نمایشگاه هنر گالری ترتیاکوف قرن بیستم. گالری ترتیاکوف در کریمسکی وال

هنر قرن بیستم

زینیدا اوگنیونا سربریاکوا. "پشت توالت. سلف پرتره. 1909

کوزما سرگیویچ پتروف-ودکین (1861-1939). حمام کردن یک اسب قرمز 1912. رنگ روغن روی بوم. 160x186

در سال 1912، نقاشی K. S. Petrov-Vodkin "حمام کردن یک اسب قرمز" در نمایشگاه دنیای هنر ظاهر شد که توسط عموم، هنرمندان و منتقدان به عنوان نشانه ای از تجدید تلقی شد. در اوایل دهه 1910، زمانی که ایده‌های قدیمی درباره هنر در حال منسوخ شدن بودند و پرتاب‌های خشونت‌آمیز در محیط هنری رخ می‌داد، نقاشی «حمام کردن اسب سرخ» برای بسیاری به نظر ایده‌ای بود که می‌توانست کهنه و جدید، «چپ» و «چپ» را با هم آشتی دهد. "راست"، دانشگاهیان و میرسکوسنیکی. هنرمند اثری به یاد ماندنی را "ساخت"، "برنامه نویسی" را به آن بخشید، شکل قابل توجهی را یافت که قادر به بیان محتوایی عمیق و بزرگ باشد. این تصویر به الگویی از یکپارچگی هنری تبدیل شد، تجسم مطلق یک تصمیم هنری، که در آغاز قرن بیستم یک پدیده نادر در نقاشی روسی بود. این به طور ارگانیک انواع سنت ها - نمادهای باستانی روسی و نقاشی های یادبود رنسانس، هنر تزئینی، سبک آرت نوو و شکل پذیری تقریباً کلاسیک را در تفسیر چهره ها ترکیب کرد.

فضای نقاشی به گونه ای سازماندهی شده است که به لطف خط افق بلند، که انگار خارج از خود ترکیب است، بالا می رود و در واقع به سمت بیننده امتداد می یابد و به صفحه واقعی بوم محدود می شود. . در عین حال، عمق از بین نمی رود: بیننده آن را به دلیل کاهش گسترده ارقام طرح دوم احساس می کند.

نویسنده، همانطور که بود، با روش‌های امپرسیونیستی نقاشی، که بسیاری از هنرمندان در آن زمان تحت طلسم آن بودند، بحث می‌کند، از اصل کوبیسم دگرگونی فرم دور می‌ماند، او به آزمایش‌های آینده‌نگر نیز علاقه‌ای ندارد.

یکی دیگر از ویژگی های این تصویر مشخصه کل کار پتروف-ودکین است: علیرغم این واقعیت که طرح کار عمداً روزمره است (حمام کردن اسب)، هیچ داستانی در مورد این رویداد در آن وجود ندارد. و اگرچه طرح کاملاً واضح است، نقاش موفق می شود آن را به تصویر ایده آل برساند. یکی از تکنیک هایی که او به وسیله آن به هدف خود می رسد، تفسیر رنگ است، در درجه اول شخصیت اصلی (اسب قرمز). در عین حال، هیچ "پوستری" با جذابیت عمدی آن وجود ندارد. در عوض، سنت های هنر باستانی روسیه وجود دارد: یک اسب قرمز اغلب روی نمادها یافت می شود (قرمز زیبا است). ترس واضح تصویر، بیان معنویت به عنوان یک حالت عمیقاً درونی، آن را تجسم جهان بینی ملی روسیه می کند. یک اثر سه پایه به دلیل اهمیت درونی، محتوای معنوی و فقدان جزئیات تصادفی، به عنوان یک خلقت یادبود تلقی می شود.

اوگنی اوگنیویچ لانسر (1875-1946). ملکه الیزاوتا پترونا در Tsarskoye Selo 1905. کاغذ روی مقوا، گواش. 43.5x62

لانسر که یک معاصر جوان تر از هنرمندان "دنیای هنر" است، استادانه به زبان مجازی "رویاپردازان گذشته نگر" صحبت می کند، جدا از هم و در عین حال به شکل طعنه آمیزی سبک زندگی قلوه سنگ دربار قرن هجدهم "طلایی" را بازسازی می کند. خروج الیزابت پترونا با همراهانش توسط هنرمند به عنوان نوعی اجرای تئاتر تعبیر می شود که در آن چهره باشکوه ملکه به عنوان ادامه نمای کاخ درک می شود. این ترکیب بر اساس تضاد یک صفوف شکوهمند دربار، شکوه عجیب معماری باروک و پارتر متروکه یک پارک معمولی ساخته شده است. هنرمند مجذوب همپوشانی بین عناصر دکوراسیون معماری و جزئیات توالت است. قطار ملکه شبیه یک پرده تئاتری برافراشته است که در پشت آن بازیگران درباری را که برای اجرای نقش های معمول خود عجله دارند غافلگیر می کنیم. در انبوهی از چهره ها و چهره ها یک "شخصیت پنهان" پنهان شده است - یک جوان آفریقایی که با پشتکار قطار امپراتوری را حمل می کند. یک جزییات کنجکاو از نگاه هنرمند پنهان نماند - یک جعبه دمنوش باز در دستان پر هیاهو جنتلمن مورد علاقه. سوسو زدن الگوها و لکه های رنگی احساس لحظه ای دوباره از گذشته را ایجاد می کند.

کنستانتین آندریویچ سوموف (1869-1939). بانوی آبی پوش 1897–1900. بوم، روغن. 103x103

"بانوی آبی پوش" یک نقاشی پرتره است که هنرمند E. M. Martynova، دوست نزدیک نویسنده و همکلاسی او در آکادمی هنر را به تصویر می کشد. پیش روی ما یک پارک شیک قدیمی و زنی است که لباس مجلل قرن هجدهم با دنیای معنوی پیچیده اش پوشیده است. پرتره گذشته نگر ایجاد شده توسط این هنرمند یک پدیده جدید در هنر روسیه است. جزئیات "عصر شجاع" ترکیب شده در تصویر و ظاهر زیبای بانوی مشتاق عصر نقره در نهایت روح یک دوره پیچیده و بحث برانگیز را منتقل می کند.

ترکیب بندی بر اساس مقایسه پلان ها و راه حل رنگی آنها است. شکل باریک زن کاملاً در قالب مربع بوم قرار می گیرد که به پرتره نماینده خاصی می بخشد. رنگین کمانی رنگ آبی تیره لباس قهرمان، شفافیت سایه‌های آبی رنگ صورت ظریف، شانه‌های شکننده باز را نشان می‌دهد و بر بیان ژست دست‌های زیبا تأکید می‌کند. تمام پلاستیسیته مدل یادآور استادان بزرگ دوران گذشته است. یک پارک قدیمی با یک حوض و یک زوج در حال پخش موسیقی در دوردست به وضوح با حال و هوای شخصی که به تصویر کشیده می شود در تضاد است. این بیشتر یک خاطره پارک است، که در آن زمان همه رنگ‌ها را خاموش کرده است، و برگ‌های بوته، که پس‌زمینه شکل آبی است، رنگ عجیبی «بی‌جان» است (مثلاً شاخ و برگ روی ملیله‌های پژمرده قدیمی) . پیوند بین گذشته و حال در اینجا یک شخصیت مرد است که در قالب آن نویسنده تصویر حدس زده می شود.

در کار سوموف، پرتره E. M. Martynova جایگاه ویژه ای را به خود اختصاص داده است، او دیگر هرگز چیزی معادل "بانوی آبی پوش" از نظر تعالی، شعر و خلوص تصویر، از نظر بیان و بیان مشخصی ایجاد نخواهد کرد. مطلق” تجسم هنری.

