هنر گرافیک معاصر. گرافیک در گالری هنری JAG. دنیای نزدیک‌بین فیلیپ بارلو

در زیر هنرمندانی را معرفی خواهیم کرد که به دلیل توانایی آنها در طراحی با مداد تخته سنگی معمولی در سراسر جهان مشهور هستند. هر کدام از آنها سبک، شخصیت و همچنین تم های مورد علاقه خود را برای خلاقیت دارند. علاوه بر این، نام هر نویسنده همچنین پیوندی به گالری آنلاین شخصی هنرمند است، که در آن می توانید نقاشی های مداد و بیوگرافی هر یک از آنها را با جزئیات بیشتری مطالعه کنید.
با نگاهی به تصاویر، ویژگی های جالبی را در نقاشی های همه مشاهده خواهید کرد. برخی از آنها با خطوط نرم، انتقال صاف نور و سایه و اشکال ساده متمایز می شوند. برخی دیگر برعکس از خطوط سخت و ضربات واضح در خلاقیت خود استفاده می کنند که جلوه ای دراماتیک ایجاد می کند.
قبلا در وب سایت خود تصاویری از استادان را منتشر کرده بودیم. در اینجا لیستی از مقالاتی وجود دارد که می توانید نقاشی های به همان اندازه جذاب با مداد را ببینید.

• آلبومی از تصاویر باورنکردنی از ماتیاس آدولفسون.

جی دی هیلبری

توانایی های طبیعی و میل شدید برای جلب توجه به کارهایش در کودکی در JD Hillberry ظاهر شد. میل و استعداد استاد را به یکی از بهترین هنرمندان طراحی مداد در جهان تبدیل کرد. در حالی که هنوز در وایومینگ تحصیل می کرد، شروع به توسعه تکنیک خود کرد و زغال چوب و گرافیت را با هم مخلوط کرد تا به جلوه ای واقع گرایانه در نقاشی های خود دست یابد. JD از نور تک رنگ برای جلب توجه بیننده از طریق بازی نور و سایه و بافت استفاده می کند. او در طول زندگی حرفه ای خود سعی کرد از واقع گرایی و بیان فراتر رود. پس از نقل مکان به کلرادو در سال 1989، هیلبری شروع به آزمایش نقاشی های ترومپ لویل کرد. به طور سنتی، این نوع کار در روغن انجام می شود، اما او با موفقیت واقع گرایی طرح را با استفاده از مداد منتقل کرد. بیننده با دیدن چنین تصاویری فریب خورده و گمان می کند که شی در یک قاب یا در پنجره است، هرچند در واقع همه این عناصر ترسیم شده اند. جی دی هیلبری که از استودیوی خود در وست مینستر، کلرادو کار می کند، همچنان با طراحی های خود درک عمومی را گسترش می دهد.

برایان دوی

برایان یکی از شگفت انگیزترین هنرمندان مداد است که به زیبایی با مداد کار می کند تا آثار هنری الهام بخش خلق کند. او در مورد کار و خودش می گوید:
"اسم من برایان دوی است. من در گراند راپیدز، میشیگان به دنیا آمدم و بزرگ شدم. در یک روستای کوچک به نام گرانویل به مدرسه دولتی رفتم، جایی که برای اولین بار با هنر آشنا شدم. هرگز به جدیت سرگرمی ام فکر نکردم، اما کشف کردم. در 20 سالگی جذابیت زیادی برای طراحی مداد داشتم. در خانه تنها نشسته بودم و از خستگی تصمیم گرفتم یک مداد بردارم و شروع به طراحی کنم. بلافاصله عاشق طراحی شدم و می خواستم همیشه این کار را انجام دهم. با هر نقاشی بهتر و بهتر شدم. در حین کار تکنیک و ترفندهای اصلی خود را توسعه دادم. سعی می کنم نقاشی های واقع گرایانه ایجاد کنم و ایده های مفهومی خود را اضافه کنم. اغلب از من می پرسند که چه چیزی به من الهام می دهد و کجا نقاشی را یاد گرفتم. می توانم به صراحت بگویم که من خود آموخته هستم.
تصاویر من در کتاب و کارت تبریک، روی جلد سی دی و در مجلات مختلف چاپ شده است. من از سال 2005 کار تجاری انجام می دهم و در این مدت مشتری هایی در سراسر جهان به دست آورده ام. بیشتر سفارشات من از ایالات متحده، بریتانیا و کانادا می باشد، اما با مشتریانی از ایرلند نیز کار می کنم. نقاشی های من در گالری های سراسر ایالات متحده به نمایش درآمده است. در سال 2007، از من خواسته شد که پرتره ای از بریتنی اسپیرز را که در یک گالری هنری در هالیوود، کالیفرنیا گنجانده شده بود، بکشم. این رویداد در MTV پوشش داده شد و من شهرت جهانی کسب کردم. قرار نیست به همین جا بسنده کنم و به کارم ادامه دهم. من ایده ها و برنامه های جدیدی دارم. یکی از اهداف من برای آینده انتشار آموزش نقاشی است.

تی اس آبه

اگرچه بسیاری از آثار آبه را پیدا نکردیم، اما از تصویرسازی های او مشخص است که او هنرمندی درجه یک است. هنرمند با مداد عالی است و با مهارت ایده های پیچیده را با استفاده از تکنیک های خود به تصویر می کشد. نقاشی های آبه هماهنگ و متعادل، پیچیده و در عین حال ساده برای درک هستند. او یکی از با استعدادترین هنرمندان طراحی مداد در زمان ما است.

سزار دل واله

این هنرمند از تکنیک منحصر به فرد طراحی مداد در آثار خود استفاده می کند. تصاویر سزار نه تنها استعداد او را نشان می دهد، بلکه درک ظریف نویسنده از محیط را نیز منعکس می کند.

هنریک

آثار هنریک در گالری هنر منحرف نمایش داده می شود. نقاشی های او نمونه جالبی از هنر مداد است. استاد به طور معجزه آسایی از رنگ های سیاه و سفید برای انتقال تصاویر اصلی و ایده های غیر معمول استفاده می کند.

گرافیک قدیمی ترین شکل هنرهای زیبا است. اولین آثار گرافیکی به عنوان نقاشی های غاری از انسان بدوی محسوب می شوند و نشان دهنده دیدگاه وی از دنیای اطراف خود است. کتابهای پاپیروس مصریان باستان حاوی نمادهای گرافیکی (سلسله مراتب) و تصاویر بودند. از زمان های قدیم ، نمونه های زیبایی از گرافیک ها به شکل نقاشی روی گلدان ها و کشتی های سرامیکی به ما رسیده است.

برای مدت طولانی ، فقط نوشتن و خوشنویسی به عنوان گرافیک طبقه بندی می شدند. در قرون وسطی، گرافیک کتاب رواج یافت: کتاب‌های دست‌نویس با نقاشی‌ها و مینیاتورهای باشکوه تزئین می‌شدند و خلق فونت‌ها به یک حوزه هنری متمایز تبدیل شد.

هنرمندان برجسته گرافیک و آثار معروف آنها

بزرگترین استاد رنسانس اروپای غربی ، آلبرشت دورر ، یکی از بنیانگذاران حکاکی است. مشهورترین آثار او در مورد مس عبارتند از: شوالیه، مرگ و شیطان (1513)، "St. جروم در سلولش» و «مالیخولیا» (1514).

لئوناردو داوینچی، هنرمند و دانشمند بزرگ ایتالیایی دوره رنسانس، نقشه‌کشی بی‌نظیر بود. میراث عظیم گرافیکی او شامل: طراحی های آماده سازی برای نقاشی، تصاویر حیوانات و گیاهان، تصاویر برای پیشرفت های فنی، طراحی برای رساله ها.

تکنیک ها و انواع گرافیک

اساس همه هنرهای گرافیکی طراحی است. به طور معمول، یک تصویر گرافیکی بر روی یک ورق کاغذ ساخته می شود که نقش فضا را بازی می کند. یک هنرمند برای خلق آثار خود می تواند از زرادخانه کاملی از ابزار استفاده کند: مداد، خودکار، زغال چوب، جوهر، جوهر، سانگوئین (مدادهای قرمز قهوه ای ساخته شده از کائولن و اکسید آهن)، گچ رنگی، سس (نوعی پاستل) ، آبرنگ، گواش.

ابزار اصلی طراحی اروپایی در عصر گوتیک متاخر و رنسانس قلم بود. در پایان قرن هفدهم، از مدادهای گرافیتی برای ایجاد نقشه ها، طراحی ها و طرح ها استفاده شد. بوم عملا در گرافیک استفاده نمی شود، زیرا آبرنگ و گواش به خوبی روی آن قرار نمی گیرند. رنگ در تصاویر گرافیکی بسیار کمتر از نقاشی ها استفاده می شود. ابزار بصری اصلی گرافیک عبارتند از: خط، نقطه، کیاروسکورو، سکته مغزی و نقطه.

گرافیک همان ژانرهای متنوعی را دارد که نقاشی. اما در اینجا ژانرهای پرتره و منظره بیشتر متداول هستند و تا حدودی طبیعت بی جان، تاریخی، زندگی روزمره و غیره. گرافیک ها به طور سنتی به یادگاری (پوستر، گرافیک دیواری)، سه پایه (نقاشی و چاپ)، گرافیک کتاب (تصاویر، کارت پستال)، و همچنین گرافیک کامپیوتری تقسیم می شوند، که با این حال، به دلیل عدم استفاده از مواد سنتی از هم جدا می مانند.

هنر گرافیک با طیف گسترده ای از تکنیک ها متمایز می شود که هنرمند به شکل خالص یا در ترکیب های مختلف از آن استفاده می کند. با توجه به تکنیک گرافیک، دو نوع وجود دارد: گرافیک ترسیمی و گرافیک چاپی (printmaking). نقاشی فقط در یک نسخه ایجاد می شود. در دوران باستان، هنرمندان از پاپیروس و پوست استفاده می کردند و از قرن چهاردهم میلادی شروع به طراحی روی کاغذ کردند.

برعکس، گرافیک چاپی در نسخه های زیادی وجود دارد. برای تکرار، از یک حکاکی استفاده می شود - یک نقاشی روی یک ماده جامد، که با رنگ پوشانده شده و سپس روی یک ورق کاغذ چاپ می شود. بسته به جنس، انواع و تکنیک های حکاکی وجود دارد: حکاکی روی چوب (حکاکی روی چوب)، لینوکات (طراحی حک شده روی مشمع کف اتاق)، اچینگ (حکاکی روی فلز)، لیتوگرافی (حکاکی روی سنگ). با ظهور حکاکی، کتاب چاپی پدید آمد و گرافیک کتاب شروع به توسعه کرد. امروزه توسعه گرافیک متوقف نمی شود، ژانرها و تکنیک های جدیدی ظاهر می شوند، اما، مانند زمان های قدیم، گرافیک جزء مهم هنرهای زیبا در زندگی ما باقی مانده است.

ما مدتهاست که قصد داریم رتبه بندی گرانترین آثار روی کاغذ را توسط هنرمندان در مدار هنر روسیه کسب کنیم. بهترین انگیزه برای ما یک رکورد جدید برای گرافیک روسی بود - 2.098 میلیون پوند برای نقاشی کازیمیر مالویچ در 2 ژوئن.

هنگام انتشار رتبه بندی های خود، ما واقعاً دوست داریم انواع مختلفی از سلب مسئولیت ها را اضافه کنیم تا از سؤالات احتمالی جلوگیری کنیم. بنابراین، اصل اول: فقط گرافیک اصلی. دوم: ما از نتایج حراج های آزاد برای آثار هنرمندانی که در مدار هنر روسیه قرار دارند، طبق پایگاه داده وب سایت استفاده می کنیم (شاید فروش گالری ها با قیمت های بالاتری بوده است). سوم: البته، وسوسه انگیز است که رتبه 3.7 میلیون دلاری آرشیل گورکی را در Housatonic قرار دهیم. او خود، همانطور که مشخص است، به هر طریق ممکن تلاش کرد تا یک هنرمند روسی در نظر گرفته شود، بدون اینکه از عرفان دوری کند، به افتخار ماکسیم گورکی و غیره نام مستعار گرفت. در سال 2009، آثار گورکا توسط موزه روسیه و گالری ترتیاکوف در نمایشگاه "هنرمندان آمریکایی از امپراتوری روسیه" به نمایش گذاشته شد، ما او را در پایگاه داده نتایج حراج هوش مصنوعی قرار دادیم، اما شروع رتبه بندی گرافیک های روسی با او ناعادلانه است. به دلایل رسمی چهارم: یک ورق - یک نتیجه. برای این رتبه بندی ما فقط آثاری را انتخاب کردیم که از یک ورق کاغذ تشکیل شده است. یک رویکرد رسمی ما را مجبور می کرد سه مورد دیگر را نیز در نظر بگیریم، که هر کدام به صورت یک قطعه فروخته شد: 122 طراحی جوهر اصلی برای "کتاب مارکیز" اثر کنستانتین سوموف، دو پوشه با 58 طراحی و گواش برای " برادران کارامازوف» نوشته F. M. Dostoevsky اثر بوریس گریگوریف و بخشی از مجموعه Yakov Peremen. پنجم: یک نویسنده - یک اثر. اگر به طور رسمی 10 ورق برتر را از نظر قیمت (به استثنای نتایج گورکا و قطعات پیش ساخته) می گرفتیم، پنج ورق کاندینسکی، سه ورق شاگال و هر کدام از مالویچ و سربریاکوا یک ورق وجود داشت. حوصله سر بر. ششم: ما از سال 2001 تا امروز را تحلیل می کنیم. هفتم: رتبه بندی قیمت به دلار تنظیم شد، نتایج سایر ارزها با نرخ روز معامله به دلار تبدیل شد. هشتم: تمام نتایج با در نظر گرفتن پورسانت فروشنده ارائه می شود.

نقاشی کازیمیر مالویچ "سر یک دهقان" که طرحی مقدماتی برای نقاشی گمشده "تدفین دهقان" در سال 1911 است، کاملاً انتظار می رود که برترین لات حراج روسیه در ساتبیز در 2 ژوئن 2014 در لندن شود. آثار مالویچ به ندرت در بازار هنر ظاهر می شود؛ «سر دهقان» اولین اثری است که پس از فروش «ترکیب برتر» به قیمت 60 میلیون دلار در ساتبیز در سال 2008 به حراج گذاشته شده است و یکی از آخرین آثار مهم این هنرمند به صورت خصوصی است. مجموعه ها. این طرح یکی از 70 اثری بود که این هنرمند در سال 1927 در برلین به نمایش گذاشت و سپس در آلمان رها شد تا آنها را از ممنوعیت و فراموشی مصنوعی که به ناچار در روسیه در انتظار آنها بود نجات دهد. این اثر از یک مجموعه خصوصی قدرتمند آلمانی از آوانگاردهای روسی به حراج ساتبی آمد. تقریباً همه لات های این مجموعه بیش از برآورد آنها بود، اما نقاشی مالویچ به سادگی فراتر از رقابت بود. آنها آن را سه برابر تخمین زدند - 2.098 میلیون پوند. این گرانترین اثر گرافیکی یک هنرمند روسی است.

فهرست گران‌ترین آثار گرافیکی واسیلی کاندینسکی شامل 18 طراحی اصلی به ارزش بیش از یک میلیون دلار است. آبرنگ های او از نظر پیام انتزاعی به هیچ وجه کمتر از نقاشی های او نیست. به یاد داشته باشید که تاریخ هنر انتزاعی مدرن معمولاً از اثر گرافیکی کاندینسکی - "اولین آبرنگ انتزاعی" در سال 1910 است. همانطور که افسانه می گوید، یک روز کاندینسکی که در نیمه تاریک استودیوی خود در مونیخ نشسته بود و به آثار فیگوراتیو خود نگاه می کرد، نتوانست چیزی را روی آن تشخیص دهد، جز لکه های رنگی و اشکال. و سپس متوجه شد که باید عینیت را رها کند و سعی کند "حرکات روح" را از طریق رنگ به تصویر بکشد. نتیجه، اثری عاری از هرگونه ارتباط با دنیای بیرون بود - "اولین آبرنگ انتزاعی" (پاریس، مرکز ژرژ پمپیدو).

بوم های کاندینسکی در بازار کمیاب هستند و بسیار گران هستند، اما گرافیک ها کاملاً در هر مجموعه ای قرار می گیرند و در آن مناسب به نظر می رسند. شما می توانید گرافیک تیراژ را با چند هزار دلار بپردازید. اما برای یک طراحی اصلی، که به عنوان مثال، طرحی برای یک نقاشی معروف است، باید چندین برابر بیشتر هزینه کنید. گران ترین آبرنگ تا به امروز، "بی عنوان" از سال 1922، در دوران رونق هنری سال 2008 به قیمت 2.9 میلیون دلار فروخته شد.

مارک شاگال برای زمان خود هنرمندی غیرمعمول سازنده بود. امروز به دامین هیرست و جف کونز توسط ارتش دستیاران کمک می شود ، و مارک زاخارویچ به تنهایی هزاران اثر اصلی گرافیک را در طول 97 سال زندگی خود ایجاد کرد ، و به ذکر آثار تولید انبوه نیست. پایگاه داده ما از نتایج حراج شاگال شامل بیش از 2000 اثر اصلی روی کاغذ است. این هنرمند به طور پیوسته در حال افزایش است و چشم انداز سرمایه گذاری برای خرید آثار او آشکار است - نکته اصلی این است که اصالت کار توسط کمیته Chagall تأیید می شود. در غیر این صورت ، این کار تقریباً می تواند سوزانده شود (این دقیقاً همان چیزی است که کمیته Chagall مالک را تهدید می کند ، که اخیراً برای معاینه نقاشی به پاریس ارسال کرده است که معلوم است جعلی است). بنابراین انتخاب باید فقط به نفع گرافیک های بی قید و شرط معتبر باشد. قیمت آن می تواند به 2.16 میلیون دلار برسد - این میزان پرداخت آنها در ماه مه 2013 برای نقاشی "سواران" (کاغذ روی مقوا ، گواچ ، پاستیل ، مدادهای رنگی) است.

پاستیل "برهنه برهنه" نه تنها گرانترین کار گرافیکی زینایدا Serebryakova ، بلکه گرانترین کار او به طور کلی است. موضوع بدن برهنه زن یکی از اصلی ترین موضوعات در آثار این هنرمند بود. برهنه های Serebryakova از تصاویر حمام ها و زیبایی های روسی در یک حمام در دوره خلاقیت روسیه به سمت نورد بیشتر در روح هنر اروپایی در دوره پاریس تکامل یافتند. با نگاهی به برهنه های زیبا ، حسی و ایده آل Serebryakova ، دشوار است تصور کنید که سرنوشت این هنرمند چقدر غم انگیز بود - شوهرش در اثر تیفوس درگذشت و او را با چهار فرزند در آغوش خود ترک کرد. من مجبور شدم از دست به دهان زندگی کنم و در پایان ، به پاریس مهاجرت کردم (همانطور که بعداً معلوم شد ، برای همیشه) ، بچه ها را در روسیه ترک کردم (فقط دو نفر بعداً به فرانسه منتقل شدند ، دو نفر دیگر برای بیشتر از هم جدا شدند بیش از 30 سال).

زینیدا سربریاکوا زیبایی کامل، ابدی و کلاسیک را در آثار خود پرورش داد. پاستیل از بعضی جهات بهتر از سبکی و هوای تصاویر زن خود را بهتر می کند ، که در آن تقریباً همیشه چیزی از خود هنرمند و فرزندانش وجود دارد (دختر کاتیا یکی از مدل های مورد علاقه او بود).

یک پاستل نسبتاً بزرگ به نام برهنه خوابیده در دوران رونق هنری در ژوئن 2008 به قیمت 1.07 میلیون پوند (2.11 میلیون دلار) خریداری شد. هیچ اثر دیگری از آن زمان تاکنون موفق به شکستن این رکورد نشده است. جالب اینجاست که در 10 حراج برتر Zinaida Serebryakova فقط برهنه وجود دارد و سه تا از آثار فقط پاستل هستند.

در حراج ساتبی لندن در 27 نوامبر 2012، که به نقاشی ها و گرافیک های هنرمندان روسی اختصاص داده شده بود، بخش برتر نه یک نقاشی، بلکه یک طراحی با مداد روی کاغذ - "پرتره وسوولود مایرهولد" اثر یوری آننکوف بود. هشت نفر از شرکت کنندگان برای این کار در سالن و تلفن بحث کردند. در نتیجه، این نقاشی که 30 تا 50 هزار پوند تخمین زده می شود، چندین ده برابر بیشتر از برآورد هزینه برای صاحب جدید هزینه داشت. نتیجه 1.05 میلیون پوند (1.68 میلیون دلار) یک شبه، «پرتره وسوولود مایرهولد» را به گران‌ترین اثر گرافیکی نویسنده تبدیل کرد و در فهرست بالاترین قیمت‌های حراج آثار Annenkov به طور کلی مقام سوم را به خود اختصاص داد.

چرا علاقه به پرتره اینقدر شدید بود؟ Annenkov یک نقاش پرتره درخشان است که تصاویری از بهترین چهره های آن دوران - شاعران ، نویسندگان ، کارگردانان - به جا گذاشته است. علاوه بر این، او در گرافیک بسیار با استعداد بود: سبک او تکنیک های طراحی کلاسیک را با عناصر آوانگارد کوبیسم، آینده نگری، اکسپرسیونیسم ترکیب می کرد... او به عنوان یک هنرمند تئاتر و فیلم، به عنوان تصویرگر کتاب موفق شد. توجه عموم مسلماً توسط شخصیت مدل در پرتره - کارگردان مشهور وسوولود مایرهولد - جلب شد. خوب، برای تکمیل همه چیز، این نقاشی از مجموعه آهنگساز بوریس تیومکین، اهل کرمنچوگ، که به ایالات متحده مهاجرت کرد و یک آهنگساز مشهور آمریکایی شد، برنده چهار بار اسکار برای کارهای موسیقی در فیلم شد.

یکی از هنرمندان اصلی انجمن دنیای هنر، Lev (Leon) Bakst، البته، باید در لیست ما از موفق ترین گرافیست های تجاری قرار می گرفت. کارهای تئاتری پیچیده او - طراحی لباس برای بهترین رقصندگان دوران، دکورهای تولیدی - امروز به ما ایده ای می دهد که فصول روسیه دیاگیلف چه نمایش مجللی بود.

گران‌ترین اثر گرافیکی باکس، "سلطنه زرد" در سالی خلق شد که باله دیاگیلف برای اولین بار در ایالات متحده به تور سفر کرد. در آن زمان، باکس از قبل یک هنرمند شناخته شده بود، سبک قابل تشخیص آثار تئاتری او به یک برند تبدیل شده بود و تأثیر او در مد، طراحی داخلی و جواهرات احساس می شد. برهنه شهوانی "Yellow Sultana" که از طرح های تئاتری او بیرون آمده بود، در حراج کریستی در 28 می 2012 باعث نبرد شدید بین دو گوشی شد. در نتیجه آنها به رقم 937250 پوند رسیدند. 1 467 810 دلار) با در نظر گرفتن کمیسیون، با وجود این واقعیت که برآورد 350-450 هزار پوند بود.

دنیای لانه های نجیب در حال محو شدن در فراموشی، پارک های عمارت مه آلود و بانوان جوان برازنده ای که در امتداد کوچه ها قدم می زنند در آثار ویکتور الپیدیفوروویچ بوریسوف-موساتوف ظاهر می شود. برخی سبک او را "مرثیه در نقاشی" می نامند؛ این سبک با رویاپردازی، مالیخولیا آرام و غم و اندوه برای دوران گذشته مشخص می شود. برای بوریسوف-موساتوف، املاک نجیب دنیای حال بود، اما چیزی ماورایی در انعکاس او از این جهان وجود دارد؛ به نظر می رسد این پارک ها، ایوان ها و برکه ها توسط هنرمند آرزو شده است. انگار این تصور را داشت که به زودی این دنیا دیگر وجود نخواهد داشت و خودش دیگر وجود نخواهد داشت (بیماری سخت هنرمند را در 35 سالگی از بین برد).

ویکتور بوریسوف-موساتوف پاستل و آبرنگ را به نقاشی رنگ روغن ترجیح می داد؛ آنها سبک قلم مو و مه را به او می دادند. ظهور پاستل او "آخرین روز" در حراج روسیه در ساتبیز در سال 2006 یک رویداد بود، زیرا آثار اصلی بوریسوف-موساتوف در موزه ها هستند و در طول سال ها تنها حدود 12 اثر در حراج های آزاد ارائه شده است. پاستل «آخرین روز» از مجموعه وی. این پاستل در "پرتره ماریا جورجیونا ناپرونیک" توسط زینایدا سربریاکوا به تصویر کشیده شد که اکنون در موزه هنر چوواش نگهداری می شود. در تک نگاری "Borisov-Musatov" (1916)، N. N. Wrangel از "آخرین روز" در فهرست آثار این هنرمند نام می برد. بنابراین، همانطور که انتظار می رفت، بدون شک کالای اصلی به رکورد قیمت 702,400 پوند یا 1,314,760 دلار برای هنرمند رسید.

