انجمن خلاق هنرمندان «دنیای هنر. دانشنامه مدرسه انجمن خلاق جهان هنر که در آنجا گنجانده شده است

انجمن هنر روسیه. در اواخر دهه 1890 شکل گرفت. (رسما در سال 1900) بر اساس حلقه ای از هنرمندان جوان و هنردوستان به رهبری A. N. Benois و S. P. Diaghilev. به عنوان اتحادیه نمایشگاهی زیر نظر مجله میر ... ... دایره المعارف هنر

انجمن هنرمندان (1898 1924) که در سن پترزبورگ توسط A.N. Benois و S.P. دیاگیلف. نمایندگان دنیای هنر هم آکادمیک گرایی و هم گرایش به سرگردانان را رد کردند. با تکیه بر شاعرانگی نمادگرایی، اغلب به دنیای گذشته می رفتند ... دایره المعارف مدرن

"دنیای هنر"- "دنیای هنر"، انجمن (1898 1924) هنرمندان، ایجاد شده در سنت پترزبورگ توسط A.N. Benois و S.P. دیاگیلف. نمایندگان "دنیای هنر" هم آکادمیک گرایی و هم گرایش به سرگردانان را رد کردند. با تکیه بر شاعرانگی نمادگرایی، اغلب ... ... فرهنگ لغت دایره المعارف مصور

E. E. Lansere. کشتی های زمان پیتر اول. مزاج. 1911. گالری ترتیاکوف. مسکو. "دنیای هنر"، انجمن هنری روسیه. در اواخر دهه 1890 شکل گرفت. (رسما در سال 1900) بر اساس حلقه ای از هنرمندان جوان و هنردوستان ... دایره المعارف هنر

- (1898-1904؛ 1910-1924)، انجمنی از هنرمندان و شخصیت های فرهنگی سنت پترزبورگ (A. N. Benois، K. A. Somov، L. S. Bakst، M. V. Dobuzhinsky، E. E. Lansere، A. Ya. Golovin، I. Ya. Bilibin، Z. سربریاکوا، بی. ام. کوستودیف، ن. ک. روریچ، ... ... دایره المعارف هنر

- "دنیای هنر"، انجمن هنری روسیه. در اواخر دهه 1890 شکل گرفت. (به طور رسمی در سال 1900) در سن پترزبورگ بر اساس حلقه ای از هنرمندان جوان و هنردوستان به رهبری A. N. Benois و S. P. Diaghilev. به عنوان اتحادیه نمایشگاهی تحت ...... دایره المعارف بزرگ شوروی

"دنیای هنر"- "دنیای هنر"، انجمن هنری. در اواخر دهه 1890 شکل گرفت. (این اساسنامه در سال 1900 تصویب شد) بر اساس حلقه ای از هنرمندان جوان، مورخان هنر و دوستداران هنر ("جامعه خودآموزی") به ریاست A. N. Benois و ... ... کتاب مرجع دایره المعارف "سن پترزبورگ"

انجمنی از هنرمندان روسی که با گرایش‌گرایی، حزب‌گرایی و زیبایی‌ستیزی «رهبران افکار عمومی» معاصر خود مخالفت می‌کردند. در اواخر دهه 1890 در سن پترزبورگ بر اساس یک دایره شکل گرفت ... ... تاریخ روسیه

1) انجمن هنری در اواخر دهه 1890 شکل گرفت. (این اساسنامه در سال 1900 تصویب شد) بر اساس حلقه ای از هنرمندان جوان، مورخان هنر و دوستداران هنر ("جامعه خودآموزی") به ریاست A. N. Benois و S. P. Diaghilev. چگونه… سن پترزبورگ (دانشنامه)

"دنیای هنر"- دنیای هنر. در طول عصر نقره از سال 1898 تا 1927 به طور متناوب وجود داشت و سازمان‌های مختلف را در اختیار گرفت. اشکال: مجله، نمایشگاه، درباره هنرمندان. دوره اول M.I. فرهنگ لغت دایره المعارف بشردوستانه روسی

کتاب ها

• دنیای هنر. 1898-1927، G. B. Romanov، این نشریه به دوره 30 ساله در تاریخ انجمن "دنیای هنر" اختصاص دارد. این نشریه حاوی پرتره ها، بیوگرافی و آثار هنرمندان است. در تهیه این دانشنامه برای … رده: تاریخ هنر روسیه ناشر: گلوبال ویو، ارکستر سن پترزبورگ,
• دنیای هنر. انجمن هنر اوایل قرن بیستم، وسوولود پتروف، "دنیای هنر"، انجمن هنری روسیه. در اواخر دهه 1890 شکل گرفت. (رسما در سال 1900) در سن پترزبورگ بر اساس حلقه ای از هنرمندان جوان و هنردوستان به رهبری A. N. ... دسته: تاریخ و نظریه هنرناشر:

در پایان قرن نوزدهم، زندگی هنری در روسیه بسیار پر جنب و جوش بود. جامعه علاقه فزاینده ای به نمایشگاه ها و حراج های هنری متعدد، به مقالات و نشریات اختصاص داده شده به هنرهای زیبا نشان داد. نه تنها مسکو و سن پترزبورگ، بلکه بسیاری از روزنامه ها و مجلات استانی نیز سرفصل های دائمی متناظر داشتند. انواع مختلفی از انجمن های هنری به وجود آمدند که وظایف مختلفی را برای خود تعیین کردند، اما عمدتاً ماهیتی آموزشی داشتند که تحت تأثیر سنت های سرگردان بود.

در این شرایط، ایده دیاگیلف برای متحد کردن نیروهای هنری جوان سن پترزبورگ و مسکو، که نیاز به آن از دیرباز در هنر روسیه احساس می شد، مورد استقبال قرار گرفت.

در سال 1898، دیاگیلف برای اولین بار به اجرای مشترک خود در نمایشگاه هنرمندان روسی و فنلاندی دست یافت. باکست، بنویس، آ. واسنتسف، کی کورووین، نستروف، لانسر، لویتان، مالیوتین، ای. پولنووا، ریابوشکین، سرووف، سوموف و دیگران در آن شرکت کردند.

در همان سال 1898، دیاگیلف موفق شد چهره های شناخته شده و هنردوستان S. I. Mamontov و M. K. Tenisheva را متقاعد کند که یک مجله هنری ماهانه را تأمین مالی کنند. به زودی دو شماره از مجله "دنیای هنر" به سردبیری سرگئی پاولوویچ دیاگیلف در سن پترزبورگ منتشر شد.

این اولین مجله هنری بود که شخصیت و مسیر آن توسط خود هنرمندان تعیین شد. ویراستاران به خوانندگان اطلاع دادند که این مجله آثار استادان روسی و خارجی را "از تمام دوران تاریخ هنر تا جایی که آثار فوق برای آگاهی هنری مدرن مورد توجه و اهمیت قرار می گیرد" در نظر خواهد گرفت.

سال بعد، در سال 1899، اولین نمایشگاه بین المللی مجله "دنیای هنر" برگزار شد. بیش از 350 اثر و چهل و دو هنرمند اروپایی از جمله P. de Chavannes را به نمایش گذاشت. دی. ویسلر، ای. دگا، سی. مونه، او. رنوار. نمایشگاه

به هنرمندان و بینندگان روسی اجازه داد تا با حوزه های مختلف هنر غربی آشنا شوند.

به لطف ظهور مجله "دنیای هنر" و نمایشگاه های 1898-1899، حلقه ای از هنرمندان جوان که با هدایت مجله همدردی می کردند ظهور کردند.

در سال 1900 ، دیاگیلف موفق شد بسیاری از آنها را در جامعه خلاق "دنیای هنر" متحد کند. این "تیم درخشان" (بیانی از A.P. Ostroumova-Lebedeva) متشکل از هنرمندان برجسته ای بود که در دهه 1890 به هنر آمدند، یعنی: Bakst، Alexander Benois، Bilibin، Braz، Vrubel، Golovin، Grabar، Dobuzhinsky. K. Korovin، Lansere، Malyutin، Malyavin، Ostroumova، Purvit، Roerich، Ruschits، Serov، Somov، Trubetskoy، Zionglinsky، Yakunchikova و Yaremich.

علاوه بر این، Repin، V. و E. Polenov، A. Vasnetsov، Levitan، Nesterov، Ryabushkin در برخی از نمایشگاه های آن زمان دنیای هنر شرکت کردند.

از سال 1900 تا 1903 سه نمایشگاه از "دنیای هنر" برگزار شد. دیاگیلف با سازماندهی این نمایشگاه ها بر هنرمندان جوان روسی تمرکز کرد. آنها پترزبورگ بودند - باکست، بنویس. سوموف، لانسر و مسکوویت ها - وروبل، سروو، کی کورووین، لویتان، مالیوتین، ریابوشکین و دیگران. این مسکووی ها بودند که دیاگیلف بیشترین امید خود را روی آنها گذاشت. او نوشت: "... تمام هنر کنونی ما و هر چیزی که می توانیم از آن انتظار آینده داشته باشیم، در مسکو است." بنابراین او به هر طریق ممکن سعی کرد هنرمندان مسکو را به نمایشگاه های دنیای هنر جذب کند که همیشه در آن موفق نبود.

نمایشگاه های دنیای هنر به طور کامل جامعه روسیه را با آثار استادان مشهور روسی و هنرمندان نوظهور که هنوز به رسمیت نرسیده اند، مانند بیلیبین، اوستروموا، دوبوژینسکی، لانسره، کوستودیف، یوون، ساپونوف، لاریونوف، پی کوزنتسوف، ساریان معرفی کرد.

نیازی به پوشش جزئیات فعالیت های دنیای هنر در اینجا نیست، زیرا اخیراً انتشاراتی که به آن اختصاص داده شده اند ظاهر شده اند. در مورد برخی از ویژگی های کلی آن باید گفت که توسط خود دنیای هنر و بسیاری از معاصران مورد تاکید قرار گرفتند.

انجمن "دنیای هنر" یک پدیده تصادفی در هنر روسیه نبود، بلکه از نظر تاریخی مشروط بود. به عنوان مثال، نظر I. E. Grabar چنین بود: "اگر دیاگیلف نبود<...>، هنری از این نظم ناچار بود ظهور کند.»

دیاگیلف در سال 1906 در رابطه با مسئله تداوم فرهنگ هنری گفت: «تمام حال و آینده هنر پلاستیک روسی... به هر طریقی از همان احکامی تغذیه می‌کند که دنیای هنر از مطالعه دقیق آن گرفته است. از استادان بزرگ روسی از زمان پیتر."

A.N. بنوا نوشت که هر کاری که توسط دنیای هنر انجام می شود "به هیچ وجه" به این معنی نیست که آنها "با تمام گذشته شکسته اند". برعکس، بنوا استدلال می‌کرد که هسته اصلی «دنیای هنر» «در پس تجدید بسیاری از سنت‌های فنی و ایدئولوژیک هنر روسی و بین‌المللی قرار داشت». و در ادامه: «... ما تا حد زیادی خود را نماینده همان جستجوها و همان روش‌های خلاقانه می‌دانستیم که در نقاشان پرتره قرن هجدهم، و در کیپرنسکی، و در ونتسیانوف، و همچنین در فدوتوف، ارزش قائل بودیم. همانطور که در استادان برجسته مستقیماً نسل قبل از ما - در کرامسکوی، رپین، سوریکوف.

V. E. Makovsky، یک سرگردان معروف، در مصاحبه با یک روزنامه نگار گفت: "ما کار خود را انجام دادیم.<...>اتحادیه هنرمندان روسیه و دنیای هنر دائماً از ما به عنوان نمونه نام می برند، جایی که ظاهراً اکنون بهترین نیروهای نقاشی روسی در آنجا متمرکز شده اند. اما آنها، این بهترین نیروها، اگر فرزندان خودمان نباشند، چه کسانی هستند؟<...>چرا ما را ترک کردند؟ بله، چون احساس تنگی می‌کردند و تصمیم گرفتند جامعه جدید خود را تأسیس کنند.»

در آثار دنیای هنر، این تداوم بهترین سنت های سرگردان در جریان انقلاب 1905 خود را نشان داد. اکثر هنرمندان "دنیای هنر" به مبارزه علیه تزاریسم پیوستند و در انتشار نشریات طنز سیاسی شرکت فعال داشتند.

«دنیای هنر» در سرنوشت خلاق بسیاری از هنرمندان نقش بسزایی و گاه حتی تعیین کننده داشته است. برای مثال، I. E. Grabar، تنها پس از ملاقات با اعضای کمیته نمایشگاه جهان هنر، دیاگیلف، بنویس و سرووف، "به خود ایمان آورد و شروع به کار کرد." حتی در مورد خود سروف، نه بی دلیل، آنها گفتند که "همدلی فعال حلقه "دنیای هنر" به طور معجزه آسایی باعث الهام بخشیدن و تقویت کار او شد.

پتروف-ودکین در سال 1923 در خاطرات خود در مورد دنیای هنر نوشت: "جذابیت دیاگیلف، بنویس، سوموف، باکست، دوبوژینسکی چیست؟ چنین صورت های فلکی گروه های انسانی در مرزهای نقاط عطف تاریخی پدید می آیند. آنها چیزهای زیادی می دانند و این ارزش های گذشته را با خود حمل می کنند. آنها می دانند چگونه چیزهایی را از غبار تاریخ بیرون بکشند و با احیای آنها، صدایی مدرن به آنها ببخشند... «دنیای هنر» نقش تاریخی خود را به خوبی ایفا کرد.» و در جای دیگری از همین خاطرات: «وقتی به یاد می آوری که چگونه بیست سال پیش، در میان میاسمای انحطاط، در میان طعم بد تاریخی، سیاهی و لجن کشیدن نقاشی، سرگئی دیاگیلف و رفقایش کشتی خود را تجهیز کردند، چگونه ما جوان ها مردان، با آنها بال گرفتند و در تاریکی اطراف ما خفه شدند - همه اینها را به خاطر بسپارید، بگویید: بله، آفرین بچه ها، شما ما را روی شانه های خود به زمان حال رساندید.

N. K. Roerich اظهار داشت که این "دنیای هنر" بود که "پرچم را برای فتوحات جدید هنر برافراشت."

A.P. Ostroumova-Lebedeva با یادآوری دهه های دور 1900 در سراشیبی زندگی خود نوشت: «دانشجویان هنر جهان وقتی هنرمندان جوانی را انتخاب کردند و به جامعه خود دعوت کردند که علاوه بر استعداد، نگرش صمیمانه و جدی به هنر و آنها را در آنها مشاهده کردند. کار کردن<...>دنیای هنر به طور مداوم اصل "صنعت در هنر" را مطرح می کند، یعنی می خواستند هنرمندان با دانش کامل و دقیق از موادی که با آن کار می کردند نقاشی بسازند و تکنیک را به کمال برسانند.<...>علاوه بر این، همگی از لزوم افزایش فرهنگ و ذوق در میان هنرمندان صحبت کردند و هرگز مضامین موجود در تابلوها را انکار نکردند و از این رو هنرهای زیبا را از ویژگی های ذاتی آن یعنی تحریک و تبلیغ محروم نکردند. نتیجه گیری Ostroumova-Lebedeva بسیار قطعی بود: "به سادگی غیرممکن است که اهمیت جامعه "دنیای هنر" را از بین ببریم و آن را انکار کنیم، مثلاً همانطور که منتقدان هنری در کشور ما به دلیل اصل "هنر برای هنر" انجام می دهند. ".

ک.ف. یوون خاطرنشان کرد: "دنیای هنر" نشان دهنده سرزمین بکر دست نخورده از ابزارهای متنوع بیان هنری است. همه چیز خاکی و ملی را تشویق می کرد...». در سال 1922، A. M. Gorky این تمرکز استعدادهای چشمگیر را به عنوان "روندی کامل که هنر روسیه را احیا کرد" تعریف کرد.

"دنیای هنر" در سال 1903 وجود نداشت، اما همچنان جذابیت فوق العاده ای را برای معاصران حفظ کرد. در سال 1910، انجمن دنیای هنر دوباره در سن پترزبورگ ظاهر شد، اما دیاگیلف دیگر در کار آن شرکت نکرد. فعالیت هنری دیاگیلف مسیر دیگری را در پیش گرفت.

در سال 1905، در کاخ Tauride در سن پترزبورگ، او یک نمایشگاه تاریخی و هنری بزرگ از پرتره های روسی ترتیب داد. دیاگیلف که به آثاری از کاخ ها و موزه های پایتخت محدود نمی شود، در استان ها گردش کرد و در مجموع حدود 4000 پرتره را فاش کرد. در این نمایشگاه یافته های جالب و غیرمنتظره زیادی وجود داشت. هنر پرتره روسی به طور غیرمعمول مهم و غنی به نظر می رسید. V. E. Borisov-Musatov در آن روزها به V. A. Serov نوشت: "برای این کار [جلد. ه. ترتیب نمایشگاه] دیاگیلف یک نابغه است و نام تاریخی او جاودانه خواهد شد. معنای آن به نوعی کم درک شده است و من برای او متاسفم که به نوعی تنها ماند. عکس هایی که به ابتکار دیاگیلف از اکثر نمایشگاه ها گرفته شده است (نقاط منفی در TG ذخیره می شود) اکنون این امکان را فراهم می کند که با بسیاری از شاهکارهای هنر روسیه که در جریان رویدادهای آشفته انقلاب 1905، جنگ های داخلی و جهانی مرده یا ناپدید شده اند آشنا شوید. (به عنوان مثال، سرنوشت هجده اثر از D. G. Levitsky، که در میان دیگر آثار او، در نمایشگاه Tauride به نمایش گذاشته شد).

در بهار سال 1905، شخصیت های فرهنگی در مسکو تصمیم گرفتند به خاطر قدردانی از این واقعیت که او مجله "دنیای هنر" را ویرایش کرد و یک نمایشگاه تاریخی و هنری ترتیب داد، از دیاگیلف تقدیر کنند. دیاگیلف در پاسخ به احوالپرسی گفت: «... بعد از این سرگردانی‌های طمع‌آمیز [دیاگیلف به معنای سفرهای دور روسیه است که انجام داد و آثاری را برای نمایشگاه تاریخی و هنری جمع‌آوری کرد] که به‌ویژه متقاعد شدم که زمان نتایج فرا رسیده است. من این را نه تنها در تصاویر درخشان اجدادی که آشکارا از ما دور بودند، بلکه عمدتاً در فرزندانی که زندگی خود را سپری می کردند مشاهده کردم. پایان زندگی اینجاست<...>ما شاهد بزرگ‌ترین لحظه‌ی تاریخی نتایج و پایان‌هایی هستیم که به نام فرهنگ ناشناخته‌ای جدید برای ما پدید می‌آید، اما ما را هم خواهد برد. و بنابراین، بدون ترس و ناباوری، شیشه ای به دیوارهای ویران شده کاخ های زیبا و همچنین به عهدنامه های جدید زیبایی شناسی جدید برمی گردانم.

فصل 3. هنرمندان - سازمان دهندگان و چهره های "دنیای هنر"

اعضای اصلی انجمن "دنیای هنر" که مفهوم "دنیای هنر" را تشکیل دادند عبارتند از: الکساندر نیکولاویچ بنویس، کنستانتین آندریویچ سوموف و لو سامویلوویچ باکست. آنها بودند که ایدئولوژی و جهت کار انجمن را تعیین کردند. در آینده هنرمندان مختلفی در نمایشگاه های دنیای هنر شرکت کردند.
اجازه دهید به کار استادان - چهره های اصلی "دنیای هنر" بپردازیم.
ذائقه هنری الکساندر بنوا تحت تأثیر فضای خلاق خانواده شکل گرفت که دایره علایق او را تشکیل داد. پیش روی ما پرتره معروف الکساندر بنوا اثر باکس است

Benois به عنوان یک هنرمند، مورخ هنر و خبره فرهنگ قرن 18 نشان داده شده است. بنوا با کتابی در دست روی صندلی راحتی نشسته است، اینجا در اتاق پرتره ای از ملکه الیزابت پترونا را می بینیم. بوم هایی که به سمت دیوار چرخانده شده اند نشان می دهد که یک نقاش پیش روی ماست.
الکساندر بنوا در 3 می 1870 در خانواده ای مشهور از هنرمندان و معماران به دنیا آمد. پدرش نیکولای لئونتیویچ بنویس معمار بود و پدربزرگ مادری او آلبرت کاتارینوویچ کاووس نیز معمار بود. او پس از آتش سوزی سال 1853، تئاتر مارینسکی سنت پترزبورگ را بازسازی کرد. پدربزرگ مادری - ونیزی کاتارینو کاووس آهنگساز، نویسنده اپرا، باله، وودویل بود. در اوایل دهه 1800، او وارد خدمت در تئاتر امپراتوری سنت پترزبورگ شد. برادر الکساندر نیکولایویچ - آلبرت - یک هنرمند آبرنگ بود، برادر دیگر - لئونتی - معمار، سازنده کلیساهای ارتدکس در روسیه، لهستان و آلمان. «خانه بنوا در نزدیکی نیکولا مورسکی» که خانواده بنوا در آن زندگی می کردند، در سن پترزبورگ به خوبی شناخته شده بود. تا به امروز باقی مانده است. خانه پر از آثار هنری بود - نقاشی، حکاکی، عتیقه. برعکس، کلیسای جامع نیروی دریایی نیکولسکی که در زمان امپراطور الیزابت پترونا توسط معمار ساووا ایوانوویچ شواکینسکی ساخته شده است، از آن برخاسته است. ظاهر زیبای کلیسای جامع به سبک باروک برای همیشه در خاطره الکساندر بنوا باقی ماند و پاسخ عشق او به هنر قرن 18 بود. دوستان هدیه بزرگ آموزشی الکساندر بنویس را به یاد آوردند. او با داشتن سبک ادبی عالی و دانش عمیق تاریخ هنر، در جوانی شروع به انتشار مقالات انتقادی در مورد مسائل هنری کرد و در سال 1893 در انتشار کتاب محقق آلمانی ریچارد موتر با عنوان "تاریخ نقاشی در قرن نوزدهم» که برای آن بخش بزرگی در مورد نقاشی روسی نوشت. پس از فارغ التحصیلی از دانشکده حقوق، بنوا، مانند دیاگیلف، متعاقباً وکالت نکرد، اما خود را وقف هنر کرد.
زمان مورد علاقه الکساندر بنوا - قرن هجدهم، ورسای آخرین سالهای زندگی لویی چهاردهم. این هنرمند درباریان ظریف و پادشاه پیر را در پارک ورسای، جایی که پادشاه "در هر آب و هوایی راه می‌رفت"، صحنه‌های صمیمی، مانند حمام کردن مارکیزها، به تصویر کشید.