ویکتور الپیدیفورویچ بوریسف-موساتوف (1870-1905). برکه 1902-1903. بوم، روغن. 177x216

در نقاشی های بوریسوف-موساتوف، همیشه یک راز هیجان انگیز و غیرقابل توضیح وجود دارد. انگیزه اصلی که هنرمند از طریق آن دنیای پنهان شده در مه رنگ ها را کشف می کند، لانه های نجیب، املاک قدیمی در حال زوال است. ریتم های موزیکال آرام ساخته های بوریسوف-موساتوف بارها و بارها مضامین مورد علاقه او را بازتولید می کند: اینها گوشه های پارک و چهره های زن هستند که به نظر می رسد تصاویری از روح های انسانی سرگردان در قلمرو نیمه واقعی خواب هستند.

نقاشی "مخزن" در پارک املاک پرنسس پروزورووا-گولیسینا زوبریلوکا در شادترین زمان برای هنرمند ایجاد شد: النا ولادیمیروا الکساندرووا موافقت کرد که همسر او شود. این هنرمند توسط خواهرش، النا بوریسوا-موساتوا، و عروس، که تصاویر زنانگی ابدی را مجسم می کرد، ژست گرفته شد.

با وجود این واقعیت که بوم از طبیعت نقاشی شده بود - یک پارک واقعی با یک حوض و زنان واقعی، همه در آن چیزی خارج از این دنیا دیدند. نیمه واقعیت اسرارآمیز و بی زمانی تصویر شاعرانه ترین تجلی بینش نمادین دنیای رویاها شد. این مخزن که طرح‌های آن در واقع یک دایره ایده‌آل بود، توسط هنرمند به‌صورت یک بیضی بزرگ با لبه‌های آن فراتر از بوم کشیده شده است. این شکل هندسی، که موساتوف آنقدر دوستش داشت، با دامن مشابه اما کوچکتر یکی از قهرمانان، که در یک بیضی زیبا گذاشته شده است، منعکس می شود. ترکیب آنها بلافاصله یک ریتم موسیقایی خاص را برای کل اثر تنظیم می کند. ساخت عجیب ترکیب - حذف خط افق از تصویر - یک تکنیک مهم است. با استفاده از آن، نقاش عمداً پلان اول و دوم را به هم نزدیک می کند و بوم را صاف تر می کند. قهرمانان، که در پیش زمینه قرار دارند، زیر حوض هستند و خود سطح آب، آرام و شفاف مانند آسمان، به معنای واقعی کلمه بالای آنها آویزان است. در نتیجه، توهم یک آینه واقعی ایجاد شده، بلند شده و به صورت عمودی قرار می گیرد. از یک منظره معمولی، یک تصویر کاملاً متفاوت متولد می شود، یک واقعیت جدید - که بسیار مشخصه هنرمندان نمادگرا بود.

فیلیپ آندریویچ مالیوین (1869-1940). Whirlwind 1906. رنگ روغن روی بوم. 223x410

در کار خود ، این هنرمند به روش خود به موضوع عامیانه سنتی برای نقاشی روسی نزدیک شد و بر اصل عنصری قدرتمند در تصاویر زنانه تأکید کرد و به آنها ماندگاری داد. نقاشی جسورانه مالایوین، با پس‌زمینه‌های مشروط، فیگورهای بزرگ، فضای کم‌عمق و رنگ‌های غیرعادی پر صدا، به‌طور تاکیدی تزئینی است. با این حال، در آغاز قرن بیستم، معاصران آن را نوعی چالش می دانستند.

در نقاشی "گردباد"، زنان دهقان در رقصی مانند "قهرمانان افسانه ای حماسه های قدیمی روسیه" پراکنده می شوند. آنها در رقص گرد خود عناصر طبیعت را درگیر می کنند. لباس‌های بالنده جریان‌های خود به خودی از ضربه‌های رنگارنگ را تشکیل می‌دهند که یادآور جرقه‌های داغ شعله، یا جت‌های سرد آب، یا نفس سوزان باد، یا چمنزارهای پوشیده از گل هستند. حرکات آزاد قلم مو، مطابق با ریتم رقص گردباد، پویایی خاصی به تصویر می بخشد. I. E. Grabar به Malyavin توصیه کرد که با رنگ های خاص و با خشک شدن طولانی نقاشی کند. در نتیجه، نقاشی شروع به شبیه شدن به گدازه آتشفشانی کرد، اثر نوعی موزاییک متحرک ظاهر شد. فرم ها و رنگ ها روی یکدیگر شناور می شوند و تنش درونی ایجاد می کنند. این بیانگر بودن تصویر را افزایش می دهد که در تقاطع گرایش های مختلف سبک - امپرسیونیسم و ​​مدرنیته ساخته شده است. این اثر در اولین انقلاب روسیه خلق شد. در طرح آن، در رنگ‌آمیزی سرخ فروزان، می‌توان هم‌زمان امید به تولدی دوباره روحانی و هم پیش‌بینی نیروهای ویرانگر بی‌سابقه را دید.

الکساندر نیکولاویچ بنویس (1870-1960). Walk of the King 1906. کاغذ روی بوم، آبرنگ، گواش، رنگ برنز، رنگ نقره ای، مداد گرافیت، خودکار، قلم مو. 48x62

نام A. N. Benois با ظهور انجمن "دنیای هنر" در سال 1898 مرتبط است که یکی از بنیانگذاران و رهبر ایدئولوژیکی آن بود. بنوا یک هنرمند، نظریه پرداز و منتقد هنر بود، او تک نگاری ها و مطالعات بسیاری را در مورد استادان فردی نقاشی و به طور کلی تاریخ هنر نوشت. کار هنرمند Benois عمدتاً به دو موضوع اختصاص دارد: "فرانسه عصر "پادشاه خورشید" و "پترزبورگ قرن 18 - اوایل قرن 19" که در نوع خاصی از نقاشی تاریخی تجسم یافتند و یک نقاشی را ایجاد کردند. نگاهی «به گذشته نگر» ویژه به گذشته. این هنرمند در نقاشی‌های تاریخی و آثار منظره‌ای که از طبیعت در سنت پترزبورگ و کاخ‌های اطراف آن و همچنین در فرانسه، در ورسای، که اغلب و برای مدت طولانی از آنجا بازدید می‌کرد، به این موضوعات روی آورد.

نویسنده در توصیف پیاده‌روی‌های پادشاه، هیچ چیز را نادیده نمی‌گیرد: نه مناظر پارک با معماری باغ (آنها از زندگی نقاشی شده‌اند)، نه نمایش‌های تئاتری، که در دوران باستان بسیار شیک بودند، و نه صحنه‌های روزمره که پس از مطالعه کامل مطالب تاریخی کشیده شده‌اند. King's Walk اثری بسیار تاثیرگذار است. بیننده با لویی چهاردهم ملاقات می کند و در اطراف زاده فکری او قدم می زند. در ورسای پاییز است: درختان و درختچه ها برگ های خود را ریخته اند، شاخه های برهنه آنها در آسمان خاکستری تنها به نظر می رسند. آب آرام است. به نظر می رسد که هیچ چیز نمی تواند حوض آرامی را که در آینه آن هم گروه مجسمه سازی فواره و هم صف آرایی زیبای پادشاه و همراهانش منعکس شده است، بر هم بزند.

بنوا با تأمل در زمان لویی چهاردهم نوشت: «من کیش شخصیت خاصی از لویی کاتورز نداشتم... اما خستگی پیری دوران، شروع کاهش ذائقه، که جایگزین غرور جوانی، بی احتیاطی و حس زیبایی باشکوه، ناگهان این دنیا را دنیای من کرد.»

ایگور امانویلوویچ گرابار (1871-1960). گل داودی 1905. بوم، تمپر، پاستل. 98x98

I. E. Grabar یک شخصیت جهانی در فرهنگ هنری روسیه است: یک هنرمند، مورخ هنر، معلم، مرمتگر، موزه و چهره عمومی. از سال 1913 تا 1925 او مدیر گالری ترتیاکوف بود، او نمایشگاه جدیدی را در موزه ایجاد کرد که بر اساس علمی و با مفهومی دقیق اندیشیده شده بود، که به نوعی الگویی برای نمایش مجدد موزه های بعدی شد.