الکساندر دینکا یک گرافیست درخشان بود؛ در مراحل اولیه فعالیت خلاقانه اش، گرافیک حتی بیشتر از نقاشی او را جذب می کرد، قبل از هر چیز به دلیل پتانسیل تبلیغاتی اش. این هنرمند به عنوان یک کتاب و تصویرگر مجله بسیار کار کرد و پوستر ایجاد کرد. بعداً این "کار پوستر مجله" او را خسته کرد ، او شروع به کار بیشتر و بیشتر در نقاشی ، در هنرهای یادبود کرد ، اما مهارت های اکتسابی یک طراح بسیار مفید بود - به عنوان مثال ، هنگام ایجاد طرح های آماده سازی برای نقاشی. "دختری که یک روبان را روی سر خود می بندد" - طرح برای نقاشی "Bather" (1951 ، مجموعه گالری Tretyakov). این گران‌ترین اثر Deineka تا به امروز به اواخر دوره خلاقیت بازمی‌گردد، زمانی که سبک هنرمند از جستجوهای آوانگارد دهه‌های 1920-1930 به شدت به سمت رئالیسم سوسیالیستی تکامل یافته بود. اما دینکا در رئالیسم سوسیالیستی نیز صادق بود. قدرت و زیبایی بدن انسان سالم یکی از موضوعات مورد علاقه دینکا در آثارش است. "دختری که روبان می بندد" ما را به لباس های برهنه او ارجاع می دهد، شبیه به الهه های یونانی - زهره های شوروی که شادی را در کار و ورزش می یابند. این نقاشی از کتاب درسی Deineka است و بنابراین جای تعجب نیست که در حراج Sovcom به قیمت رکورد 27,500,000 روبل (1,012,450 دلار) فروخته شد.

بوریس دیمیتریویچ گریگوریف در سال 1919 از روسیه مهاجرت کرد. او به یکی از مشهورترین هنرمندان روسی در خارج از کشور تبدیل شد، اما در عین حال برای چندین دهه در میهن خود فراموش شد و اولین نمایشگاه او در اتحاد جماهیر شوروی تنها در اواخر دهه 1980 برگزار شد. اما امروز او یکی از نویسندگان مورد تقاضا و بسیار ارزشمند در بازار هنر روسیه است؛ آثار او، اعم از نقاشی و گرافیک، به قیمت صدها هزار و میلیون دلار به فروش می رسد. این هنرمند فوق العاده کارآمد بود؛ او معتقد بود که می تواند از عهده هر موضوعی، هر سفارشی برآید.

احتمالاً مشهورترین آنها چرخه های "نژاد" و "چهره های روسیه" او هستند - از نظر روحی بسیار نزدیک و تنها از این جهت متفاوت هستند که اولی قبل از مهاجرت ایجاد شد و دومی قبلاً در پاریس ایجاد شد. در این چرخه ها، گالری از انواع ("چهره") دهقانان روسی به ما ارائه می شود - پیرمردان، زنان و کودکان با عبوس به بیننده نگاه می کنند، چشم را جذب می کنند و در عین حال آن را دفع می کنند. گریگوریف به هیچ وجه تمایلی به ایده آل کردن یا آراستن کسانی که نقاشی می کرد نبود، برعکس، گاهی اوقات او تصاویر را به گروتسک می آورد. یکی از "چهره ها" که با گواش و آبرنگ روی کاغذ اجرا شد، به گران ترین اثر گرافیکی بوریس گریگوریف تبدیل شد: در نوامبر 2009، در حراج ساتبی 986500 دلار برای آن پرداختند.

و در نهایت، دهمین نویسنده در لیست ما از گران ترین آثار گرافیک روسیه، کنستانتین سوموف است. پسر متصدی مجموعه‌های ارمیتاژ و یک موسیقی‌دان، عشق به هنر و همه چیز زیبا از کودکی در او نهادینه شد. سوموف پس از تحصیل در آکادمی هنر زیر نظر رپین، به زودی خود را در جامعه جهان هنر یافت، که ترویج کرد. فرقه زیبایی که به او نزدیک بود. این اشتیاق به تزئینات و "زیبایی" به ویژه در نقاشی های متعدد او بر اساس تصاویر دوران جوانمردی مشهود بود که علاقه به آنها در کارهای دیگر هنرمندان جهان (لانسرت، بنوا) مشاهده شد. مارکیزهای "سوموف" و آقایان شجاع در قرارهای مخفیانه، صحنه های پذیرایی های اجتماعی و بالماسکه ها با هارلکین ها و خانم های کلاه گیس، ما را به زیبایی شناسی باروک و روکوکو ارجاع می دهند.

قیمت آثار سوموف در بازار هنر از سال 2006 با سرعتی خارق‌العاده و غیرقابل درک شروع به رشد کرد؛ برخی از نقاشی‌های او 5 یا حتی 13 برابر از تخمین زده شده فراتر رفتند. هزینه نقاشی های او میلیون ها پوند است. در مورد گرافیک، بهترین نتیجه سوموف تا کنون 620727 دلار است - این تنها یکی از نقاشی های سری "جالانت" "Masquerade" است.

در 22 آوریل 2010، 86 اثر - نقاشی و گرافیک - توسط تقریباً دوجین نویسنده به عنوان یک قطعه شماره 349 در ساتبی در نیویورک فروخته شد. اتفاقاً این فروش باعث سردرگمی در آمار حراج هنرمندانی می شود که آثارشان در این لات گنجانده شده است. بله، مجموعه به خودی خود بسیار ارزشمند است، تاریخچه طولانی، پیچیده و غم انگیزی دارد و از یک طرف چه خوب است که مجموعه به دست همگان افتاد. اما، از سوی دیگر، اگر روزی مالک تصمیم به فروش آثار فردی بگیرد، برای اکثر نویسندگان به سادگی سطح قیمتی وجود ندارد. پس از "آماده سازی هنری" کر کننده ای که قبل از فروش مجموعه انجام شد، می توانست ظاهر شود، اما نه، و پس از فروش مجدد، یک منفی بزرگ خواهد بود.

توجه! تمام مطالب موجود در سایت و پایگاه داده نتایج حراج در سایت، از جمله اطلاعات مرجع مصور در مورد آثار فروخته شده در حراج، منحصراً مطابق با هنر در نظر گرفته شده است. 1274 قانون مدنی فدراسیون روسیه. استفاده برای مقاصد تجاری یا در نقض قوانین تعیین شده توسط قانون مدنی فدراسیون روسیه مجاز نیست. سایت هیچ مسئولیتی در قبال محتوای مطالب ارائه شده توسط اشخاص ثالث ندارد. در صورت تضییع حقوق اشخاص ثالث، مدیریت سایت این حق را برای خود محفوظ می دارد که بنا به درخواست مرجع مجاز، آنها را از سایت و از پایگاه داده حذف نماید.

هنر گرافیک متنوع است. این شامل پوسترهای سیاسی و نقاشی های روزنامه و مجله ، تصاویر و کارتون های کتاب ، گرافیک های کاربردی صنعتی و تبلیغات فیلم است. بخش بزرگی از آن متشکل از گرافیک سه پایه است - نقاشی ها و حکاکی هایی که به طور مستقل و خارج از یک هدف کاربردی خاص ساخته شده اند. این نام را به قیاس با نقاشی سه پایه، که هنرمند آثار آن را بر روی یک دستگاه خاص ایجاد می کند - سه پایه است. کلمه "گرافیک" از واژه یونانی grapho (grapho) گرفته شده است - من می نویسم، نقاشی می کنم. البته گرافیک سه پایه کاملاً بی هدف نیست. وقتی یک قلم مو، مداد یا حکاکی را به دست می گیرد، هنرمند همیشه هدف خاصی دارد. او تلاش می کند تا افکار و احساسات خود ، درک زندگی خود را به مردم منتقل کند ، تا ارزش خود را در آن تأیید کند و منفی را مجازات کند ، زیبایی های شگفت انگیز و پنهان جهان را نشان دهد ، که فقط توسط او دیده می شود. اما در عین حال ، نویسنده یک نقاشی یا حکاکی آسانسور همیشه با کار خود ، مانند کارشناسی ارشد پوسترها و کاریکاتور ، تبلیغات یا کاریکاتور را انجام نمی دهد ، مانند هنرمندان پوسترها و صنعتی ، تبلیغات یا کارهای سودمند را انجام نمی دهد. گرافیک؛ تصاویر او، در نهایت، مانند آثار تصویرگران با قهرمانان و موقعیت های ادبی همراه نیست.

به همین ترتیب ، استادان نقاشی و مجسمه سازی آسانسور ، بر خلاف نقاشی دیواری و دکوراتورها ، آثار مستقلی را ایجاد می کنند که با هیچ گروه هنری همراه نیست - یک ساختمان ، اتاق ، مربع ، پارک و غیره.

گرافیک سه پایه شباهت زیادی با نقاشی سه پایه دارد. اگرچه وسایل هنری پیشرو آنها متفاوت است ، اما هر دو نوع هنر از قابلیت های عالی و عمدتاً مشابهی برای به تصویر کشیدن طبیعت ، مردم و کل ثروت دنیای مادی برخوردار هستند. جنبه های مختلف زندگی بشر ، که همواره مورد توجه هنر بوده است ، باعث ایجاد ترکیب ژانرهای مختلف آن می شود - پرتره ، چشم انداز ، ترکیب روزمره یا نبرد ، هنوز زندگی و غیره. این ژانرها هم در نقاشی اتحاد جماهیر شوروی و هم در گرافیک های شوروی وجود دارند. دنیای روح انسان در آثار متعدد نقاشی، مجسمه سازی و گرافیک با عمق خاصی نشان داده شده است. برای این ماهیت روانشناختی، برای گفتگوی چندوجهی و گسترده با بیننده در مورد یک شخص، ما به ویژه به هنر سهل اهمیت می دهیم.

با داشتن اشتراکات زیادی با نقاشی، گرافیک سه پایه، در عین حال، از نظر شیوه اجرا - عمدتاً روی کاغذ - و در فنون طراحی و حکاکی، به سایر انواع گرافیک نزدیک است. مانند کل خانواده هنرهای گرافیکی، با سرعت نسبی اجرای چیزها و همچنین امکانات خوب برای بازتولید آنها متمایز می شود. به لطف این، اولاً، گرافیک پتانسیل زیادی برای تبدیل شدن به یک هنر موضوعی دارد، به سرعت به رویدادهای زندگی عمومی پاسخ می دهد، هنری که در ریتم مدرنیته زندگی می کند. این امکانات ذاتی در گرافیک، همانطور که بعدا خواهیم دید، بیش از یک بار توسط استادان آن به طور کامل مورد استفاده قرار گرفت. ثانیاً، از آنجایی که یک ورق گرافیکی عموماً سریعتر از یک نقاشی یا مجسمه اجرا می شود (اگرچه نیروی ذهنی، استعداد و مهارت کمتری از یک گرافیست لازم نیست)، بلافاصله ارتباط ویژه با طبیعت، امکان تسخیر زنده آن را حفظ می کند. اگر به این اضافه کنیم که تکنیک اجرای آثار گرافیکی بسیار متنوع است، غنای ایدئولوژیک و زیبایی شناختی این نوع هنر آشکار می شود.

چیزهای جالب زیادی در انتظار بیننده توجه آثار گرافیکی است. نه بلافاصله، بلکه به تدریج اصالت و زیبایی هر تکنیک گرافیکی برای او آشکار می شود - شفافیت نقره ای نقاشی با مداد گرافیتی و سیاهی مخملی یک مداد ایتالیایی، روان بودن دقیق نقاشی های قلم با جوهر یا جوهر، لطافت پاستل. و سانگوئن ما به تدریج یاد می گیریم که از طیف غنی رنگ های خاکستری و سیاه، طراحی قابل دسترس زغال چوب، سس، آبرنگ یا جوهر سیاه، روشنی شفاف آبرنگ رنگی و زبان سنگین تر و مادی گواش قدردانی کنیم. ما از زبان متنوع و منعطف حکاکی‌های چوبی، فرم‌های تعمیم‌یافته و لاکونیک لینوکت‌ها، رسا بودن کیاروسکورو و عمق رنگ در حکاکی، و سایه‌های آزاد و غنی از رنگ و مدل‌سازی ملایم نقاشی‌های مداد لیتوگرافی خوشحالیم.

هنرمندان اغلب با ترکیبی از مدیا کار می کنند و در آثار خود ترکیب می کنند، مثلاً زغال، گچ و نوعی مداد، یا آبرنگ و پاستل، آبرنگ و گواش و غیره.

در هر دو تکنیک لیتوگرافی و حکاکی، بیننده نتیجه نهایی کار هنرمند را می بیند - یک اثر یا اثر، در غیر این صورت یک چاپ. بسیاری از این تأثیرات را می توان از یک تخته یا سنگ به دست آورد و همه آنها به همان اندازه آثار هنری اصلی هستند. این ویژگی چاپ - تیراژ نسبتاً زیاد آنها در حالی که تمام شایستگی های هنری خود را حفظ می کنند - برای ما بسیار ارزشمند است.

اکنون حلقه های وسیع تری از مردم شوروی با هنر آشنا می شوند. آن‌ها تمام افکار و تجربیات زیبایی‌شناختی را که هنر واقعی واقعی ارائه می‌کند، در چاپ می‌یابند، و در عین حال، چاپ یک اثر منحصربه‌فرد موزه‌ای دوردست نیست که فقط گاهی می‌بینیم، بلکه چیزی است که زیبایی با آن وارد خانه ما می‌شود. ، وارد زندگی روزمره می شود.

گرافیک سه پایه شوروی حوزه وسیعی از هنر ماست که تاریخ هنوز نانوشته آن شامل صفحات شگفت انگیزی از جستجوها و دستاوردهای هنری بزرگ است. سنت های درخشان خود را هم در هنر روسیه و هم در تعدادی دیگر از مدارس هنر ملی دارد. تقریباً همه بزرگ‌ترین نقاشان گذشته نیز استادان بزرگ طراحی و آبرنگ بودند. آبرنگ‌های الکساندر ایوانوف و کی بریولوف، نقاشی‌ها و آبرنگ‌های متعدد توسط رپین، گرافیک‌های V. Serov و Vrubel شاهکارهای هنر ما پر از جذابیت ابدی هستند. لیتوگرافی به عنوان یک هنر دموکراتیک که تصاویر و افکار هنرمندان را به مردم می آورد، در آغاز قرن نوزدهم در روسیه ظاهر شد. کیپرنسکی، اورلوفسکی، ونتسیانوف، و بعداً پروف، شیشکین، ول به آن علاقه دارند. ماکوفسکی، لویتان و هنرمندان دیگر. در دهه چهل قرن نوزدهم، شچدروفسکی در آلبوم "اینجا مال ماست" بیننده را نشان می دهد که تجارت می کند، افراد صنایع دستی، انواع عامیانه. این اولین تجربه ایجاد لیتوگرافی رنگی در هنر روسیه بود. هنرمندان برجسته قرن گذشته هنر حکاکی را به دلیل دسترسی نسبتاً بیشتر آن به مردم، به این دلیل که خلاقیت های آنها را به مخاطبان بیننده عمومی نزدیک تر می کند، ارزش می گذارند. شوچنکو، کلاسیک شعر و هنرمند اوکراینی، تی.جی. شوچنکو، که در قلمزنی کار می‌کرد، در سال 1857 نوشت: "در بین تمام هنرهای زیبا، اکنون بیشتر از همه به حکاکی علاقه دارم. و نه بی دلیل. حکاکی خوب بودن به معنای توزیع کننده است. زیبا و آموزنده در جامعه.» شیشکین همچنین از علاقه مندان به قلمزنی بود. I. E. Repin بارها به تکنیک های مختلف حکاکی روی آورد. تمام انواع ژانرها - روزمره، صحنه های تاریخی، پرتره و منظره - در لیتوگرافی، حکاکی و طراحی قرن گذشته توسعه می یابد.

در گرافیک اوایل قرن بیستم، مانند تمام هنرها، درهم آمیختگی پیچیده ای از گرایش های گاه متضاد وجود دارد. وقایع انقلاب 1905 گرافیک مجلات را با قدرت خاصی به تصویر می‌کشد، اما در آثار سه‌پایه نیز پژواک می‌یابد - حکاکی‌های اس. ایوانف، در پاستل‌های وی. سرووف، شاهد شوکه‌ای از کشتار کارگران تزاریسم. در این آثار و همچنین در تصاویر معدنچیان، کارگران، دانش‌آموزان کاساتکین، در نقاشی‌های اس.کورووین که سربازان را به تصویر می‌کشد، در برگه‌های سرگئی ایوانف که به مهاجران فقیر اختصاص داده شده است، علاقه و همدردی به کارگر وجود دارد. برای زندگی دشوار و دشوار او، مشخصه هنر پیشرفته روسیه، اغلب یک سرنوشت غم انگیز. اما در برنامه این دهه ها تمایل به دور شدن از پیچیدگی ها و تضادهای واقعیت اجتماعی نیز دیده می شود. این گرایش در برخی موارد، مهر نوعی تأمل منفعلانه را بر آثار هنرمندان بر جای می گذارد، در برخی دیگر هنرمندان را در آثار خود به تالارها و پارک های دوردست کاخ می برد که برای عموم مردم بیگانه است. شاید ژانر پیشرو در گرافیک قبل از انقلاب منظره بود. این استادان بزرگ مانند A. Ostroumova-Lebedeva، V. Falileev، K. Yuon، I. Nivinsky، I. Pavlov، E. Lanceray و دیگران را به کار می گیرد. آنها زیبایی طبیعت چندوجهی، حالات گوناگون آن، شعر معماری را در رابطه آن با منظره می بینند. این تحسین از زیبایی جهان محتوای اصلی جاودانه آثار آنهاست که تا به امروز ما را نگران کرده است. اما گاهی حس تعمق در صفحات آنها احساس می شود.

در حکاکی، مجله و تصویرسازی کتاب قبل از انقلاب، بیش از سایر انواع هنر، تأثیر جامعه جهان هنر احساس می‌شد، شاید به این دلیل که بسیاری از اعضای آن گرافیست‌هایی با سطح حرفه‌ای بالا بودند. از هنرمندان نامبرده، این انجمن شامل اوستروموا-لبدوا و لنسرای بود. با این حال، همه بهترین جنبه های کار آنها برخلاف دستورالعمل های زیبایی شناختی نظریه پردازان "دنیای هنر" توسعه یافت که از "هنر ناب" دور از زندگی دفاع می کردند. نقاشی‌ها، آبرنگ‌ها و طراحی‌های چهره‌های اصلی «دنیای هنر» A. Benois، K. Somov و دیگران، دنیای شجاع و بی‌جان زندگی درباری دوران گذشته را احیا کردند و یک بازی پیچیده و آموخته‌شده تاریخ بودند. بنابراین، در گرافیک قبل از انقلاب، آثاری خلق شد که از همه درام تضادهای اجتماعی اشباع شده بود، انبوهی از مناظر غنایی مجلسی ظاهر شد و در همان زمان، گذشته نگر شکوفا شد، یعنی خروج از مدرنیته، زیبایی شناسی دنیای هنر

در سالهای اول پس از انقلاب، ظاهر گرافیک سه پایه تغییر چندانی نکرد. این سال‌های سخت، زمان هنر ستیزه‌جویانه و پر سر و صدای پوستر، مجسمه‌سازی یادبود تبلیغاتی و هنر جدیدی برای تزئین تعطیلات دسته‌جمعی بود. در پس زمینه توسعه سریع این نوع هنرها، گرافیک سه پایه در ابتدا به ویژه سنتی به نظر می رسد. اساساً همان استادانی که در اینجا کار می کنند مانند سال های قبل از انقلاب هستند و کار آنها که عمدتاً قبلاً مشخص شده است ، بلافاصله یا به سرعت دستخوش تغییرات پیچیده مرتبط با تأثیرات واقعیت جدید نمی شود. منظره و پرتره به ژانرهای پیشرو در گرافیک سه پایه تبدیل شدند. هنرمندان با عشق گوشه های باستانی شهرها، بناهای معماری قابل توجه و زیبایی ابدی طبیعت را به تصویر می کشند که در معرض طوفان های اجتماعی نیستند. آثار آنها حاوی مهارت فریبنده و تحسین آرام زیبایی جهان است. اما به نظر می رسد این دنیای کوچک بسته از یک چشم انداز عقب مانده و گذشته نگر از وقایع رخ داده در کشور توسط یک دیوار نامرئی محافظت می شود.

آثار ژانر روزمره، که تعداد کمی از آنها خلق شده اند، همان زندگی آرام و متواضعانه را به تصویر می کشند که از هیچ گونه تحولات اجتماعی دست نخورده است، کارهای ساده خانگی.

گرافیک این سالها غالباً حکاکی و سنگ نگاره است. طراحی و آبرنگ زیاد رایج نیست. مناظر و پرتره‌ها اغلب در آلبوم‌های حکاکی منتشر می‌شوند و این‌ها نسخه‌های کم‌تیراژ و گران‌قیمتی برای تعداد کمی از افراد خبره هستند.

صمیمیت آثار پرتره را متمایز می کند. مدل های نقاشان پرتره معمولاً هنرمند ، نویسندگان ، مجریان هستند ، یعنی یک دایره نسبتاً باریک از افراد نزدیک به نویسنده. دنیای درونی آن‌ها با ظرافت و دقت آشکار می‌شود، اما هنوز در سطح تعمیم‌های بزرگی که بعداً برای هنر شوروی قابل دسترسی باشد، نیست.

و تنها در پرتره های اجرا شده توسط N. A. Andreev، به ویژه در تصاویر وی از V.I. لنین، ژانر پرتره در گرافیک بلافاصله کیفیت های جدید، قدرت تعمیم دهنده و طنین اجتماعی به دست می آورد. این نقاشی ها به حق در میان بهترین دستاوردهای هنر شوروی گنجانده شده است؛ آنها هنوز هم ما را خوشحال می کنند و در زندگی ما شرکت می کنند. اما در سال های ایجاد آنها، این ورق ها، به طور معمول، استثنای درخشانی بودند که فقط قاعده را تأیید می کرد - یعنی ماهیت صمیمی کلی اکثر آثار پرتره. ما آشنایی خود را با گرافیک سه پایه شوروی با نقاشی های آندریف آغاز خواهیم کرد که به نظر می رسید جلوتر از زمان خود هستند.

برای N. A. Andreev (1873 - 1932)، مجسمه ساز مشهور، نویسنده بناهای یادبود مسکو به گوگول، استروفسکی و بنای یادبود آزادی، طراحی نه تنها یک مرحله مقدماتی ضروری از کار، بلکه یک منطقه مستقل از خلاقیت بود. در اوایل دهه 1920، او تعداد زیادی پرتره گرافیکی از دزرژینسکی، لوناچارسکی، گورکی، استانیسلاوسکی، هنرمندان تئاتر هنر و دیگران کشید.

انسان با تمام یکپارچگی شخصیتش چیزی است که آندریف نقاش پرتره را مورد علاقه خود قرار داد. در برگه های او، دنیای درونی مدل به وضوح، مطمئن و با جزئیات به تصویر کشیده شده است، اما بدون نیم تنه یا انبوهی از تفاوت های ظریف. با آشنایی با پرتره های آندریف، به نظر می رسد که مجموعه ای از دانش بسیار دقیق و تأیید شده در مورد افرادی که در آنها به تصویر کشیده شده است، دریافت می کنیم. دقت و وضوح این دانش، ترحم منحصر به فرد کار آندریف است؛ نحوه اجرای پرتره ها نیز تابع آن است.

بیشتر این روش از بینش مجسمه‌سازی هنرمند از فرم ناشی می‌شود. این انعطاف پذیری تأکید شده طرح، جستجوی اجباری برای یک خط شبح بیانگر، اما همچنین سفتی رنگ، عدم وجود حس هوا است. اما نکته اصلی در اینجا چیز مثبتی بود که استعداد مجسمه سازی آندریف داد - توانایی دیدن مدل به عنوان یک کل ، نکته اصلی در طرح کلی سر ، دیدن ظاهر مشخصه ، پاک شده از خطوط و چرخش های تصادفی. این یکپارچگی سیلوئت، همراه با جزئی ترین شکل گیری صورت، به ویژه چشم ها، سبک منحصر به فرد هنرمند را تشکیل می دهد. مدادهای سانگوئین، پاستل و رنگی به خوبی در دستان آندریف و همچنین زغال چوب یا مداد ایتالیایی که برای ترسیم حجم های اصلی استفاده می شد، به او کمک می کرد.

