معرفی
1. هلندی کوچک
مدرسه نقاشی هلندی
ژانر نقاشی
4. سمبولیسم. طبیعت بی جان
رامبراند ون راین
ورمیر دلفت جان
نتیجه
معرفی
هدف از کار کنترلی:
· در توسعه پتانسیل خلاق؛
· شکل گیری علاقه به هنر؛
· تثبیت و تکمیل دانش.
هنر هلندی در قرن هفدهم متولد شد. این هنر مستقل و مستقل تلقی می شود، اشکال و ویژگی های خاصی دارد.
تا قرن هفدهم، هلند هنرمندان برجسته خود را در هنر نداشت، زیرا. بخشی از ایالت فلاندر بود. با این حال، چندین هنرمند در این دوره زمانی تجلیل می شوند. این هنرمند و حکاکی لوکا لیدنسکی است (1494-1533)، نقاش دیرک بوتس (1415-1475)، نقاش اسکورل (1495-1562).
مدارس مختلف به تدریج با هم مخلوط شدند و استادان ویژگی های متمایز مدارس خود را از دست دادند و هنرمندان هلندی باقیمانده از روحیه خلاقیت ملی خودداری کردند. بسیاری از سبک های مختلف و جدید در حال ظهور هستند. هنرمندان سعی می کنند در همه ژانرها نقاشی کنند و به دنبال یک سبک فردی هستند. روش‌های ژانر پاک شد: تاریخی بودن به اندازه قبل ضروری نیست. ژانر جدیدی در حال ایجاد است - باربرهای گروهی.
در آغاز قرن هفدهم، زمانی که سرنوشت هلند مشخص می شد، فیلیپ سوم بین اسپانیا و هلند آتش بس مذاکره کرد. آنچه لازم بود یک انقلاب، یک موقعیت سیاسی یا نظامی بود. مبارزه برای استقلال مردم را متحد کرد. جنگ روحیه ملی را تقویت کرد. قراردادهای امضا شده با اسپانیا به هلند آزادی داد. این امر باعث ایجاد هنر خاص و خاص خود شد و ماهیت هلندی ها را بیان کرد.
ویژگی هنرمندان هلندی ایجاد یک تصویر واقعی تا کوچکترین جزئیات - تجلی احساسات و افکار بود. این پایه و اساس مکتب هلندی است. این هنر واقع گرایانه می شود و در اواسط قرن هفدهم در همه زمینه ها به اوج می رسد.
برای هلند، این تقسیم نه تنها به ژانرها، بلکه به زیرگونه های متعدد نیز معمول است. برخی از استادان صحنه هایی از زندگی بورگرها و افسران - پیتر دو هوچ (1495-1562)، جرارد تربورخ (1617-1681)، گابریل متسو (1629-1667)، دوم - از زندگی دهقانان - آدریان ون اوستاد (1610-1610-1685) (1610-1685) و سومین دانشمند از 1610-1685 و سومین دانشمند از زندگی 6-1685. 75)؛ نقاشان منظره - یان پورسلیس (1584-1632)، سیمون دوولیگر (1601-1653)، نقاشان گوشه های جنگل - مایندرت هابما (1638-1609)، استادان داخلی - پیتر یانسنس (1623-1682). به طور دوره ای، یک ژانر خاص در مدارس هنری سنتی می شود. به عنوان مثال، نقاشان طبیعت بی جان هارلم برای به اصطلاح "صبحانه ها" - پیتر کلاس (1598-1661)، ویلم هدا (1594-1680).
هنرمندان آداب و رسوم، هنجارهای اخلاقی و اخلاقی رفتار انسان را نشان می دهند. رویدادهای خانوادگی اغلب به تصویر کشیده می شوند. نقاشان منظره و استادان طبیعت بی جان نور را در هوای آزاد منتقل می کنند، در اتاق های بسته به طرز ماهرانه ای بافت اشیاء را به تصویر می کشند. نقاشی داخلی به لطف جان استین (1626-1679)، گرهارد تربورخ (1617-1681)، پیتر دو هوچ (1629-1624) در صدر قرار دارد.
1. هلندی کوچک
هلندی‌های کوچک گروهی از هنرمندان قرن هفدهم هستند که در آن نقاشان نقاشی‌های منظره و ژانرهای روزمره با اندازه کوچک «ترکیب» می‌شوند (از این رو نام آن است). چنین نقاشی هایی برای فضای داخلی متوسط ساختمان های مسکونی در نظر گرفته شده بود. آنها توسط مردم شهر و دهقانان خریداری شدند. چنین نقاشی هایی با احساس راحتی در تصویر، ظرافت جزئیات، نزدیکی فرد و فضای داخلی مشخص می شود.
P. de Hooch، J. van Goyen (1596-1656)، J. و S. van Ruisdael (1628-1682) و (1602 - 1670)، E. de Witte (1617-1692)، P. Klas، V. Heda، W. Kalf (1619-1693)، G.1. 626-1679)، A. Cuyp (1620-1691)، و غیره. هر یک از آنها، به عنوان یک قاعده، در یک ژانر خاص تخصص داشتند. "هلندی کوچولو" سنت استادان هلندی رنسانس را ادامه داد، که استدلال می کردند که هنر نه تنها باید لذت را به ارمغان آورد، بلکه باید ارزش ها را نیز یادآوری کند.
آثار هنرمندان را می توان به 3 گروه تقسیم کرد:
دهه 1630 - استقرار رئالیسم در نقاشی ملی (هارلم مرکز هنری پیشرو بود، یک عامل مهم تأثیر F. Hals) بود.
1640-1660 - شکوفایی مدرسه هنر (مرکز هنر به آمستردام نقل مکان می کند، هنرمندان شهرهای دیگر را جذب می کند، تاثیر رامبراند مرتبط می شود.<#"justify">2. مکتب نقاشی هلندی
به مدت سه ربع قرن، ظهور هنر در شمال هلند، در جمهوری استان های متحد به نام هلند ادامه یافت. در سال 1609، این جمهوری وضعیت یک ایالت را دریافت کرد. در اینجا یک دولت بورژوایی شکل گرفت.
هنرمند ایتالیایی Caravaggio (1571-1610) نقش مهمی در نقاشی رنسانس ایفا کرد. او نقاشی های خود را بسیار واقع گرایانه می کشید و اشیا و فیگورها تکنیک بالایی از کیاروسکورو داشتند.
هنرمندان زیادی وجود داشتند و آنها در شهرهای کوچک زندگی می کردند: هارلم، دلفت، لیدن. هر یک از این شهرها مدرسه خود را با موضوعات ژانر خاص خود توسعه دادند، اما آمستردام مهمترین نقش را در توسعه هنر هلندی ایفا کرد.
3. ژانر نقاشی
در هلند، همراه با محبوبیت ژانر منظره، موارد جدیدی ظاهر می شوند: مارینا - منظره دریا، منظره شهری - ودوتا، تصویر حیوانات - نقاشی حیوانات. آثار پیتر بروگل تأثیر قابل توجهی بر چشم انداز داشت. (1525-1529). هلندی ها زیبایی اصلی خود را از طبیعت سرزمین مادری خود نوشتند. در قرن هفدهم، مکتب نقاشی هلندی یکی از پیشروها در اروپا شد. اشیاء اطراف افراد منبع الهام هنرمندان شده است. در هنر این زمان، شکل گیری سیستمی از ژانرها که از رنسانس آغاز شد، کامل شد. در پرتره ها، نقاشی های روزمره، مناظر و طبیعت بی جان، هنرمندان برداشت های خود از طبیعت و زندگی روزمره را منتقل می کردند. یک ایده جدید شروع به داشتن یک ژانر نقاشی روزمره - نقاشی ژانر کرد. ژانر روزمره در دو گونه توسعه یافته است - ژانر دهقانی و بورگر (شهری). در نقاشی های ژانر، زندگی یک شخص خصوصی به تصویر کشیده شد: جشن های عیاشی، فعالیت های اقتصادی، پخش موسیقی. هنرمندان به بیرون، ژست ها، لباس ها توجه کردند. اشیاء بخشی از راحتی شدند: یک میز چوب ماهون، یک کمد لباس، یک صندلی راحتی با روکش چرم، یک ظرف شیشه ای تیره و یک لیوان میوه. این ژانر منعکس کننده رفتار و ارتباطات افراد متعلق به طبقات مختلف بود.
آثار هارد داو در آن زمان بسیار محبوب بودند. او صحنه های متواضعی از زندگی خرده بورژوازی می نویسد. اغلب زنان مسن‌تری را به تصویر می‌کشد که پشت چرخ ریسی نشسته‌اند یا مشغول مطالعه هستند. تمایل آشکار داو این است که سطح اشیاء را در تصاویر کوچک خود بنویسد - الگوهای پارچه، چین و چروک صورت های سالخورده، فلس های ماهی و غیره (ضمیمه؛ شکل.
اما ژانر نقاشی تکامل یافته است. در طول دوره شکل گیری مجدد، توطئه هایی با موضوعات تفریحی، سرگرمی، صحنه هایی از زندگی افسران توزیع شد. چنین تصاویری "صبحانه"، "ضیافت"، "جامعه"، "کنسرت" نامیده می شد. این نقاشی با تنوع رنگ و تن های شاد متمایز شد. ژانر اصلی - "صبحانه" بود. این یک نوع طبیعت بی جان است که در آن شخصیت صاحبان آنها از طریق تصویر ظروف و ظروف مختلف منتقل می شد.
ژانر روزمره متمایزترین و اصلی ترین پدیده مکتب هلندی است که زندگی روزمره یک شخص خصوصی را به هنر جهانی باز کرد.
یان استین نیز در موضوع ژانر هنر می نوشت. او با شوخ طبعی متوجه جزئیات زندگی و روابط افراد می شد. در نقاشی "Revelers" خود هنرمند با شادی و حیله گری به بیننده نشسته در کنار همسرش که پس از یک جشن سرگرم کننده به خواب رفت نگاه می کند. و در تصویر، از طریق حالات چهره و ژست های شخصیت ها، جان استین به طرز ماهرانه ای طرح یک بیماری خیالی را آشکار می کند.
با آغاز دهه 1930، شکل گیری ژانر نقاشی هلندی تکمیل شد. آنها نقاشی ژانر را بر اساس خطوط اجتماعی تقسیم کردند: طرح هایی با موضوعاتی از زندگی بورژوازی، و صحنه هایی از زندگی دهقانان و فقرای شهری.
یکی از هنرمندان مشهوری که در «ژانر دهقانی» می نوشت، آدریان ون استاد بود. در دوره اولیه خلاقیت، تصویر دهقانان کمیک بود. بنابراین، در تصویری که با یک نور تیز روشن شده است، به نظر می رسد که افراد مبارز مردم زنده نیستند، بلکه عروسک هستند. متضاد رنگ‌های سرد و گرم، تضادهای شدید نور ماسک‌هایی با احساسات شیطانی در چهره‌شان ایجاد می‌کند.
بعداً، این هنرمند با موضوعات آرام‌تر تصاویری را ترسیم می‌کند و فردی را در طول فعالیت‌های معمول خود، اغلب در لحظات استراحت، به تصویر می‌کشد. به عنوان مثال، نقاشی داخلی "نوازندگان روستا". Ostade تمرکز "موسیقیدان" را با طنز به سختی قابل توجه نشان می دهد که کودکان را در حال تماشای آنها از طریق پنجره به تصویر می کشد. برادر آدریان، آیزاک ون اوستاد، که زود درگذشت، نیز در "ژانر دهقانی" کار می کرد. او زندگی روستایی هلند را به تصویر کشید. نقاشی "نمای زمستانی" منظره ای معمولی با آسمان خاکستری بر روی زمین آویزان است، رودخانه ای یخ زده، که در سواحل آن روستا واقع شده است.
