زمان به سرعت می گذرد. یک دوره به طور نامحسوس جایگزین دیگری می شود. قرن بیست و یکم «عصر سرعت»، «عصر یکپارچگی»، «عصر اطلاعات»، عصر فناوری های جدید، تلفن های همراه، اینترنت و جوانان مترقی جدید است. عصر مردم مدرن جدید که زندگی آنها دائماً در حرکت است. مرد قرن بیست و یکم مرد اطلاعات است. او سعی می کند همه حوزه های زندگی را درک کند، برای آزادی تلاش می کند، واقعیت حامل را از طریق هنر شکل می دهد، فراتر می رود، زندگی را تغییر می دهد و به هارمونی و آزادی می رسد.
هنر قرن 21 نوعی انعکاس زندگی امروز ما است که خلق و خوی، مشکلات، خواسته های یک دوره خاص از مردم را منتقل می کند. هنر 21 چیست؟ ویژگی آن چیست؟ برای پاسخ به این پرسش‌ها، پیشنهاد می‌کنم چند هنرمند و مجسمه‌ساز را که مستقیماً دوران ما را با آثار خود منعکس می‌کنند، تحلیل کنیم.
هنر یا جادو؟
هنری که با جادو و واقعیت مرز دارد، که به راحتی می توان آن را با یک سراب، یک توهم، یک توهم نوری اشتباه گرفت - چنین تأثیری بر روی بیننده ای ناآماده و بی تجربه توسط شاهکارهای هنرمند کورنلیا کنرادز ایجاد می شود. نصب‌های او پارک‌ها و میادین شهر را در آلمان زینت می‌دهد و هر بار رهگذران، نه تنها بازدیدکنندگان، بلکه مردم محلی را نیز غافلگیر می‌کند. کورنلیا شاهکارهای خود را به سبک لند آرت خلق می کند. لند آرت یک جهت نسبتاً جدید در هنر است. این تنها در یک سوم پایانی قرن بیستم در ایالات متحده به وجود آمد. با این وجود، قبلاً توانسته است محبوبیت قابل توجهی به دست آورد و پیروان خود را در غرب پیدا کند. بستر هنری استادان این ژانر عمدتاً منظره طبیعی و عناصر منفرد آن است. Cornelia Konrads یکی از برجسته ترین نمایندگان هنر زمین است. او خواست خود را در تزئین مناظر معمولی پارک ها و باغ ها با ثمره تخیل خود یافت. باید گفت که بیشتر ایده های او بسیار غیر معمول است، اما با وجود این، آنها به سرعت عاشق تماشاگران غیرارادی - مردم شهر شدند.
روی این و آن یکی، خودم را خالکوبی می کنم!
در قرن بیست و یکم، نقاشی مدت هاست که فراتر از بوم رفته است. با شروع دهه 1960، نقاشی بدن در غرب به عنوان بخشی از تغییر در اخلاق عمومی به سمت آزادی های بیشتر شروع به توسعه کرد. نقاشی بدن که در غرب احیا شده است، به اشتباه یک هنر جوان در نظر گرفته می شود. هنرمندان سرشناسی برای نمایشگاه ها و اجراهای خود از هنر بدن استفاده کرده اند. به تدریج، هنر بدن شروع به استفاده برای اهداف تجاری - برای تبلیغات، تبلیغات. حالا هر دومی یک خالکوبی دارد. هدف از "خالکوبی کردن برای خود" برای هر کسی متفاوت است: شخصی احمقانه سعی می کند به والدین خود ثابت کند که قبلاً بزرگ شده اند، شخصی یک خالکوبی روی شانه خود با نام معشوق خود انجام می دهد، اما محبوبیت خالکوبی روی یک شاهین با دلفین و قلب در بین دختران کم نمی شود .
برایان کامینگز هنرمند و عکاس خالکوبی معتقد است که خالکوبی نوعی هنر زیباست و بدن فقط یک بوم نقاشی دیگر است. کار برایان بسیار جالب است. او خالکوبی می کند و سپس عکس هایی می سازد که این خلقت را تزئین و تأکید می کند. به عنوان یک هنرمند، او به کنتراست کشیده شده است. تضاد نور و تاریکی، سیاه و سفید، درام و کمدی و غیره. برایان بهترین ها را از دو حالت افراطی بیرون می کشد. هنرمند علاقه مند به حداکثر فاصله بین دو نقطه مقابل است.
