - ستون فقرات در ایتالیا و باکره در انگلستان)، هارپسیکورد، پیانو (انواع - پیانو و پیانو ).
با توجه به منبع صدا، سازهای کیبورد به دو گروه تقسیم می شوند. گروه اول شامل سازهای زهی و گروه دوم شامل سازهای ارگ است. به جای ریسمان، لوله هایی با اشکال مختلف دارند.
پیانو این ساز است که در آن هر دو صدای بلند (فورته) و آرام (پیانو) با کمک چکش استخراج می شد. از این رو نام این ساز است.
تایمبر هارپسیکورد - نقره ای، صدا بلند نیست، با همان قدرت.
عضو - بزرگترین ساز موسیقی مثل پیانو با فشار دادن کلیدها آن را می نوازند. تمام قسمت جلوی ارگ در قدیم با کنده کاری های هنری زیبا تزئین شده بود. پشت سر او هزاران لوله با اشکال مختلف وجود دارد که هر کدام با صدای خاص خود را دارند. در نتیجه، اندام هم بالاترین و هم پایین ترین صداهایی را که گوش انسان فقط می تواند آن ها را بگیرد منتشر می کند.

VI.عضو مکرر ارکستر سمفونیک است رشته کنده شدهابزار - ساز چنگ ، که یک قاب طلاکاری شده با رشته های کشیده است. چنگ صدایی ملایم و شفاف دارد. صدای آن طعمی جادویی ایجاد می کند.

ویژگی های تامبر سازها

انواع ارکستر

ارکستر سازهای عامیانه روسیه

ترکیب چنین ارکستری شامل گروه های اصلی است:

• رشته کنده شده:
  • دومرا، بالالایکا، گوسلی
• برنج:
  • فلوت، zhaleyka، شاخ ولادیمیر
• نی بادی:
  • بایان، سازدهنی
• • تنبور و طبل
• ابزارهای اضافی:
  • فلوت، ابوا و انواع آنها

ارکستر سازهای محلی بلاروس

ترکیب تقریبی:

• سازهای زهی:
  • چنگ، ویولن، باست
• سازهای بادی:
  • Svirel، zhaleyka، duda، لوله، شاخ
• • طبل و سنج
• آکاردئون - (یا آکاردئون دکمه ای چندتیمبر، آماده انتخاب) یک ساز صفحه کلید نی، پنوماتیک ("هوا") است. نام خود را از نام درن - خواننده افسانه ای روسی - داستان سرا بایان گرفته است. این ساز در دو طرف دکمه هایی دارد که نوازنده از ناله سمت راست ملودی و از سمت چپ همنوازی می نوازد.
  بیان ها در اجرای کنسرت های مدرن رایج ترین هستند. دارا بودن سوئیچ های مخصوص رجیسترهای تایمبر در صفحه کلید سمت چپ که امکان تغییر تایم ساز، تغییر رنگ صدا را فراهم می کند.
  آکاردئون‌های دکمه‌ای الکترونیکی نیز وجود دارند که دارای قدرت صدای نامحدود و تعداد بسیار زیادی از رنگ‌های تایمبر هستند.
• بالالایکا - یکی از بستگان عود، ماندولین، گیتار. نماد موسیقی مردم روسیه. یک ساز زهی است. او بدنی چوبی مثلثی و گردنی بلند دارد که تارها روی آن کشیده شده است. صدا با زدن تمام سیم ها با انگشت اشاره یا با کندن استخراج می شود. انواع مختلفی از بالالایکا وجود دارد: پیکولو، پریما، دوم، ویولا، باس و کنترباس.
• هارمونیک (آکاردئون، آکاردئون) - یک ساز موسیقی بادی که در بسیاری از کشورها رواج یافته است.
  مجهز به خز و صفحه کلید است. ویژگی بارز ساز: توانایی تغییر گام به دلیل تغییر در کشش حرکت دم.
  نوع دیگر سازدهنی است آکاردئون . در یک طرف آکاردئون کلیدهایی وجود دارد، مانند پیانو، آنها یک ملودی را می نوازند، در طرف دیگر - چندین ردیف دکمه برای همراهی. وقتی چند تا از آنها را فشار می دهید، یک آکورد کامل به صدا در می آید. از این رو نام آکاردئون است.
• دومرا - کمی شبیه بالالایکا، فقط بدن آن بیضی شکل، گلابی شکل است و سیم ها به صورت چهارم کوک شده اند.
• سنج - ساز کوبه ای زهی، جعبه ای کم ارتفاع به شکل ذوزنقه یا قاب چوبی است که سیم ها روی آن کشیده می شود. این ساز با چوب یا چکش نواخته می شود. صدای ملایم سنج در تن صدا شبیه صدای چنگ است.
• گیتار - یکی از معدود آلات موسیقی است که صدا بر روی آن با انگشتان آماده و استخراج می شود.
• گسلی - یک ساز زهی قدیمی روسی.

باند برنجی

گروه برنج گروهی از نوازندگان هستند که سازهای مختلف بادی و کوبه ای می نوازند.
سازهای یک گروه برنجی مدرن بر اساس ترکیب آنها به ارکستر برنجی کوچک، مختلط کوچک، میکس متوسط ​​و میکس بزرگ تقسیم می شوند.
اساس ارکستر مس کوچک از: کورنت، آلتوس، تنور، باریتون، باس تشکیل شده است.
با اضافه شدن سازهای بادی چوبی (فلوت، ابوا، کلارینت، ساکسیفون، فاگوت) و همچنین ترومپت، بوق، ترومبون و سازهای کوبه ای به این گروه، ترکیبات مختلط کوچک، متوسط، بزرگ شکل می گیرد.

ارکستر واریته

ترکیب این ارکستر شامل گروه های سنتی سازهای ارکستر سمفونیک - بادی های چوبی - بوق و زه (ویولن، ویولا، ویولن سل) است.

ارکستر جاز (گروه جاز)

این ارکستر شامل ترومپت، کلارینت، ترومبون و "بخش ریتم" (بانجو، گیتار، کنترباس، درام و پیانو) است.

مواد مورد استفاده در کار:

1. Z.Osovitskaya، A.Kazarinovaدر دنیای موسیقی. سال اول تحصیل. م.، "موسیقی"، 1996.
2. M. Shonikovaادبیات موسیقی. روستوف-آن-دون، 2003.
3. Ya.Ostrovskaya، L.Frolovaادبیات موسیقی در تعاریف و نمونه های موسیقی. SPb.، 2004.
4. م.ف.پادشاهی موسیقی مینسک، 2002.

"افروختن آتش در دل،

طبل ها دوباره دعوا می کنند.
و اردوگاه با موج بازی می کند
و عشق در چشم ها می سوزد.

لیلا

سازهای کوبه ای همیشه بخش مهمی از هر فرهنگ موسیقی بوده است. بنابراین، تعداد گروه های موسیقی و سازهایی که در آنها به سازهای کوبه ای نیاز است، به سختی قابل تعیین دقیق است. یکی از این گروه‌های موسیقی یک ارکستر سمفونیک مدرن است که بدون گروهی از سازهای کوبه‌ای که ابزارهای بیان موسیقی مانند ریتم، تمپو و دینامیک را منتقل می‌کنند، غیرممکن است. گروه سازهای کوبه ای در ارکستر سمفونیک در طول زمان به لطف پیشرفت و تغییر در موسیقی از دوره ها و جهات مختلف تغییر کرده است. در یک ارکستر سمفونیک مدرن توجه زیادی به گروه سازهای کوبه ای می شود که بسته به ماهیت قطعات در حال اجرا می تواند از نظر ترکیب سازها متنوع باشد. طبل پیام و اندیشه خاصی از آهنگساز را به شنونده منتقل می کند. برای کامل شدن ادراک، حفظ تعادل صداهای گروه کوبه ای با گروه های مختلف ارکستر سمفونیک بسیار مهم است. طبل ها از نظر شکل و اندازه و موادی که از آن ساخته می شوند و در نهایت ماهیت صدای سایر گروه های ارکستر سمفونیک متفاوت است، بنابراین لازم است ویژگی های آنها را هنگام تعامل با سایر گروه های ارکستر درک کنیم. تأثیر صدای آنها بر اثر و تأثیر آنها در درک موسیقی توسط شنونده.

ارتباط این مسئله پژوهشی از زمان ایجاد ارکستر سمفونیک توسط جی. هایدن تا به امروز وجود داشته است. ماهیت این مشکل در مرحله کنونی در لزوم نشان دادن اهمیت نقش گروه کوبه ای ارکستر سمفونیک نهفته است.

بر اساس ارتباط مسئله، ما فرموله کردیمموضوع تحقیق: «سازهای کوبه ای ارکستر سمفونیک».

بر اساس موضوع تحقیق فرموله کردیمهدف این مقاله - نمایش نقش گروهی از سازهای کوبه ای در ارکستر سمفونیک.

اهداف پژوهش:

1. برای مطالعه تاریخچه توسعه سازهای کوبه ای و تجزیه و تحلیل توسعه سازهای کوبه ای در ارکستر.
2. ارائه در چکیده گروهی از سازهای کوبه ای یک ارکستر سمفونیک.
3. با در نظر گرفتن پیشرفت آنها، سطح پرکاشن را مقایسه کنید.
4. اطلاعات مربوط به این مشکل را سیستماتیک کنید، اطلاعات مربوط به موضوع را خلاصه کنید.

روش های پژوهش:

1. انتخاب، مطالعه و تحلیل ادبیات؛
2. سیستماتیک کردن مطالب مورد مطالعه؛
3. جمع بندی اطلاعات دریافتی

1. فصل اول. سازهای کوبه ای ارکستر سمفونیک

1. 1.1. مفهوم ارکستر، منشأ و ترکیب

ارکستر (از ارکستر یونانی) - تیم بزرگی از نوازندگان ساز. برخلاف گروه‌های مجلسی، در ارکستر برخی از نوازندگان آن گروه‌هایی را تشکیل می‌دهند که به صورت هماهنگ می‌نوازند، یعنی همان قطعات را می‌نوازند.
ایده ساخت موسیقی همزمان توسط گروهی از نوازندگان ساز به دوران باستان باز می گردد: حتی در مصر باستان، گروه های کوچکی از نوازندگان در اعیاد و مراسم ختم مختلف با هم می نواختند.
کلمه "ارکستر" ("ارکستر") از نام سکوی گرد جلوی صحنه تئاتر یونان باستان می آید که گروه کر یونان باستان، شرکت کننده در هر تراژدی یا کمدی را در خود جای داده بود. در دوران رنسانس و بعد از آن در قرن هفدهم، ارکستر به یک گودال ارکستر تبدیل شد و بر این اساس، نام را به گروه نوازندگان مستقر در آن داد.

ارکستر انواع مختلفی دارد: ارکسترهای نظامی برنجی و بادی چوبی، ارکسترهای سازهای محلی، ارکسترهای زهی. بزرگترین ارکستر از نظر آهنگسازی و غنی ترین از نظر توانایی ها ارکستر سمفونیک است.

سمفونیک ارکستر نامیده می شود، متشکل از چندین گروه ناهمگون از سازها - خانواده ای از زهی، بادی و سازهای کوبه ای. اصل چنین وحدتی در قرن هجدهم در اروپا شکل گرفت. در ابتدا، ارکستر سمفونیک شامل گروه هایی از سازهای آرشه ای، بادی چوبی و برنجی بود که با چند ساز کوبه ای به آن ها پیوستند. متعاقباً ترکیب هر یک از این گروه ها گسترش یافت و متنوع تر شد. در حال حاضر، در میان تعدادی از انواع ارکسترهای سمفونیک، مرسوم است که بین ارکستر سمفونیک کوچک و بزرگ تمایز قائل می شود.ارکستر سمفونیک کوچک- این ارکستری از ترکیب غالبا کلاسیک است (نواختن موسیقی اواخر 18 - اوایل قرن 19 یا سبک سازی مدرن). شامل 2 فلوت (به ندرت فلوت کوچک)، 2 ابوا، 2 کلارینت، 2 باسون، 2 (به ندرت 4) بوق، گاهی 2 ترومپت و تیمپانی، یک گروه زهی بیش از 20 ساز (5 ویولن اول و 4 دوم) ، 4 ویولا ، 3 ویولن سل ، 2 کنترباس).ارکستر بزرگ سمفونیکشامل ترومبون های اجباری در گروه مس است و می تواند هر ترکیبی داشته باشد. اغلب سازهای چوبی (فلوت، ابوا، کلارینت و فاگوت) به 5 ساز از هر خانواده می رسد (گاهی اوقات کلارینت بیشتر) و شامل انواع (فلوت های پیک و آلتو، ابوا کوپید و ابوا انگلیسی، کلارینت کوچک، آلتو و باس، کنتراباسون) می شود. گروه مس می تواند شامل حداکثر 8 شاخ (شامل توباهای مخصوص واگنر)، 5 ترومپت (شامل کوچک، آلتو، باس)، 3-5 ترومبون (تنور و تنورباس) و یک توبا باشد. ساکسیفون اغلب استفاده می شود (در ارکستر جاز، هر 4 نوع). گروه زهی به 60 ساز یا بیشتر می رسد. سازهای کوبه ای متعدد هستند (اگرچه تیمپان، زنگ، طبل های کوچک و بزرگ، مثلث، سنج و تام هندی ستون فقرات آنها را تشکیل می دهند)، چنگ، پیانو، هارپسیکورد اغلب استفاده می شود.