گرابار با استفاده فعالانه از تکنیک های تقسیم گرایی - استفاده جداگانه از رنگ ها روی بوم، جستجوی استادان فرانسوی را پذیرفت. «گل داودی» دیدنی ترین طبیعت بی جان این هنرمند است. دسته گل های سرسبز در اتاقی با نور مناسب ارائه می شود، گویی در هوای آزاد. فضا مملو از هوا است که در آن گرمای نور خورشید بیرون پنجره ها با خنکی فضای داخلی ترکیب می شود. سطح زیبا از ضربات تسکین کسری تشکیل شده است که ارتعاش محیط نور و هوا را منتقل می کند. رنگ به رنگ‌های گرم و سرد تجزیه می‌شود، از این رو رنگ مایل به سبز داوودی زرد، بازی درجه‌بندی‌های زرد و آبی، صورتی و سبز روی سطح سفره، درخشش مرواریدی گلدان است. سوسو زدن ضربات رنگارنگ، جلوه‌ای از فضای متحرک و متغیری را ایجاد می‌کند که رفلکس‌های رنگی را جذب کرده و اشیاء اتاق را در بر می‌گیرد. با این حال، این تکنیک به هنرمند اجازه می دهد تا بافت اشیاء را با دقت قابل لمس منتقل کند: شفافیت شیشه، ظروف گرانبهای چینی، سفیدی خیره کننده یک سفره نشاسته ای، لطافت و مخملی بودن گل های داوودی.

سرگئی تیموفیویچ کوننکوف (1874-1971). نایک 1906. سنگ مرمر. 32x19x12

S. T. Konenkov هنرمندی است که عمق و خرد کلیات تصویری گسترده، شجاعت، تجلیل از زیبایی انسان و انگیزه های نجیب او، میل او به آزادی، بر آثار او غالب است. سر مرمر "نایک" یکی از بهترین آثار کوننکوف است. ایده های بزرگ آن زمان، نماد وقایع مهم، استاد توانست در آثاری با هر ژانر و اندازه ای بیان کند. بنابراین، "Nike" با اندازه کوچک با الهام تابناک خود تسخیر می شود. ایده پیروزی توسط مجسمه ساز در تصویر یک دختر بسیار جوان با ویژگی های برجسته ملی روسیه تجسم یافته است. مدل مجسمه ساز کارمند کارخانه Trekhgornaya بود. تصویر نایک، بدون از دست دادن شخصیت پرتره خود، به تجسمی شاعرانه از شادی، پرواز، فنا ناپذیری تبدیل شد. این بازاندیشی شگفت انگیز و واقعا شاعرانه در مورد طبیعت یکی از قوی ترین ویژگی های کار کننکوف است.

بسیاری از بهترین آثار استاد از سنگ مرمر ساخته شده است. اغلب اینها آثاری هستند که به قول مجسمه ساز، "شکل های زیبای انسانی بهترین ویژگی های شخصیت یک فرد را در بر می گیرند"

ناتالیا سرگیونا گونچاروا (1881-1962). سلف پرتره با نیلوفرهای زرد 1907. رنگ روغن روی بوم. 58.2x77

N. S. Goncharova، یکی از اولین "آمازون های آوانگارد"، یک هنرمند زن از یک شکل گیری جدید، در کارگاه مسکو خود یک پرتره از خود کشید، آثار او در دوره امپرسیونیستی در فضای داخلی ارائه شده است. بوم رسا نوشته شده است، ضربات سریع یادآور نقاشی ون گوگ است. تصویر روشن و غنایی است ، گلها به آن شعر خاصی می بخشند - دسته گل نیلوفر که گونچاروف را به خود فشار می دهد. همچنین به عنوان یک لهجه رنگی عمل می کند و در پس زمینه عمومی بوم به عنوان یک نقطه قرمز روشن برجسته می شود.

میخائیل فدوروویچ لاریونوف (1881-1964). بهار. The Seasons (New Primitive) 1912. رنگ روغن روی بوم. 118x142

رهبر جنبش آوانگارد روسیه در اواخر دهه 1900 - اوایل دهه 1910 ، M.F. Larionov به خلاقیت صمیمانه ، ساده لوحانه و در نگاه اول بیهوده کودکان اهمیت زیادی می داد ، زیرا همیشه مستقیم است و از اعماق آگاهی کودک می آید. این هنرمند با تقلید از نقاشی یک کودک ساده لوح تلاش کرد تا آثاری به همان اندازه صمیمانه و خودجوش خلق کند. لاریونوف با نگاهی به جهان از چشم یک کودک، چرخه ای از نقاشی های "فصول" را نوشت که در آن هر فصل تصویری ساده از یک چهره زن را در بر می گیرد و در کنار آن توضیحی را دنبال می کند که عمداً شلخته نوشته شده است. با این حال، تجسم این طرح معلوم شد که عمیق نیست.

بهار توسط فرشتگان بالدار دست و پا چلفتی احاطه شده است، پرنده ای بهاری شاخه ای با جوانه های شکوفه برای او می آورد. در نزدیکی سمت راست، که توسط یک نوار عمودی حصار شده است، همان درختی رشد می کند که می توان آن را به عنوان درخت دانش کتاب مقدس تفسیر کرد. در سمت راست "رجستر" پایین تصویر، نمایه های مرد و زن، در دو طرف رو به درخت دانش به تصویر کشیده شده است - تصاویری از آدم و حوا بدوی که ظاهراً بیداری احساسات لطیف را تجربه می کنند، درست همانطور که خود طبیعت بیدار می شود. و شاید قبلاً طعم میوه ممنوعه را چشیده باشید. در همان فضا، کاملاً زیر، داستان کتاب مقدس دیگری حدس می‌زند - «اخراج از بهشت». در قسمت سمت چپ همان «رجیستر» پایین، توصیف ساده‌لوحانه‌ای از بهار آمده است، گویی توسط یک کودک ساخته شده است: «بهار روشن است، زیبا. با رنگ‌های روشن، با ابرهای سفید» که در آن اما، حیله گری خاصی از هنرمند احساس می‌شود. از این گذشته، تصادفی نیست که در عنوان فرعی عنوان، «New Primitive» را می خوانیم و از نظر ذهنی با «... در یک موضوع ابدی» پایان می دهیم.

الکساندر یاکولوویچ گولووین (1863-1930). پرتره F. I. Chaliapin در نقش هولوفرنس 1908. بوم، تمپر، پاستل. 163.5x212

«پرتره F. I. Chaliapin در نقش هولوفرنس» یکی از بهترین آثار هنرمند و طراح صحنه A. Ya. Golovin است. این میزانسن از اپرای A. N. Serov یعنی Judith بازتولید شد. Chaliapin-Holofernes روی یک تخت مجلل در یک چادر مبله باشکوه دراز کشیده است، فنجانی را در دست راست خود گرفته و با یک حرکت متکبرانه با دست چپ به جلو اشاره می کند. ترکیب بندی بوم بر اساس قوانین نقاشی سه پایه ساخته شده است و کوتاه سازی مدل و نورپردازی دلخواه اشیا به اثر خصلت نقاشی دیواری می دهد. شکل شالیاپین در نقش فرمانده آشوری تقریباً با پس زمینه ادغام می شود که آن را شبیه به نوعی نقش تزئینی می کند. بوم با حرکت موج مانند نفوذ کرده است، که موتیف پلاستیکی اصلی بیانگر ماهیت راه حل موسیقایی به تصویر یک فرمانده شرقی است. صدای رنگی کار فوق العاده غنی است. به نظر می رسد در این پرتره تئاتری گولووین، رنگ بسیار روشن لباس و روسری این هنرمند بر زیبایی صدای خواننده بزرگ روسی تأکید دارد.