به عنوان یک هنر، خالکوبی این کار را برای من انجام می دهد. از یک طرف برای بعضی ها حرام است. برایان می گوید از سوی دیگر، این یک هنر با سنت طولانی زیبایی و معنای شخصی است.
فضای زندگی حسی
با نگاهی به تابلوی موزاییک برجسته به رنگ سفید برفی اثر هنرمند جوان روسی ایرینا ژوک، ناخواسته شاهد صدای سفید می شوید. به دنبال عنوان این اثر، صدا ابتدا کمی خش خش است و سپس در گوش جمع می شود. این باعث می شود که بخواهم آن را با انگشتانم لمس کنم. زبری چوب گرم سفید کور کننده و گچ سرد یخ زده را احساس کنید. گویی با لمس شما، این دکمه های سفید برفی شروع به بالا و پایین رفتن به شکلی آشفته می کنند.
یک بوم سفید درخشان از شیشه مات با یک دایره قرمز روشن در وسط، که به طور نمادین حاوی چهره محدب یک گیشا است، بازدیدکنندگان را به ژاپن می برد. خط هیروگلیف مشکی در گوشه پایین تابلو بار دیگر تعلق اثر به تم شرقی را ثابت می کند.
خود ایرینا ژوک خود را به عنوان یک هادی فضای زندگی امروز از طریق دست هر کاربر توصیف می کند.
هنر من فراتر از محدودیت های فیزیولوژیکی است که در آن فضای زندگی به صورت حسی از طریق پوست و چشم درک می شود. هنر لمس کردن باید در دسترس همه باشد، به ما امکان می دهد از یکدیگر بیاموزیم، اطلاعات را تبادل کنیم و انرژی همسایه خود را احساس کنیم. رسیدن به یک سطح از درک و درک خلاقیت ما را متحد می کند و از هر فضایی استفاده کننده برابر می کند. این کد فرهنگی همیشه برای همه متفاوت است: متضاد، رنگی، تک رنگ، اما در فلسفه من، قطعاً لمسی است.
به طور خلاصه، می توانم یک چیز را بگویم: هنر قرن بیست و یکم بسیار متنوع و چند قطبی است. خلاقیت مدرن با انواع سبک ها و گرایش ها متمایز می شود که بسیاری از آنها هنوز برای افراد عادی کاملاً واضح نیستند. برخی به سادگی تف می کنند و ساعت ها کنار اثر می ایستند و فقط حدس می زنند که نویسنده چه می خواهد بگوید. آثار سنین مختلف متعارف به وضوح احساسات خلق و خوی شخصی را منتقل می کنند. دوران قرون وسطی دوره جنگ ها و سپس زوال است. رنسانس رنگ روح و هماهنگی انسان را آشکار می کند. و اگر باروک است، پس با پویایی، رنگ روشن خود غرق می شود. اما بر خلاف دومی، هنر معاصر جذب شده و تا حدودی از بین رفته است. این احساسات تقریباً کاملاً نامحسوس با پژواک سنت‌های باستانی همراه شدند. مردم یاد گرفته اند زیبایی را در یک تصویر جدید ببینند. کسی توطئه های ساده ای را به تصویر می کشد و کسی به ایده های پیچیده فلسفی درباره جهان نیاز دارد. ایده معنویت انسان همچنان مهم است.
حتی یک قطره روی یک ورق بسیار بیشتر از یک ترکیب چند شکلی پیچیده است. هنر خیلی نیاز ندارد. همانطور که در معماری، فقط شالوده و عناصر لازم وجود دارد. همه چیز و همه جا منحصر به فرد است. هیچ چیز وجود ندارد که قابل تشخیص نباشد. تکنیک و مواد همگی نقش مهمی در این بازتاب دارند. و این از تقریب به ایده آل صحبت می کند. همه می توانند زیبایی خلق کنند. نکته اصلی این است که درک کنید و با اطمینان به هدف بروید. فقط به لطف هنر می توانیم بهترین احساسات خود را مانند یک آهنگ منتقل کنیم و در تاریخ آن اثری شخصی و منحصر به فرد به جا بگذاریم.