ارکستر سمفونیدر طول قرن ها شکل گرفته است. توسعه آن برای مدت طولانی در اعماق گروه های اپرا و کلیسا اتفاق افتاد. چنین گروه هایی در قرن های XV-XVII. کوچک و متنوع بودند آنها شامل عود، ویول، فلوت با ابوا، ترومبون، چنگ و طبل بودند. به تدریج سازهای زهی آرشه ای جایگاه غالب را به دست آوردند. ویولن ها با صدای غنی تر و آهنگین تر جایگزین ویولن ها شدند. در آغاز قرن هجدهم. آنها قبلاً در ارکستر سلطنت می کردند. یک گروه جداگانه و سازهای بادی (فلوت، ابوا، باسون) متحد شده اند. از ارکستر کلیسا به ترومپت سمفونیک و تیمپانی روی آوردند. هارپسیکورد یکی از اعضای ضروری گروه های ساز بود.
چنین ترکیبی مشخصه J. S. Bach، G. Handel، A. Vivaldi بود.
از اواسط قرن هجدهم. ژانرهای سمفونی و کنسرتوی ساز شروع به توسعه کردند. انحراف از سبک چندصدایی، آهنگسازان را به تلاش برای تنوع صدا، تسکین صداهای ارکستر سوق داد.
عملکرد ابزارهای جدید در حال تغییر است. هارپسیکورد با صدای ضعیفش کم کم نقش اصلی خود را از دست می دهد. به زودی، آهنگسازان آن را به طور کامل رها کردند، و عمدتاً به گروه زهی و بادی متکی بودند. تا پایان قرن 18کا ترکیب به اصطلاح کلاسیک ارکستر تشکیل شد: حدود 30 سیم، 2 فلوت، 2 ابوا، 2 باسون، 2 لوله، 2-3 بوق و تیمپانی. کلارینت به زودی به برنج پیوست. جی. هایدن، دبلیو. موتسارت برای چنین ترکیبی نوشتند. این ارکستر در ساخته های اولیه ال. بتهوون است. در قرن 19
توسعه ارکستر عمدتاً در دو جهت پیش رفت. از یک طرف، با افزایش آهنگسازی، با ابزارهای مختلف غنی شد (شایستگی آهنگسازان رمانتیک، در درجه اول برلیوز، لیست، واگنر، برای این عالی است)، از سوی دیگر، قابلیت های داخلی ارکستر توسعه یافت: رنگ های صدا تمیزتر شدند، بافت شفاف تر شدند، منابع بیانی مقرون به صرفه تر هستند (مانند ارکستر گلینکا، چایکوفسکی، ریمسکی-کورساکوف). پالت ارکستر و بسیاری از آهنگسازان اواخر نوزدهم - نیمه اول قرن بیستم را به طور قابل توجهی غنی کرد. (آر. اشتراوس، مالر، دبوسی، راول، استراوینسکی، بارتوک، شوستاکوویچ و دیگران).

ارکستر سمفونیک معاصراز 4 گروه اصلی تشکیل شده است. پایه و اساس ارکستر یک گروه زهی (ویولن، ویولا، ویولن سل، کنترباس) است. در بیشتر موارد، تار حاملان اصلی شروع ملودیک در ارکستر هستند. تعداد نوازندگانی که تار می نوازند تقریباً 2/3 کل گروه است. گروه سازهای بادی چوبی شامل فلوت، ابوا، کلارینت، باسون است. هر کدام از آنها معمولا یک حزب مستقل دارند. سازهای بادی با تسلیم شدن به سازهای کمان دار از نظر اشباع تن صدا، ویژگی های دینامیکی و انواع تکنیک های نوازندگی، دارای قدرت عالی، صدای فشرده، رنگ های رنگارنگ روشن هستند. گروه سوم سازهای ارکستر برنجی (هورن، ترومپت، ترومبون، ترومپت) است. آنها رنگ‌های روشن جدیدی را به ارکستر می‌آورند و قابلیت‌های پویایی آن را غنی می‌کنند، به صدا قدرت و درخشندگی می‌بخشند و به‌عنوان تکیه‌گاه باس و ریتمیک نیز عمل می‌کنند.
سازهای کوبه ای در ارکستر سمفونیک اهمیت فزاینده ای پیدا می کنند. عملکرد اصلی آنها ریتمیک است. علاوه بر این، آنها یک پس زمینه صدا و نویز خاص ایجاد می کنند، پالت ارکستر را با جلوه های رنگی تکمیل و تزئین می کنند. توسطشخصیت صداطبل ها به 2 نوع تقسیم می شوند: برخی دارای صدای خاصی هستند (تیمپانی، زنگ ها، زیلوفون، زنگ ها و غیره)، برخی دیگر فاقد گام دقیق هستند (مثلث، تنبور، درام های دام و باس، سنج). از میان سازهایی که در گروه های اصلی قرار نمی گیرند، نقش چنگ پررنگ تر است. گاهی اوقات، آهنگسازان شامل سلستا، پیانو، ساکسیفون، ارگ و سایر سازهای ارکستر می شوند.

ارکسترال نوشته هایدن

ارکستر سمفونیک بزرگ مدرن بر اساس ترکیب ارکستری ساخته شده توسط هایدن و آهنگسازان مدرسه مانهایم است.

قبل از هایدن، سازهای ارکستر صدای ناهموار ضعیفی داشتند. از لوت ها، تئوربوها، هارپسیکورد استفاده می شد، که در آن استاد گروه می نشست و هارمونی های از دست رفته را پر می کرد و سازهای فردی را به یک کل متصل می کرد.

مانند همه آهنگسازان قرن هجدهم، هایدن سمفونی های خود را برای آهنگسازی ارکستر نوشت، "که در آن لحظه در دستان او بود." اولین سمفونی های نوشته شده برای کنت مورسین توسط 12-16 نوازنده اجرا شد.

در ژوئیه 1762، شاهزاده میکلوس استرهازی ارکستری متشکل از 14 نفر (7 نوازنده زه و 7 نوازنده بادی) را تأیید کرد. بعدها، ترکیب ارکستر به 25 نوازنده یا بیشتر افزایش یافت (16 تار، فلوت، ابوا، باسون، ترومپت، بوق و تیمپانی).

در زمان ما، آکادمی ارکستر موسیقی اولیه، به رهبری رهبر ارکستر معروف انگلیسی کریستوفر هاگوود، سمفونی های هایدن را بر روی سازهای آن دوران اجرا کرده است. در سالن قلعه استرحاز که این سمفونی ها در زمان حیات آهنگساز اجرا می شد، نوازندگان آن ها را با همان آهنگ سازی و با نسبت عجیب و غریب در نگاه اول از سازهای زهی، چوبی و برنجی می نواختند. ترکیب ارکستر استرهازی در زمان هایدن چگونه بود؟ شامل: 4 ویولن اول، 4 ویولن دوم، ویولن سل، کنترباس، ویولا، 2 ابوا، 2 شاخ و تیمپانی.

سپس K. Hogwood سعی کرد سمفونی ها را با نسبتی متفاوت و مدرن از زه ها بنوازد، یعنی: 6 ویولن اول، 4 ویولن دوم، 3 ویولا، 2 ویولن سل، کنترباس.

معلوم شد که نسبت هایدنی سازهای این سالن موفق ترین بوده است! مشخص شد که هایدن از آگاهان بزرگ ارکستر بود.

ارکستر سالومون لندن متشکل از 40 نوازنده بود. برای چنین آهنگی، هایدن 12 سمفونی لندن خود را نوشت. درست است، آهنگساز تنها در سمفونی های 101، 103 و 104 از کلارینت استفاده کرد. احتمالاً تحت تأثیر موتزارت اتفاق افتاده است. ورود کلارینت به ارکستر گروه بادی چوبی را به یک جفت کامل گسترش داد. بدین ترتیب، تشکیل یک ارکستر سمفونیک کوچک یا «کلاسیک» تکمیل شد.

جالب اینجاست که کلارینت که در پایان قرن هفدهم اختراع شد، تا 100 سال بعد به "عضو" دائمی ارکستر تبدیل نشد. هایدن سعی کرد در قرن هجدهم کلارینت را وارد ارکستر شاهزاده استرهازی کند، اما از آنجایی که ساز هنوز ناقص بود، کلارینت با ترومپت جایگزین شد.

بسیاری از مردم فکر می کنند که نواختن درام آسان است. می خواهم برای شما مثالی بزنم: وقتی بولرو راول اجرا می شود، تله به جلو رانده می شود و در کنار جایگاه رهبر ارکستر قرار می گیرد، زیرا در این کار راول نقش بسیار مسئولانه ای را به درام سپرده است. نوازنده ای که درام را می نوازد باید ریتم یکپارچه رقص اسپانیایی را بدون کاهش سرعت یا افزایش سرعت حفظ کند. بیان به تدریج رشد می کند، بیشتر و بیشتر سازهای جدید اضافه می شود، درامر کشیده می شود تا کمی سریعتر بنوازد. اما این نیت آهنگساز را مخدوش می کند و شنوندگان برداشت متفاوتی خواهند داشت. می بینید که چه مهارتی از یک نوازنده که چنین ساز ساده ای می نوازد در درک ما لازم است. د. شوستاکوویچ حتی سه درام را در قسمت اول سمفونی هفتم خود معرفی کرد: آنها در اپیزود تهاجم فاشیست ها شوم صدا می کنند. طبل همچنین زمانی کارکردهای شومی داشت: تحت کسر اندازه گیری شده آن، انقلابیون به اعدام سوق داده شدند، سربازان در صفوف رانده شدند. و حالا با صدای طبل و شیپور به سمت رژه می روند. طبل های آفریقایی زمانی مانند تلگراف وسیله ارتباطی بودند. صدای طبل دور را می برد، مورد توجه و استفاده قرار می گیرد. درامرهای سیگنال در گوشه گوش یکدیگر زندگی می کردند. به محض اینکه یکی از آنها شروع به انتقال پیام کدگذاری شده در ضربات طبل کرد، دیگری دریافت و به نفر بعدی منتقل شد. بنابراین، اخبار خوب یا ناراحت کننده در فواصل بسیار دور پخش می شود. با گذشت زمان، تلگراف و تلفن این نوع ارتباط را غیرضروری کردند، اما اکنون نیز در برخی از کشورهای آفریقایی افرادی هستند که زبان طبل را می دانند.

1. 1.2. گروه سازهای کوبه ای در یک ارکستر

چهارمین پیوند ارکستر سمفونیک مدرن سازهای کوبه ای است. آنها هیچ شباهتی به صدای انسان ندارند و با حس درونی او به زبانی که او می فهمد صحبت نمی کنند. صداهای سنجیده و کمابیش تعریف شده آنها، صدای قلقلک و ترقه آنها، معنایی "ریتمیک" دارد.

وظایف ملودیک آنها به شدت محدود است و تمام وجودشان عمیقاً ریشه در ماهیت رقص به معنای وسیع این مفهوم دارد. به این ترتیب است که برخی از سازهای کوبه ای در دوران باستان مورد استفاده قرار می گرفت و نه تنها توسط مردمان مدیترانه و شرق آسیا به طور گسترده استفاده می شد، بلکه ظاهراً در بین همه به اصطلاح "مردم ابتدایی" به طور کلی عمل می کرد. برخی از سازهای کوبه ای زنگ دار در یونان باستان و روم باستان به عنوان سازهای همراه با رقص و رقص مورد استفاده قرار می گرفتند، اما حتی یک ساز کوبه ای از خانواده طبل اجازه ورود به عرصه موسیقی نظامی را ندادند. این ابزارها کاربرد وسیعی در زندگی یهودیان و اعراب باستان داشتند، جایی که آنها نه تنها وظایف مدنی، بلکه وظایف نظامی را نیز انجام می دادند.

برعکس، در میان مردم اروپای مدرن، انواع مختلفی از سازهای کوبه ای در موسیقی نظامی پذیرفته شده است، جایی که از اهمیت زیادی برخوردار است. با این حال، فقر ملودیک سازهای کوبه ای مانع از نفوذ آنها به ارکسترهای اپرا، باله و سمفونیک نشد، جایی که دور از آخرین مکان را اشغال می کنند. با این حال، زمانی در موسیقی هنری مردم اروپا بود که دسترسی به این سازها برای ارکستر تقریباً بسته بود و به استثنای تیمپانی، از طریق ارکستر اپرا و باله به موسیقی سمفونیک راه یافتند. همانطور که اکنون می گویند، از طریق ارکستر "موسیقی دراماتیک".

در تاریخ "زندگی فرهنگی" بشریت، سازهای کوبه ای قبل از سایر آلات موسیقی به طور کلی به وجود آمدند. با این وجود، این امر مانع از آن نشد که سازهای کوبه ای در زمان آغاز به کار و اولین گام های توسعه آن به پس زمینه ارکستر کشیده شوند. و این غافلگیر کننده تر است زیرا هنوز نمی توان اهمیت "زیبایی شناختی" عظیم سازهای کوبه ای در موسیقی هنری را انکار کرد. تاریخچه سازهای کوبه ای چندان هیجان انگیز نیست. تمام آن «ابزار تولید صدای سنجیده» که توسط همه مردمان بدوی برای همراهی با رقص های جنگی و مذهبی خود به کار می رفت، در آغاز از تخته های ساده و طبل های بدبخت فراتر نمی رفت. و فقط بعداً ، بسیاری از قبایل آفریقای مرکزی و برخی از مردمان خاور دور چنین سازهایی را به دست آوردند که به عنوان الگوهای شایسته ای برای ایجاد سازهای کوبه ای مدرن اروپایی که قبلاً در همه جا پذیرفته شده بودند ، استفاده کردند.