در دهه های 50 و 60 قرن هفدهم، موضوع نقاشی های ژانر محدود شد، ساختار آنها تغییر کرد. آنها آرام تر، غنایی تر، متفکرتر می شوند. این مرحله با آثار هنرمندانی مانند: پیتر دو هوچ، جرارد تربورخ، گابریل متسو، پیتر یانسنس نشان داده شده است. مشخصه آثار آنها شیوه زندگی آرمانی بورژوازی هلند است. بنابراین، در نقاشی داخلی "اتاقی در خانه هلندی" اثر پیتر یانسنس، یک اتاق دنج پر از نور خورشید با پرتوهای خورشیدی که روی زمین و روی دیوارها بازی می کنند به تصویر کشیده شده است. انتخاب ترکیب بر وحدت انسان و محیط او تأکید می کند.
نقاشان ژانر هلندی سعی کردند دنیای درونی یک فرد را در آثار خود منعکس کنند. در موقعیت‌هایی که به طور منظم رخ می‌دهند، آنها توانستند دنیای تجربیات را نشان دهند. بنابراین، جرارد تربورخ در فیلم "یک لیوان لیموناد" زبان ظریفی از حرکات، لمس دست ها، تماس چشمی طیف وسیعی از احساسات و روابط شخصیت ها را نشان می دهد.
ظرافت، صداقت در بازآفرینی واقعیت توسط استادان هلندی با زیبایی نامحسوس و روزمره ترکیب شده است. این ویژگی در طبیعت بی جان بیشتر مشهود است. هلندی ها آن را "stilleven" نامیدند. در این درک، استادان در اشیاء بی جان زندگی پنهانی را می دیدند که با زندگی یک فرد، با زندگی، عادات، سلیقه های او مرتبط است. نقاشان هلندی تصور یک "بی نظمی" طبیعی را در چیدمان اشیاء ایجاد کردند: آنها یک کیک بریده شده، یک لیمو پوست کنده با پوست آویزان در یک مارپیچ، یک لیوان شراب ناتمام، یک شمع سوزان، یک کتاب باز نشان دادند - همیشه به نظر می رسد که کسی این اشیاء را لمس کرده است، فقط اینکه آنها از آنها استفاده کرده اند، حضور نامرئی یک شخص احساس می شود.
استادان برجسته طبیعت بی جان هلندی در نیمه اول قرن هفدهم، پیتر کلاسز بودند. 1و ویلم هد موضوع مورد علاقه زندگی بی جان آنها به اصطلاح "صبحانه" است. در «صبحانه با خرچنگ» نوشته وی. اقلام به گونه ای چیده شده اند که جذابیت و خاص بودن هر کدام را نشان دهد. خدا با انواع تکنیک ها مواد و ویژگی های بافت آنها را به خوبی منتقل می کند. بنابراین، تابش نور بر روی سطح شیشه و فلز متفاوت است. تمام عناصر ترکیب با نور و رنگ متحد شده اند. در "طبیعت بی جان با یک شمع" اثر پی کلاس، نه تنها دقت بازتولید کیفیت های مادی اشیاء قابل توجه است - ترکیب بندی و نورپردازی به آنها بیان عاطفی زیادی می دهد. زندگی بی جان کلاس و خدا شبیه یکدیگر است - این حالتی از صمیمیت و آسایش است، آرامش در زندگی خانه یک شهرک، جایی که رفاه وجود دارد. طبیعت بی جان را می توان به عنوان یکی از موضوعات مهم هنر هلندی - موضوع زندگی یک شخص خصوصی - دید. او تصمیم اصلی خود را در ژانر تصویر دریافت کرد.
سمبولیسم. طبیعت بی جان
همه اقلام موجود در طبیعت بی جان هلندی نمادین هستند. مجموعه های منتشر شده در طول هجدهم<#"justify">o فرو ریختن گلبرگ های نزدیک گلدان نشانه های شکنندگی است.
o یک گل پژمرده اشاره ای به ناپدید شدن احساسات است.
o عنبیه - نشانه ای از باکره؛
o گلهای قرمز - نمادی از قربانی کفاره مسیح.
o سوسن سفید نه تنها یک گل زیبا، بلکه نمادی از خلوص مریم باکره است.
o میخک - نمادی از خون ریخته شده مسیح؛
o لاله سفید - عشق دروغین.
o انار - نماد رستاخیز، نماد عفت.
o سیب، هلو، پرتقال یادآور پاییز.
o شراب در یک لیوان یا کوزه، خون قربانی مسیح را نشان می دهد.
o زیتون نماد صلح است.
o میوه فاسد نماد پیری است.
o خوشه های گندم، پیچک - نماد تولد دوباره و چرخه زندگی است.
o شیشه نماد شکنندگی است.
o چینی - خلوص؛
o بطری نماد گناه و مستی است.
o ظروف شکسته - نمادی از مرگ؛
o یک لیوان معکوس یا خالی به معنای خالی بودن است.
o چاقو نماد خیانت است.
o ظروف نقره مظهر ثروت هستند.
o ساعت شنی - یادآور گذرا بودن زندگی؛
o جمجمه یادآور اجتناب ناپذیر بودن مرگ است.
o خوشه های گندم - نمادهای تولد دوباره و چرخه زندگی؛
o نان نمادی از بدن خداوند است.
o اسلحه و زره - نمادی از قدرت و قدرت، تعیین چیزی که نمی توان با خود به قبر برد.
o کلیدها - نماد قدرت؛
o پیپ سیگار نمادی از لذت های زودگذر و گریزان زمینی است.
o ماسک کارناوال - نشانه غیبت یک شخص است. لذت غیر مسئولانه؛
o آینه ها، توپ های شیشه ای - نمادهای غرور، نشانه ای از انعکاس، غیر واقعی بودن.
پایه های چشم انداز واقع گرایانه هلندی در اوایل قرن هفدهم شکل گرفت. هنرمندان طبیعتی را که دوست داشتند با تپه ها و کانال ها، خانه ها و روستاها به تصویر کشیدند. آنها سعی کردند ملیت منظره، فضای هوا و ویژگی فصل را به تصویر بکشند. استادان به طور فزاینده ای تمام اجزای تصویر را تابع یک لحن واحد قرار دادند. آنها به طرز ماهرانه ای رنگ ها را احساس کردند، به طرز ماهرانه ای بر انتقال انتقال از نور به سایه، از تن به تن تسلط یافتند.
بزرگترین نماینده چشم انداز رئالیستی هلندی یان ون گوین (1596-1656) بود. او در لیدن و لاهه کار می کرد. این هنرمند دوست داشت دره ها و سطح آب رودخانه ها را روی بوم های کوچک به تصویر بکشد. گوین با ابرها فضای زیادی برای آسمان گذاشت. این تصویر «منظره ای از رودخانه وال در نزدیکی نایمگن» است که در طیف رنگی نازک قهوه ای مایل به خاکستری است.
بعداً ماهیت مشخصه مناظر تغییر می کند. کمی گسترده تر، احساسی تر می شود. ویژگی یکسان باقی می ماند - محدود است، اما تن ها عمق پیدا می کنند.
تمام ویژگی های جدید سبک منظره در نقاشی های او توسط ژاکوب ون رویسدیل (1629-1682) تجسم یافت. با به تصویر کشیدن درختان و بوته های حجیم، به نظر می رسید که آنها به جلو حرکت می کنند و قدرتمندتر می شوند. Ruisdael با داشتن حس چشم‌انداز فوق‌العاده، به طرز ماهرانه‌ای دشت‌های وسیع و اطراف هلند را منتقل می‌کرد. انتخاب تن و نور تمرکز را بر می انگیزد. رویسدیل همچنین عاشق ویرانه ها بود، به عنوان جزئیات تزئینی، از تخریب، سستی وجود زمینی صحبت می کرد. "قبرستان یهودیان"، نمایانگر منطقه ای مغفول مانده است. رویسدیل در زمان خود موفق نبود. رئالیسم نقاشی های او با سلیقه جامعه مطابقت نداشت. این هنرمند که اکنون به شایستگی از شهرت جهانی برخوردار است، در یک مرد فقیر در خانه صدقه در هارلم درگذشت.
نقاشی پرتره. فرانس هالس
یکی از نقاشان بزرگ هلندی فرانس هالس (حدود 1580-1666) بود. او در قرن هفدهم در آنتورپ به دنیا آمد. او به عنوان یک هنرمند بسیار جوان، به هارلم رسید، جایی که رشد کرد و به شیوه مکتب کارل ون مندر شکل گرفت. هارلم به هنرمند خود افتخار می کرد و مهمانان برجسته - روبنس و ون دایک - به استودیوی او آورده شدند.
هالز تقریباً منحصراً یک نقاش پرتره بود، اما هنر او نه تنها برای پرتره هلند، بلکه برای شکل‌گیری ژانرهای دیگر نیز اهمیت زیادی داشت. در کار هالز، سه نوع ترکیب پرتره قابل تشخیص است: یک پرتره گروهی، یک پرتره انفرادی سفارشی، و یک نوع خاص از تصاویر پرتره، که از نظر ماهیت شبیه به نقاشی ژانر هستند.
هالس در سال 1616 نقاشی "ضیافت افسران گروهان پیاده نظام هنگ سنت جورج" را می کشد، که در آن به طور کامل از طرح سنتی باربرهای گروهی جدا می شود. او با خلق یک اثر بسیار پر جنب و جوش، ترکیب شخصیت ها در گروه ها و دادن حالت های مختلف به آنها، به نوعی پرتره را با نقاشی ژانر ادغام کرد. کار موفقیت آمیز بود و هنرمند غرق در دستورات بود.
شخصیت‌های او به‌طور طبیعی و آزادانه در پرتره نگهداری می‌شوند، حالت، ژست‌هایشان ناپایدار به نظر می‌رسند و حالت چهره‌شان در شرف تغییر است. قابل توجه ترین ویژگی شیوه خلاق هالز توانایی انتقال شخصیت از طریق حالات و حرکات صورت فردی است، به گونه ای که در حال پرواز است - "رفیق نوشیدنی شاد"، "مولاتو"، "افسر خندان". این هنرمند حالت های عاطفی پر از پویایی را دوست داشت. اما در این لحظه ای که هالز گرفت، همیشه ضروری ترین چیز اسیر می شود، هسته تصویر «کولی»، «مال بابا».
با این حال، در تصاویر هالز در اواخر دهه 30 و 40، تفکر و غم و اندوه ظاهر می شود، پرتره ای از ویلم هیتویسن بیگانه با شخصیت های او، و گاهی اوقات کنایه ای جزئی در نگرش هنرمند نسبت به آنها می لغزد. پذیرش شادمانه زندگی و انسان کم کم از هنر هالز خارج می شود.
در نقاشی هالس نقاط عطفی وجود داشت. در پرتره‌های هالز که در دهه‌های 50 و 60 نقاشی شده‌اند، تسلط عمیق در شخصیت‌پردازی با معنای درونی جدیدی ترکیب شده است. یکی از قدرتمندترین آثار هالز متاخر، یک پرتره مرد از موزه هنر متروپولیتن نیویورک (1650-1652) است. ترکیب پرتره یک تصویر نسلی از چهره است، صحنه سازی آن در یک جلوی واضح، نگاهی مستقیم به بیننده است، اهمیت فرد را احساس می کند. در حالت مرد، اقتدار سرد و تحقیر متکبرانه نسبت به همه خوانده می شود. عزت نفس در آن با جاه طلبی عظیم ترکیب شده است. در همان زمان، ناگهان نشانه ای از ناامیدی در نگاه به چشم می خورد، گویی در این فرد حسرت گذشته است - برای جوانی او و جوانان نسلش که آرمان هایشان فراموش شده و محرک های زندگی کم رنگ شده اند.
