تئاتر، موسیقی. تئاتر عامیانه در هند نقاشی، موسیقی، تئاتر هند

تئاتر هندی قبلاً در آغاز عصر ما به شکلی کاملاً شکل یافته وجود داشت. بنابراین، باید توسعه طولانی را پشت سر بگذارد که متأسفانه تاریخچه آن ناشناخته است. تئاتر هندی در خاک هند رشد کرده و کاملاً بدیع است. داده های تکه تکه سنت های تاریخی و قوم نگاری نشان می دهد که یک منبع مهم پیدایش آن، اجرای نمایش های دسته جمعی تماشایی در طول تعطیلات مذهبی به افتخار برخی خدایان (به ویژه ایندرا و شیوا) بوده است. مضمون اجراها افسانه های مربوط به استثمار این خدایان بود. خود تعطیلات به آیین های باستانی شکارچیان و کشاورزان، همراه با آواز و رقص برمی گردد. منبع دیگر را می توان صحنه های کمیک با ماهیت داخلی در نظر گرفت که در طول تعطیلات تعطیلات اصلی پخش می شود و برای سرگرم کردن مخاطب قرار دارد.

با گذشت زمان، چنین نمایش هایی که تا حد زیادی تغییر کرده اند، شخصیت مذهبی خود را از دست داده اند، نه تنها در تعطیلات، بلکه در خارج از آنها - در میدان های بازار، در کاخ های پادشاهان و اشراف - شروع به پخش می کنند. تئاتر دادگاه که برای دایره باریکی از تماشاگران در نظر گرفته شده بود، و نه برای مخاطبان انبوه، اشکال خاصی از هنر تئاتر، یک رپرتوار خاص را توسعه داد و به طور قابل توجهی از اساس آن - هنر عامیانه - دور شد. در مورد این تئاتر است که اطلاعات دقیق تری داریم.

اوج شکوفایی تئاتر کلاسیک هند، نه قرن اول عصر ما بود. در عصر گوپتاها، رساله های ویژه ای در مورد هنر نمایشی ظاهر شد که در آن وظایف تئاتر و نمایش های تئاتری، ژانرهای مختلف ترکیب های نمایشی و غیره به تفصیل مورد تجزیه و تحلیل قرار گرفت. یکی از این رساله ها "Natyashastra" که به بهاراتا نسبت داده شده و توسط دانشمندان به قرن های اول عصر ما مربوط می شود، تا به امروز باقی مانده است. «ناتیاشاسترا» را به درستی دایره المعارف تئاتر باستانی هند می نامند. موضوعات مختلف مربوط به هنر تئاتر را مورد بحث قرار می دهد. به عنوان مثال، در مورد خاستگاه و کارکردهای natya - هنر نمایشی و رقص، در مورد انواع نمایشنامه، زبان اشاره، بازیگری، هنر حالات چهره، معماری ساختمان هایی که سالن های تئاتر را در خود جای داده بودند، فن آوری صحنه، نحوه اجرای نمایش ها، در مورد آرایش، لباس، موسیقی، و همچنین بهاواس (احساسات) و راساها (حالات).

یک نمایشنامه می تواند از یک تا ده پرده داشته باشد. نمایشنامه‌های تک‌پرده‌ای مختلفی وجود داشت، مانند بانا (مونولوگ)، زمانی که تنها قهرمان با یک شخصیت نامرئی صحبت می‌کند، یا پرهاسانا (مضحک) که به نوبه خود به دو نوع تقسیم می‌شد: مسخره بالا و مسخره کم. علاوه بر این، قهرمانان مضحک بالا و پایین، زنان و سرکش بودند.

ساختمان های ویژه تئاتر (natyashala) با وجود اینکه وجود داشته اند حفظ نشده اند. هیچ منظره‌ای وجود نداشت، وسایل کم‌نیاز بودند. تماشاگران از روی ماکت و حالات چهره بازیگران تصوری از موقعیتی که در آن عمل انجام شده بود دریافت کردند. در هند باستان، نمایش‌ها باید در یک اتاق کوچک اجرا می‌شد، زیرا بازی بر اساس یک زبان اشاره بسیار سبک و متشکل از حرکات چشم و دست به سختی قابل توجه بود. هنر صحنه هند باستان با "این" مشخص می شد ... زبان اشاره پیچیده و با دقت توسعه یافته، که توسط بازیگران طی سالها آموزش درک می شد و برای مخاطبان پیچیده طراحی شده بود.

در تئاتر هندی دو جهت وجود داشت: لوکادهرمی و ناتیادرمی. در لوکادرمی، یعنی تئاتر واقع گرایانه، یک شخص و شخصیت او همان طور که در زندگی واقعی است، ارائه می شد. مخاطبان این تئاتر وسیع ترین اقشار مردم بودند. ناتیادرمی یا نمایش تلطیف شده از زبان اشاره و نمادگرایی استفاده می کرد و بیشتر هنری به حساب می آمد.

از نظر ساختاری، درام هندی باستان اثری پیچیده بود. متن منثور با شعر، به ویژه تک گویی های غنایی شخصیت ها و اصول اخلاقی آمیخته بود. تعداد آهنگ ها و صحنه های رقص مکرر بود. هیچ بازنمایی در وحدت زمان، مکان و عمل وجود نداشت. وقایعی که در یک روز رخ داده اند و سال ها از یکدیگر دور بوده اند، می توانند به تصویر کشیده شوند. این اقدام یا در داخل خانه، یا در خیابان یا میدان شهر، یا در جنگل یا در بهشت ​​انجام شد. تعداد بازیگران می تواند متفاوت باشد. آنها به متنوع ترین اقشار تعلق داشتند. آسمانی ها، شوخی ها، پادشاهان، بردگان، ریشی ها، راهبان ها، جنگجویان، دزدان حرفه ای، بازرگانان و غیره می توانستند روی صحنه نمایش داده شوند. همه اینها فرصت های خوبی را برای نمایشنامه نویس فراهم کرد تا طرح داستان را انتخاب کند و آن را توسعه دهد.

اما برای تخیل خلاق نمایشنامه نویس نیز محدودیت هایی وجود داشت که با نوع درام انتخابی او مطابقت داشت. چندین مورد از این نوع وجود داشت، اما اصلی ترین آنها ناتاکا و پراکارانا بودند. اولین مورد با پیچیدگی متمایز بود و عمدتاً برای تئاتر دربار در نظر گرفته شده بود. توطئه های او داستان های قهرمانانه یا عاشقانه معروف بود که عمدتاً از حماسه وام گرفته شده بود. قهرمان در حمله باید لزوماً یک پادشاه یا یک خدا در تجسم انسان باشد. قتل، جنگ و حتی اتفاقات نامطلوب تر برای مخاطب منتخب مانند شورش ها و کودتاهای کاخ نباید روی صحنه نمایش داده می شد. نمایشنامه های طنز، مسخره بازی وجود داشت. همه اینها نشان می دهد که در دوران باستان، دراماتورژی هندی با انواع ژانرها متمایز می شد، با هنر عامیانه مرتبط بود و دموکراتیک تر از قرون وسطی بود، زمانی که تئاتر هند از فقر خلاقانه رنج می برد و تا قرن دوازدهم. - ناپدید شدن تقریباً کامل

نمایشنامه ها قرار بود پایان خوشی داشته باشند. بازیگران باید به زبان ها و لهجه های مختلف صحبت می کردند - با توجه به موقعیت و تحصیلات خود. پادشاهان، برهمن ها، کشتریاها به زبان سانسکریت توضیح داده شدند. همه زنان و مردم عادی از پراکریت های به اصطلاح نمایشی استفاده می کردند. آنها هفت نفر بودند و به ترتیب پراکریتی که شخصیت باید از آن استفاده می کرد وجود داشت: شاوراسنی زبان زنان با موقعیت اجتماعی بالا و مردان متوسط ​​بود. ماگادی - زبان طبقات پایین. در ماهاراشتری، کسانی که به نثر شاوراسنی صحبت می کردند به صورت منظوم توضیح داده می شدند و غیره. شاخص سطح بالای توسعه هنر نمایشی در هند باستان، رساله های نظری خاص است. یکی از آنها به ما رسیده است - "Natyashastra" ("رساله در مورد هنر نمایشی") که احتمالاً در قرون II - III جمع آوری شده است. آگهی و منسوب به بهاراتا است که غیر از نام او چیزی در دست نیست.

آنها می گویند که برای ایجاد Natyashastra، پنجمین ودا در نظر گرفته می شود، بهاراتا کلمه را از ریگودا، ژست را از یاجورودا، موسیقی را از Samaveda، و حالت ذهنی را از Atharvaveda گرفته است. باید گفت که نمایندگان طبقات پایین حق خواندن وداها را نداشتند و بنابراین برهما دستور داد که پنجمین ودا برای آنها ایجاد شود، یعنی. رساله در هنر تئاتر با این حال، می توان فرض کرد که تئاتر در هند مدت ها قبل از ظهور بهاراتا وجود داشته است، در غیر این صورت به سختی می توان توضیحی منطقی برای این واقعیت پیدا کرد که یک رساله در مورد نمایشنامه ایجاد شده است، در صورتی که ایجاد آن به دلیل ضرورت دیکته نشده باشد، برای توضیح آن. وجود خود به خودی تئاتر

یک روستایی ساده نمی تواند بدون موسیقی، رقص، بازیگری انجام دهد. هنر بی عارضه او با آداب و رسوم روزانه، جشن هایی که در یک زمان از سال برگزار می شد، همراه بود و در عین حال مکمل آن بود و بخشی جدایی ناپذیر از آیین های مرتبط با زندگی طبیعی یک فرد بود: تولد، بلوغ، عروسی، مرگ.

تئاتر فولکلوریک چیزی نیست جز بازتاب زندگی عادی مردم ساکن در یک شبه قاره وسیع. ابزار اصلی ارتباط با تماشاگر در این تئاتر خود بازیگر، بدن او و آن حالات روحی است که می تواند با نوعی ارکستراسیون بازوها، پاها و نیم تنه، صدا، ژست، احساسات بیان کند. البته هدف بازیگر تئاتر سنتی این است که بیننده را با احساساتی که بازیگر تلاش می کند به تصویر بکشد، القا کند. برای این کار، موادی را انتخاب می کند که بتواند همدلی زیبایی شناختی را برانگیزد و از تمام ابزارهایی که روی صحنه در اختیار دارد برای برقراری ارتباط با مخاطب استفاده می کند.

هدف اصلی تئاتر رساندن لذت زیبایی شناختی (راسا) به تماشاگر بود. برای درام باستانی هند به عنوان یک کل، طرح آشکار مسائل اجتماعی حاد معمول نیست. به ندرت برخورد شخصیت ها، طغیان احساسات، طنز تازیانه یا تقبیح عصبانیت وجود دارد. لحن کلی در قطعات باقیمانده نرم و ملایم است. اما حتی در همان زمان در بهترین آثار نمایشی، نویسندگان توانستند حقیقت زندگی، پیچیدگی جلوه های آن و شدت دراماتیک موقعیت ها را به نمایش بگذارند.

یکی از جالب‌ترین آثار درام باستانی هند، نمایشنامه شدراکا (قرن 4-5) "گاری گلی" ("Mrichchakatika") است که جایگاهی ارجمند در تاریخ تئاتر و ادبیات هند باستان برای نویسنده به ارمغان آورد. این درام در مورد عشق برهمن فقیر چاروداتا و هتارا واسانتاسنا می گوید، عشقی که بر همه موانع اجتماعی ناشی از شرایط دشوار زندگی غلبه کرد. طرح داستان نه از اساطیر، بلکه از خود زندگی گرفته شده است، شخصیت های اصلی خدایان و پادشاهان نیستند، بلکه مردم عادی هستند. نویسنده بر این عقیده است که اشراف واقعی، صداقت، فداکاری و عشق والا نه تنها در طبقات بالای جامعه، بلکه برای مردم عادی نیز ذاتی است. جهت گیری انسان گرایانه و دموکراتیک نمایشنامه که از نوع پراکارانا است، آشکارا با سبک از خود راضی در درام درباری ناتاک مخالف است. علاوه بر این، "واگن سفالی" چنین وقایعی را توصیف می کند که سایر نمایشنامه نویسان باستانی هندی سعی می کردند از آنها اجتناب کنند: یک سوء قصد و سرنگونی پادشاه و ناآرامی های مردمی وجود دارد. معلوم نیست نویسنده این اثر قابل توجه چه کسی بوده است، اما خود درام زمینه کافی را فراهم می کند تا او را یک نویسنده واقعا عامیانه بدانیم.