به همین ترتیب، آندریف چندین پرتره از وی. آی. لنین را نیز اجرا کرد که بخشی از لنینیانا معروف او بود - چرخه بزرگی از طرح ها، طراحی ها، طرح ها و مجسمه ها، که ایجاد آنها کار اصلی زندگی آندریف در سال های شوروی بود. قدرت. پرتره های لنین توسط آندریف برای ما نه تنها چیزهای یک هنرمند با استعداد است، بلکه افشاگری ارزشمند یک شاهد عینی است، شخصی که بارها لنین را در کنگره ها و کنگره ها و در دفتر کرملین خود مشاهده می کرد. بسیاری از طرح های سریع توسط آندریف در روند این کار ساخته شد، اما تنها سه پرتره تکمیل شده وجود دارد. هنرمند کاملاً پیچیدگی و ویژگی وظایف خود را با سرعت ظاهراً ممکن اجرا درک کرد.

در یکی از این پرتره ها، چروکیدگی خفیف چشمان لنین و لبخندی که به سختی قابل توجه بود، جانی را در تصویر دمید و تصویری پر از گرمای انسانی خلق کرد. در عین حال، پرتره حاوی احساسی از اهمیت اجتماعی تصویر رهبر است و به همین دلیل است که این برگه از نظر محتوایی برای هنر پرتره گرافیکی آن سالها بسیار جدید است (تصویر 1).

موضوع لنین - رهبر توده ها با قدرت و بیانی حتی بیشتر توسط آندریف در پرتره نمایه وی. آی. لنین که اغلب به اوایل دهه 1920 باز می گردد، توسعه یافت. انگیزه و انرژی این تصویر الهام گرفته، قهرمانی متعالی آن قلب ها را به دست می آورد. در عین حال، درک نقش تاریخی V.I. لنین در اینجا با چنان بلوغ متمایز می شود که این اثر آندریف بسیار جلوتر از هنر اوایل دهه 1920 به نظر می رسد. با تمام ثروت و دستاوردهای هنر این سالها، ما در آن چنین حسی از مقیاس اعمال لنین، دامنه اندیشه لنین، چنین درک تاریخی از تصویر او نخواهیم یافت. و فرض اخیر محقق Leniniana L. Trifonova به نظر می رسد عادلانه است که این پرتره که فقط در دهه 1930 شناخته شد ، نه در اوایل دهه 1920 ، بلکه بعداً ایجاد شد. زبان لاکونیک و محتوای درونی به این برگه ماندگاری واقعی می بخشد. این برای چیزی نیست که این پرتره اکنون نه تنها از بسیاری از تولید مثل ها برای عموم مردم آشنا باشد: در موزائیک ساخته شده است ، بلکه هنگام تزئین تعطیلات به عنوان تابلو نقاشی می شود. این نقاشی که به اندازه های عظیم بزرگ شده است، چیزی را در بیان لاکونیک خود از دست نمی دهد.

G. S. Vereisky (متولد 1886) همچنین از اولین سال های شکل گیری گرافیک شوروی در زمینه پرتره کار کرد. لحظه ارزیابی اهمیت اجتماعی یک شخص بعداً جایگاه مهمی را در آثار خود اشغال خواهد کرد ، اما مسیر این هنرمند به این و به ویژه ماهیت اولین آثار او با آندرف متفاوت بود. G. S. Vereisky اولین مهارت های هنری خود را در یک استودیوی خصوصی در خارکف دریافت کرد. تحصیل در دانشگاه، شرکت در یک حلقه انقلابی دانشجویی و رویدادهای انقلابی 1905، در رابطه با این، زندان و سپس چندین سال مهاجرت - اینها برخی از آنها هستند. لحظاتی از بیوگرافی این هنرمند از سال 1918، برای چند سال، Vereisky در بخش حکاکی هرمیتاژ کار کرد. او قبلاً با داشتن اطلاعات قابل توجهی از تاریخ هنر جهان به آنجا آمد و کار طولانی او در هرمیتاژ او را در این زمینه بیش از پیش غنی کرد. نه کتابی، بلکه دانش زنده از شاهکارهای هنر جهانی اثر خود را در تصویر خلاق هنرمند باقی گذاشت. فرهنگ عالی، اشراف، سادگی، که در پس آن دقتی نهفته است، آثار متعدد او را متمایز می کند. وریسکی با پرتره‌هایی که در لیتوگرافی اجرا می‌شد شروع کرد، و اگرچه اکنون او را به‌عنوان یک طراح و حکاکی عالی می‌شناسیم، او بیش از همه در زمینه لیتوگرافی کار کرد.

وریسکی از همان ابتدای کارش وفاداری به طبیعت و مشاهده بود. بنابراین شاید مسیر طولانی این هنرمند در هنر در نگاه اول هموار و آرام به نظر برسد. در واقع، با تلاش های مداوم، بهبود مهارت ها مشخص می شود،

اولین آلبوم بریسکی "هنرمندان روسی" در سال 1922 منتشر شد. ما در اینجا گروهی از هنرمندان جامعه دنیای هنر، از بنیانگذاران تا نسل دوم آن را می بینیم. Vereisky مدل های خود را بسیار خوب و با دقت می شناسد و روحیه معنوی و شخصیت هر یک از هنرمندان را ضبط می کند - جدی بودن و تنهایی ناخوشایند بنوئیس ، غلظت بی شادی ساموف ، بیان خاردار ، تنش زندگی درونی میتروخین و غیره ورق ها ، مانند پرتره های آندریف ، می توانیم چیزهای زیادی درباره افرادی که در اینجا به تصویر کشیده شده اند بیاموزیم ، اما در پرتره های وریسکی لحظه ای برای ارزیابی افراد وجود ندارد ، به اصطلاح ، از راه دور ؛ شخصیت پردازی در یک اتاق ، صمیمی-صمیمی ارائه می شود راه، و سوال از اهمیت اجتماعی فعالیت های آنها هنوز مطرح نشده است. در آلبوم های بعدی سال 1927 - 1928 ، Vereisky با دقت بیشتری نمایش طبیعی و آرام مدل را پیدا می کند ، با اعتماد به نفس و آزادانه تر می شود. پرتره هنرمندان Golovin، Zamirailr، معمار Shchuko، منتقد Yaremich، Notgaft موفق هستند. وریسکی به خوبی می‌توانست فرهنگ درونی، سرزندگی ذهن و جذابیت تحصیلات عالی را که در ذات افرادی که به تصویر می‌کشید، منتقل کند.

در دهه 1930 ، Vereisky روی پرتره های خلبانان بسیار کار کرد و شجاعت و شجاعت آنها را تحسین کرد و سعی کرد در توضیحات خود بر این خصوصیات تأکید کند. و هنگامی که ، در آغاز جنگ بزرگ میهن پرستانه ، او پرتره هایی از مبارزان شجاع Fisanovich ، Meshchersky ، Osipov و دیگران را ایجاد کرد ، آنها مانند ادامه داستان این هنرمند در مورد سربازان شجاع شوروی ، با آثار دهه 1930 آغاز شدند.

اما دستاورد اصلی وریسکی در این دوره و پس از آن، پرتره های چهره های فرهنگی بود. هنرمند در طول سال های جنگ با وضوح خاصی احساس می کرد که مضمون پرتره های او خلاقیت است، توانایی گرانبها و غیرقابل انکار یک هنرمند برای کار با بینش خلاق حتی در لحظات سختی شدید. در این برگه‌ها، به نظر می‌رسید که مهارت فنی عالی Vereisky برای اولین بار با هیجان عمیق عاطفی روشن می‌شد و پرتره‌های همیشه درست و دقیق او احساسی پر جنب و جوش پیدا کردند. مدیر هرمیتاژ، شرق شناس I. A. Orbeli و شاعر N. Tikhonov، در روزهای محاصره لنینگراد توسط او کشیده شدند. سختی‌های آن در ظاهر این افراد اثر گذاشته، اما با وجود شرایطی که کار می‌کنند و عمق خلاقیتشان به‌طور ملموس و واضح منتقل می‌شود. همین شعر جستجوی الهام گرفته در پرتره های هنرمند E. E. Lansere، ارکستر E. A. Mravinsky، نقاش T. N. Yablonskaya (ill. 2) نیز وجود دارد. بار دیگر، چهره های فرهنگی از مشاغل مختلف در اینجا معرفی می شوند، اما با تغییر دنیای درونی آنها، ارادت پرشور آنها به هنر با معنای جدیدی روشن شده است. صمیمیت پیشین آثار وریسکی در حال از بین رفتن است و پرسش از نقش اجتماعی هنر با قدرت کامل در پرتره های او در دهه 1940-1950 شنیده می شود. روش‌های نوشتن روان‌شناختی او متفاوت نشد، بلکه فقط دقیق‌تر شد، اما از حقیقت وجدانی معمول ویژگی‌های او، خطوط نزدیکی بزرگ درونی افرادی که او به تصویر می‌کشید، نزدیکی در اصلی ترین چیز - در درک معنای به نظر می رسید کار آنها به تنهایی ظاهر می شود.

هنگامی که نام G. S. Vereisky را تلفظ می کنیم، اغلب بلافاصله کارهای M. S. Rodionov (1885 - 1956) را به یاد می آوریم - هنرمندی که هنرش از بسیاری جهات در داخل به G. S. Vereisky نزدیک بود. و جهت های اصلی کار - پرتره و منظره (که وریسکی نیز روی آنها بسیار کار کرده است) و زیبایی دقیق روش و تفکر در مطالعه طبیعت برای این هنرمندان مشترک بود. اجرا شده توسط M. S. Rodionov در 1944 - 1946، همچنین در تکنیک لیتوگرافی، مجموعه ای از پرتره های دانشمندان و هنرمندان - ابریکوسوف، بارانوف، وسنین و دیگران - در گرافیک ما همان خط جدی، عاری از نمایش خارجی، قوی را نشان می دهد. در حقیقت درونی هنر پرتره، که در آثار G. S. Vereisky نیز مشخص شده است.

کار Vereisky و Rodionov ما را از اولین سالهای پس از انقلاب دور کرد. با بازگشت به آنها، ما باید دایره ای از آثار پرتره را که قبلاً برای ما آشنا هستیم با آثار B. M. Kustodiev (1878 - 1927) تکمیل کنیم. کوستودیف که یک نقاش بزرگ بود، در زمینه گرافیک نیز بسیار کار کرد. پرتره F.I. Chaliapin جالب توجه است که او در سال 1921 با آبرنگ و مداد نقاشی کرد. اگر در نسخه اول این پرتره به نظر می رسد که مهر زندگی روزمره نور درونی چهره Chaliapin را خاموش می کند، پس از آن هنرمند تصویری پیچیده و در عین حال متقاعد کننده ایجاد می کند. شخص استعداد، وسعت، ظرافت و نوعی اندیشه پنهان را در او احساس می کند (بیماری 3).

دومین ژانر رایج در گرافیک دهه 1920 منظره بود. یکی از بزرگترین استادان آن A.P. Ostroumova-Lebedeva (1871 - 1955) بود. علاقه اولیه به هنر او را به مدرسه طراحی فنی استیگلیتز سوق داد، جایی که او زیر نظر یک معلم و حکاکی عالی V. V. Mate، استاد بزرگ حکاکی بازتولید لحن تحصیل کرد. مشخصات خلاق اوستروموا بلافاصله مشخص نشد. او پس از نقل مکان به آکادمی هنر، در آنجا با معلمان مختلف تحصیل کرد و بعداً به عنوان یکی از شاگردان I. E. Repin پذیرفته شد. این رویدادی بود که اثر خود را در کل کارهای آینده این هنرمند به جا گذاشت. اوستروموا بعدها نوشت: عمیقاً، در هسته هنر ما، رئالیسم شاد، تازه و همیشه زنده رپین سنگ بنای آن است. به تدریج علاقه هنرمند به حکاکی و به ویژه به حکاکی های رنگی بیش از پیش مشخص شد. او در سفر خود به پاریس نمونه های خوبی از این هنر را در مجموعه های مختلف مطالعه کرد. از میان تمام تکنیک‌های حکاکی، حکاکی روی چوب در روسیه در آغاز قرن بیستم کمترین اهمیت هنری مستقل را داشت و عمدتاً به عنوان روشی برای بازتولید نقاشی وجود داشت. حکاکی های چوبی رنگی به کلی فراموش شدند. بنابراین، هنگامی که اوستروموا-لبدوا تعدادی از حکاکی های خود را برای مسابقه به آکادمی ارسال کرد، و در میان آنها یک چوب رنگی از نقاشی هنرمند فلاندری روبنس "پرسئوس و آندرومدا"، هیئت داوران در ابتدا حتی این برگه را رد کرد و آن را به اشتباه گرفت. آبرنگ

اوستروموا-لبدوا در طول زندگی خلاقانه طولانی خود تعهد خود را به حکاکی روی چوب و آبرنگ انجام داد. خود هنرمند در مورد اولین آنها با عشق و شعر می نویسد:

"در این هنر من از اختصار و کوتاهی باورنکردنی ارائه آن، لاکونیسم آن و به لطف این وضوح و بیان فوق العاده آن قدردانی می کنم. من در حکاکی روی چوب از قطعیت و وضوح بی رحمانه خطوط آن قدردانی می کنم ... خود تکنیک اجازه نمی دهد. برای اصلاحات و بنابراین جای تردید و تردید در حکاکی روی چوب نیست ...

و اجرای ساز روی چوب سخت چقدر زیباست! تخته آنقدر صیقلی است که به نظر می رسد مخملی است و روی این سطح طلایی براق، اسکنه تیز به سرعت می دود و تمام کار هنرمند حفظ آن در محدوده اراده اش است!

لحظه شگفت انگیزی وجود دارد که پس از کار دشوار و آهسته همراه با توجه شدید مداوم - اشتباه نکنید - رنگ را با یک غلتک می پیچید و تمام خطوطی که روی تخته گذاشته اید شروع به درخشش با رنگ سیاه می کنند و ناگهان یک نقاشی روی تخته ظاهر می شود.

من همیشه افسوس خورده ام که پس از چنین شکوفایی درخشان حکاکی، که در قرن 16 و 17 بود، این هنر شروع به پژمرده شدن کرد، تبدیل به یک خدمت، یک صنعت شد! و من همیشه آرزو داشتم به او آزادی بدهم!»

حتی در سال های پیش از انقلاب، اوستروموا آثار شگفت انگیز بسیاری خلق کرد - مناظری از سنت پترزبورگ و اطراف آن، مناظر ترسیم شده در طول سفرهای خود در ایتالیا، اسپانیا، فرانسه،

هلند. دقت غیر قابل تغییر و وفاداری به طبیعت قبلاً در آنها با یک هدیه عالی برای تعمیم ترکیب شده است. این هنرمند سنت پترزبورگ را به ویژه روحی و شاعرانه نقاشی می کند. این شهر در ورقه هایش با شکوه و پر از هماهنگی و زیبایی به نظر می رسد. هماهنگی ترکیب، وضوح خطی و خلوص رنگ آثار او را متمایز می کند.

پس از انقلاب، که طبق خاطرات او باعث موجی از انرژی خلاق و خیزش شادی برای هنرمند شد، استرومووا عمدتاً در ژانر منظره معماری به کار خود ادامه می دهد. در صفحات خود، مانند قبل، شهر نه خیابان های شلوغ از جمعیت فعال، بلکه بالاتر از همه، پادشاهی از معماری زیبا، زیبایی ماندگار آن است.

در همان زمان، هنرمند ویژگی‌های جدیدی را در ظاهر شهر کشف می‌کند و احساسات مهار شده نقاشی‌های او گاهی با احساس طوفانی‌تر و تندتر جایگزین می‌شود. در چارچوب یک ژانر منظره واحد، Ostroumova چیزهایی ایجاد می کند که بسیار متنوع و همیشه درونی یکپارچه هستند. به عنوان مثال، آبرنگ او در سال 1918 "پتروگراد. میدان مریخ" را به یاد بیاوریم. این ورقه با حرکت سریع ابرها در آسمان بلند، وسعت میدان و چهره باریک و آینده نگر بنای یادبود سووروف پر از تنش و ترحم پنهان است. نگرش هنرمند در اینجا شجاعانه، شاد است، ریتم های زندگی که او شنیده است، مانند یک راهپیمایی، و مانند یک راهپیمایی، موزیکال است. Ostroumova با ضربات سبک، در فرم تعمیم یافته، با استفاده از جزئیات با اعتدال عاقلانه رنگ می کند. به نظر می رسد که این ورق کاملاً ساده ترسیم شده است ، اما در پشت سادگی آن مهارت و ذوق هنری عالی وجود دارد. همچنین در اصالت پالت متواضع و زیبای این چیز ظاهر می شود.

حکاکی روی چوب "اسمولنی" با احساسات وحشی غیرمعمول برای اوستروموا آغشته است. به نظر می رسد که نفس انقلاب در سراسر این منظره می وزد و ساختمان فرم های کلاسیک آرام دوباره زنده می شود، مانند آب های جوشان اکتبر 1917. به نظر می رسد برخورد سیاه و سفید قدرت هر یک از این رنگ ها را دو چندان می کند. ستون‌های Propylaea که ورودی اسمولنی را مشخص می‌کنند، به‌طور تهدیدآمیز سیاه می‌شوند، زمین با سفیدی درخشان می‌درخشد، ضرباتی که مسیر ساختمان را در اعماق ترسیم می‌کنند، با حرکتی طوفانی می‌چرخند، درختی زیر باد تند خم می‌شود، و زمین در حال سقوط است. خطوط به سختی آسمان بالای اسمولنی را مشخص می کنند. تصویری پر از تکانه، حرکت و هیجان عاشقانه ایجاد می شود. علاوه بر این، چقدر زیبا و دیدنی است این چوب سیاه و سفید، مزایای صرفا تزئینی آن بسیار عالی است.

چرخه نقش های چوبی کوچک که پاولوفسک را به تصویر می کشد نیز تزئینی است. این هنرمند تزئینات را در خطوط کلی یک دسته از درختان، شبح یک مجسمه یا مشبک، مشاهده شده در زندگی و بنابراین قانع کننده می دید.

یک نمونه کلاسیک از مهارت بزرگ اوستروموا-لبدوا منظره "باغ تابستانی در فراست" (1929؛ ill. 4) است.

وقتی به این حکاکی نگاه می کنی آرامش یک باغ متروک تو را فرا می گیرد. به نظر می رسد خود را در کوچه او می یابی - نویسنده اینگونه ترکیب ورق را باز می کند. بخیه رد پاها در برف عمیق و ریتم مشبک مشکی پوشیده از برف، حرکت را در اعماق ورق مشخص می کند و به آرامی با شبح روشن یک پل به آنجا می چرخد. حرکت و چهره های دور از مردم کل ورق را زنده می کند، اما جذابیت برفی آن را به هم نمی زند. در ترکیب آرامش شگفت انگیز و سکوت با احساس زندگی شهری بزرگ در جایی بسیار نزدیک است که جذابیت خاص این حکاکی متولد می شود. شعر زمستان، رنگ‌های مه‌آلود آن، هوای یخ‌زده‌ای که در یخبندان صورتی شکننده درختان را می‌فشاند، در اینجا کاملاً توسط هنرمند منتقل می‌شود.

در روزهای جنگ بزرگ میهنی ، اوستروموا-لبدوا که قبلاً بیش از هفتاد سال داشت ، لنینگراد را ترک نکرد. او سختی های باورنکردنی محاصره را با همه ساکنان در میان گذاشت و تا جایی که می توانست دست از کار نکشید. صفحات خاطرات او در این سال ها نه تنها وقایع سختی ها و اضطراب های روحی، بلکه شاهدی بر آتش خلاقانه جاودانه و میل خستگی ناپذیر به کار است. چنین عشقی به هنر و ارادت زیاد به آن هنوز هم نمونه ای برای هنرمندان جوان است و دستاوردهای اوستروموا-لبدوا در قلم زنی و به ویژه احیای نقاشی های چوبی رنگی هنری او به عنوان سهم تزلزل ناپذیر استاد بزرگ در هنر ما باقی مانده است.

آثار V. D. Falileev (1879 - 1948) از بسیاری جهات از نظر دیدگاه و سبک‌شناسی به آثار Ostroumova-Lebedeva نزدیک است. او همچنین استاد حکاکی‌های سیاه و رنگی روی چوب بود و در جستجوی دائمی امکانات فنی جدید برای آثارش، به‌ویژه موارد رنگ‌نگاری، به حکاکی و لینوکات روی آورد. مناظر فالیلیف، هم کشور مادری و هم کشورهای خارجی را به تصویر می کشد، ما را با همان پری احساسات، توانایی دیدن زیبایی در نقوش معمولی طبیعت، مانند آثار اوستروموا-لبدوا جذب می کند، اما هارمونی و خلوص کلاسیک خطوط کمتر رایج است. در حکاکی‌هایش، سبک طراحی او آزادتر و به نوعی بی‌قرارتر است، رنگ‌آمیزی گرم‌تر و زیباتر است. در عین حال، توانایی تعمیم برداشت ها و ایجاد یک تصویر هنری بزرگ با حداقل ابزار، فالیله را شبیه به اوستروموا-لبدوا می کند. از این نظر، مشخصه، برای مثال، آلبوم لینوکات های رنگی فالیله "ایتالیا" است، جایی که هنرمند، تنها یک ورق را به یک شهر یا شهر دیگر اختصاص می دهد، در ترکیب بندی های بسیار لاکونیک، که گاهی اوقات فقط یک قطعه از یک ساختمان را به تصویر می کشد، به نظر می رسد تمرکز دارد. آنچه که در ظاهر شهرهای ایتالیا بیشتر مشخص است.

این هنرمند همچنین به طبیعت طوفانی علاقه مند است ، او مجموعه ای از حکاکی های "باران" را ایجاد می کند که در تعدادی از ورق ها متفاوت است ، ظاهر متغیر دریا را مطالعه می کند ، طرح های یک موج طوفانی دریا را مطالعه می کند. در مناظر با نقوش طوفان و باران، برخی از محققان واکنش منحصر به فرد گرافیکی را به طوفان انقلابی می بینند، اما چنین نزدیکی هنوز خیلی ساده به نظر می رسد. و در Falileev ما خطر ایجاد رابطه مشابه بین توطئه های او و رویدادهای اجتماعی را نخواهیم داشت. اما در مجموع آثار او، در تنش خاص ساختار درونی آنها، واقعاً احساس پیچیدگی دنیای اجتماعی وجود دارد، و در صفحات منظره او بیشتر از مثلاً در لینوکات «سربازان، زیرا فالیله در درجه اول یک نقاش منظره بود.

I. N. Pavlov (1872 - 1951) همچنین نماینده ژانر منظره در گرافیک بود. در شخص او، مسکو شاعری داشت که فداکار بود و هرگز از ستایش آن خسته نمی شد، همانطور که لنینگراد در شخص اوستروموا-لبدوا داشت. پاولوف تقریباً هم سن اوستروموا بود، اما راه او در هنر در شرایط زندگی دشوارتر دیگری آغاز شد. پسر یک امدادگر زندان، که بعداً نگهبان کلیسای جامع مسیح منجی در مسکو بود، مجبور شد در همان اوایل "در معرض دید عموم قرار گیرد" و در یک کارگاه صنایع دستی حکاکی شاگرد شد. حکاکی های بازتولید از نقاشی های V. Makovsky اولین آثاری بودند که موفقیت را برای او به ارمغان آوردند. متعاقباً ، پاولوف در مدرسه طراحی فنی استیگلیتز و در کارگاه Mate و همچنین در مدرسه انجمن تشویق هنرها تحصیل کرد ، اما به دلیل نیاز به کار برای مدت طولانی. این هنرمند در بازتولید نقاشی ها به مهارت زیادی دست می یابد و حکاکی های او در مجلات مشهور آن سال ها منتشر می شود و خوانندگان را با آثار نقاشان اصلی - از رپین تا وی. ماکوفسکی - آشنا می کند. با این حال، فوتومکانیک بیشتر جایگزین این روش تولید مثل می شود. در آثار پاولوف، موضوع اصلی کار او ظاهر می شود - گوشه و کنار باستانی مسکو و شهرهای استانی، چشم انداز روسیه که به گذشته فرو رفته است.

انتقال به خلق حکاکی های اصلی برای هنرمند آسان نبود، اما سخت کوشی و عشق او به موضوع خود، کارهای زیادی انجام داد. از سال 1914، آلبوم های حکاکی های منظره توسط I.N. Pavlov شروع به ظاهر شدن کردند. مناظر او بر اساس برداشت از طبیعت منطقه مسکو و از سفرهای ولگا و اوکا بود. ادراک اتاقی از طبیعت و جستجوی نوعی صمیمیت در آن، این نخستین آثار را متمایز کرد. من سعی کردم گوشه‌ها را انتخاب کنم و قصد داشتم حکاکی‌هایم را به‌عنوان مناظر واقعی خلق و خو ببینم. در مقیاس بزرگ، در طبیعت پانورامیک تصویر، به نظرم رسید که صمیمیت و وضوح ترکیبی که سعی کردم به آن دست یابم می‌تواند کاملاً ناپدید شود. این هنرمند بعداً به یاد آورد. پاولوف با شروع یک سری بزرگ از مناظر مسکو، در اینجا نیز عمدتاً به دنبال نقوش غنایی مجلسی است و دوران باستان را به تصویر می کشد. «به دنبال کمیاب‌ترین ساختمان‌های قدیمی، حیاط‌ها، بن‌بست‌ها، خانه‌های چوبی صد ساله، کلیساهای معماری قدیمی گشتم؛ بسیاری از بناهای برجسته دوران باستان را نادیده نگرفتم... گاهی اوقات کهنه را با جدید جایگزین می‌کردم تا در خاطرات او می خوانیم.