این هنرمند زندگی درباری را نشان داد که به تاریخ پیوسته بود، زمانی باشکوه، غرق در تجمل و غمگین در سال‌های پایانی زندگی پادشاه بود. پادشاه، اما در مورد نبوغ خلاق معمار که این شکوه را خلق کرده است. در نقاشی "راهپیمایی پادشاه" عمل در پارک ورسای رخ می دهد.

کوچه‌های کویری که در دوردست‌ها کشیده شده‌اند، بر تنهایی شاه در میان گروه کوچک همراه او تأکید می‌کنند. این هنرمند حال و هوای گریزان غم و اندوه، حال و هوای دوران محو شدن را منتقل می کند.در نقاشی دیگری با همین مضمون، حرکت بی شتاب پادشاه و درباریان از کنار چشمه ها و مجسمه ها به عنوان یک نمایش تئاتر تلقی می شود و پیکره های برنزی کوپیدهای خندان تلقی می شود. در استخر زنده تر از این نقاب های غمگین به نظر می رسند.

نقاشی "باغ ونیزی" از نظر روحی نزدیک است، جایی که چهره های نقابدار به نظر یک رویا هستند، سایه ها، و مجسمه ها متحرک هستند و به نظر می رسد با یکدیگر صحبت می کنند. در این تفسیر نتیجه گیری، فکر خاصی وجود دارد: زندگی گذرا است، هنر جاودانه است.

آثار Benois همچنین بازتابی از دوران پتر کبیر بود که چهره های "دنیای هنر" در برابر او تعظیم کردند. قبل از ما - "پیتر اول در پیاده روی در باغ تابستانی."

شاه در کوچه باغ روبروی چشمه، در میان انبوه شیک پوشان درباری، با قامت بلند و چهره ای راضی و بشاش جلب توجه می کند و اکنون بازسازی شده است.

بنوا، دانشمندی بی‌نظیر در مسائل زندگی قرن‌های گذشته، آداب و رسوم، لباس‌ها و فضای داخلی را تا ظرافت می‌دانست. موضوعاتی که او انتخاب کرد به مسائل بزرگ تاریخی نمی پرداخت. این هنرمند برای لحظات خصوصی زندگی فانتزی خلق کرد و سعی کرد روح دوران را منتقل کند. از این نظر تابلوی «رژه زیر پل اول» او جالب توجه است.

روز زمستانی ابری. از میان شبکه ریزش برف، قلعه صورتی رنگ میخائیلوفسکی قابل مشاهده است که بال راست آن هنوز تکمیل نشده است. سربازان در محل رژه روبروی قلعه رژه می روند. امپراتور، مشغول به کار مورد علاقه خود - مته سربازان - در مرکز بر روی یک اسب سفید به تصویر کشیده شده است. پشت سر او همراهان و پسران او هستند. افسری شبیه پل اول گزارشی به تزار می دهد. در اعماق چهره های عجیب سربازانی را می بینیم که در راهپیمایی شرکت نمی کنند. آنها به دنبال آنها می دوند و کلاه های خروس افتاده را برمی دارند. در واقع، تحت فرمان پل اول، یک گروه ویژه وجود داشت که باید اطمینان حاصل می کرد که کلاه های خمیده افتاده روی زمین نمانند و آنها را بردارید. راه حل کلی تصویر، که یک منظره خشن را با یک قلعه، با برف بی پایان، با سربازان راهپیمایی و تزار ارائه می دهد - همه اینها تصویری رسا از سنت پترزبورگ در زمان سلطنت پل اول ایجاد می کند.

بنوا همچنین تصویرگر و دکوراتور برجسته تئاتر بود. تا به حال، تصاویر او برای ملکه بیل و اسب سوار برنز اثر A. S. Pushkin بی نظیر باقی مانده است. در یکی از تصاویر ملکه بیل - "هرمن در ورودی کنتس" - هنرمند تصویری رسا خلق کرد و انتظارات پرتنش قهرمان را در هنگام خروج کالسکه کنتس در غروب نشان داد. نقاشی "در قمار خانه" فضای غم انگیز این موسسه را نشان می دهد که در آن تراژدی در شرف وقوع است.بنوآ در سال 1905 به تصویرگری سوارکار برنزی روی آورد و این کار را رها نکرد و آن را بهبود بخشید تا اینکه کتاب منتشر شد. در سال 1922 این هنرمند با پیروی از خطوط شاعر "من می نویسم ، بدون چراغ می خوانم" ، یک سیل و یک لحظه تأثیرگذار - شبح عظیم سیاه و سفید اسب سوار ، که از گوشه ای ظاهر می شود و از آنجا فرار می کند ، شب های سفید را نشان داد. او در ترس از یوجین بیچاره - "همه جا پشت سر او سوارکار مسی است که با یک پای سنگین تاخت." در سال 1904، بنوا یک کتاب عالی برای کودکان منتشر کرد - "ABC". اگر در زمان ما این کتاب نه تنها به عنوان یک ارزش عتیقه باقی می ماند، بلکه به طور گسترده ای شناخته می شد، هم برای خوانندگان کودک و هم برای بزرگسالان شادی زیادی به ارمغان می آورد. این کتاب در سال 1990 بازنشر شد. نقاشی های پر از فانتزی ها و خاطرات کودکی خود نویسنده، برداشت هایی از اسباب بازی هایی که خانه اش را پر کرده بود، از بازدید از تئاتر، جایی که در حین اجرا، شیطان از دریچه روی صحنه پرید و به عنوان یک "سیاه" در روشن ایفای نقش کرد. لباس - همه اینها برای همیشه در "ABC" به خاطر سپرده شد و منعکس شد.
نقاشی‌هایی که «داچا» و «پدربزرگ» را به تصویر می‌کشند، سرشار از راحتی و گرمای خاص هستند، و کوتوله‌ای که از کیک به تحسین آقایان و خانم‌ها با کلاه گیس‌های پودری و لباس‌های زیبا ظاهر شد، ما را مستقیماً به قرن هجدهم می‌برد. نویسنده.

در تاریخ هنرهای نمایشی و تزئینی، طراحی باله الکساندر بنوا توسط "پاویون آرمیدا" اثر N. N. Tcherepnin با موضوع قرن هجدهم و I. F. Stravinsky "Petrushka" با موضوع اجرای مسخره روسی یک پدیده فراموش نشدنی باقی ماند. باله "غرفه آرمیدا" بیننده را وارد یک افسانه با قهرمانانی می کند که روی ملیله به تصویر کشیده شده اند. این باله بیننده را در دنیای شوالیه ها، آقایان و خانم ها غرق می کند. باله «پتروشکا» در «فصول روسیه» در پاریس روی صحنه رفت و در ادامه به آن خواهیم پرداخت.

بنوا فردی چند استعدادی بود. او آثار بسیاری را به عنوان منتقد هنری و مورخ هنر روسیه و اروپای غربی از خود به جای گذاشت، آثار کم مطالعه شده و آثار استادان فراموش شده را مطالعه کرد. در بالا به مشارکت او در چاپ آلمانی کتاب ریچارد موتر "تاریخ نقاشی در قرن نوزدهم" اشاره شد. چند سال بعد، در سال های 1901 و 1902، دو جلد از تحقیقات بنوا در مورد هنر روسیه در یک نسخه روسی به چاپ رسید که "تأثیر خیره کننده" را در بین مردم روسیه ایجاد کرد. پس از آن، بنوا چندین کتاب در مورد تاریخ هنر اروپای غربی منتشر کرد.الکساندر بنوا اولین چهره در فرهنگ روسیه در زمان خود بود که توجه معاصران خود را به زیبایی معماری سنت پترزبورگ جلب کرد. پس از A. S. Pushkin، هیچ کس زیبایی سن پترزبورگ را به یاد نمی آورد. تحت تأثیر نویسندگان قرن نوزدهم، پایتخت تنها به عنوان یک شهر دولتی و سرد، دشمن یک فرد کوچک تلقی می شد. هنرمندان "دنیای هنر" در نقاشی های خود خلاقیت های جاودانه معماران سن پترزبورگ را به تصویر کشیدند، زیبایی و هماهنگی مجموعه های باغ و پارک Tsarskoye Selo، Peterhof، Pavlovsk، Oranienbaum را کشف کردند. و در این موضوع - اول از همه، شایستگی Benois. Konstantin Andreevich Somov، هنرمند برجسته "دنیای هنر" در 18 نوامبر 1869 متولد شد.

جلوی ما سلف پرتره اوست. این هنرمند خود را در حالتی آرام روی کاناپه نشان داد. شیوه نگارش گسترده و تفسیر واقع گرایانه از تصاویر، آثار سوموف، شاگرد رپین را متمایز کرده است. پدر این هنرمند، آندری ایوانوویچ سوموف، متصدی هرمیتاژ بود. او به طور قابل توجهی مجموعه موزه را با آثار نقاشی آلمانی غنی کرد.

مادر این هنرمند، نادژدا کنستانتینوونا، به زیبایی آواز خواند. سوموف همچنین یک فرد با استعداد موسیقی بود - یک پیانیست و خواننده با استعداد. خواهر او، آنا آندریونا، در ازدواج میخائیلوف، به گلدوزی هنری مشغول بود. سوموف برادر دیگری به نام اسکندر داشت که زود درگذشت. سوموف بسیار به والدین خود وابسته بود، خواهر و برادرش را صمیمانه دوست داشت، به فرزندان یتیم خود توجه زیادی داشت.

پس از فارغ التحصیلی از ورزشگاه کارل ایوانوویچ می، جایی که سوموف نزد الکساندر بنویس و دیمیتری فیلسوفوف تحصیل کرد، مدتی در کلاس های آکادمی هنر شرکت کرد.آثار اولیه سوموف مناظر و پرتره هایی از افراد نزدیک به او هستند. در مناظر دهه 1890، او بوته های کرکی با شاخ و برگ های بالنده، نور خورشید که از میان شاخه های درختان نفوذ می کند، انبوهی از چمن ها را با احساس بسیار به تصویر می کشد. چنین آثاری هستند - "جاده به سکرینو"، "باغ" و دیگران.

سوموف جهت جدیدی در هنر روسیه ایجاد کرد، درک جدیدی از نقاشی تاریخی. این کیفیت قبلاً در نقاشی های دهه 1890 خود را نشان داد. چیزهای اصلی در آثار او رویدادهای شناخته شده نیست، نه روانشناسی شخصیت ها، بلکه خلق و خو، انتقال "روح دوران" است. قبلاً در دوره اولیه خلاقیت ، سوموف توانست فضای تاریخی خاصی را منتقل کند. نقاشی ها و طراحی های او زمان های طولانی گذشته قرن 18 و اوایل قرن 19 را زنده کرد. سوموف به مدت طولانی و با دقت روی نقاشی ها و طراحی های خود کار کرد و همیشه از خود ناراضی بود. بنوا به یاد می آورد: "او اغلب ساعت ها (بدون هیچ اغراقی) روی یک خط می نشیند." دوبوژینسکی، یکی از شرکت‌کنندگان در نمایشگاه‌های دنیای هنر، این ویژگی سوموف را نیز به یاد می‌آورد: «او مانند سروف، بسیار سخت و آهسته کار می‌کرد و تنها بهترین رنگ‌ها را می‌شناخت. من چیزی در آن زمان واقعاً گرانبها بود و تأثیر او بر من کمتر از بنوا نبود، بلکه کاملاً متفاوت بود /... / آزادی و مهارت نقاشی او، جایی که قطعه ای نبود که با احساس ساخته نشده باشد، مرا مجذوب خود کرد. و از همه مهمتر صمیمیت فوق العاده کارش، رازآلود بودن تصاویرش، حس طنز غم انگیز و عاشقانه «هافمانی» آن زمان او مرا عمیقاً پریشان کرد و دنیای عجیبی را نزدیک به حالات مبهم من باز کرد /... / او کوچک بود در قد و قامتی که در آن زمان کاملاً پر بود، موهایش را با جوجه تیغی کوتاه می کرد و سبیل می پوشید، لباس پوشیده با ذوق، اما متواضعانه، و با همه آدابش، راه رفتن و هر آنچه که ظاهر آدمی را می سازد، وجود داشت. یک لطف فوق العاده او طرز خندیدن بسیار شیرین و صمیمانه ترین خنده های شاد داشت /.../ ما خیلی زود و صمیمانه دور هم جمع شدیم و کوستیا یکی از نزدیک ترین و عزیزترین دوستان من برای تمام عمر شد. شخصیت های آثار سوموف یکی از انگیزه های کار او خوابیدن زنان جوان در فضای داخلی دنج است که نمونه ای از آن را مشاهده می کنید.

یک دسته گل یاس بنفش که با استادی نقاشی شده است، عطر خفه کننده ای را به اتاق زیبای خانم می آورد و سرخی روشنی را در چهره او ایجاد می کند. نقاشی های سوموف با غزلیات عجیب و غریب یا تمسخر خفیف آغشته است، همانطور که مثلاً در تفسیر دیده می شود. از آثار «بوسه مسخره‌شده»، جایی که یک آقایی از بوته‌ها پشت یک زوج در حال بوسیدن، یا «پیست اسکیت» نگاه می‌کند.

این به صورت سه‌گانه ساخته شده است که هر صحنه آن قسمت خنده‌دار خود را دارد. نفوذ ظریف به فضای زندگی روزمره اوایل قرن نوزدهم با آبرنگ "راه رفتن پس از باران" متمایز می‌شود.

یک روحیه سبک و آرام در اینجا حاکم است. رنگ‌های سبز مایل به طلایی و شادی‌بخش درختان، علف‌ها و گل‌های شسته‌شده توسط باران به آن وارد می‌شود. رنگین کمانی در آسمان وجود دارد که اولین بار در سوموف ظاهر شد. خلوص و طراوت طبیعت را پس از بارندگی اخیر نمایان می کند. در کوچه پارک، روبروی مجسمه ها، روی نیمکتی طرح دار، زن جوانی با چتر، با لباسی رنگارنگ و کلاهی با گل آراسته، نیمه چرخان به سمت بیننده نشسته است. اینجا دختر بچه ای با لباس طلایی روی چمن بازی می کند. دو مرد جوان که به او نزدیک شدند با یک خانم صحبت می کنند. مانند سایر نقاشی‌ها، سوموف طبیعت را به شیوه‌ای ملایم و تعمیم‌یافته تفسیر می‌کند و با جزئیات بیشتری شکل می‌دهد. زمان مورد علاقه این هنرمند - قرن هجدهم و اوایل قرن نوزدهم - او با ظرافت و شاعرانه بازتولید می کند.سوموف نقاش پرتره قابل توجهی بود که پژوهشگران آثارش را با آثار لویتسکی و کرامسکوی برابری می کردند. او یک گالری پرتره، از نظر تعداد کم، اما از نظر شایستگی های زیبا، از بازیگران "عصر نقره" ایجاد کرد: اینها هنرمندان، شاعران، بانوان جامعه، بستگان و دوستان هستند. سوموف درک خود از تصویر را در پرتره ها آورده است. . از این نظر منحصر به فرد، پرتره آنا کارلوونا بنویس، همسر دوست سوموف، الکساندر بنویس است.

او با شخصیتی شاد و شاد متمایز بود، زن جوانی سرزنده، پرانرژی و معاشقه بود. در پرتره، ما زنی متفکر، تا حدودی جدا از دنیای بیرون، غوطه ور در خود، زنی با لباس اواخر قرن هجدهم را می بینیم. او در پارک به تصویر کشیده شده است که به عنوان پس زمینه دور حل شده است. این هنرمند تکنیک پاستل را برای این پرتره انتخاب کرد، علیرغم این واقعیت که پرتره بسیار بزرگ است و آثار پاستلی با چنین قالب بزرگی دیگر در میراث خلاق سوموف یافت نمی شود. در اینجا، این تکنیک معنای ایدئولوژیکی دارد: پاستل به شما امکان می دهد اشیاء را از طریق یک مه نور درک کنید که با تفکر قهرمان و کل فضای تصویر مطابقت دارد. سوموف تصویری عمیق و غم انگیز از یک معاصر در تصویر ایجاد کرد. نقاشی "بانوی آبی پوش".

مشخص است که هنرجوی او در آکادمی ، هنرمند الیزاوتا میخائیلوونا مارتینوا ، در اینجا نمایندگی می کند. او عمر کوتاهی داشت - او بر اثر بیماری ریوی درگذشت. امیدهای او برای خوشبختی، موفقیت و شناخت محقق نشد. «بانوی آبی پوش» به نوعی نماد آن دوران شده است. این هنرمند در تصویر، زنی جوان را با لباسی کهنه، در پس زمینه فضای سبز پارک، با کتابی در دست ارائه کرده است. نگاهش معطوف به بیننده، سرشار از غم و اندوه است. رنگ آبی پررنگ لباس با یقه توری سفید در تضاد است و بر رنگ پریدگی یک چهره زیبا تأکید می کند. این هنرمند به تجربیات شخصی E. M. Martynova معنای نمادین داد و تصویری کلی ایجاد کرد.
یکی دیگر از "تصویر دوران" توسط سوموف در پرتره هنرمند آنا پترونا اوستروموا - (از سال 1905 - Ostroumova-Lebedeva) گرفته شد.

سوموف برای مدت طولانی روی پرتره کار کرد - در زمستان 1900-1901. هفتاد و سه جلسه بود که هر جلسه چهار ساعت به طول انجامید. آنا پترونا به یاد آورد که او "صحبت کرد، خندید، چرخید" اما معلوم شد که تصویر "یک چهره رویایی و غمگین" است. سوموف "هیچ چیز را از کار اصلی حذف نکرد." او جوهر معنوی مدل ، جدیت و متفکر بودن او را آشکار کرد ، علیرغم این واقعیت که خود آنا پترونا در طول جلسات شوخی می کرد و می خندید ، زیرا او شخصیتی شاد داشت. اما سوموف یک تصویر معنوی تعمیم یافته از شخصیت خلاق زمان خود ایجاد کرد. پرتره در رنگ‌های تیره با رنگ‌های آبی تیره، صورتی و بنفش ساخته شده است. مناظر سوموف اغلب در نمایشگاه‌ها به نمایش گذاشته می‌شود: اینها کلبه‌های تابستانی در نزدیکی سن پترزبورگ، مارتیشکینو، جایی که خانواده او در تابستان زندگی می‌کردند، جاده‌ها، زمین‌های زراعی هستند. حیاط دهقانی و غیره. موضوع اصلی کار او مانند بنوا در قرن هجدهم باقی ماند. سوارکاران و بانوان با کلاه گیس و کرینولین، بالماسکه با هارلکن ها و کلمبین ها، قرارهای عاشقانه، نامه های مرموز، صحنه هایی از کمدی های ایتالیایی، طرح های مشخصه نقاشی های سوموف هستند.

این هنرمند همچنین در ظروف چینی کار می کرد و تصاویر مشابهی مانند «بانو که نقابش را برمی دارد» خلق می کرد. در عین حال، آثار سوموف یادآور لحظه های سریع زندگی است که نمادی از رنگین کمان و آتش بازی است که اغلب در نقاشی های او یافت می شود. استعداد هنرمند جذابیت منحصر به فرد و نافذی را برای هنر او به ارمغان آورد. این ویژگی هاست که نقاشی "هارلکین و بانو" 1921 را متمایز می کند.