یکی از مرواریدهای ادبیات باستانی هند، آثار کالیداسا (اواخر قرن چهارم - اوایل قرن پنجم پس از میلاد) - شاعر، نمایشنامه‌نویس و نویسنده‌ای است که آثارش صفحه‌ای درخشان در تاریخ فرهنگ جهانی است. ترجمه آثار کالیداسا در اواخر قرن هجدهم در غرب شناخته شد. و بلافاصله مورد استقبال خوانندگان قرار گرفت.

تا پایان دوران باستان شکوفایی شعر مذهبی است. آیات آرمان زندگی زاهدانه، جدایی از همه چیز دنیوی، واهی بودن وجود را می ستود. کالیداسا که زندگی را با همه شادی ها و غم هایش می خواند، با اندیشه های زاهدانه دینی زمان خود مخالفت کرد. یک گرایش کامل از ادبیات هندی که از ایده های انسان گرایانه در مورد هماهنگی شخصیت انسان و نگرش خوش بینانه به زندگی پیروی می کند، با کالیداسا مرتبط است. بدون شکستن سنت قبلی، کالیداسا از بسیاری جهات به عنوان یک مبتکر عمل کرد. بنابراین، کار او بسیار قابل درک و نزدیک به مردم هند برای قرن های متمادی است.

هنگامی که اروپا با اولین نمونه های نمایش باستانی هند آشنا شد، بسیاری از محققان نوشتند که تئاتر هندی ریشه یونانی باستان دارد. با این حال، اکنون کاملاً روشن شده است که تئاتر در هند به طور مستقل و مستقل از تأثیرات خارجی پدید آمد. علاوه بر این، سنت نمایشی هند قدیمی‌تر از سنت باستانی است و از نظر نظری بسیار غنی‌تر است. تئاتر هندی از نظر خلق و خوی و مفهوم صحنه سازی با تئاتر یونانی متفاوت بود. تثلیث که یونانیان به شدت از آن پیروی می کردند، برای نمایشنامه نویسان سانسکریت کاملاً ناشناخته بود. درام سانسکریت، با پیرنگ های فرعی و شخصیت ها و حالات متعدد، زمان بیشتری را نسبت به سه تراژدی و مسخره ای که تئاتر یونانی به طور مداوم به مخاطبان خود ارائه می داد، به خود اختصاص داد. یونانی ها به طرح و خطوط شخصیت ها اولویت می دادند، در حالی که در تئاتر هندی توجه اصلی به چهار نوع هنر نمایشی، شکل پذیری و ژست ها بود. برای یونانی ها، مردم تماشاچی مشارکتی بودند، برای هندوها تماشاگران بیرونی بودند. قوانین زیبایی شناسی نیز متفاوت بود. در درام سانسکریت، مفهوم یونانی تراژدی کاملاً غایب است و همچنین این اصل زیباشناختی که بیننده نباید مرگ یا شکست قهرمان را روی صحنه ببیند، وجود ندارد.

تئاتر هندی یکی از قدیمی ترین تئاترهای جهان است: تئوری و عمل آن در حدود قرن دوم قبل از میلاد توسعه یافت. قبل از میلاد مسیح ه. او نه تنها اصالت دارد، بلکه این اصالت را در ضخامت قرن ها حمل کرده است. تسلط بر تئاتر کلاسیک هند به حدی است که تسلط نمایندگان سایر کشورها و مردمان در آن تقریباً غیرممکن است. به طور کلی، تئاتر هند را از نظر تاریخی و واقعی می توان به درام کلاسیک سانسکریت، تئاتر عامیانه و تئاتر به سبک اروپایی تقسیم کرد.

هنر نمایشی هند در قرن اول دوم آغاز شد. قبل از میلاد مسیح ه. و ایجاد آن را به حکیمی به نام بهاراتا نسبت می دهند. طبق افسانه ها، خدای جنگ، ایندرا، از خالق برهما خواست تا سرگرمی را ارائه دهد که برای همه مردم جذاب باشد. برهما تلاوت، آواز، نوازندگی و زیبایی شناسی را از چهار "ودا" استخراج کرد و این هنرها را به بهاراتا آموخت و به همراه صد پسرش به او دستور داد که این هنر را بر روی زمین محافظت و تثبیت کند. برهما وظایف اصلی تئاتر را تنظیم کرد: آموزش و سرگرمی. اولین نمایشنامه هایی که به ما رسیده اند به زبان کلاسیک هندی، سانسکریت نوشته شده اند و به ما اجازه می دهند نتیجه گیری کنیم. آن زمان دراماتورژی تب توسعه یافته هنر تئاتر بود. طرح های مورد علاقه نمایشنامه ها، افسانه ها و افسانه های عامیانه، اعمال قهرمانانه حکیمان سلطنتی و عشق است.

طبق این رساله، چهار وسیله بیانی اصلی وجود دارد - آنگیکا، مودرا، واچیکا، آخاریا. آنژیکا زبان حرکات مرسوم دست، انگشتان، لب ها، گردن و پاها است. مودرا ژستی است که معنایی نمادین دارد. بیست و چهار حرکت اساسی وجود دارد که هر کدام بیش از سی معنی متفاوت دارند. واچیکا - دیکشنری، لحن و سرعت گفتار که حالت خاصی را ایجاد می کند. آخاریا - رنگ متعارف و جزئیات لباس، آرایش. برای خدایان و دختران آسمانی - آرایش نارنجی، برای خورشید و برهما - طلا، برای هیمالیا و گنگ - سفید. شیاطین و کوتوله ها شاخ می پوشند - گوزن، قوچ یا بوفالو. در افراد، آرایش بستگی به موقعیت اجتماعی آنها، تعلق به یک طبقه دارد. نمایندگان کاست های بالاتر - برهمن ها و کشتریاها - آرایش قرمز دارند، شدراها آبی تیره دارند، پادشاهان صورتی ملایم دارند، گوشه نشین ها ارغوانی دارند.

شواهد اولیه از تولد هنر نمایشی مجسمه برنزی یک دختر رقصنده بود که در حفاری در شهر موهنجو دارو در هزاره سوم قبل از میلاد یافت شد. ه. این رقص آیینی بود که به هسته ای تبدیل شد که تئاتر کلاسیک هند حول آن شکل گرفت. الگوی رقصنده، تصویر شیوا رقصنده بود که در رقصش انرژی خلاق و مخرب کیهان متجلی شد. در هند باستان، نمایش های تئاتر بخشی از جشنواره ای است که به خدایان، به عنوان مثال، خدای رعد و برق ایندرا اختصاص داده شده است. یک "بنر" به افتخار او برافراشته شد که نماد درختی بود که از جنگل آورده شده بود. پس از پایان مراسم او را در رودخانه غرق کردند تا به زمین و آب نیرو بدهد.

مؤلفه کنش نمایشی، ساتویکا، حالت ذهنی است که توسط بازیگر (بهاوا) منتقل می‌شود و حال و هوای تماشاگران پس از آنچه روی صحنه دیده‌اند (راسا). بازیگر باید به احساسات شخصیت خود عادت کند و بتواند لطیف ترین تجربیات را منتقل کند که برای این کار باید بر تکنیک بازیگری مسلط باشد. توانایی اشک ریختن، نشان دادن اینکه سرما چقدر پوست صورت را سفت می کند، ترس چگونه در تمام بدن جاری است، یعنی تسلط بر تکنیک بازیگری می تواند حال و هوای خاصی را در بیننده ایجاد کند. کل مفهوم زیبایی شناسی هنرهای نمایشی هند بر اساس آموزه های باوا و راسا است.

بالاترین هدف اجرا رسیدن به RACE بود - لذت زیبایی شناختی که در نتیجه بازی ماهرانه بازیگر به وجود می آید. هفت احساس اصلی (کمیک، رقت انگیز، خشم، قهرمانی، وحشت، نفرت، شگفتی) قرار بود توسط بازیگران تجسم یابد. از ویژگی های بارز تئاتر هند، وحدت موسیقی است. خواندن و رقصیدن. مجسمه یک دختر رقصنده (مهنجو دارو هزاره سوم قبل از میلاد).

در فرهنگ هندی، تئاتر به چند نوع تقسیم می شود: فولک. این نوع هنر صحنه دارای خط داستانی مبتنی بر حماسه و اساطیر هندی بود. حرفه بازیگری در هند رعایت نمی شد. این به این دلیل است که این هنرمند خدایان را به شیوه ای خنده دار و ناپسند به تصویر کشیده است. بازیگران تحقیر شده و قشر فرودست جامعه محسوب می شدند. اما برای کسب تسلط در این حرفه، باید فردی نسبتاً تحصیل کرده بود. درباری. نمایش هایی در صحن اعیانی به منظور سرگرمی برگزار می شد.

در جنوب کشور، شکل دیگری از تئاتر رمز و راز توسعه یافت که با هنر داستان نویسان معبد - چاکیارها مرتبط است. آنها آیاتی را به زبان سانسکریت خواندند و سپس متن را به زبان مردم محلی توضیح دادند. راوی از حالات و حرکات صورت استفاده می کرد. بعداً یک بازیگر جایگزین او شد و تلاوت را با رقص همراهی کرد. این اجرا در اواسط هزاره اول قبل از میلاد کوتیاتام (Skt. "رقص جمعی") نام داشت. ه. تئاتر کلاسیک هند اوج شکوفایی آن به قرن 1-9 می رسد. زمانی که آثار معروف درام سانسکریت خلق شد. معروف ترین نمایشنامه نویسان بهسا، کالیداسا، شدراکا هستند. تاریخ زندگی آنها تقریبی است، اطلاعات محققان گاهی برای قرن ها متفاوت است. از سیزده اثر باسا (قرن II یا III)، بهترین اثر Vasavadata Appearing in a Dream است - نمایشنامه ای درباره عشق پادشاه به همسرش Vasavadata.

آشواغوشا (قرن دوم پس از میلاد) اولین نمایشنامه نویس هندی محسوب می شود. اما درام کلاسیک در زمان کالیداس (قرن چهارم پس از میلاد) به بزرگترین شکوفایی خود رسید. علاوه بر کالیداسا، نام پنج نمایشنامه نویس مشهور دیگر نیز به چشم می خورد: شدراکا، هارشا، ویساخاداتا، باسا و باوابهوتن. درام کلاسیک در قرن 4-5 به اوج خود رسید. n ه. تا قرن هشتم او به حال خود سقوط کرد. با این حال، حتی امروز، قدیمی‌ترین تئاتر سنتی کرالا، کودیات، همچنان در آنجا زندگی می‌کند و در عین حال مدرسه تربیت بازیگر خود را حفظ می‌کند.

کالیدا سا (कलदस، Kālidāsa IAST، به معنای واقعی کلمه "خدمت الهه کالی") بزرگترین نمایشنامه نویس و شاعر هند باستان است که به سانسکریت می نوشت. آثار خلق شده توسط کالیداسا نماد شکوفایی فرهنگ کلاسیک هند است. درام کالیداسا "شاکونتالا" به یکی از اولین آثار ادبیات شرق تبدیل شد که به زبان های اروپایی ترجمه شد و اروپا را با ادبیات شرق آشنا کرد. درام ها و سایر آثار کالیداسا هیچ نشانه مستقیمی از زمان ساخت آنها ندارند. ذکر کنیزهای یونانی گواه زمان نسبتاً متأخری است و اشکال پراکریت در گفتار برخی از شخصیت‌ها حاکی از فاصله زمانی زیادی است که آنها را از زبان کتیبه‌های شاه آشوکا یا پیاداسی جدا می‌کند. با این حال، تردید وجود دارد که کالیداسا در قرن یازدهم می زیسته است، زیرا آثار سایر نویسندگان این قرن به وضوح گواه انحطاط ادبی است، در حالی که درام های کالیداسا اوج شعر هندی را نشان می دهد.