از سال به سال، حکاکی های مسکو توسط I. N. Pavlov انباشته می شود و آلبوم های متعدد او را تشکیل می دهد. در مدت زمان نسبتاً کوتاهی در مسکو چیزهای زیادی تغییر کرده است؛ گوشه‌های آرامی که I. N. Pavlov نقاشی کرده است در این شهر بزرگ مدرن غیرقابل تشخیص شده است. و ما از هنرمندی سپاسگزاریم که آسایش کوچک کوچه‌های ساکت و صمیمیت خانه‌های کوچک را برای ما حفظ کرد (بیماری 5). و در سایر شهرهای روسیه - کوستروما، اوگلیچ، ریازان، تورژوک - پاولوف توسط معماری باستانی جذب شده است. رسا بودن و اصالت او را به خوبی احساس می کرد. اما به طور کلی، آثار پاولوف در مقایسه با مناظر Ostroumova-Lebedeva یا Falileev به طور غیرقابل مقایسه ای هنری و زیبایی پلاستیکی کمتری دارند. دقت مستند آثار او اغلب به سبک عکاسی تبدیل می شود.

5. I. N. Pavlov. برگی از آلبوم "مسکو قدیمی". روی واروارکا. 1924

چرخه مناظر مدرن پاولوف در دهه 1920 - 1930 گسترش یافت، زمانی که او با پیوستن به انجمن هنرمندان انقلابی روسیه، مانند بسیاری از استادان هنر، به سفرهای خلاقانه به مراکز صنعتی کشور رفت. لینوکات رنگی "آستراخان" با دسته ای تیره از کشتی ها و چراغ های ساختمان بزرگ کمیساریای مردمی آب در ساحل، منظره "روی ولگا" با شبح های سیاه تیز کشتی های بادبانی و آب کمی لرزان، "باکو" "، "بالاخنا" و چند برگه دیگر اجرا شده در این سالها در فهرست آثار برتر این هنرمند قرار گرفتند. ورق "Zvenigorod. Outskirts" که توسط استاد 78 ساله در سال 1949 ایجاد شد، همچنین با خلق و خوی شاد و روشن خود را مجذوب خود می کند.

تمجیدهای نابجا از آثار پاولوف توسط منتقدان در اواخر دهه 1940 و اوایل دهه 1950، کاستی های آثار او را پنهان کرد و به طور متناقضی، مانع از آشکار شدن شایستگی های واقعی آنها شد. امروزه اغلب با انکار کامل آثار او مواجه می‌شویم. اما ما از کار بزرگ این هنرمند و تجربه غنی او که سخاوتمندانه با بسیاری از استادان گرافیک شوروی در ابتدای راه خلاقانه خود به اشتراک گذاشت، قدردانی می کنیم.

شایستگی پاولوف - همراه با V.D. Falileev - استفاده از لینوکات توسط هنرمندان شوروی و اختراع روش جدیدی برای چاپ چاپ با آبرنگ - aquatype است.

در میان شاگردان I. N. Pavlov، M. V. Matorin، استاد حکاکی های رنگی روی چوب و نقاش منظره، به عنوان یک هنرمند و معلم کار پرباری دارد.

I. N. Pavlov در دهه 1920 در جذابیت خود به چشم انداز معماری و بناهای باستانی تنها نبود. Vl. Iv. سوکولوف، شاگرد لویتان، که همان I.N. Pavlov موفق شد به تکنیک های حکاکی علاقه مند شود، چندین آلبوم در سال 1917 - 1925 منتشر کرد که به سرگیف پوساد، مسکو قدیمی و روستوف اختصاص داشت. اینها همه نمونه های خوبی از مناظر باستانی هستند. در آلبوم‌های سنگ نگاره‌های یوون و کوستودیف در دهه 1920 نیز می‌توان سرگیف پوساد، مناظر روسی، تصاویری از زندگی قدیمی استانی دست نخورده را مشاهده کرد. ساختمان‌های کلاسیک سنت پترزبورگ در ردیف تعقیب‌شده‌های نقوش چوبی P. A. Shillingovsky قرار دارند که آلبوم مناظر او که در سال 1923 منتشر شد، اگرچه «پترزبورگ. خرابه‌ها و رنسانس» نامیده می‌شد، عمدتاً حاوی تصاویر غم‌انگیز ویرانه‌ها بود - ویرانی‌های ناشی از آن پتروگراد با ویرانی نظامی. شیلینگوفسکی پس از ورود به ارمنستان، دوباره فقط ویژگی های دوران باستان را دید و آلبومی از حکاکی های "اریوان قدیم" را در سال 1927 منتشر کرد. بنابراین، منظره باستانی در گرافیک دهه اول یک سرگرمی تصادفی استادان فردی نیست، بلکه یک پدیده کامل است.

تنها در حدود سال 1927 علاقه به آن خشک شد و همان شیلینگوفسکی، تحسین کننده بزرگ دوران باستان معماری، آلبوم "ارمنستان جدید" را در سال بعد، 1928 ایجاد کرد، گویی در اثر خود به نقطه عطفی مشخصی اشاره می کند که در سال 1928 رخ داده بود. گرافیک

البته جدید در اعماق قدیم رشد می کند و آثار اختصاص یافته به چشم انداز مدرن در گرافیک ظاهر می شوند، به اصطلاح، در اعماق آن، در میان چیزهایی که قبلاً برای ما آشنا بودند. نویسندگان آنها هنرمندانی بودند که دیروز خلاقیت خود را وقف تأمل در زیبایی های ابدی معماری و طبیعت کردند. به عنوان مثال، I. I. Nivinsky (1881 - 1933)، بزرگترین استاد قلمزنی شوروی، در آلبوم "کریمه" که در سال 1925 منتشر شد، هنرمندانه و به راحتی، اگرچه با چاشنی تعمق، جشن روزمره طبیعت زیبای جنوب را منتقل می کند. برای دهمین سالگرد اکتبر، به دستور شورای کمیسرهای خلق، نیوینسکی چندین حکاکی بزرگ "Zages" ایجاد می کند، که در آن، با به تصویر کشیدن یک نیروگاه در گرجستان، او نه تنها موضوع جدیدی را به مناظر خود وارد می کند، بلکه فعالانه به دنبال چیزهای جدید است. اشکال بیان برای آن

حکاکی «بنای یادبود وی. زیبایی این بنای تاریخی، شبح با شکوه و تماشایی آن جزء اصلی تصویر منظره در اینجا می شود. طبیعت در حال حاضر توسط هنرمند نه تنها به عنوان موضوعی برای تعمق تحسین برانگیز، بلکه به عنوان زمینه ای از فعالیت های بزرگ انسانی درک می شود. برای اولین بار، یادداشت های نگرش فعال نسبت به زندگی به وضوح در چشم انداز گرافیکی به نظر می رسید.

نقوش جدید در نیمه دوم دهه 1920 در آثار هنرمند I. A. Sokolov (متولد 1890) ظاهر شد. دانش آموز و ستایشگر بزرگ V.D. Falileev ، I.A. Sokolov ، از همان ابتدای کار خود ، صحنه هایی از کار را در حکاکی ها به تصویر می کشید. در ابتدا، این کار خانگی دشوار و پر دردسر یک زن در خانه است، کار دستی - دنیایی تنگ و محدود که با گرمی و عشق نشان داده می شود. کفاشی که روی کارش خم شده است، یک لباسشویی، یک مادربزرگ با نوه هایش در یک اتاق تنگ و غیرقابل توصیف در غروب، شبح باریک یک توری ساز در پس زمینه پارچه سبک با الگوی پیچیده، آشکارا بافته شده توسط او - اینها آثار سوکولوف هستند. اولین آثار (ill. 7).

از نظر ماهیت آنها بسیار نزدیک به آثار I. Pavlov، Vl. سوکولوف و دیگر هنرمندانی که گوشه‌های بی‌نظیر شهرهای بزرگ، قدمت دست نخورده آن‌ها را به ما نشان دادند. M. Z. Kholodovskaya زندگینامه I. A. Sokolov به درستی می نویسد: "به نظر می رسد که زندگی ، منعکس شده در حکاکی های I. A. Sokolov ، در پشت دیوارهای آن خانه های کوچکی که I. N. Pavlov به تصویر کشیده است ، رخ داده است."

بدیهی است که از آنجایی که این هنرمند همیشه به نقاشی های کار نزدیک بود، او یکی از اولین کسانی بود که چارچوب باریک موضوع خود را گسترش داد و شروع به به تصویر کشیدن دنیای جدید کار صنعتی کرد - کار در یک کارخانه بزرگ متالورژی. اولین برگه های او که گیاه چکش و داس مسکو را به تصویر می کشد به سال 1925 بازمی گردد. در این زمان، این هنرمند قبلاً بر تکنیک لینوکات چند صفحه ای رنگی مسلط شده بود و نماهای کارگاه ها، در هم تنیدگی خرپاهای فولادی قدرتمند و نورپردازی پیچیده صحنه ها با فلز داغ خیره کننده توسط او با دقت و جزئیات بازتولید می شد. بعداً، سوکولوف که قبلاً یک استاد بالغ بود، دوباره به کارخانه آشنای خود آمد و در سال 1949 مجموعه ای از حکاکی ها را به او اختصاص داد. این بار او صفحات پرتره را وارد سریال می کند. یکی از آنها، که فولادساز F.I. Sveshnikov را به تصویر می کشید، به ویژه برای این هنرمند موفق بود. او در کسوت سوشنیکوف، با تماشای ذوب، موفق شد تواضع، سادگی و جذابیت مردی با تجربه زندگی و کاری گسترده را به دیگران منتقل کند. اما اولین برگه های "کارخانه" سوکولوف اهمیت خود را برای ما حفظ می کند. آنها حاوی دقت وجدانی گام های اولیه در مسیری هستند که هنوز برای خود نویسنده و سایر هنرمندان ناشناخته است.

I. Sokolov در طول زندگی خود در زمینه چشم انداز بسیار کار کرد. مناظر او در دهه های 1920 و 1930 به طور گسترده ای شناخته شد. طراوت سرد اوایل بهار و ردای آتشین پاییز همیشه با طراحی واضح، دقیق، رنگ های شفاف و ناب در آنها تسخیر می شود. با بهبود تکنیک لینوکات رنگی، دستیابی به انتقال رایگان طیف غنی از رنگ ها، هنرمند از تعداد زیادی تخته استفاده می کند و گاهی اوقات نه تنها یک، بلکه چندین رنگ، بلکه چندین رنگ را روی تخته می غلتد. به عنوان مثال، حکاکی معروف او "کوزمینکی، پاییز" که با رنگ های زیبای داغ خود را مجذوب خود می کند، بر روی هفت تخته در 9 رنگ اجرا شده است.

وقایع جنگ توسط این هنرمند در سریال بزرگ "مسکو در سال 1942" و "آنچه دشمن خراب کرد" منعکس شد. در اولین آنها، کشیدن تانک هایی که به سمت جلو در خیابان های مسکو می روند، گله هایی رانده شده به عقب، باغ های سبزیجات در حیاط ها و غیره، هنرمند برگه های خود را با نقوش ژانر اشباع می کند، اما همچنان در درجه اول یک هنرمند منظره در حل است. ترکیب به عنوان یک کل در سری دوم - منظره - کار مستند عمداً به منصه ظهور می رسد، اما غم و اندوه نیز این صفحات را رنگ می کند و تخریب دردناک مجموعه های زیبای حومه لنینگراد را به تصویر می کشد. این هنرمند در مجموعه‌های سال‌های پس از جنگ نیز با همین وظیفه‌ی مستند روبروست، که در آن او با زحمت و دقت مکان‌های به یاد ماندنی مرتبط با زندگی و کار وی.

اولین آثار در مورد زندگی جدید ، مانند ورق های Nivinsky یا Sokolov ، تعداد کمی از آنها بود. با این حال، تعداد آنها به تدریج در حال افزایش است. در طول سال های برنامه پنج ساله اول، سفرهای نقاشان و گرافیست ها به مهم ترین ساختمان های جدید، غول های صنعتی و اولین مزارع جمعی برگزار شد. هنرمندان با اشتیاق به این تکالیف جدید پاسخ دادند. و گرچه در میان آثاری که در نتیجه این سفرها خلق شد، هنوز چیزهای کمی از شایستگی هنری بالا یافت می‌شد، اما با این اثر جریان تازه‌ای، دمی از زندگی بزرگ کشور وارد گرافیک شد.

پیچیدگی این اثر در شناخت ناکافی هنرمندان از زندگی روزمره ساخت سوسیالیستی و ماهیت بحث‌انگیز بسیاری از موضوعات شکل هنری مشخصه آن سال‌ها بود. گروه‌های هنری متعددی اغلب با سکوهای نظری مخالف ظاهر می‌شدند و در مناقشاتی که در آن زمان به وجود می‌آمد، گاهی اوقات حق وجود هنر سه‌قلوی زیر سؤال می‌رفت. نباید فراموش کرد که این سال ها دوره جست و جوهای متناقض در حوزه آموزش هنر بود. اغلب، آمادگی نادرست هنرمندان در دانشگاه ها، آنها را از پایه های مستحکم مهارت حرفه ای محروم می کرد و گرافیست جوان بعداً مجبور به گریم های زیادی می شد. درست است، کارهای تعدادی از اساتید ممتاز نسل قدیم و همچنین توصیه هایی که به جوانان اغلب بیرون از دیوارهای رسمی دانشگاه می کردند، برای آنها بسیار آموزنده بود. همچنین استودیوهایی مانند استودیو کاردوفسکی وجود داشت که در آن هنرمندان مدرسه پرباری از طراحی و ترکیب بندی واقع گرایانه را پشت سر گذاشتند. با این حال شرایط کار برای هنرمندان دشوار بود. آنها تنها با انحلال گروه های هنری در اوایل دهه 1930 و اتحاد همه نیروهای خلاق سالم بر روی یک پلت فرم واحد واقع گرایانه پیشرفت کردند.

هنگامی که گرافیک به موضوعات مدرن تبدیل شد، چندین جهت اصلی کار هنرمندان به سرعت پدیدار شد. یکی از آنها، همانطور که در حکاکی های ای. سوکولوف دیدیم، از طریق بازتولید دقیق، تا حدودی توصیفی، تقریباً مستند از وضعیت کار عمدتاً صنعتی بود. در آثاری از این دست، تمایل ابتکاری و صادقانه نویسندگان زیادی وجود داشت که تا حد امکان دقیق و کامل درباره ساختمان‌ها و کارخانه‌های جدید به بیننده بگویند. بیخود نیست که هنرمندان اغلب خود را به یک ورق محدود نمی کنند، بلکه در مجموعه ای کامل از آنها، نماهایی از یک کارخانه، ساخت و ساز و غیره را به تصویر می کشند.

جهت دوم را می توان با احساس غنایی، لاکونیک، حفظ سرزندگی طرح، اما همچنین عدم وضوح آن، هنر منظر صنعتی، که در اواخر دهه 1920 - اوایل دهه 1930 توسط N. N. Kupreyanov (1894) ایجاد شد، نامید. - 1933)، شاگرد هنرمندان مختلفی مانند کاردوفسکی، پتروف-ودکین، اوستروموا-لبدوا، کوپریانوف مسیری کوتاه اما دشوار در هنر را طی کرد، پر از جستجوهای مداوم. او نه تنها در زمینه گرافیک سه پایه، بلکه در تصویرسازی کتاب نیز به طرز جالبی کار می کرد. کوپریانوف یکی از اولین کسانی بود که آثار خود را به انقلاب اختصاص داد و چوب‌تراشی‌های او «ماشین زرهی» (1918) و «کروزر «آرورا» (1923) که تا حدودی عمدی در زاویه‌ای بودن تاکید شده یا حرکت سریع خطوطشان بود، در خود نشان دادند. ذره ای از نشاط معنوی واقعی، پاسخی پر جنب و جوش به رویدادهای اکتبر. کوپریانوف به زودی با ترک چوب، عمدتاً به سبک انتقال آزاد، پر از نور و نور و سایه مرموز نقاشی با جوهر و آبرنگ کار می کند. مناظر اتاقی و صحنه های " سریال سلیشچنسکی" که در آن هم گرما و هم انزوای نزدیک دنیای خانواده وجود دارد، یکی از جنبه های کار او را تشکیل می دهد. اما هنر کوپریانف در اوایل به وسعت کشور پهناور می رسد. در سریال "ریل راه آهن" (1927) برس سریع او ورق به ورق را با حرکت پژواک قطارها پر می کند و در ریتم شتابزده آن می توان پژواک زندگی تجاری کشور را شنید.چرخه های "بالتیک" که در سال 1931 شروع به ایجاد کرد و "شیلات شیلات" کاسپین» که در نتیجه سفرهای هنرمند به آنجا پدید آمد، همان سهولت طراحی ظاهری بی دقتی را نشان می دهد. در پشت آن می توان جستجوی دور از پایان یافتن تصاویر مدرنیته را احساس کرد، که بیان زودگذر و محتوای گسترده ویژگی را با هم ترکیب می کند.

مرگ زودهنگام کار این هنرمند را در این میان کوتاه کرد.

سومین جهت در کار هنرمندان گرافیست در زمینه موضوعات مدرن با روند اولیه ارائه رمانتیک برجسته طرح پدیدار شد. او نقوش صنعتی را به منظره ای باشکوه و گاه مسحورکننده تبدیل می کند. به نظر می رسد اینها آثاری هستند که خلاقانه ترین و احساسی ترین رویکرد را به طبیعت دارند. و در واقع، در میان آنها اغلب چیزهای قابل توجه و بسیار زیبایی وجود دارد. اما شادی عاشقانه آنها اغلب تا حدودی انتزاعی و ذهنیتی دارد؛ مانند دقت توصیفی دیگر آثار، تنها حاصل اولین تماس هنرمند با موضوع است. بی دلیل نیست که نویسندگان تمام آثار صنعتی اولیه، با توجه به انواع کلی ساخت و ساز، کارگاه های کارخانه و غیره، هنوز جایگاه بسیار متوسطی را برای افراد در آنها اختصاص می دهند. نمونه ای از آثار با طبیعت رمانتیک، ورق N. I. Dormidontov "Dneprostroy" (1931؛ ill. 8) است. دورمیدونتوف (متولد 1898) همچنین یکی از اولین هنرمندان مضامین مدرن در گرافیک است. قبلاً از اواسط دهه 1920، برگه کاری او که به کار اختصاص داده شده بود ظاهر شد - در ابتدا بسیار دقیق و خشک، سپس آزادتر و مبتنی بر ترکیب. در نقاشی "Dneprostroy" هنرمند مجذوب مقیاس عظیم ساختار و ماهیت مسحور کننده تصویر کارهای شبانه است که توسط نور خشن لامپ های متعدد روشن شده است. در نقاشی های او، کار به منظره ای خیره کننده، مرموز، باشکوه و کمی خارق العاده تبدیل می شود.

تفسیر مشابهی از کار را می توان در مجموعه ای از حکاکی های A. I. Kravchenko (1889 - 1940) مشاهده کرد که همچنین به ساخت ایستگاه برق آبی Dnieper (1931) اختصاص یافته است. این هنرمند قبلاً در دوره خلاقیت بالغ خود ایجاد کرده بود و مهارت تماشایی او به وضوح در آن متجلی بود.

در حکاکی‌های این چرخه، سازه‌های سدهای عظیم روی هم انباشته شده‌اند، بالا می‌روند، بوم‌های جرثقیل از نزدیک دور آن‌ها برمی‌خیزند، آسمان بلند با ابرها می‌چرخد و خورشید پرتوهای خیره‌کننده‌اش را به سمت بالا می‌فرستد. تضاد رنگ های سیاه و سفید باعث ایجاد طیف روشن و بی قراری از حکاکی ها می شود. منظره ساخت و ساز کراوچنکو باشکوه و چشمگیر است. و افرادی که یک غول صنعتی جدید را در شرایط دشوار خلق می‌کنند، تنها به‌عنوان گروه‌های ریتمیک تکرارشونده از چهره‌های شبح یکسان، به عنوان حاملان انتزاعی حرکت در نظر گرفته می‌شوند. با این حال، بسیاری از هنرمندان در درجه اول توسط بیان پانوراما کلی محل ساخت و ساز، کارگاه و غیره جذب شدند.

کار کراوچنکو به طور کلی یک صفحه روشن و بدیع در تاریخ گرافیک ما است. کراوچنکو که استاد چاپ، حکاکی و طراحی روی چوب است، بسیار حساس به مضامین مفاهیم اجتماعی حاد در اشیاء سه پایه، نویسنده علمی تخیلی و جادوگر در تصویرسازی است، به سرعت شهرت زیادی در داخل و خارج از کشور به دست آورد. او که از یک خانواده دهقانی می آمد، در مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو تحصیل کرد. معلمان او نقاشان مشهور روسی S. Ivanov، V. Serov، K. Korovin، A. Arkhipov بودند. کراوچنکو کار خود را به عنوان یک نقاش آغاز کرد، اما در زمینه طراحی و حکاکی که در سال های قدرت شوروی به آن روی آورد، کار او به ویژه جالب است. سفرهای متعدد به هند، فرانسه، ایتالیا، آمریکا و اتحاد جماهیر شوروی تحصیلات هنری کراوچنکو را تکمیل کرد و افق دید او را گسترش داد. کراوچنکو خیلی سخت کار کرد. او دنیای عجیبی از تصاویر را در تصاویر کتاب خلق کرد که ترکیبی از فانتزی و گروتسک، جادوی لرزان احساسات و انرژی وسواس است. او دائماً در زمینه چشم انداز کار می کرد؛ ورقه های مختلف او هماهنگی و زیبایی طبیعت متوسط ​​منطقه مسکو و شهرهای معروف اروپا را به تصویر می کشد. او یکی از اولین گرافیست‌هایی است که مجموعه‌های داستانی را با پاسخ به مضامین اجتماعی خلق کرد. سلسله حکاکی هایی که به تشییع جنازه وی.آی لنین اختصاص داده شده است، ساخته شده در همان سال 1924، شهادت غم انگیز شاهدان عینی بود و اکنون اهمیت یک اثر تاریخی را پیدا کرده است. این هنرمند متعاقبا یک بار دیگر به موضوع لنینیستی بازگشت و حکاکی سخت و موقر "مقبر" را در سال 1933 تکمیل کرد. او همچنین مجموعه‌ای از حکاکی‌های «زندگی یک زن در گذشته و حال» را برای غرفه شوروی در نمایشگاه بین‌المللی پاریس ساخت. در نقاشی های متضاد، هنرمند سرنوشت یک زن-مادر در روسیه تزاری و شوروی را بازتولید کرد. او در اینجا به عنوان یک داستان نویس عمل می کرد که گفتارش احساسی و واضح بود، اما هیچ بیان درونی و پلاستیکی زیادی در تصاویر او وجود نداشت. پس از سریال "Dneprostroy" ، کراوچنکو موضوع صنعتی را رها نکرد و در سال 1938 با استفاده از مواد یک سفر کاری خلاقانه ، نقاشی ها و حکاکی هایی را که به گیاه Azovstal اختصاص داده شده بود ، ایجاد کرد.

در حکاکی که نشت فولاد را به تصویر می‌کشد (تصویر 9)، هنرمند همچنان اسیر قدرت ساختارهای فنی عظیم و عظمت تصویر کار است. او آزادانه صحنه پیچیده ای را تشکیل می دهد ، و آن را به طور موثری با جریانهای نور و جرقه ها روشن می کند. علاوه بر این، یک ریتم واقعی کار در اینجا ظاهر می شود، و همراه با آن مصلحت هر چیزی که اتفاق می افتد، به جای ترحم تا حدی انتزاعی "دنیپر". علاوه بر سرگرمی های دیدنی ، این برگه همچنین محتوای عالی را به دست می آورد.