کنستانتین آلکسیویچ کورووین (1861-1939). Roses and Violets 1912. رنگ روغن روی بوم. 73.2x92

شکل گیری امپرسیونیسم در نقاشی روسی با نام K. A. Korovin مرتبط است. در دهه 1910، کورووین به طبیعت های بی جان علاقه مند شد، که جست و جوهای نوآورانه او در زمینه مناظر تئاتر را تجسم بخشید. او اغلب گل های رز را نقاشی می کرد - مجلل و ظریف، نمادهای شور و لذت از بودن. هنرمند با حرکاتی گسترده، از هر گل «پرتره» می‌سازد و گل‌های رز او روی بوم شکوفه می‌دهند و با طراوت محو رنگ‌ها چشمگیر هستند.

طبیعت بی جان با گل رز، دسته گل کوچک بنفشه بنفش، نارنجی قرمز، کاسه قند و قهوه جوش در پس زمینه پنجره ای باز مشرف به بلوار شامگاهی پاریس به تصویر کشیده شده است. خیابان توسط نور سوسو زننده فانوس ها به سوسوی شبح مانند چراغ ها تبدیل می شود. طبیعت بی جان از داخل اتاق روشن می شود و به طور غیر طبیعی روشن به نظر می رسد. به نظر می رسد نور یک بازی جادویی از دگرگونی واقعیت را ایجاد می کند.

نیکولای پتروویچ کریموف (1884-1958). منظره مسکو رنگین کمان 1908. رنگ روغن روی بوم. 59x69

قبلاً اولین نقاشی های نیکولای کریموف جوان نشان داد که یک شهرنشین وارد نقاشی منظره روسی شده است که می تواند زیبایی های جهان را در میان خانه های شهر و سقف های رنگارنگ ببیند و زندگی مخفیانه طبیعت را در میان شلوغی و سر و صدا شهر احساس کند. . بوم "منظره مسکو. رنگین کمان" جایگاه ویژه ای در کار کریموف دارد. این بینش نمادین جهان و جستجوهای امپرسیونیستی هنرمند را ترکیب می کند: رنگین کمان به معنای واقعی کلمه به رنگ ها تجزیه می شود و خود منظره به عنوان یک کل مطابقت عرفانی جهان آسمانی و زمینی در چشم نمادگرا است.

تصویر جهان شکننده و اسباب بازی به نظر می رسد، گویی از چشم یک کودک دیده می شود. رنگین کمان فضا را تحت الشعاع قرار می‌دهد، تکه‌هایش روی سقف‌ها می‌لغزند، در پنجره‌ها می‌درخشند. یک کودک با یک صفحه گردان در دستان خود در امتداد مسیر میدان می دود - یک اسباب بازی "نمونه اولیه" رنگین کمان. در این دنیای پر رنگ، نویسنده حروف اول خود را روی تابلوی مغازه پنهان کرده است.

این تصویر نمادی از پیروزی دنیای دگرگون شده است، جایی که نور رنگین کمان به تمام ذرات وجود نفوذ می کند. شیوه زیبای کریموف به درخشش سطح کمک می کند. ضربه های برجسته، اثر لعاب مایولیکا گرانبها و رنگین کمانی را بر روی سطح بوم ایجاد می کند.

پاول وارفولومیویچ کوزنتسوف (1878-1968). عصر در استپ 1912. رنگ روغن روی بوم. 96.7x105.1

یکی از استادان برجسته گل رز آبی، پی وی کوزنتسوف، در سالهای 1912-1913 به آسیای مرکزی سفر کرد و خاطرات زندگی مردمان شرقی و آثاری را که بسیاری از چیزهایی را که دیده بود به یاد آورد. این هنرمند در نقاشی "عصر در استپ" صحنه ای از زندگی عشایر قرقیزستان را به تصویر کشید. زنان به امور روزمره مشغولند، گوسفندان آرام می چرند، آرامش و سکوت بر اطراف جاری شده است.

طبیعت آرام و انسان در وحدتی هماهنگ هستند. هیچ جزئیات اضافی در ترکیب وجود ندارد: فقط زمین، آسمان، درختان نازک، چندین گوسفند و دو مجسمه زن، پوشیده از نور ملایم. در اینجا هیچ ویژگی توپوگرافی یا قومی خاصی وجود ندارد که به همین دلیل مرزهای تصویر شده در مقیاس جهانی از هم جدا می شود. فضا در حال نزدیک شدن به مرسوم شدن است، به نظر می رسد ضربات پهن سبک آرامش و تنفس آن را منتقل می کند.

واسیلی واسیلیویچ کاندینسکی (1866-1944). بداهه 7 1910. روغن روی بوم. 97x131

وی وی کاندینسکی را یکی از بنیانگذاران نقاشی انتزاعی می دانند. او مسیر هنر جدید را در میل به انتقال محتوای درونی اشکال بیرونی جهان و در نتیجه رد نمایش واقع گرایانه آن می دید. هنرمند در کار خود به دنبال انتقال احساسات شخصی نه با کمک اشکال عینی (از طریق این یا آن طرح)، بلکه فقط با ابزارهای تصویری بود. بنابراین، به عنوان مثال، او به جای ژانرهای معمول هنر فیگوراتیو، از ایمپرسیون، بداهه و ترکیب استفاده کرد.

بداهه بیان فرآیندهایی با ماهیت درونی است که به طور ناگهانی و عمدتاً ناخودآگاه رخ می دهد. «بداهه 7» یکی از آثار اولیه کاندینسکی است. جهان عینی در اینجا در حرکت هواپیماها و خطوط حل می شود، که به طور پیچیده در رنگ ها هماهنگ هستند.

کازیمیر سورینوویچ مالویچ (1878-1935). پرتره هنرمند M. V. Matyushin 1913. رنگ روغن روی بوم. 106.5x106.7

تا سال 1913، یک جهت هنری در میان آینده پژوهان روسی ظاهر شد - مکعب آینده نگری. سازندگان آن به دنبال ترکیب ایده های آینده نگری و کوبیسم بودند. وظیفه اصلی آینده پژوهی انتقال حس حرکت است.

مالویچ پرتره ماتیوشین را از سطوح مختلف هندسی ساخته که در نگاه اول او را با سبک آثار کوبیست پیکاسو و براک مرتبط می کند. اما یک تفاوت قابل توجه نیز وجود دارد: بنیانگذاران کوبیسم عمدتاً به رنگ تک رنگ نقاشی می کردند ، در حالی که مالویچ به طور فعال از رنگ های غنی استفاده می کند. یکی دیگر از ویژگی های تصویر: با وجود تمام انتزاعی بودن، جزئیات واقعی روی بوم پراکنده شده است. بنابراین، به عنوان مثال، طبق شهادت افرادی که او را می‌شناختند، بخشی از پیشانی با موهایی که به صورت مستقیم شانه شده است، دقیقاً مدل موهای ماتیوشین را تکرار می‌کند. این شاید تنها جزئیاتی باشد که نشان می دهد پرتره ای در مقابل خود داریم. ماتیوشین نه تنها یک هنرمند، بلکه آهنگساز نیز بود، بنابراین به راحتی می توان حدس زد که خط مستطیل های سفید که تصویر را به صورت مورب تقسیم می کند یک صفحه کلید پیانو است (و بدون کلیدهای سیاه - اشاره ای به اصالت سیستم موسیقی میخائیل واسیلیویچ ماتیوشین).

استانیسلاو یولیانوویچ ژوکوفسکی (1875-1944). مه شادی 1912. رنگ روغن روی بوم. 95.3x131.2

اس یو. سبک. این اثر سنت های نقاشی داخلی دوران رمانتیسم، به ویژه مکتب A.G. Venetsianov را ادامه می دهد. فضای داخلی پر از خورشید تحت تأثیر امپرسیونیسم نقاشی شده است که نسخه روسی آن با نت غنایی مشخص می شود.