نویسندگی گاری سفالی معروف (احتمالاً قرن چهارم) به شاه شدراکا نسبت داده می شود. این نمایشنامه حتی در قرن بیستم در بسیاری از تئاترهای جهان به روی صحنه رفت. این نمایشنامه در مورد عشق بازیگر زن متاهل به برهمین چاروداتا - مردی متعلق به بالاترین طبقه و همچنین متاهل است. این طرح فراتر از سنتی بود. پس از آزمایش های طولانی، عاشقان دوباره به هم رسیدند.

اوج دراماتورژی هند باستان درام Shakuntala Kalidasa (در برخی منابع Sakuntala) است. طرح نمایشنامه درباره وفاداری و عشق شاکونتال به پادشاه دوشیانتا از مهابهاراتا بود، اما برای درام بیشتر در توسعه خط داستان توسط کالیداسا تکمیل و گسترش یافت. این اجرا نه تنها در تئاترهای مدرن هندوستان باقی مانده است، بلکه در صحنه های تئاترهای جهان نیز دیده می شود: در برلین به روی صحنه رفت. در سال 1914 در تئاتر مجلسی A. Tairov; در سال 1957 - در پکن.

شکل خاصی از تئاتر در هند رقص کلاسیک است که شامل کلمه و گاهی آواز می شود. در رقص بود که خدای شیوا جهان را آفرید. در یکی از معابد تصویر معروفی از رقص شیوا وجود دارد. ستون ها 108 ژست رقص او را به تصویر می کشند که در رساله نمایشی Natyashastra ذکر شده است. یکی از قدیمی ترین سبک ها - بهارات ناتا به لطف دیواسی - رقصندگان معبد که زندگی خود را وقف یک خدا کردند به ما رسیده است. با گذشت زمان، رقص وسیله ای برای سرگرمی اشراف فئودال شد و نام «دواسی» مترادف با کورتزن شد. این رقص ترکیبی از Nritya (رقص داستان) و Snritta (رقص خالص) بود. سپس یک اینترلود (پادام) اجرا شد که در آن رقصنده با حرکاتی محتوای آهنگ اجرا شده به زبان سانسکریت را منتقل می کند.

درام کلاسیک (ناتاکا) دارای ده گونه متعارف بود: 1) ناتاکا با طرحی از داستان های رایج. 2) prokarana با طرحی که توسط نویسنده اختراع یا اصلاح شده است. 3) سامواکارا با طرحی از افسانه های مربوط به خدایان و شیاطین. 4) ihmrita با طرحی که نویسنده به عاریت گرفته یا تا حدی ساخته است در مورد قهرمانی که به دنبال اتحاد با معشوق خود است. 5) دیما با داستانی قرضی در مورد موجودات اساطیری مختلف. 6) ویایوگا، یک درام تک‌پرده‌ای با طرح کمیک قرضی. 7) آنکا درام تک پرده با طرح نویسنده از ماهیت اخلاقی رقت انگیز یا طنین انداز. 8) پرهاسانا، مسخره‌ای تک‌پرده با داستانی از زندگی روزمره. 9) بانا یک نمایشنامه تک پرده ای با داستان نویسنده با محتوای قهرمانانه است که توسط یک بازیگر بازی می شود. 10) ویثی نمایشی تک پرده ای است که از نظر تعداد اجراکنندگان (دو یا سه نفر) با بانا تفاوت دارد.

در قرن 15 در شمال هند، سبک رقص کلاسیک کاتاک در حال شکل گیری است. در آن زمان، دولتی شکل گرفت که در آن فاتحان مسلمان جذب شدند، و کاتاک به ادغام هنر مسلمان و هندو انگیزه داد، نتیجه ادغام دو فرهنگ بود. این رقص با لباس ایرانی اجرا می شد، اما ادامه افسانه های عشق وادی و کریشنا بود. در قرن هفدهم تئاتر کاتاکالی در جنوب هند متولد شده است. درام رقص پانتومیک درباره خدایان و شیاطین، عشق و نفرت آنها می گوید. اجرا یا در حیاط معبد یا در فضای باز اجرا می شود. تماشاگران آن دهقانان روستاهای اطراف هستند که به سختی صدای طبل را می شنوند، عنایت و کارهای شبانگاهی خود را رها می کنند. اجرای تئاتر در زمینه سیاه شب اجرا می شود.

یکی از قدیمی ترین سبک ها بهارات ناتابه لطف ما آمد دواسی -رقصندگان معبد که زندگی خود را وقف خدا کردند. با گذشت زمان، رقص وسیله ای برای سرگرمی اشراف فئودال شد و نام «دواسی» مترادف با کورتزن شد. رقص ترکیبی بود نریتیا(داستان رقص) و اسنریتا(رقص در خالص ترین شکل آن). سپس اینترلود پخش شد ( پادام) که در آن رقصنده با اشاره محتوای آهنگ اجرا شده به زبان سانسکریت را منتقل می کند. چند صدایی معنایی میان‌آهنگ از تکرار خواننده همان ردیف که تعابیر متفاوتی از آن ارائه می‌کرد و از برداشت‌های گوناگون رقصنده از یک متن زاده شد.

در قرن 15 در شمال هند، یک سبک رقص کلاسیک در حال ظهور است کاتاکدر آن زمان، دولتی شکل گرفت که در آن فاتحان مسلمان جذب شدند و انگیزه ای برای ادغام هنر مسلمان و هندو ایجاد کردند. کاتاکنتیجه ادغام دو فرهنگ بود. این رقص با لباس ایرانی اجرا می شد، اما ادامه افسانه های عشق وادی و کریشنا بود. بر خلاف بهارات ناتیامجایی که حرکات پاها با حرکت دست ها و چشم ها هماهنگ است، کاتاکبر اساس بداهه سازی ساخته شده است. با حرکات ماهرانه پا، تنوع و پیچیدگی ریتم مشخص می شود. برای آزمایش هنر رقصنده، نوازنده درام هر از گاهی ریتم اصلی را می پوشاند. به نوبه خود، رقصنده به دنبال تغییر ریتم خود است و سعی می کند درامر را از ریتم خارج کند. بازی ریتم ها با توافق کلی رقص و همراهی ریتمیک به پایان می رسد که همیشه با لذت تماشاگران همراه است.

در قرن هفدهم تئاتر در جنوب هند متولد شده است کاتاکالیدرام رقص پانتومیک درباره خدایان و شیاطین، عشق و نفرت آنها می گوید. اجرا یا در حیاط معبد یا در فضای باز اجرا می شود. تماشاگران آن دهقانان روستاهای اطراف هستند که به سختی صدای طبل را می شنوند، عنایت و کارهای شبانگاهی خود را رها می کنند. اجرای تئاتر در زمینه سیاه شب اجرا می شود. بازیگران با گریم روشن - سبز، قرمز و سیاه - از تاریکی ظاهر می شوند و در تاریکی ناپدید می شوند. گریم و طراحی او معنایی نمادین دارد که برای بیننده کاملاً شناخته شده است.

شخصیت ها کاتاکالیبه هفت نوع طبقه بندی می شود: پاسیا- قهرمانان نجیب؛ برنده -متکبر و متکبر; ریش قرمز- افراد شرور و جاه طلب؛ ریش سفید, اغلب اینها مشاوران پادشاه میمون هانومان هستند، تصویری نجیب و قهرمان. ریش سیاه- مردم جنگل و شکارچیان؛ ادویه کاری -غول زن شیطانی و شیاطین زن؛ مینوکو -حکیمان، زاهدان، برهمنان و زنان.

تسلط کاتاکالیاز کودکی تحت هدایت یک مرشد درک کنید. بازیگر یاد می گیرد که جوهر درونی تصویر شده را درک کند، خواه یک شخص باشد، یک گل یا یک پرنده.

در مورد نظریه تئاتر، اولین رساله سانسکریت در مورد تئاتر اثر حکیم باستانی بهاراتا بود. ناتیاشاسترا (رساله هنر بازیگر). دانشمندان ظاهر این رساله را به قرون 3-4 نسبت می دهند. تاکنون قوانین وضع شده در این کتاب برای بازیگران هندی همه نسل ها قانون باقی مانده است.

طبق این رساله، چهار وسیله بیانی اصلی وجود دارد - آنژیکا,مودرا,واچیکا,آچاریا.آنژیکا -زبان حرکات مرسوم دست، انگشتان، لب ها، گردن و پاها. سیزده حرکت سر، هفت حرکت برای ابرو، سی و شش حرکت برای چشم تجویز شده است. شش برای بینی، شش برای گونه ها، هفت برای چانه، سی و دو برای پاها. موقعیت های مختلف پاها و راه رفتن های مختلفی وجود دارد - راه رفتن باشکوه، قیچی کردن یا قیطان کردن و غیره. عاقل -ژستی که معنایی نمادین دارد. بیست و چهار حرکت اساسی وجود دارد که هر کدام بیش از سی معنی متفاوت دارند. . واچیکا- دیکشنری، لحن و سرعت گفتار که حالت خاصی را ایجاد می کند. آچاریا -رنگ متعارف و جزئیات لباس، آرایش. برای خدایان و دختران آسمانی - آرایش نارنجی، برای خورشید و برهما - طلا، برای هیمالیا و گنگ - سفید. شیاطین و کوتوله ها شاخ می پوشند - گوزن، قوچ یا بوفالو. در افراد، آرایش بستگی به موقعیت اجتماعی آنها، تعلق به یک طبقه دارد. نمایندگان کاست های بالاتر - برهمن ها و کشتریاها - آرایش قرمز دارند، شدراها آبی تیره، پادشاهان صورتی کم رنگ، و گوشه نشین ها ارغوانی دارند.

جزء تئاتری ساتویکاحالت های ذهنی هستند که بازیگر منتقل می کند (بهاوا), و حال و هوای تماشاگران پس از آنچه روی صحنه دیدند ( نژاد). بازیگر باید به احساسات شخصیت خود عادت کند و بتواند لطیف ترین تجربیات را منتقل کند که برای این کار باید بر تکنیک بازیگری مسلط باشد. توانایی اشک ریختن، برای نشان دادن اینکه چگونه پوست صورت از سرما سفت می شود، چگونه لرزی از ترس در تمام بدن جاری می شود، یعنی. تسلط بر تکنیک بازیگری می تواند حال و هوای خاصی را در بیننده ایجاد کند. کل مفهوم زیبایی شناختی هنرهای نمایشی هند بر اساس آموزش است بهاواو نژاد. رسا در لغت به معنای ذائقه یا مزه است، یعنی. خلق و خوی که پس از اجرا با تماشاگران باقی می ماند. نژادنه نوع وجود دارد: شهوانی، کمیک، غمگین، عصبانی، قهرمانانه، ترسناک، منزجر کننده، شگفت انگیز، آرامش بخش. هر یک نژادبا رنگ خاصی مشخص می شود: به ترتیب - سبز شفاف، سفید، خاکستری خاکستری، قرمز، نارنجی روشن، سیاه، آبی، زرد. نه نژادمطابقت نهم بهاوا، که به نوبه خود می تواند پایدار یا گذرا باشد.

ناتیاشاسترابه شکلی باستانی نوشته شده که خواندن آن دشوار است و در طول قرن ها با تفسیرهای زیادی همراه بوده است.

در نیمه دوم قرن نوزدهم در هند یک دراماتورژی جدید و یک تئاتر دراماتیک جدید متولد می شود. اولین تلاش برای خلق یک درام جدید متعلق به نمایشنامه نویسان بنگالی Dinobondhu Mitro، Modhuschudon Dotto، Ramcharinou Tarkorotn است. آثار آنها از نظر عمق اجتماعی و جهت گیری ضد انگلیسی متمایز بود. همزمان گروه های نمایشی در سایر استان های کشور نیز حضور پیدا کردند. شکل‌گیری درام هندی با نام بهاراتندو هاریش‌چاندرا مرتبط است که آثارش سنت‌های دراماتورژی ملی و اروپای غربی را ترکیب کرده است.