این اچینگ یادبود توسط Kravchenko برای نمایشگاه All-Union "صنعت سوسیالیسم" اجرا شد. این نمایشگاه در هنر شوروی با جذابیت گسترده هنرمندان به مدرنیته همراه است. آثار برای آن در طی چند سال ، از سال 1936 شروع شد. اندکی قبل از شروع این کار ، 1500 درامر از یکی از بزرگترین کارخانه ها در صفحات پراودا نوشتند و به هنرمندان خطاب کردند:

"ما از شما انتظار بوم های بزرگ داریم. ما می خواهیم آنها چیزی بیش از یک عکس ساده باشند. ما می خواهیم آنها پر از اشتیاق باشند. ما می خواهیم آنها ما و فرزندانمان را هیجان زده کنند. ما می خواهیم آنها لذت مبارزه و مبارزه را در ما القا کنند. عطش پیروزی های جدید. ما می خواهیم شما به مردم کشور ما - قهرمانان و شرکت کنندگان معمولی در پروژه ساخت و ساز ما - نشان دهید. "

این سخنان پرشور نه تنها وظایف هنر ما را به خوبی فرموله می‌کرد، بلکه آن فضای عشق مطالبه‌گر مردم به هنر، آن علاقه والاً کارگر کارگری را که هنرمندان را در کارشان یاری می‌کرد به آن منعکس می‌کرد. این نمایشگاه که به ابتکار سرگو ارجونیکیدزه سازماندهی شد و در طول کنگره هجدهم حزب افتتاح شد، به طور گسترده زندگی کشور شوروی را پوشش داد. بیش از 1000 اثر در اینجا به نمایش گذاشته شد که حدود 340 اثر در بخش گرافیک (به جز طنز) بودند. در میان این ورق‌ها آثاری با مهارت زیاد وجود داشت و تعداد کمی از آنها تا به امروز باقی مانده است. اما مضامین جدیدی که آوردند و هنرمندان در زندگی واقعی - روی داربست های ساختمان های جدید، در کارگاه های یک کارخانه- می دیدند، دستاورد بزرگی برای هنر گرافیک بود. Dnieprostroy و کار در معادن پتاسیم Solikamsk، ساخت مترو و توسعه قطب شمال، استخراج طلا در تایگا و کار یک معدنچی - چقدر بر خلاف این موضوعات از دایره باطل پدیده های زندگی است که به آن محدود می شود. دنیای گرافیک سه پایه قبل، چقدر کم پایبندی به قدمت، اصول اساسی در آن باقی مانده است گذشته نگر! اینجا هنوز مناظر صنعتی زیادی وجود داشت. اما در کنار آنها صحنه های زایمان نیز ظاهر می شود. و فردی که در کارخانه، مزرعه، آزمایشگاه، معدن کار می کند برای اولین بار قهرمان کارهای گرافیکی می شود. هنرمندان هنوز دنیای درونی او را به خوبی نمی‌شناسند؛ در ابتدا فقط احساس خوبی دارند و می‌توانند رفتار مطمئن او را در کارش، انعطاف‌پذیری حرکات حرفه‌ای‌اش را منتقل کنند. به همین دلیل است که یک ژست سخت در نقاشی‌ها می‌تواند قانع‌کننده‌تر از حالت چهره باشد و برخی از کارهای خوب به دلیل زبری ظاهری شخصیت‌ها خراب می‌شوند.

به عنوان مثال، هنرمند A. Samokhvalov (متولد 1894)، در یک سری از آبرنگ ها به خوبی انرژی و خوش بینی "دختران متروستروی" را نشان داد، اما همچنین بر ناهمواری آنها تأکید کرد. به نظر می رسد چنین تأکیدی برای شناخت ما از قهرمانان ساموخوالوف محدودیت ایجاد می کند و کار او را ضعیف می کند، اگرچه در لحن و فضای آن ویژگی هایی وجود دارد که واقعاً در زندگی دیده می شد. یک مرد کارگر در آبرنگ S. M. Shor (متولد 1897) "زن بز" از سری "شرایط قدیمی و جدید دونباس" (1936؛ ill. 10) با دقت بیشتری مشخص می شود. در اینجا تصویر یک زن باهوش و پرانرژی ایجاد می شود، آرایش ذهنی و قدرت اخلاقی او با حساسیت حدس می زند. بیهوده نیست که S. Shor سپس استاد پرتره های گرافیکی شد که اغلب توسط او با استفاده از تکنیک اچینگ انجام می شد.

در سال های قبل از جنگ، برگه های کاری اختصاص داده شده به I. A. Lukomsky (متولد 1906) ظاهر شد. در نقاشی قهوه‌ای او «کارگر» (1941؛ ill. 11)، تأکید از فردی و ویژگی به نمونه‌ای منتقل می‌شود که تأکید می‌شود، گویی در نمای نزدیک. آزادی درونی و غرور در کار خود را در چهره کارگر می توان دید.

یک رویداد مهم برای گرافیک در دهه 1930، تهیه نمایشگاهی از تصاویر برای تاریخ حزب بود. توجه بسیاری از هنرمندان را به موضوعات تاریخی معطوف کرد و آنها را وادار کرد تا در مسیری که دولت ما طی کرده است تجدید نظر کنند. موضوع تاریخی-انقلابی زندگی خود را در گرافیک از اوایل دهه 1920 آغاز کرد. با این حال، در آن زمان اینها فقط کارهای فردی بودند، عمدتاً حکاکی، که در آنها تزئینات انتزاعی و طرحواره اغلب هنوز جنبه جدایی ناپذیر تکنیک حکاکی در نظر گرفته می شد. بعدها، در سال 1927، به عنوان تضاد کامل با این آثار، تصویر قهرمان نبردهای Perekop، پوشیده از حیف انقلابی، زیر اسکنه هنرمند اوکراینی V. I. Kasiyan ظاهر می شود. V. I. Kasiyan (متولد 1896) - بومی اوکراین غربی، تحصیل کرده در آکادمی هنرهای زیبای پراگ - هنرمندی با روح جستجوگر، با خلق و خوی درخشان. کار او درخشان و احساسی است، اما او همچنان در نمودار این سال ها تنها مانده است.

بیشتر آثاری که برای نمایشگاه مذکور خلق شده‌اند، بیش از آنکه جنبه تصویری داشته باشند، خصلت ساده‌ای داشتند. این نمایشگاه که در سال 1941 و قبل از جنگ افتتاح شد، "نمایشگاه آثار جدید گرافیک شوروی" نام داشت و شامل تعدادی کار خوب بود. بسیاری از آنها متعلق به استادان گرافیک کتاب بودند. تصویرگران ماهیت روان‌شناختی تصاویر و دقت موقعیت‌های تاریخی را که در آن زمان از دستاوردهای اخیر و چشمگیر هنرشان بود، به حوزه طراحی سه‌قلبی آوردند. اینها برگه های جمعی هنرمند کوکرینیکسی بود - "در سنگرها" ، "چکالوف در جزیره اود" ، "سرنخ های سیاسی" ، کیبریک - "خالتورین و اوبنورسکی" ، شمارینوف "تدفین باومن" و دیگران.

علاقه گرافیست ها به مضامین تاریخی در دهه های 1920 و 1930 جنبه دیگری نیز در ارتباط با ادبیات داشت.

تصاویر الهام گرفته از پوشکین و لرمانتوف برای سالها توجه خلاق هنرمندان را به خود جلب کرد. N.P. Ulyanov (1875 - 1949) کارهای زیادی را در سریال پوشکین خود انجام داد. اولیانوف یکی از نقاشان اصلی شوروی نسل قدیمی، شاگرد نزدیک V. A. Serov، استاد نقاشی تاریخی و پرتره و همچنین یک هنرمند تئاتر بود.

نقاشی های اولیانوف در مورد دوره های مختلف زندگی شاعر بزرگ - از روزهای لیسئوم تا آخرین ماههای غم انگیز. آنها به درجات مختلف تکمیل می شوند - برخی کامل تر هستند، برخی دیگر مانند طرح ها، مانند صفحات جستجوهای شدید و ناتمام به نظر می رسند، اما در همه آنها نکته اصلی برای هنرمند زندگی آتشین روح پوشکین است. یکی از بهترین ها نقاشی ای است که در رابطه با نقاشی "پوشکین با همسرش در مقابل آینه در یک توپ دادگاه" اجرا شده است. ظاهر غرورآمیز و زیبای پوشکین در این جا در خطوط لاکونیک نقاشی الهام گرفته از سروف ظاهر می شود.

تم پوشکین تفسیر دیگری در گرافیک دریافت می کند - در چشم انداز مکان های به یاد ماندنی. هنرمند L. S. Khizhinsky (متولد 1896) در این ژانر کار می کند. او در جواهرات خود، چوب‌تراشی‌های ماهرانه‌ای که صحنه‌های پوشکین و لرمانتوف را به تصویر می‌کشد، به ترکیبی دشوار از دقت مستند و شعر احساسی دست می‌یابد. بدون این ترکیب، موفقیت یک منظره یادبود، که همیشه بر اساس زیرمتن ظریف و تداعی‌های فردی ساخته شده است، غیرممکن است.

در دهه 1930، لحظات جدید در توسعه گرافیک به شدت احساس شد. آنها نه تنها در جهت های جدید در کار هنرمندان، که همانطور که دیدیم - با حمایت از فعالیت های نمایشگاهی! - در حال گسترش هستند، بلکه در محتوای جدید ژانرهای سنتی پرتره و منظره و در ظاهر هستند. از آثار مهم هنرمندان جمهوری های اتحادیه. بنابراین ، V.I. Kasiyan ، که قبلاً در بالا ذکر شد ، در این سالها حکاکی هایی را به شوچنکو خلق کرد که پر از افکار جدی بود. این هنرمند همچنین آتش معنوی زیادی را در آثار بعدی خود در مورد کوبزار بزرگ قرار داد و شوچنکوی خشمگین ناگسستنی را در پس زمینه اپیزودهایی از مبارزات مردم به تصویر کشید (بیماری 12).

از مهمترین آثار این سال ها می توان به مناظر و پرتره های استاد ارمنی M. Abegyan، سنگ نگاره های اختصاص داده شده به مولداوی توسط G. Pustoviit اوکراینی، حکاکی به یاد ماندنی توسط هنرمند گرجستانی D. Kutateladze که S. Ordzhonikidze و S. M. Kirov را به تصویر می کشد، اشاره کرد. در این دوره، هنرمند معروف آذربایجانی، ع. عظیم زاده، کاریکاتوریست، نقشه کش و هنرمند پوستر، جالب ترین چیزها را در زمینه گرافیک سه پایه خلق کرد. تصاویری از گذشته در برگه‌های او به شیوه‌ای بدیع و دقیق و با چاشنی طرح‌های زینتی تکثیر شده است. چه چیز جدیدی در پرتره و منظره دهه 1930 ظاهر می شود؟ صمیمیت سابق این ژانرها در حال از بین رفتن است و استادان آنها بیشتر و بیشتر جسورانه به سمت زندگی حرکت می کنند ، با افراد جدید آشنا می شوند و دامنه جغرافیایی آثار منظره را گسترش می دهند. مورد دوم نه تنها برای استادان صنعتی، بلکه مناظر معمولی نیز اعمال می شود. اگر قبلا فقط E. E. Lanceray که به طور خستگی ناپذیر طبیعت و زندگی مردمان قفقاز را مطالعه می کرد و شیلینگوفسکی که ارمنستان را نقاشی کرده بود از سنت مستقر مسکو-لنینگراد در منظره منحرف می شدند، اکنون یک کهکشان کامل از استادان آثار خود را در خارج از محدوده باریک آن خلق می کنند. مرز ها. هنرمندان طبیعت مرکزی روسیه، شمال، کریمه، قفقاز و آسیای مرکزی را به تصویر می کشند. منظره به منطقه ای برای استفاده درخشان از تکنیک آبرنگ تبدیل می شود. آثار هنرمندان گرافیست L. Bruni، A. Ostroumova-Lebedeva، نقاشان S. Gerasimov، A. Deineka، P. Konchalovsky گواه شکوفایی واقعی مناظر آبرنگ است. فعالیت جهان بینی نویسنده از ویژگی های جدید این آثار است. شاید با وضوح خاصی در مناظر هنرمندانی که در این سال ها به خارج از کشور سفر کرده اند، قابل مشاهده باشد.

برای مثال، در مناظر پاریسی و رومی A. A. Deineka (Iill. 13) یک بینش دقیق از تضادهای واقعیت خارجی ذاتی است. هنرمند نمی تواند تسلیم جذابیت آرام معماری و تندیس های باشکوه شود، همانطور که بیش از یک بار در مجموعه گرافیک های خارجی قبل از انقلاب رخ داده بود. در برابر این پس زمینه زیبا، چشم او هم به شکل یک مرد بیکار و هم به چهره های شوم و با اعتماد به نفس خادمان کلیسا توجه می کند. در دایره آثاری مانند برگه های دینکا است که شور روزنامه نگاری و ناسازگاری سیاسی مشخصه گرافیک شوروی متولد می شود.

این ویژگی ها همچنین با قدرت زیادی در "سری اسپانیایی" نقاشی های Leninrader Yu. N. Petrov (1904 - 1944) آشکار شد. سریال پتروف سهم گرافیک سه پایه در مبارزه با فاشیسم بود، که در آن سال ها قبلاً هم توسط استادان کاریکاتور و هم هنرمندان پوستر سیاسی به طور فعال انجام می شد. هنر یو پتروف، طراح و تصویرگر، هنر فرهنگ بزرگ و احساسات عمیق بود. پتروف یکی از شرکت کنندگان مبارزه با فاشیسم در اسپانیا بود، او این کشور، مردم آن، نویسندگان و هنرمندان بزرگ گذشته را می شناخت و دوست داشت و نقاشی های او نشان دهنده این عشق و احترام بود. اسپانیا، مناظر کوهستانی آن، خانه های ویران شده توسط بمب ها، مردم محفوظ، مغرور و پرشور آن - سربازان ارتش خلق، زنان و کودکانی که خانه های خود را از دست داده اند - در ترکیب بندی های لاکونیک، کمی غم انگیز و شجاعانه اسیر شده اند. برخی از صفحات مجموعه پتروف مانند طرح به نظر می رسند، اما نقاشی ملایم با مدل سازی ملایم آنقدر دقیق شکل پذیری فرم ها و نقشه های منظره را ترسیم می کند، چنان زندگی محترمانه آنها را پر می کند که دقت زیاد هر ورق قابل توجه می شود. این سریال یکی از با تجربه ترین و صمیمانه ترین چیزها در برنامه ما باقی مانده است. نویسنده آن متعاقباً در یک پست جنگی در طول جنگ بزرگ میهنی درگذشت و هنر او که نوید زیادی را می داد ، فرصتی برای رسیدن به اوج خود نداشت.

جنگ بزرگ میهنی که در سال 1941 آغاز شد، ماهیت و سرعت توسعه همه انواع هنر را به طرز چشمگیری تغییر داد. همچنین تغییرات بزرگی در گرافیک سه پایه ایجاد کرد. کارایی گرافیک و سادگی نسبی تکنیک های آن اکنون به ویژگی های ارزشمندی تبدیل شده است. نیاز سوزان به اظهار نظر در ساعت محاکمه مردم، برای پاسخ سریع به تلخی ها و قهرمانی های روزگاری که فرا رسیده بود، بسیاری از هنرمندان را به سمت طراحی، آبرنگ و گاه قلم زنی سوق داد. در کنار استادان شناخته شده خود، برخی از نقاشان و همچنین تصویرگران با موفقیت بسیار، اکنون شروع به کار در گرافیک سه پایه کردند.

از همان سال اول جنگ، در کنار پوسترها و کاریکاتورها، گرافیک سه پایه به یکی از فعال ترین هنرها تبدیل شد که قلب بینندگان را به شدت متاثر کرد. استادان طراحی و حکاکی چیزهای زیبای بسیاری خلق کردند که برخاسته از خشم و الهام بود. در این رشته از آثار قله های فردی وجود دارد که با مهارت خاص پلاستیکی خود متمایز می شوند. اما سطح کلی گرافیک نظامی بالاست. هنرمندان نقاشی های خود را در صفوف ارتش سرخ، و در لنینگراد محاصره شده، در شهرهایی که موج سنگین عقب نشینی از آن عبور می کرد، در عقب، جایی که همه چیز تابع وظایف جبهه بود، و خارج از مرزهای ما خلق کردند. کشور در آخرین دوره نبرد علیه فاشیسم. گرافیک ها جنبه های مختلف جنگ، جنبه های مختلف زندگی را در این دوره سرنوشت ساز در تاریخ میهن ما به ما نشان می دهد - از خیال زودگذر یک پرستار خسته تا چشم انداز یک نبرد عظیم. در عین حال تفاوت استعدادها و تفکر تخیلی هنرمندان نیز به وضوح منعکس شد. در آثار یکی، جنگ به عنوان جاده‌های نظامی طولانی ظاهر می‌شود، اغلب ناخوشایند، و گاهی اوقات با زیبایی غیرمنتظره جنگل باقی‌مانده، به شدت به چشم می‌آید. در برگه های دیگری، یک سری صحنه های ساده از زندگی ارتش را دنبال می کند که با عجله اما دقیق ترسیم شده است. در نگاره های سوم، در بیان خاص چشمان یک رزمنده یا پارتیزانی است که بیش از یک بار با مرگ روبرو شده است. شجاعت و میهن پرستی مردم شوروی که در سالهای جنگ به وضوح خود را نشان داد، توسط هنرمندان در این آثار با ماهیت متفاوت تجلیل شد. آثار گرافیکی مملو از آن احساس خاص زیبایی زندگی شوروی ما است که در اثر جنگ تشدید شده است و بهترین چیزها را در همه انواع هنر نشان می دهد.

یکی از ویژگی های گرافیکی ظاهر تعداد زیادی طرح بود. هنرمندان گاهی اوقات آنها را در سخت ترین موقعیت های رزمی اجرا می کردند و سعی می کردند به طور دقیق تر و کامل تر در مورد جنگ به مردم بگویند و مطالبی را برای ساخته های بعدی جمع آوری کنند. اس. برزنکو قهرمان اتحاد جماهیر شوروی در مقدمه آلبوم نقاشی های "خاطرات جلو" توسط گرافیست مسکو پی یا کرپیچف می نویسد: "یکی پس از دیگری نقاشی هایی وجود دارد که در ردپای تازه جنگ ترسیم شده اند و در حال عبور هستند. همانطور که هنرمند آنها را در زمان حوادث دید... "هیچ خطر یا مشکلی او را متوقف نکرد. او به سمت اهداف مورد علاقه خود در میان میادین مین رفت و از صبح تا غروب در آنجا کار می کرد، از ترس از دست دادن لحظه ای که می ترسید. آتش خاموش می شد و تیم های اسیر تفنگ ها و تانک های آسیب دیده را با خود می بردند. این توصیف از کارهای خط مقدم این هنرمند بسیار معمولی است، زیرا بسیاری از گرافیست های سه پایه در طول جنگ مانند Kirpichev کار می کردند. طرح ها سرمایه گرانبهای هنر ما را تشکیل می دهند که تا انتشار کامل فاصله زیادی دارد. نویسندگان آنها N. A. Avvakums، O. G. Vereisky، M. G. Deregus، U. M. Japaridze، N. N. Zhukov، P. Ya. Kirpichev، A. V. Kokorii، D. K-Mochalsky، E.K. Okas، U. Tansykbaev، S.S. زندگی روزمره نظامی، شعری درباره مردی در حال جنگ که از وطن خود در برابر فاشیسم دفاع می کند.

با وجود روانی که طرح ها را متمایز می کند ، آنها قبلاً ویژگی های استعداد هر هنرمند را نشان می دهند - و نه تنها استاد طراحی او ، بلکه طیف خاصی از پدیده ها را که بیشتر از همه او را تحت تأثیر قرار می دهد.

بنابراین، به عنوان مثال، A. V. Kokorin (متولد 1908)، هرگز از صحنه ای زیبا که به طور غیرمنتظره ای دیده بود عبور نمی کند؛ او در دفتر خاطرات گرافیکی خود زین های آویزان شده به تفنگ و یک کامیون شکسته را ترسیم می کند که از زیر آن در سه طرف چکمه ها بیرون زده است. سربازانی که آن را تعمیر می‌کنند، و یک سرباز کاروانی که با آرامش چیزی را روی چرخ خیاطی درست در میدان می‌دوزد، و شکل یک کشیش با یک کوله پشتی بزرگ که با یک سرباز شوروی صحبت می‌کند. ویژگی کلی ظاهر افراد به دقت توسط کوکورین ترسیم شده است و در پشت صحنه ساده او همیشه لبخند و محبتی خفیف نسبت به قهرمانانش احساس می کنید. در این طرح ها بود که کوکورین تجربه خود را به عنوان استاد چشم انداز معماری انباشته کرد و توانست ظاهر شهر، خطوط اصلی معماری آن و زندگی خیابان را ترسیم کند - ویژگی هایی که در پس از جنگ این هنرمند ایجاد شد. نقاشی های هندی

گرمی و غزلیات طرح ها و نقاشی های D.K. Mochalsky را متمایز می کند. حتی در نامناسب ترین موقعیت برای این کار، در شلوغی و شلوغی جاده های خط مقدم که مستقیماً به برلین در آخرین مرحله جنگ منتهی می شود، یا در حال حاضر در برلین - قلعه فاشیسمی که سربازان ما به تازگی تصرف کرده اند - گرمای زندگی، پرتوی شادی‌بخش آن، قطعاً در ملحفه‌های موچالسکی، دختران کنترل‌کننده ترافیک، در نگاه مبارز به زنی با کالسکه کودک چشمک می‌زند.

N. N. Zhukov (متولد 1908) به عنوان یک هنرمند فیزیولوژیست ظاهر می شود که می تواند چیزهای زیادی را در یک شخص در طرح های نظامی خود ببیند. علاقه دائمی به دنیای درونی یک فرد، حتی به ظاهر گذراترین نقاشی های او را معنادار می کند. مناظر، طرح‌های سربازان، و صحنه‌های ژانر در برگه‌های او متناوب هستند. به نظر می رسد سبک طراحی با مداد ژوکوف، عاری از هر گونه ظرافت بیرونی، جذب این هنرمند در طبیعت، رویکرد متفکرانه او به آن است. آثار ژوکوف حتی قبل از جنگ، زمانی که او مجموعه ای از تصاویر را برای زندگی نامه کارل مارکس نقاشی کرد، شهرت یافت. متعاقباً ، ژوکوف کار خود را در مورد این موضوع مهم رها نکرد. او برای ایجاد مجموعه ای از نقاشی های "V.I. Lenin" کار زیادی انجام داد. موفق‌ترین ورق‌های او به شکل طرحی سبک طراحی شده‌اند که لحظه‌ای کوتاه را در زنجیره‌ای از دیگران، در قالب نوعی طرح پرتره ثبت می‌کنند. اما دقیقاً هنگام ایجاد طرح های نظامی بود که قدرت مشاهده و مهارت هنرمند در طراحی سریع تقویت شد که بعداً برای او مفید بود - هم در یک سری گسترده از نقاشی های اختصاص داده شده به کودکان ، محبوب بین بینندگان و هم در پرتره. بیشتر از همه، تجربه کار در زمان جنگ در تصاویر "داستان یک مرد واقعی" توسط B. Polevoy که توسط ژوکوف در مدت کوتاهی پس از جنگ ایجاد شد منعکس شد.

باید گفت که تجربه کار نظامی در تصویرسازی هنرمندان دیگر نقش داشته است. این تجربه به او کمک کرد تا او. مسیر A.P. Livanov از سریال "Partisans" که او مدت کوتاهی پس از جنگ ایجاد کرد تا تصویرسازی "چاپایف" توسط D. A. Furmanov نیز منطقی بود.

یکی دیگر از ویژگی های گرافیک دوران جنگ، روی آوردن هنرمندان به شکل یک سریال بود، یعنی مجموعه ای از صفحات که با یک مفهوم و شیوه اجرا یکپارچه شده بودند. می‌توانستیم ببینیم که این سریال‌ها قبلاً توسط هنرمندان ساخته شده بود، اما در سال‌های جنگ به یک پدیده پیشرو در گرافیک تبدیل شدند. یک سریال فقط زمانی خوب است که بیننده با هر صفحه چیز جدیدی یاد بگیرد، زمانی که هنرمند برداشت های خود را هدایت می کند، ورق ها را به روش خاصی متناوب می کند، یعنی ترکیبی واضح به سریال می دهد. ما همیشه هنگام تجزیه و تحلیل یک اثر هنری جداگانه با مفهوم "ترکیب" مواجه می شویم. اما در واقعیت همچنین ترکیبی از یک سری گرافیکی کامل به عنوان الگوی داخلی تناوب ورق های آن وجود دارد که بین آن اتصالات مختلفی ایجاد می شود. هنرمند با ساختن واضح ترکیب مجموعه، ابزار جدیدی برای بیان عالی در آن می یابد. نویسنده سریال اساساً اثری چند وجهی و چندوجهی را اجرا می کند که هر صفحه آن باید کامل و قوی به نظر برسد و در عین حال جزئی جدایی ناپذیر از کل خلقت باشد، گویی با یک نفس. البته این کار آسان نیست. و اغلب مجموع برگه هایی که هنرمند آن را یک سریال می نامد اساساً یکی نیست.

ترکیب سریال متفاوت است. بنابراین، یک سری را می توان بر اساس مقایسه متضاد صفحات، یا برعکس، بر اساس صدای یکسان و یکسان آنها ساخت. در حالتی دیگر، نویسنده می تواند داستان سریالی خود را آغاز کند و به تدریج بر تنش عاطفی آن بیفزاید و در یک یا چند صفحه نوعی اوج کنش و احساس ایجاد کند و آن را با پایانی ببندد.