دیوارهای چوبی قدیمی، صندلی‌های امپراتوری با روکش‌های آبی رنگ که در امتداد آنها بین دهانه‌های پنجره‌ها قرار گرفته‌اند و پرتره‌های ساکنان این خانه که مدت‌هاست مرده‌اند، می‌تواند چیزهای زیادی را بگوید. فضای داخلی با انگیزه ای از نوستالژی عمیق پر شده است. اینجا همه چیز از گذشته نفس می کشد، اما نور شادی که در ماه می در همه جا پخش می شود، نت های جزئی را خفه می کند و کم کم این فضای داخلی را زنده می کند. گل های آبی روی طاقچه روشن - به عنوان نمادی از تجدید که به خانه قدیمی آمده است که مشخصه همه طبیعت است.

بوریس میخائیلوویچ کوستودیف (1878-1927). Maslenitsa 1916. Tempera روی بوم. 61x123

بوم های نقاش، گرافیست و هنرمند تئاتر B. M. Kustodiev با موضوع جشن ها و تعطیلات زمستانی مملو از شادی و سرگرمی است. در میان آنها، مکان مرکزی متعلق به تصویر Maslenitsa روسی با اسب سواری، مشت و غرفه است. این تعطیلات برای هنرمند مانند یک کارناوال است که در آن همه چیز تزئینی و زیبا است: مردمی که لباس های پر رنگی با شال های رنگارنگ و کت های خز به تن دارند در اطراف راه می روند. اسب های عجله، تزئین شده با روبان، زنگ و گل های کاغذی؛ و حتی خود طبیعت به نظر می رسید بهترین لباس هایش را می پوشید.

در نقاشی‌های متعدد خود که به ماسلنیتسا و جشن‌های دیگر اختصاص داشت، برای کوستودیف مهم بود که بر گردباد سرگیجه‌آور احساسات تأکید کند. شاید به همین دلیل است که انگیزه اصلی حرکت در آنها همیشه به یک سه گانه مسابقه ای غیرقابل کنترل تبدیل شده است. پویایی این آثار بر اساس تکنیک های ترکیب بندی هنر نمایشی و تزئینی است: بازی متضاد نور و سایه، استفاده از «پشت صحنه». این بوم ها از نظر رنگ و ترکیب آنقدر تزئینی هستند که شبیه جعبه های نقاشی شده عجیب و غریب هستند. شگفت‌انگیزتر این واقعیت است که بیشتر آثار استاد از حافظه نوشته شده‌اند و تصاویری تعمیم‌یافته از روسیه را به عنوان یک کل نشان می‌دهند. قهرمانان آنها از هر چیز منفی پاک می شوند: آنها مهربان، شاعرانه، پر از وقار و زندگی هستند و به قوانین و سنت ها احترام می گذارند. و این احساس غیرارادی وجود دارد که راه دنیای مردسالار ناگزیر در حال عقب نشینی به گذشته است.

رابرت رافایلوویچ فالک (1886-1958). مبلمان قرمز 1920. رنگ روغن روی بوم. 105x123

R. R. Falk یک نقاش، نقشه‌کش، هنرمند تئاتر، عضو انجمن‌هایی مانند World of Art، Jack of Diamonds و بعدها OMX و AHRR بود. بوم های این هنرمند با حجم فرم کاملاً منتقل شده متمایز می شوند. در برخی از آثار، استاد تغییر شکل شدیدی را معرفی کرد که به او اجازه می داد بر تنش داخلی در تصویر تأکید کند.

در نقاشی "مبلمان قرمز" نیز می توان به این نکته اشاره کرد: علیرغم اینکه هیچ شخصیتی در آن وجود ندارد، تغییرات در فرم ها و بیان رنگ به قدری از احساسات اشباع شده است که بیننده بی اختیار احساس پیشگویی آزاردهنده ای دارد. این تصور با شیوه‌ی خلق‌وخوی و حتی «هیجان‌انگیز» نقاشی تقویت می‌شود، که بر شدت ریتم تشکیل‌شده توسط اشیاء واقع در اتاق و سایه‌هایی که از آنها می‌افتد تأکید می‌کند. صندلی هایی با پشتی بلند و یک مبل با روکش های قرمز "لباس" شده اند. آنها اشکال واقعی مبلمان را پنهان می کنند و به آن یک طرح مبهم می دهند. در مرکز ترکیب جدولی است که در سطح آن نوعی نبرد در جریان است: رنگ های سیاه و سفید با هم برخورد می کنند - به عنوان تصویری از مخالف مطلق و در عین حال وحدت ابدی جهان.

دیوید پتروویچ اشترنبرگ (1881-1948). Aniska 1926. رنگ روغن روی بوم. 125x197

D. P. Shterenberg یکی از سازمان دهندگان و اعضای فعال انجمن هنرمندان Easel بود. آثار استاد با وضوح بیان تصاویر، ترکیب لاکونیک، تعمیم و وضوح نقاشی، ساخت عمدی مسطح فضا مشخص می شود.

با این حال ، قهرمان این هنرمند یک ورزشکار شاد و راضی نیست، بلکه یک دختر دهقانی است که خاطره قحطی دهه 1920 در ذهن او برای همیشه حفظ می شود. او نزدیک میز ایستاده است، روی آن بشقاب با پوسته نان سیاه است. جدول کاملاً خالی است، یک میدان خالی است که فقط یک شیء-نماد دارد - نان. اشترنبرگ از بازتولید جزئیات با واقعیت امتناع می ورزد و فضایی متعارف و توهمی آبی-قهوه ای را ایجاد می کند.

اشترنبرگ با ابزارهای رنگ و ترکیب کم، اما دقیقا تنظیم شده، تراژدی دوران را بازسازی می کند.

سرگئی آلکسیویچ لوچیشکین (1902-1989). بالون پرواز کرد 1926. روغن روی بوم. 69x106

S. A. Luchishkin - هنرمند شوروی که به "موج دوم" آوانگارد روسیه پس از انقلاب پیوست و در تعدادی از رادیکال ترین آزمایش های هنری دهه 1920 شرکت کرد. بازی صحنه، به طور معمول، محتوای بسیار دراماتیک بهترین چیزهای سه پایه استاد را متمایز می کند.

تصویری از واقعیت که نویسنده در فیلم "بالون پرواز کرد" در تضاد با هنر رسمی شوروی در دهه 1920 است. این هنرمند خانه‌های بلند را به تصویر می‌کشید که گویی فضای بین آنها را محکم می‌کرد. در یک حیاط خالی، در پس زمینه، محصور در حصار، یک دختر بچه است. او به توپی که در فضای خالی بی پایان پرواز می کند نگاه می کند. پنجره ها صحنه هایی از زندگی روزمره ساکنان ساختمان های بلند را نشان می دهد. این هنرمند آینده شاد روشن مردم شوروی را نشان نمی دهد، بلکه از زندگی واقعی و به دور از زندگی روزمره عاشقانه می گوید. نشانه های غم انگیز از طریق ساده لوحی ظاهری نشان می دهد: مجسمه آویزان یک خودکشی در گوشه معروف ترین بوم استاد.

مارک زاخارویچ شاگال (1887-1985). بالای شهر 1914–1918. بوم، روغن. 141x197

توانایی ترکیب بالا با معمولی، کیفیت فردی کار M. Z. Chagall، یکی از مشهورترین نمایندگان آوانگارد هنری قرن بیستم است. نقاشی "بالاتر از شهر" دو عاشق را به تصویر می کشد - هنرمند و معشوقش بلا که بر فراز ویتبسک به راحتی، برازنده و به طور طبیعی اوج می گیرند، گویی فقط در مسیرهای پارک قدم می زنند. دوست داشتن، شاد بودن و پرواز بر فراز یک شهر روزمره به همان اندازه طبیعی است که یکدیگر را در آغوش بگیریم - چنین ایده ای توسط قهرمانان تأیید شده است.