با توجه به کیفیت های موسیقی، تمام سازهای کوبه ای بسیار ساده و طبیعی به دو نوع یا نوع تقسیم می شوند. برخی صدایی با زیر و بم خاصی منتشر می کنند و بنابراین کاملاً طبیعی وارد اساس هارمونیک و ملودیک اثر می شوند، در حالی که برخی دیگر که قادر به تولید صدایی کم و بیش خوشایند یا مشخص هستند، وظایفی کاملاً ریتمیک و زیبا را به معنای وسیع آن انجام می دهند. کلمه. علاوه بر این، مواد مختلفی در ساخت سازهای کوبه ای دخیل است و با توجه به این ویژگی می توان آنها را به سازهای «پوست دار» یا «تاری» و «خود صدادار» تقسیم کرد که در دستگاه آن انواع مختلفی دارد. و گریدهای فلزی، چوبی و اخیراً شیشه ای در میان است. کورت ساکس، با دادن تعریفی نه چندان موفق و برای گوش بسیار زشت - به آنها، واضح است که آنچه را که هست از دست می دهد. مفهوم «آوای خاص»، در اصل، می‌تواند به دلایل مساوی باشد: به هر آلت موسیقی یا نوع آن اطلاق شود.

در موسیقی ارکسترال، سازهای کوبه‌ای مشترک معمولاً در وسط آن، بین برنج و آرشه قرار می‌گیرند. با مشارکت چنگ، پیانو، سلستا و سایر سازهای زهی یا کیبورد، سازهای کوبه ای همیشه جای خود را حفظ می کنند و بلافاصله بعد از سازهای برنجی قرار می گیرند و جای خود را به تمام "تزیینات" یا "تصادفی" می دهند. صدای ارکستر شیوه پوچ نوشتن سازهای کوبه ای در زیر پنج آهنگ آرشه ای را باید به شدت محکوم کرد که بسیار ناخوشایند، ناموجه و بسیار زشت است. در ابتدا در موسیقی های باستانی پدید آمد، سپس در روده های گروه برنجی موقعیت ایزوله تر به دست آورد و با داشتن توجیهی ناچیز، اما اکنون نقض شده و کاملاً بر آن غلبه کرده است، توسط برخی از آهنگسازانی که می خواستند توجه خود را به خود جلب کنند، درک شد. حداقل چیزی و به هر شکلی.

اما بدترین چیز این است که این نوآوری عجیب دوام و خطرناک‌تر شد زیرا برخی از مؤسسات انتشاراتی به سمت چنین آهنگسازانی رفتند و موسیقی آنها را مطابق "مدل جدید" چاپ کردند. خوشبختانه، چنین «مرواریدهای انتشاراتی» چندان زیاد نبود و آنها، مانند آثاری که عمدتاً در شایستگی های هنری خود ضعیف بودند، در انبوهی از نمونه های واقعا عالی از میراث خلاقانه متنوع همه مردم غرق شدند. تنها جایی که روش نشان داده شده برای ارائه سازهای کوبه ای در حال حاضر حاکم است - در پایین ترین نقطه موسیقی - یک گروه متنوع است. اما در آنجا، به طور کلی، مرسوم است که همه سازها را به گونه ای متفاوت تنظیم کنید، تنها با هدایت علامت ارتفاع سازهای شرکت کننده. در آن زمان‌های دور، زمانی که تنها یک تیمپانی هنوز در ارکستر بازی می‌کرد، مرسوم بود که آنها را بالاتر از سایر سازها قرار می‌دادند، بدیهی است که معتقد بودند چنین نمایشی راحت‌تر است. اما در آن سال ها، موسیقی به طور کلی تا حدودی غیرعادی ساخته می شد که اکنون نیازی به یادآوری نیست. ما باید قبول کنیم که روش مدرن ارائه امتیاز به اندازه کافی ساده و راحت است، و بنابراین درگیر شدن در انواع ساختگی ها، که اخیراً به تفصیل ذکر شد، فایده ای ندارد.

همانطور که قبلا ذکر شد، تمام سازهای کوبه ای به سازهایی با گام مشخص و سازهای بدون گام مشخص تقسیم می شوند. در حال حاضر، چنین تمایزی گاهی مورد مناقشه قرار می گیرد، اگرچه همه پیشنهادات ارائه شده در این راستا بیشتر به گیج شدن و تأکید عمدی بر ماهیت این گزاره بسیار واضح و ساده است که در آن حتی نیازی مستقیم به یادآوری این موضوع وجود ندارد. مفهوم واضح زمین در هر زمان. در ارکستر، سازهای "با صدای معین" اول از همه به معنای یک چوب یا چوب پنج خطی است، و سازهایی "با صدای نامحدود" - یک روش مشروط نت نویسی موسیقی - "قلاب" یا "نخ"، که یک خط واحد است که سر نت ها فقط الگوی ریتمیک مورد نیاز را نشان می دهد. چنین تحولی که بسیار مناسب انجام شد، برای به دست آوردن جایگاه، و با تعداد قابل توجهی از سازهای کوبه ای، ساده کردن ارائه آنها بود. با این حال، در سال های نه چندان دور، برای همه سازهای کوبه ای "بدون صدای مشخص"، چوب های معمولی با کلیدهای سول و فا و با قرار دادن مشروط سرهای نت بین فضاها به کار گرفته شد. ناراحتی چنین نت نویسی دیری نپایید که به محض اینکه تعداد سازهای کوبه ای به "محدودیت های نجومی" افزایش یافت و خود آهنگسازان که از این روش ارائه استفاده می کردند، در نظم ناکافی طرح کلی خود گم شدند. .

اما آنچه که ترکیب کلیدها و نخ ها را زنده کرد بسیار دشوار است. به احتمال زیاد، موضوع با چاپ اشتباه شروع شد، که سپس برخی از آهنگسازان را جذب کرد که شروع به تنظیم کلید سه گانه روی یک زه، در نظر گرفته شده برای سازهای کوبه ای نسبتاً بالا، و کلید فا برای سازهای نسبتاً کم کردند. آیا لازم است در اینجا از پوچ بودن و ناهماهنگی کامل چنین ارائه ای صحبت شود؟ تا آنجا که می دانیم، برای اولین بار کلیدهای روی نخ در قطعات موسیقی آنتون روبینشتاین، چاپ شده در آلمان، و نشان دهنده اشتباهات چاپی بدون شک، یافت شد و بعدها در موسیقی آهنگساز فلاندری آرتور میلمانز (1884-? ) که این را به یک قانون تبدیل کرد که نخ میانی را با کلید سول و کم‌کلیدترین فا را تامین کند. چنین ارائه ای به ویژه در مواردی که بین دو رشته ای که با کلید مشخص نشده اند، یکی با کلید Fa ظاهر می شود وحشی به نظر می رسد. از این نظر، آهنگساز بلژیکی فرانسیس دو بورگینیون (1890-؟) ثابت شد که کلید هر رشته شرکت کننده در موسیقی را فراهم می کند.

مؤسسات انتشاراتی فرانسوی یک «کلید» ویژه برای سازهای کوبه‌ای به شکل دو نوار پررنگ عمودی شبیه حرف لاتین «H» و خط زدن نخ در خود آکورد اتخاذ کردند. چیزی برای اعتراض به چنین رویدادی وجود ندارد، تا زمانی که در نهایت منجر به کامل شدن بیرونی موسیقی ارکستر به طور کلی شود.

با این حال، کاملاً منصفانه خواهد بود که در مواجهه با «بی‌ثباتی» که هنوز وجود دارد - تا به امروز در ارائه سازهای کوبه‌ای، همه این عجیب‌وغریب‌ها برابر با صفر باشند. ریمسکی-کورساکوف همچنین پیشنهاد کرد که تمام سازهای خودصدا یا به قول او "ضربه و زنگ بدون صدای مشخص" را می توان بلند در نظر گرفت - مثلث، کاستنت، زنگ، وسایل متوسط ​​- تنبور، میله. ، طبل تله، سنج، و به عنوان درام کم باس و تام، "به این معنی که توانایی آنها در ترکیب شدن با نواحی مربوط به مقیاس ارکستر در سازها با صداهایی با ارتفاع خاص." با کنار گذاشتن برخی جزئیات، که به دلیل آن "میله ها" باید به عنوان "لوازم جانبی سازهای کوبه ای" از فهرست سازهای کوبه ای حذف شوند، اما نه یک ساز کوبه ای به خودی خود، مشاهدات ریمسکی-کورساکوف تا به امروز به طور کامل باقی مانده است. زور. بر اساس این فرض و تکمیل آن با جدیدترین سازهای کوبه‌ای، منطقی‌ترین کار این است که همه سازهای کوبه‌ای را به ترتیب گام‌شان مرتب کنیم و بالای «متوسط» «بالا» و بالای «کم» «متوسط» بنویسیم. اما در بین آهنگسازان اتفاق نظر وجود ندارد و ارائه سازهای کوبه ای بیش از خودسرانه انجام می شود.

این وضعیت را می‌توان تا حدی با مشارکت تصادفی سازهای کوبه‌ای و تا حدی بیشتر با بی‌اعتنایی کامل به خود آهنگسازان و عادت‌های بد یا فرضیات نادرستشان توضیح داد. تنها توجیه برای چنین "هج پوج ساز" می تواند تمایل به ارائه کل ترکیب سازهای کوبه ای که در این مورد کار می کنند، به ترتیب طرفین باشد، زمانی که سازهای کاملاً تعریف شده به هر اجراکننده اختصاص داده می شود. با یافتن ایراد از کلمات، چنین توضیحی در قسمت‌های خود نوازندگان درام معنا بیشتری پیدا می‌کند، و در پارتیشن تنها زمانی مفید است که با «دقت فضولی» حفظ شود.

با بازگشت به موضوع ارائه سازهای کوبه ای، تمایل بسیاری از آهنگسازان، از جمله آهنگسازان کاملاً برجسته، برای قرار دادن سنج و طبل باس بلافاصله پس از تیمپانی، و مثلث، زنگ و زیلوفون - زیر این دومی، بدون قید و شرط باید شناخته شود. ناموفق البته هیچ دلیل کافی برای چنین راه حلی برای مشکل وجود ندارد و همه اینها را می توان به میل ناموجه به "اصیل" بودن نسبت داد. ساده ترین و طبیعی ترین و با توجه به تعداد گزاف سازهای کوبه ای که در یک ارکستر مدرن کار می کنند، معقول ترین آن را می توان قرار دادن تمام سازهای کوبه ای با چوب، بالاتر از سازهای با نخ دانست.

در هر انجمن فردی، البته، مطلوب است که به نظرات ریمسکی-کورساکوف پایبند باشیم و آرا را مطابق با سطح نسبی آنها قرار دهیم. به همین دلایل، پس از تیمپانی که طبق «سنت اصلی» اولویت خود را حفظ می‌کنند، می‌توان زنگ‌ها، ویبرافون و توبافون را بالای زیلوفون و ماریمبا قرار داد. در سازهای بدون صدای خاص، به دلیل تعداد زیاد شرکت کنندگان، چنین توزیعی تا حدودی دشوارتر خواهد بود، اما حتی در این مورد نیز چیزی مانع از پایبندی آهنگساز به قوانین شناخته شده ای که قبلاً بسیار گفته شده است، نمی شود. در مورد بالا

باید فکر کرد که تعیین بلندی نسبی یک ساز خودآوا، در اصل، شایعه ای ایجاد نمی کند، و اگر چنین باشد، موجب هیچ گونه شایعه ای نمی شود. مشکلات برای اجرای آن معمولاً فقط زنگ‌ها در زیر تمام سازهای کوبه‌ای قرار می‌گیرند، زیرا مهمانی آن‌ها اغلب به طرح معمولی نت‌ها و مدت زمان ریتمیک آن‌ها رضایت می‌دهد، و نه با یک "حلقه" کامل، همانطور که معمولاً در ضبط‌های مربوطه انجام می‌شود. بخشی از زنگ‌های «ایتالیایی» یا «ژاپنی» که شبیه لوله‌های فلزی بلند به نظر می‌رسند، به کارکنان پنج خطی معمولی نیاز دارند که زیر تمام سازهای دیگر «با صدایی خاص» قرار می‌گیرند. در نتیجه، زنگ‌ها در اینجا نیز به عنوان قاب چوبی عمل می‌کنند که با یک ویژگی مشترک «قطعیت» و «عدم قطعیت» یعنی صدا متحد می‌شوند. در غیر این صورت در ضبط سازهای کوبه ای ویژگی خاصی وجود ندارد و اگر بنا به دلایلی ظاهر شود در جای مناسب ذکر می شود.

در یک ارکستر سمفونیک مدرن، سازهای کوبه ای تنها دو هدف را دنبال می کنند - ریتمیک، برای حفظ وضوح و وضوح حرکت، و تزئین به معنای وسیع، زمانی که نویسنده، با استفاده از سازهای کوبه ای، در خلق تصاویر صوتی دلربا یا مسحور کننده کمک می کند. "خلق"، پر از هیجان، شور یا هیجان. البته از آنچه گفته شد مشخص است که از سازهای کوبه ای باید با دقت و ذوق و اعتدال استفاده کرد. صدای متنوع سازهای کوبه ای می تواند به سرعت توجه شنوندگان را خسته کند و بنابراین نویسنده باید همیشه به یاد داشته باشد که سازهای کوبه ای خود چه می کنند. فقط تیمپان از مزایای خاصی برخوردار است، اما حتی اینها را می توان با افراط و تفریط از بین برد.