پرتره های هالز در دهه های 50 و 60 چیزهای زیادی را در واقعیت هلندی آن سال ها آشکار می کند. این هنرمند عمر طولانی داشت و اتفاقاً شاهد تولد دوباره جامعه هلندی، از بین رفتن روحیه دموکراتیک آن بود. تصادفی نیست که هنر هالز اکنون از مد افتاده است. آثار بعدی هالز با حساسیت روح زمان را منعکس می کند، به طوری که با استاد بیگانه است، اما ناامیدی خود او را در واقعیت اطراف نیز می شنود. در برخی از آثار این سالها پژواک احساسات شخصی هنرمند قدیمی که در حال از دست دادن شکوه و عظمت پیشین خود بود و پایان مسیر زندگی خود را می‌دید، به تصویر کشیده می‌شود.
دو سال قبل از مرگ او، در سال 1664، پرتره های نایب السلطنه و نایب السلطنه (متولیان) خانه سالمندان هارلم توسط هالز ترسیم شد.
در "پرتره نایب السلطنه" همه با حس ناامیدی و عذاب متحد شده اند. مانند پرتره های گروهی اولیه هالز، هیچ نشاطی در نایب السلطنه ها وجود ندارد. همه تنها هستند، هرکس به تنهایی وجود دارد. رنگ های مشکی با لکه های صورتی مایل به قرمز فضایی غم انگیز ایجاد می کند.
«پرتره سلطنت‌ها» در کلید احساسی متفاوتی حل می‌شود. در ژست‌های تقریباً بی‌حرکت پیرزن‌های سنگدل و بی‌رحم، تسلط بر استادی احساس می‌شود و در عین حال افسردگی عمیقی در همه آنها زندگی می‌کند، احساس ناتوانی و یأس در برابر مرگ قریب‌الوقوع.
هالس تا پایان دوران خود خطاناپذیری مهارت خود را حفظ کرد و هنر نقاش هشتاد ساله نفوذ و قدرت یافت.
6. رامبراند ون راین
رامبراند (1606-1669) - بزرگترین نماینده عصر طلایی نقاشی هلندی. در سال 1606 در لیدن متولد شد. برای دریافت آموزش هنری، این هنرمند به آمستردام نقل مکان کرد و وارد کارگاه پیتر لاستمن شد و سپس به لیدن بازگشت، جایی که در سال 1625 زندگی خلاقانه مستقلی را آغاز کرد. در سال 1631 رامبراند سرانجام به آمستردام نقل مکان کرد و بقیه زندگی استاد با این شهر پیوند خورد.
آثار رامبراند آغشته به درک فلسفی از زندگی و دنیای درونی انسان است. این اوج پیشرفت هنر هلندی قرن هفدهم است. میراث هنری رامبراند با انواع ژانرها متمایز است. او پرتره، طبیعت بی جان، مناظر، صحنه های ژانر، نقاشی هایی با موضوعات تاریخی، کتاب مقدس، اساطیری کشید. اما بیشترین عمق کار این هنرمند در سال های پایانی زندگی او به دست می آید. اوفیزی سه اثر از استاد بزرگ دارد. این یک سلف پرتره در جوانی، یک سلف پرتره در دوران پیری، یک پرتره از یک پیرمرد (خاخام) است.در بسیاری از آثار بعدی، هنرمند تمام سطح بوم را در غروب فرو می برد و توجه بیننده را روی صورت متمرکز می کند.
رامبراند در 23 سالگی خود را اینگونه به تصویر کشید.
دوره مهاجرت به آمستردام در بیوگرافی خلاق رامبراند با ایجاد بسیاری از مطالعات مردانه و زنانه مشخص شد.
در سال 1653، با تجربه مشکلات مالی، این هنرمند تقریباً تمام دارایی خود را به پسرش تیتوس منتقل کرد و پس از آن در سال 1656 اعلام ورشکستگی کرد. پس از فروش خانه و اموال، این هنرمند به حومه آمستردام، به محله یهودیان نقل مکان کرد و بقیه عمر خود را در آنجا گذراند. نزدیکترین فرد به او در آن سالها ظاهراً تیتوس بود، زیرا. تصاویر او بیش از همه است. مرگ تیتوس در سال 1668 یکی از آخرین سکته های سرنوشت این هنرمند بود. خودش یک سال بعد رفت. "متیو و فرشته" (1661). شاید الگوی فرشته تیتوس بود.
دو دهه آخر زندگی رامبراند اوج مهارت او به عنوان یک نقاش پرتره بود. مدل ها رفقای هنرمند (نیکلاس برینینگ
7. یان دلفت ورمیر
طبیعت بی جان نقاشی هنر هلندی
Vermeer Delftsky Jan (1632-1675) - نقاش هلندی، بزرگترین استاد ژانر هلندی و نقاشی منظره. ورمیر در دلفت کار می کرد. به عنوان یک هنرمند، او تحت تأثیر کارل فابریسیوس، که به طرز غم انگیزی در انفجار یک انبار پودر جان خود را از دست داد، توسعه یافت.
نقاشی های اولیه ورمیر دارای تجسم والایی است ( مسیح با مارتا و مریم ). اثر استاد ژانر نقاشی پیتر دو هوچ بر کار ورمیر تأثیر زیادی داشت. سبک این نقاش در نقاشی های ورمیر بیشتر توسعه یافته است.
از نیمه دوم دهه 50، ورمیر نقاشی های کوچکی را با یک یا چند فیگور در نور نقره ای فضای داخلی خانه می کشید. دختری با نامه خدمتکار با یک کوزه شیر ). در اواخر دهه 50، ورمیر دو شاهکار از نقاشی منظره خلق کرد: یک نقاشی روح انگیز. خیابان با درخشان، تازه، تمیز، رنگ و تصویر نمایی از شهر دلفت . در دهه 60، کار ورمیر اصلاح‌تر می‌شود و نقاشی سرد می‌شود. ( دختری با گوشواره مروارید.
در اواخر دهه 60، این هنرمند اغلب اتاق‌هایی با مبله‌های غنی را به تصویر می‌کشید که خانم‌ها و آقایان در آن موسیقی می‌نوازند و گفتگوهای شجاعانه‌ای دارند.
در سال های آخر زندگی ورمیر، وضعیت مالی او بسیار بدتر شد. تقاضا برای نقاشی به شدت کاهش یافت، نقاش مجبور شد برای تغذیه یازده کودک و سایر اعضای خانواده وام بگیرد. این احتمالاً نزدیک شدن به مرگ را تسریع کرده است. معلوم نیست چه اتفاقی افتاده است - یک بیماری حاد یا افسردگی به دلیل مالی، اما ورمیر در سال 1675 در طاق خانوادگی در دلفت به خاک سپرده شد.
هنر فردی ورمیر پس از مرگش مورد استقبال معاصرانش قرار نگرفت. علاقه به او تنها در قرن نوزدهم، به لطف فعالیت های منتقد هنری و مورخ هنر اتین تئوفیل تورت، که ورمیر را برای عموم مردم "کشف" کرد، احیا شد.
نتیجه
توسل به واقعیت به گسترش امکانات هنری هنر هلندی کمک کرد و موضوع ژانر آن را غنی کرد. اگر تا قبل از قرن هفدهم مضامین کتاب مقدس و اساطیری در هنرهای زیبای اروپایی اهمیت زیادی داشتند و سایر ژانرها ضعیف توسعه یافته بودند، در هنر هلند نسبت بین ژانرها به طور چشمگیری تغییر می کند. ظهور ژانرهایی مانند: ژانر روزمره، پرتره، منظره، طبیعت بی جان. خود صحنه های کتاب مقدس و اساطیری در هنر هلندی تا حد زیادی شکل های قبلی خود را از دست می دهند و اکنون به عنوان نقاشی های روزمره تعبیر می شوند.
با تمام دستاوردها، هنر هلندی برخی از ویژگی های خاص محدودیت را نیز به همراه داشت - دایره باریکی از طرح ها و انگیزه ها. منهای دیگر: فقط برخی از استادان به دنبال یافتن پایه عمیق خود در پدیده ها بودند.
اما در بسیاری از نقاشی‌های ترکیبی، پرتره، تصاویر عمیق‌ترین طبیعت را دارند و مناظر طبیعت واقعی و واقعی را نشان می‌دهند. این به ویژگی متمایز هنر هلندی تبدیل شده است. بنابراین، نقاشان با تسلط بر توانایی دشوار و پیچیده در نقاشی تصاویر دنیای درونی یک شخص و تجربه، پیشرفت بزرگی در هنر ایجاد کردند.
این آزمون به من این فرصت را داد تا توانایی های خلاقانه خود را آزمایش کنم، دانش نظری خود را دوباره پر کنم، درباره هنرمندان هلندی و کارهای آنها بیشتر بیاموزم.
تدریس خصوصی
برای یادگیری یک موضوع به کمک نیاز دارید؟
کارشناسان ما در مورد موضوعات مورد علاقه شما مشاوره یا خدمات آموزشی ارائه خواهند کرد.
درخواست ارسال کنیدبا نشان دادن موضوع در حال حاضر برای اطلاع از امکان اخذ مشاوره.
هلند. قرن 17 این کشور در حال تجربه رونق بی سابقه ای است. به اصطلاح «عصر طلایی». در پایان قرن شانزدهم، چندین استان کشور از اسپانیا استقلال یافتند.
حالا هلند پروتستان راه خود را رفت. و فلاندر کاتولیک (بلژیک کنونی) تحت بال اسپانیا - متعلق به خودش.
در هلند مستقل، تقریباً هیچ کس به نقاشی مذهبی نیاز نداشت. کلیسای پروتستان تجمل دکوراسیون را تایید نمی کرد. اما این شرایط "در دستان" نقاشی سکولار قرار گرفت.
به معنای واقعی کلمه همه ساکنان کشور جدید عشق به این نوع هنر را بیدار کردند. هلندی ها می خواستند زندگی خود را در این تصاویر ببینند. و هنرمندان با کمال میل به دیدار آنها رفتند.
پیش از این هرگز واقعیت اطراف آنقدر به تصویر کشیده نشده بود. مردم عادی، اتاق های معمولی و معمولی ترین صبحانه یک شهرنشین.
رئالیسم شکوفا شد. تا قرن بیستم با پوره ها و الهه های یونانی خود رقیبی شایسته برای آکادمیزم خواهد بود.
این هنرمندان هلندی "کوچک" نامیده می شوند. چرا؟ این نقاشی ها اندازه کوچکی داشتند، زیرا برای خانه های کوچک خلق شده بودند. بنابراین، تقریباً تمام نقاشی های یان ورمیر بیش از نیم متر ارتفاع ندارند.
ولی من ورژن دیگه رو بیشتر دوست دارم. در هلند در قرن هفدهم، یک استاد بزرگ، یک هلندی "بزرگ" زندگی و کار می کرد. و بقیه در مقایسه با او "کوچک" بودند.
ما البته در مورد رامبراند صحبت می کنیم. بیایید با او شروع کنیم.
1. رامبراند (1606-1669)
رامبراند. سلف پرتره در سن 63 سالگی. 1669 گالری ملی لندن رامبراند در طول زندگی خود فرصتی برای تجربه گسترده ترین طیف از احساسات داشت. بنابراین، در کارهای اولیه او بسیار سرگرم کننده و شجاعانه وجود دارد. و بسیاری از احساسات پیچیده - در احساسات بعدی.