موضوع "هارلکینادها"، جشن های ایتالیایی، "هارلکین ها و خانم ها" توسط این هنرمند در سال های مختلف، در نسخه های مختلف و در تکنیک های مختلف - گواش، آبرنگ، روغن روی بوم ایجاد شد. پیش روی ما یکی از این تصاویر است. در پیش‌زمینه، مانند یک صحنه تئاتر، یک خانم و یک آقایی با لباس یک زن هارلکن روبه‌روی تماشاگر می‌رقصند. آنها در قاب طاق ساخته شده از شاخه ها، که با ظرافت جواهرات نقاشی شده است، می رقصند. در اعماق، بین درختان، زوج هایی با لباس بالماسکه می چرخند و آتش بازی به آسمان تاریک اوج می گیرند. به نظر می رسد که دسته گل های سرسبز رز که صحنه را زینت می دهد، رایحه ای قوی از خود متصاعد می کند و از زیبایی ابدی و محو نمی شود. این هنرمند دنیای خارق العاده خود را از جشن زندگی، سرگرمی و زیبایی خلق کرده است. اما در همه اینها یک یادداشت غم وجود دارد - که این جهان فقط در تخیل هنرمند زنده شد. سومین نماینده بزرگ "دنیای هنر" لو سامویلوویچ باکس (روزنبرگ) بود.

او از یک خانواده ثروتمند یهودی بود. باکست در 27 آوریل 1866 در شهر گرودنو متولد شد، اما خانواده به زودی به سنت پترزبورگ نقل مکان کردند، جایی که هنرمند آینده به تئاتر علاقه مند شد و "بازی های تئاتر" را در خانه با خواهران و برادر کوچکترش ترتیب داد. اطلاعات جالبی در مورد تأثیرات دوران کودکی باکس توسط زندگینامه نویس او N.A. Borisovskaya با اشاره به مورخ تئاتر آندری لوینسون گزارش شده است که باکس در مورد خود گفت: "سالهای اول زندگی او تحت تأثیر ملاقات با پدربزرگش قرار گرفت (در سال 1891 باکست نام خانوادگی خود را انتخاب کرد. ). باکست بزرگ، "پاریسی امپراتوری دوم"، اپیکور، مردی سکولار، دوست دوک مورنی (یک دیپلمات فرانسوی و نویسنده وودویل، که توسط آلفونس داودت در رمان "نابوب" به نام کنت پرورش یافته است. بیشتر)، زندگی خود را در سن پترزبورگ، غوطه ور در خاطرات گذراند. پیچیدگی اتاق‌های قدیمی، تجمل وسایل خانه‌اش برای باکس تقریباً تنها اثر هنری دوران کودکی بود، و خود پدربزرگ - پیرمردی شگفت‌انگیز، پر از رمز و راز و جذابیت - در خاطراتش به عنوان تجسم طعم خوب

در ورزشگاه ، هنرمند آینده به نقاشی معتاد شد. مجسمه ساز مارک ماتویویچ آنتوکولسکی به مرد جوان توصیه کرد که وارد آکادمی هنر شود. اولین بار او وارد نشد، اما پس از درس های خصوصی در یک برنامه ویژه، تلاش موفقیت آمیز بود. در آن روزها، هنرمندان، حتی مشهورترین آنها، همیشه از این موسسه آموزشی فارغ التحصیل نمی شدند. به عنوان مثال، ویکتور واسنتسف، وروبل، بنویس، سروف و سوموف به دلایل مختلف دیوارهای آکادمی را ترک کردند. باکست نیز پیش از دریافت دیپلم، آکادمی را ترک کرد. تابلوی «مرثیه مسیح» او در ژانری جدید برای آن زمان و به شیوه ای واقع گرایانه ساخته شد و شورای علمی به نقد آن پرداخت.

در این زمان، پدر باکس فوت کرده بود و خانواده به کمک مالی نیاز داشتند. باکست به طور گسترده روی تصویرسازی مجلات و کتاب های مختلف برای کودکان کار کرد تا به خانواده کمک کند. به زودی او با برادران آلبرت و الکساندر بنوا آشنا شد و شروع به حضور در حلقه بنوا کرد که در بالا ذکر شد. در سال 1893، باکست به پاریس رفت و در آنجا تحصیلات خود را در استودیوهای خصوصی هنرمندان فرانسوی، به ویژه ژان لوئی ژروم، نویسنده آثار سالنی-آکادمیک، و هنرمند فنلاندی، آلبرت ادلفلت، استاد مشهور پرتره های دیدنی، ادامه داد. مناظر، نقاشی های تاریخی و ژانر.

لو باکس کار خود را به عنوان یک نقاش پرتره آغاز کرد. پرتره های ساخته شده توسط او در دهه 1890 و آغاز قرن 20 به طور محکم در تاریخ هنر جا افتاده است. هنر ذاتی شخصیت باکست در سلف پرتره ارائه شده در سال 1893 منعکس شد. کلاه و بلوز گشاد مخملی سنتی هنرمند بر ظاهر خلاقانه او تأکید می کند، اما در همان زمان، نکته اصلی آشکار می شود - سرعت، اراده، قدرت شخصیت. یک سال قبل از مرگ لویتان، باکست پرتره گرافیکی خود را نقاشی کرد. چهره رسا لویتان با نگاه عمیق و غمگین چشمان درشت او تأثیر قوی می گذارد.

باکست پرتره هایی از هنرمندان، شاعران، نوازندگان - شخصیت های خلاق از حلقه نزدیک خود خلق کرد. قبلاً در مورد پرتره معروف S. P. Diaghilev صحبت کرده ایم. کمی زودتر - در سال 1902 - باکس پرتره ای از یک خانم ناشناس به نام "شام" کشید. خانمی با پرتقال.

اعتقاد بر این است که همسر بنوا، آنا کارلوونا، به عنوان نمونه اولیه خدمت کرده است. اما پیش روی ما یک پرتره خاص نیست، بلکه تصویری کلی از یک خانم در سبک آرت نوو است. تصویر با سیلوئت برازنده خانمی در لباس مشکی، با کلاه سیاه شبیه یک پروانه بزرگ، در مقابل پس زمینه تقریباً بی رنگ با رنگ مایل به سبز، بر خلاف لکه های نارنجی نارنجی، غالب است. این طرح رنگ به تصویر پیچیدگی و تزئینی می بخشد. و نه تنها طرح رنگ. راه حل تاکیدی خطی سیلوئت خانم در تضاد با قطار سرسبز لباس او و چین های نوشته شده تعمیم یافته، گویی سهل انگارانه روی سفره است. تزئینی، کنتراست، رمز و راز خاصی از تصویر - همه این ویژگی ها در سبک آرت نوو ذاتی هستند.

همچنین پرتره ای دیدنی از شاعر زینیدا گیپیوس، همسر نویسنده دیمیتری سرگیویچ مرژکوفسکی، که با مطالعات ادبی خود در این مجله شرکت کرده است، وجود دارد. به نظر می رسید که چهره او «تجسم زنده مدرنیسم هنری است که توسط مجله ابراز می شود». زبان تند و تیز زینیدا گیپیوس و فی البداهه شاعرانه، نت بازی را به مجموعه ها آورد. بنابراین ، یکی از شوخی های شاعرانه او نقش دیاگیلف را در امور انجمن مشخص می کند:

ناپلئون بر مردم حکومت می کرد
و لرزش در برابر او شدید بود،
افتخار قهرمان! ما نمی توانیم قانون را زیر پا بگذاریم!
و بدون نظارت - همه ما بدبخت هستیم.

مرغداری - یک خروس داده می شود،
او حکومت می کند و دست نشاندگان خود را چند برابر می کند.
و در گله ناپلئون است: یک قوچ.
و در دنیای هنر وجود دارد: Seryozha.

بعدها، در دوره معروف دیاگیلف "فصول روسیه"، باکست به عنوان یک دکوراتور برجسته تئاتر در دوره خود مشهور شد. او پیش از این در سن پترزبورگ در راه رسیدن به این موفقیت جهانی بود. در بالا ذکر شد که بکست، در حالی که هنوز عضو حلقه بنوا بود، توسط یونان باستان برده شد، و از آن زمان به بعد موضوع باستان به موضوع اصلی در هنر او تبدیل شده است. در سال 1902 او هیپولیتوس اوریپید و در سال 1904 ادیپ سوفوکل در کولونوس را برای نمایش در تئاتر الکساندرنسکی در سن پترزبورگ طراحی کرد. «در هیپولیتا، این اقدام در تالارهای سلطنتی و جلوی معبد انجام شد. شخصیت های اصلی - یک ملکه جوان عاشق پسرخوانده اش و یک مرد جوان زیبا - از هنرمند الهام گرفتند تا لباس های رنگارنگ باشکوهی خلق کند. اما در "ادیپ" شخصیت‌ها ادیپ هستند، کور شده و در معرض تبعید داوطلبانه قرار گرفته‌اند و با یک راهنما - دخترش آنتیگونه - سرگردان هستند. ایجاد پارچه های گدا برای باکست لوکس کار دشواری است. او روح را در لباس گروه کر باستانی گرفت. لباس های نفیس سیاه و سفید با عناصر نقره ای در پس زمینه شاخ و برگ های سبز غنی عالی به نظر می رسید.

در سال 1903، باله پری عروسک ها با موفقیت زیادی روی صحنه تئاتر ارمیتاژ به صحنه رفت، لباس ها و صحنه های اجرا بر اساس طرح های باکست ساخته شد. "موفقیت تولید ارمیتاژ پری عروسک آنقدر بزرگ بود که بلافاصله به صحنه تئاتر ماریینسکی منتقل شد" ، جایی که بیست و دو سال به طول انجامید. باکست این اجرا را به سبک دهه 1850 طراحی کرد که به ویژه مخاطبان آن را دوست داشتند.باکست در طراحی مجله دنیای هنر شرکت کرد و با خلق عکس‌ها و سرپیچ‌هایی که در آن تم آنتیک غالب بود. تمبر ایجاد شده توسط باکس - نماد "دنیای هنر" - به شکل یک عقاب قوی، اما تنها که با افتخار در بالای آن نشسته است، شهرت خاصی به دست آورد. نقاط بزرگ نور و سایه ایجاد کنتراست و کمک به یادبودی تصویر عقاب، مطابق با معنای "دنیای هنر" در زندگی هنری. برای تئاتر درام Vera Fedorovna Komissarzhevskaya، ساخته شده در سال 1906.

بهشت روی پرده به تصویر کشیده شده است. "در آنجا، برای فانیان نامرئی، قهرمانان مبارکی برای همیشه زندگی می کنند که جاودانگی را از خدایان دریافت کردند." پرده واقعاً بزرگ است - بیش از ده متر ارتفاع و حدود هفت - عرض. تمام فضای بوم توسط درختان همیشه سبز اشغال شده است که در مقابل آنها گل های درخشان در گلدان های مجلل و ستون های مرمر سفید می درخشند. در میان این شکوه، پیکرهای کوچک افرادی که "به لطف خاص خدایان" در این بهشت ​​ها افتاده اند به سختی قابل تشخیص هستند. با این حال، این "بهشت" یک تصور غم انگیز ایجاد می کند: سرسبزی درختان غول پیکر بسیار تاریک است، چهره های افرادی که در آنجا گم شده اند بسیار کوچک هستند که در موقعیت های آنها اضطراب احساس می شود. ظاهراً این هنرمند سرنوشت گرایی یونانیان باستان ، ناسازگاری خدایان آنها را به یاد آورد.

در سال 1907، باکست همراه با V. A. Serov به یونان سفر کرد. او در مورد تأثیرات خود در کتاب «سروف و من در یونان» که در سال 1923 منتشر شد، گفت. مناظر یونان که توسط هنرمندان دیده می‌شود تأثیری قوی و غیرمنتظره با رنگ‌های خود ایجاد می‌کند و متعاقباً هم باکست و هم سروف را برای آثاری با موضوع عتیقه مورد استفاده قرار می‌دهند. باکست نوشت: «... چه یونان غیرمنتظره ای! ردیف‌های صخره‌های شنی مایل به قرمز با خطوط افقی زرد تیره قلعه‌ها بریده شده‌اند، جایی که - از دور اسباب‌بازی - سربازان کوچک در ستون‌ها راهپیمایی می‌کنند. در بالا، گله های پراکنده باغ های زیتون خاکستری. حتی بالاتر - دوباره صخره های برهنه - وحشی، کلاسیک، نقطه چین، مانند پوست پلنگ، با لکه های قهوه ای تیره نامنظم. متعاقباً در مناظر و لباس برای باله های 1911-1912 با موضوعات عتیقه برای فصول روسیه دیاگیلف و تابلویی تزئینی با موضوع داستان لانگ "دافنیس و کلوئه" نویسنده قرن 2-3 و آثار دیگر ( آنها در زیر مورد بحث قرار خواهند گرفت) باکس فضای یونان اسطوره ای را ایجاد کرد. سفر به یونان نیز در کار سروف تأثیر داشت. او برداشت‌های مناظر یونانی و نقاشی‌های روی گلدان‌های باستانی را در نقاشی‌های «اودیسه و ناوزیکایا» و «تجاوز به اروپا» ترکیب کرد و به تصاویر زاویه‌ای و کلیت ذاتی در سبک آرت نوو داد. شیفتگی باکس به یونان باستان جان بخشید. اثر نمادین "Terror antiquus" ("هولناک عتیقه").

باکس این تصویر را حتی قبل از سفرش به یونان آغاز کرد، اما این سفر او را با برداشت های جدید غنی کرد. او این کار را در سال 1908 به پایان رساند. این تصویر مرگ آتلانتیس افسانه ای را به تصویر می کشد که می تواند با ایده مرگ جهان ، فاجعه اجتماعی نزدیک باشد که بسیاری از نمایندگان روشنفکر خلاق در آغاز قرن بیستم پیش بینی کردند. نقاشی بزرگ و تقریباً مربعی باکست «نمای پانورامایی از مجمع‌الجزایر صخره‌ای را به تصویر می‌کشد که توسط اعماق دریا بلعیده شده است، پیکره‌های کوچک انسانی وحشت‌زده به اطراف هجوم می‌آورند، و سازه‌ها و مجسمه‌های قرن‌های مختلف با افتخار بر فراز آن‌ها، در مرکز، به‌عنوان یک نماد بالا می‌روند. با زیبایی فنا ناپذیر ابدی، آفرودیت باستانی با لبخندی مرموز بر لبانش سنگی و کبوتری آبی در دست است. این بوم با الهام از داستان مرگ آتلانتیس و همچنین سایر فرضیه های نیمه علمی-نیمه خارق العاده که به طور فعال ادبیات و هنر اوایل قرن بیستم را مورد هجوم قرار دادند، به طور غیرمستقیم درک تحولات اجتماعی بزرگ توسط هنرمند را منعکس می کرد. که اهمیت ماندگار ارزش های فرهنگی را که به نسل های آینده به ارث گذاشته شده است، تایید کرد. فقط می توان به متن فوق محقق اضافه کرد که ایده مرگ جهان (یا مرگ آتلانتیس) با تفسیر هنرمند نه تنها از "زیبایی زوال ناپذیر" منافات ندارد، بلکه به نظر ما به ویژه مهم، از قدرت عشق همه جانبه، تجسم - و نه تصادفی - در تصویر الهه عشق آفرودیت است. طرح های معروف لباس ها و مناظر که برای همیشه در تاریخ باله باقی ماندند. این اثر در زیر مورد بحث قرار خواهد گرفت.بنویس، سوموف و باکست اصلی‌ترین و نمونه‌ترین نمایندگان «دنیای هنر» هستند، که آثارشان به‌ویژه جهت‌گیری هنری و ایدئولوژیک انجمن را به وضوح تجسم می‌بخشد. به زودی، در سال 1900، اوگنی اوگنیویچ لانسر و آنا پترونا اوستروموا (از سال 1905 - اوستروموا-لبدوا) به آنها پیوستند. در سال 1902 - مستیسلاو والریانوویچ دوبوژینسکی. لانسر - برادرزاده بنوا - فقط پنج سال از عمویش کوچکتر بود. پسر مجسمه ساز معروف یوگنی الکساندرویچ لانسر و خواهر بزرگ الکساندر بنویس ، اکاترینا نیکولاونا ، او در محیطی خلاقانه بزرگ شد و بدون تأثیر از دنیای هنر ، قرن 18 را موضوع اصلی خود قرار داد. اما در همان زمان ، همانطور که دوبوژینسکی به یاد می آورد ، "او به ندرت در خانه دیاگیلف بود ، به نظر می رسید که به نوعی در "لحن" کل فضا نیست - /... / من از او و دوستی ، شبیه به بنوا ، تواضع خاص و در عین حال "باز بودن" و مقداری اشراف. و در ظاهر این گونه بود: باریک، با چهره ای دراز و زیبا، با نیم رخ تیز و چشمانی شفاف. این واقعیت که او با دستان شجاع و قوی خود نقاشی می کرد - خط محکم و گویی آهنین خود - بسیار مرا تحت تأثیر قرار داد.

نقاشی های Lansere که به دوران پیتر کبیر اختصاص دارد و مناظر سنت پترزبورگ قدیمی - "پترزبورگ در آغاز قرن 18. ساختمان دوازده کالج، «قایق پیتر اول»، «پیاده روی اسکله»، «بازار قدیمی نیکولسکی در سن پترزبورگ»، «کشتی‌های پتر کبیر» کاملاً فضای سن پترزبورگ در حال ساخت را منتقل می‌کند. شهروندان آن و حتی آب و هوا با باد شدید و روزهای ابری. تصویر سنت پترزبورگ ربع اول قرن 18، که توسط هنرمند در نقاشی برای کارت پستال جامعه سنت یوجنیا ایجاد شده است - "کاخ زمستانی قدیمی در اواسط قرن 18" نفوذ ویژه ای است. به دوران پترین: پل روی کانال زمستانی نمایی از کاخ زمستانی قدیمی پیتر را باز می کند. Lansere با احساسی عالی، به طور واقعی، بیننده را وارد دنیای واقعی دوران گذشته می کند. لانسره در نقاشی "امپراتور الیزاوتا پترونا در تزارسکویه سلو" تصویری باشکوه از امپراتوری خلق کرد که با همراهان بزرگ خود کاخ را در پارک ترک کرد.

استعداد Lansere ما را متقاعد می کند که واقعیت غیرقابل انکار آن چه در حال رخ دادن است، گویی هنرمند این صحنه را با چشمان خود دیده است. او که یک نقاش و نقشه کش بود، به عنوان تصویرگر، هنرمند تئاتر، طراح داخلی کار کرد. او همچنین مجله World of Art را با نقاشی‌ها، سرپیچ‌ها و پایان‌ها تزئین کرد و نماد خود را از دنیای هنر خلق کرد - تصویر اسب بالدار پگاسوس که بر فراز وسعت زمین پرواز می‌کند. مهارت های گرافیکی Lansere مطابق با دستاوردهای دنیای هنر توسعه یافت. مهارت تمام هنرمندان «دنیای هنر» نیز در طراحی کتاب متجلی شد. تمایل به تطبیق نقاشی با صفحه کتاب، به تبعیت از آن به صفحه ورق - این درک جدیدی از قوانین تصویرسازی بود. اگر بنوا و دوبوژینسکی نقوش قرن هجدهم یا اوایل قرن نوزدهم را در نقاشی‌ها و محافظ‌های صفحه‌نمایش خود گنجانده بودند، سوموف - زیور آلات گل‌دار، و باکست از نقوش باستانی استفاده می‌کردند، پس لانسره نیز به تصاویر خارق‌العاده - اژدها، مارهای افسانه‌ای روی آورد. به تصویرسازی داستان «حاجی مراد» لئو تولستوی علاقه مند شد. این داستان پس از مرگ نویسنده منتشر شد. لانسر به قفقاز رفت تا مکان‌هایی را ببیند که وقایع شرح‌داده‌شده در داستان در آن رخ داده‌اند و عمل را به درستی به تصویر بکشد. محقق می نویسد: «بنابراین، اولین مرحله کار بر روی تصویرسازی ها تقریباً علمی و ماهیت اکتشافی داشت. "لنسری مطالب شمایل نگاری را جمع آوری کرد، /…/ خاطرات را مطالعه کرد." اکشن داستان نه تنها در قفقاز، بلکه در سن پترزبورگ نیز اتفاق می افتد، که سبک طراحی نقاشی ها را تعیین کرد. تصاویر با موضوع قفقاز به شیوه ای زیبا و احساسی حل شده است، به عنوان مثال، در نقاشی "حاجی مراد از کوه ها فرود می آید" و هنرمند منظره سن پترزبورگ - میدان کاخ - را به وضوح به تصویر کشیده است. شیوه ای گرافیکی، مطابق با معماری کادربندی مربع. در آینده ، لانسر عمدتاً به عنوان تصویرگر و هنرمند تئاتر کار می کرد. مستیسلاو والریانوویچ دوبوژینسکی نیز با وجود اینکه کمی بعد به انجمن پیوست ، برجسته ترین نماینده دنیای هنر شد.