کلاسیک ها توجه زیادی به سازهای کوبه ای داشتند، اما هرگز آنها را به سطح تنها اعضای ارکستر ارتقا ندادند. اگر چنین اتفاقی بیفتد، عملکرد طبل ها اغلب به چند ضرب از یک نوار محدود می شد یا به مدت زمان بسیار ناچیز کل ساخت رضایت داشت. از میان نوازندگان روسی، ریمسکی-کورساکوف از یکی از سازهای کوبه ای به عنوان مقدمه ای برای موسیقی بسیار غنی و رسا در کاپریچیو اسپانیایی استفاده کرد، اما اغلب سازهای کوبه ای تک نفره در "موسیقی نمایشی" یا در باله، زمانی که نویسنده بخواهد یافت می شود. ایجاد یک احساس تند، خارق العاده یا "یک احساس باور نکردنی". این دقیقا همان کاری است که سرگئی پروکوفیف در اجرای موسیقی شب های مصر انجام داد. در اینجا صدای سازهای کوبه ای صحنه غوغا در خانه پدر کلئوپاترا را همراهی می کند که نویسنده عنوان "زنگ" را پیشوند آن قرار داده است. خدمات سازهای کوبه ای و ویکتور اورانسکی (1899-1953) را رد نکرد. او این فرصت را داشت که از این صدای شگفت انگیز در باله سه مرد چاق استفاده کند، جایی که او یک همراهی کوبه ای را به بوم ریتمیک تیز "رقص عجیب و غریب" سپرد. در نهایت، اخیراً، خدمات برخی از سازهای کوبه ای در یک دنباله پیچیده از "دینامیک" استفاده می شود

فرانسوی‌ها، با خنده به چنین «مکاشفه‌ای هنری»، به طرز زهرآمیزی می‌پرسند که آیا کلمه جدید فرانسوی bruisme از اینجا به عنوان مشتق brui- «نویز» سرچشمه گرفته است. هیچ مفهومی معادل در زبان روسی وجود ندارد، اما خود ارکسترها قبلاً نام جدیدی را برای چنین موسیقی ای در نظر گرفته اند که آن را کاملاً شیطانی تعریف "کوبنده ضربی" نامیده اند. الکساندر چرپنین در یکی از آثار سمفونیک اولیه خود بخش کاملی را به چنین "گروهی" اختصاص داد. قبلاً فرصتی وجود داشت که کمی در مورد این اثر در مورد ارتباط با استفاده از کوئینتت آرشه به عنوان سازهای کوبه ای صحبت کنیم و بنابراین نیازی فوری به بازگشت دوباره به آن وجود ندارد. شوستاکوویچ همچنین در آن روزهایی که جهان بینی خلاقانه او هنوز به اندازه کافی پایدار و بالغ نشده بود به توهم ناگوار "شوک" ادای احترام کرد.

زمانی که نویسنده با کمترین تعداد سازهای کوبه ای که واقعاً استفاده شده است، میل یا به عبارت دقیق تر، نیاز هنری به ایجاد تنها یک «احساس ضربی» از تمام موسیقی هایی که عمدتاً هدف آنهاست برای سازهای زهی و بادی چوبی یکی از این نمونه ها، بسیار شوخ، سرگرم کننده و با صدای عالی «در یک ارکستر»، اگر ترکیب سازهای شرکت کننده در آن را بتوان دقیقاً با این مفهوم تعریف کرد، در باله سه مرد چاق اورانسکی یافت می شود و پاترول نام دارد.

اما ظالمانه ترین نمونه فرمالیسم موسیقی، اثری است که توسط ادگارد وارز (1885-؟) نوشته شده است. این برای سیزده نوازنده طراحی شده است، برای دو ترکیب از سازهای کوبه ای در نظر گرفته شده است و توسط نویسنده lonisation به معنای "اشباع" نامیده می شود. این "کار" فقط شامل سازهای کوبه ای با صدای تیز با پیانو است. با این حال، این دومی به عنوان یک "ساز کوبه ای" نیز استفاده می شود و نوازنده بر اساس آخرین "روش آمریکایی" هنری کائول (1897-؟) که همانطور که می دانید فقط با یک آرنج به صورت کشیده پیشنهاد کرده بود، روی آن عمل می کند. در کل عرض صفحه کلید با توجه به بررسی های مطبوعات آن زمان - و این در دهه سی قرن جاری اتفاق افتاد - شنوندگان پاریسی که این اثر را به حالت دیوانگی وحشی رسانده بودند، فوراً خواستار تکرار آن شدند که بلافاصله انجام شد. تاریخ ارکستر مدرن بدون گفتن یک کلمه بد، هنوز دومین چنین خارج از خط «مورد» را نمی شناسد.

1. کتابشناسی - فهرست کتب

1. "دانشنامه موسیقی"، Yu.V. کلدیش، جلد 2، انتشارات «دایره المعارف شوروی» و «آهنگساز شوروی»، 1974م.

2. «دایره المعارف موسیقی»، یو.و. کلدیش، جلد 5، انتشارات دایره المعارف شوروی و آهنگساز شوروی، 1360.

3. «مکالمات درباره ارکستر»، Dm. روگال-لویتسکی، انتشارات دولتی موسیقی، مسکو، 1961

4. ویولن سل، کنترباس و سایر آلات موسیقی، ح. تسراشی، انتشارات موسیقی، 1358.

5. «سازهای کوبه ای در ارکسترهای مدرن»، A.N. پانایوتوف، 1973

6. گروهی از سازهای کوبه ای در یک ارکستر

7. سازهای کوبه ای: نام ها و انواع

ترکیب یک ارکستر سمفونیک مدرن

یک ارکستر سمفونیک مدرن از 4 گروه اصلی تشکیل شده است. پایه و اساس ارکستر یک گروه زهی (ویولن، ویولا، ویولن سل، کنترباس) است. در بیشتر موارد، تار حاملان اصلی شروع ملودیک در ارکستر هستند. تعداد نوازندگانی که تار می نوازند تقریباً 2/3 کل گروه است. گروه سازهای بادی چوبی شامل فلوت، ابوا، کلارینت، باسون است. هر کدام از آنها معمولا یک حزب مستقل دارند. سازهای بادی با تسلیم شدن به سازهای کمان دار از نظر اشباع تن صدا، ویژگی های دینامیکی و انواع تکنیک های نوازندگی، دارای قدرت عالی، صدای فشرده، رنگ های رنگارنگ روشن هستند. گروه سوم سازهای ارکستر برنجی (هورن، ترومپت، ترومبون، ترومپت) است. آنها رنگ‌های روشن جدیدی را به ارکستر می‌آورند و قابلیت‌های پویایی آن را غنی می‌کنند، به صدا قدرت و درخشندگی می‌بخشند و به‌عنوان تکیه‌گاه باس و ریتمیک نیز عمل می‌کنند. سازهای کوبه ای در ارکستر سمفونیک اهمیت فزاینده ای پیدا می کنند. عملکرد اصلی آنها ریتمیک است. علاوه بر این، آنها یک پس زمینه صدا و نویز خاص ایجاد می کنند، پالت ارکستر را با جلوه های رنگی تکمیل و تزئین می کنند. با توجه به ماهیت صدا، طبل ها به 2 نوع تقسیم می شوند: برخی دارای گام خاصی هستند (تیمپانی، زنگ، زیلوفون، زنگ و غیره)، برخی دیگر فاقد گام دقیق هستند (مثلث، تنبور، طبل کوچک و بزرگ، سنج). . از میان سازهایی که در گروه های اصلی قرار نمی گیرند، نقش چنگ پررنگ تر است. گاهی اوقات، آهنگسازان شامل سلستا، پیانو، ساکسیفون، ارگ و سایر سازهای ارکستر می شوند. بادهای چوبی

فلوت - یکی از قدیمی ترین سازهای جهان که در دوران باستان شناخته شده است - در مصر، یونان و روم. از زمان های قدیم، مردم آموخته اند که صداهای موسیقی را از یک نی بریده شده که در یک انتها بسته شده است، استخراج کنند. این آلت موسیقی ابتدایی ظاهراً نیای دور فلوت بوده است. در اروپا در قرون وسطی دو نوع فلوت رایج شد: مستقیم و عرضی. فلوت مستقیم یا "فلوت نوک دار" مستقیماً مانند ابوا یا کلارینت در جلو نگه داشته می شد. مایل، یا عرضی - در یک زاویه. فلوت عرضی قابل دوام تر بود، زیرا بهبود آن آسان بود. در اواسط قرن هجدهم، سرانجام جایگزین فلوت مستقیم از ارکستر سمفونیک شد. در همان زمان، فلوت به همراه چنگ و هارپسیکورد به یکی از محبوب ترین سازهای موسیقی خانگی تبدیل شد. به عنوان مثال، فلوت توسط هنرمند روسی فدوتوف و پادشاه پروس فردریک دوم نواخته شد. فلوت متحرک ترین ساز بادی چوبی است: از نظر مهارت، از تمام سازهای بادی دیگر پیشی می گیرد. نمونه ای از این سوئیت باله "Daphnis and Chloe" اثر راول است که فلوت در واقع به عنوان یک ساز تکنواز عمل می کند. فلوت لوله ای استوانه ای، چوبی یا فلزی است که از یک طرف - در سر بسته شده است. همچنین یک سوراخ جانبی برای تزریق هوا وجود دارد. نواختن فلوت نیاز به مصرف هوای زیادی دارد: وقتی دمیده می شود، بخشی از آن روی لبه تیز سوراخ می شکند و می رود. از این، یک تون رنگی مشخص به دست می آید، به خصوص در یک ثبات کم. به همین دلیل، نواختن نت های پایدار و ملودی های عریض بر روی فلوت دشوار است. ریمسکی-کورساکوف صدای فلوت را اینگونه توصیف می کند: "تیمبر سرد است، برای ملودی هایی با طبیعت دلپذیر و بیهوده در ماژور مناسب است و با اندوهی سطحی در مینور." آهنگسازان اغلب از یک گروه سه فلوت استفاده می کنند. به عنوان مثال می توان به رقص چوپان ها از «فندق شکن» اثر چایکوفسکی اشاره کرد.

ابوا در دوران باستان منشأ خود با فلوت رقابت می کند: اصل و نسب خود را به فلوت بدوی می رساند. از اجداد ابوا، آولوس یونانی بیشتر مورد استفاده قرار می گرفت، بدون آن یونانیان باستان نمی توانستند جشن یا نمایشی را تصور کنند. اجداد ابوا از خاورمیانه به اروپا آمدند. در قرن هفدهم، یک ابوا از یک بمباردا - یک ساز لوله ای ساخته شد که بلافاصله در ارکستر محبوب شد. به زودی به یک ساز کنسرت نیز تبدیل شد. برای تقریبا یک قرن، ابوا بت موسیقی دانان و دوستداران موسیقی بوده است. بهترین آهنگسازان قرون هفدهم تا هجدهم - لولی، رامو، باخ، هندل - به این اشتیاق ادای احترام کردند: به عنوان مثال، هندل کنسرتوهایی برای ابوا نوشت که دشواری آن می تواند حتی ابواییست های مدرن را نیز گیج کند. با این حال، در آغاز قرن نوزدهم، "فرقه" ابوا در ارکستر تا حدودی محو شد و نقش اصلی در گروه بادی چوبی به کلارینت رسید. با توجه به ساختار آن، ابوا یک لوله مخروطی است. در یک انتهای آن زنگ کوچکی به شکل قیف وجود دارد، در سمت دیگر - عصایی که مجری آن را در دهان خود نگه می دارد. به لطف برخی ویژگی های طراحی، ابوا هرگز تنظیم خود را از دست نمی دهد. بنابراین، کوک کردن کل ارکستر با آن به یک سنت تبدیل شده است. در مقابل یک ارکستر سمفونیک، وقتی نوازندگان روی صحنه جمع می‌شوند، شنیدن نوازندگی ابواییست در A در اکتاو اول و سایر نوازندگان در حال کوک کردن سازهای خود غیر معمول نیست. ابوا دارای تکنیک متحرک است، اگرچه از این نظر نسبت به فلوت پایین‌تر است. این بیشتر آواز است تا یک ساز فضیلت‌آمیز: قاعدتاً حوزه آن غم و مرثیه است. در مضمون قوها از آنتراکت تا پرده دوم «دریاچه قو» و در ملودی ساده مالیخولیایی قسمت دوم سمفونی چهارم چایکوفسکی اینگونه به نظر می رسد. گاهی اوقات به ابوا "نقش های طنز" اختصاص می یابد: برای مثال در زیبای خفته چایکوفسکی، در واریاسیون "گربه و جلف"، ابوا به طرز سرگرم کننده ای میو گربه را تقلید می کند.