اینجا او در نقاشی "پسر ولخرج در میخانه" جوان و بی خیال است. همسر محبوب ساسکیا روی زانوهایش قرار دارد. او یک هنرمند محبوب است. سفارشات در حال سرازیر شدن است.
رامبراند. پسر ولگرد در میخانه. 1635 گالری استادان قدیمی، درسدن اما همه اینها در حدود 10 سال ناپدید می شوند. ساسکیا از مصرف خواهد مرد. محبوبیت مانند دود از بین خواهد رفت. یک خانه بزرگ با مجموعه ای منحصر به فرد بابت بدهی برداشته می شود.
اما همان رامبراند ظاهر خواهد شد که قرن ها باقی خواهد ماند. احساسات برهنه شخصیت ها. مخفی ترین افکار آنها
2. فرانس هالس (1583-1666)
فرانس هالس. سلف پرتره. 1650 موزه هنر متروپولیتن، نیویورک فرانس هالس یکی از بزرگترین نقاشان پرتره تمام دوران است. بنابراین، من او را در بین هلندی های "بزرگ" نیز قرار می دهم.
در آن زمان در هلند سفارش دادن پرتره های گروهی مرسوم بود. بنابراین آثار مشابه زیادی وجود داشت که افراد را با هم کار می کردند: تیراندازان یک انجمن، پزشکان یک شهر، مدیریت یک خانه سالمندان.
در این ژانر هالز بیش از همه خودنمایی می کند. به هر حال، بیشتر این پرتره ها شبیه یک دسته از کارت ها بودند. مردم با همان حالت روی میز می نشینند و فقط نگاه می کنند. هالز متفاوت بود.
به پرتره گروهی او «تیرهای انجمن سنت. جورج".
فرانس هالس. پیکان های انجمن سنت. جورج 1627 موزه فرانس هالس، هارلم، هلند در اینجا شما حتی یک تکرار در حالت یا حالت چهره پیدا نمی کنید. در عین حال، در اینجا هیچ هرج و مرج وجود ندارد. شخصیت های زیادی وجود دارد، اما هیچ کس اضافی به نظر نمی رسد. با تشکر از ترتیب شگفت آور درست ارقام.
بله، و در یک پرتره، هالس از بسیاری از هنرمندان پیشی گرفت. مدل های او طبیعی است. افراد جامعه بالا در نقاشی های او از عظمت دور از ذهن هستند و مدل های پایین تحقیر شده به نظر نمی رسند.
و شخصیت های او بسیار احساساتی هستند: آنها لبخند می زنند، می خندند، اشاره می کنند. مثل این «کولی» با قیافه حیله گر.
فرانس هالس. کولی. 1625-1630 هالز نیز مانند رامبراند زندگی خود را در فقر به پایان رساند. به همان دلیل. واقع گرایی او برخلاف سلیقه مشتریان بود. که می خواستند ظاهر خود را زیبا کنند. هالز برای چاپلوسی آشکار نرفت و به این ترتیب حکم خود را امضا کرد - "فراموشی".
3. جرارد تربورخ (1617-1681)
جرارد تربورخ سلف پرتره. 1668 گالری سلطنتی موریتشویس، لاهه، هلند تربورخ استاد ژانر داخلی بود. افراد ثروتمند و نه چندان همشهری آهسته صحبت می کنند، خانم ها نامه ها را می خوانند، و یک فروشنده به تماشای خواستگاری می پردازد. دو یا سه شکل با فاصله نزدیک.
این استاد بود که قوانین ژانر داخلی را توسعه داد. که سپس توسط یان ورمیر، پیتر دو هوچ و بسیاری دیگر هلندی "کوچک" وام گرفته خواهد شد.
جرارد تربورخ یک لیوان لیموناد. دهه 1660 موزه دولتی هرمیتاژ، سنت پترزبورگ یک لیوان لیموناد یکی از آثار معروف تربورخ است. مزیت دیگری از هنرمند را نشان می دهد. تصویر فوق العاده واقعی از پارچه لباس.
تربورخ آثار غیرعادی هم دارد. که از تمایل او برای فراتر رفتن از نیازهای مشتریان صحبت می کند.
"گریندر" او زندگی فقیرترین ساکنان هلند را نشان می دهد. ما به دیدن حیاط های دنج و اتاق های تمیز در تصاویر هلندی های "کوچک" عادت کرده ایم. اما تربورخ جرات کرد هلند غیرجذاب را نشان دهد.
جرارد تربورخ خرد کننده. 1653-1655 موزه های دولتی برلین همانطور که می دانید، چنین آثاری مورد تقاضا نبود. و حتی در تربورچ نیز اتفاق نادری هستند.
4. یان ورمیر (1632-1675)
یان ورمیر. کارگاه هنرمند. 1666-1667 موزه Kunsthistorisches، وین به طور قطع مشخص نیست که یان ورمیر چگونه به نظر می رسد. تنها مشخص است که در نقاشی "کارگاه هنرمند" او خود را به تصویر کشیده است. از پشت درسته
بنابراین جای تعجب است که اخیراً واقعیت جدیدی از زندگی استاد مشخص شده است. این با شاهکار او "خیابان دلفت" مرتبط است.
یان ورمیر. خیابان دلفت 1657 Rijksmuseum در آمستردام معلوم شد که ورمیر دوران کودکی خود را در این خیابان گذرانده است. خانه تصویر متعلق به عمه اش بود. او پنج فرزندش را در آنجا بزرگ کرد. او ممکن است در حالی که دو فرزندش در پیاده رو مشغول بازی هستند، پشت در نشسته و مشغول خیاطی باشد. خود ورمیر در خانه روبرو زندگی می کرد.
اما بیشتر اوقات او فضای داخلی این خانه ها و ساکنان آنها را به تصویر می کشید. به نظر می رسد که طرح های نقاشی بسیار ساده است. اینجا یک خانم زیبا، یک شهرنشین ثروتمند است که کار ترازوی خود را بررسی می کند.
یان ورمیر. زن با وزنه. 1662-1663 گالری ملی هنر، واشنگتن چگونه ورمیر در میان هزاران هلندی "کوچک" دیگر برجسته شد؟
او استاد بی نظیر نور بود. در نقاشی "زن با فلس"، نور به آرامی چهره قهرمان، پارچه ها و دیوارها را در بر می گیرد. دادن معنویت ناشناخته به تصویر.
و ترکیبات نقاشی های ورمیر با دقت بررسی می شود. شما حتی یک جزئیات اضافی پیدا نخواهید کرد. کافی است یکی از آنها را بردارید، تصویر "فرسته می شود" و جادو از بین می رود.
همه اینها برای ورمیر آسان نبود. چنین کیفیت شگفت انگیزی به کار پر زحمت نیاز داشت. فقط 2-3 نقاشی در سال. در نتیجه ناتوانی در تامین غذای خانواده. ورمیر همچنین به عنوان دلال آثار هنری کار می کرد و آثار هنرمندان دیگر را می فروخت.
5. پیتر دو هوچ (1629-1884)
پیتر دی هوچ. سلف پرتره. 1648-1649 Rijksmuseum، آمستردام هوخ اغلب با ورمیر مقایسه می شود. همزمان کار می کردند، حتی دوره ای در همان شهر بود. و در یک ژانر - خانگی. در هوخ نیز یک یا دو چهره را در حیاط ها یا اتاق های دنج هلندی می بینیم.
درها و پنجره های باز فضای نقاشی های او را چند لایه و سرگرم کننده می کند. و فیگورها بسیار هماهنگ در این فضا قرار می گیرند. همانطور که مثلاً در نقاشی او «خدمت با دختری در حیاط».
پیتر دی هوچ. خدمتکار با دختری در حیاط. 1658 گالری ملی لندن
تا قرن بیستم، هوخ بسیار ارزشمند بود. اما افراد کمی متوجه آثار معدود رقیب او ورمیر شدند.
اما در قرن بیستم همه چیز تغییر کرد. شکوه هوچ محو شد. با این حال، تشخیص ندادن دستاوردهای او در نقاشی دشوار است. تعداد کمی از مردم می توانند محیط و مردم را به این خوبی ترکیب کنند.
پیتر دی هوچ. بازیکنان کارت در اتاق آفتاب. 1658 مجموعه هنر سلطنتی، لندن لطفا توجه داشته باشید که در یک خانه ساده روی بوم "بازیکنان کارت" یک عکس در یک قاب گران قیمت وجود دارد.
این یک بار دیگر از محبوبیت نقاشی در بین هلندی های معمولی صحبت می کند. تصاویر هر خانه را زینت می داد: خانه یک شهردار ثروتمند، یک شهرنشین ساده و حتی یک دهقان.
6. جان استین (1626-1679)
جان استن سلف پرتره با عود. دهه 1670 موزه Thyssen-Bornemisza، مادرید یان استین شاید شادترین هلندی "کوچک" باشد. اما عاشق اخلاقی کردن. او اغلب میخانه‌ها یا خانه‌های فقیرانه‌ای را به تصویر می‌کشید که در آن رذیلت یافت می‌شد.
شخصیت‌های اصلی آن خوش‌گذران و خانم‌های با فضیلت آسان هستند. او می خواست بیننده را سرگرم کند، اما تلویحاً او را از یک زندگی شریرانه برحذر داشت.
جان استن آشوب. 1663 موزه تاریخ هنر، وین استن آثار آرام تری هم دارد. مثلاً «توالت صبحگاهی». اما در اینجا نیز هنرمند با جزئیات بیش از حد صریح بیننده را غافلگیر می کند. آثاری از آدامس وجود دارد و نه یک گلدان خالی. و به نوعی این طور نیست که سگ درست روی بالش دراز بکشد.
جان استن توالت صبحگاهی 1661-1665 Rijksmuseum، آمستردام اما با وجود همه بیهودگی ها، طرح های رنگی استن بسیار حرفه ای هستند. در این مورد او از بسیاری از "هلندی های کوچک" پیشی گرفت. ببینید که چگونه جوراب قرمز با ژاکت آبی و قالیچه بژ روشن هماهنگ می شود.
7. جاکوبز ون رویسدیل (1629-1882)
پرتره رویسدیل. سنگ نگاره از کتاب قرن نوزدهم. فرهنگ هلندی در قرن هفدهم
پیروزی انقلاب بورژوایی در هلند شمالی منجر به تشکیل یک دولت مستقل - جمهوری هفت استان متحد - هلند (پس از نام مهمترین این استانها) شد. برای اولین بار در یکی از کشورهای اروپا یک نظام بورژوا-جمهوری ایجاد شد. نیروهای محرکه انقلاب دهقانان و فقیرترین اقشار جمعیت شهری بودند، اما بورژوازی که به قدرت رسید، از فتوحات آن استفاده کرد.
رهایی از یوغ مطلق گرایی اسپانیا و کلیسای کاتولیک، نابودی تعدادی از محدودیت های فئودالی راه را برای رشد سریع نیروهای مولد جمهوری باز کرد، که به گفته مارکس «کشور سرمایه داری نمونه قرن هفدهم بود.» تنها در هلند در آن زمان، جمعیت شهرنشینی، به ویژه تولیدات شهری، به ویژه منشأ تولید و منفعت روستایی نبود، بر صنعت روستایی غالب بود. در اینجا توسعه یافت) اما تجارت واسطه ای که به لطف سیاست استعماری گسترش یافت. با ثروتمندتر شدن طبقات حاکم، فقر کارگران افزایش یافت، دهقانان و صنعتگران ویران شدند و در اواسط قرن هفدهم تضادهای طبقاتی تشدید شد.