من دوست دارم
هنرهای زیبای داخلی، تا همین اواخر، تلفیقی ارگانیک از فرهنگ‌های هنری ملی بود. وقتی صحبت از مدارس ملی شد، می توان ویژگی های اصلی هر یک از آنها را نام برد. برای مثال، به روانشناسی سنتی مکتب روسی اشاره کنید. احساسات و غزل - اوکراینی؛ شخصیت دراماتیک و حتی، همانطور که محققان اشاره می کنند، تراژدی قهرمانانه - بلاروس. حس بالای یادبودگرایی - گرجی؛ تزئینات شاد - مدارس مولداوی یا ارمنی؛ نزدیکی ویژه به منابع عامیانه - مدارس لیتوانیایی، قرقیزستانی، ازبکستانی؛ روح عقلانی - عقلانی مکتب استونی و غیره. اما اینها البته بسیار محدود، یک طرفه و در نتیجه عموماً نادرست هستند. هر یک از مکاتب ملی با ویژگی‌های پیچیده تصویری و سبکی خود، در اشکال، فنون و سبک‌های گوناگون به آرمان‌های اصلی بشری وفادار ماندند.
باید گفت که با تمام پیچیدگی های توسعه تاریخی جامعه ما: از جنگ داخلی تا جنگ بزرگ میهنی، از قحطی اواخر دهه 1920 و اوایل دهه 1930. تا اقتصاد ویران شده پس از جنگ، از دروغ و نادرستی سیاست دولت توتالیتر - تا "انقلاب" اوایل دهه 1990، در چارچوب آزادی های کاملا محدود "رئالیسم سوسیالیستی" - با همه اینها، ما اعتراف می کنیم، بسیاری از آثار هنری شگفت‌انگیز توسط استادان شگفت‌انگیز خلق شده‌اند (و چه بسیار بیشتر توسط کسانی که در طول سال‌های سرکوب به فراموشی سپرده شدند یا در آتش جنگ بزرگ میهنی سوختند!). و این را باید به خاطر داشت.
تصویری از زندگی هنری ارائه شده در اینجا نشان دهنده وضعیت هنر قبل از دوره دراماتیک فروپاشی اتحاد جماهیر شوروی است. خالق کتاب درسی نویسنده نمی تواند موضع خود را در رابطه با پیشرفت بیشتر وضعیت در زندگی هنری روسیه در قلمرو جمهوری های سابق آن بیان کند. ما نمی توانیم انکار کنیم که خیزش باورنکردنی همه هنرها در جمهوری های ملی اتحاد جماهیر شوروی، ظهور لایه های کامل فرهنگ - از نوشتن تا هنرهای زیبا - به لطف نقش "تغذیه" و تجارت فرهنگ فرهنگ روسیه امکان پذیر بود. حتی گاهی به لطف تلاش های فداکارانه نمایندگان روشنفکر روسیه. پس از فروپاشی اتحاد جماهیر شوروی، برخی از نخبگان ملی دولت های تازه ایجاد شده در قلمرو سابق خود به طور کلی خودخواهی و ناسپاسی نشان دادند و سعی کردند نقش مردم روسیه و فرهنگ آن را در زندگی کشورهای خود نادیده بگیرند. برخی از کتاب ها و کتاب های درسی حتی مهاجمان روس نامیده می شوند. باید اعتراف کنیم که پروژه کمونیستی برای ایجاد یک کشور واحد شوروی با موفقیت همراه نبود، در واقع فقط روس ها در آرمان های دوستی بین مردم، از خودگذشتگی و یک "وظیفه بین المللی" انتزاعی پرورش یافتند. اما بیایید امیدوار باشیم که "آسیاب های تاریخ" تهمت ها و جعل ها را خرد کنند و به مرور زمان نقش فرهنگ روسیه در قرن بیستم از بین برود. "از صخره های سرد فنلاندی تا کولخیس آتشین" قدردانی خواهد شد. ناگفته نماند که این امر باعث تحریف روند توسعه فرهنگ هنری در آینده خواهد شد.