دوبوژینسکی در نووگورود در خانواده یک ژنرال متولد شد. دوران کودکی او در سن پترزبورگ گذشت. او در دانشگاه در دانشکده حقوق و سپس چندین سال در یک مدرسه خصوصی هنری در مونیخ تحصیل کرد. پس از بازگشت به سن پترزبورگ، دوبوژینسکی وارد وزارت راه آهن شد که در نقاشی او تداخلی ایجاد نکرد. آشنای قدیمی او از دوران تحصیلش در مونیخ، ایگور امانویلوویچ گرابار، او را با دیاگیلف و بنویس آشنا کرد. دوبوژینسکی به یاد می آورد: "آشنایی شخصی من با حلقه دنیای هنر زمانی اتفاق افتاد که مجله قبلاً در سال سوم وجودش شکوفا شده بود." - /.../ در همان روز، گرابار مرا به دیاگیلف و بنویس آورد. بنوا در آن زمان مشغول ویراستاری مجله گنجینه هنری روسیه بود و با اینکه «روح» دنیای هنر بود، نسبتاً به ندرت به دیدار دیاگیلف می رفت و من او را در دفتر تحریریه مجله اش ملاقات کردم. آپارتمان دیاگیلف، جایی که دفتر تحریریه در آن قرار داشت، یک آپارتمان معمولی "استاد" سن پترزبورگ بود، با پنجره های بزرگ مشرف به فونتانکا. سه شنبه ها جلسات کارکنان داشت. من شروع به شرکت در این جلسات هفتگی کردم. شلوغ و بسیار پر جنب و جوش بود. در اتاق ناهار خوری، پشت میز چای با خشک کن، توسط سماور، دایه دنیا، ... (باکست در همان پرتره با دیاگیلف جاودانه شد) مسئول بود که آرامش بسیار شیرین و غیرمنتظره ای به اتاق غذاخوری بخشید. . همه با او دست دادند. این جلسات صرفاً دیدارهای دوستانه بود و در این سه شنبه ها خود مجله کمترین صحبت را داشت. این کار در جایی "پشت صحنه" انجام شد و ، همانطور که بود ، در خانه: خود دیاگیلف و فیلسوفوف همه کارها را انجام دادند ، برای مدت طولانی منشی وجود نداشت (سپس فقط یک دانشجوی متواضع گریشکوفسکی ظاهر شد). باکست همان جا، در خانه دیاگیلف، در اتاق پشتی نیز مشغول "کار کثیف" بود - او عکس ها را برای کلیشه ها روتوش می کرد، حتی کتیبه های طرح دار خود را برای مجله می ساخت و غیره. در اتاق کوچکی در نزدیکی جلو، انبار مجله وجود داشت. مسائلی که پیاده دیاگیلف با آن ها دست و پنجه نرم می کرد - واسیلی زویکوف سیاه رنگ که در اطراف سن پترزبورگ پرواز می کرد با انواع تکالیف سرمقاله. می بینیم که خاطرات دوبوژینسکی از فضای حاکم بر تحریریه با داستان یکی دیگر از شرکت کنندگان در جلسات و جلسات آپارتمان دیاگیلف، نویسنده P.P. Pertsov، که در بالا ذکر شد، ادامه می یابد. و این فضای اشباع شده از خلاقیت و انرژی، چنین افراد متفاوتی را جمع کرد و به تولد یک مجله منحصر به فرد و توسعه خلاقیت همه رهبران انجمن کمک کرد. دوبوژینسکی درباره آشنایی خود با بنوا می گوید: "در همان زمان. روز به یاد ماندنی نوامبر در سال 1902، گرابار، قبل از اینکه مرا به دیاگیلف بیاورد، من را با الکساندر / ن / نیکولاویچ / بنویس آشنا کرد. این اولین جلسه در دفتر تحریریه مجله گنجینه هنری روسیه بود که سپس توسط بنوا سردبیری شد /.../ در بنوا فکر کردم با فردی مغرور و کنایه آمیز ملاقات خواهم کرد، همانطور که او را از زهرآگین و باهوشش تصور می کردم. مقاله‌های انتقادی یا یک «کارشناس هنر» مهم که فوراً مرا با آموخته‌هایش له می‌کند. در عوض، شیرین ترین و شادترین صمیمیت و توجه را دیدم که هم مرا متحیر و هم مجذوب خود کرد و همه نگرانی هایم بلافاصله از بین رفت. بنوا در آن زمان سی و چند ساله بود، اما نسبتاً قدیمی به نظر می‌رسید، شانه‌های گرد بود، حتی کمی «مثل پدربزرگ بازی می‌کرد»، سر طاس، ریش، قیچی با بند کشی داشت و نسبتاً گشاد بود. سروف). همه اینها برای من غیرمنتظره بود، ساده لوحانه می خواستم، او را از روی نقاشی هایش می شناختم، که در ظاهرش مطابقت با سن ظریفی وجود داشته باشد که دوست داشت به تصویر بکشد! اما این "ناامیدی" مضحک فقط در اولین لحظه دوام آورد. بنوآ در مورد من خیلی کم می دانست، فقط چیزهایی را که گرابار می توانست به او بگوید، و او فقط تعدادی از کارهای من را دید. اما او با من در ذائقه مشترک ما به عنوان یک همتراز صحبت کرد و اعتماد به نفسش باعث شد که من برای او "مال خودش" به نظر برسم و بیشتر از همه بلافاصله مرا به او نزدیک کرد. او بلافاصله اولین دستور را به من داد - یک خط نقاشی در یک مجله بسازم و چند کتیبه بکشم. خیلی زود شروع کردم به دیدار بنوا در آپارتمان کوچکش در خیابان اوفیتسرسکایا، جایی که اسیر راحتی فوق العاده او و خویشاوندی شیرین و گرم غالب او شدم /... / او خودش یک "انبار واقعی" دانش و ارتباط با او بود. باهوش ترین و جذاب ترین همکار، «دانشگاه هنر» واقعی من بود /…/ بنوآ واقعاً مرا با قرن هجدهم آشنا کرد که زمانی تأثیر بسیار قوی بر تخیل من داشت. استعداد دوبوژینسکی مانند سایر هنرمندان "دنیای هنر" به اشکال مختلف ظاهر شد: او به عنوان تصویرگر، نقاش و دکوراتور تئاتر شناخته می شود. M. V. Dobuzhinsky، مانند A. N. Benois و A. P. Ostroumova-Lebedeva، معماری سنت پترزبورگ را به تصرف خود درآورد، در حالی که علاقه اصلی او به منطقه نه جلو، بلکه در سن پترزبورگ فقیر مدرن با خانه‌های کم ارتفاع، حیاط‌ها و حومه‌های آن بود.

دوبوژینسکی صاحب اثری با موضوعی گذشته‌نگر است که با کنایه‌ای ظریف و پر از جذابیت عجیب و غریب - "استان دهه 1830" نفوذ کرده است.

تصویر ما را به دوران پوشکین و گوگول می برد. بیش از همه، دوبوژینسکی به عنوان تصویرگر و هنرمند تئاتر کار می کرد. Dobuzhinsky آثار M. Yu. Lermontov، F. M. Dostoevsky، G. K. Andersen و بسیاری دیگر را به تصویر کشیده است. او همچنین در پرتره های گرافیکی با مداد، جوهر یا آبرنگ، اسکیس و کاریکاتور استاد بود. در میان آثار او در این ژانر، پرتره نویسنده و منتقد هنری کنستانتین الکساندرویچ سیونربرگ که گرابار آن را «مرد عینکی» می نامد، شهرت ویژه ای دارد.

سیونربرگ از دوستان دوبوژینسکی بود و از آنجایی که در زمان ما افراد کمی از این شخص اطلاعی دارند، از کتاب «خاطرات» اثر خود این هنرمند اطلاعاتی درباره او ارائه می کنیم. او یک فرد بسیار تحصیلکرده و یک "اروپایی" واقعی (سوئدی خونی) بود. کمی ظرافت و اشراف درونی در او جذاب بود، اما در ظاهر می توانست مانند یک "بیسکویت" و "مردی در یک جعبه" به نظر برسد. او لاغر، تقریباً لاغر بود، ریش مرتبی زده بود، تا حد انزجار تمیز بود، و دست‌های زیبایی داشت. او تماماً «دکمه‌هایش» بود، حتی عینک‌هایش با لنزهای آبی مثل «سپر» او بودند و وقتی آن‌ها را برمی‌داشت، آدمی کاملاً متفاوت به نظر می‌رسید /... / همیشه صحبت کردن جالب بود. با او، هر دوی ما به شعر مدرن علاقه مند بودیم (او خودش شعر می گفت) و گفتگوهای ما در خانه او به ویژه جذاب بود /.../ کنستانتین الکساندرویچ با واروارا میخایلوونا بسیار شیرین، زیبا و پر از سوز ازدواج کرده بود. همسرم خیلی زود ملاقات کرد و با او صمیمی شد. آپارتمان آنها از ما فاصله چندانی نداشت و ما اغلب به همدیگر می رفتیم /…/ همیشه چشم انداز وسیع پنجره این آپارتمان به باغچه های سبزی با پشته های سرسبز، به انبوه هیزم های سیاه، نوعی حیاط خلوت و نرده های بی پایان و به دیوار خانه های رنگارنگ دور با دودکش های کارخانه پشت سر. و بارها این منظره را نقاشی کردم و چند سال بعد با این پیش زمینه، پرتره نسلی بزرگی از او ساختم. این پرتره در سال های 1905-1906، در ناراحت کننده ترین زمان، زمانی که هنرمند با شرکت خود در مجلات انقلابی به تیراندازی تظاهرات کارگران در ژانویه 1905 پاسخ داد، کشیده شد. اضطراب در پرتره احساس می شود و حال و هوای خود هنرمند را منعکس می کند. یک شرکت کننده دائمی در نمایشگاه های دنیای هنر، آنا پترونا اوستروموا-لبدوا، در سن پترزبورگ، در خانواده یک رفیق دادستان ارشد، سنت پترزبورگ به دنیا آمد. . سینود.

به یاد بیاورید که ما پرتره او را توسط سروف قرار می دهیم. آنا پترونا در آکادمی هنر زیر نظر I. E. Repin و حکاکی V. V. Mate تحصیل کرد. "ترکیب بسیار عجیبی از شکنندگی برازنده در او وجود داشت که سر تا حدی زشتی که به یک طرف کج شده بود و در عین حال نوعی سختی درونی او را تحت تأثیر قرار داد. این در آن پرتره سوموف بیان شد. قدرت نیز در کاری بود که او انجام داد: بیهوده نبود که او خود را وقف چنین تجارت غیر زنانه ، حکاکی روی چوب کرد ، که تکنیک آن هیچ گونه تقریب یا بی شکلی را اجازه نمی دهد. در عین حال این هنر او از هر گونه خشکی به دور بود. دوبوژینسکی نوشت، او قبل از من مضامین پترزبورگ را مطرح کرد و توانست مناظر خود را با صمیمیت خاصی منتقل کند. Ostroumova-Lebedeva به یک حکاک معروف تبدیل شد. او چندین سال در خارج از کشور زندگی کرد ، در پاریس با سوموف و بنوا ارتباط برقرار کرد و به عضویت دنیای هنر درآمد. آثار او تقدیم به مجموعه‌های معروف کاخ و پارک پاولوفسک و تزارسکویه سلو و البته سنت پترزبورگ شهرت یافت. او طاق "نیوهلند" - گوشه مرموز قدیمی سنت پترزبورگ، و یکی از زیباترین مکان های پایتخت - ستون های تبادل مشرف به قلعه و خیلی چیزهای دیگر را به تصویر کشید.

فعالیت های «دنیای هنر» باعث جذب بسیاری به خصوص هنرمندان جوان شد. اینها شامل والنتین الکساندرویچ سرووف است. پسر آهنگساز مشهور الکساندر نیکولاویچ سرووف در سن پترزبورگ به دنیا آمد. در دهه 1880 او در آکادمی هنر نزد پی. سروف عضو شورای آکادمی هنر و گالری ترتیاکوف بود. او قبلاً در اواخر دهه 1890 به هنرمندان "دنیای هنر" نزدیک شد و شاید بدون تأثیر آنها به تئاتر و نقاشی تاریخی با موضوع قرن هجدهم روی آورد. دوبوژینسکی سروف را به یاد می آورد: "در جلسات ، او همیشه کنار می نشست ، گوش می داد و بدون اینکه سیگارهایش را رها کند ، چیزی در یک آلبوم می کشید. او همچنین کاریکاتورهای شیطانی و بسیار مشابهی از حاضران به خصوص باکست که با او صمیمی بود ساخت. در کنارش به نظر می رسید که لباس راحتی بپوشد، تنومند بود، با نگاهی غیرعادی تیز از زیر ابروهایش. اکثراً در این شرکت پر سر و صدا سکوت می کرد، اما یکی از سخنان همیشه تند او، یا همه را سرگرم می کرد یا توجه جدی را برانگیخت. همه برای نظر سروف ارزش زیادی قائل بودند و او را به عنوان یک مرجع غیرقابل انکار می دانستند، او همه چیز را با آرامش قضاوت می کرد و یک "مرکز بازدارنده" واقعی بود. بنوا زمانی او را «وجدان دنیای هنر» نامید. کم کم به او عادت کردم و عشقی که همه به او و همچنین به هنرش داشتند را درک کردم. سروف موفق شد نقش مهمی در سرنوشت مجله ایفا کند. در سال 1900 پرتره ای از امپراتور نیکلاس دوم کشید.

"جلسات مدت زیادی طول کشید، زیرا سروف یک طرح می ساخت، آن را پاک می کرد و دفعه بعد دوباره می نوشت - تا زمانی که کار او را راضی کرد. بنابراین پرتره نیکلاس دوم برای آخرین بار، به نظر می رسد، در سی و پنجمین جلسه ساخته شده است. بی اختیار این هنرمند و مدلش شروع به صحبت با یکدیگر کردند. به هر حال ، من گزیده ای از این گفتگوها را به یاد می آورم که سروف در تحریریه گفته است - نویسنده P.P. Pertsov می نویسد - آنها در مورد امور مالی صحبت می کردند. سروف گفت: "من از امور مالی چیزی نمی فهمم." همکارش اعتراف کرد: «من هم همینطور. در طول ساعات طولانی این جلسات، سروف وقت داشت تا در مورد مجله، وظایف آن و وضعیت بحرانی صحبت کند. نتیجه انتصاب یارانه از وجوه "خود" 30000 روبل در سال بود. این امر باعث شد که نشریه به همان زیبایی که منتشر می شد منتشر شود.

در سال 1902، هنرمند جوان نیکولای کنستانتینوویچ روریچ نیز به انجمن پیوست. علاقه اصلی روریچ در زمینه روسیه بت پرست و مسیحی و فرهنگ هند باستان بود که او سالها به مطالعه آن پرداخت. روریچ برای اولین بار در نمایشگاه مسکو "دنیای هنر" در سال 1902 شرکت کرد و متعاقباً در نمایشگاه های دیگر شرکت کرد و همچنین چندین اجرا را در شرکت دیاگیلف طراحی کرد. روریچ پس از ترک روسیه در سال 1918 در آمریکا زندگی و کار کرد و در آنجا چندین مؤسسه آموزشی تأسیس کرد و از اواخر دهه 1920 پس از تکمیل سفرهای معروف خود به هند، مغولستان و تبت برای همیشه در هند ماند. روریچ با فعالیت‌های آموزشی «دنیای هنر» مرتبط بود. این پژوهش خاطرنشان می‌کند که «مجله» دنیای هنر «به مرحله جدیدی در تاریخ نقد هنری و در مطالعه تاریخ هنر در روسیه تبدیل شد». - در واقع، گستره مسائلی که او به آن دست می زند آنقدر گسترده است، فعالیت کوتاه مدت او چنان پرانرژی است که هر پژوهشگر فرهنگ نه تنها در آغاز قرن، بلکه در زمان های بعدی نیز به تاریخ نقاشی روی می آورد. موسیقی یا نقد هنری، نمی تواند از پدیده ای مانند «هنرهای جهانی» اجتناب کند.

این مجله مردم را با آثار هنرمندان مدرن آشنا کرد و از این طریق به انتشار دانش در مورد زندگی هنری معاصر کمک کرد. شماره های جداگانه ای به ویکتور میخائیلوویچ واسنتسف (1899، شماره 1)، ایلیا افیموویچ رپین (1899، شماره 10)، النا دیمیتریونا پولنووا (1899، شماره 18)، کنستانتین آلکسیویچ کورووین (1899، شماره 21) اختصاص یافت. والنتین الکساندروویچ سرووف (1900، شماره 1–2)، میخائیل واسیلیویچ نستروف (1900، شماره 3–4)، ایزاک ایلیچ لویتان (1901، شماره 1)، میخائیل الکساندروویچ وروبل (1903، شماره 10–11) . در ماه مه 1899، مردم صدمین سالگرد تولد A. S. Pushkin را به طور گسترده جشن گرفتند. در آن زمان شعر "روسلان و لیودمیلا" با آبرنگ توسط A. N. Benois و یک نسخه سه جلدی از آثار A. S. Pushkin، با تصویرگری V. A. Serov، M. A. Vrubel، V. M. Vasnetsov و اعضای "دنیای هنر" - K. A. سوموف و A.N. Benois. شماره ویژه مجله "دنیای هنر" با مقالاتی از دیاگیلف در مورد نقاشی های آثار شاعر به A. S. پوشکین اختصاص یافت. صفحات مجله حاوی عکس هایی از بناهای معماری باستانی روسیه، ظروف چوبی و اشیاء هنر کاربردی ساخته شده بود. توسط النا دیمیتریونا پولنووا و ویکتور میخائیلوویچ واسنتسف به سبک قدیمی روسی. بازتولید نقاشی های هنرمندان قرن هجدهم از اهمیت ویژه ای برخوردار بود که استاسوف آنها را فقط مقلد استادان اروپای غربی می دانست. در اصل، دنیای هنر یک قرن کامل از تاریخ فرهنگ روسیه را در معرض دید عموم قرار داد که در پایان قرن نوزدهم تقریباً فراموش شده بود. این مجله خوانندگان را با هنر اروپای غربی در قرون وسطی و دوران مدرن آشنا کرد. بسیاری از شماره ها همچنین حاوی مقالاتی نه تنها در مورد هنری، بلکه همچنین در مورد زندگی موسیقی، یادداشت هایی در مورد نمایشگاه های خارجی بود. برای بحث در مورد ترکیب شماره بعدی مجله، دوستان در آپارتمان دیاگیلف در 11، خاکریز فونتانکا، جایی که او از زمستان زندگی می کرد، جمع شدند. از 1900-1901. دیاگیلف شخصیت مرکزی "دنیای هنر" بود. الکساندر بنوا یادآور شد: «او در بین هنرمندان تنها کسی بود که هیچ چیز هنری خلق نکرد و حتی آهنگسازی و آواز خود را رها کرد. اما ما، هنرمندان، او را از خود تلقی نکردیم، زیرا همانطور که ما نقاشی و مناظر می کشیدیم، باله و اپرا می ساختیم، مقالات و کتاب می نوشتیم، او نیز با همان الهام، با همان سوزش، گریم می کرد. یک مجله، نمایشگاه‌هایی ترتیب داد، نمایش‌هایی با اهمیت جهانی ترتیب داد. کار انتشارات با برپایی نمایشگاه ها همراه بود. تمام آثار برای نمایشگاه توسط خود دیاگیلف انتخاب شد. گاهی اوقات اتفاق می افتاد که هنرمند نمی خواست چیزی را به نمایش بگذارد، زیرا آن را ناموفق می دانست، اما دیاگیلف اصرار کرد و هنرمند منصرف شد. و سپس معلوم شد که این تصویر "رد شده" بود که موفق شد و وارد هر مجموعه بزرگی شد. و گاهی اوقات برعکس اتفاق می افتاد - علیرغم میل هنرمند دیاگیلف هرگز موافقت نمی کرد که نقاشی را به نمایشگاه ببرد. Ostroumova-Lebedeva: به یاد می آورد: "سرگئی پاولوویچ با انرژی، پشتکار و پشتکار شگفت انگیز تمام نشدنی بود و مهمتر از همه، او این توانایی را داشت که مردم را با اشتیاق، با اشتیاق کار کنند، همانطور که خودش نمونه ای از فداکاری کامل خود را برای دستیابی به این هدف قرار داد. هدف مورد نظر عجله زیادی در نمایشگاه وجود داشت، دیاگیلف، مانند یک گردباد، از آن عبور می کند و همه جا با سرعت حرکت می کند. او شب ها دراز نمی کشد، اما با درآوردن ژاکت، همراه با کارگران عکس ها را حمل می کند، جعبه ها را باز می کند، آویزان می کند، آویزان می کند - با عرق، اما با خوشحالی، همه اطرافش را با اشتیاق آلوده می کند. کارگران آرتل تلویحاً از او اطاعت می کردند و وقتی آنها را با کلماتی بازیگوش خطاب می کرد، لبخندی گسترده و از ته دهان می زدند و گاهی بلند می خندیدند. و همه چیز به موقع بود. سرگئی پاولوویچ صبح خانه را ترک کرد، حمام کرد و با لباسی شیک و شیک پوش، اولین کسی بود که نمایشگاه را افتتاح کرد. کار شبانه تاثیری بر او نداشت. موهای تیره و صاف او با احتیاط از هم جدا شده بود. یک تار موی سفید جلوی پیشانی اش برجسته بود. چهره ای پر رنگ قرمز با چشمان درشت قهوه ای از هوش، رضایت از خود و انرژی می درخشید. زمانی که می خواست از کسی چیزی بگیرد، پیگیر و جذاب بود و تقریباً همیشه موفق می شد. در 28 ژانویه 1900، دومین نمایشگاه "دنیای هنر" در موزه مدرسه بارون A. L. Stieglitz برگزار شد. تنها هنرمندان روسی در این نمایشگاه ارائه شدند: اعضای دنیای هنر و شرکت کنندگان در نمایشگاه های قبلی - بنوا، وروبل، سرووف، سوموف، لویتان. آثار هنرمندان قرن 18 و اوایل قرن 19 نیز نمایش داده شد: بوروویکوفسکی، بریولوف و کیپرنسکی. بنابراین، برگزارکنندگان نمایشگاه بر اهمیت ماندگار هنر این نقاشان برای تاریخ فرهنگ روسیه تأکید کردند.