با این حال، در دهه های اول پس از استقرار جمهوری، سنت های دموکراتیک دوران انقلاب زنده بود. وسعت نهضت آزادیبخش ملی، افزایش خودآگاهی مردم، لذت رهایی از یوغ بیگانه، متنوع ترین اقشار مردم را متحد کرد. این کشور شرایط را برای توسعه علوم و هنر فراهم کرده است. متفکران پیشرفته آن زمان به ویژه فیلسوف فرانسوی دکارت به اینجا پناه بردند و نظام فلسفی اساسا ماتریالیستی اسپینوزا شکل گرفت. بالاترین دستاوردها توسط هنرمندان هلند، مانند نقاشانی مانند رامبراند، رویسدیل، تربورخ، هالز، هابما، هانتورست و بسیاری دیگر از استادان نقاشی به دست آمد. هنرمندان هلندی اولین کسانی بودند که در اروپا از نفوذ ظالمانه محافل دربار و کلیسای کاتولیک رهایی یافتند و هنری دموکراتیک و واقع گرایانه خلق کردند که مستقیماً واقعیت اجتماعی را منعکس می کرد.
نقاشی هلندی قرن هفدهم
یکی از ویژگی های متمایز توسعه هنر هلندی، برتری قابل توجهی در بین تمام انواع نقاشی آن بود. تصاویر نه تنها خانه های نمایندگان نخبگان حاکم جامعه، بلکه همچنین خانه نشینان فقیر، صنعتگران و دهقانان را زینت داده است. آنها در حراجی ها و نمایشگاه ها فروخته شدند. گاهی اوقات هنرمندان از آنها به عنوان وسیله ای برای پرداخت صورت حساب استفاده می کردند. حرفه هنرمند کم نبود، نقاشان زیاد بود و به شدت با هم رقابت می کردند. تعداد کمی از آنها می توانستند خود را با نقاشی تغذیه کنند، بسیاری از آنها مشاغل مختلفی را بر عهده گرفتند: استن یک مسافرخانه بود، هابهما یک کارمند مالیاتی بود، یاکوب ون رویسدیل یک پزشک بود.
توسعه سریع نقاشی هلندی در قرن هفدهم نه تنها با تقاضای نقاشی توسط کسانی که می خواستند خانه های خود را با آنها تزئین کنند، بلکه با نگاه آنها به عنوان یک کالا، به عنوان وسیله ای برای سود، و منبع حدس و گمان توضیح داده شد. این هنرمند پس از خلاص شدن از شر مشتری مستقیم - کلیسای کاتولیک یا یک بشردوست فئودال با نفوذ - کاملاً به خواسته های بازار وابسته بود. سلایق جامعه بورژوایی مسیرهای توسعه هنر هلندی را از پیش تعیین کرد و هنرمندانی که با آنها مخالفت می کردند و از استقلال خود در زمینه خلاقیت دفاع می کردند، خود را منزوی می دیدند و در نیاز و تنهایی می مردند. علاوه بر این ، اینها معمولاً با استعدادترین استادان بودند. ذکر نام هالز و رامبراند بس است.
هدف اصلی تصویر برای هنرمندان هلندی واقعیت پیرامونی بود، که قبلاً هرگز تا این حد به طور کامل در آثار نقاشان سایر مکاتب ملی منعکس نشده بود. توسل به متنوع ترین جنبه های زندگی منجر به تقویت گرایش های واقع گرایانه در نقاشی شد که جایگاه اصلی آن را ژانر روزمره و پرتره، منظره و طبیعت بی جان اشغال کرده بود. هر چه هنرمندان واقعی تر، دنیای واقعی را که در برابرشان گشوده شده است را عمیق تر بازتاب دهند، آثارشان اهمیت بیشتری پیدا می کند.
هر ژانر شاخه های خاص خود را داشت. بنابراین، به عنوان مثال، در میان نقاشان منظره، نقاشان دریایی (دریا را به تصویر می کشند)، نقاشانی که مناظر مکان های مسطح یا بیشه های جنگلی را ترجیح می دادند، استادانی وجود داشتند که در مناظر زمستانی و مناظر با نور مهتاب تخصص داشتند: در میان نقاشان ژانر، هنرمندانی برجسته بودند که دهقانان، شهرداران، صحنه هایی از بازار، صحنه های جشن و شکار، صحنه های جشن و شکار و زندگی خانگی را به تصویر می کشیدند. استادان فضای داخلی کلیسا و انواع مختلفی از طبیعت بی جان - "صبحانه"، "دسر"، "فروشگاه" و غیره وجود داشت. ویژگی های محدودیت های نقاشی هلندی تحت تأثیر قرار گرفت و تعداد کارها را برای سازندگان آن محدود کرد. اما در عین حال تمرکز هر یک از هنرمندان بر یک ژانر خاص به اصلاح مهارت نقاش کمک کرد. تنها بزرگترین هنرمندان هلندی در ژانرهای مختلف کار می کردند.
شکل‌گیری نقاشی رئالیستی هلندی در مبارزه با روند ایتالیایی‌سازی و شیوه‌گرایی صورت گرفت. نمایندگان این گرایش ها، هر کدام به شیوه خود، اما صرفاً ظاهری، تکنیک های هنرمندان ایتالیایی را به عاریت گرفتند که عمیقاً با سنت های نقاشی ملی هلندی بیگانه بودند. در مراحل اولیه شکل گیری نقاشی هلندی که سال های 1609-1640 را در بر می گرفت، گرایش های واقع گرایانه به وضوح در ژانر پرتره و روزمره تجلی یافت.
منظره هلند
اصول منظره واقع گرایانه هلندی در یک سوم اول قرن هفدهم شکل گرفت. سازندگان منظره واقع گرایانه به جای قوانین مشروط و طبیعت ایده آل و تخیلی در نقاشی های استادان جهت ایتالیایی به تصویر کشیدن طبیعت واقعی هلند با تپه ها و کانال ها، خانه ها و روستاها روی آوردند. آنها نه تنها شخصیت منطقه را با تمام نشانه ها به تصویر کشیدند، و نقوش معمولی از منظره ملی را ایجاد کردند، بلکه به دنبال انتقال فضای فصل، هوای مرطوب و فضا بودند. این به توسعه نقاشی تونال کمک کرد، تابعیت تمام اجزای تصویر به یک لحن واحد.
یکی از بزرگترین نمایندگان چشم انداز واقع گرایانه هلندی یان ون گوین (1596-1656) بود. او در لیدن و لاهه کار می کرد. نقوش مورد علاقه هنرمند جان ون گوین در مناظر کوچکش: دره ها و سطح آب رودخانه های وسیع با شهرها و روستاها در کرانه های آنها در روزهای خاکستری و ابری. فضای زیادی (حدود دو سوم تصویر) یان ون گوین آسمان را با ابرهای چرخان اشباع شده از رطوبت ترک کرد. چنین نقاشی "منظره ای از رودخانه Vaal در نزدیکی Nijmegen" (1649، مسکو، موزه هنرهای زیبای دولتی پوشکین) است که در طیف رنگی نازک قهوه ای مایل به خاکستری وجود دارد.
نوع خاصی از منظره که حیوانات، مراتع با گاو، گوسفند را به تصویر می کشد توسط پل پاتر (1625-1654) ایجاد شد. این هنرمند با مطالعه کامل عادات حیوانات ، اغلب از آنها نماهای نزدیک می گرفت و با دقت بافت هر ماده ، پشم نرم و کوچکترین جزئیات را می نوشت. نقاشی های "گاو نر" (1647، لاهه، موریتشویس)، "سگ روی یک زنجیر" (سن پترزبورگ، هرمیتاژ) از این قبیل هستند.
طبیعت بی جان هلندی
همراه با نقاشی منظره، طبیعت بی جان که با شخصیتی صمیمی متمایز می شد، در قرن هفدهم در هلند رواج یافت. هنرمندان هلندی طیف گسترده ای از اشیاء را برای زندگی بی جان خود انتخاب کردند، آنها می دانستند که چگونه آنها را کاملاً بسازند تا ویژگی های هر شی و زندگی درونی آن را آشکار کنند که به طور جدایی ناپذیری با زندگی انسان پیوند خورده است.
نقاشان هلندی قرن هفدهم پیتر کلاز (حدود 1597 - 1661) و ویلم هدا (1594-1680/1682) انواع مختلفی از "صبحانه" را نقاشی کردند که ژامبون ها، نان های قرمز رنگ، کیک های شاه توت، هر یک از میزهای شیشه ای شکننده با میزهای رنگارنگ نیمه رنگی را به تصویر کشیدند. مهارت شگفت انگیز حضور اخیر انسان در بی نظمی، چیدمان تصادفی چیزهایی که به تازگی به او خدمت کرده اند، محسوس است. اما این اختلال فقط آشکار است، زیرا ترکیب هر طبیعت بی جان به دقت فکر شده و پیدا شده است. طیف رنگی زیتونی مایل به خاکستری متمایل به طلایی، سوژه ها را متحد می کند و صدای خاصی به آن رنگ های خالصی می بخشد که بر طراوت یک لیموی تازه برش خورده یا ابریشم نرم یک روبان آبی تأکید دارند.
با گذشت زمان، "صبحانه" استادان طبیعت بی جان، نقاشان Claes و Heda جای خود را به "دسر" هنرمندان هلندی Abraham van Beijeren (1620/1621-1690) و Willem Kalf (1622-1693) می دهند. طبیعت های بیجان Beieren از نظر ترکیب سختگیرانه، از نظر احساسی غنی، رنگارنگ هستند. ویلم کالف در طول زندگی خود به شیوه ای آزاد و "آشپزخانه" دموکراتیک - گلدان ها ، سبزیجات و طبیعت بی جان ، اشرافی در انتخاب اشیاء گرانبها نفیس ، پر از اشراف محدود ، مانند ظروف نقره ای ، جام ها ، صدف های اشباع شده با سوزاندن درونی رنگ ها نقاشی کرد.
در توسعه بیشتر، طبیعت بیجان همان مسیرهای هنر هلندی را دنبال می کند و دموکراسی، معنویت و شعر و جذابیت خود را از دست می دهد. طبیعت بی جان به دکوراسیون منزل مشتریان رده بالا تبدیل می شود. با تمام تزیینات و مهارت های اجرا، زندگی بی جان دیرهنگام افول نقاشی هلندی را پیش بینی می کند.
انحطاط اجتماعی، اشراف شناخته شده بورژوازی هلندی در یک سوم پایانی قرن هفدهم، تمایلی به همگرایی با دیدگاه های زیبایی شناختی اشراف فرانسوی ایجاد می کند، منجر به ایده آل سازی تصاویر هنری، پالایش آنها می شود. هنر در حال از دست دادن پیوند با سنت دموکراتیک، از دست دادن اساس واقع گرایانه خود و ورود به دوره افول طولانی است. هلند که در جنگ با انگلیس به شدت خسته شده است، موقعیت خود را به عنوان یک قدرت تجاری بزرگ و بزرگترین مرکز هنری از دست می دهد.
هنر فرانسوی قرن هفدهم
در هنر فرانسه قرن هفدهم، ایده هایی درباره انسان و جایگاه او در جامعه، که در زمان شکل گیری سلطنت های متمرکز در اروپا ایجاد شد، کامل ترین بازتاب را یافت. کشور کلاسیک مطلق گرایی که رشد روابط بورژوایی را تضمین می کرد، فرانسه رونق اقتصادی را تجربه کرد و به یک قدرت قدرتمند اروپایی تبدیل شد. مبارزه برای اتحاد ملی علیه خودخواهی و هرج و مرج فئودالی به تقویت نظم بالای ذهنی، احساس مسئولیت فرد در قبال اعمال خود و علاقه به مشکلات دولتی کمک کرد. دکارت فیلسوف نظریه اراده را توسعه داد و تسلط ذهن انسان را اعلام کرد. او با تلقی جهان به عنوان مکانیزمی سازمان یافته عقلایی، خواستار خودشناسی و تسخیر طبیعت شد. عقل گرایی به یکی از ویژگی های فرهنگ فرانسه تبدیل شد. در اواسط قرن هفدهم، یک زبان ادبی ملی توسعه یافته بود - این زبان اصول وضوح منطقی، دقت و حس نسبت را تأیید می کرد. در آثار کورنیل و راسین، تراژدی کلاسیک فرانسه به اوج خود رسید. مولیر در درام های خود «کمدی انسانی» را بازآفرینی می کند. فرانسه دوران اوج فرهنگ ملی را تجربه می کرد، تصادفی نیست که ولتر قرن هفدهم را "بزرگ" نامید.