ایده های مبارزات آزادیبخش ملی، خواست استقلال در آثار اس. گووینداس منعکس شده است. مسیر خدمت, چرا رنجو غیره.). در دهه 1940، زندگی تئاتری کشور بسیار فعال تر شد. انجمن تئاترهای مردمی هند در حال ایجاد است که فعالیت های آن تأثیر بسزایی در توسعه فرهنگ نمایشی در کشور داشته است. پس از استقرار استقلال در سال 1947 در هند، شرایط برای توسعه هر دو شکل سنتی هنر تئاتر و برای تئاتر دراماتیک فراهم شد. آکادمی موسیقی و نمایش هند تاسیس شده است که در زمینه هنر تئاتر فعالیت علمی انجام می دهد. تئاترهای هند بهترین آثار نمایشی جهان از جمله شکسپیر، ایبسن، مولیر، تورگنیف، گورکی، چخوف را به نمایش گذاشتند.

تئاتر چین

اساس تئاتر چینی موسیقی است که درام موسیقی کلاسیک را شکل داد. xiqu، که زنده و در دوره حاضر است. مکان موسیقی در ایالت از زمان های قدیم توسط اولین فرمانروایان کارکرد مهم آن در مناسک مذهبی تعیین شده است. اما قبل از شروع به خلق موسیقی، خالق باید آن را در صداهای کیهانی جهان می شنید و سپس آن را بر اساس قوانین جهان سازمان می داد و خود جهان در حال ایجاد است. صدای کائنات زمانی به گوش آدمی می‌رسید که به صدای باد و جریان رودخانه‌ها، به صدای درختان و آواز پرندگان، رعایت عادات حیوانات و ایجاد نغمه‌ها و رقص‌های همخوان با ریتم‌های آن گوش می‌داد. ذوب چیبهشت و زمین.

موسیقی، ملودی، مهارت های آوازی حوزه هایی هستند که تئوری تئاتر بیش از همه به آن توجه داشته است. حدود 50 رساله نمایشی که 10 جلد را تشکیل می داد مجموعه ای از رساله های درام کلاسیک چینی(1959 و 1982)، به طور کامل یا جزئی به موسیقی اختصاص داده شده است. و اگرچه موسیقی در تئاتر در جدول رتبه های چینی نمایانگر ظاهری معمولی و پایین بود ( سو یو- هنر در مقابل بالا ( من یو) موسیقی آیینی، خود تئاتر هرگز منشأ خود را فراموش نکرد و غالباً از دست دادن موسیقی قوانین باستانی ابراز تاسف می کند.

خاستگاه هنر نمایشی چینی در آیین های شامانی دوره شانگ (1766-1122 قبل از میلاد) سرچشمه می گیرد. قبلاً روی استخوان های یین (هزاره اول قبل از میلاد) تصویری از هیروگلیف وجود دارد. یو ای(موسیقی) و در(رقص). در دوران ژو (1027-1256 قبل از میلاد)، آیین‌های مذهبی و جشن‌های کاخ، تکنیک رقص را جلا دادند و یک قانون حرکت صحنه را توسعه دادند. حتی در آن زمان، بازیگران آواز و رقص متمایز بودند ( چان یو) و شوخی ها، بازیگران و کمدین ها ( پرداخت - یو). در خارج از دیوارهای کاخ، تئاتر باعث ایجاد مراسم عامیانه و تعطیلات شد. یک عنصر ملموس از تئاتر در آیین ها، مراسم ها، رقص های پانتومیم مرتبط با آیین پرستش اجداد وجود داشت. باصطلاح. "بازی های مرده" به معنای تقلید از متوفی هنگام به تصویر کشیدن اعمال و شاهکارهای اسلحه او بود.

در عصر هان (206 قبل از میلاد - 220 پس از میلاد)، موسیقی محلی با مبارزه چندین شرکت کننده، انگیزه قدرتمندی برای توسعه تئاتر ایجاد کرد. این نمایش وارد نمایش شده است jiaodisi(تقویت، رقابت در قدرت)، که به نوبه خود بخشی از آن شد بایسی(صد بازی، صد اجرا). این مجموعه ای از ژانرهای سیرک بود، مانند رقص، آکروباتیک، شمشیر بلعیدن، طناب زدن، شمشیربازی با سه تایی، تبرهای جنگی و انبر، که در آن هنرمندان چینی تا به امروز استادان بی نظیری به شمار می روند.

در همین دوره تئاتر عروسکی متولد شد. با این حال، مدت ها قبل از آن، در مورد استاد ژو، یان شی، که در کنده کاری عروسک مهارت داشت، شناخته شد. عروسک‌های او می‌توانستند به سمت موسیقی حرکت کنند، انگار که زنده هستند. اما پس از آن عروسک ها لوازم جانبی مراسم تشییع جنازه بودند و متوفی را در انتقال به دنیای دیگر همراهی می کردند. در زیر هان، زمانی که عروسک گردانان شروع به دعوت به ضیافت در خانه های اشراف کردند، عروسک به صحنه رفت. تانگ (907-618) دوره ای از تئاتر عروسکی توسعه یافته است که توسط عروسک ها، عروسک های آبی که روی آب اجرا می کردند، عروسک های چرمی نمایش داده می شد. دوره آهنگ (960-1279) عصر طلایی نمایش عروسکی در نظر گرفته می شود. نمایش های عروسکی روی آب از محبوبیت خاصی برخوردار بودند. قایق‌های تئاتر مجهز به ماشین‌هایی بودند که معجزه می‌کردند: عنصر آب باعث تولد و جذب ماهی‌های غول‌پیکر و اژدهای آبی شد. بازیگران- عروسک‌بازان در آب پنهان شدند و حرکت عروسک‌ها را به‌طور نامحسوس کنترل می‌کردند. رپرتوار گسترده عروسکی، توانایی های فنی هنرمندان عروسکی بدون شک توجه تئاتر بازیگر زنده را به خود جلب کرد که فقط در حال افزایش بود. با این حال، تأثیر تئاتر عروسکی بر هنر دومی به اندازه تأثیر عروسک ها بر هنر بازیگران کابوکی در ژاپن قابل توجه نبود. در تئاتر چینی، روندی در حال بلوغ بود که منجر به تولد فردیت بازیگر به عنوان ارزش زیبایی شناختی تئاتر شد. این مستلزم تحرک درونی حوزه احساسی بازیگری بود. در این مرحله، بازیگر زنده راه خود را از عروسک جدا کرد. در قرن 18 تئوری تئاتر قبلاً به انقباض ایستا به عنوان رذیله ای اشاره کرده است که بازیگر را به عروسک تبدیل می کند.

دوران تانگ با رشد شهرها و صنایع دستی، گسترش روابط تجاری با کشورهای آسیای مرکزی و هند مشخص شد. تأثیر آیین بودا بر ادبیات، نقاشی، موسیقی و البته هنر تئاتر تقویت شده است. رقص های مبتنی بر مضامین بودایی در دربار موفقیت بزرگی داشت. یکی از آنها لباس پر رنگین کمان -در مورد پری آسمانی زیبا یک فرم دراماتیک نیز بر اساس نمایشنامه های دیالوگ کوچک با محتوای کمدی و طنز شکل گرفت. canjun xi(بازی در مورد کنجون). اولین نقش ها در آنها ظاهر می شود - یک شوخ طبعی کنجونو شریک زندگی اش کلت. با گذشت زمان، دیالوگ های گفتاری با آواز و رقص در هم آمیختند. در دوره تانگ، یک تئاتر حرفه ای به نام "باغ گلابی" متولد شد، زیرا در باغ گلابی کاخ امپراتوری شروع به آموزش مهارت های بازیگری به کودکان کردند.

در طول دوره آهنگ، فرم های نمایشی شناخته شده از قبل بهبود می یابند، اجرای داستان نویسان عامیانه با آواز خواندن و همراهی موسیقی. انواع منطقه ای تئاتر شروع به شکل گیری می کنند - شمالی، بر اساس صدای شمالی، تند و سخت ملودی، و جنوبی، با جریان ملایم و روان ملودی. متون نمایشنامه ها از بین رفته و فهرستی از 200 عنوان برای ما باقی مانده است. از جمله آنها تاریخی است آهنگ چوانگ تزو، عشق سیما شیانگرو و ونجون, درباره In-inغرفه‌های تئاتر ثابت شهری برای مردم عادی و تئاترهایی با اتاقی در پشت صحنه و سالنی برای افراد ثروتمند وجود داشت.

دوره یوان (1280-1367) زمان فتح چین توسط مغول ها است که نه تنها مردم عادی، بلکه اقشار تحصیل کرده و مورد احترام مردم را نیز تحت ستم قرار دادند. احساس مشترک تحقیر ملی، تحصیلکردگان عالی را به زندگی مردم عادی نزدیک کرد، به درک مشکلات و نیازهای آنها کمک کرد. تئاتر در دوره حکومت مغول در جامعه بسیار محبوب شد، که به تولد درام یوان کمک کرد، یک پدیده مهم در تاریخ نمایش چینی. درام یوان بر اساس ملودی های شمالی ساخته شده است و با ترکیبی چهار قسمتی مشخص می شود. کم کم ملودی های شمالی و جنوبی به هم نزدیک شدند که زمینه ساز ایجاد یک تئاتر ملی در آینده شد.

یکی از نمایشنامه نویسان برجسته درام یوآن گوان هانکینگ (متولد حدود 1230 – درگذشته در حدود 1300) بود. یکی از معروف ترین نمایشنامه ها رنجش دو ایدرباره مرگ بی گناه بیوه جوانی که تقصیر دیگری را بر عهده گرفت. عمق عاطفی او بر بهبود مهارت های بازیگری نقش های زن تأثیر گذاشت. این نمایش در کارنامه تئاتر امروز ماندگار شده است.

دوران مینگ (1368-1644) اوج فرهنگ چینی، حداکثر دستاوردهای آن در زمینه تئاتر است. این زمان با تولد و ظهور تئاتر مشخص شده است kunqu. با سرچشمه گرفتن از روستاها، به سرعت به مراکز فرهنگی عمده نقل مکان کرد، جایی که توجه نویسندگان و موسیقیدانان حرفه ای را به خود جلب کرد. یکی از آنها، خواننده و نوازنده، وی لیانفو، ویژگی های مکاتب آوازی شمالی و جنوبی را ترکیب کرد، ترکیب ارکستر را گسترش داد، که به لطف آن ملودی های جدید کونشان و سبک جدیدی از همراهی موسیقی ظاهر شد.

تانگ شیانزو (1550–1616)، نمایشنامه‌نویس و نظریه‌پرداز، اصلاح‌گر هنر نمایشی و نمایشی، مقاله‌نویس و منتقد ادبی، به حق پدیده‌ای برجسته نه تنها در تئاتر، بلکه در فرهنگ به طور کلی آن دوره به حساب می‌آید. او چهار اثر دراماتیک حجیم را تحت عنوان کلی خلق کرد چهار رویا در لینچوان یا چهار رویا از تالار بوته چای زیبا(نکته: لینچوان زادگاه نمایشنامه نویس است؛ «تالار بوته چای زیبا» شعار اتاق مطالعه نمایشنامه نویس است که به طور سنتی خودش آن را انتخاب می کرد). آلاچیق گل صد تومانی- اثر برجسته نمایشنامه نویس. این آهنگ عشق و قدرت مطلق احساس بود. قهرمان آماده مرگ است، اما نه برای زندگی بدون عشق. تانگ شیانزو به عنوان یک نظریه پرداز، احساس را ملاک اصلی بازیگری می دانست.

اوج دراماتورژی kunquبه بهبود بازیگری کمک کرد. این با توسعه سریع نظریه تئاتر تأیید می شود. تا پایان قرن هفدهم. kunquبه اوج محبوبیت خود رسید ، مردم کلان شهر را فتح کرد و در دربار امپراتور مستقر شد. تمرکز بر اشراف kunquمخاطبان انبوه را از دست می دهد. در قرن 18 تئاتر برای نخبگان جای خود را به ملودی های محلی می دهد که به صحنه می آیند جینگشی(درام پایتخت یا اپرای پکن).

یکی از ویژگی های ملودی های جدید یک ریتم واضح بود که منجر به توسعه پرتنش اکشن و فراوانی صحنه های نبرد شد که بر این اساس بازیگران محبوبی را ساخت که بر تکنیک های هنرهای رزمی تسلط داشتند. تئاتر جدید رپرتوار را قرض گرفت kunquبا ایجاد چرخه های نمایشنامه بر اساس رمان های حماسی معروف، آن را گسترش داد: سه پادشاهی, پس‌آب‌های رودخانه, سفر به غرب. پرفورمنس‌ها-سریال‌ها به مد آمدند، که چندین روز متوالی ادامه یافتند و هر بار در جالب‌ترین قسمت از بین می‌رفتند.