کلارینت یک لوله چوبی استوانه‌ای است که در یک سر آن زنگ تاجی شکل و در انتهای دیگر آن نوک نی است. از میان تمام بادهای چوبی، تنها کلارینت انعطاف پذیری برای تغییر حجم صدا را دارد. این و بسیاری دیگر از ویژگی های کلارینت آن را به یکی از رساترین صداهای ارکستر تبدیل کرده است. کنجکاو است که دو آهنگساز روسی که با طرح یکسانی سروکار دارند، دقیقاً به همان شیوه عمل کردند: در هر دو "دوشیزه برفی" - ریمسکی-کورساکوف و چایکوفسکی - آهنگ های چوپان لل به کلارینت سپرده شده است. صدای کلارینت اغلب با موقعیت های نمایشی غم انگیز همراه است. این حوزه بیانی توسط وبر "کشف" شد. در صحنه "دره گرگ" از "تیرانداز جادویی" او ابتدا حدس زد که چه تأثیرات غم انگیزی در رجیستر پایین ساز پنهان است. بعدها، چایکوفسکی از صدای وهم‌آور کلارینت‌های پایین در ملکه بیل در لحظه‌ای که روح کنتس ظاهر می‌شود استفاده کرد. کلارینت کوچک. کلارینت کوچک از گروه برنج نظامی به ارکستر سمفونیک آمد. این اولین بار توسط برلیوز مورد استفاده قرار گرفت، که در آخرین موومان سمفونی فوق العاده، "موضوع محبوب" تحریف شده را به او سپرد. کلارینت کوچک اغلب توسط واگنر، ریمسکی-کورساکوف، آر. اشتراوس استفاده می شد. شوستاکوویچ بوق باست. در پایان قرن 18، خانواده کلارینت با یک عضو دیگر غنی شد: هورن باست در ارکستر ظاهر شد - یک نوع قدیمی از کلارینت آلتو. از نظر اندازه، از ساز اصلی پیشی گرفت و تایم آن - آرام، موقر و مات - یک موقعیت متوسط ​​بین کلارینت معمولی و باس را اشغال کرد. او تنها چند دهه در ارکستر ماند و دوران شکوفایی خود را مدیون موتزارت بود. برای دو بوق باس با فاگوت بود که آغاز «رکوئیم» نوشته شد (اکنون شاخ های باست با کلارینت جایگزین می شوند). تلاشی برای احیای این ساز با نام آلتو کلارینت توسط آر. اشتراوس انجام شد، اما از آن زمان به نظر می رسد که هیچ تکراری نداشته است. امروزه بوق های باست در گروه های نظامی گنجانده شده است. کلارینت باس. کلارینت باس "مطلوب ترین" عضو خانواده است. در پایان قرن هجدهم ساخته شد و جایگاه قدرتمندی در ارکستر سمفونیک به دست آورد. شکل این ساز کاملاً غیرمعمول است: زنگ آن به سمت بالا خم شده است، مانند یک لوله دود، و قطعه دهانی بر روی یک میله منحنی نصب شده است - همه اینها به منظور کاهش طول گزاف ساز و تسهیل استفاده از آن. Meyerbeer اولین کسی بود که قدرت دراماتیک عظیم این ساز را "کشف" کرد. واگنر، با شروع با "لوهنگرین"، او را به یک ساز چوبی باس دائمی تبدیل می کند. آهنگسازان روسی اغلب از کلارینت باس در کار خود استفاده می کردند. بنابراین، صداهای غم انگیز کلارینت باس در تصویر پنجم "ملکه بیل" در زمانی که هرمان در حال خواندن نامه لیزا است شنیده می شود. اکنون کلارینت باس عضو دائمی یک ارکستر بزرگ سمفونیک است و عملکردهای آن بسیار متنوع است.

جد فاگوت لوله باس قدیمی - بمباردا است. باسونی که جایگزین آن شد توسط Canon Afragno degli Albonesi در نیمه اول قرن شانزدهم ساخته شد. یک لوله چوبی بزرگ که از وسط خم شده بود شبیه یک بسته هیزم بود که در نام این ساز منعکس شده است (کلمه ایتالیایی fagotto به معنی "بسته" است). باسون معاصران خود را با همنوازی صدا تسخیر کرد، که بر خلاف صدای خشن بمباردا، شروع به صدا زدن او "دولچینو" - شیرین کردند. در آینده، با حفظ خطوط بیرونی خود، باسون دستخوش پیشرفت های جدی شد. از قرن هفدهم وارد ارکستر سمفونیک شد و از قرن هجدهم وارد ارتش شد. تنه چوبی مخروطی شکل باسون بسیار بزرگ است، بنابراین از وسط "تا" شده است. یک لوله فلزی منحنی به بالای ساز متصل شده است که یک عصا روی آن قرار می گیرد. در حین بازی فاگوت را به نخی به گردن مجری می آویزند. در قرن هجدهم، این ساز از عشق زیادی در میان معاصران برخوردار بود: برخی آن را "غرور" و برخی دیگر - "لطیف، مالیخولیایی، مذهبی" نامیدند. ریمسکی-کورساکوف رنگ باسون را به شیوه ای بسیار عجیب تعریف کرد: "تیمبر در ماژور به طرزی پیرانه تمسخر آمیز و در مینور به طرز دردناکی غم انگیز است." اجرای باسون نیاز به تنفس زیاد دارد و فورته در رجیستر پایین می تواند باعث خستگی مفرط برای اجرا کننده شود. عملکرد ابزار بسیار متنوع است. درست است، در قرن 18 آنها اغلب به پشتیبانی از باس های زهی محدود می شدند. اما در قرن نوزدهم، با بتهوون و وبر، باسون به صدای فردی ارکستر تبدیل شد و هر یک از استادان بعدی خواص جدیدی در آن یافتند. مایربیر در «رابرت شیطان» باسون ها را وادار کرد تا «خنده مرگ را که یخبندان از آن پوست را می درید» به تصویر بکشند (سخنان برلیوز). ریمسکی-کورساکوف در «شهرزاده» (داستانی از شاهزاده کالندر) راوی شاعری را در باسون کشف کرد. در این نقش آخر، فاگوت به ویژه اغلب اجرا می کند - احتمالاً به همین دلیل است که توماس مان باسون را "مرغ مقلد" نامیده است. نمونه‌هایی را می‌توان در شرزو طنز برای چهار فاگوت و در پتیا و گرگ پروکوفیف یافت، جایی که به فاگوت «نقش» پدربزرگ داده می‌شود، یا در آغاز پایانی سمفونی نهم شوستاکوویچ. انواع فاگوت در زمان ما فقط به یک نماینده محدود شده است - کنترباسسون. پایین ترین ساز ارکستر است. کمتر از صداهای محدود کنتراباسون، فقط بیس های پدال ارگ به صدا در می آیند. ایده ادامه مقیاس فاگوت به سمت پایین مدت ها پیش ظاهر شد - اولین کنترباسون در سال 1620 ساخته شد. اما آنقدر ناقص بود که تا پایان قرن نوزدهم، زمانی که ساز بهبود یافت، افراد کمی به آن روی آوردند: گهگاه هایدن، بتهوون، گلینکا. کنترباسون مدرن ابزاری است که سه بار خم شده است: طول تا شده آن 5 متر و 93 سانتی متر (!) است. از نظر تکنیکی شبیه باسون است، اما چابکی کمتری دارد و صدایی ضخیم و تقریباً اندام مانند دارد. آهنگسازان قرن نوزدهم - ریمسکی-کورساکوف، برامس - معمولاً برای تقویت باس به کنترباسون روی می آورند. اما گاهی تکنوازی های جالبی برای او نوشته می شود. به عنوان مثال، راول در "مکالمه زیبا و هیولا" (باله "مادر من غاز") صدای هیولا را به او سپرد. رشته های

ویولن یک ساز آرشه ای زهی است که بالاترین صدا و غنی ترین امکانات بیانی و فنی در میان سازهای خانواده ویولن است. اعتقاد بر این است که سلف بلافصل ویولن به اصطلاح لیرا د braccio بود که از ویول های باستانی سرچشمه می گیرد. این ساز مانند ویولن بر روی شانه نگه داشته می شد (براچیو ایتالیایی - شانه)، تکنیک های نواختن نیز شبیه به ویولن بود. از اواسط قرن شانزدهم. ویولن در تمرین موسیقی به عنوان یک ساز تکنوازی و گروهی تثبیت شده است. نسل های زیادی از صنعتگران برای بهبود طراحی، بهبود کیفیت صدای ویولن تلاش کردند. تاریخ اسامی A. و N. Amati، A. و D. Guarneri، A. Stradivari - استادان برجسته ایتالیایی اواخر قرن 16 - اوایل قرن 18 را حفظ کرده است، که نمونه هایی از ویولن ها را خلق کردند که هنوز هم بی نظیر تلقی می شوند. بدنه ویولن دارای شکل بیضی شکل مشخصی با بریدگی در طرفین است. پوسته دو صفحه صوتی ساز را به هم متصل می کند (سوراخ های مخصوص در بالا بریده شده است - efs). 4 سیم روی تخته فرت کشیده شده است که در یک پنجم کوک شده اند. دامنه ویولن 4 اکتاو را پوشش می دهد. با این حال، با کمک هارمونیک ها می توان تعدادی صداهای بالاتر را نیز استخراج کرد. ویولن یک ساز عمدتا مونوفونیک است. اما بر روی آن فواصل هارمونیک و حتی آکوردهای 4 صدایی استخراج می شود. صدای ویولن آهنگین است ، سرشار از صدا و سایه های پویا است ، از نظر بیانی به صدای انسان نزدیک می شود. برای تغییر صدا در حین بازی، گاهی اوقات از صدای بی صدا استفاده می شود. ویولن که دارای تحرک فنی استثنایی است، اغلب اجرای گذرهای دشوار و سریع، پرش های پهن و ملودیک، انواع تریل، ترمولو را به عهده دارد.

ویولا و نحوه نواختن آن بسیار یادآور ویولن است، بنابراین اگر تفاوت در اندازه را متوجه نشدید (و انجام این کار بسیار دشوار است: ویولا به طور قابل توجهی بزرگتر از ویولن است)، به راحتی می توانید آن را انجام دهید. سردرگم. اعتقاد بر این است که تن ویولا از نظر درخشندگی و روشنایی کمتر از ویولن است. با این وجود، این ساز مزایای منحصر به فرد خود را نیز دارد: در موسیقی با ماهیت مرثیه، رویایی-عاشقانه ضروری است. ویولا از نظر مهارت تقریباً به اندازه ویولن کامل است، اما اندازه بزرگ ویولا مستلزم داشتن کشش مناسب انگشتان و قدرت بدنی نوازنده است. ویولا بلافاصله نقش خود را در میان سازهای ارکستر دریافت نکرد. پس از شکوفایی مکتب پلی‌فونیک باخ و هندل، زمانی که ویولا عضوی برابر در گروه زهی بود، شروع به سپردن صدای هارمونیک فرعی به او کردند. نوازندگان ویولن در آن روزها معمولاً ویولونیست های ناموفقی بودند. در آثار گلوک، هایدن و تا حدودی موتزارت از ویولا فقط به عنوان صدای میانی یا پایینی ارکستر استفاده شده است. تنها در آثار بتهوون و آهنگسازان رمانتیک، ویولا اهمیت یک ساز ملودیک را به دست می‌آورد. ویولا بیشتر شهرت خود را مدیون ویولونیست های برجسته قرن گذشته است، به ویژه پاگانینی، که ویولا را در یک کوارتت نواخت و در یک کنسرت انفرادی اجرا کرد. بعداً برلیوز قسمتی از ویولا سولو را وارد سمفونی خود «هارولد در ایتالیا» کرد و شخصیت پردازی هارولد را به او سپرد. پس از آن، نگرش آهنگسازان و نوازندگان به ویولا شروع به تغییر کرد. واگنر در "Tannhäuser"، در صحنه ای به نام "غار ناهید"، برای ویولا قسمتی فوق العاده دشوار برای آن زمان می نویسد. آر. اشتراوس در فیلم سمفونیک «دن کیشوت» ویولا را استادانه‌تر تفسیر می‌کند. به ویولاها اغلب یک صدای ملودیک همراه با ویولن سل، ویولن یا کاملاً مستقل سپرده می شود، مثلاً در پرده دوم «خروس طلایی» ریمسکی-کورساکوف در هنگام رقص ملکه شماخان.

ویولن سل در نیمه دوم قرن شانزدهم وارد زندگی موسیقی شد. ایجاد آن را مدیون هنر استادان برجسته ساز مانند Magini، Gasparo de Salo، و بعدها - Amati و Stradivari است. مانند ویولا، ویولن سل نیز از دیرباز به عنوان یک ساز ثانویه در ارکستر در نظر گرفته شده است. تا پایان قرن 18، آهنگسازان عمدتاً از آن به عنوان صدای باس استفاده می کردند و در همان آغاز قرن قبل از گذشته، در ارتباط با این موضوع، قطعات ویولن سل و کنترباس در پارتیتور در یک خط نوشته می شد. اندازه ویولن سل دو برابر ویولا است، آرشه آن کوتاهتر از ویولن و ویولا است، سیمها بسیار بلندتر هستند. ویولن سل متعلق به تعداد سازهای "پا" است: نوازنده آن را بین زانوهای خود قرار می دهد و میخ فلزی را روی زمین قرار می دهد. بتهوون اولین کسی بود که زیبایی صدای ویولن سل را "کشف" کرد. به دنبال او، آهنگسازان صدای آن را به صدای آواز ارکستر تبدیل کردند - بیایید قسمت دوم سمفونی ششم چایکوفسکی را به یاد بیاوریم. اغلب در اپراها، باله ها و آثار سمفونیک، ویولن سل به صورت انفرادی اختصاص داده می شود - به عنوان مثال، در "دن کیشوت" اثر R. Strauss. در تعداد قطعات کنسرتی که برای او نوشته شده است، ویولن سل بعد از ویولن در رتبه دوم قرار دارد. مانند ویولن و ویولا، ویولن سل نیز دارای چهار سیم است که در یک پنجم کوک شده اند، اما یک اکتاو زیر ویولا. ویولن سل از نظر قابلیت های فنی دست کمی از ویولن ندارد و در برخی موارد حتی از آن پیشی می گیرد. به عنوان مثال، به دلیل بلندتر بودن سیم های ویولن سل، می توان سری هارمونیک غنی تری روی آن به دست آورد.