فرهنگ فرانسوی قرن هفدهم در شرایط استقرار مطلق گرایی شکل گرفت. با این حال، تنوع و ناهماهنگی آن، حرکت گسترده ای را برای اتحاد ملی تعیین کرد. پاسخ‌های روشنی به درگیری‌های اجتماعی شدیدی یافت که با تولد یک جامعه جدید همراه بود. در نیمه اول قرن هفدهم، پایه های دولت توسط قیام های دهقانی و شهری، جنبش بزرگ دموکراتیک پارلمانی فروند، متزلزل شد. بر این اساس، آرمان‌شهرها متولد شدند، رویاهای جامعه آرمانی مبتنی بر قوانین عقل و عدالت و نقد آزاداندیشانه مطلق‌گرایی. توسعه هنر فرانسه در قرن هفدهم دو مرحله را طی کرد که مصادف با نیمه اول و دوم قرن بود.
هنر اروپای غربی در قرن هجدهم
قرن هجدهم در اروپای غربی آخرین مرحله گذار طولانی از فئودالیسم به سرمایه داری است. در اواسط قرن، روند انباشت اولیه سرمایه تکمیل شد، مبارزه ای در همه حوزه های آگاهی اجتماعی به راه افتاد و وضعیت انقلابی در حال بلوغ بود. بعدها به تسلط اشکال کلاسیک سرمایه داری توسعه یافته منجر شد. در طول یک قرن، تجزیه عظیمی از همه مبانی، مفاهیم و معیارهای اجتماعی و دولتی برای ارزیابی جامعه قدیمی انجام شد. جامعه ای متمدن پدید آمد، مطبوعات دوره ای ظاهر شد، احزاب سیاسی تشکیل شد، مبارزه برای رهایی انسان از قید جهان بینی فئودالی-مذهبی در جریان بود.
در هنرهای تجسمی، اهمیت تصویر واقعی واقعی از زندگی افزایش یافت. حوزه هنر گسترش یافت، به سخنگویی فعال برای ایده های رهایی بخش تبدیل شد، مملو از موضوعیت، روحیه مبارزاتی بود، رذایل و پوچ های نه تنها فئودالی، بلکه جامعه بورژوازی در حال ظهور را نیز محکوم کرد. همچنین ایده‌آل مثبت جدیدی از شخصیت بی‌بند و بار یک فرد، عاری از ایده‌های سلسله مراتبی، در حال توسعه توانایی‌های فردی و در عین حال دارای حس عالی شهروندی را مطرح می‌کند. هنر ملی شد، نه تنها به دایره خبره های تصفیه شده، بلکه به یک محیط دموکراتیک گسترده توجه کرد.
| هنرهای زیبای قرن هجدهم در بهترین آثار با تجزیه و تحلیل ظریف ترین تجربیات انسانی، بازتولید تفاوت های ظریف احساسات و حالات مشخص می شود. صمیمیت، تغزل تصاویر، و همچنین مشاهده تحلیلی (گاهی بی رحمانه) از ویژگی های بارز هنر قرن 18 است. چه در ژانر پرتره و چه در نقاشی روزمره. این ویژگی‌های ادراک هنری از زندگی سهم قرن هجدهم در توسعه فرهنگ هنری جهان است، اگرچه باید اذعان داشت که این امر به بهای از دست دادن کاملیت جهانی در تصویر زندگی معنوی، یکپارچگی در تجسم دیدگاه‌های زیبایی‌شناختی جامعه، مشخصه نقاشی روبنس، ولازکز، رمبزینوس به دست آمد. | |
روندهای اصلی در توسعه اجتماعی و ایدئولوژیک اروپای غربی در قرن هجدهم به طور نابرابر در کشورهای مختلف ظاهر شد. اگر در انگلستان، انقلاب صنعتی که در اواسط قرن هجدهم روی داد، سازش بین بورژوازی و اشراف را تحکیم کرد، در فرانسه جنبش ضد فئودالی شخصیت گسترده تری داشت و در حال تدارک یک انقلاب بورژوایی بود. مشترک همه کشورها بحران فئودالیسم، ایدئولوژی آن، تشکیل یک جنبش اجتماعی گسترده بود - روشنگری، با کیش طبیعت و عقل دست نخورده اولیه که از آن محافظت می کند، با انتقادش از تمدن فاسد مدرن و رویای هماهنگی طبیعت مفید و تمدن دموکراتیک جدید که به سوی یک دولت طبیعی می کشد.
قرن هجدهم عصر عقل، شک و کنایه ویرانگر، عصر فیلسوفان، جامعه شناسان، اقتصاددانان است. علوم دقیق طبیعی، جغرافیا، باستان شناسی، تاریخ و فلسفه مادی، مرتبط با فناوری، توسعه یافت. دانش علمی با هجوم به زندگی ذهنی آن دوران، زیربنای مشاهده و تحلیل دقیق واقعیت را برای هنر ایجاد کرد. روشنگران هدف هنر را تقلید از طبیعت اعلام کردند، اما طبیعت را سفارشی و بهبود بخشیدند (Didero، A. Pope)، که با عقل از تأثیرات مضر تمدن انسان ساخته شده توسط یک رژیم مطلقه، نابرابری اجتماعی، بیکاری و تجمل پاک شد. خردگرایی اندیشه فلسفی و زیبایی‌شناختی قرن هجدهم، طراوت و صمیمیت احساس را سرکوب نکرد، بلکه تلاش برای تناسب، لطف و کامل بودن هماهنگ پدیده‌های هنری هنر، از مجموعه‌های معماری گرفته تا هنر کاربردی را به وجود آورد. روشنگران اهمیت زیادی در زندگی و هنر به احساس می دادند - کانون اصیل ترین آرزوهای بشر، احساسی که مشتاق عمل هدفمند است، حاوی نیرویی است که زندگی را متحول می کند، احساسی که قادر به احیای فضایل اولیه یک "انسان طبیعی" (دفو، روسو، مرسیه)، پیروی از قوانین طبیعی طبیعت است.
قصیده روسو "انسان فقط در احساساتش عالی است" یکی از جنبه های قابل توجه زندگی اجتماعی قرن هجدهم را بیان می کند که منجر به تجزیه و تحلیل عمیق روانشناختی پالایش شده در پرتره و ژانری واقع گرایانه شد، شعر احساسات در منظر غنایی نفوذ کرد، "Gainsborough, Rovely, Rovette" seau، Prevost، Marivaux، Fielding، Stern، Richardson)، در ظهور موسیقی (هندل، باخ، گلوک، هایدن، موتزارت، آهنگسازان اپرای ایتالیایی) به بالاترین بیان خود می رسد. از یک طرف، "مردم کوچک" قهرمان آثار هنری نقاشی، گرافیک، ادبیات و تئاتر قرن هجدهم شدند - مردم، مانند هر کس دیگری، در شرایط معمول آن دوران قرار گرفتند، از رفاه و امتیازات خراب نشدند، تابع حرکات طبیعی طبیعی روح بودند، از شادی متوسط راضی بودند. هنرمندان و نویسندگان صداقت، بی‌واسطگی ساده روح، نزدیک به طبیعت را تحسین می‌کردند. از سوی دیگر، تمرکز بر آرمان یک مرد روشنفکر متمدن رهایی یافته است که توسط فرهنگ روشنگری، تجزیه و تحلیل روانشناسی فردی او، حالات و احساسات متضاد ذهنی با ظرایف ظریف، انگیزه های غیرمنتظره و حالات بازتابی ایجاد شده است.
مشاهده دقیق، فرهنگ تفکر و احساس تصفیه شده از ویژگی های همه ژانرهای هنری قرن هجدهم است. هنرمندان به دنبال ثبت موقعیت‌های زندگی روزمره با سایه‌های مختلف، تصاویر فردی اصیل، گرایش به روایت‌های سرگرم‌کننده و منظره‌های مسحورکننده، کنش‌های متضاد تند، دسیسه‌های دراماتیک و توطئه‌های کمدی، گروتسک پیچیده، مزاحم، پاستورال‌های برازنده، جشن‌های شجاعانه بودند.
مشکلات جدیدی نیز در معماری مطرح شد. اهمیت ساختمان کلیسا کاهش یافته است و نقش معماری مدنی افزایش یافته است، بسیار ساده، به روز شده، رها از تاثیرگذاری بیش از حد. در برخی کشورها (فرانسه، روسیه، تا حدی آلمان) مشکلات برنامه ریزی شهرهای آینده حل شد. آرمانشهرهای معماری متولد شدند (مناظر گرافیکی معماری - جیووانی باتیستا پیرانسی و به اصطلاح "معماری کاغذی"). نوع ساختمان‌های مسکونی خصوصی و معمولاً صمیمی و مجموعه‌های شهری ساختمان‌های عمومی مشخص شد. در عین حال، در هنر قرن هجدهم در مقایسه با دوران پیشین، ادراک ترکیبی و کامل بودن پوشش زندگی کاهش یافت. پیوند سابق نقاشی و مجسمه سازی با معماری گسسته شد و ویژگی های نقاشی سهل و تزئینات در آنها تشدید شد. موضوع یک فرقه خاص هنر زندگی روزمره، اشکال تزئینی بود. در همان زمان، تعامل و غنی سازی متقابل انواع مختلف هنر افزایش یافت، دستاوردهای به دست آمده توسط یک نوع هنر آزادانه تر توسط دیگران استفاده شد. بنابراین تأثیر تئاتر بر نقاشی و موسیقی بسیار مثمر ثمر بود.