از اواسط قرن 19 درام پایتخت به محبوب‌ترین ژانر تئاتری تبدیل شده است که در آن دو جریان با هم ادغام شده‌اند که هنر تئاتر چینی را از دوران باستان تغذیه کرده است: درباری، برازنده، ارائه‌شده. kunquو "گل، مخلوط"، مرتبط با هنر تئاترهای محلی رایج است. انجام داد جینگشییک تئاتر سراسری، محبوب در داخل و مشهور در خارج از کشور. شهرت او از کهکشانی از بازیگران برجسته تشکیل شده است: ژو شین فانگ (1895-1966) - اجرای نقش های مردانه یک نقشه قهرمانانه که در هنر خود تکنیک های نقش های مختلف مرد را با هم ترکیب می کند. Mei Lanfang (1894-1961) - اصلاح طلب و مجری برجسته قهرمانان زن که چندین نقش زن را با هم ترکیب کرد که شهرت جهانی را برای بازیگر چینی به ارمغان آورد. چنگ یانکیو (1904-1958) یک مجری زن بود که یک مکتب اصلی هنر آوازی را ایجاد کرد.

اپرای پکن چهار نقش اصلی دارد: شنگ(قهرمان) احترام(قهرمان) چینگ(شخصیت مرد، به اصطلاح "چهره نقاشی شده" ( Hualien) و غذا خوردن(کمدین). شروع از قرن 16-17. با توسعه درام، جزئیات نقش ها وجود داشت: شنگشروع به تمایز کرد xiaosheng(قهرمان جوان) لاوشنگ(قهرمان قدیمی) اوشن(قهرمان نظامی، فرمانده)؛ نقش زن برجسته لائودان(قهرمانان قدیمی تر) چینگی("زنانی با لباس آبی"، قهرمانان با فضیلت و متواضع)، ضد آنها بود هوادان("دختری با لباس رنگارنگ")، به عنوان یک قاعده، خدمتکار معشوقه. فراوانی صحنه های نبرد باعث محبوبیت این نقش فرعی شد اودان(شمشیربازان زن) و دائومادان(زنان سوار). نقش "چهره های نقاشی شده" یک شخصیت مثبت یا منفی مرد است که می تواند غیرنظامی یا نظامی باشد. چو- یک نقش فرعی کمیک یا "چهره نقاشی شده کوچک"، می تواند شخصیت های نظامی یا غیرنظامی باشد. تا اواسط قرن بیستم. تمام نقش‌های زن توسط مردان اجرا می‌شد، اما گروه‌های زن نیز وجود داشتند که زنان نقش‌های مردانه را اجرا می‌کردند. گروه های مختلط فقط در قرن بیستم ظاهر شدند.

آرایش. به استثنای نقش "چهره های نقاشی شده"، آرایش فقط به عنوان یک ابزار آرایش عمل می کرد. برای نقش های زن، او یک شخصیت اروتیک را پوشید و بر پری لب ها، زیبایی چشم ها تأکید داشت. زیورآلات مو و سر نیز به همین منظور عمل می‌کردند. «ابرهای مو» چیده شده در نان‌هایی که دارای گل میخ‌هایی با سطح ظریف هستند. سنجاق سر در چین نمادی از خود زن در نظر گرفته می شد ، عاشقان سنجاق سر را رد و بدل می کردند.

آرایش Hualienاغلب به عنوان ماسک شناخته می شود، اگرچه ماسک واقعی در تئاتر چین بسیار نادر است. این بازیگر از دوران کودکی به فراگیری هنر گریم پرداخته و به طرز ماهرانه ای در آن تسلط دارد. طرح رنگی تنظیم شده است و معنای نمادین دارد: قرمز - وفاداری و صداقت، سفید - فریب، سیاه - شجاعت، بنفش - خونسردی، آبی و سبز - ظلم و لجاجت. رنگ طلایی و نقره ای - برای گرگینه ها و آسمان ها و غیره. زینت آرایش نیز نمادین است: مونوگرام سبز روی پل بینی به شکل خفاش استایل شده به معنای شجاعت و ظلم قهرمان است. سایه سیاه دور چشم ها که آنها را شبیه چشمان پرنده اسطوره ای ققنوس می کند، گشاد شدن ابروها نشان از آمادگی قهرمان برای استفاده از قدرت کامل دارد.

فضای صحنه و مهارت های بازیگری نمادین بود. مربع صحنه نماد زمین و حرکت بازیگر در طول مسیرهای بیضی شکل نماد آسمان بود. این به اکشن صحنه یک مقیاس کیهانی می دهد و به شخصیت اجازه می دهد آزادانه روی زمین و آسمان حرکت کند. قراردادهای پذیرفته شده توسط تئاتر و قابل درک برای تماشاگر زبان صحنه را فراگیرتر و گویاتر می کند: با انجام یک قدم مشروط، قهرمان به بیرون از خانه می رود. با بالا رفتن از روی میز، خود را بر روی یک تپه می بیند. شلاق را تکان دهید - و همه می دانند که قهرمان بر روی اسب مسابقه می دهد. این دو سعی می‌کنند همدیگر را دست بزنند و روی صحنه روشن از دست بدهند - همه حدس می‌زنند که این اتفاق در تاریکی رخ می‌دهد.

تشریع شخصیت ابزارهای بیانی خاصی را برای نقش تعیین کرد. بیش از بیست راه برای خنده شناخته شده است. هر ژستی توسط بازیگر با حرکات گرد بازتولید می شود که در آن تأثیر مکتب برازنده حدس زده می شود. kunqu. حرکات بازو و دست بسیار متنوع است: دست متفکر، دست منع، دست درمانده و غیره. گزینه های زیادی برای مرحله مرحله وجود دارد: یک گام پرواز برای آسمان ها، "قطعه های گلدار" - یک مرحله برای هوادانو غیره.

بسته به سطح مهارت، تئوری تئاتر بازیگران درخشان و بی نقص را متمایز می کند. miaoالهی ( شن)، زیبا زیبا ( ممکن است، ماهر ( نان).

پس از سال 1949، تئاتر سنتی با هدف مدرن کردن کارنامه و تطبیق آن با وظایف ایدئولوژیک مدرن، دستخوش اصلاحات تئاتری شد. باصطلاح. «انقلاب فرهنگی» که در نیمه دوم دهه 70 کشور را تکان داد، آسیب های جبران ناپذیری به هنر سنتی تئاتر وارد کرد. بازسازی تئاتر سال ها طول کشید. در حال حاضر دیگر تئاتر سنتی در سرزمین مادری آنچنان رواج ندارد.

در آغاز قرن بیستم یک تئاتر دراماتیک وجود دارد که به تجربه تئاتر اروپایی روی آورده است. تاریخ تولد سال 1907 در نظر گرفته می شود، زمانی که دانشجویان چینی مشغول به تحصیل در ژاپن گروه گروه بید بهار را سازماندهی کردند. فقط دو سال طول کشید. در همان سال 1907، گروه "خورشید بهار" ایجاد شد. اجراهایی مانند داستان روح گمشده یک سیگاری تریاک, کلبه عمو تام- نمایشنامه نویسی رمان بیچر استو، بانوی جدید کاملیاها, بهتره برگردی, بانوی دوم چنهمه اجراها ترکیبی التقاطی از سنت ملی تئاتر با سنت اروپایی بودند، اگرچه تلاش هایی برای اجرای نمایش های صرفاً دراماتیک وجود داشت.

در دهه‌های 1920 و 1930، تعداد گروه‌های آماتور افزایش یافت. در پکن، انجمن تئاتر "چین جدید" ایجاد شد که تأثیر مثبتی بر آموزش بازیگران و کارگردانان داشت. در دهه 1940-1950، تئاتر درام قادر به اجرای نمایشنامه های دراماتورژی جهانی - شکسپیر، چخوف، ایبسن، گورکی شد.

پس از «انقلاب فرهنگی»، تئاتر درام به تدریج قدرت خود را بازیافت. نمایشنامه نویسان جوان جدیدی ظاهر شدند و آثاری را در مورد موضوعات موضوعی خلق کردند.

تئاتر ژاپن

فرهنگ ژاپنی فرهنگ راه است (فصل. دائو، ژاپن قبل از) از این رو انواع مختلف هنر با کلمه "راه" مشخص شد. بنابراین راه تئاتر اما - نوگادوکو. پیروی از راه به معنای پیروی از قانون جهانی است و از این نظر تئاتر ژاپنی با تئاتر چین که از آنجا هیروگلیف ها، کلاسیک های کنفوسیوسی و قانون بودایی به ژاپن آمدند، تفاوتی ندارد. اما ژاپن که چیزهای خارجی را به خوبی آموخته بود، آن را از دیدگاه ژاپنی جذب کرد. اینگونه بود که فرمول فرهنگ ژاپن بوجود آمد - " واکن کانسای"("روح ژاپنی - دانش چینی").

در قرن 7-8th در ژاپن بازیگرانی از کره و چین ظاهر شدند که انگیزه ای برای تولد دو شکل تئاتری ایجاد کرد - گیگاکوو بوگاکو.

گیگاکو(هنر بازیگری) - فرم آهنگ و رقص با همراهی موسیقی و بازی صحنه. اجراکنندگان نقاب هایی به تن داشتند که تا به امروز باقی مانده است.

بوگاکو(رقص و موسیقی)، در محتوای آن شکل شبیه است بایسی(صد بازی) تئاتر چینی: رقص های آمیخته با شمشیر جنگی. رقص "بازی با توپ" از بازی محبوب توپ ژاپنی که از چین آمده بود و شرکت کنندگان آن سوار بر اسب بودند، تقلید کرد. رقص اژدها; رقص پرندگان خارق العاده؛ صحنه های رقص با شخصیت های پانتئون خدایان هند اجرا شد.

تولد هیچ تئاتر («تسلط») زمینه خاص خود را دارد. منشا آن را می توان در آیین خورشیدی الهه اوزومه جستجو کرد که به افتخار او اسرار زیر درخت کاج مقدس یک زیارتگاه شینتو در پایتخت باستانی ژاپن، شهر نارا برگزار می شد. این درخت کاج است که در پشت صحنه تئاتر نو به تصویر کشیده شده است.

تاریخچه خود تئاتر از قرن سیزدهم شروع می شود. و در اواسط قرن چهاردهم. به اوج خود می رسد این مصادف با عصر کاماکورا (1192-1333) است که جهان بینی آن تلفیقی از آموزه بودایی، اساطیر شینتو، تائوئیسم چینی و اخلاق کنفوسیوس بود. اعتقاد بر این است که تئاتر نو توسط میم های سرگردان ایجاد شده است. sarugaku-hoshi("اکشن، تئاتر راهبان")، که هنر آن قبلاً در قرن هشتم رایج بود. در قرن یازدهم آن‌ها طرح‌های مسخره‌ای را اجرا می‌کردند که بر اساس بداهه‌پردازی ساخته شده بود و شامل دیالوگ‌های کوتاه کمیک یا مونولوگ بود. با توجه به محبوبیت آنها، صومعه ها حمایت خود را آغاز کردند و از بازیگران دعوت کردند تا در روزهای خدمات جشن اجرا کنند. در قرن دوازدهم این اجراها قبلاً شامل یک نمایش دعای آواز و رقص بود اوکینا (بزرگتر) که بعدا وارد کارنامه شماره 2 شد. در قرن سیزدهم نمایشنامه ساروگوکونام گرفت بدون کیوژن (کیوژن- وسواس در صحبت کردن).