در نوامبر همان سال به درخواست سروف، اعضای دنیای هنر نمایشگاه دیگری با همین نام در تالارهای فرهنگستان هنر برپا کردند. او به نفع دانش آموزان نیازمند خیریه می کرد. نمایشگاه های دنیای هنر همیشه یک رویداد مهم در زندگی سن پترزبورگ بوده است. آنها مشتاقانه منتظر بودند، با اشتیاق آماده شدند و به شدت مورد بحث قرار گرفتند. طراحی این نمایشگاه‌ها شبیه به نمایشگاه‌های معروف «موبایل»، «بهار» و غیره نبود که نقاشی‌ها به‌طور یکنواخت روی دیوارها آویزان بودند و آثار مجسمه‌سازی، به‌عنوان افزوده، در گوشه و کنار سالن ایستاده بودند. دیاگیلف در برپایی نمایشگاه ها ذوق و نبوغ زیادی از خود نشان داد. نقاشی ها بر روی غرفه های مخصوص قرار گرفتند، سالن ها با دقت با گل تزئین شدند. برای هر هنرمند، یک پس زمینه خاص، قاب های خاص انتخاب شد.

در 5 ژانویه 1901، سومین نمایشگاه دنیای هنر در تالار تیتیان آکادمی هنر افتتاح شد. دیاگیلف آن را به روشی غیرمعمول طراحی کرد - او سالن را به یک سری اتاق های سفید دنج تقسیم کرد، جایی که سقف ها با موسلین سفید پوشیده شده بود و گل ها در مقابل نقاشی ها ایستاده بودند. همچنین پس از مرگش نمایشگاهی از آثار I. I. Levitan که در ژوئیه 1900 در سی و نه سالگی درگذشت، برگزار شد. شصت و پنج اثر او در این نمایشگاه به نمایش گذاشته شد. در جلد چهارم مجله "دنیای هنر" برای سال 1900، دیاگیلف مقاله ای را به یاد هنرمندی که خیلی زود درگذشت اختصاص داد. دیاگیلف یادآور شد: "شکل لویتان با شکوه و عظمت خاصی برمی خیزد / .... / هیچ کس قبل از او در تمام نقاشی های روسی نمی دانست چگونه بر روی بوم تمام جذابیت بی پایان آن احساسات مختلف را که هر یک از ما با آن تجربه کرده ایم بیان کند. چنین سعادتی در یک صبح خنک یا در عصر گرم در پرتوهای یک روستای بدبخت شمال روسیه. علاوه بر این، دیاگیلف در مورد "درک پوشکین از طبیعت روسیه در تمام کارهایش" می نویسد، که "همه نقاشان منظره مسکو تحت طلسم استعداد او قرار گرفتند." پدیده های زندگی هنری روسیه ". در دسامبر 1901، در مسکو، چندین سنت سنت. نقاشان پترزبورگ و مسکو که در میان آنها شرکت کنندگان در دنیای هنر بودند، نمایشگاهی به نام "36" افتتاح کردند. مبتکران این انجمن نمایشگاهی مسکوئی ها بودند - آپولیناری میخایلوویچ واسنتسف، واسیلی واسیلیویچ پرپلتچیکوف و دیگران، عمدتاً نقاشان منظره، فارغ التحصیلان مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو. آنها تصمیم گرفتند خود را با سرگردان ها و دنیای هنر مخالفت کنند ، زیرا بسیاری از "دیکتاتوری" دیاگیلف خوششان نمی آمد و موقعیت نابرابر جوانان در انجمن سرگردانان رخ داد. اما این انجمن زیاد دوام نیاورد - فقط دو سال. پس از ترتیب دادن دومین نمایشگاه در دسامبر سال بعد، 1902، فعالیت آن متوقف شد. اولین نمایشگاه با حضور Benois، Somov و Lansere برگزار شد. اما در نمایشگاه دوم شرکت نکردند. پس از بسته شدن دومین نمایشگاه "36" در فوریه 1903، مسکووی ها با دنیای هنر در انجمن جدیدی - "اتحادیه هنرمندان روسیه" متحد شدند. این سازمان متشکل از نقاشان مسکو و اعضای "دنیای هنر" بود. نمایشگاه های سایوز در بسیاری از شهرهای روسیه و خارج از کشور برگزار شد. به طور خلاصه تاریخچه «اتحادیه» بدین شرح است: نمایشگاه های مشترک با «دنیای هنر» تا سال 1908 ادامه یافت. سپس پترزبورگ ها به دلیل انتقادات متقابل از مسکوئی ها جدا شدند و از سال 1910 تاریخ آنها مسیرهای متفاوتی را طی کرد.

در همین حین، نمایشگاه های دنیای هنر ادامه یافت که دیاگیلف به برپایی آن ادامه داد. در 9 مارس 1902، چهارمین نمایشگاه در سالن های پاساژ برگزار شد. سپس سرگئی پاولوویچ تصمیم گرفت او را به مسکو منتقل کند و در نوامبر همان سال نمایشگاه در مسکو در سالن های مدرسه استروگانف افتتاح شد. در نمایشگاه دنیای هنر مسکو، آثار جدیدی از سروف، سوموف، وروبل به نمایش درآمد. برای اولین بار در نمایشگاه "دنیای هنر" شرکت کرد، همانطور که قبلا ذکر شد، روریچ، که اثر او "شهر در حال ساخت است" (از زندگی اسلاوهای باستان) توسط گالری ترتیاکوف به دست آمد. در همین نمایشگاه نقاشان مسکو از میان "36" حضور داشتند - الکساندر یاکولوویچ گولووین، لئونید اوسیپوویچ پاسترناک، ایگور امانویلوویچ گرابار. نمایشگاه دنیای هنر در مسکو با موفقیت بزرگی روبرو شد سوالات فصل سوم: هنرمندان - سازمان دهندگان و چهره های دنیای هنر.

1. هنرمندان – برگزارکنندگان و چهره های اصلی انجمن «دنیای هنر» را نام ببرید.
2. خانواده بنوا به چه چیزی معروف هستند؟
3. اولین کتاب منتشر شده توسط A. N. Benois چه بود؟
4. A. N. Benois دوست داشت چه دوران تاریخی را به تصویر بکشد؟
5. نقاشی های A. N. Benois از زندگی لویی چهاردهم را نام ببرید.
6. در مورد نقاشی های A. N. Benois که به پیتر اول تقدیم شده است بگویید.
7. نام نقاشی A. N. Benois درباره پل اول چه بود؟
8. چه کارهایی از A. S. Pushkin توسط A. N. Benois به تصویر کشیده شده است؟
9. از کتاب A. N. Benois "ABC" چه چیزی به یاد دارید؟
10. A. N. Benois چه اجراهایی را طراحی کرد؟
11. چه کسی اولین کسی بود که به زیبایی معماری سنت پترزبورگ و حومه آن توجه کرد و این امر چگونه خود را نشان داد؟
12. K. A. Somov در چه خانواده ای متولد شد؟ پدرش کی بود؟
13. چه استعدادی K. A. Somov و مادرش را متمایز کرد؟
14. درک جدید از نقاشی تاریخی در آثار K. A. Somov چگونه بود؟ ویژگی های نقاشی او را شرح دهید.
15. پرتره های K. A. Somov چه ویژگی هایی دارند؟ معروف ترین پرتره ها را نام ببرید.
16. L. S. Bakst پس از ترک آکادمی هنر کجا تحصیل کرد؟
17. معروف ترین آثار ال.اس باکس را نام ببرید.
18. پرتره های قابل توجه A. N. Benois و S. P. Diaghilev توسط L. S. Bakst چیست؟
19. در مورد ویژگی های بارز هنر نو در نقاشی L. S. Bakst «شام. خانمی با پرتقال.
20. سفر به یونان چه تأثیری بر کار L. S. Bakst داشت؟
21. نقاشی L. S. Bakst "Terror antiquus" را توصیف کنید.
22. نقاشی های E. E. Lansere که مشخصه «دنیای هنر» است را نام ببرید.
23. M. V. Dobuzhinsky در چه انواع هنری کار می کرد؟
24. هنرمندان دنیای هنر چه چیزهای جدیدی در طراحی کتاب آورده اند؟
25. در مورد کارهای A.P. Ostroumova-Lebedeva بگویید. او از چه تکنیکی استفاده کرد؟
26. نام نمایشگاه های مشترک دنیای هنر با مسکوئی ها چه بود؟ چقدر دوام آوردند؟

کار دوره

در رشته "فرهنگ شناسی"

با موضوع: "انجمن" دنیای هنر ""

مقدمه

1. تاریخچه مجله و نقش دیاگیلف در ایجاد آن

2. اصول انتشار مجله و مفهوم آن

3. نقش و اهمیت مجله در زندگی فرهنگی روسیه

نتیجه

در زندگی فرهنگی روسیه، چرخش دو قرن قرن 19 و 20 با تأسیس مجله "دنیای هنر" مشخص شد. اولین کسانی که برای بیرون آمدن از چارچوب هنر خصوصی به عموم مردم اعتماد به نفس پیدا کردند، منتقدان و شاعران نبودند، بلکه هنرمندان، موسیقیدانان و عاشقان اپرا، تئاتر و باله بودند. آنها بودند که ابتدا انجمن و سپس اولین مجله مدرنیستی روسی را تأسیس کردند. آنها وظیفه خود را «مراقبت به نقاشی روسی، پاکسازی و از همه مهمتر آوردن آن به غرب، تجلیل آن در غرب» قرار دادند.

هدف از کار درسی مطالعه دقیق فعالیت های مجله مدرنیستی "دنیای هنر" است. برای دستیابی به هدف، وظایف زیر تعیین شد: ایجاد انجمن هنرمندان "دنیای هنر" و مجله "دنیای هنر" را با جزئیات در نظر بگیرید. مطالعه مفهوم مجله و اصول انتشار آن؛ برای تجزیه و تحلیل نقش و اهمیت مجله "دنیای هنر" در زندگی فرهنگی روسیه.

در پایان قرن نوزدهم، زندگی هنری در روسیه بسیار پر جنب و جوش بود. جامعه علاقه فزاینده ای به نمایشگاه ها و حراج های هنری متعدد، به مقالات و نشریات اختصاص داده شده به هنرهای زیبا نشان داد. نه تنها مسکو و سن پترزبورگ، بلکه بسیاری از روزنامه ها و مجلات استانی نیز سرفصل های دائمی متناظر داشتند. انواع مختلفی از انجمن های هنری به وجود آمدند که وظایف مختلفی را برای خود تعیین کردند، اما عمدتاً ماهیتی آموزشی داشتند که تحت تأثیر سنت های سرگردان بود. یکی از این انجمن ها "دنیای هنر" (1898-1904) بود که در زمان های مختلف تقریباً همه هنرمندان برجسته روسیه را شامل می شد: L. Bakst، A. Benois، M. Vrubel، A. Golovin، M. Dobuzhinsky، K. Korovin، E. Lansere، I. Levitan، M. Nesterov، V. Serov، K. Somov و دیگران. همه آنها، بسیار متفاوت، با اعتراضی علیه هنر رسمی ترویج شده توسط آکادمی و طبیعت گرایی سرگردانان متحد شدند. .

ظهور انجمن "دنیای هنر" با یک خانه کوچک "دایره خودآموزی" در آپارتمان A. Benois، جایی که دوستانش از سالن ورزشی خصوصی K. May جمع شدند: D. Filosofov، V. نوول، و سپس L. Bakst، S. Diaghilev، E. Lansere، A. Nurok، K. Somov. شعار حلقه «هنر برای هنر» بود به این معنا که خلاقیت هنری به خودی خود دارای بالاترین ارزش است و نیازی به نسخه های ایدئولوژیک از بیرون ندارد. این انجمن در عین حال نماینده هیچ حرکت هنری، جهت و مکتبی نبود. از افراد باهوش تشکیل شده بود که هر کدام راه خود را رفتند.

هنر "دنیای هنر" "در لبه پرهای نازک هنرمندان گرافیک و شاعران" به وجود آمد. فضای رمانتیسیسم جدید، که از اروپا به روسیه نفوذ کرد، منجر به هوس‌بازی مجلات مد روز نمادگرای مسکو "Scales"، "Golden Feece" شد. طراحی نرده های طرح دار سنت پترزبورگ با آرمان های هنرمندان حلقه آبرامتسیو I. Bilibin، M. Vrubel، V. Vasnetsov، S. Malyutin برای ایجاد "سبک ملی روسیه" مرتبط بود.

از منظر روش هنری، اگر از مهمترین چیز در کار هنرمندان «معمولی» دنیای هنر صحبت کنیم، آنها بیشتر ترکیبی هستند تا تحلیلگر، گرافیست ها تا نقاشان. در گرافیک دنیای هنر، نقاشی اغلب از یک الگوی از پیش ساخته شده پیروی می کند و نقطه رنگ به منظور تأکید بر شخصیت "مصنوعی" تزئینی آن به حداکثر می رسد. از این رو عقلانیت، کنایه، بازی، تزئین گرایی. طراحی، نقاشی و حتی مجسمه سازی از اصل تزئینی- گرافیکی پیروی می کردند. این همچنین جذابیت ترکیب انواع و ژانرهای هنری را توضیح می دهد: ترکیب در یک ترکیب منظره، طبیعت بی جان، پرتره یا "مطالعه تاریخی". گنجاندن نقاشی، مجسمه سازی، نقش برجسته در معماری، میل به استفاده از مواد جدید، "خروج" به کتاب گرافیک و تئاتر موزیکال. با این حال، میل به "سنتز هنری"، به طور کلی مشخصه دوره مدرن، که به نظر می رسد باید به ایجاد یک "سبک بزرگ" منجر شود، به متناقض ترین شکل دلیلی برای خلاقیت محدود شد. دنیای هنر. این هنرمندان «مفهوم تصویری را با تفسیر آن به عنوان یک احساس تزئینی از واقعیت کاهش دادند ... در اینجا تناقضی وجود داشت که منجر به بحرانی عمیق شد، از هم پاشیدگی سریع چنین جهت روشن و پر انرژی ... از فعالیت شدید یک دوره درخشان، آثار زیبای زیادی باقی مانده است ... اما به طور کامل هیچ اثر کاملاً قابل توجهی وجود نداشت ... "

در ادامه به شرح حال بنوا به عنوان یکی از سازمان دهندگان و الهام بخش انجمن و بعداً مجله "دنیای هنر" خواهیم پرداخت.

نقاش و گرافیست سه پایه، تصویرگر و طراح کتاب، استاد صحنه‌های تئاتر، کارگردان، نویسنده متن‌های باله، بنوا در عین حال مورخ برجسته هنر روسیه و اروپای غربی، نظریه‌پرداز و روزنامه‌نگار تیزبین، منتقدی بصیر، شخصیت اصلی موزه، یک خبره بی نظیر تئاتر، موسیقی و رقص. . ویژگی اصلی شخصیت او را باید عشق همه جانبه به هنر نامید. تطبیق پذیری دانش تنها بیانگر این عشق بود. بنوا در تمام فعالیت‌هایش، در علم، نقد هنری، در هر حرکت فکری‌اش، همیشه یک هنرمند ماند. معاصران در او تجسم زنده روح هنر را می دیدند.

الکساندر نیکولایویچ بنوا - پسر نیکولای لئونتیویچ بنوا، آکادمیک و معمار و موسیقیدان کامیلا آلبرتوونا (نی کاووس) - در 3 مه 1870 به دنیا آمد. بنوا با تولد و تربیت به روشنفکران هنری سن پترزبورگ تعلق داشت. برای نسل ها، هنر یک حرفه ارثی در خانواده او بود. پدربزرگ مادری Benois K. A. Cavos آهنگساز و رهبر ارکستر بود، پدربزرگ او یک معمار بود که در سن پترزبورگ و مسکو کارهای زیادی ساخت. پدر این هنرمند نیز یک معمار بزرگ بود، برادر بزرگتر به عنوان یک نقاش آبرنگ مشهور بود. آگاهی بنوای جوان در فضایی از تأثیرات هنری و علایق هنری رشد کرد.

ذوق هنری و دیدگاه های بنوای جوان در تقابل با خانواده اش شکل گرفت که به دیدگاه های محافظه کارانه "آکادمیک" پایبند بودند. تصمیم برای هنرمند شدن خیلی زود در او بالغ شد. اما پس از اقامت کوتاهی در آکادمی هنر که تنها ناامیدی به همراه داشت، بنوا ترجیح داد در دانشگاه سن پترزبورگ مدرک حقوق بگیرد و طبق برنامه خودش آموزش های هنری حرفه ای را به تنهایی طی کند.

کار سخت روزانه، آموزش مداوم در طراحی از طبیعت، تمرین فانتزی در کار بر روی ترکیب ها، همراه با مطالعه عمیق تاریخ هنر، مهارتی مطمئن به هنرمند داد که دست کمی از مهارت همسالان خود ندارد. آکادمی. بنوا با همین پشتکار برای کار یک مورخ هنر، مطالعه در ارمیتاژ، مطالعه ادبیات خاص، سفر به شهرها و موزه های تاریخی آلمان، ایتالیا و فرانسه آماده شد.

خودآموزی در نقاشی (عمدتاً آبرنگ) بیهوده نبود و در سال 1893 بنوا برای اولین بار به عنوان یک نقاش منظره در نمایشگاه "جامعه آبرنگ" روسیه ظاهر شد.

یک سال بعد، او اولین کار خود را به عنوان یک مورخ هنر انجام داد و مقاله ای در مورد هنر روسیه در کتاب موتر به نام تاریخ نقاشی در قرن نوزدهم که در مونیخ منتشر شد به زبان آلمانی منتشر کرد. (ترجمه های روسی مقاله Benois در همان سال در مجلات Artist و Russian Art Archive منتشر شد.) بلافاصله از او به عنوان یک منتقد هنری با استعداد صحبت شد که ایده های جا افتاده در مورد توسعه هنر روسیه را وارونه کرد.

بنوا که بلافاصله خود را هم یک عمل‌گر و هم نظریه‌پرداز هنر اعلام کرد، در سال‌های بعد این وحدت دوگانه را حفظ کرد، استعداد و انرژی او برای همه چیز کافی بود.

در 1895-1899 الکساندر بنویس متصدی مجموعه نقاشی ها و طراحی های مدرن اروپایی و روسی شاهزاده خانم M. K. Tenisheva بود. در سال 1896 او یک بخش کوچک روسی را برای نمایشگاه Secession در مونیخ ترتیب داد. در همان سال اولین سفر خود را به پاریس انجام داد. مناظری از ورسای را ترسیم کرد و مجموعه‌ای از موضوعات ورسای را آغاز کرد که در طول زندگی‌اش برای او محبوب بود.

مجموعه آبرنگ "آخرین پیاده روی لوئی چهاردهم" (1897-1898، موزه روسیه و مجموعه های دیگر)، که بر اساس برداشت از سفر به فرانسه خلق شده است، اولین کار جدی او در نقاشی بود که در آن خود را نشان داد. یک هنرمند اصلی این سریال برای مدت طولانی شکوه "خواننده ورسای و لوئی" را برای او تایید کرد.