دابل باس هم از نظر اندازه و هم از نظر حجم رجیستر پایین بسیار برتر از همتایان خود است: سایز کنترباس دو برابر ویولن سل است که دو برابر اندازه ویولا است. به احتمال زیاد، کنترباس، از نوادگان ویول قدیمی، در قرن هفدهم در ارکستر ظاهر شد. شکل کنترباس ویژگی های ویول باستانی را تا به امروز حفظ کرده است: بدن به سمت بالا، طرفین شیب دار - به لطف این، نوازنده می تواند روی قسمت بالایی بدن خم شود و به سمت پایین "دراز کند" از گردن به منظور استخراج بالاترین صداها. این ساز به قدری بزرگ است که نوازنده آن را در حالت ایستاده یا نشسته روی یک چهارپایه بلند می نوازد. از نظر زیبایی، کنترباس مدرن کاملا متحرک است: اغلب، همراه با ویولن سل، قطعات نسبتاً سریعی روی آن اجرا می شود. اما "به لطف" اندازه آن، به کشش زیادی از انگشتان نیاز دارد و کمان آن بسیار سنگین است. همه اینها تکنیک ساز را سنگین‌تر می‌کند: قسمت‌هایی که در آن‌ها سبکی لازم است تا حدودی روی آن سنگین به نظر برسد. با این وجود، نقش او در ارکستر بسیار زیاد است: او با اجرای دائمی قطعات صدای باس، پایه و اساس صدای گروه زهی و همراه با فاگوت و توبا یا ترومبون سوم، کل ارکستر را ایجاد می کند. علاوه بر این، کنترباس ها در یک اکتاو با ویولن سل در ملودی ها عالی هستند. در ارکستر به ندرت پیش می آید که کنترباس ها را به چند قسمت تقسیم کنیم یا تکنوازی روی آن ها اجرا کنیم. برنج

PIPE از زمان آغاز به کار بخشی از ارکستر اپرا بوده است. اورفئوس مونتوردی قبلاً پنج شیپور به صدا در آورده بود. در قرن هفدهم و نیمه اول قرن هجدهم، قطعات بسیار زیبا و با صدای بلند برای ترومپت نوشته شد که نمونه اولیه آن قطعات سوپرانو در آهنگسازی های آوازی و سازهای آن زمان بود. برای اجرای این سخت ترین قطعات، نوازندگان زمان پرسل، باخ و هندل از سازهای طبیعی رایج در آن دوران با لوله بلند و دهانه دستگاه مخصوصی استفاده می کردند که به راحتی بالاترین تون ها را استخراج می کرد. ترومپت با چنین دهانی "کلارینو" نام داشت، همان نامی که در تاریخ موسیقی و سبک نوشتن برای آن ذکر شده است. در نیمه دوم قرن هجدهم، با تغییر در نوشتار ارکسترال، سبک کلارینو فراموش شد و ترومپت عمدتاً به یک ساز فانفار تبدیل شد. از نظر امکانات مانند بوق فرانسوی محدود بود، و در موقعیت بدتری قرار داشت، زیرا "صداهای بسته" که مقیاس را گسترش می‌دادند، به دلیل صدای بدشان روی آن استفاده نمی‌شد. اما در دهه سی قرن نوزدهم، با اختراع مکانیزم شیر، دوره جدیدی در تاریخ لوله آغاز شد. این ساز تبدیل به یک ساز کروماتیک شد و پس از چندین دهه جایگزین ترومپت طبیعی ارکستر شد. آهنگ ترومپت با اشعار مشخص نمی شود، اما قهرمانی که او به بهترین شکل ممکن موفق می شود. در میان آثار کلاسیک وینی، ترومپت یک ساز صرفاً فانفار بود. آنها اغلب همان عملکردها را در موسیقی قرن نوزدهم انجام می دادند و از آغاز راهپیمایی ها، راهپیمایی ها، جشن های رسمی و شکار خبر می دادند. واگنر بیش از دیگران و به روشی جدید از لوله ها استفاده کرد. صدای آنها تقریباً همیشه در اپراهای او با عاشقانه و قهرمانی جوانمردانه همراه است. ترومپت نه تنها به خاطر قدرت صدا، بلکه به خاطر ویژگی های برجسته اش معروف است.

ترومبون نام خود را از نام ایتالیایی لوله - ترومبا - با پسوند بزرگ‌نمایی "یک" گرفته است: ترومبون در لغت به معنای "ترومپت" است. و در واقع: طول لوله ترومبون دو برابر لوله ترومپت است. قبلاً در قرن شانزدهم، ترومبون شکل مدرن خود را دریافت کرد و از زمان پیدایش آن یک ساز کروماتیک بوده است. مقیاس رنگی کامل بر روی آن نه از طریق مکانیسم دریچه ها، بلکه با کمک به اصطلاح پشت صحنه به دست می آید. پشت صحنه یک لوله اضافی طولانی است که به شکل حرف لاتین U است. در لوله اصلی وارد شده و به دلخواه بلند می شود. در این حالت، سیستم ابزار متناسب با آن کاهش می یابد. نوازنده با دست راست خود بال ها را به سمت پایین هل می دهد و با دست چپ از ساز حمایت می کند. ترومبون ها از دیرباز یک "خانواده" متشکل از ابزارهایی با اندازه های مختلف بوده اند. نه چندان دور، خانواده ترومبون از سه ساز تشکیل شده بود. هر یک از آنها با یکی از سه صدای گروه کر مطابقت داشت و نام آن را دریافت کرد: ترومبون-آلتو، ترومبون-تنور، ترومبون-باس. نواختن ترومبون به مقدار زیادی هوا نیاز دارد، زیرا حرکت بال ها زمان بیشتری نسبت به فشار دادن دریچه ها روی یک بوق یا شیپور طول می کشد. از نظر فنی، ترومبون نسبت به همسایگان خود در گروه تحرک کمتری دارد: مقیاس روی آن چندان سریع و واضح نیست، فورته کمی سنگین است، لگاتو دشوار است. Cantilena بر روی ترومبون نیاز به تنش زیادی از مجری دارد. با این حال، این ساز دارای ویژگی هایی است که آن را در ارکستر ضروری می کند: صدای ترومبون قوی تر و مردانه تر است. مونتوردی در اپرای "اورفیوس" شاید برای اولین بار شخصیت غم انگیزی را که در صدای یک گروه ترومبون ذاتی است احساس کرد. و با شروع با گلوک، سه ترومبون در یک ارکستر اپرا اجباری شد. آنها اغلب در اوج یک درام ظاهر می شوند. سه ترومبون در عبارات سخنوری خوب است. از نیمه دوم قرن نوزدهم، گروه ترومبون با ساز باس - توبا تکمیل شد. سه ترومبون و یک توبا با هم یک کوارتت "برنجی سنگین" را تشکیل می دهند. یک اثر بسیار عجیب و غریب بر روی ترومبون امکان پذیر است - گلیساندو. این کار با لغزش پشت صحنه در یک موقعیت از لب های اجرا کننده به دست می آید. این تکنیک حتی برای هایدن شناخته شده بود، که در اواتوریو "چهار فصل" از آن برای تقلید از پارس سگ ها استفاده کرد. گلیساندو به طور گسترده در موسیقی مدرن استفاده می شود. گلیساندوی عمداً زوزه کش و بی ادب ترومبون در رقص صابر از باله گایانه خاچاتوریان کنجکاو است. اثر ترومبون با صدای بی صدا نیز جالب است که صدایی شوم و عجیب به ساز می دهد.

مولد شاخ مدرن، شاخ بود. از قدیم الایام، سیگنال بوق آغاز نبرد را اعلام می کرد، در قرون وسطی و بعدها، تا اوایل قرن هجدهم، در شکار، مسابقات و مراسم رسمی دادگاه شنیده می شد. در قرن هفدهم، بوق شکار گهگاه وارد اپرا شد، اما تنها در قرن بعد به عضویت دائمی ارکستر درآمد. و نام این ساز - بوق - نقش گذشته آن را به یاد می آورد: این کلمه از آلمانی "Waldhorn" - "شاخ جنگل" آمده است. در زبان چک این ساز هنوز هم بوق جنگلی نامیده می شود. لوله فلزی شاخ فرانسوی قدیمی بسیار طولانی بود: وقتی باز شد، برخی از آنها به 5 متر و 90 سانتی متر رسیدند. چنین ابزاری را نمی‌توان مستقیم در دست نگه داشت. بنابراین، لوله شاخ خم شد و شکلی زیبا مانند پوسته به آن داده شد. صدای بوق قدیمی بسیار زیبا بود، اما معلوم شد که این ساز از نظر قابلیت های صوتی محدود است: فقط می توان مقیاس به اصطلاح طبیعی را استخراج کرد، یعنی آن صداهایی که از تقسیم ستون هوا ناشی می شود. در لوله به قطعات 2، 3، 4، 5، 6، و غیره. طبق افسانه ها، در سال 1753، گامپل، نوازنده شاخ درسدن، به طور تصادفی دست خود را در ناقوس گذاشت و متوجه شد که کوک بوق کاهش یافته است. از آن زمان، این تکنیک به طور گسترده مورد استفاده قرار گرفت. صداهایی که از این طریق به دست می آمد «بسته» نامیده می شد. اما آنها ناشنوا بودند و بسیار متفاوت از آنهایی که روشن بودند. همه آهنگسازان اغلب ریسک روی آوردن به آنها را نداشتند، معمولاً با انگیزه های هیاهوی کوتاه و خوش صدا ساخته شده بر روی صداهای باز راضی بودند. در سال 1830، مکانیسم سوپاپ اختراع شد - یک سیستم دائمی از لوله های اضافی که به شما امکان می دهد مقیاس رنگی کامل و خوش صدایی را روی بوق دریافت کنید. چند دهه بعد، سرانجام بوق بهبود یافته فرانسوی جایگزین بوق طبیعی قدیمی شد که آخرین بار توسط ریمسکی-کورساکوف در اپرای شب می در سال 1878 استفاده شد. بوق را شاعرانه ترین ساز در گروه برنج می دانند. در رجیستر پایین صدای شیپور تا حدودی تیره و تار است، در رجیستر بالا بسیار پرتنش است. بوق می تواند آواز بخواند یا به آرامی بگوید. کوارتت شاخ بسیار ملایم به نظر می رسد - می توانید آن را در "والس گل ها" از باله "فندق شکن" چایکوفسکی بشنوید.

TUBA ساز نسبتا جوانی است. در ربع دوم قرن نوزدهم در آلمان ساخته شد. اولین توباها ناقص بودند و در ابتدا فقط در ارکسترهای نظامی و باغ استفاده می شدند. تنها زمانی که توبا در دستان استاد ساز آدولف ساکس به فرانسه رسید، نیازهای بالای ارکستر سمفونیک را برآورده کرد. توبا یک ساز باس است که در گروه برنجی قادر به رسیدن به پایین ترین حد محدوده است. در گذشته، کارکردهای آن توسط مار انجام می‌شد، ابزاری با شکل عجیب و غریب که نام خود را مدیون آن است (در تمام زبان‌های رومی، مار به معنای "مار" است) - سپس ترومبون‌های باس و کنترباس و افیکلید با تن وحشی‌اش. اما کیفیت صدای همه این سازها به گونه ای بود که بیس خوب و پایداری به گروه برنجی نمی داد. تا زمانی که توبا ظاهر شد، استادان سرسختانه به دنبال ساز جدیدی می گشتند. ابعاد توبا بسیار بزرگ است، لوله آن دو برابر طول لوله ترومبون است. در طول بازی، نوازنده ساز را با زنگ بالا در مقابل خود نگه می دارد. توبا یک ساز کروماتیک است. مصرف هوا در لوله بسیار زیاد است. گاهی اوقات، به خصوص در فورته در یک رجیستر پایین، اجرا کننده مجبور می شود نفس خود را در هر صدا تغییر دهد. بنابراین تکنوازی این ساز معمولاً کوتاه است. از نظر فنی، توبا متحرک است، اگرچه سنگین است. در یک ارکستر، او معمولاً به عنوان باس در سه ترومبون ایفای نقش می کند. اما گاهی اوقات توبا به عنوان یک ساز انفرادی عمل می کند - اصطلاحاً در نقش های مشخصه. بنابراین، راول در حالی که «تصاویر در یک نمایشگاه» موسورگسکی را در نمایشنامه «گاو» می‌سازد، تصویری طنزآمیز از گاری غرشی که در جاده می‌کشد به باس توبا سپرد. قسمت توبا در اینجا با رجیستر بسیار بالا نوشته شده است.