این نقاشی از شاگال سرنوشت عجیبی را رقم زد. این که دارایی گالری دولتی ترتیاکوف است، شاید به محبوب ترین اثر این هنرمند در فضای پس از شوروی تبدیل شده است. دلیل این امر تا حد زیادی در دسترس بودن آن برای تماشا بود، برخلاف آثار شاگال، که به طور قابل اعتمادی توسط یک پرده آهنی از چشمان کنجکاو پنهان بودند. با فرو رفتن در دنیای خانه‌های کوچک و حصارهای چروکیده، که استاد با دقت آن را نوشته است، شروع به این می‌کنید که فکر می‌کنید به ویتبسک دوران جوانی شاگال رسیدید - شهری که متأسفانه دیگر وجود ندارد. حصارها و سقف‌ها، کلبه‌های چوبی و نرده‌ها و هر چیزی که بیشتر در پشت آن‌ها باز می‌شد، مرا خوشحال می‌کرد. دقیقاً چه چیزی - می توانید در نقاشی من "بالاتر از شهر" ببینید. و من می توانم بگویم. زنجیره ای از خانه ها و غرفه ها، پنجره ها، دروازه ها، مرغ ها، یک کارخانه تخته شده، یک کلیسا، یک تپه آرام (یک گورستان متروک). همه چیز در یک نگاه است، اگر از پنجره اتاق زیر شیروانی که روی زمین نشسته نگاه کنید، "این نقل قولی از زندگینامه "زندگی من" است که شاگال پس از ترک روسیه نوشت.

مارتیروس سرگیویچ ساریان (1880-1972). کوه ها. ارمنستان 1923. رنگ روغن روی بوم. 66x68

M. S. Saryan بزرگترین استاد نقاشی ارمنی قرن بیستم است که سنت های نمادگرایی را ادامه داد. در تابلوی «کوه‌ها. ارمنستان» تصویری جمعی از ارمنستان ارائه می‌کند، و نه تصاویر خاصی از مکان‌های جداگانه. این آثار با درخشندگی و احساسی بودن خود به آثار پیش از انقلاب ساریان نزدیک هستند و تنها در یادبودگرایی بیشتر با دومی تفاوت دارند. این هنرمند با سفر تقریباً چهار دهه به تمام مکان های قابل توجه ارمنستان و کار زیاد در طبیعت، مناظر بسیار متنوعی را خلق کرد. در اواخر دهه 1920 روش کار ساریان در زمینه منظر تغییر کرد. او به‌جای رنگ‌های تمپرا که سریع خشک می‌شوند، با رنگ‌های روغنی کار می‌کند که این امکان را فراهم می‌کند که مناظر را مستقیماً از طبیعت و نه از حافظه مانند قبل نقاشی کنید.

پیوتر پتروویچ کنچالوفسکی (1867-1956). پرتره V. E. Meyerhold 1938. رنگ روغن روی بوم. 211x233

در دوره سرکوب جمعی، اندکی قبل از دستگیری و مرگ میرهولد، P. P. Konchalovsky پرتره ای از این شخصیت برجسته تئاتر خلق کرد. برای کارگردان اصلاح طلب وسوولود امیلیویچ میرهولد، سال 1938 به طرز چشمگیری آغاز شد: در 7 ژانویه، کمیته هنرها قطعنامه ای را در مورد انحلال تئاتر دولتی مایرهولد (GOSTIM) تصویب کرد.

هنرمند برای تأکید بر تضاد فرد با واقعیت پیرامون، ضمن ایجاد پرتره ای از کارگردان، از راه حل ترکیبی پیچیده ای استفاده کرد. در نگاه اول به نظر می رسد که این بوم رویاپردازی را به تصویر می کشد که رویاهایش در نقش های رنگی تجسم یافته است که تمام دیوار و مبل را تا زمین می پوشاند. اما، با نگاه دقیق تر، می توان بی تفاوتی دردناک مدل، جدا شدن از دنیای بیرون را حدس زد. کنچالوفسکی از طریق کنار هم قرار دادن فرشی درخشان، پوشیده از زیورآلات متراکم، و چهره تک رنگ کارگردان، که به طرز وهم‌آمیزی در منحنی‌های عجیب و غریب نقش‌ها فشرده شده و درگیر شده است، تنش عاطفی خاصی ایجاد می‌کند که محتوای تصویر را آشکار می‌کند. .

ایلیا ایوانوویچ ماشکوف (1881-1944). غذای مسکو 1924. روغن روی بوم. 129x145

یکی از بنیانگذاران انجمن هنری جک الماس، I. I. Mashkov، در مورد نقاشی خود چنین صحبت کرد: "می خواستم ثابت کنم که هنر نقاشی شوروی ما باید با زمان ما هماهنگ باشد و برای هر کارگر قابل درک، متقاعد کننده و قابل درک است. . من می خواستم در این طرح بی عارضه هنر واقع گرایانه را نشان دهم. طبیعت بی جان «خلبی» نانوایی معمولی ما در زمان خود مسکو است... و ترکیب آن، به قولی، بی دقت، دست و پا چلفتی است، اما مال ما، مسکو، محلی، و نه پاریسی... خلبی مادر ما روسیه است... بومی، نان، ارکستر، ارگ، کر.» با این حال، این هنرمند ناصادق است، او نمی گوید که زندگی بی جان خود را از حفظ نقاشی کرده است.

بلافاصله پس از ظهور این اثر در نمایشگاه، به عنوان یک نقاشی کلاسیک شوروی شناخته شد. انتقاد رسمی شوروی به مطابقت طبیعت بی جان با وظایف نقاشی رئالیسم سوسیالیستی اشاره کرد: در واقع، گرسنگی در کشور وجود دارد، اما در هنر فراوانی شگفت انگیز وجود دارد! با این وجود، این اثر یک هدیه تصویری برجسته از هنرمند را نشان داد: یک ترکیب پویا، غنای رنگ - همه این ویژگی ها در هنرمندان "جک الماس" ذاتی بود.

ورا ایگناتیونا موخینا (1889-1953). جولیا 1925. درخت. قد 180

مجسمه استاد برجسته قرن بیستم V. I. Mukhina در سال 2006 برای مجموعه گالری دولتی ترتیاکوف به دست آمد. این اثر قبلاً در نمایشگاه دائمی موزه در کریمسکی وال ارائه شده است. نام اثر با نام بالرین پودگورسکایا که مدل بود مرتبط است. نویسنده یک مفهوم هنری پیچیده را در شکلی که در یک حرکت مارپیچ ارائه شده است مجسم کرده است. این یک نمونه نادر از مجسمه های چوبی است که اصالت صنایع دستی را حفظ کرده است. A. V. Bakushinsky مورخ هنر روسی آن را "مجسمه ای واقعا گرد" نامید.

ورا ایگناتیونا به این کار بسیار علاقه داشت و تا آخرین روزها آن را در استودیو خود نگهداری می کرد. در سال 1989، مجسمه "جولیا" در نمایشگاه شخصی V.I. Mukhina قرار گرفت، که در دیوارهای گالری برای صدمین سالگرد او ترتیب داده شد. بعدها، شاهکار پلاستیکی در خانواده پسرش V. A. Zamkov بود که پس از مرگ او وصیت کرد که کار را به مجموعه گالری دولتی ترتیاکوف منتقل کند.