در نتیجه نقض و گسست پیوندهای فرهنگی برقرار شده بین جمهوری‌ها، نمی‌توان در مورد فرآیندهای هنری که اکنون در آنجا اتفاق می‌افتد قضاوت کرد، بنابراین می‌توان از هنر دهه آخر قرن بیستم - اوایل قرن بیست و یکم صحبت کرد. و فقط روسیه
به اصطلاح هنر پس از شوروی آغاز قرن در چارچوب زمانی بسیار کوتاهی قرار می گیرد که بتوان نامی را برای یک تصویر تاریخی (در صورت امکان) انتخاب کرد. فقط آینده است که همه چیز را در جای خود قرار می دهد و به مورخ هنر اجازه می دهد تا نتیجه گیری درست و ارزیابی درست را ارائه دهد. اما از قبل می توان مشکلات اصلی را بیان کرد.
و یکی از آن مشکلات است نقاشی مذهبی، که برای اولین بار در تاریخ مدرن دولت ما خود را در دهه 1990 اعلام کرد. پس از آن، در طول سال‌های نزول سریع سطح اخلاقی جامعه، بود که نسل قدیمی‌تر، نه تنها تثبیت‌شده، بلکه در اوج شهرت، به طور فزاینده‌ای به موضوعات مسیحی در نقاشی‌های سه پایه روی آوردند (مضامین گلگوتا اثر E. Moiseenko و A. Mylnikov، "حافظه ابدی..." V. Ivanov، "Ennunciation" (به درج رنگ مراجعه کنید) و "یهودا" اثر G. Korzhev، "شام آخر" و "حمل کردن صلیب" توسط نقاش نسل جوان N. Nesterova؛ حتی "نمایش شمالی" قبلی "V. Popkova را می توان در این مجموعه نام برد). اما معلوم شد که کلمه اصلی در اینجا نه به نقاشان سه پایه، بلکه به دیوارنگارها تعلق دارد.
نقاشی کلیسای ارتدکس روسیه که بزرگترین شکوفایی خود را در قرون وسطی تجربه کرد، در حال حاضر در چارچوب هنر آکادمیک به توسعه خود ادامه داد، در اواخر قرن 19-20 محققین جدی پیدا کرد، در سال 1917 وجود نداشت. سیاست دولتی بی خدایی ، با وارد کردن ضربه کوبنده به ارتدکس ، توسعه نقاشی آیکون و ساخت معبد را متوقف کرد. با این وجود، منتقدان هنری برجسته روسی (اولسوفیف، گرابار، لازارف، آلپاتوف و غیره) به جستجوی نمادهای قدیمی مشغول بودند (به عنوان مثال، در سال 1922، نمادهای روبلوف از نماد کلیسای جامع ولادیمیر عروج یافت شد) و مرمت آنها.
ربع آخر قرن بیستم و دهه اول قرن بیست و یکم. - صفحه جدیدی در توسعه نقاشی ارتدکس در روسیه. در سال 1989، بنیاد مستقل برای احیای هنر کلیسا در مسکو تأسیس شد. در ارتباط با جشن هزاره غسل تعمید روسیه در مسکو، نمایشگاه "آیکون مدرن" در سال 1997 - در رابطه با 850 سالگرد مسکو - نمایشگاه "نماد روسی در پایان قرن بیستم" برگزار شد. "، نشان دهنده جهت های مختلف در توسعه نماد، با شروع از بیزانس. توجه ویژه ای به گروهی از نمادهای "جهت عامیانه" که از تصویر عامیانه، چاپ محبوب آمده است، جلب شد. نقاشان نمادهای مهمی با مدرسه خود ظاهر شدند و در خارج از کشور موفقیت داشتند (به عنوان مثال، ارشماندریتی که قبلاً ذکر شد، پدر زینون). در مسکو، تا سال 2000، بیش از 30 کارگاه نقاشی شمایل وجود داشت. در سن پترزبورگ، مدارس اصلی کارگاه های نقاشی شمایل در آکادمی الهیات و حوزه علمیه (به سرپرستی ابوت الکساندر) و کارگاه نقاشی و مرمت شمایل در لاورای الکساندر نوسکی (به سرپرستی دی. میروننکو) هستند، بدون احتساب موارد کارگاه های بسیاری در صومعه ها و مزارع. اولین گالری نقاشی آیکون مدرن روسیه "نماد روسی" (2003) نیز در پایتخت شمالی ظاهر شد و آثار هنرمندان مسکو، سنت پترزبورگ، یاروسلاول، نووگورود، پسکوف، ترور و غیره را گرد هم آورد. مکتب پترزبورگ به طور کلی گرایش های سبکی مختلفی را نشان داد. نمایشگاه های 1994، 1999، 2000، 2001 هنرمندانی را که نه تنها از نسل‌های مختلف و گرایش‌های مختلف سبک، بلکه انواع و ژانرهای مختلف هنری را نیز گرد هم می‌آورد: نقاشی‌های دیواری، هنرمندان انواع مختلف هنرهای کاربردی، مانند میناکارها، و به‌عنوان یک قاعده، همیشه در سطح حرفه‌ای بالا اجرا می‌کنند. همراه با نقاشان شمایل