به عنوان مثال، چرخه بزرگی از سنگ نگاره های A. F. Pahomov "لنینگراد در روزهای محاصره و آزادی" که با متنی از شاعر N. S. Tikhonov در سال 1946 منتشر شد، به این ترتیب تنظیم شد. این چرخه اولین اجرای بزرگ در گرافیک سه پایه توسط A. F. Pahomov (متولد 1900) استاد کتاب های کودکان بود که به خاطر تصویرسازی هایش برای کارهای N. A. Nekrasov و I. S. Turgenev مشهور است. سنگ نگاره های پاخوموف روایت های شاهدان عینی است و با نور همبستگی و شجاعت عظیم انسانی ما را با حقیقت آنچه دیده شده لمس می کند.

سریال با برگه «دیدن شبه‌نظامیان مردمی» آغاز می‌شود. بلافاصله ما را وارد فضایی از اضطراب، سردرگمی از یک زندگی شاد مختل شده می‌کند. رویدادهای بعدی به سرعت توسعه می یابند، زندگی شهر تغییر می کند، گلوله باران و بمباران بخشی جدایی ناپذیر از آن می شود. اهالی لنینگراد در خیابان ها سنگر می سازند، هنگام زنگ خطر روی پشت بام ها نگهبانی می دهند و مجروحان را از خانه های ویران شده نجات می دهند. همه اینها در سنگ نگاره ها نشان داده شده است، به سرعت جایگزین یکدیگر می شوند، با جزئیات، مانند یک داستان، اما پر از تنش درونی. در آنها زمان فشرده و اشباع می شود، مردم بدون اتلاف دقیقه وارد عمل می شوند و شجاعانه با دشمن می جنگند.

صفحه بعدی آلبوم - "To the Neva for Water" (ill. 14) ما را از ریتم تند این قسمت ها خارج می کند. اینجا زمان به کندی می گذرد - این آج سنگین روزهای سرد و گرسنه محاصره لنینگراد است. دختری با یک سطل سنگین غیر قابل تحمل به آرامی از پله ها بالا می رود. این قهرمان قهرمان پاخوموا یکی از قوی ترین تصاویر نه تنها سریال، بلکه از تمام گرافیک های نظامی است. نگاه بیننده قبل از هر چیز در چهره دختر متوقف می شود - ساختار ترکیب سنگ نگاره اینگونه است ، بیان استثنایی این چهره چنین حکم می کند. این هنرمند حالات چهره خود را با جزئیات توسعه داده است - چشمان تیره ای که خستگی عمیق را نشان می دهد در صورت لاغرتر به ویژه بزرگ به نظر می رسد ، ابروهای اخم شده با حرکتی تیز به هم کشیده شده اند ، لب های بی خون دهان نیمه باز آنقدر رنگ پریده است که تقریباً اینطور است. روی صورت خودنمایی نمی کند و هنرمند اندکی طرح کلی آنها را با یک خط مشخص می کند. به نظر می رسد که تصویر این دختر تجسم خستگی و رنج باشد. اما قابل توجه ترین نکته در مورد او ترکیب این ویژگی های خستگی جسمانی و فرسودگی با استحکام روانی است.

استواری و سرکشی قهرمان پاخوموف تلفیقی پیچیده از بسیاری از جنبه های زندگی معنوی او، ویژگی های درونی او است، و در عین حال این ویژگی اصلی او است که بر همه موارد دیگر غالب است. در اینجا، همراه با سادگی معمول پاخوموف و وضوح بی هنر تصویر، تطبیق پذیری و عمق آن متولد می شود. پاخوموف همیشه به ویژه به تصاویر کودکان نزدیک است. و در این سنگ نگاره او توانست خیلی چیزها را بگوید و نشان دهد که چگونه یک دختر از کتری آب می ریزد. برای او، این موضوعی است که او کاملاً در آن جذب شده است - هم یک ضرورت و در عین حال یک بازی. این ترکیب حاوی درد دردناک است، شامل زندگی واقعی در محاصره با نت های تراژدی حاد خود در میانه زندگی روزمره است. وسعت برفی رودخانه و یخبندان هوای صاف زمستانی به خوبی در لیتوگرافی نشان داده شده است. این برگه، مانند نقاشی بعدی "به بیمارستان"، قدرتمندترین و پر از احساس است. آنها، همانطور که بود، نقطه اوج سریال را تشکیل می دهند. علاوه بر این ، داستان هنرمند با آرامش بیشتری بیان می شود و مطابق با سرعت وقایع ، ورق های او سبک تر و شادتر می شوند: "Krovelitsytsy" ، "شب سال نو" و دیگران. این سریال به طور منطقی با تصویری از نمایش آتش بازی در 27 ژانویه 1944 به افتخار ارتش شوروی در حال شکستن محاصره شهر به پایان می رسد، نمایش آتش بازی که عمیقاً و با شادی مردم را به هیجان می آورد و مجموعه ای از خاطرات و امیدها را تداعی می کند. در زیر نور آتش بازی، مردم به طرق مختلف شادی می کنند: پر سر و صدا، کاملاً تسلیم پیروزی درخشان این لحظه، و متفکرانه، کمی در خاطرات عقب نشینی می کنند، و عمیقا، با تمام قلب خود، امنیت فرزندان خود را احساس می کنند. هیجان و شادی آنها را به هم پیوند می دهد و ترکیب نزدیک ورق باعث می شود که این استحکام نمایان و قابل مشاهده باشد.

بسیاری از آثار هنرمندان دیگر به لنینگراد زمان جنگ تقدیم شده است. اجازه دهید همچنین به یک سری از لینوکات های S. B. Yudovin (1892 - 1954) اشاره کنیم. ما دیدیم که چگونه در مجموعه پاخوموف، تکنیک لیتوگرافی به هنرمند اجازه می‌دهد تا هر تصویری را که تصور می‌کند با جزئیات ارائه کند، به جزئیات بپردازد، و ظرافت خطی آنها را با زیبایی گستره‌های ذوب منظره زمستانی ترکیب کند. سریال یودوین به صورت لینوکات اجرا شده است. یودووین با احساسات شدید مشخص می شود، نت های غم انگیز به شدت در برگه های او صدا می کنند. و کل ساختار فیگوراتیو برگه های او و نحوه اجرای آن تابع این احساس تراژدی آن چیزی است که اتفاق می افتد. رنگ سیاه سنگین و درخشش سرد برف در حکاکی های او حاکم است. در سکوت یخبندان شهر، مردم به سختی می‌روند، زیر سنگینی بار خم می‌شوند، زیر بار مشکلات محاصره. چهره های آنها که معمولاً از بالا دیده می شوند، در پس زمینه خیابان های برفی به شدت خودنمایی می کنند. طراحی زاویه دار، نور بی رحم، ربودن سینا از تاریکی؛ زندگی روزمره که به قاب این تراژدی تبدیل شد - اینها حکاکی های یودوین هستند. بیهوده است که هنرمند را به دلیل صداقت خشن و عدم خوش بینی آنها سرزنش کنیم. ماهیت استعداد یودوین به او اجازه داد تا با حساسیت خاصی جنبه های غم انگیز مبارزه لنینگرادها با دشمن را بیان کند.

اما گرافیک به عنوان یک کل با نمای روشن تر از جهان مشخص می شد، حتی زمانی که آزمایش هایی را که برای مردم شوروی پیش آمد به تصویر می کشید. ما قبلاً می توانستیم این را در سریال پاخوموف ببینیم و با آشنایی با مجموعه نقاشی های D. A. Shmarinov "ما فراموش نمی کنیم، نمی بخشیم!" شمارینوف (متولد 1907) یکی از هنرمندانی است که تصویرگری کتاب شوروی در دهه 1930 به موفقیت بزرگی دست یافت. او آموزش های حرفه ای خوبی را در استودیوهای هنری پرهوف در کیف و کاردوفسکی در مسکو دریافت کرد. استعداد او به عنوان یک روانشناس و فرهنگ درونی عالی آثار کتاب او را متمایز می کند. در طول سال های جنگ، شمارینوف پوسترها و نقاشی های سه پایه را خلق کرد. سریال "فراموش نمی کنیم، نمی بخشیم!" توسط او در سال 1942 در مدت زمان کوتاهی اجرا شد، اما مفهوم آن در طول سال اول جنگ شکل گرفت.

داستان این هنرمند نه به تدریج، بلکه از همان ابتدا آغاز می شود - او بلافاصله ما را با تراژدی بالای نقاشی "اعدام" شوکه می کند. تصاویری از آزمایشات و مصائب جنگ یکی پس از دیگری دنبال می شود، اما مضمون روشن شجاعت مردم شوروی که از صفحه اول این مجموعه برخاسته بود، حتی در تلخ ترین صفحات آن پیروز می شود. یکی از بهترین نقاشی‌های این چرخه، برگه «بازگشت» (شکل 15) است. هزاران کشاورز جمعی شوروی در زندگی خود با وضعیتی که زنی که توسط این هنرمند به تصویر کشیده شده است آشنا بودند. شمارینوف او را در لحظه ای نقاشی کرد که منظره خانه ویران و ویران شده او برای اولین بار در چشمانش گشوده شد و او را مجبور کرد در نوعی گیجی از افکار غم انگیز و خشمگین متوقف شود. هیجان عمیق او تقریباً در ظاهر ظاهر نمی شود. این مهار یک فرد قوی است که به خود اجازه انفجار احساسات را نمی دهد، یک لحظه ناامیدی. و منظره اینجا چقدر به بیننده می گوید! خلوص شفاف هوا، روشنایی تابش خیره کننده خورشید و سایه هایی که روی زمین ذوب شده می لغزند - این تصویر از اوایل بهار، پر از جذابیت، به زیرمتن پیچیده صحنه شادی می بخشد. لیست شروع به شبیه به یک داستان غنایی می کند، و این بسیار مشخصه استعداد شمارینوف است. نقاشی های شمارینوف که با زغال چوب و آبرنگ مشکی اجرا شده اند، مراحل زیادی را در روند کار طی می کنند. اما آنها با خوشحالی از کامل بودن خشک بیرونی اجتناب می کنند و سرزندگی احترام آمیز سکته ها را حفظ می کنند، گویی که آنها به تازگی توسط هنرمند گذاشته شده اند.

فقط در دو صفحه آخر مجموعه - "بازگشت" و "ملاقات" - هیچ تصویری از فاشیست ها وجود ندارد ، و اگرچه شادی هنوز در اینجا بسیار دور است ، فضا روشن تر می شود ، قهرمانان راحت تر نفس می کشند. زندگی سخت سال اول جنگ، وقایع آن را هنرمند خلاصه کرد، ترکیب سریال را به او پیشنهاد کرد - تنش غم انگیز بی امان بیشتر صفحات آن و یادداشت های روشن آخرین نقاشی ها.

در طول سال های جنگ، V. A. Favorsky (متولد 1886)، یکی از قدیمی ترین هنرمندان شوروی و استاد بزرگ حکاکی روی چوب، نیز به گرافیک سه پایه روی آورد. در طول زندگی حرفه ای او، تصویرگری کتاب تا حد زیادی توجه او را به خود جلب کرد. و اکنون بینندگان شوروی و خارجی، اول از همه، دنیای حماسی هماهنگ حکاکی های او برای "داستان مبارزات ایگور"، تراژدی و عمق تصاویر "بوریس گودونف"، چند هجایی، پر از تعمیم های فلسفی و گاهی اوقات تحسین می کنند. سایه های خشن و گاهی فریبنده زندگی در مجموعه ای از حکاکی ها برای "تراژدی های کوچک" پوشکین. اما در اواخر دهه 1920، فاورسکی همچنین یک پرتره شگفت انگیز از F. M. Dostoevsky ایجاد کرد - یک چیز کاملاً مستقل، اگرچه، البته، نزدیک به کتاب های نویسنده. نور و سایه در این برگ مزاحم در تضاد هستند. تصویر مردی که در گردبادی از افکار دردناک غرق شده است، با دقت و قدرتمندی حجاری شده است. در اینجا ما با یک زندگی معنوی با شدت استثنایی تماس می گیریم، دنیای درونی پر از تضادها و مبارزه را تشخیص می دهیم. مهارت فوق العاده ای در تنوع رایگان ضربات و استفاده عاقلانه از رنگ احساس می شود.

در دهه 1940، فاورسکی صفحات "مینین و پوژارسکی"، "کوتوزوف" را ایجاد کرد. هنرمند در جذابیت خلاقانه خود به صفحات باشکوه تاریخ میهن ما تنها نبود. آنها طبیعتاً در سال های جنگ مورد توجه ویژه نقاشان و گرافیست ها قرار گرفتند. در مجموعه‌ای از لینوکات‌های ظریف ریتمیک که همزمان در سمرقند اجرا می‌شوند، جریان زندگی روزمره با لطف و لکونیسم بی‌شتاب به تصویر کشیده می‌شود. پس زمینه سفید که نقش زیادی در تمام صفحات او دارد، بر زیبایی سیلوئت ها و موزیکال بودن ترکیب بندی های ساده اما متفکرانه تأکید می کند.

این هنرمند بعداً بیش از یک بار به گرافیک سه پایه روی آورد (ورق "پرندگان پرواز"، 1959؛ به قسمت جلو و غیره مراجعه کنید)، اما تصویرسازی کتاب او را تا حد بسیار زیادی مشغول کرد.

جایگاه برجسته در گرافیک زمان جنگ متعلق به آثار L. V. Soifertis (متولد 1911) است. سویفرتیس قبلا در زمینه گرافیک طنز مجلات کار می کرد و اکنون اغلب در صفحات مجله کروکودیل ظاهر می شود. در طول جنگ، او در نبردهای سواستوپل، نووروسیسک و اودسا شرکت کرد. سویفرتیس مجبور شد چیزهای سخت زیادی را در جنگ ببیند، مرگ بیش از یک بار به او نزدیک شده بود، اما استعداد درخشان و سبک او از این صحنه های جنگ خشن استخراج می شد، نه تراژدی و مرگ، بلکه لبخند زندگی، حتی خود باقی می ماند. زیر بمباران شوخ طبعی و سرگرمی عجیب و غریب موقعیت هایی را که توسط او به تصویر کشیده شده است. ملوان با عجله به سمت خط مقدم در سواستوپل محاصره شده می رود و پسران - با هم برای سرعت - با پشتکار کفش هایش را می درخشند. "روزی روزگاری" نام این برگه است. یک نبرد هوایی بر سر شهر در آسمان آفتابی وجود دارد، زنان در حال تماشای آن هستند و پیرزن با آرامش چیزی می دوزد و همان جا روی صندلی در دروازه نشسته است. ملوانان در پنجره روزنامه آخرین اخبار را می خوانند، در یک گروه نزدیک ایستاده اند، با سرنیزه های تفنگ پریده اند (شکل 16)، یک ملوان و یک عکاس در دهانه بمب قرار دارند - آنها به یک عکس برای سند مهمانی نیاز دارند. بدیهی است که همه اینها را می توان اپیزودهای روزمره نامید، اما این زندگی روزمره است که در دو قدمی خط مقدم تثبیت شده است و بی تکلف ترین و حتی خنده دارترین صحنه ها در اینجا مملو از دمی از شجاعت و قهرمانی بزرگ است. ظرافت واقعی نقاشی های سوفرتیس را متمایز می کند. و اگر در «سریال سمرقند» فاورسکی، خطوط و شبح‌های مشمع مشمعات برازنده بودند، در سویفرتیس خطوط سبک، شکننده و ظاهراً بی‌دقت طراحی کانتور و پر کردن آبرنگ شفاف کمی رنگی، زنده، تنفسی، برازنده و زیبا هستند.

سوفرتیس در نقاشی های دهه 1950 خود هنرمندی با لبخندهای زودگذر و همدردی زیاد با مردم است. مجموعه «مترو» او مجموعه‌ای از صحنه‌های ژانر است که در شلوغی کاخ‌های زیرزمینی مسکو مورد توجه قرار می‌گیرد، و نقاشی‌ها و حکاکی‌هایی که به کودکان اختصاص داده شده هنوز به طرز شگفت‌انگیزی با هوشیاری دیده می‌شوند، هنوز هم با علاقه شدید به انسان روشن می‌شوند. این برگه‌ها گاهی لمس‌کننده و خنده‌دار، گاهی تمسخرآمیز و حتی کمی غم‌انگیز، که در مقایسه‌ها تلخ‌تر می‌شوند، همیشه برخی از ویژگی‌های جدید زندگی را برای ما آشکار می‌کنند، چیزی جدید در جریان معمول زندگی روزمره.

مقدار زیادی از مطالب انباشته شده در طول جنگ بی سر و صدا در آرشیو هنرمندان جای نمی گرفت. بسیاری از آنها پس از پایان جنگ به کار بر روی موضوعات نظامی ادامه دادند. به خصوص بسیاری از نقاشی ها و حکاکی های مربوط به جنگ در نمایشگاه ها در اولین سال های صلح آمیز به نمایش درآمد. در عین حال، کار گرافیست‌ها طبیعتاً مسیر تعمیم دانش و برداشت‌های بصری خود را طی می‌کرد، در طول مسیر از یک طرح و طرح تا یک صفحه ساده و یک مجموعه گرافیکی کامل. بنابراین، چندین سری از سنگ نگاره ها بر اساس مواد از طرح های نظامی او در 1946 - 1950 توسط هنرمند V. V. Bogatkin (متولد 1922) اجرا شد. در طول سال های جنگ، بوگاتکین تازه کار خلاقانه خود را آغاز می کرد. او خیلی نقاشی کشید؛ یکی از نقاشی های او که سرباز جوانی را در ساحل تیزا به تصویر می کشد (1945) شهرت قابل توجهی به دست آورد. اما حوزه اصلی کار او منظره بود. سکوت خیابان‌های متروکه لنینگراد محاصره شده، مسکو تاریک، برلین در روزهای فروپاشی فاشیسم، کوه‌های تجهیزات شکسته در خیابان‌های آن، تانک‌های شوروی در دروازه براندنبورگ توسط بوگاتکین در سنگ نگاره‌هایش به تصویر کشیده شده است. در طول سال‌ها، دقت آنچه در این برگه‌ها مشاهده کردیم، که در پی گرم جنگ ایجاد شد، به طور فزاینده‌ای مورد قدردانی ما قرار گرفته است.

در اواخر دهه 1940 و اوایل دهه 1950، تصویر توسعه گرافیک سه پایه پیچیده و تا حد زیادی متناقض بود. هنرمندان توانستند جنبه های بسیار مهمی از زندگی ما را متوجه شده و منتقل کنند و مهمتر از همه، فردی را که جنگ را پشت سر گذاشته، لذت بازگشت به کار و عطش پرشور او برای خلقت را نشان دهند. این امر به ویژه در برخی از آثار اختصاص یافته به کار مزرعه جمعی مشهود بود. زیبایی مزارع آرام سرزمین مادری ما به عنوان میراثی تازه یافته و تسخیر شده در آنها احساس می شد. در همان زمان ، در جریان نقاشی هایی که مردم شوروی و کارهای آنها را به تصویر می کشند ، ویژگی های تصویرگری و فقر افکار و احساسات به وضوح منعکس می شد. اسناد نثری مانع از آن شد که بسیاری از هنرمندان این آثار به سطح تعمیم شاعرانه زندگی ما برسند. بسیاری از طراحی ها و حکاکی ها بر روی مضامین تاریخی و انقلابی ظاهر شد، هنرمندان قدرت و استعداد خود را صرف خلق آنها کردند، اما تأثیر کیش شخصیت به ویژه بر آنها سخت بود. این امر هنرمندان را از خلق آثاری با شدت ایدئولوژیک باز می داشت و در برخی از آثار منجر به پوشش نادرست نقش مردم به عنوان خالق تاریخ شد.

گرافیک این سال ها از نظر فنی یک طرفه توسعه یافت. بسیاری از تکنیک‌های گرافیکی به سختی استفاده می‌شد؛ جوهر، زغال چوب و نقاشی‌های آبرنگ سیاه غالب بودند. فقط در زمینه مناظر، نقاشی های واقعی آبرنگ و برخی از انواع حکاکی رایج بود. اما تنوع تکنیک ها اغلب در منظره با انفعال درونی اشیا همراه بود.

از طرفی در این سال ها آثاری با شایستگی هنری نیز خلق شد. بنابراین ، در این دوره ، استعداد اصلی و قوی B. I. Prorokov ، که اکنون یکی از استادان برجسته گرافیک شوروی است ، رشد کرد. کار پروروکوف از نزدیک با سال های جنگ، با آنچه که هنرمند در آن زمان دید و تجربه کرد، مرتبط است. اما پروروکوف نه تنها در تمام این سالها با خاطره دل به جنگ بازگشت، بلکه توانست با هنر خود ضروری ترین کلمات را در مورد صلح بگوید.

B.I. Prorokov در سال 1911 در ایوانوو-ووزنسنسک متولد شد. میل او به نقاشی از اوایل دوران دبیرستان شروع شد. نقاشی های مدرسه او که به مسابقه روزنامه Komsomolskaya Pravda ارسال شده بود، جایزه اول را دریافت کرد. این امر به نویسنده آنها حق دریافت بلیط مؤسسه عالی هنری و فنی (وخوتئین) را داد. با این حال، تحصیل در آنجا به پروروکوف کمی کمک کرد و کمتر از دو سال به طول انجامید. فقط توصیه بزرگترین استاد گرافیک سیاسی، D. S. Moor، که لیتوگرافی تدریس می کرد، برای پروروکوف بسیار ارزشمند بود. پروروکوف بدون دریافت هیچ گونه آموزش خاصی، در حین کار در Komsomolskaya Pravda و متعاقباً در مجله Krokodil، یک مدرسه خوب - سیاسی و هنری - را گذراند. در تکالیف روزنامه، او در سراسر کشور سفر کرد؛ به عنوان روزنامه‌نگار، او یاد گرفت که برای استفاده در آینده به‌منظور انجام سریع هر کاری، طرح‌های زیادی بسازد. بیشتر آثار پروروکوف قبل از جنگ کاریکاتورهایی با موضوعات داخلی و بین المللی است. پوسترهای انفرادی که توسط او نیز اجرا شده بود، و به ویژه برگه‌ای که ماهیت حیوانی ضدانسان‌گرایانه فاشیسم را افشا می‌کرد، پیش از این شدت، شور و تیزبینی روزنامه‌نگاری آثار آینده او را نشان می‌داد.

پروروکوف از ماههای اول جنگ در روزنامه پادگان شبه جزیره هانکو کار می کرد که قهرمانانه در برابر محاصره دشمن ایستادگی کرد.

ما گاهی خجالت می‌کشیم که در مورد شاهکار یک مرد هنر به همان اندازه در مورد شاهکار یک سرباز یا فرمانده صحبت کنیم، تا زمانی که یک نویسنده یا هنرمند در جنگ جایگزین یک فرمانده کشته شده می‌شود و دفاع از ارتفاع را رهبری می‌کند. یکی از شرکت کنندگان در دفاع از هانکو، که در مورد آن در داستان "گانگوتیان" صحبت کرد. Vl. Rudny. - اما من مبارزه مداوم ملوانان گانگوت را تصور نمی کنم * ( * شبه جزیره هانکو در زمان پیتر اول گانگوت نامیده می شد) در چهل و یکمین سال بدون خنده و طنز نبوی، بدون فیلتون های تصویری روزانه، حکاکی ها، پرتره هایش، به دلیل کمبود روی برای کلیشه های مشمع کف اتاق کنده شده از کف خانه های ویران شده در اثر جنگ. هانکو را با آخرین دسته های "ملوان ها" ترک کرد. کرونشتات و لنینگراد در محاصره، مالایا زملیا در نزدیکی نووروسیسک، برلین و پورت آرتور - اینها نقاط عطف سفر نظامی او هستند. و در همه جا، حتی در سخت ترین شرایط و درست در خط مقدم، هنرمند بسیار نقاشی می کرد.

اولین سریال پس از جنگ پروروکوف، "در کومینتانگ چین" توسط او بر اساس آنچه در خاور دور بلافاصله پس از شکست نظامیان ژاپنی دید، ساخته شد. با حجم کم، فقط برخی از ویژگی های زندگی مردم چین را که هنوز ستم استعماری را تجربه می کنند و برای آزادی ملی خود می جنگند، ترسیم می کند. اما اشتیاق نویسنده به زندگی در اینجا کاملاً منعکس شده است. این هنرمند با همدردی، پارتیزان چینی را به تصویر می کشد - یک جوان ساده، متواضع و شجاع، با نفرت و تمسخر - آمریکایی های ظریفی که مسابقه های غیرانسانی ریکشا را برگزار می کردند. به نظر ما، او هم در دیوانگی یک سخنران دیوانه در یک جلسه و هم خستگی شدید یک ریکشا کش که زیر آفتاب سوزان کنار کالسکه خمیده بود، به اشتراک می گذارد. در کارهای بعدی پروروکوف، همانطور که بود، صدای نویسنده او، خشم یا عشق همیشه پرشور او را احساس خواهیم کرد و بنابراین آثار او با نیرویی خاص ما را مجذوب خود خواهند کرد.