خالق ساکسوفون ساز ساز برجسته فرانسوی-بلژیکی آدولف ساکس است. ساکس از یک فرض تئوریک نتیجه گرفت: آیا می توان یک آلت موسیقی ساخت که موقعیتی میانی بین بادی های چوبی و برنجی را اشغال کند؟ چنین ابزاری که می‌توانست زنگ‌های مس و چوب را به هم پیوند دهد، به گروه‌های برنجی نظامی ناقص فرانسه نیاز زیادی داشت. A. Sachs برای اجرای طرح خود از یک اصل ساخت و ساز جدید استفاده کرد: او یک لوله مخروطی شکل را با یک نی کلارینت و یک مکانیزم دریچه ابوا وصل کرد. بدنه ساز از فلز ساخته شده بود، خطوط بیرونی شبیه یک کلارینت باس بود. در انتها، لوله به شدت خم شده به سمت بالا، که یک عصا بر روی یک نوک فلزی به شکل "S" خم شده به آن متصل شده است. ایده ساکس بسیار موفقیت آمیز بود: ساز جدید واقعاً به رابط بین برنج و بادی چوبی در گروه های نظامی تبدیل شد. علاوه بر این، صدای آن چنان جالب بود که توجه بسیاری از نوازندگان را به خود جلب کرد. رنگ‌آمیزی صدای ساکسیفون یادآور هورن، کلارینت و ویولن سل انگلیسی به طور همزمان است، اما قدرت صدای ساکسیفون بسیار بیشتر از قدرت صدای کلارینت است. ساکسیفون با شروع فعالیت خود در گروه‌های برنجی نظامی فرانسه، به زودی وارد ارکستر اپرا و سمفونیک شد. برای مدت بسیار طولانی - چندین دهه - فقط آهنگسازان فرانسوی به او روی آوردند: توماس ("هملت")، ماسنه ("ورتر")، بیزه ("آرلسین")، راول (سازگار کاترینوک موسورگسکی از یک نمایشگاه). سپس آهنگسازان کشورهای دیگر نیز به او ایمان آوردند: برای مثال راخمانینوف یکی از بهترین ملودی های خود را در قسمت اول رقص های سمفونیک به ساکسیفون سپرد. کنجکاو است که ساکسیفون در مسیر غیرمعمول خود با تاریک گرایی روبرو می شد: در آلمان در طول سال های فاشیسم، آن را به عنوان ابزاری با منشأ غیر آریایی ممنوع کردند. در دهه 1910، نوازندگان گروه های جاز توجه را به ساکسیفون جلب کردند و به زودی ساکسیفون به "پادشاه جاز" تبدیل شد. بسیاری از آهنگسازان قرن بیستم از این ساز جالب استقبال کردند. دبوسی راپسودی را برای ساکسیفون و ارکستر نوشت، گلازونف - کنسرتو برای ساکسیفون و ارکستر، پروکوفیف، شوستاکوویچ و خاچاتوریان بارها در آثار خود به او اشاره کردند. طبل

فدوروف آنژلیکا، گیبادلینا زنیا

ارائه ها در چارچوب پروژه "در دنیای آلات موسیقی" انجام شد.

دانلود:

پیش نمایش:

https://accounts.google.com

شرح اسلایدها:

آلات موسیقی فدوروف آنژلیکا درجه 5 A

بالالایکا

بالالایکا یک ساز موسیقی بومی روسی است که از 600 تا 700 میلی‌متر (پریما بالالایکا) تا 1.7 متر (بالالایکا دوبلایکا) طول دارد، با بدنه چوبی مثلثی کمی خمیده (همچنین بیضی شکل در قرن‌های 18 تا 19). بالالایکا یکی از سازهایی است که (در کنار آکاردئون و تا حدی حیف) نماد موسیقی مردم روسیه شده است.

توضیحات: بدن از قسمت های جداگانه (6-7) به هم چسبانده شده است، سر گردن بلند کمی به عقب خم شده است. ریسمان‌های فلزی (در قرن هجدهم، دو تای آن‌ها رگه‌دار بودند؛ بالالایکاهای مدرن دارای رشته‌های نایلونی یا کربنی هستند). بر روی گردن یک بالالایکا مدرن 16-31 فرچه فلزی وجود دارد (تا پایان قرن نوزدهم - 5-7 فرهای اجباری).

صدا: بلند اما نرم. متداول ترین تکنیک ها برای استخراج صدا: جغجغه، پیزیکاتو، پیزیکاتو دوبل، تک پیزیکاتو، ویبراتو، ترمولو، فرکشن، ترفندهای گیتار.

سیستم تا زمانی که بالالایکا در پایان قرن نوزدهم توسط واسیلی آندریف به یک ساز کنسرت تبدیل نشد، سیستم دائمی و فراگیر نداشت. هر نوازنده ای ساز را با توجه به سبک اجرا، حال و هوای کلی قطعات نواخته شده و سنت های محلی کوک می کرد. سیستم معرفی شده توسط آندریف (دو سیم به صورت هماهنگ - نت "mi"، یکی - یک کوارت بالاتر - نت "لا" (هم "می" و هم "لا" اکتاو اول) به طور گسترده توسط نوازندگان بالالایکا و کنسرت استفاده می شد. شروع به نامگذاری "آکادمیک" شد. همچنین یک سیستم "عامه" وجود دارد - رشته اول "sol" ، دوم - "mi" ، سوم - "do" است. علاوه بر موارد فوق، سنت های منطقه ای کوک ساز نیز وجود دارد. تعداد تنظیمات نادر محلی به دوجین می رسد.

انواع: بالالایکا کنترباس در ارکستر مدرن سازهای محلی روسیه، از پنج نوع بالالایکا استفاده می شود: پریما، دوم، ویولا، باس و کنترباس. از این میان، فقط پریما یک ساز تکنوازی است، در حالی که بقیه کارکردهای کاملاً ارکستری دارند: دوم و ویولا همراهی آکورد را اجرا می‌کنند، در حالی که باس و کنترباس عملکرد باس را انجام می‌دهند.

منشأ: تار - یکی از پیشروان گیتار اولین شواهد باقی مانده از سازهای زهی با بدن و گردن طنین انداز، اجداد گیتار مدرن، به هزاره دوم قبل از میلاد باز می گردد. ه. در حفاری های باستان شناسی در بین النهرین تصاویری از کینور (سومرو - ساز زهی بابلی، که در افسانه های کتاب مقدس ذکر شده است) بر روی نقش برجسته های سفالی پیدا شد. در مصر و هند باستان سازهای مشابهی نیز شناخته شده بودند: نبلا، نفر، زیتر در مصر، شراب و سیتار در هند. در یونان و روم باستان ساز سیتارا رایج بود. پیشینیان گیتار دارای بدنه توخالی دراز طنین انداز و گردنی بلند با سیم های کشیده روی آن بودند. بدن به صورت یک تکه ساخته شده است - از کدو تنبل خشک شده، پوسته لاک پشت، یا از یک تکه چوب خالی شده است. در قرون III - IV پس از میلاد. ه. در چین، سازهای روآن (یا یوان) و یوئکین ظاهر می شوند که در آنها بدنه چوبی از تخته های صوتی بالا و پایین و دو طرف آن ها را به هم متصل می کند. در اروپا، این باعث معرفی گیتارهای لاتین و موری در حدود قرن ششم شد. بعداً در قرن 15 - 16 ، ساز ویهولا ظاهر شد که بر شکل گیری طراحی گیتار مدرن نیز تأثیر گذاشت.

ریشه نام: واژه گیتار از آمیختگی دو کلمه گرفته شده است: کلمه سانسکریت "sangeeta" به معنای "موسیقی" و فارسی باستان "tar" به معنای "زه". بر اساس روایتی دیگر، واژه «گیتار» از واژه سانسکریت «kutur» به معنای «چهار سیم» آمده است (ر.ک. سه تار - سه سیم). با گسترش گیتار از آسیای مرکزی از طریق یونان به اروپای غربی، کلمه "گیتار" دستخوش تغییراتی شد: "cithara (θιθάϱα)" در یونان باستان، لاتین "cithara"، "guitarra" در اسپانیا، "chitarra" در ایتالیا، "گیتار". ” در فرانسه، “گیتار” در انگلستان و در نهایت “گیتار” در روسیه. نام "گیتار" اولین بار در ادبیات قرون وسطی اروپا در قرن سیزدهم ظاهر شد.

دستگاه های گیتار قسمت های اصلی: گیتار بدنه ای با گردن بلند است که به آن «گردن» می گویند. قسمت جلویی گردن صاف یا کمی محدب است. رشته ها در امتداد آن کشیده می شوند، در یک انتها روی بدن ثابت می شوند و سر دیگر روی جعبه میخ در انتهای گردن ثابت می شوند. روی بدنه، تارها با استفاده از پایه به صورت بی حرکت، و با مکانیزم میخ روی سر پایه ثابت می شوند که امکان تنظیم کشش سیم ها را فراهم می کند. سیم روی دو زین پایین و بالایی قرار دارد که فاصله بین آنها که طول قسمت کار سیم را تعیین می کند، مقیاس گیتار است. مهره در بالای گردن، نزدیک سر قرار دارد. قسمت پایینی روی پایه روی بدنه گیتار نصب شده است. همانطور که از زین می توان به اصطلاح استفاده کرد. "زین" مکانیسم های ساده ای هستند که به شما امکان می دهند طول هر رشته را تنظیم کنید.

فلوت نام رایج تعدادی از سازهای گروه بادی چوبی است، اما اکنون سازهای فلزی نیز ساخته شده است. این یکی از قدیمی ترین آلات موسیقی در اصل است. بر خلاف سایر سازهای بادی، صداهای فلوت در نتیجه قطع جریان هوا در لبه، به جای استفاده از نی ایجاد می شود. نوازنده ای که فلوت می نوازد معمولاً فلوت نواز نامیده می شود.

تاریخچه توسعه فلوت فلوت استخوانی دوران پارینه سنگی (فرهنگ اوریگناسین). به نظر می رسد قدیمی ترین شکل فلوت، سوت باشد. به تدریج، سوراخ های انگشت در لوله های سوت شروع به بریدن کرد و یک سوت ساده را به فلوت سوت تبدیل کرد، که قبلاً امکان اجرای آثار موسیقی وجود داشت. اولین یافته های باستان شناسی فلوت به 35 تا 40 هزار سال قبل از میلاد برمی گردد، بنابراین فلوت یکی از قدیمی ترین آلات موسیقی است. فلوت طولی پنج هزار سال پیش در مصر شناخته شده بود و این ساز اصلی ترین ساز بادی در سراسر خاورمیانه است. در اروپا در قرون XV - XVII رواج داشت. فلوت طولی که دارای 5 تا 6 سوراخ انگشت است و قابلیت دمیدن اکتاو را دارد، یک مقیاس موسیقایی کامل را ارائه می‌کند، فواصل فردی که در آن می‌تواند تغییر کند، با روی هم زدن انگشتان، سوراخ‌ها را تا نیمه می‌بندد و همچنین جهت را تغییر می‌دهد. و قدرت تنفس در حال حاضر گاهی اوقات در اجرای موسیقی اولیه استفاده می شود.

فلوت پیکولو از نظر صدا سازی در میان سازهای بادی است. دارای صدایی درخشان، در فورت - صدایی سوراخ‌کننده و سوت‌زن. طول یک فلوت کوچک نصف فلوت معمولی است و یک اکتاو بالاتر می‌آید و نمی‌توان تعدادی صداهای پایین را روی آن استخراج کرد. محدوده پیکولو از d ² تا c 5 (دومین اکتاو - تا اکتاو پنجم) است، همچنین سازهایی وجود دارند که توانایی گرفتن c² و cis ² را دارند. یادداشت ها برای سهولت در خواندن یک اکتاو پایین تر نوشته می شوند.

پانفلوت، «فلوت پان» نوشتار اصلی: فلوت پان فلوت پان (پان فلوت) کلاسی از سازهای بادی چوبی است، فلوتی چند لوله ای که از چندین (2 یا بیشتر) لوله توخالی با طول های مختلف تشکیل شده است. انتهای پایین لوله ها بسته هستند، قسمت های بالایی باز هستند.

فلوت ایرلندی نوشتار اصلی: فلوت ایرلندی فلوت ایرلندی یک فلوت عرضی است که برای نواختن موسیقی محلی ایرلندی (و همچنین اسکاتلندی، برتون و غیره) استفاده می‌شود. فلوت عرضی به اصطلاح است. یک سیستم ساده - 6 سوراخ اصلی آن توسط دریچه ها بسته نمی شود؛ هنگام بازی مستقیماً توسط انگشتان مجری بسته می شود. فلوت ایرلندی در نسخه های با دریچه (از 1 تا 10) و بدون آن یافت می شود. و همچنین 6 نوع فلوت دیگر وجود دارد.

پیش نمایش:

برای استفاده از پیش نمایش ارائه ها، یک حساب Google (حساب) ایجاد کنید و وارد شوید: https://accounts.google.com

شرح اسلایدها:

آهنگسازی ارکستر سمفونیک اجرا شده توسط دانش آموز کلاس 6 B Gibadullina Ksenia

ارکستر سمفونیک از چه چیزی تشکیل شده است یک ارکستر سمفونیک مدرن از 4 گروه اصلی تشکیل شده است. پایه و اساس ارکستر یک گروه زهی (ویولن، ویولا، ویولن سل، کنترباس) است. گروه سازهای بادی چوبی شامل فلوت، ابوا، کلارینت، باسون است. گروه سوم سازهای ارکستر برنجی (هورن، ترومپت، ترومبون، ترومپت) است. سازهای کوبه ای (تیمپانی، مثلث، تله و درام باس، سنج) اهمیت فزاینده ای در ارکستر سمفونیک پیدا می کنند.

ویولن یک ساز موسیقی زهی با صدای بلند است. منشأ عامیانه دارد، در قرن شانزدهم ظاهری مدرن پیدا کرد و در قرن هفدهم گسترش یافت. دارای چهار سیم کوک شده در یک پنجم است: g، d1، a1، e² (نمک یک اکتاو کوچک، re، la اکتاو اول، mi از اکتاو دوم)، محدوده از g (نمک یک اکتاو کوچک) تا a4 ( لا از اکتاو چهارم) و بالاتر. صدای ویولن در رجیستری ضخیم، در وسط نرم و در بالا درخشان است. ویولن

خاستگاه ویولن اجداد ویولن رباب عربی، فیدل اسپانیایی، کروتا بریتانیایی بودند که از ادغام آنها ویولا تشکیل شد. فرم های ویولن در قرن شانزدهم تأسیس شد. سازندگان معروف ویولن - خانواده آماتی - متعلق به این قرن و اوایل قرن هفدهم هستند. سازهای آنها از شکل عالی و مواد عالی است. به طور کلی ایتالیا به خاطر تولید ویولن معروف بود که در میان آنها ویولن های استرادیواری و گوارنر در حال حاضر از ارزش بالایی برخوردار هستند. فیدل جزئیات محراب کلیسای سنت زکریا، ونیز، جووانی بلینی، 1505.