در سال 2002، در موزه هنرهای کاربردی آکادمی هنر دولتی سنت پترزبورگ به نام بارون A. L. Stieglitz، برای اولین بار علاوه بر نمادهای سنت پترزبورگ، مسکو، شمال غربی و غیره. نقاشی‌های دیواری، موزاییک‌ها، کپی‌هایی از استادان قدیمی و آثار خود. این نمایشگاه به وضوح درک عمیق هنرمندان از نماد، مطالعه آنها از کانون آن، و اهمیت فضای معبد برای آن را نشان داد. اما مهمتر از همه، او دو گرایش پیشرو در هنر مذهبی را آشکار کرد: یکی - از منابع آن، بیزانس و روسیه باستان، دیگری - از هنر به اصطلاح دوره سینودال این جهت در نقاشی کلیسا با توسل به سنت های هنر اروپای غربی ("مکتب بولونیا") و سنت های آکادمیک داخلی متمایز می شود (نمونه ای از نقاشی آیکون بوروویکوفسکی در کلیسای جامع موگیلف یا نمادهای او در کلیسای جامع کازان در سنت پترزبورگ است. پترزبورگ). علاقه خاصی در میان هنرمندان این گرایش باید به کارهای V. M. Vasnetsov، M. V. Nesterov، در مراکز نقاشی شمایل مانند Palekh و Mstera اشاره کرد، دقیقاً به این دلیل که آنها، هر کدام به شیوه خود، این سنت ها را با هم ترکیب می کنند (V. Lebedev. "یوحنا انجیلی" نماد مسترا، اوایل قرن بیست و یکم؛ درج رنگ را ببینید). کدام راه صحیح تر است؟ هیچ پاسخ واحدی برای این سوال وجود ندارد. نقاشان شمایل در هر دو مورد به دنبال بیان مدرن و مدرن خود هستند: هم وقتی به منابع باستانی روسی روی می آورند و هم زمانی که به دنبال خاک در آکادمیک هستند. خود V. M. Vasnetsov، پس از کار در کلیسای جامع ولادیمیر در کیف، نوشت که احساس نارضایتی و "دور بودن" از واقعیت دارد، به طوری که نقاشان نمادهای مدرن هنوز مشکلات زیادی دارند که باید به آنها رسیدگی شود.
نقاشان و مرمتگران نمادهای مدرن شروع به کسب شهرت در خارج از کشور کردند (به عنوان مثال، E. Bolshakov، Yu. Bobrov روی Athos، A. Chashkin، E. Maksimov - در ایالات متحده آمریکا، N. Mukhin - در صربستان کار کردند). هنرمندانی که امروزه در زمینه نقاشی مذهبی کار می کنند، همانطور که قبلاً ذکر شد، با درک عمیق از هنر مذهبی، اعم از اشکال ساده و یادبود، مشخص می شوند. شایستگی بزرگ استادان مدرن در ایجاد یک نماد نگاری جدید از زنیا پترزبورگ (1988)؛ سنت جان کرونشتات، تصویر غسل تعمید روس (آیکون های پدر زینون، 1988، یا ناتالیا و نیکولای بوگدانوف، 2000؛ درج رنگ را ببینید)، و همچنین سنت سرافیم ویریتسکی، ونیامین از پتروگراد، و دیگران در سال 2000 به تازگی در کلیسای جامع مقدور شده است. کارهای زیادی برای ایجاد شمایل نگاری "شهدای سلطنتی" در حال انجام است، که تا به امروز تکمیل نشده است. با این حال، حتی در شمایل نگاری سنتی و قدیمی، بسیاری از نقاشان شروع خلاقانه درخشانی از خود نشان می دهند. برای مثال کافی است از هنرمندی مانند جی.تونکوف نام ببریم. در او "تثلیث مقدس" مهر سنت‌های قوی باستانی روسیه را می‌بینید، و سبک تصویری گویا استاد شبیه نقاشی‌های دیواری نووگورود و مستقیماً ولوتوو (کلیسای عروج در میدان ولوتوو) است، اما توسط یک هنرمند مدرن، با نقاشی مدرن نوشته شده است. درک آنچه به تصویر کشیده شده است.