بنوا با انگیزه پیدایش دنیای هنر نوشت: «ما نه چندان با ملاحظات یک نظم «ایدئولوژیک»، که با ملاحظات ضرورت عملی هدایت می‌شدیم. تعدادی از هنرمندان جوان جایی برای رفتن نداشتند. آنها یا اصلاً برای نمایشگاه های بزرگ - دانشگاهی، مسافرتی و آبرنگ پذیرفته نشدند، یا فقط با رد هر چیزی که خود هنرمندان واضح ترین بیان تلاش های خود را در آن می دیدند پذیرفته شدند ... و به همین دلیل است که وروبل در رتبه بعدی قرار گرفت. به بکست، و سوموف با مالیاوین. «به رسمیت شناخته نشده ها» با کسانی از «شناخته شده ها» که در گروه های تایید شده احساس ناراحتی می کردند، پیوستند. عمدتاً لویتان، کورووین و در نهایت خوشحالی ما، سروف به سمت ما آمدند. باز هم، از نظر ایدئولوژیک و در کل فرهنگ خود، آنها به حلقه دیگری تعلق داشتند، آنها آخرین فرزندان رئالیسم بودند، نه بدون "رنگ آمیزی سرگردان". اما آنها با نفرتشان از هر چیز کهنه، جا افتاده و مرده با ما مرتبط بودند.»

بنوا در طول سفر طولانی خود به عنوان یک هنرمند، منتقد و مورخ هنر، به درک بالای سنت کلاسیک و معیارهای زیبایی‌شناختی در هنر وفادار ماند و از ارزش ذاتی خلاقیت هنری و فرهنگ ظریف مبتنی بر سنت‌های قوی دفاع کرد. همچنین مهم است که تمام فعالیت های چند وجهی بنوا در واقع به یک هدف اختصاص یافته بود: تجلیل از هنر روسیه.

انجمن هنر "دنیای هنر"

دنیای هنر (18981924) یک انجمن هنری است که در اواخر دهه 1890 در روسیه تشکیل شد. با همین نام، مجله ای منتشر شد که از سال 1898 توسط اعضای گروه منتشر می شد. بنیانگذاران "دنیای هنر" هنرمند سن پترزبورگ A. N. Benois و چهره تئاتر S. P. Diaghilev بودند. با سازماندهی "نمایشگاه هنرمندان روسی و فنلاندی" در سال 1898 در موزه مدرسه مرکزی طراحی فنی بارون A. L. Stieglitz با صدای بلند خود را اعلام کرد. دوره کلاسیک در زندگی انجمن در سال 19001904 سقوط کرد. در آن زمان، این گروه با وحدت خاصی از اصول زیبایی شناختی و ایدئولوژیک مشخص می شد. هنرمندان نمایشگاه هایی را زیر نظر مجله دنیای هنر برگزار کردند. پس از سال 1904، انجمن گسترش یافت و وحدت ایدئولوژیک خود را از دست داد. در 19041910. اکثر اعضای "دنیای هنر" بخشی از اتحادیه هنرمندان روسیه بودند. پس از انقلاب بسیاری از رهبران آن مجبور به مهاجرت شدند. این انجمن در واقع در سال 1924 فعالیت خود را متوقف کرد. هنرمندان "دنیای هنر" اصل زیبایی شناسی در هنر را یک اولویت می دانستند و در مخالفت با ایده های سرگردان برای مدرنیته و نمادگرایی تلاش می کردند. هنر از نظر آنها باید بیانگر شخصیت هنرمند باشد.

هنرمندان موجود در انجمن:

باکس، لو سامویلوویچ

روریچ، نیکلاس کنستانتینوویچ

دوبوژینسکی، مستیسلاو والریانوویچ

لانسر، اوگنی اوگنیویچ

میتروخین، دیمیتری ایسیدوروویچ

اوستروموا-لبدوا، آنا پترونا

چمبرز، ولادیمیر یاکولوویچ

یاکولف، الکساندر اوگنیویچ

سوموف، کنستانتین آندریویچ

زیونگلینسکی، یان فرانتسویچ

پورویت، ویلهلم

سیونربرگ، کنستانتین الکساندرویچ، منتقد

"پرتره گروهی اعضای انجمن "دنیای هنر"". 19161920.B. M. Kustodiev.

پرتره - دیاگیلف سرگئی پتروویچ (1872 1925)

سرگئی دیاگیلف در 19 مارس (31) 1872 در سلیشچی استان نووگورود در خانواده یک نجیب زاده نظامی و ارثی پاول پاولوویچ دیاگیلف به دنیا آمد. مادر او چند ماه پس از تولد سرگئی درگذشت و او توسط نامادری اش النا، دختر V. A. Panaev بزرگ شد. سرگئی در کودکی در سن پترزبورگ و سپس در پرم زندگی می کرد که پدرش در آنجا خدمت می کرد. برادر پدر، ایوان پاولوویچ دیاگیلف، یک بشردوست و بنیانگذار یک حلقه موسیقی بود. در پرم، در گوشه خیابان های سیبیرسکایا و پوشکین (بولشایا یامسکایا سابق)، خانه اجدادی سرگئی دیاگیلف حفظ شده است که اکنون سالن ورزشی به نام وی در آن قرار دارد. این عمارت به سبک کلاسیک گرایی اواخر روسیه در دهه 50 قرن نوزدهم طبق پروژه معمار R. O. Karvovsky ساخته شد. برای سه دهه، این خانه متعلق به یک خانواده بزرگ و دوستانه دیاگیلف بود. در خانه ای که معاصران آن را «پرم آتن» می نامیدند، روشنفکران شهر پنجشنبه ها جمع می شدند. در اینجا موسیقی می نواختند، آواز می خواندند، اجراهای خانگی می نواختند. پس از فارغ التحصیلی از زورخانه پرم در سال 1890، به سن پترزبورگ بازگشت و وارد دانشکده حقوق دانشگاه شد، در حالی که در کنسرواتوار سنت پترزبورگ نزد N. A. Rimsky-Korsakov در رشته موسیقی تحصیل می کرد. در سال 1896، دیاگیلف از دانشگاه فارغ التحصیل شد، اما به جای وکالت، به عنوان یک هنرمند شروع به کار کرد. چند سال پس از دریافت دیپلم، او به همراه A. N. Benois، انجمن دنیای هنر را ایجاد کرد، مجله‌ای به همین نام را (از 1898 تا 1904) سردبیر کرد و خود مقالاتی در زمینه نقد هنری نوشت. او نمایشگاه‌هایی ترتیب داد که با استقبال گسترده‌ای روبرو شد: در سال 1897، نمایشگاه آبرنگ‌های انگلیسی و آلمانی، معرفی مردم روسیه با تعدادی از استادان بزرگ این کشورها و گرایش‌های مدرن در هنرهای زیبا، سپس نمایشگاه هنرمندان اسکاندیناوی در سالن‌ها. از انجمن تشویق هنرها، نمایشگاه هنرمندان روسی و فنلاندی در موزه استیگلیتز (1898) خود دنیای هنر اولین اجرای خود را در نظر گرفت (دیاگیلف علاوه بر گروه اصلی، موفق شد در نمایشگاه شرکت کند. دایره دوستانه اولیه، که انجمن دنیای هنر از آن به وجود آمد، دیگر نمایندگان عمده هنر جوان وروبل، سروف، لویتان و غیره)، نمایشگاه تاریخی و هنری پرتره های روسی در سن پترزبورگ (1905). نمایشگاهی از هنر روسیه در Salon d'Automne در پاریس با آثاری از Benois، Grabar، Kuznetsov، Malyavin، Repin، Serov، Yavlensky (1906) و دیگران.

بنوا الکساندر نیکولاویچ (1870 1960)

الکساندر نیکولاویچ بنوا (21 آوریل (3 مه)، 1870، 9 فوریه 1960) هنرمند روسی، مورخ هنر، منتقد هنر، بنیانگذار و ایدئولوگ اصلی انجمن دنیای هنر. متولد 21 آوریل (3 مه) 1870 در سن پترزبورگ، در خانواده معمار روسی نیکلای لئونتیویچ بنوا و کامیلا آلبرتوونا بنوا (دختر معمار A.K. Kavos). او از 2th Gymnasium معتبر سن پترزبورگ فارغ التحصیل شد. مدتی در آکادمی هنر تحصیل کرد، همچنین هنرهای زیبا را به تنهایی و زیر نظر برادر بزرگترش آلبرت آموخت. در سال 1894، او کار خود را به عنوان یک نظریه پرداز و مورخ هنر آغاز کرد و فصلی را در مورد هنرمندان روسی برای مجموعه آلمانی تاریخ نقاشی قرن 19 نوشت. در سالهای 18961898 و 19051907 در فرانسه کار کرد. او یکی از سازمان دهندگان و ایدئولوژیست های انجمن هنری "دنیای هنر" شد و مجله ای به همین نام را تأسیس کرد. در سالهای 1916-1918 ، این هنرمند برای شعر A. S. Pushkin "Serveman برنزی" تصاویری ایجاد کرد. در سال 1918، بنوا رهبری گالری هنری ارمیتاژ را بر عهده گرفت و کاتالوگ جدید آن را منتشر کرد. او به عنوان یک هنرمند کتاب و تئاتر به کار خود ادامه داد، به ویژه روی طراحی اجراهای BDT کار کرد. در سال 1925 در نمایشگاه بین المللی هنرهای تزئینی و صنعتی مدرن در پاریس شرکت کرد. در سال 1926، بنوا بدون بازگشت از یک سفر کاری به خارج از کشور اتحاد جماهیر شوروی را ترک کرد. او در پاریس زندگی می‌کرد و عمدتاً روی طرح‌های مناظر و لباس‌های تئاتر کار می‌کرد. الکساندر بنویس نقش مهمی در تولیدات شرکت باله S. Diaghilev "Ballets Russes" به عنوان هنرمند و نویسنده کارگردان اجراها ایفا کرد. بنوا در 9 فوریه 1960 در پاریس درگذشت.

پرتره بنوا

"خود پرتره"، 1896

- سری دوم ورسای (1906)،شامل:

اولین کارهای گذشته نگر بنوا به کارهای او در ورسای مربوط می شود. در سالهای 1897-1898 مجموعه ای از نقاشی های کوچک ساخته شده با آبرنگ و گواش وجود دارد که با یک موضوع مشترک - "آخرین پیاده روی لوئی چهاردهم" متحد شده اند. سری دوم ورسای توسط Benois، ساخته شده در 1905-1906، بسیار گسترده تر از "آخرین پیاده روی لویی چهاردهم" است و از نظر محتوا و تکنیک متنوع تر است. این شامل طرح هایی از طبیعت نقاشی شده در پارک ورسای، نقاشی های تاریخی و ژانر گذشته نگر، "فانتزی های" اصلی در موضوعات معماری و منظره، تصاویری از اجراهای تئاتر دربار در ورسای است. این مجموعه شامل آثاری با رنگ روغن، تمپر، گواش و آبرنگ، نقاشی‌هایی با رنگ‌های سانگوئین و سپیا است. این آثار را فقط می توان به طور مشروط یک "سریال" نامید، زیرا آنها فقط با وحدت خاصی از خلق و خوی که در زمانی که بنوا، به قول او، "مست ورسای" بود و "کاملاً به سرزمین منتقل شده بود" حاکم بود، با یکدیگر مرتبط هستند. گذشته، تلاش برای فراموش کردن واقعیت غم انگیز روسیه در سال 1905. در اینجا هنرمند به دنبال این است که تا حد امکان اطلاعات واقعی را در مورد دوران، در مورد اشکال معماری، در مورد لباس به بیننده ارائه دهد، و تا حدودی از وظیفه بازآفرینی تصویری و شاعرانه گذشته غافل شده است. با این حال، همین مجموعه شامل آثاری است که از موفق‌ترین آثار بنوآس هستند و به شایستگی از محبوبیت زیادی برخوردار هستند: "رژه زیر پل اول" (1907، موزه دولتی روسیه)، گالری هنر ارمنستان، ایروان، "خیابان پترزبورگ تحت پیتر اول". " (1910، مجموعه خصوصی در مسکو) و "پیتر اول در پیاده روی در باغ تابستانی" (1910، موزه دولتی روسیه). در این آثار می توان تغییراتی را در اصل تفکر تاریخی هنرمند مشاهده کرد. در نهایت، نه آثار هنری باستانی، نه اشیاء و لباس‌ها، بلکه مردم در مرکز علایق او قرار می‌گیرند. صحنه‌های تاریخی و روزمره چند چهره‌ای که توسط بنوا نقاشی شده است، ظاهر زندگی گذشته را بازسازی می‌کند، که گویی از چشم معاصران دیده می‌شود.

- "پیاده روی پادشاه" (TG)

48x62

کاغذ روی بوم، آبرنگ، گواش، رنگ برنز، رنگ نقره ای، مداد گرافیت، خودکار، قلم مو.

گالری دولتی ترتیاکوف مسکو.

الکساندر بنوا در نقاشی Walk of the King بیننده را به پارک درخشان ورسای از زمان لویی چهاردهم می برد. نویسنده در توصیف پیاده‌روی‌های پادشاه، هیچ چیز را نادیده نمی‌گیرد: نه مناظر پارک با معماری باغ (آنها از زندگی نقاشی شده‌اند)، نه نمایش‌های تئاتری، که در دوران باستان بسیار شیک بودند، و نه صحنه‌های روزمره که پس از مطالعه کامل مطالب تاریخی کشیده شده‌اند. King's Walk اثری بسیار تاثیرگذار است. بیننده با لویی چهاردهم ملاقات می کند و در اطراف زاده فکری او قدم می زند. در ورسای پاییز است: درختان و درختچه ها برگ های خود را ریخته اند، شاخه های برهنه آنها در آسمان خاکستری تنها به نظر می رسند. آب آرام است. به نظر می رسد که هیچ چیز نمی تواند حوض آرامی را که در آینه آن هم گروه مجسمه سازی فواره و هم صف آرایی زیبای پادشاه و همراهانش منعکس شده است، بر هم بزند. در پس زمینه یک منظره پاییزی، هنرمند یک صفوف رسمی از پادشاه را با درباریانش به تصویر می کشد. به نظر می رسد مدل سازی هواپیما از چهره های راهپیمایی آنها را به ارواح دوران گذشته تبدیل می کند. در میان همراهان دربار، یافتن خود لویی چهاردهم دشوار است. پادشاه خورشید برای هنرمند مهم نیست. Benois بیشتر نگران حال و هوای آن دوران است، نفس پارک ورسای از زمان صاحب تاجگذاری آن. این اثر در چرخه دوم نقاشی، صحنه های احیاگر زندگی ورسای عصر "پادشاه خورشید" گنجانده شده است. «ورسای» اثر بنوآ نوعی مرثیه منظره، دنیایی زیبا است که در قالب صحنه‌ای بیابانی با مناظر ویران یک اجرای طولانی به چشم انسان مدرن ارائه می‌شود. این جهان که قبلاً باشکوه، پر از صداها و رنگ‌ها بود، اکنون کمی شبح‌آلود به نظر می‌رسد و در سکوت قبرستانی پوشیده شده است. تصادفی نیست که Benois پارک ورسای را در پاییز و در ساعت گرگ و میش شب روشن در پیاده روی پادشاه به تصویر می کشد، زمانی که "معماری" بدون برگ یک باغ معمولی فرانسوی در پس زمینه یک آسمان روشن به یک شفاف و زودگذر تبدیل می شود. ساختمان. پادشاه پیر، در حال صحبت با بانوی منتظر، همراه با درباریان که در فواصل مشخصی در پشت و جلوی آنها راهپیمایی می‌کنند، مانند شکل‌های یک ساعت ساعتی قدیمی با صدای کم نور یک مینوت فراموش‌شده، در امتداد لبه می‌لغزند. از مخزن ماهیت تئاتری این فانتزی گذشته نگر به طرز ماهرانه ای توسط خود هنرمند آشکار می شود: او مجسمه های کوپیدهای دمدمی مزاج ساکن چشمه را احیا می کند، آنها به صورت طنز تماشاگران پر سر و صدا را به تصویر می کشند که آزادانه در پای صحنه قرار دارند و به نمایش عروسکی خیره شده اند که توسط مردم بازی می شود. .

- "حمام مارکیز"

1906

منظره تاریخی زیبای روسیه

51x47.5

مقوا، گواش

تابلوی "حمام مارکیز" گوشه ای خلوت از پارک ورسای را به تصویر می کشد که در میان فضای سبز متراکم پنهان شده است. پرتوهای خورشید که در این پناهگاه سایه دار نفوذ می کند، سطح آب و سایه بان حمام را روشن می کند. این تصویر از نظر ترکیب تقریباً متقارن ، مطابق با پرسپکتیو جلویی ساخته شده است ، این تصویر زیبایی غیر قابل ملامت نقاشی و رنگ را به شما القا می کند. حجم اشکال هندسی شفاف با دقت کار می شود (افقی های سبک - زمین، شیب ها به سمت آب و عمودی - دیوارهای نورانی بوسکت ها، ستون های آلاچیق). آلاچیق زیبای مرمر سفید با نور خورشید که در شکاف درختان می بینیم، در قسمت بالای تصویر، درست بالای سر مارکیز به تصویر کشیده شده است. ماسک های تزئینی که از آن جت های سبک آب به داخل حمام می ریزد، افقی دیواره سفید استخر را می شکند. و حتی لباس سبک مارچیونس که روی نیمکت پرتاب شده است (تقریباً همزمان با نقطه ناپدید شدن خطوط که به اعماق می روند) یک عنصر ترکیبی ضروری در این نقاشی با دقت فکر شده است. مرکز ترکیب، البته، یک نیمکت با لباس نیست، اگرچه در مرکز هندسی قرار دارد، بلکه کل مجموعه پیچیده یک "چهارضلعی" با محور عمودی مرکزی است، جایی که آلاچیق نور خورشید بالای سر مارکیز به نظر می رسد. مانند یک تزئین گرانبها، مانند یک تاج. سر سایبان به صورت ارگانیک مکمل این الگوی متقارن پیچیده افقی، عمودی و مورب است. در یک پارک کاملاً اندیشیده شده و برنامه ریزی شده، حتی ساکنان آن فقط با حضور خود کمال آن را کامل می کنند. آنها فقط یک عنصر از ترکیب هستند و بر زیبایی و شکوه آن تأکید می کنند.

Miriskussniki اغلب به دلیل عدم وجود "نقاشی" در نقاشی های خود مورد سرزنش قرار می گیرند. در پاسخ به این می توان گفت که حمام مارکیز پیروزی سبز با سایه های متنوع آن است. هنرمند به سادگی زیبایی و شورش سرسبزی تازه را تحسین می کند. پیش زمینه تصویر به صورت کلی نوشته شده است. نور ملایمی که شاخ و برگ ها را می شکند، فرودها را به حمام های آب روشن می کند، آب تیره که از طریق رنگ های آبی-خاکستری و آبی-سبز غنی نوشته شده است. طرح دور با جزئیات بیشتری کار شده است: شاخ و برگ درختان با دقت و استادانه، برگ به برگ نوشته شده است، موی شاخ و برگ روی دسته ها از کوچکترین نقاط، خطوط رنگارنگ تشکیل شده است. در سایه، هم سبزهای سرد خاموش و هم روشن با سایه های مختلف را می بینیم. شاخ و برگ های مجلل و با نور خورشید در مرکز با خطوط کوچک مایل به آبی سرد و سبز گرم نوشته شده است. به نظر می رسد این هنرمند در حال غوطه ور شدن فضای سبز در پرتوهای نور است و به کاوش در طبیعت رنگ سبز می پردازد. سایه‌های آبی عمیق، زمین خاکستری-بنفش، لباس بنفش با طرح آبی، روسری زرد، کلاهی با گل‌های آبی دور روبان، نقطه‌های سفید گل روی شیب سبز و قطره‌های قرمز روی مدل موی مارکیز، روی سر از یک زن سیاه پوست اجازه نمی دهد کار به رنگ سبز تک رنگ شود. حمام مارکیز" - یک منظره تاریخی.

- تصاویر برای شعر A.S. پوشکین "سوار برنز" (1904-22.)شامل:

در دهه های اول قرن بیستم، نقاشی های الکساندر نیکولایویچ بنویس (1870 1960) برای سوارکار برنزی ساخته شد - بهترین نقاشی که در کل تاریخ تصویر پوشکین ایجاد شده است. بنویست کار بر روی سوارکار برنزی را در سال 1903 آغاز کرد. در طی 20 سال آینده، او چرخه ای از طراحی ها، مقدمه ها و پایان ها و همچنین تعداد زیادی گزینه و طرح ایجاد کرد. اولین نسخه از این تصاویر، که برای یک نسخه جیبی آماده شده بود، در سال 1903 در رم و سنت پترزبورگ ایجاد شد. دیاگیلف آنها را در قالبی متفاوت در اولین شماره مجله "دنیای هنر" در سال 1904 چاپ کرد. اولین چرخه تصویرسازی شامل 32 طراحی بود که با جوهر و آبرنگ انجام شده بود. در سال 1905، A.N. Benois در حالی که در ورسای بود، شش تصویر قبلی خود را دوباره کار کرد و قسمت جلویی برای The Horseman برنزی را تکمیل کرد. در نقاشی های جدید اسب سوار برنزی، موضوع آزار و شکنجه مرد کوچولو توسط سوارکار به موضوع اصلی تبدیل می شود: سوارکار سیاه بر فراز فراری آنقدر شاهکار فالکون نیست که تجسم نیروی بی رحمانه، قدرت است. و سنت پترزبورگ شهری نیست که با کمال هنری و دامنه ایده های ساختمانی خود را مجذوب خود می کند، بلکه شهری غمگین است - مجموعه ای از خانه های تاریک، پاساژهای خرید، نرده ها. اضطراب و اضطرابی که در این مدت گریبان هنرمند را گرفته بود در اینجا به فریاد واقعی درباره سرنوشت یک فرد در روسیه تبدیل می شود. در سال 1916، 1921-1922، این چرخه برای سومین بار تجدید نظر شد و با نقشه های جدید تکمیل شد.