در چرخه های بعدی نقاشی "اینجاست، آمریکا!" و "برای صلح!" صدای پروروکوف تبلیغاتی قوی تر شد. زندگی روزمره در صفحات او قدرت خشمگین افشای سیاسی امپریالیسم را به دست می آورد. در نقاشی "تانک های متجاوز به پایین"، هنرمند در تصویری متحرک و رقت انگیز اراده کارگران برای صلح، قدرت همبستگی آنها را نشان می دهد. طوفان خشم نیروها را آزاد کرد و گروهی یکپارچه از مردم را گرد آورد که یک مخزن را به داخل آب انداختند. لیست در ترکیب بندی لاکونیک است و مملو از مصیبت مبارزه است. می تواند به راحتی در برابر بزرگنمایی بالا مقاومت کند و بیش از یک بار طرفداران صلح در خارج از مرزهای کشور ما آن را به عنوان پوستر در تظاهرات حمل کردند. سریال "اینجاست، آمریکا!" توسط پروروکوف به عنوان تصویری برای کتابی از جزوات و مقالات درباره آمریکا اجرا شد. اما اساساً به یک چرخه سه پایه تبدیل شد - محتوای برگه های آن بسیار مستقل، واضح و بدون متن است. به همین ترتیب، تصاویر بعدی پروروکوف برای کتاب «مایاکوفسکی در آمریکا» ویژگی‌های سه‌پایه‌ای پیدا کرد. جذابیت مایاکوفسکی در کار پروروکوف عمیقاً منطقی بود. این هنرمند به شدت پرشور اشعار مایاکوفسکی و تناوب مشخصه آنها از خشم و طعنه و تصاویر تمثیلی جسورانه و ارزیابی سیاسی اجباری پدیده ها نزدیک است.

پروروکوف در تمام آثاری که پس از جنگ اجرا کرد برای صلح می‌جنگد، امپریالیسم، غیرانسانی بودن سیاست‌های استعماری و نقشه‌های نظامی‌اش را افشا می‌کند. اما قوی‌ترین بیانیه این هنرمند برای صلح، سریال «این نباید دوباره اتفاق بیفتد!» بود که در آن برای اولین بار پس از پایان جنگ، او به دیدگاه‌های جنگی دست زد که از قلبش بیرون نرفته بود.

دو صفحه خلق و خوی مخالف در سریال او برجسته شده است: در یکی - "هیروشیما" - یک چهره محکوم به فنا که هنوز از جهنم انفجار اتمی به ما نگاه می کند ، از سوی دیگر - یک مادر جوان با سلاحی در دست از کودک محافظت می کند. ، دفاع از یک زندگی روشن روی زمین. بین این دو ورق، گویی در یک قاب، یک رشته عکس جنگی وجود دارد. در آنها مردم با مرگی که فاشیسم به ارمغان می آورد مبارزه می کنند. و در ساعت مرگ دشمن را تحقیر می کنند، همچنان که زن جوانی جلادان را که در چشمانش خونین بابین یار است (بیماری 17). هیچ جزئیاتی برای از بین بردن تنش عظیم وجود ندارد، هر برگ احساساتی است که در بالاترین لحظه خود گرفته شده است، این دردی است که هنوز به پایان نرسیده است. سیلوئت های تیز و کلوزآپ در اینجا به عنوان تکنیک های هنری اجباری انتخاب می شوند. فقط یک هنرمند با شجاعت زیاد و ایمان پرشور به مردم می تواند با چنین قدرت خیره کننده ای حقیقت بی رحمانه جنگ گذشته را برای ما تکرار کند. صفحات او پر از درد، خشم و رنج هیچ کس را بی تفاوت نمی گذارد. وصیت نامه J. Fucik کمونیست چک "مردم هوشیار باشید!" در این سریال توسط هنرمند شوروی دوباره برای ما به نظر می رسد.

از جمله آثار اختصاص داده شده به V.I. Lenin ، نقاشی های بزرگترین استاد تصویر ، E.A. Kibrik (متولد 1906) ، ایستادگی کنید. در برگه های جداگانه این مجموعه، این هنرمند که به دقت مطالب مربوط به فعالیت های لنین در سال انقلاب را مطالعه کرد، نه تنها به اولین حقیقت شباهت بیرونی تسلط یافت، بلکه به اعماق ویژگی های داخلی نیز رفت.

ورق «وی. آی. لنین در زیرزمین» (تصویر 18) روزهای ژوئیه 1917 را بازتولید می کند، زمانی که لنین، ساکن پتروگراد، مجبور شد از سگ های خونخوار دولت موقت پنهان شود. خود هنرمند طرح این نقاشی را چگونه تصور می کرد؟ به گفته او، در اینجا او می خواست لنین نظریه پرداز، دانشمند، متفکری را نشان دهد که در آن روزها هر روز با مقالاتی صحبت می کرد که حزب را در مبارزه اش برای دیکتاتوری پرولتاریا مسلح می کرد. این هنرمند لحظه خاصی را که باید به تصویر کشیده شود اینگونه توصیف می کند: «... لنین، همانطور که برای او معمول بود، در اتاق قدم می زد و به مطالب عظیمی فکر می کرد که زندگی هر روز به ارمغان می آورد و در آن باید مهمترین چیزها را درک می کرد. چیزی که "ما باید حزب را با مقاله دیگری در پراودا هدف قرار دهیم. او با یافتن این چیز اصلی، به سرعت پشت میز نشست و بلافاصله همه چیز را در جهان فراموش کرد و خود را در کار غوطه ور کرد." ویژگی این است که کیبریک تصویری را در حال حرکت تصور می کند و با ترسیم یک لحظه در زنجیره ای دیگر، لحظه قبل را در نظر می گیرد. سکوت یک اتاق کوچک و منزوی پر از تنش کار بزرگ است. این هنرمند توانست مشغله کاری و جذب لوین را در کارش به خوبی از طریق بیان متمرکز صورت و حالت مردی که به سرعت می نویسد، منتقل کند.

نقاشی "V.I. Lenin in Razliv" حال و هوای متفاوتی دارد: هیجان دارد، انگیزه ای مهار شده دارد. جریان افکار لنین از محیط اطراف دور است و وسعت چشم انداز کنار دریاچه نیز به نظر می رسد که مرزهای صفحه را گسترش می دهد. در کتاب ذکر شده در بالا، کیبریک به طور مفصل روند کار خود را بر روی این ترکیب ها شرح می دهد و هر کسی که با نقاشی های او آشنا باشد، علاقه مند به خواندن این صفحات خواهد بود.

در اواسط دهه 1950، چیزهای شگفت انگیزی در مورد مدرنیته ما در گرافیک ظاهر شد. هنرمند Yu. I. Pimenov - نقاش، گرافیست و دکوراتور تئاتر - با سریال بزرگ خود "منطقه مسکو" یک دنیای بزرگ پر از شادی روشن زندگی را برای ما باز کرد. پیمنوف استعداد کمیاب برای توصیف شاعرانه زندگی روزمره دارد، توانایی دیدن زیبایی های زندگی روزمره. و زیبایی، که در حالت عادی مورد توجه قرار می گیرد، همیشه مسیرهای نزدیک خود را به قلب بیننده می یابد. هوای گرم یک روز گرم در منطقه مسکو و شکل دختری بر روی پل تخته‌ای، کارگران سرزنده در محل ساخت خانه‌های جدید و درخشش باران در میدان حومه مسکو - اینها موضوعات ساده نقاشی‌های پیمنوف هستند. و آبرنگ او نوشت: «به نظر من برای یک هنرمند ژانر، گرانبهاترین یافته‌ها همان قطعات اصیل زندگی هستند که در موارد معمولی، غیرقابل تصور و واقعی هر روز، حقیقت بزرگ کشور آشکار می‌شود.» ریتم کاری سریع زمان ما، زیبایی خاص، پرانرژی و تجاری آن در آثار این هنرمند زنده است (به جلد مراجعه کنید). فعالیت، فعالیت، ممکن است جذابیت اصلی تصاویر پیمنوف و به ویژه قهرمانان ثابت او باشد - زنانی که در کارگاه های ساختمانی کار می کنند، مشغول بازسازی آپارتمان ها، خیاطی ها و کارهای خانه هستند. رنگ‌آمیزی روشن و روشن آبرنگ‌های او حتی به ظاهر معمولی‌ترین صحنه‌ها و چیزها، حسی جشن می‌افزاید. این هنرمند همچنین زیبایی زیادی به تکنیک آبرنگ سیاه و زغال می دهد. با درجه بندی رنگ سیاه، او قادر است عمق سایه هایی را که درختان روی آب انداخته اند، و سرمای شفاف اوایل بهار، و طراوت باران روی سکوی ایستگاه، و راحتی صمغی یک جاده جنگلی را منتقل کند. پیمنوف یک هنرمند بسیار کامل است. زاویه دید او به جهان، دایره موضوعات مورد علاقه اش در مجموعه ای از چیزهای زیبا از دهه 1940 - 1950 - صحنه های ژانر، طبیعت های بی جان، که به همین سادگی و شاعرانه از معاصر او حکایت می کند، یکسان می ماند و در گرافیک او، و حتی به نثر - در کتابی در مورد منطقه مسکو که با شور و شوق شدید، سریع، برازنده و آسان، با دیدی کاملاً هنری از زندگی در قالب های واقعاً زیبا و چند رنگ آن نوشته شده است.

زندگی در حرکت، جدید و شاد، که هر روز به دنیا می آید، پیمنوف عجله دارد تا در سریال بعدی خود "محله های جدید" به تصویر بکشد.

پیمنوف که بیش از یک بار در دهه 1950 به خارج از کشور سفر کرده بود، مجموعه ای کامل از بوم ها و طرح های کوچک را بر اساس برداشت های خود از این سفرها یا مستقیماً در طول سفرهایش خلق کرد. نگاه او در اینجا اولاً نگاه یک مرد عاشق زیبایی باقی می ماند؛ روزنامه نگاری از ویژگی های او نیست. اما اشعار پوشیده از غم برخی از آثار خارجی او بی اختیار مانند تضادی با شادی زنگی برگه هایش است که به روزها و امور عادی زندگی ما اختصاص دارد.

کارهای خارجی پیمنوف در برنامه ما تنها نبود. در دهه 1950 و پس از آن، زمانی که روابط فرهنگی بین‌المللی کشورمان گسترش یافت و هنرمندان بسیاری از کشورهای مختلف جهان بازدید کردند، مجموعه‌ای از سریال‌ها بر اساس برداشت‌های حاصل از این سفرها ظاهر شدند. آنها معمولاً شامل صحنه هایی از زندگی خیابانی، مناظر و صفحات پرتره فردی بودند. هنرمندان در مورد آنچه دیده بودند صحبت کردند و گوشه‌های زیبای طبیعت، بناهای معروف معماری و مجسمه‌سازی، ویژگی‌های زندگی روزمره که در سفرهای مردم با آن مواجه می‌شوند را به نمایش گذاشتند. تسلط اجباری مشخصه بیشتر این آثار بود. اما در نتیجه سفر، سریال‌های کاملی ساخته شد که در آن‌ها، کلی‌گویی هنری واقعی جایگزین رپورتاژ و طرح‌بندی شد. از آشنایی با چنین چرخه هایی، بیننده نه تنها زنجیره ای از برداشت های واضح توریستی، بلکه دانش جدیدی از یک کشور خاص و لذت زیبایی شناختی را نیز دریافت کرد.

یکی از این چیزها سریال N. A. Ponomarev (متولد 1918) "Northern Vietnam" بود که در سال 1957 ساخته شد. تصویری از این کشور که توسط هنرمند دیده می‌شود پر از جذابیت است: آسمان بلند خاکستری مایل به آبی، گستره‌ای از آب‌های آرام، مزارع برنج و زنجیره‌ای از سنگ‌های بنفش در افق، گاهی به وضوح قابل مشاهده است، گاهی اوقات در مه مروارید ذوب می‌شوند. . شعر آرام و کمی متفکر زندگی روزمره در این ورق ها زندگی می کند. مردم با همدردی عمیق به تصویر کشیده می شوند - مردم متواضع و سخت کوش ویتنام - ماهیگیران، معدنچیان، زنانی که به بازار می روند (بیماری 19) و منتظر عبور از خلیج هستند. رنگ آمیزی ظریف و ظریف به نقاشی ها بیان می دهد. سریال ویتنام از بسیاری جهات نقطه عطفی برای نویسنده آن بود. این هنرمند کار خود را با نقاشی های زغال چوب و گواش سیاه که به معدنچیان دونباس (1949-1950) اختصاص یافته بود آغاز کرد. آنها وظیفه شناسی و کار زیادی داشتند و الهامات خلاقانه کمتری داشتند. این هنرمند با نقاشی ویتنام در آثار خود نه تنها نت های شاعرانه جدید، بلکه توانایی های یک رنگارنگ را نیز کشف کرد که می داند چگونه هارمونی و تزئینی تکنیک های ترکیبی گواش و پاستل را ببیند.

از سریال هایی که بر اساس برداشت های خارجی اجرا می شود، آثار O. G. Vereisky (متولد 1915) نیز جالب توجه بود. O. Vereisky که اکنون تصویرگر برجسته کتاب های نویسندگان شوروی و یک گرافیست سه پایه است، اولین دانش خود را از هنر مدیون پدرش G. S. Vereisky است. او همچنین در آکادمی هنر لنینگراد تحصیل کرد. با آزادی برابر، O. Vereisky هم بر لحن ملایم نقاشی با آبرنگ یا جوهر سیاه و هم بر تضادهای روشن یک تکنیک طراحی با قلم واضح و مشخص تسلط دارد. این هنرمند اخیراً به تکنیک‌های حکاکی علاقه‌مند شده و برخی از نقاشی‌های خود را که در نتیجه سفر به مصر، سوریه و لبنان اجرا شده است، به صورت چاپی تکرار کرده است. یکی از بهترین آنها برگه ای است به نام «در جاده استراحت کن. سوریه» (تصویر 20). از نظر رنگ و ترکیب لاکونیک زیباست، اما جذابیت اصلی آن در تصویر یک زن است. زیبایی نفیس و اندوه جزئی چهره، لطافت محدود ژست و ظرافت طبیعی زن توسط هنرمند با لذت زیبایی شناختی واقعی بازتولید می شود. صفحات "سریال آمریکایی" O. Vereisky، که نه تنها تشریفات، بلکه سایه، ویژگی های روزمره زندگی آمریکایی را دید، نیز پر از مشاهدات دقیق است.

دانش ما در مورد این کشور نیز با طرح‌های زیبا و خطی V. Goryaev، هنرمندی با شیوه‌ای تند و تا حدودی کنایه‌آمیز، تصویرگر مارک تواین و یکی از همکاران دائمی مجله کروکودیل تکمیل می‌شود.

گرافیک پس از جنگ با موفقیت های بزرگ هنرمندان جمهوری های اتحادیه مشخص شد. اکنون قوی ترین تیم های گرافیکی در اوکراین، استونی، لیتوانی و لتونی تشکیل شده اند. هر دو طراحی و آبرنگ هنرمندان بزرگ خود را در این جمهوری ها دارند و هنر چاپ در اینجا و زمانی که در اواخر دهه 1940 و اوایل دهه 1950 در RSFSR رو به زوال بود، توسعه یافت.

به عنوان نمونه ای از گرافیک سه پایه اوکراینی، می توان به سری "دوما و آهنگ های ملی اوکراین" اثر M. Deregus اشاره کرد. این چرخه به طور کلی، شامل ورق هایی با حالات و مضامین مختلف، بلوغ گرافیک اوکراینی را مشخص می کند، اگرچه در کار خود دِرگوس - یک نقاش منظره و تصویرگر عالی - تا حدودی از هم جدا است. غم و امید صفحه "اندیشه ماروس بوگوسلاوکا" و تراژدی تنهایی ، ایمان فریب خورده به مردم در صفحه "اندیشه سه برادر آزوف" جای خود را به شعر شجاعانه روزهای ما در ترکیب " اندیشه پارتیزان ها» با تصویر مرکزی کوپاک. هنرمندان جوان اوکراینی V. Panfilov که حکاکی‌های خود را به کارگران فولاد اختصاص داده است و I. Selivanov که ورق‌هایی با موضوعات تاریخی و انقلابی خلق کرده است، با موفقیت در چاپ کار می‌کنند. یک ژانر معمولی برای گرافیک اوکراینی، منظره صنعتی است که معمولاً در تکنیک های حکاکی اجرا می شود. استادان آن V. Mironenko، A. Pashchenko، N. Rodzin و دیگران هستند.

در جمهوری های بالتیک، گرافیک منظره بسیار متنوع است. یک جریان قوی از منظره غنایی مجلسی در اینجا وجود دارد، احساسی و با جذابیت بسیار. خالقان آن هنرمندان استونیایی، حکاکی R. Kaljo، A. Kaerend، L. Ennosaar، آبرنگ K. Burman (جوان)، گرافیست لتونی، A. Junker، لیتوانیایی N. Kuzminskis و دیگران هستند. آثار آنها حاوی بازتاب های غنایی، ارتباط نزدیک غنای روح با طبیعت، و هر بار درک جدیدی از زیبایی مزارع بومی خود، تالین باستانی زیبا و غیره است.

در آثار قدیمی‌ترین طراح استونیایی جی. رایندورف، تصاویر منظره رنگ و بوی فلسفی بیشتری پیدا می‌کنند. اکنون تصور کامل مسیر طولانی خلاقیت این هنرمند برای ما دشوار است، زیرا تقریباً تمام آثار قبل از جنگ او در طول جنگ بزرگ میهنی از دست رفت. اما دوران فعالیت او پس از جنگ نیز پربار بود. رایندورف در سال 1889 در سن پترزبورگ به دنیا آمد. پس از فارغ التحصیلی از دانشکده طراحی فنی استیگلیتز، حق سفر به خارج از کشور را دریافت کرد و به فرانسه رفت. دوره کوتاه بازنشستگی در خارج از کشور با جنگ جهانی اول قطع شد. رایندورف با بازگشت به وطن خود در زمینه گرافیک کاربردی و منظره فعالیت می کند و به فعالیت های آموزشی مشغول است. علایق اصلی خلاقانه او در دهه 1940 تا 1950 منظره و تا حدی تصویرگری کتاب بود. او آثار خود را در این سال ها عمدتاً در قالب طراحی اجرا می کرد. پیش از این، این هنرمند ورق های حکاکی رسا نیز ایجاد می کرد. تمایل رایندورف به دقت عینی تصویرسازی گاهی به قیمت غنای عاطفی ورق‌های او تمام می‌شود، اما در بهترین آثار او این دو اصل با هم ترکیب شده‌اند. مهمترین ویژگی در این زمینه صفحات او "در روزهای گرم اوت" (1955) است. هارمونی عجیب و غریب همه چیزهایی را که در این منظره روستایی زندگی می کنند، متحد می کند و تکنیک استادانه طراحی با مداد گرافیتی به ورق ها غنای توناژی و رنگارنگی خاصی از اجرا می بخشد.

همچنین خطی از منظره رمانتیک در گرافیک بالتیک وجود دارد که از احساسات طوفانی و بی قرار انسانی اشباع شده است. در حکاکی‌های هنرمندان لتونیایی، پی.

در حکاکی‌های ای. اندرسون ساکن ریگا، منظره به محیطی تبدیل می‌شود که کنش باشکوه کار در آن آشکار می‌شود.

بسیاری از هنرمندان بالتیک هم به عنوان نقاشان منظره و هم به عنوان نویسنده آثار موضوعی عمل می کنند و این فقط آثار آنها را غنی می کند. به عنوان مثال، در آثار همه کاره هنرمند استونیایی E. K. Okas (متولد 1915)، می توان نقاشی های منظره، پرتره، و چیزهای موضوعی را یافت. اوکاس در تالین در یک خانواده کارگری متولد شد و در آنجا تحصیل کرد - ابتدا در مدرسه دولتی هنر و صنعتی و سپس در مدرسه عالی هنر دولتی. در طول جنگ بزرگ میهنی به عنوان یک هنرمند خط مقدم کار کرد. اوکاس هم نقاش است و هم استاد تصویرسازی کتاب. اما اگر تصاویری که او برای صفحات کتاب خلق می‌کند، گاهی با دهه‌ها و قرن‌ها از ما جدا می‌شود، قهرمانان آثار سه‌قلوی او همیشه در مدرنیته زندگی می‌کنند و فضایی دور از آرامش را تنفس می‌کنند. احساس پیچیدگی دنیای مدرن با تضادهای اجتماعی حاد آن، برای مثال، برگه های سری طرح های سفر هلندی و ایتالیایی اوکاس را پر می کند که اساساً توسط او در تکنیک های مختلف حکاکی اجرا شده است. این حکاکی‌ها هوشیار و به طرز وحشیانه‌ای صادقانه شبیه روزنامه‌نگاری واقعی هستند. هنرمند لیتوانیایی V. Jurkunas (متولد 1910) نیز در گرافیک کتاب و سه پایه کار می کند. او در سال 1935 از مدرسه هنر کاوناس فارغ التحصیل شد و دائماً مشغول تدریس است. در حکاکی های او به نظر می رسد که مردم به ویژه با طبیعت بومی خود، سرزمین مادری خود، ارتباط نزدیکی دارند. این قهرمانان شعر توسط میرنیس (1960 ؛ ایل. 21) ، که توسط او بازتولید شده است ، این کشاورز کوچک جمعی است که همدردی بسیاری از بینندگان را به دست آورده است - تصویر جوانان در حال قدم زدن در یک سرزمین زیبا ، مبتکرانه ساده و دلخراش ، خیره کننده با یکپارچگی منحصر به فرد احساسات ("من یک شیرکار خواهم بود"، 1960). تکنیک لینوکات در ورق های V. Jurkunas هم لاکونیک و هم انعطاف پذیر است؛ این تکنیک به طور طبیعی به خلق تصاویر روشن و خوش بینانه او کمک می کند.

قاچاقچیان بالتیک با شور و اشتیاق در زمینه پرتره کار می کنند و اگر در بین آثار هنرمندان RSFSR اکنون علاوه بر اجرای همیشه موفق اما در حال حاضر نادر G.S. Vereisky فقط پرتره های حکاکی مشخصه از M. فیگین، در بالتیک ما از هنرهای ظریف و متنوع تعدادی از نقاشان پرتره خوشحال خواهیم شد.

هنرمند استونیایی E. Einmann (متولد 1913) دستاوردهای زیادی در این ژانر به دست آورد. او در مدرسه دولتی هنرهای کاربردی و مدرسه عالی هنر در تالین تحصیل کرد.مسیر خلاقیت او در طول جنگ بزرگ میهنی آغاز شد. اکنون در یک سری طولانی از آثار او ویژگی های استعداد او به وضوح نمایان است. نگرش هنرمند نسبت به دنیای درونی مدل های خود متفکرانه و دلسوزانه است. احترام به مردم از ویژگی های کار اوست. همیشه ظاهر می شود، چه هنرمند یک ماهیگیر پیر را نقاشی کند یا یک دانش آموز جوان یک مدرسه حرفه ای، یک پرستار یا یک بازیگر. در عين حال، تجربه و ارزيابي مستقيم نويسنده از مدل در جايي به كنار مي‌ماند؛ موضوع اصلي تبديل به داستاني محدود و عيني درباره آن مي‌شود. پرتره های اینمن با ظرافت سبک گرافیکی خود، بیگانه با جلوه های خارجی، مجذوب خود می شوند. این ظرافت ورق های او را که با گرافیت یا مداد ایتالیایی، آبرنگ و لیتوگرافی اجرا شده اند، متمایز می کند.

کار پرتره هنرمند استونیایی A. Bach-Liimand، که به ویژه در به تصویر کشیدن زنان و کودکان مهارت دارد، احساسی و غنایی به نظر می رسد. پرتره ها و خودنگاره هنرمند لیتوانیایی A. Makunaite که در لینوکات کار می کند پر از افکار جدی است. پرتره های زغالی که توسط طراح جوان لتونیایی F. Pauluk ایجاد شده است، رسا هستند.

گرافیک در اوکراین و کشورهای بالتیک دارای سنت های طولانی است و بنابراین موفقیت های آن از بسیاری جهات طبیعی است. اما حتی در جمهوری هایی مانند قرقیزستان یا قزاقستان که هنر گرافیک بسیار جوان است، پیشرفت قابل توجهی داشته است.

گرافیست برجسته در قرقیزستان فارغ التحصیل موسسه چاپ مسکو است که سال ها در شهر فرونزه، L. Ilyina (متولد 1915) کار می کند. یادبود بودن، فرم های بزرگ، لاکونیسم از ویژگی های بارز لینوکات اوست. در سال‌های اخیر، ایلینا، تا حدودی از تصویرگری کتاب فاصله گرفته است، کارهای سه‌قلوی بسیاری را تولید می‌کند، به‌ویژه مجموعه‌ی مناظر حکاکی‌های چوبی «سرزمین‌های بومی» (۱۹۵۷)، و یک سری بزرگ از نقاشی‌های مشمع رنگی که به زن جمهوریش تقدیم شده است. ویژگی های جدید که زندگی ما را متمایز می کند شاید به ویژه در سرنوشت زنان نشان داده شده توسط هنرمند قرقیز قابل توجه باشد. کار اکنون زنان را خم نمی کند، بلکه فقط به وضعیت بدن آنها شکوه و اهمیت می بخشد. نگرش آزاد و آرام، هم دختر چغندرکش (1956) و هم نمایندگان تین شان دوردست را که با دقت به سخنران گوش می دهند متمایز می کند (1960). لینوکات های L. Ilyina پلاستیکی هستند، حجم آزادانه در آنها با حرکتی پر جنب و جوش، خشن، لکه های رنگی بزرگ حجاری شده است. در عین حال، تزئینی شبح ورق همیشه حفظ می شود (ill. 22).