مرحله جدیدی در تاریخ تئاتر ژاپن با کار کانامی کیوتسوگو (1384-1333) بازیگر و نمایشنامه نویس آغاز شد. او یک درام نویسنده تمام عیار و یک اجرای جدید خلق کرد. در هنر بازیگر کانامی بیش از همه توانایی "تقلید" را قرار داده است ( مونومان) که اصل سبک سازی را وارد رقص کرد و آن را به رقص پانتومیم تبدیل کرد و حرکت صحنه را تابع یک ریتم سخت موسیقایی کرد. پس از آن بود که او به اهمیت اصل پی برد یوگن، که توسط بازیگران برای نشان دادن زیبایی منظره استفاده می شد. بعد یوگنتبدیل به یکی از مقوله های اصلی زیبایی شناسی ژاپنی به معنای "زیبایی درونی" شد. او به عنوان یک نمایشنامه‌نویس، برخلاف نمایشنامه‌های روایی و مصور پیشین No. در درام او سوتوبا کماچیتصویر یک قهرمان نیمه دیوانه و وسواس ظاهر می شود که بیانگر درجه شدید رنج انسانی است. از این زمان تاریخ دراماتورژی ملی آغاز می شود. در قرن 19 درام Noh "یوکیوکو" نامیده می شود. درام No در دوران موروماچی (1333-1573) تحت تأثیر گسترش فرقه ذن بودایی رنگ و بویی به خود می گیرد. نمایندگی ولیدر آن زمان نه تنها در بین تماشاگران عادی بسیار محبوب بودند، بلکه توجه شوگان را نیز به خود جلب کردند که گروه No را تحت حمایت خود قرار داد. این امر به توسعه مهارت های بازیگری و سفر بازیگران به استان ها کمک کرد که دایره علاقه مندان آنها را گسترش داد. یکی از بازیگران برجسته آن دوره زعمی بود. او موضوعات دراماتورژی نو را گسترش داد و نمایشنامه ها را به سلیقه طبقه سامورایی سوق داد. زیامی چرخه ای از نمایشنامه ها را درباره جنگجویان افسانه ای از قبیله تایرا و میناموتو، که رهبری قرن دوازدهم را بر عهده داشتند، می سازد. مبارزه خونین برای قدرت

در دوره ادو (1617-1868)، بهترین گروه‌های No به ادو (توکیو) نقل مکان کردند و با احکام خاص مقامات، هنر نو به «تئاتر تشریفاتی» طبقه حاکم تبدیل شد. به این اجرا شخصیت یک عمل جادویی آیینی داده شد. بیشتر به تکنیک بازی توجه شد. تمام عناصر اکشن صحنه - صحنه، لوازم، لباس ها، ماسک ها، حرکات، رقص، لحن ها به شدت تنظیم شده بودند. درام نوه تأثیر زیادی بر تئاتر عروسکی و تئاتر نوظهور کابوکی داشت. تاریخ بعدی درام نو، تاریخ زندگی صحنه ای اوست.

سه تا پنج بازیگر در درام نوح حضور دارند. شخصیت اصلی غربال کردن("بازیگر")، این نام نقش است. شخصیت دوم - واکی("سمت") نیز نقش است، داستان قهرمان خطاب به اوست، به آن علاقه نشان می دهد و ابراز همدردی می کند. تسور(«ماهواره») قهرمان داستان را در فراز و نشیب هایش همراهی می کند. واکی – zure("سمت اسپوتنیک") سرنوشت شخصیت دوم را به اشتراک می گذارد. برخی از درام ها دارای شخصیت هستند کوکاتا("کودک") در نقش کودکان، امپراتورها یا حاکمان نظامی. رسم ایفای نقش امپراتورها توسط یک بازیگر پسر در قرن چهاردهم پایه گذاری شد. در ارتباط با ممنوعیت بازتولید افراد امپراتوری در صحنه. این نمایشنامه دارای پنج حرکت داستانی است ( دانمارکی ها) که هر کدام با ملودی خاصی همراه است. بازیگری تقدیس شده و به کمال رسمی رسیده است. حرکت مرحله ای از 250 حرکت ساده ساده تشکیل شده است کاتاو شامل تکنیک متعارف راه رفتن، حرکات رقص، وضعیت بدنی، بازی با بادبزن، حرکت بازوها، شانه ها و غیره است. تصویر نقش داده می شود، بازیگر باید هر کاری که نقش و نقاب تجویز می کند انجام دهد.

ماسک در تئاتر نو نقش مهمی را ایفا می کند و جذابیت خاصی را در بازی ایجاد می کند که بر اساس بیان و معنویت ژست همراه با سکون صورت است. فقط بازیگر اول با ماسک بازی می کند و گاهی اوقات تسور(اگر زن باشد). ماسک ها چهار دسته هستند: بزرگان، جنگجویان، زنان و شیاطین. هر ماسک می تواند گزینه هایی داشته باشد - نقاب یک زیبایی، یک پری، یک زن محو شده، یک روح ترسناک حسادت. ماسک ها از سرو ساخته شده اند، اندازه کوچکی دارند، کل صورت را با شکاف های باریک برای چشم ها نمی پوشانند، که با ایده آل زیبایی شناختی مطابقت دارد: داشتن سر کوچک با بدنی عظیم زیبا در نظر گرفته می شد. ماسک های زنانه پیشانی بلند داشتند، ابروها در ریشه مو کشیده شده بودند. روی ماسک - یک نیمه لبخند یخ زده در زیر نور خاص، تصور تغییر خلق و خوی را ایجاد کرد، راز خاصی که در "نیمه بیان" صورت ماسک پنهان شده است. آنها با توانایی پوشیدن ماسک، مهارت بازیگر و دستیابی او به "زیبایی درونی" را قضاوت می کنند. یوگن).

صحنه تئاتر نو، صاف تا درخشش آینه ای، از سرو ژاپنی ساخته شده است. سکوی 6ґ 6 به همراه یک سکوی مجاور در یک زاویه حاد به داخل سالن کشیده شده است ( hashigakarki).

رنگ لباس به طور نمادین نشان دهنده حال و هوای شخصیت، موقعیت اجتماعی، سن او است. نجیب ترین رنگ - سفید، قرمز - برای لباس خدایان، افراد نجیب، زیبایی ها. کمربند بافته شده با گل با گلبرگ های قرمز کوچک به زیبایی سابق پیرزن اشاره می کند.

در ژاپن مدرن، تئاتر No توجه مخاطبان نخبه را به خود جلب می کند.

تئاتر کابوکی در سال 1603 ایجاد شد - اولین سال از دوران توکوگاوا، که به دوران فئودالیسم ژاپن پایان داد. رشد شهرها به عنوان مراکز تجاری، ظهور طبقات تجاری جدید، شرایط را برای اشکال جدید در ادبیات، نقاشی و تئاتر ایجاد کرد. بورژوازی نوظهور می خواست در تئاتر بازتابی از سلیقه و آرزوهای خود را ببیند. تولد کابوکی با نام رقصنده اوکونی از زیارتگاه شینتو مرتبط است. گروه او، متشکل از دختران پر جنب و جوش و جذاب، با آهنگ ها، صحنه هایی با محتوای وابسته به عشق شهوانی اجرا می کرد که بلافاصله توجه عموم را به خود جلب کرد. شاید از این رو نام تئاتر: فعل " کابوکو” به معنی ” انحراف ”، ” خارج شدن از حالت عادی ” است. بعداً کورتزان کابوکی به دلیل ترس از گسترش غیراخلاقی توسط مقامات ممنوع شد. برای جایگزینی زنانه کابوکی"جوانان کابوکی" آمدند، که به گسترش فحشا مردان کمک کرد. در سال 1652، مردان جوان با حکم خاصی از اجرای برنامه در کابوکی منع شدند. اقدامات بازدارنده نتوانست جلوی توسعه ژانر محبوب را بگیرد ، اگرچه تنظیم صحنه و زندگی روزمره گروه های تئاتر و بازیگران بسیار سختگیرانه بود.

توسعه کابوکی ارتباط تنگاتنگی با موفقیت تئاتر عروسکی و داستان موزیکال-آهنگ دارد. جوروری. نمایش های عروسکی در اوایل قرن هفتم از چین به ژاپن آورده شد، اما تئاتر عروسکی تنها در قرن شانزدهم توسعه یافت. سپس با کمک افسانه ها شروع به صداگذاری اجراها کردند. جوروری، و طرح ها از رپرتوار تئاتر شماره گرفته شده است. با گذشت زمان، جهت جدید نامیده شد جوروریو از اواخر قرن نوزدهم. نام دوم مورد استفاده قرار گرفت بونراکوزمانی که تئاتر عروسکی اصلی "Bunraku ku-dza" در اوزاکا افتتاح شد. کابوکی ظاهر شد شروع به قرض گرفتن رپرتوار و تقلید از بازیگران عروسکی در بازی خود می کند. در پایان قرن هفدهم تاکموتو گیدایو خواننده و ترانه سرا سبک جدیدی از اجرا خلق کرد جوروری، که در تئاتر عروسکی مدرن حفظ شده است. چیکاماتسو مونزامون (1653–1724) بزرگترین نمایشنامه نویس کابوکی در نظر گرفته می شود. او یکصد و سی نمایشنامه نوشت که بیش از سی نمایشنامه برای بازیگر و کارگردان بت او ساکاتا توجورو (1647-1709) بود. از معروف ترین نمایشنامه ها خودکشی عاشقان در سونزاکیبراساس داستانی واقعی. او همچنین برای تئاتر عروسکی می نوشت، به ویژه پس از آن که گیدایو ریاست آن را بر عهده داشت. تا قرن 18 کابوکی سبک اجرای خود را ایجاد کرد و به اوج پیشرفت خود رسید. گروه‌های کابوکی در دو مرکز عمده گروه‌بندی شدند - ادو (توکیو) و اوزاکا-کیوتو، که اثری بر سبک دراماتورژی و اجرای صحنه‌ای برجای گذاشت: در ادو، کلاس خدمات درام سامورایی را با دوئل و نبرد ترجیح می‌داد و بر این اساس، سبک بازی شکل گرفت آراگوتو("سبک خشن و خشن"). بازرگانان و صنعتگرانی که در اوزاکا-کیوتا زندگی می کردند، عاشق نمایش های احساساتی بودند که سبک عاشقانه زیبایی را شکل می داد. واگوتو("سبک صلح آمیز"). تا اواسط قرن نوزدهم. کابوکی کاملاً صاحب قلب بینندگانش است. پس از انقلاب میجی در ژاپن، نوبت به نوسازی و غرب زدگی رسید. کابوکی به عنوان یک نابهنگام تلقی می شود، بنابراین سعی می کند بر سردی عمومی غلبه کند. تا پایان قرن نوزدهم تئاتر به لطف تلاش برای اصلاح آن موفق می شود عشق تماشاگر را دوباره به دست آورد. بازیگران مشهور ایچیکاوا دونجورای نهم (1838-1903)، اونو کیکوگورو پنجم (1844-1903) سهم بزرگی داشتند. آنها رپرتوار را به روز کردند، سعی کردند عمل را واقعی تر کنند. پس از مرگ آنها، کار ناتمام ماند. در نیمه دوم قرن بیستم کابوکی دوباره مخاطبان انبوه را به دست آورده است، اما این یک مخاطب تحصیل کرده با سلیقه ظریف است.

قانون هنری کابوکی به اندازه تئاتر نو سخت است. بیننده مدرن کابوکی خود را در یک بعد تاریخی متفاوت می بیند. اکشن با صدای پتک های چوبی آغاز می شود. مردی سیاه پوش روی صحنه ظاهر می شود رنگ قهوه ای) - دستیار بازیگر روی صحنه. سکویی از لبه سمت چپ صحنه به داخل سالن کشیده شده است هانامیچی("جاده گل")، جایی که بازیگران مورد علاقه از طرفداران خود هدایا و هدایایی دریافت کردند. بعداً پلت فرم محل اکشن صحنه را گسترش داد. در سال 1758، یک صحنه گردان در تئاتر کابوکی ظاهر شد. در صورت لزوم می توان بخشی از صحنه را بلند کرد.