ویولن سل (به ایتالیایی violoncello، مخفف ویولنسل، آلمانی Violoncello، فرانسوی violoncelle، ویولن سل انگلیسی) یک ساز موسیقی زهی آرشه ای از رجیستری باس و تنور است که از نیمه اول قرن شانزدهم شناخته می شود، با ساختاری مشابه ویولن یا ویولن. ویولا، با این حال، بسیار بزرگتر است. ویولن سل دارای امکانات بیانی گسترده و تکنیک اجرای دقیق توسعه یافته است، از آن به عنوان تکنواز، گروه و ساز ارکستر استفاده می شود.

پیدایش ویولن سل ظهور ویولن سل به اوایل قرن شانزدهم باز می گردد. در ابتدا از آن به عنوان ساز باس برای همراهی آواز یا نواختن سازهای درجه بالاتر استفاده می شد. انواع مختلفی از ویولن سل وجود داشت که از نظر اندازه، تعداد سیم‌ها و کوک با یکدیگر متفاوت بودند (متداول‌ترین کوک یک تن کمتر از مدرن بود). در قرن هفدهم تا هجدهم، با تلاش اساتید برجسته موسیقی مکاتب ایتالیایی (نیکولو آماتی، جوزپه گوارنری، آنتونیو استرادیواری، کارلو برگونزی، دومنیکو مونتانیا و غیره) یک مدل ویولن سل کلاسیک با اندازه بدنی کاملاً ثابت ایجاد شد.

فلوت نام رایج تعدادی از سازهای بادی چوبی است. بر خلاف سایر سازهای بادی، صداهای فلوت در نتیجه قطع جریان هوا در لبه، به جای استفاده از نی ایجاد می شود. نوازنده ای که فلوت می نوازد معمولاً فلوت نواز نامیده می شود. فلوت

منشا فلوت قدیمی ترین شکل فلوت به نظر می رسد سوت باشد. به تدریج، سوراخ های انگشت در لوله های سوت شروع به بریدن کرد و یک سوت ساده را به فلوت سوت تبدیل کرد، که قبلاً امکان اجرای آثار موسیقی وجود داشت. اولین یافته های باستان شناسی فلوت به 35 تا 40 هزار سال قبل از میلاد برمی گردد، بنابراین فلوت یکی از قدیمی ترین آلات موسیقی است. فلوت طولی پنج هزار سال پیش در مصر شناخته شده بود و این ساز اصلی ترین ساز بادی در سراسر خاورمیانه است. فلوت طولی که دارای 5 تا 6 سوراخ انگشت است و قابلیت دمیدن اکتاو را دارد، یک مقیاس موسیقایی کامل را ارائه می‌کند، فواصل فردی که در آن می‌تواند تغییر کند، با روی هم زدن انگشتان، سوراخ‌ها را تا نیمه می‌بندد و همچنین جهت را تغییر می‌دهد. و قدرت تنفس

Oboe Oboe (از فرانسوی hautbois، به معنای واقعی کلمه "درخت بلند"، انگلیسی، آلمانی و ایتالیایی oboe) یک ساز موسیقی بادی چوبی سوپرانو است که یک لوله مخروطی با سیستم دریچه و یک نی دوتایی (زبان) است. ابوا در نیمه اول قرن هجدهم ظاهر مدرن خود را به دست آورد. این ساز دارای آهنگی ملودیک، اما تا حدودی بینی، و در رجیستری بالا - صدای تیز است.

منشأ ابوا در ربع دوم قرن نوزدهم، طراحی سازهای بادی چوبی انقلابی واقعی را تجربه کرد: تئوبالد بوهم سیستمی از دریچه‌های حلقوی ویژه برای بستن چندین سوراخ در آن واحد اختراع کرد و آن را روی ساز خود - فلوت، بعدها اعمال کرد. این سیستم برای کلارینت و سازهای دیگر اقتباس شده است. اندازه و محل سوراخ ها دیگر به طول انگشتان نوازنده بستگی نداشت. این امر باعث بهبود آهنگ صدا، شفاف‌تر و خالص‌تر کردن صدا و گسترش دامنه سازها شد. برای ابوا، این سیستم در شکل اصلی خود مناسب نبود. پس از مدتی، Guillaume Triber و پسرانش Charles-Louis (استاد کنسرواتوار پاریس) و فردریک مکانیسم بهبود یافته ای را پیشنهاد کردند که برای ابوا اقتباس شده بود، در همان زمان طراحی خود ساز را کمی تغییر داد. جانشینان آنها، فرانسوا و لوسین لوره، مدل جدیدی از ابوا به نام "مدل محافظ دریچه تخت" را ایجاد کردند که به سرعت توسط همه ابواییست ها پذیرفته شد.

ترومبون ترومبون (ایتالیایی ترومبون، روشن. "لوله بزرگ"، ترومبون انگلیسی و فرانسوی، آلمانی Posaune) یک ساز موسیقی بادی برنجی از رجیستر باس-تنور است. ترومبون از قرن پانزدهم شناخته شده است. با وجود پشت صحنه - یک لوله U شکل متحرک خاص که نوازنده با کمک آن حجم هوای موجود در ساز را تغییر می دهد با سایر سازهای برنجی متفاوت است و بنابراین به توانایی پخش صداهای مقیاس رنگی دست می یابد. (دریچه ها این کار را روی ترومپت، بوق و توبا انجام می دهند).

ظاهر ترومبون به قرن پانزدهم باز می گردد. به طور کلی پذیرفته شده است که پیشینیان مستقیم این ساز پیپ های راکر بودند که در هنگام نواختن نوازنده این فرصت را داشت که لوله ساز را حرکت دهد و در نتیجه مقیاس رنگی به دست آورد. ترومبون در طول عمر خود عملاً دستخوش تغییرات اساسی در طراحی خود نشده است. منشا ترومبون

هورن (از آلمانی Waldhorn - "شاخ جنگلی"، ایتالیایی corno، انگلیسی فرانسوی هورن، فرانسوی corn) یک ساز موسیقی بادی برنجی از رجیستر باس-تنور است.

منشا هورن فرانسوی که از یک بوق سیگنال شکار گرفته شده است، در اواسط قرن هفدهم وارد ارکستر شد. تا دهه 1830، مانند سایر سازهای برنجی، دریچه ای نداشت و یک ساز طبیعی با مقیاس محدود بود (به اصطلاح "بوق طبیعی" که توسط بتهوون استفاده می شد). این هورن در گروه های سمفونی و برنجی و همچنین یک گروه و ساز تکنوازی استفاده می شود.

تیمپانی تیمپانی (تیمپانی ایتالیایی، تیمبال‌های فرانسوی، پائوکن آلمانی، درام‌های کتری انگلیسی) یک ساز موسیقی کوبه‌ای با صدایی خاص است. آنها سیستمی از دو یا چند (تا هفت) کاسه فلزی دیگ مانند هستند که قسمت باز آن با چرم یا پلاستیک پوشانده شده است و قسمت پایین ممکن است دارای سوراخ باشد.

منشأ تیمپانی تیمپانی ساز بسیار باستانی است. در اروپا، تیمپانی ها، از نظر شکل نزدیک به مدرن، اما با یک سیستم ثابت، در قرن پانزدهم شناخته شدند و از قرن هفدهم، تیمپانی ها بخشی از ارکسترها بودند. متعاقباً یک مکانیسم پیچ تنشی ظاهر شد که امکان بازسازی تیمپانی را فراهم کرد. در امور نظامی، آنها در سواره نظام سنگین استفاده می شدند، جایی که آنها به عنوان انتقال سیگنال های کنترل جنگ استفاده می شدند.

سنج سنج یک ساز موسیقی کوبه ای با صدای نامحدود است. بشقاب‌ها از زمان‌های قدیم شناخته شده‌اند و در چین، هند و بعداً در یونان و ترکیه ملاقات کردند. آنها یک دیسک محدب شکل هستند که از آلیاژهای خاص با ریخته گری و آهنگری بعدی ساخته شده اند. در مرکز سنج سوراخی برای اتصال ساز به پایه مخصوص یا برای اتصال بند وجود دارد.

تاریخچه سنج سنج همراه با افزایش گروه سازهای کوبه ای در ارکستر احتمالاً برای اولین بار در موسیقی گلوک ظاهر شد. در پایان قرن هجدهم، در دوره هایدن و موتزارت، سنج (همراه با یک طبل باس و یک مثلث) به ندرت در موسیقی اپرا یافت می شد، فقط برای بازتاب طعم وحشیانه یا ترکی.

ارکستر سمفونیک: شکل گیری و توسعه

تصور کسی که هرگز نشنیده است دشوار است. پس چیست؟ ارکستر از چه زمانی شکل گرفت و آیا همیشه همین طور بوده است؟ چند ابزار باید در آن گنجانده شود و آیا می توان آن را تغییر داد؟

اول از همه، بیایید به هر فرهنگ لغت توضیحی نگاه کنیم. اولین تعریفی که ما با آن مواجه می شویم «گروهی از نوازندگان برای اجرای موسیقی آکادمیک» است. شاید یک تعریف نسبتاً متواضعانه و طولانی از چیزی به عنوان ارکستر بیشتر یک حالت کامل باشد که در طول قرن ها با قوانین و مقررات خاص خود تکامل یافته است و توسط یک مربی دانا - یک رهبر کنترل می شود. همچنین می توان گفت که ارکستر مانند یک موجود زنده است که با حساسیت لطیف ترین احساسات موسیقایی را در یک اثر به تصویر می کشد و بسیار دقیق و ماهرانه هم در درون خود و هم با مردم تعامل دارد. برای پاسخ به این سؤالات و سؤالات دیگر، باید به تاریخ مراجعه کرد.

کمی تاریخ

در ابتدا لازم به ذکر است که واژه ارکستر به دوران یونان باستان برمی گردد، جایی که ارکستر را صحنه تئاتری می نامیدند که در آن اجرا برگزار می شد. چند قرن بعد، این کلمه قبلاً محل تئاتر برای قرار دادن اجراکنندگان نامیده می شود. فقط بعداً آنها شروع به نامگذاری گروه های موسیقی کردند. البته گروه‌هایی از نوازندگان در همه زمان‌ها وجود داشته‌اند، به عنوان مثال، در تاریخ به یکی از تعطیلات فرقه‌ای در فلسطین اشاره شده است که به قرن اول میلادی بازمی‌گردد. I. Flavius ​​مورخ در توصیف این رویداد خاطرنشان می کند که 20000 خواننده در آن حضور داشتند، به همین تعداد مجری. لوله و ساز چنگ . حتی تصور این منظره شگفت انگیز دشوار است.

آغاز تشکیل یک ارکستر سمفونیک تنها به قرن 16-17 باز می گردد، در زمان ژانرهای جدید موسیقی: اپراها , باله , oratorios و همچنین شکل گیری انباری جدید همفونیک هارمونیک در موسیقی. محققان پایان قرن شانزدهم را نقطه عطفی می دانند، زمانی که آنها اختراع کردند ویولن که بلافاصله وارد ارکستر شد و جایگزین ویولا شد. قابلیت‌های صدا و مهارت ساز جدید متعاقباً کل سبک ارکستر را تعیین می‌کند. دومین نقطه عطف این چنینی پایان قرن نوزدهم است، زمانی که سازهای بادی بهبود یافتند.

ارکستر در تمام این مدت به تدریج توسعه یافت و با حساسیت از جهت ها و ژانرهای جدید در موسیقی پیروی کرد ، فقط در پایان قرن 18 یک آهنگ کوچک ایجاد شد. برای این ترکیب بود که کلاسیک های مشهور وین شاهکارهای خود را نوشتند - جی. هایدن و دبلیو موتسارت . در زمان خلاقیت ال. بتهوون ترکیب "کلاسیک" کاملاً تثبیت شده است و در دوره رمانتیسم که موسیقی برنامه غالب است ، ارکستر فرم های پیشرفته تری پیدا می کند ، گروه زهی گسترش می یابد و سازهای بادی اضافه می شود و در نتیجه تشکیل گروه های اصلی تکمیل می شود.

انواع ارکستر سمفونیک

ترکیب کلاسیک شامل گروهی از سیم (بیش از 20)، بادی چوبی (2 فلوت، 2 عدد) است. ابوا ، 2 کلارینت ، 2 باسون ) و برنج به شکل 2 لوله های و 2 (به ندرت 4) شیپور ، فقط از گروه شوک شامل می شود تیمپان .

ارکستر بزرگ به طور قابل توجهی با یک گروه برنجی گسترش یافته است که شامل حداکثر 5 لوله، از 3 تا 5 ترومبون، تا 8 هورن و یک توبا است. گروه بادی چوبی به 5 ساز از هر خانواده شامل انواع آنها گسترش یافته است. گروه زهی را می توان تا 60 ساز افزایش داد، همین امر در مورد گروه کوبه ای نیز صدق می کند، که قبلاً علاوه بر تیمپانی، دام و طبل بزرگ، سنج، مثلث، زنگ به هم پیوسته اند. اغلب شامل چنگ، پیانو و هارپسیکورد بود."1812" اثری باشکوه است که در آن آهنگساز زنگ ها را برای جلوه ای باشکوه اضافه می کند ، رگبارهای توپ نیز در پایان و ارکستر دوم - ارکستر بادی ارائه می شود.

ارکستر فقط "مجموعه ای از نوازندگان" نیست - ارگانیسم پیچیده ای است که در آن هر سلول مهم است، هر جزء، جایی که هر گروه، ساز نقش ویژه ای دارد. تا عموم مردم از شاهکارهای موسیقی کلاسیک که توسط ارکستر سمفونیک اجرا می شود لذت ببرند.