سارا دیمیتریونا لبدوا (1892-1967). دختری با پروانه 1936. برنز. قد 215

"دختری با یک پروانه" ریخته گری برنزی از یک مجسمه باغبانی چشم انداز است که برای تزئین پارک مرکزی فرهنگ و اوقات فراغت مسکو طراحی شده است (نسخه سیمانی حفظ نشده در پارک وجود داشت). شکل پذیری مجسمه حرکت محتاطانه دختری را نشان می دهد که سعی می کند پروانه ای را که روی دستش فرود آمده نترساند. سارا لبدوا، مجسمه‌ساز و هنرمند، در این اثر، مانند تمام کارهایش، به عنوان یک روان‌شناس ظریف ظاهر می‌شود که به وضعیت عاطفی مدل خود توجه می‌کند و سعی می‌کند «لحظه را متوقف کند» و پروانه را حفظ کند.

نیکولای کنستانتینوویچ ایستومین (1886 (1887) -1942). دانشگاه ها 1933. رنگ روغن روی بوم. 125.5x141.5

ایستومین که در مونیخ تحصیلات هنری دریافت کرد، عضو انجمن های ماکوتس و چهار هنر بود، پس از انحلال آنها در اوایل دهه 1930، به انجمن هنرمندان روسیه انقلابی پیوست. در نقاشی "دانشگاه ها"، هنرمند به موضوع جوانی، آینده سازان سوسیالیسم می پردازد که مربوط به هنر دوران استالین بود. اما تصمیم این اثر، هم از نظر نقاشی و هم از نظر محتوایی، شباهت چندانی با خوش بینی پوستر نقاشی های موضوعی آن سال ها ندارد. این تکنیک های نقاشی مشخصه ایستومین را نشان می دهد که در دوره اولیه خلاقیت تحت تأثیر فوویسم توسعه یافت.

یک اتاق دنج با یک پنجره مربع بزرگ در یک دیوار سبز تیره، پشت آن یک مروارید صورتی (بر خلاف رنگ عمیق و قوی داخل) شهری زمستانی است. در برابر نور - سیلوئت های برازنده دو دختر سیاه پوش، مشغول خواندن. قهرمان های اثر مانند خواهران دوقلو به یکدیگر شبیه هستند. در نگاه اول، ژانری از زندگی روزمره را پیش روی خود داریم، اما معنای این بوم نقاشی بزرگ، گسترده و جسورانه به وضوح نه در جزئیات داستان و نه در شخصیت های دختران و نه در فعالیت های آنهاست. به نظر می رسد این تصویر، در طرح خود، دریچه ای باز است به زمان گذشته، و گویی بیننده را در فضای معنوی دهه 1930 غرق می کند. این نقاشی با رنگ بندی سختگیرانه و تقریباً گرافیکی، غنایی است و در میان آثار هنری فاخر این دوره به شدت خودنمایی می کند.

پاول دیمیتریویچ کورین (1892-1967). الکساندر نوسکی. بخش مرکزی سه‌گانه 1951. رنگ روغن روی بوم. 72.5x101

این هنرمند در دوران سختی برای کشور، در طول جنگ بزرگ میهنی، بومی را خلق کرد که در آن از سلاح های روسی تجلیل می شد. تصویر مرکزی سه‌گانه شاهزاده الکساندر یاروسلاویچ را به تصویر می‌کشد، ملقب به نوسکی برای پیروزی بر سوئدی‌ها در نبرد نوا در سال 1240 و توسط کلیسای ارتدکس روسیه در سال 1549 به عنوان مقدس شناخته شد. شاهزاده به عنوان یک فرمانده هدفمند و شجاع در مقابل بیننده ظاهر می‌شود. یک جنگجوی شانه پهن که زره پوشیده است، شمشیر بزرگی را در مقابل خود نگه داشته است، در پس زمینه وسعت بی پایان روسیه ایستاده و هوشیارانه از سرزمین مادری خود محافظت می کند. الکساندر نوسکی مظهر شجاعت و شهامت مردم روسیه است که آماده مبارزه تا آخرین قطره خون برای آزادی و استقلال خود هستند. این هنرمند یادآور شد: "من می خواستم شخصیت یک فرد روسی را منتقل کنم، روح شجاعت را که یک ویژگی جدایی ناپذیر ملت است، که مردم روسیه را تشویق به مبارزه تا سرحد مرگ، به جلو رفتن، تجسم بخشم. . آن روح نافرمانی از سرنوشت، که اراده و استواری آن هم در «داستان مبارزات ایگور» و هم در ابیات اول پوشکین و هم در دل خود ما طنین انداز است.

بر اساس این نقاشی، بعدها موزاییک هایی برای ایستگاه Komsomolskaya-Koltsevaya متروی مسکو ساخته شد.

یوری (جورج) ایوانوویچ پیمنوف (1903-1977). مسکو جدید 1937. رنگ روغن روی بوم. 140x170

از اواسط دهه 1930، پیمنوف، یکی از بنیانگذاران انجمن نقاشان Easel، روی مجموعه ای از نقاشی ها در مورد مسکو کار می کند که در میان آنها نقاشی "مسکو جدید" محبوبیت خاصی پیدا کرد. هنرمندان با اشتیاق صمیمانه روی خلق یک اسطوره جدید شوروی کار کردند که به اشکال دیگری نیاز داشت. نقاشی "مسکو جدید" کاملاً با روح زمان سازگار است. این ترکیب به عنوان یک قاب که توسط لنز دوربین گرفته شده است حل می شود. تمرکز نویسنده بر روی شکل یک زن در حال رانندگی یک ماشین است که یک پدیده بی سابقه برای دهه 1930 است. به نظر می رسد بیننده پشت سر او نشسته و از یک ماشین باز به تماشای مسکو به روز شده صبح می پردازد. بخش اعظم یکپارچه ساختمان تازه ساخته شده Gosplan، خیابان آزاد و وسعت میدان ها، حروف قرمز رنگ متروی اخیراً افتتاح شده - همه اینها یک مسکو بازسازی شده است. رنگ، بازی با سایه ها و تن های زیاد، ضربه قلم موی متحرک حرکت ماشین و لرزش نور و هوای محیط را منتقل می کند. سبک نگارش امپرسیونیستی به اثر طراوت و ظرافت می بخشد - سرمایه جدید و با آن زندگی جدید شوروی باید اینگونه تلقی می شد. با این حال، سال ایجاد این بوم به وضوح با موضوع خوش بینانه "مسیر روشن" در تضاد است.

الکساندر میخائیلوویچ گراسیموف (1881-1963). پرتره یک بالرین O. V. Lepeshinskaya 1939. رنگ روغن روی بوم. 157x200

استعداد خارق العاده نقاش، شیوه نقاشی شاد و "آبدار" - همه اینها، زمانی که A. M. Gerasimov از نردبان حرفه ای رئالیسم اجتماعی بالا رفت، براقیت تشریفاتی به دست آورد. گراسیموف یک گالری کامل از پرتره های چهره های برجسته دولت شوروی و حزب کمونیست اتحاد جماهیر شوروی، رهبران نظامی ارتش شوروی، نمایندگان علم، ادبیات، تئاتر و هنرهای زیبا شوروی ایجاد کرد. در مقابل پس‌زمینه مقامات حزب، این هنرمند در پرتره‌های روشنفکر خلاق (بالرین O. V. Lepeshinskaya، پرتره گروهی از قدیمی‌ترین هنرمندان I. N. Pavlov، V. N. Baksheev، V. K. Byalynitsky-Biruli، V. N. Meshkov) و دیگران، خروجی دریافت کرد.

Lepeshinskaya با داشتن تکنیک بی عیب و نقص، قادر بود شخصیت، سرزنده و درخشان خود را در هر تصویری که در صحنه باله ایجاد می شد منعکس کند. هنرمند در لحظه تمرین بالرین را می گیرد. قهرمان برای لحظه ای جلوی تماشاگران در یک مرحله رقص معمولی یخ زد - او روی کفش های پوینت می ایستد ، دستانش را روی توتو پایین می آورد ، سرش کمی به طرفین چرخیده است ، گویی برای خروج بعدی به وسط آماده می شود. از اتاق تمرین لحظه ای دیگر - و بالرین به رقص ادامه خواهد داد. چشمانش می سوزد، سرشار از الهام و عشق به حرفه اش است. در تصویر، نمایندگی سنتی با نگاهی جدید به فعالیت خلاق ترکیب شده است. رقص در زندگی بالرین بالاترین معنای وجود اوست.