بازسازی و ساخت معابد جدید در طول 15-20 سال گذشته گسترده شده است. بر این اساس، این سوال در مورد طراحی تزئینی آنها مطرح شد. تنها در سن پترزبورگ، از اواسط دهه 1990. بیش از 100 معبد و کلیسا بازسازی و ساخته شدند. نمونه ای از تعامل موفق معماری و یک نقاشی نمادین، نقاشی دیواری و موزاییک کاملاً جدید، صومعه رستاخیز نوودویچی سنت پترزبورگ در خیابان مسکوفسکی است. در این خصوص باید توجه داشت که هست موزاییک به ویژه در ساخت معابد جدید مورد تقاضا قرار گرفت.
هنری که از بیزانس به روسیه آمد، در قرن 18 تولد جدیدی را تجربه کرد. تلاش و استعداد M.V. Lomonosov و یک برخاست جدید در قرن 19. اول از همه، در داخل دیوارهای آکادمی امپراتوری هنر، موزاییک در طول سال های قدرت شوروی فراموش نشد. ما قبلاً گفته ایم که چگونه در دهه 1930. در ارتباط با ساخت مترو و سایر ساختمان های عمومی، امکانات تزئینی آن بسیار مورد استفاده قرار گرفت و از همه مهمتر، ویژگی تبلیغاتی آن بود. در سال‌های پس از جنگ و بعد از آن، مهدکودک‌ها و آسایشگاه‌ها، بیمارستان‌ها، بنگاه‌ها، دیوار مدارس و... با موزاییک تزئین شدند. در سن پترزبورگ، علاوه بر کارگاه موزاییک آکادمی هنر، فارغ التحصیلان مدرسه عالی هنر به نام V.I.
محققین به درستی متذکر می شوند که تجربه موزاییک دوره شوروی، با همه تعاملاتش، به هنرمندان جوان در مرحله جدیدی از توسعه آن، که در دهه 1990 آغاز شد، کمک زیادی کرد، هم از نظر روشی که تعیین کردند، هم درک امکانات آن. مواد و در کاربرد فن آوری های جدید. A. Bystrov فارغ التحصیل آکادمی هنر، دانش آموز A. A. Mylnikov، ایستگاه مترو الکساندر نوسکی را با صحنه نبرد معروف تزئین می کند - و این آخرین اثری است که قبل از فروپاشی اتحاد جماهیر شوروی در سن پترزبورگ ساخته شده است. آخرین نظم قرن XX. برای کارگاه های موزاییک آکادمی هنر و همان استاد پانل های موزاییکی برای ایستگاه "Sportivnaya" (1998-1999؛ درج رنگ را ببینید) در "موضوعات المپیک" داشت، که در آن هنرمند دانش نشان داد و درک ظریفی از باستان را نشان داد. اساطیر و هنر باستانی بعدها، A. Bystrov (به همراه E. Bystrov و دیگران) فضای داخلی ایستگاه های مترو "Volkovskaya"، "Admiralteiskaya" و غیره را تزئین کرد. تیم دیگری از دیوارنگاران مشهور سنت پترزبورگ: S. Repin، N. Fomin، I. اورالوف، وی. سوخوف - موزاییک‌های ایستگاه‌های مترو "Ozerki"، "Dostoevskaya"، "Krestovsky Island"، "Sennaya" و غیره. همین گروه از هنرمندان مشهور موزاییک‌هایی را در کلیسای ولادت باکره اجرا کردند. روستای Aleksandrovskoye، منطقه لنینگراد (معماران A. Schreter، A. Golovin، G. Uralov).