- صحنه تعقیب و گریز (جلوی)

طرح پیشانی برای شعر A. S. پوشکین "اسبکار برنزی"، 1905

گرافیک کتاب

23.7 x 17.6

کاغذ، آبرنگ

موزه تمام روسیه A.S. پوشکین، سن پترزبورگ

در سال 1905، A.N. Benois، در حالی که در ورسای بود، شش تصویر قبلی خود را دوباره کار کرد و قسمت جلویی (صفحه ای با تصویری که با صفحه اول صفحه عنوان، و خود این تصویر، یک گستره را تشکیل می دهد) را به The Horseman برنزی تکمیل کرد. . در نقاشی های جدید اسب سوار برنزی، موضوع آزار و شکنجه مرد کوچولو توسط سوارکار به موضوع اصلی تبدیل می شود: سوارکار سیاه بر فراز فراری آنقدر شاهکار فالکون نیست که تجسم نیروی بی رحمانه، قدرت است. و سنت پترزبورگ شهری نیست که با کمال هنری و دامنه ایده های ساختمانی خود را مجذوب خود می کند، بلکه شهری غمگین است - مجموعه ای از خانه های تاریک، پاساژهای خرید، نرده ها. اضطراب و اضطرابی که در این مدت گریبان هنرمند را گرفته بود در اینجا به فریاد واقعی درباره سرنوشت یک فرد در روسیه تبدیل می شود. در سمت چپ در پیش زمینه تصویر یوگنی در حال دویدن است، در سمت راست سوارکاری است که او را تعقیب می کند. در پس زمینه منظره شهری است. ماه از میان ابرها در سمت راست قابل مشاهده است. سایه عظیمی از پیکر یک سوار بر روی سنگفرش می افتد. او هنگام کار بر روی سوارکار برنزی، بالاترین پیشرفت آثار بنوا را در این سال ها تعیین کرد.

سوموف کنستانتین آندریویچ (1869 1939)

کنستانتین آندریویچ سوموف (30 نوامبر 1869، سن پترزبورگ، 6 مه 1939، پاریس) نقاش و گرافیست روسی، استاد پرتره و منظره، تصویرگر، یکی از بنیانگذاران انجمن دنیای هنر و مجله ای به همین نام. . کنستانتین سوموف در خانواده آندری ایوانوویچ سوموف، چهره مشهور موزه و متصدی هرمیتاژ به دنیا آمد. حتی در سالن بدنسازی، سوموف با A. Benois، V. Nouvel، D. Filosofov آشنا شد، که بعداً با آنها در ایجاد انجمن دنیای هنر شرکت کرد. سوموف در طراحی مجله "دنیای هنر" و همچنین نشریه "گنجینه های هنری روسیه" (19011907) که به سردبیری A. Benois منتشر شد، شرکت کرد و تصاویری برای "Count Nulin" توسط A ایجاد کرد. پوشکین (1899)، رمان های N. Gogol "The Nose" و "Nevsky Prospekt" (1901)، روی جلد مجموعه شعر K. Balmont "The Firebird. فلوت اسلاوی»، V. Ivanov «Cor Ardens»، صفحه عنوان کتاب A. Blok «Theater» و غیره. اولین نمایشگاه شخصی نقاشی، طرح و طراحی (162 اثر) در سن پترزبورگ در سال 1903 برگزار شد. در همان سال 95 اثر در هامبورگ و برلین به نمایش درآمد. سوموف در کنار نقاشی منظره و پرتره و گرافیک، در زمینه هنرهای پلاستیکی کوچک کار کرد و ترکیبات چینی نفیس "Count Nulin" (1899)، "Lovers" (1905) و غیره را خلق کرد. در ژانویه 1914 او وضعیت کامل را دریافت کرد. عضو فرهنگستان هنر در سال 1918، انتشارات گولیکه و ویلبورگ (سن پترزبورگ) معروف ترین و کامل ترین نسخه را با طراحی ها و تصاویر اروتیک سوموف منتشر کرد: "کتاب مارکیز"، جایی که هنرمند نه تنها تمام عناصر طراحی کتاب را خلق کرد، بلکه همچنین متون به زبان فرانسه را انتخاب کرد. در سال 1918 استاد کارگاه آموزشی هنر آزاد دولتی پتروگراد شد. در مدرسه E. N. Zvantseva کار می کرد. در سال 1919 نمایشگاه انفرادی سالگرد او در گالری ترتیاکوف برگزار شد. در سال 1923، سوموف به عنوان نماینده "نمایشگاه روسیه" روسیه را به مقصد آمریکا ترک کرد. در ژانویه 1924، در نمایشگاهی در نیویورک، سوموف با 38 اثر ارائه شد. او به روسیه برنگشت. از سال 1925 در فرانسه زندگی می کرد. او به طور ناگهانی در 6 مه 1939 در پاریس درگذشت.

پرتره سوموف

"خود پرتره"، 1895

"خود پرتره"، 1898

46 × 32.6

آبرنگ، مداد، پاستل، کاغذ روی مقوا

"خود پرتره"، 1909

45.5 x 31

آبرنگ، گواش، کاغذ

گالری دولتی ترتیاکوف، مسکو

- خانم آبی پوش. پرتره هنرمند الیزاوتا مارتینوا (1897-1900، گالری دولتی ترتیاکوف)

این هنرمند مدتهاست با الیزاوتا میخایلوونا مارتینوا دوست بوده است ، او با او در آکادمی هنر تحصیل کرد. در سال 1897، K. Somov کار بر روی پرتره E.M. مارتینوا، با یک طرح دقیق. این هنرمند یک مدل بسیار جالب در مقابل خود داشت و نگران ایده یک عکس پرتره بود که در آن بتواند تصویری عمیقا شاعرانه را ثبت کند. زن جوانی با لباسی پف کرده و دکلته، با حجمی از شعر در دست پایین، ایستاده در مقابل دیواری سبز از درختچه های بیش از حد روییده به تصویر کشیده شده است. بخور این هنرمند مارتینوا را به دنیای گذشته منتقل می کند ، او را لباس قدیمی می پوشاند ، مدل را در پس زمینه یک پارک تزئینی مشروط قرار می دهد. آسمان عصر با ابرهای صورتی روشن، درختان یک پارک قدیمی، وسعت تاریک یک حوض - همه اینها از نظر رنگ نفیس است، اما، مانند یک "دنیای هنر" واقعی، K. Somov منظره را تلطیف می کند. تماشاگر با نگاه به این زن تنها و مشتاق، او را فردی از دنیایی دیگر، گذشته و دور، نمی داند. این یک زن اواخر قرن 19 است. همه چیز در او مشخص است: هم شکنندگی دردناک، و هم احساس درد مالیخولیا، غم در چشمان درشت او و یک خط متراکم از لب های غم انگیز فشرده شده. در پس زمینه هیجان تنفس آسمان، پیکره شکننده E.M. مارتینوا با وجود گردن نازک، شانه های نازک شیبدار، غم و درد پنهان، سرشار از لطف و زنانگی خاص است. در همین حال، در زندگی E.M. همه مارتینوا را به عنوان یک زن جوان شاد و سرزنده می شناختند. بخور مارتینوا رویای آینده ای عالی را در سر می پروراند، می خواست خود را در هنر واقعی تحقق بخشد و بیهودگی زندگی را تحقیر کرد. و این اتفاق افتاد که در سن 30 سالگی، او بر اثر سل ریوی درگذشت، بدون اینکه فرصتی برای تحقق هر چیزی که برنامه ریزی کرده بود داشته باشد. با وجود شکوه پرتره، یک نت روحی پنهان در آن به صدا در می آید. و او باعث می شود که بیننده حال و هوای قهرمان را احساس کند ، آغشته به آن همدردی با او ، که خود هنرمند سرشار از آن بود. "بانوی آبی پوش" در نمایشگاه "دنیای هنر" در سال 1900 (به دلیل عزیمت هنرمند به پاریس و بیماری مدل، این تصویر به مدت سه سال نقاشی شد) با نام "پرتره" ظاهر شد و سه سالها بعد توسط گالری ترتیاکوف خریداری شد.

- "عصر" (1902، گالری دولتی ترتیاکوف)

142.3 x 205.3

بوم، روغن

گالری دولتی ترتیاکوف، مسکو

شاعر والری بریوسوف، سوموف را «نویسنده داستان‌های کوتاه نفیس» نامید. هر چه باشد، داستان‌های کوتاه سوموف در تمام مدت نمایشی هستند. در «عصر»، صحنه‌ای که سوموف از زندگی باغ قرن هجدهم ابداع کرده بود، احیا می‌شود. خانم‌های ژست گرفته. "واقعیت" سوموف از نظر سبکی در نقاشی "عصر" (1902) کامل به نظر می رسد. همه چیز در اینجا با یک ریتم هماهنگ و تشریفاتی منطبق است: تکرار آرکیدها، تناوب صفحات بوسکت که به دوردست می روند، حرکات آهسته، گویی آیینی. حتی طبیعت در اینجا یک هنر کاری است که دارای ویژگی های سبکی است که از قرن هجدهم الهام گرفته شده است. انسان، طبیعت و هنر در وحدتی هماهنگ هستند، برگ می زند، روی لباس ها و چهره افراد رفلکس می اندازد و رنگ های زمردی و قرمز لباس ها را ملایم می کند. د دیدن جزئیات ظریف توالت ها، حلقه ها، روبان ها، کفش هایی با پاشنه قرمز بسیار لذت بخش است. در نقاشی "عصر" هیچ اثر تاریخی واقعی وجود ندارد. دنیای سوموفسکی دارای ماهیت زودگذر منظره است، بنابراین اندازه بزرگ بوم تصادفی به نظر می رسد. این یک مینیاتور بزرگ شده است. اتاق سوموف، استعداد صمیمی همیشه به سمت مینیاتوریسم می کشد. معاصران "عصر" را به عنوان مخالفت با واقعیت تلقی کردند: "عصری که به نظر ما ساده لوح می آید، با ماهیچه های ضعیف، بدون لوکوموتیوهای بخار آهسته، خزنده (در مقایسه با ما)، اما او چگونه می تواند بر طبیعت تسلط یابد، طبیعت را اغوا کند و تقریباً آن را تبدیل به یک مکان کند. ادامه لباس او" . گذشته‌نگرهای سوموف اغلب مفهومی تخیلی دارند؛ فانتزی‌ها تقریباً همیشه مفهومی گذشته‌نگر دارند.

- "هارلکین و بانو" (1912، گالری دولتی ترتیاکوف)

1912 1921

62.2 x 47.5

گالری دولتی ترتیاکوف، مسکو

مفهوم هنری سوموف در اینجا کاملیت خاصی پیدا می کند. کل ساخت تصویر صراحتاً به یک صحنه تئاتر تشبیه شده است. دو شخصیت اصلی در پیش‌زمینه، در مرکز تصویر، روبه‌روی تماشاگر قرار گرفته‌اند، مانند بازیگران کمدی Marivaux و دیالوگ را هدایت می‌کنند. چهره ها در عمق مانند شخصیت های ثانویه هستند. درختانی که با نور کاذب آتش بازی روشن شده اند، مانند نورافکن های تئاتری، استخری که بخشی از آن در پیش زمینه قابل مشاهده است، انسان را به یاد گودال ارکستر می اندازد. حتی نگاه شخصیت ها از پایین به بالا نیز به نظر می رسد نگاه بیننده از سالن تئاتر باشد. هنرمند این بالماسکه رنگارنگ را تحسین می‌کند، جایی که هارلکین خمیده در لباس تکه‌های قرمز، زرد و آبی، بانویی روبرون پوشیده را در آغوش می‌گیرد، که نقابش را برداشته است، جایی که گل‌های رز قرمز درخشان می‌سوزند و آتش‌بازی‌های جشن با ستاره‌ها در آسمان پراکنده می‌شوند. برای سوموف، این دنیای فریبنده فانتوم ها با وجود زودگذرشان زنده تر از خود واقعیت است.

مجموعه ای از پرتره های گرافیکی، از جمله. ¶

- "پرتره A. Blok" (1907، گالری دولتی ترتیاکوف.)

"پرتره الکساندر الکساندرویچ بلوک"، 1907

38*30

کاغذ، گرافیت و مداد رنگی، گواش

گالری دولتی ترتیاکوف، مسکو

در سال 1907، سوموف تصاویری از L. A. Blok خلق کرد. در آنها می توان ردپایی از نزدیک ترین مطالعه پرتره مدادی فرانسوی (با استفاده از سنگ سانگوئین) در اواخر قرن شانزدهم و به ویژه قرن هفدهم را دید، اگرچه پرتره های سوموف به هیچ وجه تقلید مستقیم نیستند. سنت های پرتره مداد فرانسوی توسط سوموف غیرقابل تشخیص ترجمه شده است. ماهیت تصویر کاملاً متفاوت است. سوموف در پرتره‌های بلوک و لانسر (هر دو در گالری ترتیاکوف ایالتی)، تلاش می‌کند تا نهایت اختصار را داشته باشد. اکنون تصویری به طول شانه در پرتره بلوک وجود دارد. تمام جزئیات نامربوط کنار گذاشته می شوند. سوموف به قدری مختصر فقط شبح شانه ها و جزئیات لباس را ترسیم می کند که از ظاهر یقه های رو به پایین به تصویر کشیده شده که بلوک همیشه می پوشید جدایی ناپذیر است. در تقابل با لاکونیسم در به تصویر کشیدن فیگور و لباس، چهره شخصی که به تصویر کشیده می شود با دقت کار شده است و هنرمند چند لهجه رنگی را در رندر آنها وارد می کند که به ویژه در پرتره بلوک گویا به نظر می رسد. این هنرمند با مدادهای رنگی، نگاه سرد و "زمستانی" چشمان خاکستری-آبی بلوک، صورتی لب های نیمه باز را با رنگ سفید - چین عمودی که از پیشانی صاف می گذرد - منتقل می کند. صورت بلوک که با کلاهی از موهای مجعد ضخیم قاب شده است، شبیه یک ماسک یخ زده است. این پرتره با شباهت خود معاصران را تحت تأثیر قرار داد. بسیاری از آنها همچنین در زندگی به "بی حرکتی مومی ویژگی ها" ذاتی بلوک اشاره کردند. سوموف، در پرتره‌اش، این مردگی ویژگی‌ها را تا حدی مطلق ارتقا داد و بنابراین تصویر بلوک را از آن تطبیق پذیری، ثروت معنوی که جوهره شخصیت او را تشکیل می‌داد، محروم کرد. خود بلوک اعتراف کرد که اگرچه پرتره را دوست داشت، اما او را "بار" می کرد.

باکست لو سامویلوویچ (لیب-خائم ایزرایلویچ روزنبرگ، 1866 1924)

برای ورود به آکادمی هنر به عنوان یک داوطلب، L. S. Bakst مجبور شد بر مقاومت پدرش که یک تاجر کوچک بود غلبه کند. او چهار سال تحصیل کرد (1883-1887)، اما از آمادگی تحصیلی سرخورده شد و مدرسه را ترک کرد. او به تنهایی شروع به نقاشی کرد، تکنیک آبرنگ را مطالعه کرد و با تصویرسازی کتاب ها و مجلات کودکان امرار معاش کرد. در سال 1889، این هنرمند برای اولین بار آثار خود را با نام مستعار - نام اختصاری مادربزرگ مادری خود (باکستر) به نمایش گذاشت. 1893-99 او در پاریس گذراند و اغلب از سنت پترزبورگ دیدن کرد و در جستجوی سبک خاص خود سخت کار کرد. باکست با نزدیک شدن به A. N. Benois، K. A. Somov و S. P. Diaghilev، یکی از مبتکران ایجاد انجمن "دنیای هنر" (1898) شد. شهرت باکس را کارهای گرافیکی او برای مجله "دنیای هنر" به ارمغان آورد. او همچنان به هنر سهیل مشغول بود - او پرتره های گرافیکی عالی از I. I. Levitan، F. A. Malyavin (1899)، A. Bely (1905) و Z. N. Gippius (1906) و پرتره های زیبا از V. V. Rozanov (1901)، S. P. Dinannyhil را اجرا کرد. (1906). نقاشی او "شام" (1902) که به نوعی مانیفست هنر نو در هنر روسیه تبدیل شد، اختلافات شدیدی را در میان منتقدان برانگیخت. بعداً نقاشی او "وحشت باستان" (1906-1908) تأثیر زیادی بر مخاطب گذاشت که تجسم ایده نمادین اجتناب ناپذیر بودن سرنوشت است. تا پایان دهه 1900. خود را به کار در تئاتر محدود کرد و گهگاه برای پرتره های گرافیکی افراد نزدیک به او استثنا قائل شد و دقیقاً به عنوان یک هنرمند برجسته تئاتر دوران مدرن در تاریخ ثبت شد. او اولین حضور خود را در تئاتر در سال 1902 با طراحی پانتومیم "قلب مارکیز" انجام داد. سپس باله "پری عروسک" (1903) به صحنه رفت که عمدتاً به دلیل مناظر آن موفقیت آمیز بود. او چندین نمایش دیگر را طراحی کرد، لباس های جداگانه برای هنرمندان ساخت، به ویژه برای A.P. Pavlova در معروف "قو" اثر M. M. Fokin (1907). اما استعداد واقعی باکس در اجراهای باله فصول روسیه و سپس باله روسی S. P. Diaghilev آشکار شد. «کلئوپاترا» (1909)، «شهرازاده» و «کارناوال» (1910)، «دیدگاه گل رز» و «نرگس» (1911)، «خدای آبی»، «دافنیس و کلوئه» و «بعد از ظهر یک فاون» ( 1912)، «بازی‌ها» (1913) تماشاگران خسته‌شده غربی را با فانتزی تزئینی، غنا و قدرت رنگ شگفت‌زده کرد، و تکنیک‌های طراحی توسعه‌یافته توسط باکس، آغاز عصر جدیدی در صحنه‌نگاری باله بود. نام باکست، هنرمند برجسته "فصول روسیه" همراه با نام بهترین مجریان و طراحان رقص مشهور غوغا کرد. سفارشات جالب دیگر تئاترها نیز بر سر او بارید. در تمام این سال ها باکست در اروپا زندگی می کرد و فقط گهگاه به میهن خود باز می گشت. او به همکاری با گروه دیاگیلف ادامه داد، اما تضادها به تدریج بین او و S. P. Diaghilev افزایش یافت و در سال 1918 باکست گروه را ترک کرد. او خستگی ناپذیر کار کرد، اما دیگر نتوانست چیزی اساساً جدید خلق کند. مرگ بر اثر ادم ریوی در زمان شهرت باکست را فرا گرفت، اگرچه شروع به محو شدن کرد، اما همچنان درخشان بود.

پرتره یک هنرمند

"خود پرتره"، 1893

34x21

روغن روی مقوا

موزه دولتی روسیه، سنت پترزبورگ، روسیه

- "Elysium" (1906، گالری دولتی ترتیاکوف)

پانل تزئینی، 1906.