میخائیل واسیلیویچ نستروف (1862-1942). پرتره مجسمه ساز V. I. Mukhina 1940. رنگ روغن روی بوم. 75x80

این نقاشی ورا موخینا، مجسمه ساز شوروی، نویسنده بسیاری از آثار معروف، از جمله گروه معروف "کارگر و دختر مزرعه جمعی" را به تصویر می کشد که در نمایشگاه جهانی پاریس در سال 1937 ارائه شد. ورا ایگناتیوانا آخرین اضافات را به نمونه اولیه انجام می دهد مجسمه سازی آینده در یک دست او تکه کوچکی از خاک رس را نگه می دارد و با دست دیگر صدای یکی از قهرمانان را افزایش می دهد. این به طور مستقیم عمل خلاقیت را به تصویر می کشد، لحظه ای که یک اثر هنری واقعی از یک تکه گل بی شکل متولد می شود.

مرکز ترکیب بندی کار یک سنجاق سینه قرمز روشن است که یقه یک بلوز سفید را نگه داشته است. نستروف تمرکز موخینا را با پویایی سریع، انگیزه ناامیدانه ای که او در خلقت خود منتقل می کند، مقایسه می کند. به لطف این تضاد عاطفی ، "پرتره مجسمه ساز V. I. Mukhina" بیانی ویژه ، یک زندگی درونی فعال را دریافت می کند و در نتیجه شخصیت پیچیده خود ورا ایگناتیونا را آشکار می کند.

تایر تیمورازویچ سالاخوف (متولد 1928). پرتره آهنگساز کارا کارائف 1960. رنگ روغن روی بوم. 121x203

در پرتره کارا کارائف آهنگساز برجسته آذربایجانی، این هنرمند به دنبال نشان دادن روند دشوار تولد موسیقی بود. یک ژست متمرکز، بسته از دیدگاه روانشناسی از بیننده، از حداکثر تمرکز بر صدای درون صحبت می کند. فرآیند خلاقیت می تواند شدید و طولانی باشد، که در طی آن به نظر می رسد زندگی بیرونی برای شخصی که در خود غوطه ور است یخ می زند، یا برای مدت طولانی غیرمنطقی در یک نت طول می کشد تا زمانی که راه حلی پیدا شود. آیا به همین دلیل نیست که پیانوی بلند سیاه اینقدر بی پایان به نظر می رسد که در پس زمینه آن چهره نشسته آهنگساز نشان داده شده است. تصویر این آلات موسیقی ریتم اندازه گیری شده ترکیب را تنظیم می کند و به عنوان کنتراست لازم برای قهرمان پوشیده در جامپر سفید عمل می کند. این هنرمند خطوط سفت و سخت فیگور کارائف و وسایل داخلی را تقریباً به یک طرح گرافیکی می آورد. هنر درونی آهنگساز، استعداد، تنش خلاقانه او توسط سیستم رنگ آشکار می شود.

گریگوری ایوانوویچ کپینوف (گریگور اوانسوویچ کپینیان) (1886-1966). نیم تنه زن 1934-1946. سنگ مرمر. قد 71

مجسمه ساز معروف شوروی، جی. آی. کپینوف، که در آکادمی جولین پاریس تحصیل کرده بود، حفظ سنت های آکادمیک در مجسمه سازی را وظیفه خود می دانست. او از بسیاری از معاصران پرتره ساخت.

سنگ مرمر "تنه زن" تجسم مجسمه ای شگفت انگیز زیبایی زنانه است، اما بر خلاف درک کلاسیک آن، این زیبایی قهرمانانه است که با ایده آل های آن دوران هماهنگ است. بدن برهنه زیبا تنش دارد، حرکت رها شدن فیگور از بلوک سنگ یادآور کارهای ناتمام میکل آنژ است.

اولگ کنستانتینوویچ کوموف (1932-1994). شیشه 1958. برنز. قد 60

ترکیب مجسمه ای برنزی "شیشه" توسط O.K. Komov یک سال قبل از فارغ التحصیلی از موسسه هنر مسکو ساخته شد. V. I. Surikov. سبک نویسنده به عنوان یک سبک شدید (یا رئالیسم شدید) تعریف می شود که عمدتاً در نقاشی اواخر دهه 1950 - اوایل دهه 1960 ظهور کرد و زندگی روزمره مردم عادی، قدرت و اراده آنها را شاعرانه کرد. سبک شدید با میل به یادبود بودن تصویر مشخص می شد که ترکیب مجسمه ای کوموف را نیز آشکار می کند.

قهرمان او یک کارگر جوان ساده است که دستان قوی او - مانند دستان میلیون ها نفر مانند او - در حال ساختن کشور است. زندگی سخت و کار دشوار بر لطف و شکنندگی دوام آورد. "اشراف" مد نیست: کار شرافتمندانه است. اطمینان آرام ژست کارگر با موقعیت متزلزل شیشه در تضاد است و کل ترکیب بندی حس وحدت این تضادها را القا می کند.

فضا به یکی از اجزای اصلی این اثر تبدیل می شود. رابطه او با چهره یک زن پیچیده و مبهم است. ژست گسترده دست های قهرمان به دنیای بیرون باز است و به طور فعال با آن در تعامل است، اما فضای او توسط خطوط شیشه ای که در آن فشرده شده است محدود می شود، گویی در یک قاب. شیشه منشوری است که از طریق آن جهان را درک می کند، اما همچنین دیواری نامرئی بین او و این جهان است.

آرکادی الکسیویچ پلاستوف (1893-1972). بهار 1954. رنگ روغن روی بوم. 123x210

یکی از نمایندگان برجسته مکتب نقاشی مسکو ، A. A. Plastov در کار خود سنت های V. A. Serov ، A. E. Arkhipov و استادان اتحادیه هنرمندان روسیه را ادامه داد. وفاداری به مضمون دهقانی، جایی که "گوشت انسان با تمام جنون خود در نهایت شدت و حقیقت نشان داده می شود"، ارگانیک بودن رنگ و بی واسطه بودن تأثیر در تصویر "بزرگ" از ویژگی های آثار هنرمند دهه 1940-1950 است.

در نقاشی "بهار"، نقاش موفق شد ایده آل زیبایی زن، جسمی و معنوی را که در تخیل هر فرد زندگی می کند و به طور معمول در زندگی واقعی تجسم نمی یابد، به تصویر بکشد. سردی، کمی انفصال نامه، تصویر تکان دهنده کودک، سادگی و طبیعی بودن طرح، این اثر را بر پایه ای از لذت خالص و عشق پاک و غیرقابل دسترس برای ادراک حسی قرار می دهد. پلاستوف این اثر را "بهار" نامید (و نه "در حمام قدیمی") ، از این طریق بر ماهیت استعاری آن تأکید کرد و کل طیف تداعی تصاویر هنر جهانی را که با این کلمه مرتبط است به یاد آورد.

قرن بیستم تا بیست و یکم 1922. "مارش به رم" بنیتو موسولینی، این دوسه ("رهبر") رم را به مرکز فاشیسم ایتالیایی تبدیل می کند. تخمگذار خیابان جلوی Via dei Fori Imperiali. 1943. پس از بمباران ویرانگر رم توسط هواپیماهای متفقین، موسولینی توسط نیروهای متفقین دستگیر شد

قرن XX-XXI 1912. ایتالیا رودس و سپس بقیه جزایر دودکانیز را تصرف کرد. 1923. معاهده لوزان تسلط ایتالیایی ها بر جزیره را تضمین می کند.1943. آلمان رودس را اشغال کرد و همه یهودیان رودز را در سال 1944 از جزیره اخراج کرد. 1945. سربازان یونانی