از اوایل دهه 2000 تغییرات قابل توجهی در سطح ملی وجود دارد هنر یادبود به این معنا که دولت تنها مشتری خود نیست، مشتری خصوصی ظاهر می شود. در مورد هنر سه پایه در دهه های گذشته، توسعه آن در این دوره بسیار متنوع است. بسیاری از هنرمندان که در دهه 1970 تا 1980 خود را اعلام کردند، مانند همان A. Kulinich به کار خود ادامه می دهند (نگاه کنید به سنگ نگاره های رنگی شگفت انگیز او که به تاریخ صومعه های Kirillo-Belozersky و Spaso-Kamenny (منطقه Vologda) اختصاص دارد، تصاویر او برای گوگول که هنوز منتظر انتشار آنهاست و نقاشی رنگارنگ زیبای او پر از فانتزی و طنز عامیانه). و این تنها نمونه‌ای از هنرمندی است که در دهه‌های 1970 تا 1980 خود را معرفی کرد، در میان کسانی که امروز پربار کار می‌کنند، می‌توان تعداد آنها را ادامه داد. و چه تعداد هنوز کاملاً جوان هستند، تازه وارد زندگی خلاقانه می شوند، جسورانه و آزادانه، به طرز جالبی فکر می کنند - امیدواریم زمان نام آنها را نسبتاً برجسته کند.
اکنون فقط می توانیم یک نتیجه بگیریم. برای تمام هنرهای مدرن داخلی (تصویری) نیمه دوم قرن بیستم - اوایل قرن بیست و یکم. به ویژه مشخصه گسترش نفوذ دایره سنت های روسی است - دور شدن از آوانگارد از طریق هنر قرن 20-19. به هنر روسیه باستان، و در مواد خارجی - از آزمایشات آغاز قرن گذشته تا پسا امپرسیونیسم - امپرسیونیسم - رمانتیسم تا هنر بزرگ رنسانس. به عبارت دیگر، آنها سنت های اصلی را که در هنر قرن بیستم توسعه یافته است ادامه می دهند: آکادمیک گرایی روسی، امپرسیونیسم روسی، "سزانیسم" روسی، و همچنین فانتزی های پست مدرن در مورد موضوعات رنسانس و در حال حاضر آکادمیک گرایی صرفاً سالنی در نوبت. از قرن 19-20th. نمایشگاه های متعدد سال های اخیر کاملاً این موضوع را نشان می دهد.
در عین حال، نمی توان متوجه نشد که در غیاب ایدئولوژی های دولتی، تمایل آشکاری برای حمایت از حمایت در بالاترین سطوح وجود دارد و در سازماندهی نمایشگاه های موزه ها در درجه اول به اشکال مختلف نئو اولویت داده می شود. -آوانگارد با ناپدید شدن رهنمودهای قابل فهم دولتی در زمینه سیاست گذاری فرهنگی، روند قانونی شدن انجمن های مختلف غیررسمی شکل گرفت. «زیرزمینی» (اصطلاحی که از سینمای آمریکا در اوایل دهه 1940 به عاریت گرفته شده است) نه تنها وارد زندگی هنری ملی شده است، بلکه تقریباً به هنری نخبه گرایانه تبدیل شده است که از آن «با یک نفس» صحبت می شود، اما هنوز هم نیاز به یک کار جدی و جدی دارد. ارزیابی عینی، و همچنین فعالیت‌های بسیاری از گالری‌های هنری که اخیراً افتتاح شده‌اند (اکنون فقط به دلایلی نامیده می‌شوند گالری های هنری) و بسیاری از نشریات مختلف هنری جدید. امروزه، زمانی که «نقاط مرجع قدیمی از بین رفته اند و بت های قبلی جای خود را به بت های جدید می دهند، هنگامی که نظامی از ارزش های قاطعانه جدید و عمدتاً تخیلی پدید می آید که تفکر پسا توتالیتر را به شیوه خود منعکس می کند»، بسیار دشوار است. اما لازم است، برای انجام این کار. بدون شک درک روند رشد هنر از محاسبات اشتباه، اشتباه، تناقض مصون نیست و درک همه تنوع و پیچیدگی هنر معاصر، «جداکردن گندم از کاه» موضوعی زمان و نقد عینی است.