158*40

آبرنگ، گواش، کاغذ روی مقوا

گالری دولتی ترتیاکوف، مسکو

- "وحشت باستانی (عتیقه)" (1908، موزه روسیه)

250*270 رنگ روغن روی بوم

موزه دولتی روسیه، سنت پترزبورگ

"وحشت باستان" نقاشی از لئون باکس که مرگ یک تمدن باستانی (احتمالا آتلانتیس) را در یک فاجعه طبیعی به تصویر می کشد. در جهان بینی بت پرستان، "وحشت باستانی" وحشت زندگی در جهان تحت حاکمیت یک سرنوشت تیره و غیرانسانی است، وحشت از ناتوانی فردی که به بردگی گرفته شده و ناامیدانه تسلیم شده است (فاتوم). و همچنین وحشت هرج و مرج به مثابه پرتگاه نیستی، غوطه ور شدن در آن فاجعه بار است. منظور او از وحشت باستانی وحشت از سرنوشت بود. او می خواست نشان دهد که نه تنها همه چیز انسانی، بلکه هر چیزی که مورد احترام الهی است، نزد گذشتگان به عنوان نسبی و گذرا تلقی می شد. یک بوم بزرگ با فرمت تقریباً مربعی توسط پانورامای منظره اشغال شده است که از نقطه نظر بلند نوشته شده است. چشم انداز با رعد و برق روشن می شود. فضای اصلی بوم را دریای خروشان اشغال کرده است که کشتی ها را نابود می کند و به دیوار قلعه ها می کوبد. در پیش زمینه پیکره ای از مجسمه باستانی در قطع نسل وجود دارد. تضاد چهره خندان آرام مجسمه در مقایسه با خشونت عناصر پشت سر او چشمگیر است. هنرمند بیننده را به ارتفاعی نامرئی می برد که از آنجا این چشم انداز پانوراما فقط امکان پذیر است و جایی در اعماق زیر پای ما آشکار می شود. نزدیک ترین به بیننده تپه ای است که مجسمه ای عظیم از آفرودیت قبرس باستانی را در خود دارد. اما تپه و پا و خود پاهای بت بیرون از بوم است: گویی از سرنوشت زمین رها شده است، الهه نزدیک به ما، درست در تاریکی دریای عمیق برمی خیزد. مجسمه زن به تصویر کشیده شده نوعی هسته باستانی است که با لبخند باستانی معمایی لبخند می زند و پرنده آبی (یا کبوتر، نماد آفرودیت) را در دستان خود نگه می دارد. به طور سنتی، مرسوم است که مجسمه به تصویر کشیده شده توسط باکست را آفرودیت می نامند، اگرچه هنوز مشخص نشده است که کدام الهه ها توسط پوست به تصویر کشیده شده اند. نمونه اولیه مجسمه مجسمه ای بود که در حفاری های آکروپلیس پیدا شد. همسر باکست برای دستی که حفظ نشده بود ژست گرفت. منظره جزیره ای که در پشت الهه آشکار می شود، منظره ای از آکروپلیس آتن است. در پای کوه ها در سمت راست تصویر، در پیش زمینه، بناهایی بنا به گفته پروژان، دروازه شیر میکنی و بقایای کاخ در تیرین وجود دارد. اینها ساختمان‌هایی هستند که متعلق به دوره اولیه کرت-میکنایی تاریخ یونان هستند. در سمت چپ، گروهی از مردم که با وحشت از میان ساختمان‌های کلاسیک یونان فرار می‌کنند، به احتمال زیاد این آکروپولیس با پروپیله‌ها و مجسمه‌های عظیمش است. پشت آکروپولیس دره ای است که با رعد و برق روشن شده و زیتون های نقره ای رنگ آن را فرا گرفته است.

تزئینات باله، از جمله. ¶

طرحی از لباس کلئوپاترا برای ایدا روبینشتاین برای باله "کلئوپاترا" با موسیقی A.S. Arensky"

1909

28×21

مداد، آبرنگ

"شهرزاده" (1910، موسیقی ریمسکی-کورساکوف)

"طراحی منظره برای باله "شهرزاده" با موسیقی N.A. Rimsky-Korsakov"، 1910

110*130

بوم، روغن

مجموعه نیکیتا و نینا لوبانوف روستوفسکی، لندن

"طراحی لباس سلطان آبی برای باله "شهرزاده""

1910

29.5 x 23

آبرنگ، مداد

مجموعه نیکیتا و نینا لوبانوف روستوفسکی، لندن

Dobuzhinsky Mstislav Valerianovich (1875 1957)

M. V. Dobuzhinsky پسر یک افسر توپخانه بود. پس از اولین سال تحصیل در دانشکده حقوق دانشگاه سن پترزبورگ، دوبوژینسکی سعی کرد وارد آکادمی هنر سنت پترزبورگ شود، اما پذیرفته نشد و تا سال 1899 در استودیوهای خصوصی تحصیل کرد. در سال 1901 با بازگشت به سن پترزبورگ، نزدیک شد. انجمن دنیای هنر و تبدیل به یکی از برجسته ترین نمایندگان آن شد. Dobuzhinsky اولین کار خود را در گرافیک انجام داد - طراحی در مجلات و کتاب ها، مناظر شهری، که در آن او توانست به طرز چشمگیری درک خود را از سنت پترزبورگ به عنوان یک شهر منتقل کند. موضوع شهر بلافاصله به یکی از موضوعات اصلی در کار او تبدیل شد. Dobuzhinsky در هر دو گرافیک سه پایه و نقاشی مشغول بود، او با موفقیت تدریس کرد - در موسسات آموزشی مختلف. به زودی تئاتر هنری مسکو از او دعوت کرد تا نمایشنامه ای از I. S. Turgenev "یک ماه در کشور" (1909) را روی صحنه ببرد. موفقیت بزرگ مناظر اجرا شده توسط او، آغاز همکاری نزدیک این هنرمند و تئاتر مشهور بود. اوج این همکاری، صحنه‌سازی نمایشنامه «نیکلای استاوروگین» (1913) بر اساس رمان «دیوها» اثر F. M. Dostoevsky بود. بیان تند و لاکونیسم نادر این اثر بدیع را به پدیده ای تبدیل کرد که اکتشافات آینده صحنه نگاری داخلی را پیش بینی می کرد. درک درست از وقایع در روسیه پس از انقلاب، دوبوژینسکی را مجبور کرد در سال 1925 تابعیت لیتوانیایی را بپذیرد و به کاوناس نقل مکان کند. در سال 1939، دوبوژینسکی برای همکاری با بازیگر و کارگردان M. A. Chekhov در نمایش "دیوها" به ایالات متحده رفت، اما به دلیل شروع جنگ جهانی دوم، هرگز به لیتوانی بازگشت. سال‌های آخر زندگی او برای او سخت‌ترین سال‌ها بود - او نمی‌توانست و نمی‌خواست با شیوه زندگی آمریکایی که برای او بیگانه بود و با آداب و رسوم بازار هنر آمریکا سازگار شود. او اغلب مشکلات مالی را تجربه می کرد، تنها زندگی می کرد، تنها با دایره باریکی از مهاجران روسی ارتباط برقرار می کرد و سعی می کرد از هر فرصتی برای خروج از اروپا حداقل برای مدتی استفاده کند.

پرتره یک هنرمند

سلف پرتره. 1901

55x42

بوم، روغن

موزه دولتی روسیه

این اثر که در مکتب ساندور هولوسی مونیخ ساخته شده است، ارتباط نزدیکی با ترکیب‌بندی‌های نمادین اوژن کریر دارد، که دوست داشت شخصیت‌هایش را در محیطی متراکم و فعال از نظر احساسی غوطه‌ور کند. به نظر می رسد مه مرموز اطراف مدل، نور ارتعاشی "رنگی" روی صورت و چهره، بیان پرانرژی و مرموز چشم های سایه دار را تقویت می کند. این به تصویر یک جوان مستقل درونی و سرد ویژگی های نوعی شیطان پرستی می دهد.

- "استان دهه 1830" (1907-1909، موزه روسیه)

60 × 83.5

مقوا، مداد، آبرنگ، سفید کاری

موزه دولتی روسیه، سنت پترزبورگ

«استان دهه 1830» نگاه هنرمند را به تصویر می‌کشد که تحت تأثیر جریان زندگی روزمره در یک شهر روسیه بیش از نیم قرن پیش قرار گرفته است. "قاپیدن" تصویر با قرار دادن عمدی ستون تقریباً در مرکز ترکیب به درک آنچه اتفاق می افتد به عنوان یک قاب تصادفی دیده شده از فیلم کمک می کند. نبود قهرمان داستان و بی پیرنگی تصویر، نوعی بازی هنرمند با توقعات بیهوده بیننده است. خانه های کج، گنبدهای کلیساهای باستانی و پلیسی که در پست خود می خوابد - چنین منظره ای از میدان اصلی شهر است. غرور خانم‌ها که ظاهراً برای لباس‌های جدید به سمت میلینر عجله می‌کنند، توسط دوبوژینسکی تقریباً کاریکاتور نوشته شده است. اثر با حال و هوای مهربانی بی آزار هنرمند عجین شده است. رنگ‌آمیزی روشن این اثر باعث می‌شود که آن را مانند یک کارت پستال در اواخر قرن بسیار محبوب جلوه دهد. تا سال 1907، نقاشی "استان روسیه در دهه 1830" قدمت دارد (آبرنگ، مداد گرافیکی، موزه دولتی روسیه). میدانی خواب آلود از یک شهر استانی را با یک پاساژ خرید، نگهبانی در حال چرت زدن، تکیه بر تبر خود، خوک قهوه ای رنگی که به تیر چراغ برق می مالد، چند رهگذر و یک گودال اجتناب ناپذیر در وسط را به تصویر می کشد. خاطرات گوگول غیرقابل انکار است. اما نقاشی دوبوژینسکی عاری از هر گونه کنایه است.گرافیک زیبای هنرمند در اینجا هر چیزی را که او لمس می کند نجیب می بخشد. زیر مداد و قلم مو Dobuzhinsky، زیبایی تناسبات Gostiny Dvor به سبک امپراتوری، کت و شلوار شیک دهه 30 با کلاه "سبدی" روی یک خانم خرید که از میدان عبور می کند، شبح باریک برج ناقوس به چشم می خورد. پیشرو سبک ظریف دوبوژینسکی بر پیروزی دیگری پیروز می شود.

- "خانه ای در سن پترزبورگ" (1905، گالری دولتی ترتیاکوف)

37×49

پاستل، گواش، کاغذ روی مقوا

گالری دولتی ترتیاکوف، مسکو

- "مردی با عینک" (پرتره نویسنده کنستانتین سیونربرگ، 1905-1906، گالری دولتی ترتیاکوف)

پرتره منتقد هنری و شاعر کنستانتین سانربرگ

1905

63.3 x 99.6

ذغال، آبرنگ، کاغذ روی مقوا

گالری دولتی ترتیاکوف، مسکو

دوبوژینسکی که یک نقاش پرتره نبود، یکی از بزرگ‌ترین نمادها را خلق کرد که تجسم نسل کاملی از روشنفکران شهری است. نقاشی "مرد با عینک" (19051906) شاعر و منتقد هنری K. A. Syunnerberg را به تصویر می کشد که با نام مستعار Konst عمل می کرد. اربرگ مرد در پوسته سفت و سخت یک لباس محترم محکم بسته شده است، چشمانش که با عینک از جهان محافظت می کند، تقریباً نامرئی است. کل شکل، گویی فاقد بعد سوم است، مسطح شده، در فضایی به طرز غیرقابل تصوری فشرده فشرده شده است. این شخص، همانطور که بود، در معرض دو شیشه قرار می گیرد - نوعی جانور عجیب و غریب از یک شهر خارق العاده - سنت پترزبورگ، بیرون از پنجره قابل مشاهده است، و برای بیننده چهره دیگری از خود را نشان می دهد - مخلوطی از چند طبقه. ، شهرسازی چند دودکش و حیاط خلوت استانی.

لنسرای اوگنی اوگنیویچ (1875 1946)

هنرمند روسی و شوروی. فارغ التحصیل اولین ورزشگاه سن پترزبورگ. از سال 1892 در مدرسه طراحی انجمن تشویق هنرها در سن پترزبورگ تحصیل کرد و در آنجا در کلاس های Ya. F. Zionglinsky، N. S. Samokish، E. K. Lipgart شرکت کرد. از سال 1895 تا 1898 لانسر به طور گسترده در اروپا سفر کرد و مهارت های خود را در آکادمی های فرانسوی F. Calarossi و R. Julien بهبود بخشید. از سال 1899 او عضو انجمن دنیای هنر است. در سال 1905 عازم خاور دور شد. در سال 19071908 او یکی از بنیانگذاران "تئاتر باستان" شد - یک پدیده کوتاه مدت، اما جالب و قابل توجه در زندگی فرهنگی روسیه در آغاز قرن. Lansere در سال 19131914 به کار با تئاتر ادامه داد. 19121915 مدیر هنری یک کارخانه چینی و کارگاه های حکاکی شیشه در سن پترزبورگ و یکاترینبورگ. 19141915 خبرنگار نظامی در جبهه قفقاز در طول جنگ جهانی اول. 19171919 را در داغستان گذراند. در سال 1919، او به عنوان یک هنرمند در دفتر اطلاعات و تبلیغات ارتش داوطلب A. I. Denikin (OSVAG) همکاری کرد. در سال 1920 به روستوف-آن-دون و سپس به نخجوان-آن-دون و تفلیس رفت. از سال 1920، او در موزه مردم نگاری نقشه کش بود، با موسسه باستان شناسی قفقاز به سفرهای قوم نگاری رفت. از سال 1922 - استاد آکادمی هنر گرجستان، موسسه معماری مسکو. در سال 1927 به مدت شش ماه از آکادمی هنر گرجستان به پاریس فرستاده شد. در سال 1934 برای همیشه از تفلیس به مسکو نقل مکان کرد. از سال 1934 تا 1938 او در آکادمی تمام روسیه هنر در لنینگراد تدریس کرد. او لنسر در 13 سپتامبر 1946 درگذشت.

پرتره یک هنرمند

- "ملکه الیزاوتا پترونا در تزارسکویه سلو" (1905، گالری دولتی ترتیاکوف)

43.5 x 62

گواش، کاغذ روی مقوا

گالری دولتی ترتیاکوف، مسکو

Evgeny Evgenyevich Lansere یک هنرمند همه کاره است. نویسنده نقاشی های یادبود و تابلوهای تزئین ایستگاه های مترو مسکو، ایستگاه راه آهن کازانسکی، هتل مسکو، مناظر، نقاشی هایی با موضوع تاریخ روسیه قرن 18، او همچنین تصویرگر فوق العاده ای از آثار کلاسیک ادبیات روسیه بود (" دوبروفسکی» و «شات» A S. Pushkin، «Hadji Murad» اثر L. N. Tolstoy)، خالق کاریکاتورهای تند سیاسی در مجلات طنز در سال 1905، هنرمند تئاتر و تزئینات. تصویر بازتولید شده در اینجا یکی از جالب ترین و قابل توجه ترین آثار سه پایه این هنرمند است که گواه درک درست نقاشی تاریخی در هنر اوایل قرن بیستم است. بنابراین، فضای عصر در اینجا از طریق تصاویر هنری تجسم یافته در مجموعه های معماری و پارک، لباس ها و مدل موهای مردم، از طریق منظره، نشان دادن زندگی درباری، آیین ها آشکار می شود. موضوع صفوف سلطنتی به ویژه مورد علاقه قرار گرفت. Lansere خروج رسمی دادگاه الیزابت پترونا را در اقامتگاه کشورش به تصویر می کشد. گویی روی صحنه تئاتر، صفی از مقابل تماشاگر می گذرد. یک ملکه تنومند، با ابهت، با لباس های بافته شده با زیبایی شگفت انگیز شنا می کند. این توسط خانم ها و آقایان با لباس های باشکوه و کلاه گیس های پودری دنبال می شود. هنرمند در چهره ها، ژست ها و ژست های آنها شخصیت ها و تیپ های متفاوتی را آشکار می کند. ما اکنون درباریان تحقیر شده و ترسو و سپس مغرور و سرسخت را می بینیم. در نمایش الیزابت و دربارش نمی توان به کنایه و حتی برخی گروتسک های هنرمند توجه نکرد. Lansere افرادی که توسط او به تصویر کشیده شده است را با ریاضت نجیب مجسمه مرمر سفید و عظمت واقعی تجسم یافته در معماری باشکوه کاخ راسترلی و زیبایی پارک معمولی مقایسه می کند.

Ostroumova-Lebedeva Anna Petrovna (1871 1955)

A.P. Ostroumova-Lebedeva دختر یک مقام برجسته P.I. Ostroumov بود. در حالی که هنوز دانش آموز دبیرستانی بود، شروع به حضور در مدرسه ابتدایی در CUTR کرد. سپس در خود مدرسه تحصیل کرد ، جایی که به تکنیک حکاکی علاقه مند شد و در آکادمی هنر ، جایی که در کارگاه I. E. Repin نقاشی خواند. در 1898-99. در پاریس کار کرد و در نقاشی (با جی. ویسلر) و حکاکی پیشرفت کرد. سال 1900 نقطه عطفی در سرنوشت او بود ، این هنرمند اولین بار با حکاکی های خود در نمایشگاه دنیای هنر (که بعداً کار خود را محکم با آن پیوند داد) شروع به کار کرد ، سپس جایزه دوم را برای حکاکی در OPH دریافت کرد. مسابقه و فارغ التحصیل هنرستان هنر با عنوان هنرمند با ارائه 14 قلم . Ostroumova-Lebedeva نقش اصلی را در احیای نقوش چوبی در روسیه به عنوان شکلی مستقل از خلاقیت ایفا کرد - پس از مدتها وجود به عنوان یک تکنیک تولید مثل. شایستگی هنرمند در احیای حکاکی رنگی بسیار زیاد است. روش های اصلی تعمیم فرم و رنگ که توسط او ایجاد شده بود توسط بسیاری از هنرمندان دیگر اتخاذ و مورد استفاده قرار گرفت. موضوع اصلی حکاکی های او پترزبورگ بود که تصویر آن چندین دهه کار خستگی ناپذیر را اختصاص داد. حکاکی های رنگی و سیاه و سفید او - هر دو سه پایه، در چرخه ها ("پترزبورگ"، 1908-1908، "پاولوفسک"، 1922-23، و غیره) و برای کتاب های V. Ya. Kurbatov "Petersburg" اجرا شده اند. " (1912)؛ بارها و به دلایل مختلف تکثیر شده اند، مدت هاست که تبدیل به کتاب درسی شده اند و از محبوبیت استثنایی برخوردار هستند. به روش خود، آثار خلق شده توسط این هنرمند بر اساس برداشت از سفرهای مکرر - هم در خارج از کشور (ایتالیا، فرانسه، اسپانیا، هلند) و هم در سراسر کشور (باکو، کریمه) جالب و برجسته بود. برخی از آنها در حکاکی و برخی در آبرنگ اجرا شدند. Ostroumova-Lebedeva که یک نقاش با استعداد و آموزش دیده بود، نمی توانست با رنگ روغن کار کند زیرا بوی آنها باعث حملات آسم او می شد. اما او کاملاً بر تکنیک دشوار و دمدمی مزاج نقاشی با آبرنگ تسلط داشت و در تمام زندگی خود به آن مشغول بود و مناظر و پرتره های عالی خلق می کرد ("پرتره هنرمند I.V. Ershov" ، 1923؛ "Portrait of Andrei Bely" ، 1924؛ "Portrait" از هنرمند E.S. Kruglikova، 1925، و غیره). او جنگ Ostroumov-Lebedeva را در لنینگراد محاصره شده گذراند و کار مورد علاقه خود را ترک نکرد و کار خود را روی جلد سوم یادداشت های اتوبیوگرافیک کامل کرد. سالهای پایانی زندگی این هنرمند تحت الشعاع نابینایی قریب الوقوع بود، اما تا زمانی که ممکن بود، او به کار خود ادامه داد.

مجموعه ای از حکاکی ها و طراحی های "منظره های سنت پترزبورگ و حومه آن"، شامل ¶

در طول زندگی خلاقانه بالغ خود، گرافیک A.P. Ostroumova-Lebedeva تحت تسلط موضوع سنت پترزبورگ بود، از دیدگاه های پاولوفسک در دهه 1900 تا اواسط دهه 1940، زمانی که او در حال حاضر به شدت بیمار بود، مجموعه ای از آثار خود را به پایان رساند. شب به قلعه در مجموع، طبق محاسبات خود، او 85 اثر اختصاص داده شده به شهر بزرگ خلق کرد. تصویر سنت پترزبورگ در Ostroumova-Lebedeva بیش از نیم قرن شکل گرفت. اما ویژگی های اصلی آن را هنرمند در شادترین و آرام ترین سال های دهه اول قرن بیستم یافت. پس از آن بود که ترکیبی از غزلیات تند، صیقلی و حتی خشن با ثبات و یادبودی قدرتمند، چشم انداز هندسی تأیید شده و گسستگی آزادی عاطفی در آثار او پدید آمد.

- "نوا از طریق ستون های بورس اوراق بهادار" (1908)

مانند پاهای غول‌ها، ستون‌های گوشه‌ای بورس اوراق بهادار بر روی جزیره واسیلیفسکی ایستاده‌اند و چشم‌انداز ساحل دیگر نوا، بال دریاسالاری و سهمی باشکوه ساختمان ستاد کل در میدان کاخ بسیار به داخل می‌رود. فاصله. چشم انداز فضای سبز تاریک و قدرتمند پارک که به لبه فضای معماری تبدیل می شود و در فاصله دور به کاخ یلاگین که به سختی قابل تشخیص است همگرا می شود، چشمگیر نیست. به طور غیرقابل تصوری نفیس، تکه‌ای از مشبک باغ تابستانی است که به لباس گرانیتی مویکا که وارد نوا می‌شود، فرود می‌آید. در اینجا، هر خط تصادفی نیست، هم اتاقی و هم به یاد ماندنی، در اینجا نبوغ معمار با بینش نفیس هنرمندی که به زیبایی توجه دارد ترکیب شده است. بر فراز کانال تاریک کریوکوف، آسمان غروب می سوزد و شبح برج ناقوس کلیسای جامع نیروی دریایی سنت نیکلاس، که به دلیل هارمونی باشکوهش مشهور است، از آب برمی خیزد.