هنر قرن هجدهم دو مرحله را طی کرد. اولین تا 1740-1760 ادامه یافت. با تغییر فرم های باروک اواخر به سبک تزئینی روکوکو مشخص می شود. اصالت هنر نیمه اول قرن هجدهم - در ترکیبی از شک و پیچیدگی شوخ و تمسخرآمیز. این هنر از یک طرف پالایش می شود ، ظرافت های احساسات و حالات را تجزیه و تحلیل می کند ، تلاش برای صمیمیت ظریف ، غزلیات محدود ، از سوی دیگر ، به سمت "فلسفه لذت" جذب می شود ، به سمت تصاویر افسانه ای شرق - اعراب ، چینی ها ، ایرانی ها. همزمان با روکوکو، یک روند واقع گرایانه توسعه یافت - برای برخی از استادان یک شخصیت به شدت متهم کننده به دست آورد (هوگارث، سوئیفت). مبارزه گرایش های هنری در مدارس ملی آشکارا آشکار شد. مرحله دوم با تعمیق تضادهای ایدئولوژیک، رشد خودآگاهی، فعالیت سیاسی بورژوازی و توده ها همراه است. در آستانه 1760-1770. آکادمی سلطنتی در فرانسه با هنر روکوکو مخالفت کرد و سعی کرد سبک تشریفاتی و آرمانی هنر آکادمیک اواخر قرن هفدهم را احیا کند. ژانرهای شجاعانه و اسطوره‌ای جای خود را به ژانر تاریخی با طرح‌هایی که از تاریخ روم به عاریت گرفته بود، دادند. از آنها خواسته شد تا بر عظمت سلطنت که اقتدار خود را از دست داده بود، مطابق با تفسیر ارتجاعی از ایده های «مطلق گرایی روشنگرانه» تأکید کنند. نمایندگان اندیشه های پیشرفته به میراث دوران باستان روی آوردند. در فرانسه، کنت دو کایلوس دوران علمی تحقیق در این زمینه را گشود ("مجموعه آثار باستانی"، 7 جلد، 1752-1767). در اواسط قرن هجدهم، باستان شناس آلمانی و مورخ هنر وینکلمان (تاریخ هنر باستان، 1764) هنرمندان را ترغیب کرد که به "سادگی نجیب و عظمت آرام هنر باستانی بازگردند، که در خود بازتابی از آزادی یونانی ها و رومی ها در دوران جمهوری است." دیدرو فیلسوف فرانسوی توطئه هایی در تاریخ باستان یافت که ظالمان را محکوم می کرد و خواستار قیام علیه آنها شد. کلاسیک گرایی به وجود آمد که تزئینی بودن روکوکو را با سادگی طبیعی ، خودسری ذهنی احساسات - دانش قوانین دنیای واقعی ، حس نسبت ، اشراف فکر و اعمال متضاد کرد. هنرمندان ابتدا هنر یونان باستان را در بناهای تاریخی تازه کشف شده مطالعه کردند. اعلان یک جامعه آرمانی و هماهنگ، تقدم وظیفه بر احساس، ترحم عقل از ویژگی های رایج کلاسیکیسم قرن هفدهم و هجدهم است. با این حال، کلاسیک گرایی قرن هفدهم، که بر اساس اتحاد ملی بوجود آمد، در شرایط شکوفایی جامعه نجیب توسعه یافت. کلاسیکیسم قرن 18 با جهت گیری انقلابی ضد فئودالی مشخص می شود. هدف آن اتحاد نیروهای مترقی ملت برای مبارزه با مطلق گرایی بود. در خارج از فرانسه، کلاسیک خصلت انقلابی ای را که در سال های اولیه انقلاب فرانسه داشت، نداشت.
همزمان با کلاسیک گرایی، با تجربه تأثیر آن، روند واقع گرایانه به حیات خود ادامه داد. گرایش های عقل گرایانه در آن ترسیم شد: هنرمندان به دنبال تعمیم پدیده های زندگی بودند.
در نیمه دوم قرن هجدهم، احساسات گرایی با فرقه احساس و اشتیاق، تحسین برای هر چیز ساده، ساده لوحانه، صمیمانه متولد شد. یک گرایش پیش از رمانتیک مرتبط در هنر بوجود آمد و علاقه به قرون وسطی و اشکال هنر عامیانه به وجود آمد. نمایندگان این جنبش ها ارزش احساسات نجیب و فعال یک فرد را تأیید کردند، درام درگیری های او با محیط را آشکار کردند و او را وادار کردند که به نام پیروزی عدالت در امور عمومی واقعی دخالت کند. آنها راه را برای "شناخت قلب انسان و هنر جادویی ارائه به چشمان منشأ، توسعه و فروپاشی یک شور و شوق بزرگ" (لسینگ) هموار کردند و نیاز روزافزون به هنر هیجان زده و رقت انگیز را بیان کردند.
هنر قرن 19
در طول قرن نوزدهم، سرمایه‌داری نه تنها در اروپا، بلکه در سایر قاره‌ها نیز به شکل‌گیری غالب تبدیل شد. در این دوره بود که مبارزه بین دو فرهنگ - دمکراتیک مترقی و بورژوای مرتجع - به شدت افزایش یافت. هنر واقع گرایانه قرن نوزدهم با بیان ایده های پیشرفته زمان، ارزش های زیبایی شناختی واقعیت را تأیید کرد، زیبایی طبیعت واقعی و انسان کارگر را تجلیل کرد. رئالیسم قرن نوزدهم با قرن های قبل تفاوت داشت زیرا مستقیماً تضادهای اصلی دوران ، شرایط اجتماعی زندگی مردم را در هنر منعکس می کرد. مواضع انتقادی اساس روش هنر رئالیستی را در قرن نوزدهم تعیین کرد. منسجم ترین تجسم او هنر رئالیسم انتقادی بود - ارزشمندترین کمک به فرهنگ هنری آن دوران.
حوزه های مختلف فرهنگ قرن نوزدهم به طور نابرابر توسعه یافتند. ادبیات جهان (ویکتور هوگو، اونوره بالزاک، هانری استاندال، فئودور داستایوفسکی، لئو تولستوی)، موسیقی (یوهان بتهوون، فردریک شوپن، ریچارد واگنر) به بالاترین سطح می رسد. با توجه به معماری و هنرهای کاربردی، پس از ظهوری که سبک امپراتوری را تعریف کرد، هر دوی این هنرها در بحران هستند. از هم پاشیدگی فرم های یادبود، وحدت سبکی به عنوان یک نظام هنری یکپارچه وجود دارد که همه انواع هنر را پوشش می دهد. اشکال ساده نقاشی، گرافیک و تا حدی مجسمه سازی که در بهترین جلوه های خود به سمت فرم های یادبود می کشند، کامل ترین پیشرفت را دریافت می کنند.
با هویت ملی در هنر هر کشور سرمایه‌داری، ویژگی‌های مشترک افزایش می‌یابد: ارزیابی انتقادی از پدیده‌های زندگی، تاریخ‌گرایی تفکر، یعنی درک عینی عمیق‌تر نیروهای محرک توسعه اجتماعی، چه در مراحل گذشته تاریخی و چه در حال حاضر. یکی از دستاوردهای اصلی هنر قرن 19 توسعه مضامین تاریخی است که در آن برای اولین بار نقش نه تنها قهرمانان فردی، بلکه توده های مردم نیز آشکار می شود و محیط تاریخی به طور خاص بازسازی می شود. انواع پرتره، ژانر روزمره، منظره با شخصیت ملی برجسته به طور گسترده استفاده می شود. روزهای اوج، گرافیک طنز را تجربه می کند.
با پیروزی سرمایه داری، بورژوازی بزرگ به نیروی اصلی علاقه مند در محدود کردن و سرکوب گرایش های واقع گرایانه و دموکراتیک هنر تبدیل می شود. خلقت چهره های برجسته فرهنگ اروپایی پاسبان، گویا، ژریکولت، دلاکروا، داومیر، کوربه، مانه اغلب مورد آزار و اذیت قرار می گرفت. نمایشگاه ها مملو از آثار صیقلی هنرمندان به اصطلاح سالن بود، یعنی کسانی که جایگاه غالبی در سالن های هنری داشتند. آنها برای خوشایند ذائقه و خواسته های مشتریان بورژوایی، توصیفات سطحی، انگیزه های اروتیک و سرگرم کننده، روحیه عذرخواهی از بنیادهای بورژوایی و نظامی گری را پرورش دادند.
در اوایل دهه 1860، کارل مارکس اظهار داشت که "تولید سرمایه داری با شاخه های خاصی از تولید معنوی مانند هنر و شعر خصمانه است." هنر عمدتاً به عنوان یک سرمایه گذاری سودآور (مجموعه) یا به عنوان یک کالای تجملی به بورژوازی علاقه دارد. البته، مجموعه دارانی وجود داشتند که درک درستی از هنر و هدف آن داشتند، اما این تعداد کمی بودند، استثناهایی از قوانین. به طور کلی، بورژوازی که به عنوان یک جریان ساز و مصرف کننده اصلی هنر عمل می کند، درک محدود خود از هنر را به هنرمندان تحمیل می کند. توسعه تولید انبوه در مقیاس بزرگ با غیرشخصی بودن و اتکا به بازار مستلزم سرکوب خلاقیت بود. تقسیم کار در تولید سرمایه داری رشد یک طرفه فرد را پرورش می دهد و خود کار را از یکپارچگی خلاق محروم می کند. مارکس و انگلس در مورد خصومت سرمایه داری با هنر، غیرممکن عمومی پیشرفت هنری در قرن 19 و 20 را در نظر نداشتند. بنیانگذاران کمونیسم علمی در نوشته های خود دستاوردهای مثلاً رئالیسم انتقادی قرن نوزدهم را ستودند.
خط دموکراتیک هنر که نقش مردم را به عنوان نیروی محرکه تاریخ آشکار می کند و ارزش های زیبایی شناختی فرهنگ دموکراتیک ملت را تأیید می کند، مراحل مختلفی از توسعه را طی می کند. در مرحله اول، از انقلاب کبیر فرانسه 1789-1794 تا 1815 (زمان مبارزه ملی آزادیبخش خلق ها علیه تهاجم ناپلئونی)، ماهیت استثماری جامعه بورژوایی هنوز به طور کامل درک نشده بود. هنر دموکراتیک در مبارزه با بقایای فرهنگ هنری اشراف و همچنین در برابر مظاهر محدودیت های ایدئولوژی بورژوازی شکل می گیرد. بالاترین دستاوردهای هنر در آن زمان با ترحم انقلابی توده‌ها همراه بود که به پیروزی آرمان‌های آزادی، برابری و برادری معتقد بودند. این دوران اوج کلاسیک گرایی انقلابی و تولد هنر رمانتیک و رئالیستی است.
مرحله دوم، از 1815 تا 1849، در زمان استقرار نظام سرمایه داری در اکثر کشورهای اروپایی است. در هنر پیشرفته دموکراتیک این مرحله، گذار به نقدی قاطع از جوهر استثمارگر جامعه بورژوایی در حال انجام است. این دوره بالاترین شکوفایی رمانتیسم انقلابی و شکل گیری هنر رئالیسم انتقادی است.
با تشدید تضادهای طبقاتی بین بورژوازی و پرولتاریا، که در کمون پاریس (1871) به اوج خود رسید، تضاد بین فرهنگ‌های بورژوازی مرتجع و دمکراتیک آشکارتر می‌شود. در پایان قرن نوزدهم، انتقاد از شیوه زندگی سرمایه داری، چه در ادبیات و چه در آثار هنری زیبا، از دیدگاه جهان بینی رو به رشد پرولتاریای انقلابی انجام می شود.
اطلاعات مشابه
نقاشی هلندی تا پایان قرن شانزدهم پیوند ناگسستنی با فلاندری ها داشت و نام رایج "مکتب هلندی" را داشت. هر دوی آنها که شاخه ای از نقاشی آلمانی هستند، برادران ون ایک را اجداد خود می دانند و برای مدت طولانی در یک مسیر حرکت می کنند و تکنیک مشابهی را توسعه می دهند، به طوری که هنرمندان هلند هیچ تفاوتی با فلاندر و برابانت خود ندارند. همتایان
هنگامی که مردم هلند از ظلم و ستم اسپانیا خلاص شدند، نقاشی هلندی شخصیت ملی به خود می گیرد. هنرمندان هلندی با بازتولید طبیعت با عشقی خاص در تمام سادگی و حقیقت و حس لطیف رنگ متمایز می شوند.
هلندی ها اولین کسانی بودند که متوجه شدند حتی در طبیعت بی جان همه چیز جان می دهد، همه چیز جذاب است، همه چیز قادر به برانگیختن فکر و هیجان انگیز است.
در میان نقاشان منظره‌ای که طبیعت بومی خود را تفسیر می‌کنند، یان ون گوین (1595-1656) مورد احترام خاصی است که همراه با Esaias van de Velde (حدود 1590-1630) و Pieter Moleyn the Elder (1595-1661) بنیانگذار چشم انداز هلندی
اما هنرمندان هلند را نمی توان به مدارس تقسیم کرد. تعبیر "مکتب نقاشی هلندی" بسیار مشروط است. در هلند، جوامع سازماندهی شده هنرمندان شکل گرفت، که شرکت های آزاد بودند که از حقوق اعضای خود محافظت می کردند و بر فعالیت های خلاق تأثیر نمی گذاشتند.