یکی از سوالات دشوار این است پسا آوانگارد در طول سال‌های قدرت شوروی، آثار رئالیسم سوسیالیستی بسیار «بدبخت در اندیشه و شکل بدوی» (و. ولاسوف) خلق شد که در این زمینه، آوانگارد روسی دهه 1920، به‌ویژه از نظر جوانان. هنرمندان و تماشاگران (زمانی که به نوبه خود برای تماشا در دسترس قرار گرفت) به عنوان پیشرفته ترین (و برای دیگران، تنها ممکن) هنر در جهان تلقی شدند. بازسازی نام استادان واقعاً بزرگی مانند Π. N. Filonov و K. S. Malevich به این امر کمک کردند. مورخان هنر با استعداد از پیشرفت منقطع او ابراز تاسف کردند ("آوانگارد در فرار متوقف شد"). و همه به نوعی فراموش کردند که این آوانگارد شوروی دهه 1920 بود. نیروی قدرتمندی بود که اولین کسی بود که سنت های کلاسیک هنر روسیه را نابود کرد و با چه فشاری! "چطور جرات کردی که شاعر بشی // و خاکستری کوچولو مثل بلدرچین جیر جیر بزنی؟ // امروز // باید // با بند برنجی // دنیا را در جمجمه برید!" (V. V. Mayakovsky. "A Cloud in Pants"). و "برش"! انقلاب غنی ترین فرصت ها را برای تبلیغ هنری پوچ گرایانه، بدون تاریخ، وطن، بی ریشه فراهم کرد. پساآوانگارد مدرن، با تهاجمی بودن، همان آسیب های آشنای تخریب، و همچنین فقدان عمیق فرهنگ، نیز ثانویه و توتولوژیک است. همه آن (به هر حال، در مورد تمام پست مدرنیسم جهانی صدق می کند) عمداً بر اساس نقل قول ها ساخته شده است - چه در ادبیات، چه در سینما، چه در هنرهای تجسمی. جای تعجب نیست که هنرمندان بزرگ اغلب شکایت می کنند که ما در عصری از پیامبران دروغین، بت های دروغین، بت های دروغین زندگی می کنیم، و امروز یکی "بزرگ" اعلام می شود، فردا - دیگری، پس فردا - سومی. و بهترین چیزی که در پسا آوانگارد وجود دارد، تمسخر و کنایه و گاه تأمل است که برای روشنفکران روسی آشناست.
در عین حال، برای هنر پژوهان روشن است که همه اینها «هنر مفهومی» است و «هنرهای اپ-پاپ-اجتماعی» و «هنرهای» دیگر، از جمله طراحی هنری، با خروج آنها از فیگوراتیویسم به سمت نمادگرایی، بالاخره کلام، اما در اصل، نه کمتر از رئالیسم سوسیالیستی، سیاسی و تحریک آمیز.
در آغاز هزاره سوم، باید اعتراف کنیم که هنر عالی، با طعم بد، نقض حس تناسب، تناسبات، هماهنگی، مغلوب هنر توده‌ای و کیچ به عنوان بیان افراطی آن شد: هیچ عددی وجود ندارد. از نام ها - از خیلی معروف تا اصلاً ناشناخته. و این نه تنها یک پدیده روسی، بلکه یک پدیده جهانی است: پست مدرنیسم به پایان "عصر هنر کلاسیک" گواهی می دهد. آرمان های گذشته همانطور که به درستی گفته می شود مورد تمسخر قرار می گیرند و ایده آل های جدیدی خلق نمی شوند. به همین دلیل است که هر چقدر هم که غم انگیز به نظر برسد، روز به روز روشن تر می شود که قرن بیستم قرن فاجعه فرهنگی است که ریشه های آن را می توان در قرن گذشته مشاهده کرد، زمانی که آگاهی دینی و شیوه سنتی زندگی شروع به فروپاشی کرد و بورژوازیسم تنها در قالب یک شورش و زیبایی‌شناسی بی‌خدا، رذیله و شرارت، اعتراض کرد.
اجازه دهید سخنان موسیقیدان بزرگ قرن گذشته گئورگی سویریدوف (1915-1998) را نقل کنیم: "هنر ما