نقش. نقش های مرد: تاتیاکو- یک قهرمان نجیب که به سه نوع تقسیم می شود: itugoto- حکیم آراگوتو- جنگجو واگوتو- قهرمان عاشق؛ شرورها کاتاکیاکوبه "شرورهای واقعی" ( جیتسواکو، اشراف شرور ( kugeaku، اغواگران موذی ( iroacu). شخصیت های کمیک از دو نوع: مثبت ( دوکاکاتا) و منفی ( دوکاتکی خان). معروف ترین نقش زن ( اونناگاتا). این نقش ها را مردان بازی می کنند. سلسله های کاملی از شخصیت های زن معروف مانند ناکامورا اوتایمون و اونو بایکو وجود داشتند. نقش ها اونناگاتابه نقش های زنانه تقسیم می شود. دختران از یک خانواده اصیل؛ همسران نجیب؛ تسلط زنان بر هنر شمشیر زدن؛ زنان مضر

آرایش (کومادوری) مخصوص هر نقش است. آرایش مردانه شامل اعمال خطوط رنگی روی صورت است که هر یک معنای نمادین دارد: قرمز نشان دهنده شجاعت، مهربانی و شور طبیعت است، آبی نشان دهنده بدخواهی و بزدلی است. اونناگاتاصورت و دست ها را سفید کنید و سپس از لوازم آرایشی استفاده کنید و شدت رنگ آن را زیاد کنید.

تکنیک های مرحله مانند No نامیده می شوند کاتا. آنها به شدت ثابت هستند و از دوران کودکی در آنها آموزش دیده اند. ترفندهای نبرد و آکروباتیک مخصوصاً دیدنی هستند، به عنوان مثال، یک سالتو در یک پرش یا کشیدن فوری لباس، که زیر آن لباس دیگری پیدا می شود. جلوه زیبایی شناختی خاصی با وضعیت بدن به دست می آید مای، یعنی وضعیت ثابت در اوج عمل. گاهی مایچند رقمی هستند و باعث خوشحالی مخاطب می شوند.

بازیگری در بیشتر موارد خارج از سخنرانی صحنه ای دروغ می گوید. ماهیت آن در حرکت صحنه ای است که در آن بازیگر از اصل تصویری پیروی می کند، به عبارت دیگر، این یا آن ژست. مایباید شبیه یک نقاشی شناخته شده باشد. هنرهای نمایشی کابوکی، مانند مهارت های بازیگری اش، برای رسیدن به یک هدف واحد است که چیکاماتسو بزرگ آن را به عنوان میل به "در آستانه حقیقت و تخیل" فرموله کرد.

در آغاز قرن بیستم در تئاتر ژاپن، گرایش های جدیدی با تأثیر تئاتر دراماتیک غربی متولد می شوند. یک ژانر التقاطی زودتر از سایرین ظهور کرد شینگکی("تئاتر مدرسه جدید") که تکنیک های کابوکی را با عناصر درام غربی ترکیب می کرد. شخصیت مشهور تئاتر کاواکامی اوتوجیرو (1846-1911) خالق این سبک شد. در سال 1900، کاواکامی با گروه کوچکی به اروپا سفر کرد و از روسیه نیز دیدن کرد. این اتفاق افتاد که ظاهرا کابوکی زودتر از کابوکی واقعی به اروپا آمد. اما اولین بازیگر زن، همسر کاواکامی، سادا یاکو، تأثیر زیادی بر افکار عمومی اروپا گذاشت. استانیسلاوسکی، میرهولد جوان، از بازی او استقبال کرد.

گروه «گکیدان سیمپا» («تئاتر سیمپا جدید») در همین راستا کار کرد. تکنیک های کابوکی، به عنوان مثال، مایدر کنار سبک بازی اروپایی. یک نمایشنامه معروف درام کاواگوچی ماتسوتارو (1899-1985) بود. زن میجیبر اساس یک داستان جنایی واقعی در سال 1911 "انجمن ادبی و هنری" اولین "نمایش غربی" را به روی صحنه برد. هملت.بعدها، کلاسیک های درام غربی بر روی صحنه سلطنت کردند: ایبسن، چخوف، استریندبرگ، گورکی. در دهه 1950، نمایشنامه هایی از میشیما یوکیو (1925-1970) با عنوان کلی در برادوی روی صحنه رفت. تئاتر مدرن نو، که برداشتی از داستان های کلاسیک بودند.

با شروع در دهه 1960، گروه های تئاتری به وجود آمدند که حول یک نمایشنامه نویس جمع شده بودند. نام آبه کوبو تقریباً نمادین شده است. آثار او برای مخاطبان مجلسی طراحی شده است، اما بازی او ارواح در میان مابه سالن های بزرگ تئاتر رفت.

بیش از 40 گروه در دهه 1970 و 1980 در ژاپن کار کردند شینگکی

سوتلانا سرووا

ادبیات:

کنراد N.I. تئاتر شماره. - در: درباره تئاتر، L.، 1926
کنراد N.I. تئاتر ژاپنی. M. - L. 1928
ژو ییبای. ژونگگو شیکو چانگبیان. پکن، 1960
بالوانت گرگی. تئاتر و رقص هند. م.، 1963
Babkina M.P.، Potabenko S.I. تئاتر مردمی هند. م.، 1964
تئاتر و درام در ژاپن". - در شنبه: م.، 1965
آلکسیف V.M. نقاشی عامیانه چینی. م.، 1966
م. گونجی. تئاتر کابوکی ژاپن. م.، 1969
سرووا اس.ا. درام موزیکال پکن. م.، 1970
Gaida I.V. تئاتر سنتی چینی Xiqu. م.، 1971
علیخانوا یو.م. تئاتر هند باستان. - در کتاب: فرهنگ هند باستان، 1975م
سرووا اس.ا. "آینه روح روشن" اثر هوانگ فانچو و زیبایی شناسی تئاتر کلاسیک چینی.م.، 1979
یوکیوکو - درام کلاسیک ژاپنی. م.، 1979
آنارینا N.G. تئاتر Noh ژاپنی. م.، 1984
علیخانوا یو.م. درباره تاریخچه مفهوم "نژاد" هند باستان. - در کتاب: آیین باستانی فولکلور و آثار ادبی اولیه. م.، 1987
گرینتسر P.A. مقوله های اصلی شعر کلاسیک هند. م.، 1987
سرووا اس.ا. تئاتر چین و جامعه سنتی چین (قرن 16-17).م.، 1990
تئاتر ژاپنی. SPb.، 2000



نقاشی، موسیقی، تئاتر هند.

فرهنگ هنر جهانی، کلاس 10.

• ویژگی منحصر به فرد هنر هند چیست؟

هنر نقاشی

قوانین عمومی برای هنرمندان:

• مقیاس و نسبت اشیاء دنیای بیرون را مشاهده کنید،
• در به تصویر کشیدن تجربیات و عواطف روانشناختی به بیانی دست یابد،
• زیبایی و لطافت طبیعت اطراف را منتقل می کند.
• اصلی – احساسات والا و بهترین ویژگی های شخصیت را در انسان القا کنید.

نقاشی های دیواری در 29 معبد غار آجانتا - چشم انداز زندگی در هند.

نقاشی های دیواری در معابد غار آجانتا

• جایگاه اصلی در نقاشی ها را قسمت هایی از زندگی بودا و جایتاکا اشغال کرده اند، داستان هایی از زندگی قبلی بودا.
• شاهزاده ها، سفرهای تشریفاتی با فیل ها، پذیرایی از سفیران، پیاده روی را می بینیم. زندگی مردم عادی نیز در اینجا تسخیر شده است: دهقانان، گدایان، زاهدان.
• زندگی روشن، رنگارنگ، پر سر و صدا، در میان پوشش گیاهی سرسبز، احاطه شده توسط حیوانات عجیب و غریب، خدایان، رقصندگان آسمانی و نوازندگان، سرشار از شادی و لذت وجودی است.

مرد جوانی با گل نیلوفر آبی

بوتیساتوا - خدای برتر

جایتاکی -داستان هایی از تناسخ قبلی بودا

کتاب مینیاتور هند

حماسه های هندی - "Mahabharata" و "Ramayana"

ویژگی های مینیاتوری کتاب:

• داستان سرایی دقیق
• ترکیب چند شکلی
• پس زمینه - منظره تزئینی مشروط

آثار مینیاتوریست های هندی متمایز است

• غنای سایه ها
• وضوح ترسیم،
• ظرافت هنری

طعم و مزه

• «کسی که نه موسیقی، نه ادبیات و نه هنر دیگری بلد باشد، حیوان است، حتی اگر دم و شاخ نداشته باشد».
• قدمت موسیقی کلاسیک به 1500 سال قبل از میلاد برمی گردد.
• از سرودهای "روگندا" آهنگ هایی در مورد تغییر فصل وجود داشت.

• موسیقی هندی بر اساس راگا(شور، رنگ، محبت)
• راگا یک ایده ملودیک با لحن (حال و هوا) مناسب است.
• راگا (چرخه روزانه) با زمان خاصی از روز مرتبط است و برای برانگیختن حالت یا احساس مشترک برای انسان و طبیعت طراحی شده است.

• ساز اصلی صدای انسان است.
• احساس گناه(ابزار موسیقی) - ملکه سازها، یادآور صدای انسان در صدای آن.

موسیقی هند

صفحات فلزی

• طبل ها

• تبلا

• هنر تئاتر هند چندین هزار سال پیش پدید آمد. مجسمه برنزی یک دختر رقصنده که در حفاری در شهر موهنجو دارو پیدا شد، مربوط به هزاره سوم قبل از میلاد است. ه. این رقص آیینی بود که به هسته ای تبدیل شد که تئاتر کلاسیک هند حول آن شکل گرفت.

• سنت هندی شروع تئاتر را با نام بهاراتای افسانه ای مرتبط می کند که مستقیماً از خدای برهما الهام گرفته شده است: به درخواست خدایان، برهما تصمیم گرفت پنجمین ودا را ایجاد کند که برای همه طبقات در دسترس باشد. با ترکیب کلمه، حالت، عمل و احساس، که به ترتیب از ریگودا، سامودا، یاجورودا و آتاروودا گرفته شده است، برهما این ودای رقص و درام را در ناتیاشاسترا از طریق بهاراتا خلق و ضبط کرد.

ودا (بهارات)

زیبایی شناسی

• بازگو کردن

هدف بالاتر: دستیابی نژاد-یعنی لذت زیبایی شناختی

• وظایف اصلی : آموزش و سرگرمی.

• مناسبت ها: اعیاد مذهبی، جشن های دربار، تولدها، پیروزی ها و غیره.
• توطئه ها: سنت ها و افسانه های عامیانه، اعمال قهرمانی، عشق.
• گروه: بازیگر اصلی، خواننده، نوازنده، رقصنده.
• نقش: پهلوانان و قهرمانان، وزیران و شوخی ها.

• بازیگران با از دست دادن حمایت دولت، به داستان نویس، آکروبات، شعبده باز و خواننده تبدیل شدند. تئاترهای عروسکی ظاهر شدند: سایه، خیمه شب بازی، عصا، عروسک های پارچه ای.

• ویژگی بارز اجرای هندی وحدت موسیقی، آواز و رقص است.

• رقص از سانسکریت (قدیمی ترین زبان ادبی هند) - "تندی"، "تانداوا" -به معنای " ضرب و شتم، کف زدن.از این رو آلمانی "برنزه"،"انگلیسی رقصیدنو روسی "رقص".

• رقص از خدا زاده شد شیوا - پادشاه کیهانی رقص ها.
• ارتباط بین خدا و مردم از طریق رقص انجام شد.
• در طول ساخت معبد اتاق هایی برای رقص در نظر گرفته شد.
• در میان نقاشی های معابد تصاویری وجود دارد آپسارا - رقصنده های بهشتی .

سیستم کلاسیک رقصیدن (رساله "ناتیاشاسترا")

• قوانین:انواع خاصی از راه رفتن، ژست ها، حالت ها و حالات چهره.
• انتقال احساسات: شادی، خشم، انزجار، ترس، غم، شجاعت،

شفقت، شگفتی و آرامش.

• رقص زبان اشاره عاقل :37 وضعیت دست ها، 13-سر، 9-گردن، 10-بدن، 36-چشم.

ماهیت ترکیبی رقص (موسیقی، شعر، هنر نمایشی، پانتونیم)

• موضوعات: انتقال وضعیت طبیعت، عواطف، مذهبی و سکولار.
• آیین (معبد ) با کهنه سرباز .

• این جمله که هنر تئاتر هند ترکیبی از ادبیات، موسیقی، حالات چهره و رقص است چقدر درست است؟
• ویژگی های توسعه هنر موسیقی و رقص در هند چیست؟

موسیقی.