نام رامبراند (1606-1669) به ویژه در تاریخ می درخشد، که در شخصیت او تمام بهترین ویژگی های نقاشی هلندی متمرکز شده بود و تأثیر او در تمام ژانرهای آن - در پرتره ها، نقاشی های تاریخی، صحنه های روزمره و مناظر منعکس شد.
در قرن هفدهم، نقاشی داخلی با موفقیت توسعه یافت، اولین آزمایشات آن حتی در مدرسه قدیمی هلند نیز ذکر شده است. در این ژانر نام های کورنلیس بیگ (1620-64)، ریچارد براکنبورگ (1650-1702)، کورنلیس دوسارت (1660-1704)، هنریک روکس، ملقب به سورگ (1621-82)،
هنرمندانی که صحنه هایی از زندگی نظامی را به تصویر کشیده اند را می توان در زمره نقاشان ژانر طبقه بندی کرد. نماینده اصلی این شاخه از نقاشی فیلیپس وورمن معروف و فوق العاده پرکار (1619-1668) است.
در مقوله‌ای خاص می‌توان استادانی را که در نقاشی‌های خود منظره را با تصویر حیوانات ترکیب کردند، مشخص کرد. آلبرت کویپ (1620-91).
هنرمندان هلند با بیشترین توجه، دریا را درمان کردند.
در آثار ویلم ون دو ولده بزرگ (1611 یا 93-1612)، پسر معروفش ویلم ون دو ولده جوان (1633-1707)، لودولف باخویزن (1631-1708)، نقاشی گونه های دریایی تخصص آنها را تشکیل می داد.
در زمینه طبیعت بی جان، یان دیویدز د جم (1606-83)، پسرش کورنلیس (1631-95)، آبراهام میگنون (1640-79)، ملکیور دو گوندکوتر (1636-95)، ماریا اوستروییک (1630-93) ) بیشترین شهرت را به دست آورد .
دوره درخشان نقاشی هلندی طولانی نشد - فقط یک قرن.
با آغاز قرن هجدهم. افول آن آغاز می شود، دلیل این امر سلیقه و دیدگاه های دوران پرشکوه لویی چهاردهم است. به جای رابطه مستقیم با طبیعت، عشق به بومی و اخلاص، غلبه نظریه های از پیش تعیین شده، قراردادی بودن، تقلید از مفاخر مکتب فرانسه برقرار می شود. توزیع کننده اصلی این کارگردانی ناگوار فلمینگ جرارد دو لرس (1641-1711) بود که در آمستردام ساکن شد.
آدریان ون دو ورف معروف (1722-1659) نیز به زوال مدرسه کمک کرد، رنگ کسل کننده نقاشی های او زمانی اوج کمال به نظر می رسید.
تأثیر خارجی تا دهه بیست قرن نوزدهم بر نقاشی هلندی تأثیر زیادی داشت.
متعاقباً ، هنرمندان هلندی به قدمت خود - به مشاهده دقیق طبیعت - روی آوردند.
جدیدترین نقاشی هلندی به ویژه در نقاشان منظره غنی است. از جمله آندریاس شلفهوت (1787-1870)، بارنت کوکوک (62-1803)، آنتون موو (88-1838)، یاکوب ماریس (متولد 1837)، یوهانس وایسنبروخ (1822-1880) و دیگران.
در میان جدیدترین نقاشان دریایی در هلند، نخل متعلق به یوهانس شوتل (1787-1838) است.
در نقاشی حیوانات، Wouters Verschoor (74-1812) مهارت زیادی از خود نشان داد.
شما می توانید نمونه هایی از نقاشی های هنرمندان هلندی را در فروشگاه اینترنتی ما خریداری کنید.
در همین حال، این منطقه ویژه ای از فرهنگ اروپایی است که ارزش مطالعه دقیق تر را دارد، که نشان دهنده زندگی اصلی مردم هلند آن زمان است.
تاریخچه ظهور
نمایندگان درخشان هنر در قرن هفدهم در کشور ظاهر شدند. فرهنگ شناسان فرانسوی به آنها یک نام مشترک دادند - "هلندی کوچک"، که با مقیاس استعدادها مرتبط نیست و دلالت بر دلبستگی به موضوعات خاصی از زندگی روزمره دارد، برخلاف سبک "بزرگ" با بوم های بزرگ در موضوعات تاریخی یا اسطوره ای. تاریخچه پیدایش نقاشی هلندی در قرن نوزدهم به تفصیل شرح داده شد و نویسندگان آثاری درباره آن نیز از این اصطلاح استفاده کردند. "هلندی های کوچک" با رئالیسم سکولار متمایز شدند، آنها به دنیای اطراف خود و مردم روی آوردند، آنها از نقاشی های سرشار از تن استفاده کردند.
نقاط عطف توسعه
تاریخچه پیدایش نقاشی هلندی را می توان به چند دوره تقسیم کرد. اولین مورد تقریباً از سال 1620 تا 1630 به طول انجامید، زمانی که رئالیسم در هنر ملی حاکم شد. دوره دوم نقاشی هلندی در 1640-1660 تجربه شد. این زمانی است که اوج واقعی مدرسه هنری محلی است. سرانجام، دوره سوم، زمانی که نقاشی هلندی شروع به افول کرد - از سال 1670 تا اوایل قرن هجدهم.
شایان ذکر است که مراکز فرهنگی در این مدت تغییر کرده اند. در دوره اول هنرمندان برجسته در هارلم کار کردند و هالسا نماینده اصلی آن بود. سپس مرکز به آمستردام منتقل شد، جایی که مهمترین آثار توسط رامبراند و ورمیر اجرا شد.
صحنه های زندگی روزمره
هنگام فهرست کردن مهم ترین ژانرهای نقاشی هلندی، قطعاً باید از زندگی روزمره شروع کرد - چشمگیرترین و اصلی ترین در تاریخ. این فلاندی ها بودند که صحنه هایی از زندگی روزمره مردم عادی، دهقانان و مردم شهر یا شهرنشینان را به روی جهان گشودند. پیشگامان Ostade و پیروان او Oudenrogge، Bega و Dusart بودند. در نقاشی های اولیه اوستاد، مردم در یک میخانه ورق بازی می کنند، دعوا می کنند و حتی دعوا می کنند. هر تصویر با شخصیتی پویا و تا حدی وحشیانه متمایز می شود. نقاشی هلندی آن زمان همچنین از صحنه های صلح آمیز می گوید: در برخی از آثار، دهقانان با یک پیپ و یک لیوان آبجو صحبت می کنند، وقت خود را در نمایشگاه یا با خانواده خود می گذرانند. تأثیر رامبراند منجر به استفاده گسترده از کیاروسکورو طلایی نرم شد. صحنه های شهری الهام بخش هنرمندانی مانند Hals، Leyster، Molenaer و Codde بوده است. در اواسط قرن هفدهم، استادان پزشکان، دانشمندان را در حین کار، کارگاه‌های خودشان، کارهای خانه یا هر طرحی قرار بود سرگرم‌کننده و گاه به طرز عجیبی تعلیمی باشد. برخی از استادان تمایل داشتند زندگی روزمره را شاعرانه کنند، به عنوان مثال، تربورخ صحنه هایی از نواختن موسیقی یا معاشقه را به تصویر می کشید. متسو از رنگ‌های روشن استفاده می‌کرد و زندگی روزمره را به تعطیلات تبدیل می‌کرد و د هوچ از سادگی زندگی خانوادگی الهام می‌گرفت که غرق در نور پراکنده روز بود. شارحان متأخر این ژانر، مانند استادان هلندی ون در ورف و ون در نیر، اغلب موضوعات تا حدی پرمدعا را در جستجوی تصویرسازی زیبا خلق می کردند.
طبیعت و مناظر
علاوه بر این، نقاشی هلندی به طور گسترده در ژانر منظره نمایش داده می شود. این اولین بار در کار استادان هارلم مانند ون گوین، دو مولین و ون رویسدیل سرچشمه گرفت. آنها بودند که شروع به به تصویر کشیدن گوشه های روستایی در نور نقره ای خاصی کردند. وحدت مادی طبیعت در آثار به منصه ظهور رسید. به طور جداگانه، لازم به ذکر است که مناظر دریایی. نقاشان دریایی در قرن هفدهم شامل Porcellis، de Vlieger و van de Capelle بودند. آنها آنقدر به دنبال انتقال صحنه های خاص دریا نبودند، بلکه سعی می کردند خود آب، بازی نور را روی آن و در آسمان به تصویر بکشند.
در نیمه دوم قرن هفدهم، آثار احساسی بیشتری با ایده های فلسفی در این ژانر پدیدار شد. یان ون رویسدیل زیبایی منظره هلند را به حداکثر رساند و آن را در تمام درام، پویایی و ماندگاری آن به تصویر کشید. هابم که مناظر آفتابی را ترجیح می داد، جانشین سنت های او شد. کونینک پانوراماها را به تصویر می کشید، در حالی که ون در نیر مشغول خلق مناظر شبانه و انتقال نور ماه، طلوع و غروب خورشید بود. تعدادی از هنرمندان نیز با به تصویر کشیدن حیوانات در مناظر، به عنوان مثال، چرای گاو و اسب، و همچنین شکار و صحنه هایی با سواره نظام مشخص می شوند. بعداً ، هنرمندان شروع به درگیر شدن در طبیعت خارجی کردند - بات ، ون لر ، ونیکس ، برچم و هاکرت ایتالیا را غرق در پرتوهای خورشید جنوب به تصویر کشیدند. پیشگام این ژانر Sanredam بود که بهترین پیروانش برادران Berkheide و Jan van der Heyden هستند.
تصویری از فضای داخلی
صحنه هایی با کلیسا، کاخ و اتاق های خانگی را می توان ژانری جداگانه نامید که نقاشی هلندی را در دوران اوج خود متمایز کرد. فضای داخلی در نقاشی های نیمه دوم قرن هفدهم توسط استادان دلفت - Haukgest ، van der Vliet و de Witte ظاهر شد که نماینده اصلی این جهت شد. هنرمندان با استفاده از تکنیک‌های ورمیر، صحنه‌هایی غرق در نور خورشید را به تصویر می‌کشند که پر از احساس و حجم است.
ظروف و ظروف زیبا
در نهایت، یکی دیگر از ژانرهای مشخصه نقاشی هلندی طبیعت بی جان است، به ویژه تصویر صبحانه ها. برای اولین بار، کلاس و خدا از هارلم، که میزهای چیده شده را با ظروف مجلل نقاشی می کردند، به این هنر دست زدند. آشفتگی زیبا و رندر خاص یک فضای داخلی دنج با نور خاکستری نقره ای، مشخصه ظروف نقره ای و اسپند پر شده است. هنرمندان اوترخت طبیعت‌های بیجان گلهای سرسبز را نقاشی می‌کردند و در لاهه، استادان به‌ویژه در به تصویر کشیدن ماهی‌ها و خزندگان دریایی موفق بودند. در لیدن، یک جهت فلسفی از این ژانر به وجود آمد که در آن جمجمه ها و ساعت های شنی در مجاورت نمادهای لذت نفسانی یا شکوه زمینی هستند که برای یادآوری گذرا بودن زمان طراحی شده اند. طبیعت‌های بی جان آشپزخانه دموکراتیک به نشانه مدرسه هنر روتردام تبدیل شده است.