در آذربایجان، هنرمند M.Rahman-zade (متولد 1916) به طرز جالبی در زمینه لیتوگرافی رنگی فعالیت می کند و میادین نفتی دریایی در دریای خزر را به تصویر می کشد. او می‌داند که چگونه موتیف‌های مختلفی را وارد سریال‌های خود کند که به نظر شبیه هستند و در عین حال، هر بار چیز جدیدی را در چشم‌انداز صنعتی آشکار می‌کنند. ورق "Overpass" از آثار او در سال 1957 به دلیل هماهنگی ترکیب، ترکیب صوتی رنگ زرد روشن آب و روکش سیاه سازه ها در میان دیگران متمایز است. اینها برخی از دستاوردهای حکاکی ها و نقشه کشان جمهوری خواه است.

گرافیک امروزی با گرافیک دهه اول پس از جنگ بسیار متفاوت است. چه چیز جدیدی، بسیار متفاوت از قبلی، در آن ظاهر شد؟ اگر مدرنیته پیش از آن تنها در تک تک چیزها با تعمیم شاعرانه واقعی اسیر می شد، اکنون ویژگی های زنده آن در بسیاری از آثار گرافیکی پراکنده است. چرخش گسترده هنرمندان به سمت مدرنیته نتیجه می دهد. مدرنیته در ویژگی‌های نه بیرونی و عمیق خود تسلط پیدا می‌کند؛ هنرمندان در حال کشف چهره جدیدی از کشور ما، از مردم شوروی هستند. از بسیاری جهات، گرافیک سال های اخیر وجه اشتراکی با نقاشی دارد. هنرمندان این هنرها چهره خشن و تند زمان را می بینند؛ جهان بینی فعال خاصی در آثارشان نفوذ می کند. و اشتیاق به فرم های هنری جدید و آزمایش نشده نیز برای آنها رایج است. در گرافیک، همه اینها در درجه اول به چاپ مربوط می شود. ظهور آن در اواسط دهه 1950 آغاز شد و اکنون می توان در مورد اوج واقعی آن صحبت کرد. این شکوفایی در درجه اول با هجوم نیروهای جوان جدید به حکاکی سه پایه همراه است. اما هنرمندان باتجربه نیز به او کمک کردند. به عنوان مثال، در مناظر A. Vedernikov، لنینگراد، که با بسیاری از سنت‌های تصویری آن سنگینی می‌کند، به طور غیرمنتظره‌ای با چنان ظاهر جدیدی ظاهر می‌شود که با رنگ‌های خالص درخشان است، که به نظر می‌رسد برای اولین بار دیده می‌شود. تکنیک لیتوگرافی رنگی ودرنیکوف از طراحی با مداد رنگی یا نقاشی دقیق با آبرنگ تقلید نمی کند. هنرمند با فرم های تعمیم یافته، ترکیب های جسورانه از چندین تن ناب عمل می کند. جستجوی او برای تزئینات در لیتوگرافی رنگی یکی از بسیاری از مواردی است که اکنون مشخصه چاپگری است.

از جمله موفقیت‌های چاپ‌سازی، می‌توان به حکاکی‌های چوبی F. D. Konstantinov در مورد کارگران روستایی، و به ویژه صفحه منظره او "بهار در مزرعه جمعی" (1957؛ ill. 23) و مناظر هنرمند ارمنی M. M. Abegyan - "The Rocky Shore" اشاره کرد. زنگی، «در کوه‌های بجنی» (1959) و بسیاری آثار دیگر از هنرمندان نسل‌های قدیمی و میانی.

اما جدید، که چاپ مدرن را متمایز می کند، به ویژه در چیزهای جوانان به وضوح احساس می شود. I. Golitsyn، A. Ushin، G. Zakharov، Y. Manukhin، I. Resets، L. Tukachev، K. Nazarov، V. Popkov، D. Nodia، I. Nekrasov، V. Volkov - یک کهکشان کامل از جوانان که عملکرد درخشانی در چاپ داشت. ما مناظر معمولی حومه شهر را در "Seeing Off Suite" اثر A. Ushin (متولد 1927)، دانشجوی مدرسه هنر و آموزش لنینگراد (24) می بینیم. در صفحات آن هیچ رویدادی اتفاق نمی افتد، فقط قطارهای برقی در سکوت می شتابند، و در همان زمان، اتفاقات زیادی در اینجا می افتد - خرپاهای فولادی که سیم ها را نگه می دارند برمی خیزند، نوارهای نور از پنجره قطار در تاریکی غلیظ شب پاره می شوند، سفید. رعد و برق باران از آن عبور می کند، و ابرها در انبوهی خیره کننده در آسمان سیاه انباشته می شوند - زندگی در جریان است، بی نظیر، زنده، بسیار شدید، در فعال ترین و شدیدترین حالت خود. این درک حاد و فعال از زندگی در پویایی ثابت آن است که بسیاری از آثار جوان را متمایز می کند. آثار آنها را متحد می کند. اما، علاوه بر این، جوانان در خلاقیت خود بسیار فردی هستند. هر یک از هنرمندان نامبرده قبلاً چهره خود را در هنر، قضاوت خود در مورد زندگی، درک خاص خود از زبان حکاکی دارد.

مناظر وسیع و صحنه‌های تغزلی G. Zakharov با ریتم تاکید شده‌اش از سکته‌ها و لکه‌های سیاه و سفید درشت بی‌نظیر به نظر می‌رسد. مناظر و رمان‌های متفکرانه و کمی کنایه‌آمیز I. Golitsyn که در آن هر خانه یک داستان کامل در مورد زندگی یک شهر بزرگ است، و یک تقاطع خیابان برای ما در یک دید آنی و تا حدی بدبینانه، طوماری از زندگی روزمره بشر برای ما آشکار می‌شود. . تکنیک حکاکی انعطاف پذیر نقره ای گلیتسین تا حد زیادی تحت تأثیر فاورسکی قرار گرفت. به نظر می رسید که ظرافت نقوش چوبی، غنای لحنی آن، چنان که مطیع فاوورسکی بود، افق های گولیتسین را، هنرمندی با تکنیک بزرگتر و مردانه تر لینوکت (مثلاً 25) وسعت بخشید.

زندگی کمی خشن، قابل توجه و در معمولی ترین جلوه هایش جریان دارد 24. A. A. در لاستیک. باران. 1960 از یک شهر بزرگ در حکاکی های Leninrader V. Volkov. ورق‌های او فارغ از هیاهوی چیزهای کوچک، واقعیت را به یادگار می‌آورند، گویی ریتم شجاعانه و باشکوه آن را در جریان زندگی روزمره آشکار می‌کنند. و مردم را هنرمند در یک جنبه اما اساسی نشان می دهد - اینها افراد سختگیر و کم حرف کار هستند.

هنرمند گرجستانی D. Nodia به طور فعال و پویا مناظر صنعتی و صحنه های کار را می بیند. دنیای شفاف جوانی، تلفیقی شگفت‌انگیز از وضوح کودکانه روح و ظرافت حرکات ذهنی بزرگسالان، توسط یا. منوخین در تصویر شکننده «تیغ علف» محبوبش آشکار می‌شود.

همین هنرمند، در حکاکی که به مبارزه برای صلح اختصاص دارد، به بیانی خاص از تصویری دست می یابد که خشم و درد هیروشیما را در بر می گیرد. در همان زمان، منوخین از نزدیک بودن ورق سهل خود به هنر پوستر چیزهای زیادی آموخت (تصویر 26).

وی. پاپکوف (بیماری 27) که در سالهای اخیر به عنوان یک نقاش به طرز جالبی صحبت کرده است، در مجموعه ای از حکاکی ها و گواش ها به تفصیل و با اشتیاق از کار کارگران حمل و نقل صحبت می کند. در تمام این آثار، هنرمندان جوان وجوه متفاوتی از مدرنیته ما را به ما نشان می دهند که به شیوه خود و بسیار تازه دیده می شود.

البته الان همه چیز در چاپ موفق نیست. نوشتن زندگی روزمره و هنر مصور نیز در اینجا یافت می شود. ما اغلب آنها را در مجموعه های اختصاص داده شده به کار، و همچنین با پروتکل خسته کننده در چشم انداز صنعتی مواجه می کنیم. چیزهایی نیز وجود دارند که تمام معنای آنها با تزئینات بیرونی آنها تمام شده است. از سوی دیگر، چیزهای جدیدی که در سال های اخیر در چاپخانه کشف شد، در طراحی نیز زاده شد، اگرچه چنین گروه قدرتمندی از جوانان در اینجا ظاهر نشدند. در این زمینه راه خلاق V. E. Tsigal (متولد 1916) است. در اولین سال‌های پس از جنگ با مجموعه‌ای از نقاشی‌های جوهر و آبرنگ آغاز شد که در آن زندگی و کار مردم شوروی به طور واقعی و اغلب به صورت غنایی و گرم نمایش داده می‌شد، اما هنوز بدون اکتشافات هنری بزرگ. تسیگال تا حدودی در این امر با فعالیت بیش از حد خود مانع شد، تمایل او به پوشش بیش از حد گسترده ای از پدیده های زندگی با هنر خود. تسیگال به سرعت کار کرد، مجموعه های بزرگی از ورق های او تقریباً در تمام نمایشگاه های بزرگ ظاهر شد. اما تمرکز خلاقانه واقعی تنها زمانی به او دست یافت که با شروع به سفر و مطالعه زندگی دهقانان در روستاهای کوهستانی داغستان، برای مدت نسبتاً طولانی مجذوب این موضوع شد، که البته برای این موضوع بسیار مفید بود. هنرمند اینگونه بود که سریال داغستان او (1959 - 1961) ظاهر شد که گام بزرگی برای تسیگال بود. در این چرخه، جذابیت گم‌نشده‌ای از تازگی زندگی کوهنوردان برای هنرمند آشکار می‌شود و برخی از ویژگی‌های بسیار پنهان روزمره که با نگاهی دوستانه به آنها توجه می‌شود، و احساسی خاص از هماهنگی بین انسان و طبیعت. صفحات آن بر اساس مقایسه ظریفی از نقوشی ساخته شده است که در داغستان رایج است، اما به طور ناگهانی به وضوح ویژگی های شیوه زندگی و روابط بین مردم، جاودانه و در عین حال تا حدودی گریزان مدرن را برای ما آشکار می کند (ill. 28).

در ظهور فعلی گرافیک سه پایه، هنر پیچیده/لطیف آبرنگ نیز جایگاه خود را پیدا کرده است. در آبرنگ، به ویژه به چشم راست و دستی سریع و دقیق نیاز دارید. این کار تنظیمات را تقریبا غیرممکن می کند و حرکت قلم مو با رنگ و آب به طرز فریبنده ای آسان است و نیاز به نظم و انضباط دقیق هنرمند دارد. اما امکانات رنگی آبرنگ غنی است و شفافیت کاغذ در زیر لایه شفاف رنگ، سبکی و ظرافت بی نظیری به آن می بخشد. یکی از آنها "آبرنگ نقاشی است که پنهانی دوست دارد به یک گرافیک تبدیل شود. آبرنگ گرافیکی است که مودبانه و با ظرافت به نقاشی تبدیل می شود و دستاوردهای خود را نه بر روی کاغذ کشتن، بلکه بر روی آشکار شدن عجیب سطح کشسان و ناپایدارش می سازد." زمانی بزرگترین متخصصان گرافیک شوروی A. A. Sidorov نوشت. استادان آبرنگ در حال حاضر، مانند دهه 1930، عمدتاً نقاشان منظره هستند. آثار S. Boym، N. Volkov، G. Khrapak، S. Semenov، V. Alfeevsky، D. Genin، A. Mogilevsky و بسیاری دیگر، زندگی یک شهر مدرن، طبیعت را در غنای رنگ های آن نشان می دهد. تنوع زیبا آن و توصیف منفعل کمتر و کمتر در منظر خانه خود را پیدا می کند.

اینها برخی از ویژگی های گرافیک مدرن شوروی است. با این حال، تصویر آن به قدری پیچیده و غنی است که مطمئناً شایسته توصیف جداگانه است. هدف ما فقط آشنایی با آثار مشهورترین استادان گرافیک سه پایه و لحظات خاصی از تاریخ آن بود.

هنرمند Yu.I. Pimenov، که نقاشی های او در بالا مورد بحث قرار گرفت، می نویسد: "مسیر هنرمند مسیر طلسم زندگی و مسیر بیان آن است، پر از ناامیدی و شکست. اما در هر چیز صادقانه ای وجود دارد. دانه، ریز ذره ای از دلخواه، و جایی پیدا می کند - سپس یک پژواک، در جایی موجی از این احساس پذیرفته می شود و شکوفا می شود. به خاطر این «دانه آنچه مطلوب است»، به خاطر موج پاسخ احساسی که برای هنرمند کاملاً ضروری است، همه کار سخت و شادی‌آور او به پایان می‌رسد.

"نقاشی های گرافیکی"

گرافیک نوعی هنر زیباست که از خطوط، خط‌ها، نقاط و نقطه‌ها به عنوان ابزار اصلی بصری استفاده می‌کند.
تصاویر گرافیکی. رنگ را می توان در گرافیک نیز استفاده کرد، اما بر خلاف نقاشی، در اینجا نقش حمایت کننده دارد.

تصاویر گرافیکی. هنگام ترسیم گرافیک، آنها معمولاً از بیش از یک رنگ استفاده نمی کنند (به جز سیاه اصلی)، در موارد نادر - دو رنگ. علاوه بر خط کانتور ، سکته مغزی و لکه ها به طور گسترده ای در گرافیک مورد استفاده قرار می گیرند ، همچنین با سطح سفید (و در موارد دیگر نیز رنگ ، سیاه و یا کمتر بافت) از کاغذ - مبنای اصلی آثار گرافیکی است. ترکیبی از وسایل مشابه می تواند تفاوت های ظریف رنگی ایجاد کند. متداول ترین ویژگی گرافیک ، رابطه ویژه شیء به تصویر کشیده شده به فضا است که نقش آن تا حد زیادی توسط پس زمینه کاغذ بازی می شود (به قول استاد گرافیک شوروی V. A. Favorsky ، "هوای یک ورق سفید ”).

تصاویر گرافیکی. باستانی ترین و سنتی ترین نوع هنر گرافیکی نقاشی است که منشأ آن را می توان در نقاشی های سنگی بدوی و در نقاشی گلدان های باستانی مشاهده کرد ، جایی که اساس تصویر خط و شبح است. وظایف نقاشی با نقاشی مشترک زیادی دارد و مرزهای بین آنها روان و عمدتاً دلخواه است: آبرنگ ، گواش ، پاستیل و خلق و خوی می توانند برای ایجاد هر دو آثار گرافیکی و آثار که از نظر سبک و شخصیت نقاشی هستند ، استفاده شود.

تصاویر گرافیکی. گرافیک هنر شامل نقاشی خود و آثار چاپی هنری (حکاکی ، لیتوگرافی و غیره) است که بر اساس هنر نقاشی ، اما داشتن وسایل بصری و قابلیت های بیانی خاص خود را دارد.
تصاویر گرافیکی. در گرافیک ، همراه با آهنگ های تکمیل شده ، طرح ها و طرح های در مقیاس کامل برای آثار نقاشی ، مجسمه سازی ، معماری (نقاشی های میکل آنژ ، L. Bernini در ایتالیا ، O. Rodin در فرانسه ، Rembrandt در هلند ، V. I. Bazhenov در روسیه) ارزش هنری مستقل. . گرافیک بدون داشتن چنین حجمی از کامل بودن امکانات مانند نقاشی در ایجاد توهم فضایی دنیای واقعی، درجه فضایی و مسطح بودن را با آزادی و انعطاف زیادی تغییر می دهد. آثار گرافیکی ممکن است با ساخت حجمی دقیق، دقت در توسعه بهترین عناصر بافت و شناسایی ساختار موضوع مشخص شوند.

میراث هنر گرافیک متنوع است. با آثار استادان مشهور جهان مانند آلبرشت دورر (1471-1528)، فرانسیسکو گویا (1746-1828)، گوستاو دور (1832-1883)، هنرمندان ژاپنی کیتاگاوا اوتامارو (1753-1806)، هیروشیگه آندو (1806-1753) مشخص شده است. 1797-1858) و حکاکی و نقشه کش هوکوسای کاتسوشیکا (1760-1849)، که آثارش تأثیر قابل توجهی بر هنر اروپایی اواخر قرن نوزدهم و اوایل قرن بیستم گذاشت.

از استادان مدرن گرافیک، مشهورترین هنرمند هلندی موریس اشر است که یکی از اولین کسانی بود که فراکتال ها را به تصویر کشید و پس از انتشار کتاب "Grafiek en Tekeningen" که در آن خودش در مورد 76 اثر خود اظهار نظر کرد، مشهور شد. بهترین آثار
بنابراین، ما به ریشه های تاریخی هنر گرافیک و گرافیک مدرن نگاه کردیم.
نقاشی های گرافیکی می توانند بخش مستقلی از هنرهای زیبا باشند.
نقاشی های گرافیکی پایه و اساس را به انواع زیبایی از هنرهای زیبا مانند .

تصاویر گرافیکی. طراحی گرافیکی. این یک هنر کامل است. گرافیک تاریخچه طولانی و غنی دارد. نقاشی های گرافیکی یک هنر باستانی است. نقاشی های گرافیکی مدرنیته ماست. نقاشی های گرافیکی مورد احترام و دوست داشتنی هستند.

بسیاری از افراد به گرافیک علاقه دارند. جمع آوری نقشه های گرافیکی گرافیک جالب و جذابی است.
هنر تزئینی مدرن نیز بدون گرافیک و تصاویر گرافیکی قابل تصور نیست. طرح ها، طرح ها و طراحی ها به هنرمند این امکان را می دهد که به شیوه ای جالب و بدیع فکر کند. نقاشی، گرافیک و طراحی اساس خلاقیت هر استاد حرفه ای است.
گرافیک، طراحی، تصویر گرافیکی، طراحی گرافیکی را می توان بر اساس مواد مختلف ساخت. گرافیک روی کاغذ گرافیک روی چوب گرافیک روی فلز گرافیک روی پارچه گرافیک روی شیشه گرافیک شنی.

یک تصویر گرافیکی ماهرانه بدتر از نقاشی های رنگارنگ رنگ روغن یا آبرنگ بیننده را جذب و مجذوب خود می کند.
تصاویر گرافیکی. گرافیک در نوع خود زیباست. گرافیکش جالبه گرافیک جذاب است. طراحی های گرافیکی توسط استادانی مانند میکل آنژ به عنوان آثار با ارزش طراحی و گرافیک محسوب می شود.

تصاویر گرافیکی. گرافیک مدرن
گرافیک مدرن استادان خود را دارد. بسیاری در طراحی گرافیک تخصص دارند و تمام زندگی خود را درگیر گرافیک بوده اند.
گرافیک مدرن هم طرفداران و هم خبره های خود را دارد. نقشه های گرافیکی به راحتی توسط بسیاری از آماتورها و مجموعه داران خریداری می شود. کار گرافیکی نیز می تواند بسیار گران باشد. نقاشی های گرافیکی ارزان نیستند و در هنر طرد شده نیستند. نقاشی های گرافیکی دنیای شگفت انگیز خودشان در هنرهای زیبا هستند.

تصاویر گرافیکی. گرافیک مدرن گالری ما طیف گسترده ای از آثار گرافیکی را ارائه می دهد. در اینجا کارهای گرافیکی برای هر سلیقه ای وجود دارد. از نزدیک به کارهای گرافیکی ما نگاه کنید. گرافیک پری خوب هنر مدرن است، اما گرافیک به خودی خود زیبا است. یک طراحی گرافیکی خوب یا ترکیب گرافیکی می تواند هر فضای داخلی را با هاله شگفت انگیز خود تزئین کند. تصاویر و گرافیک فوق العاده هستند!
گرافیک نه تنها هنرمندان را مجذوب خود کرده است. نقاشی های گرافیکی نیز برای استادان شعر مدرن تبدیل به یک موزه شده است.
گرافیک منظوم در تفاوت آن با نثر شیوه خاصی برای ثبت متن شعری است.

او شروع به بوسیدن او کرد، همه آن را با مارمالاد آغشته به دم و یال او کرد.
و به پنجره خواربارفروشی Eliseevsky و کامپیوتر مکینتاش
و او عمدا فلاپی دیسک (lanita) را برای او جایگزین کرد
فراموش نکنید که او را روی هر مداد کوهینوروف ببوسید.

در شعر مدرن اصطلاحات زیادی از ریشه کلمه - "تصاویر گرافیکی" وجود دارد. مثلاً: گرافیک شعری خاص، گرافیک بیت خاص، گرافیک بیت خاص.
هنرهای گرافیک. گرافیک در تمام زندگی ما نفوذ می کند و نفوذ می کند. آنها عاشق گرافیک هستند. آنها گرافیک را تحسین می کنند. آنها به گرافیک علاقه دارند. بعضی ها از گرافیک خسته شده اند.
محبوب ترین و معروف ترین نوع گرافیک، طراحی است. هر هنرمندی با گرافیک و کارهای گرافیکی شروع می کند.
هنرهای گرافیک. کاغذ. مداد. چه چیز دیگری لازم است. البته خلاقیت البته الهام بخش

"من یک مداد، گرافیت با حرف "T" می گیرم،
من شروع به ترسیم احساسات می کنم.
و با دستی لرزان روی ملحفه ای سفید
من قوانین هنر را نابود می کنم.»

تصاویر گرافیکی. گرافیک در تمام زندگی ما نفوذ می کند و نفوذ می کند. آنها عاشق گرافیک هستند. آنها گرافیک را تحسین می کنند. آنها به گرافیک علاقه دارند. بسیاری از مردم از گرافیک خسته شده اند.

من کاغذ را با نوک تیز سوراخ می کنم تا سوراخ هایی ایجاد شود.
و ضربه ها مثل باران نمی بارد.
اکسیر نوشیده شده از جان با مرگ
با دندان قروچه برمی گردد.»

«گرافیک سخت! کاغذ به پاره!
انگشتان من در حال حاضر شروع به بی حس شدن کرده اند.
آمیخته ای که به ترک خود کافر بود،
ناگهان قادر به مردن از مالیخولیا است.»

تصاویر گرافیکی. نقاشی ها و گرافیک ها زندگی ما را تزئین می کنند. آنها عاشق گرافیک هستند. آنها گرافیک را تحسین می کنند. آنها به گرافیک علاقه دارند. بسیاری از مردم از گرافیک خسته شده اند.

"درد، گناه، پشیمانی، رنجش، ناامیدی،
امید، خشم، گناه، اشتیاق...
و عشقی که واقعیت آزادی را نپذیرفت
نابخشودگی در معبد می چرخد..."

هنرهای گرافیک. نقاشی ها و گرافیک ها زندگی ما را تزئین می کنند. آنها عاشق گرافیک هستند. آنها گرافیک را تحسین می کنند. آنها به گرافیک علاقه دارند. بسیاری از مردم شادی خود را در گرافیک می بینند.

"چی شد؟ من هنوز ساخته ام را تمام نکرده ام.
التقاط احساسات تبدیل به یک کتیبه شد.
دوست دارم در هم تنیدگی این سطرها را بسوزانم،
احیای ققنوس از آتش..."

هنرهای گرافیک. گرافیک مدرن
گرافیک مدرن استادان خود را دارد. بسیاری از هنرمندان در طراحی گرافیک تخصص دارند و تمام زندگی خود را درگیر گرافیک بوده اند.
گرافیک مدرن طرفداران و خبره های خود را دارد. نقشه های گرافیکی به راحتی توسط بسیاری از آماتورها و مجموعه داران خریداری می شود. کارهای گرافیکی نیز می تواند بسیار گران باشد. نقاشی های گرافیکی ارزان نیستند و در هنر طرد شده نیستند. نقاشی های گرافیکی دنیای شگفت انگیز خودشان در هنرهای زیبا هستند!

تصاویر گرافیکی! گرافیک مدرن! گالری ما طیف عظیمی از آثار گرافیکی هنرمندان را ارائه می دهد. در اینجا کارهای گرافیکی برای هر سلیقه ای وجود دارد. از نزدیک به کارهای گرافیکی ما نگاه کنید. نقاشی های گرافیکی پری خوب هنر مدرن هستند، اما گرافیک به خودی خود زیبا است. یک طراحی گرافیکی خوب یا ترکیب گرافیکی می تواند هر فضای داخلی را با هاله شگفت انگیز خود تزئین کند!
تصاویر گرافیکی! تصاویر و گرافیک فوق العاده هستند!