موسیقی کلاسیک هند (یعنی ما در مورد آن صحبت خواهیم کرد) همیشه نقش مهمی در زندگی جامعه ایفا کرده است: آرامش را در شلوغی زندگی روزمره به ارمغان آورد، شعر را به آیین های مذهبی و فرآیندهای کار بخشید. علم موسیقی را بر انسان بزرگوار واجب می دانستند. یک ضرب المثل هندی باستان می گوید: کسی که نه موسیقی می داند، نه ادبیات و نه هنر دیگری، فقط حیوان است، حتی اگر دم و شاخ نداشته باشد.

موسیقی هند که از کتب مقدس وداها سرچشمه می گیرد، ارتباط نزدیکی با اعتقادات مذهبی داشت و به عنوان وسیله ای جهانی برای شناخت خدا تلقی می شد. نام ودا را به خاطر بسپارید که شامل شعارهایی است). تجربه عاطفی و لذت زیبایی شناختی خاصی به فرد می بخشید.

فرهنگ موسیقی هند بر اساس ریتم (تالا)و ملودی (راگا). راگا، همانطور که بود، ملودی کلی اصلی است که حال و هوای اصلی ترکیب را منتقل می کند. اصولاً محدود هستند. نوازنده راگای خود را اختراع نمی کند، بلکه راگای از قبل موجود را می گیرد و به طور خاص مهارت او در این است که می تواند در موضوع این راگا بداهه نوازی کند. اگر خورش ها خوانده می شوند، اغلب فقط نت می خوانند. مهم است بدانید که موضوعات راگا مربوط به زمان خاصی از روز یا سال است، یعنی. هر خورش را باید در زمان مطلوب خود گوش داد، آنگاه اثر مناسبی ایجاد می کند. اجرای راگا هنر بزرگی است. یک قطعه موسیقی هرگز از قبل تمرین نمی شود، اجرای آن تابع قوانین سختگیرانه ای نیست. این بیشتر یک هنر بداهه است.

از زمان های قدیم، فلسفه هند به صدای موسیقی قدرت ایجاد و حفظ هارمونی در جهان را نسبت داده است. به طور کلی پذیرفته شده است که صدای یک آلت موسیقی اگر نزدیک به آواز انسان باشد، عالی است. ساز اصلی موسیقی هندی است صدای انسان، همیشه به آن اهمیت زیادی داده شده است. بیشتر سازهای زهی و بادی کیفیت یا ویژگی های خاصی از صدای انسان را تکرار می کنند.

سازهای اصلی موسیقی کلاسیک هند اول از همه عبارتند از: گناه، ملکه آلات موسیقی (اعتقاد بر این است که الهه خرد و هنر ساراسواتی به شراب صدای انسان آواز می دهد). نیز به طور گسترده استفاده می شود سیتار، آلات موسیقی کنده شده، قرص هاطبل هندی تکرار نشدنی دهلیز، برای ایجاد همراهی پس زمینه هنگام بازی راگا استفاده می شود، و به اندازه کافی عجیب، ویولن (خب، در اینجا، البته، شما باید همه آن را گوش کنید، vidyuhu را ببینید).

رقص.

رقص هندیبیش از 5000 سال قدمت دارد و همیشه یک شکل هنری نسبتاً توسعه یافته بوده است. خالق و حامی هنر رقص در هندشمارش می کند شیوا، او را حتی خدای رقص هم می نامند (چون در رقص است که تمام جهان را می آفریند). قبل از ورود اسلام به هند، این رقص در معابد، به عنوان دعا، به عنوان پیشکش ویژه خدایان اجرا می شد. این توسط دخترانی انجام می شد که دائماً در معابد زندگی می کردند. با ظهور مسلمانان، رقص هندی وسیله ای برای سرگرمی اشراف شد.

که در هند 2 نوع رقص وجود دارد: عامیانه و کلاسیک. آنها در آن تفاوت دارند رقص کلاسیکاز تمام قوانین مندرج در رساله تئاتر (ناتیاشاسترا) پیروی می کند.

رقص کلاسیک هندیاز نظر پیچیدگی از یوگا پیشی می گیرد. تناوب حرکات سریع و مراحل استراحت کامل رقص را به یک تمرین چند سطحی برای کل بدن تبدیل می کند. در فرآیند تسلط بر رقص، ویژگی هایی مانند انعطاف پذیری و استقامت، تمرکز بالای توجه و هنرمندی ایجاد می شود.

در رقص، قوانینی برای وضعیت پاها وجود دارد. به رقصندگان پرش های مختلف نیز آموزش داده می شود. قوانینی وجود دارد که زبان دست ها را مشخص می کند. به موقعیت خاص دست ها می گویند - مودرا. 24 حرکت تک دست، 13 حرکت دوتایی دست، 10 حرکت کل بازو، 5 حرکت قفسه سینه و 5 حرکت برای تنه، شکم و باسن وجود دارد. انواع حرکت ابرو و همچنین 36 نوع نگاه وجود دارد. هر رقص با حرکاتی شروع می شود که به خدا سلام می کند. در مجموع، 7 نوع رقص کلاسیک هندی وجود دارد، اما ما آنها را لیست نمی کنیم. ویدیو

رقص هندیفراتر از یک رقص است همیشه وسیله ارتباط مردم با یکدیگر و با خدا بوده و هست. هر حرکت بدن، چشم معنای معنایی خود را دارد. زبان رقص کلاسیک هندی بسیار غنی تر و گویاتر از گفتار معمولی است.

برای چندین هزار سال از وجودش، رقص هندیهیچ جذابیت و جذابیت خود را از دست نداده است و همچنان ذهن بسیاری از افراد را با کمال خود شگفت زده می کند.

تئاتر.

و در نهایت، تئاتر. ویژگی بارز اجرای هندی دقیقاً وحدت موسیقی، آواز و رقص است. نوازندگان در اجرای تئاتر بسیار قابل مشاهده و فعال هستند. معمولاً نوازندگان از روی نت نمی نوازند، بلکه درست روی صحنه بداهه می پردازند. اجرا اغلب رقص را باز می کند و به عنوان نوعی مقدمه برای عمل عمل می کند. آن ها تئاتر ترکیبی از همه چیزهایی است که قبلاً در مورد آن صحبت کرده ایم.

اما بیایید دریابیم که چگونه تئاتر در فرهنگ هند ظاهر شد. هنر تئاتر هند به دوران باستان باز می گردد. اسطوره پیدایش تئاتر در فصل اول شرح داده شده است. ناتیاشاسترا"- یک دایره المعارف واقعی از هنر تئاتر و رقص.

طبق افسانه، خدای جنگ، ایندرا، از خالق برهما خواست تا سرگرمی هایی را ارائه دهد که برای همه مردم جذاب باشد: راهبان و جنگجویان، بازرگانان و دهقانان. برهما در حالت مراقبه عمیق فرو رفت و همزمان از چهار ودا، تلاوت، آواز و ملودی استخراج کرد. برهما اسرار هنر حکیم را آموخت بهاراتو( گمان می رود که او نویسنده ناتیاشاسترا بوده است ) و به همراه صد پسر و وارث خود به او دستور داد تا از هنر بر روی زمین محافظت کند. بهاراتا شروع به یادگیری اولین قطعه کرد که به پیروزی خدایان بر شیاطین اختصاص داشت. شیاطین این نقشه را دوست نداشتند. آنها که خود را عمیقاً آزرده می دانستند، با کمک دسیسه های متعدد شروع به برهم زدن تمرینات بازیگران کردند. سپس حکیم بهاراتا به معمار بهشتی دستور داد تا فضای تئاتری را طراحی کند که بتواند از طریق تشریفات تخصیص داده شود و بدین ترتیب از بازیگران در برابر آزار و اذیت شیاطین محافظت کند. برهما مشکل را حل کرد و وظایف اصلی اجرای تئاتر را تدوین کرد: تدریس و سرگرمی

از Natyashastra می آموزیم که گروه های تئاتر باستان رهبر خود را داشتند که بازیگر اصلی بود و گروهی از خوانندگان، رقصندگان، دستیاران نوازنده و نمایشنامه نویسان را رهبری می کرد. گروه به وضوح تحت سلطه مردان بود، زنان نیز گاهی به عنوان خواننده یا رقصنده شرکت می کردند. بازیگری که روی صحنه اجرا می‌کرد هنر پلاستیسیته، صدا، لباس، گریم و بیان را با هم ترکیب می‌کرد. بازیگران مجبور بودند زیاد تمرین کنند، رژیم غذایی خاصی را دنبال کنند، تمرینات روزانه را برای تقویت عضلات، افزایش انعطاف پذیری و استقامت انجام دهند. طرح‌های مورد علاقه نمایشنامه‌نویسان هندی، داستان‌ها و افسانه‌های عامیانه است (باید گفت که نمایشنامه‌نویسان هندی تقریباً هرگز خود طرح‌ها را اختراع نکرده‌اند، آنها طرح‌های معروف را از حماسه یا اسطوره‌ها گرفته و آن‌ها را بازسازی کرده‌اند)، کارهای قهرمانانه و البته عشق. مانند سایر ژانرهای ادبی در هند، قوانین نمایشی پایان تراژیک را رد می کرد. صحنه های پرتنش و دلخراش کم نداشتند، اما پایان آن قطعاً شاد بود. از دیدگاه اروپایی، این تقاضا اغلب به دسیسه های غیرقابل قبول و اجباری منجر می شود. البته توجه داشته باشید که سرخپوستان دوران باستان، با رد تراژدی، ملودرام را ترجیح می دادند.

تئاتر هندی بر چه اساس است؟

لازم به یادآوری است که بالاترین هدف اجرای تئاتر دستیابی بود نژاد (در سانسکریت به معنای "طعم" است ) ، یعنی حسی که باید در اثر بازی ماهرانه بازیگران در بیننده ایجاد شود. Natyashastra می گوید که فقط 8 نژاد وجود دارد: عاشقانه, کمیک, غم انگیز, خشمگین, قهرمانانه, عالی, چندش آورو جادویی . آنها با 8 احساس اساسی (عشق، کمدی، تراژدی، خشم، قهرمانی، ترس، انزجار، حیرت) مطابقت دارند که در زرادخانه بازیگران قرار داشتند. اساساً بازی آنها بر روی آنها ساخته شد. آن ها نژاد یک احساس ناب است، واکنش تماشاگر به عملکرد بازیگران. Natyashastra این را با غذا خوردن مقایسه می کند: وقتی افراد باهوش می خواهند طعم های مختلف را بشناسند، غذای تهیه شده با سس های مختلف می خورند و لذت و لذت را از این کار تجربه می کنند. در مورد تئاتر هم همینطور است.».

دانشمندان ظهور هنر نمایشی را به اواسط هزاره اول قبل از میلاد نسبت می دهند. اولین نمایشنامه هایی که به ما رسیده است به زبان کلاسیک هند، سانسکریت نوشته شده است. اوج شکوفایی تئاتر کلاسیک هند به قرن 1-9 می رسد، زمانی که آثار معروف درام سانسکریت خلق شد. معروف ترین نمایشنامه نویس هندی کالیداسا است (در سراسر جهان شناخته شده است، نمایشنامه های او هنوز روی صحنه می روند)، اعتقاد بر این است که نمایشنامه های او نمونه ای از شعر سانسکریت است. معروف‌ترین و محبوب‌ترین نمایشنامه در میان اروپایی‌ها، اوج واقعی ادبیات هند، درام کلاسیک «شاکونتالا» (تقریباً قرن پنجم) است.

در دوره بین قرن 10 و 15، در ارتباط با استقرار اسلام به عنوان دین اصلی، تئاتر حمایت سلطنتی و حمایت دولتی را از دست داد. برای زنده ماندن، بازیگران به قصه گو، آکروبات، شعبده باز و خواننده تبدیل شدند.

در قرن هفدهم، یک تئاتر در جنوب هند توسعه یافت. کاتاکالیکه یک درام رقص پانتومیم درباره عشق و نفرت، خدایان و شیاطین شیطانی است. نمایش های چنین تئاتری معمولاً تحت پوشش شب در حیاط معبد اجرا می شد. از تاریکی بازیگرانی با گریم روشن بر روی صورت خود بیرون آمدند. مهارت تبدیل بازیگران به حیوانات، گل ها، پرندگان و غیره بسیار چشمگیر بود.