مجسمه سازی نیمه اول قرن هجدهم. مجسمه روسی مجسمه روسی قرن 18 - 19

23.06.2020

مجسمه روسی قرن 18

در روسیه باستان، مجسمه سازی، بر خلاف نقاشی، کاربرد نسبتا کمی پیدا کرد، عمدتاً به عنوان تزئین سازه های معماری. در نیمه اول هجدهمقرن، تمام ژانرهای مجسمه سازی و مجسمه سازی به تدریج تسلط یافتند. اول از همه، هنرهای پلاستیکی یادبود و تزئینی، که از نزدیک با معماری مرتبط بودند، شروع به توسعه کردند. تحت رهبری معمار I.P. Zarudny، دکور حکاکی شده با سنگ سفید کلیسای فرشته گابریل در مسکو (برج Menshikov) ایجاد شد. سنت های غنی مجسمه سازی باستانی روسیه فراموش نشد - کنده کاری چوب و استخوان، نمادهای پلاستیکی تزئینی.

ویژگی های مجسمه های یادبود و تزئینی دوران پیتر کبیر به وضوح در ایجاد گروه پیترهوف آشکار شد که با این حال در طول قرن تغییرات قابل توجهی را تجربه کرد.

ربع اول قرن هجدهم نه تنها با خلق آثار اصلی جدید، بلکه با تجلی علاقه به آثار کلاسیک مجسمه سازی مشخص شد. به این ترتیب مجسمه عتیقه مرمری معروف "ونوس تائورید" در ایتالیا خریداری شد. اولین نمونه های مجسمه سازی سکولار از کشورهای اروپایی، عمدتاً آثاری از استادان باروک ایتالیایی آورده شد.

در دوره پیتر کبیر، اولین پروژه های بناهای تاریخی ظاهر شد. به گفته B.-K، در یکی از میادین مرکزی سن پترزبورگ، قرار بود یک ستون پیروزی برای تداوم پیروزی در جنگ شمالی نصب شود. راسترلی. B.-K. راسترلی(1675؟ -1744) در واقع اولین استاد مجسمه سازی در روسیه بود. ایتالیایی الاصل، او در سال 1716 به دعوت پیتر اول از فرانسه نقل مکان کرد و وطن جدیدی در روسیه پیدا کرد، زیرا تنها در سن پترزبورگ فرصت های زیادی برای خلاقیت دریافت کرد. بارتولومئو-کارلو راسترلیبسیاری از آثار پرتره، تزیینی و مجسمه سازی یادبود را اجرا کرد. او بسیار معروف است نیم تنه برنزی پیتر اول(1723-1730، ill. 40) که در آن نه تنها شباهت ها، بلکه شخصیت پادشاه مقتدر و پرانرژی نیز استادانه منتقل شده است.

مهارت راسترلی به عنوان نقاش پرتره نیز مشهود بود در مجسمه نیم تنه A. D. Menshikov، اجرا شده در 1716 - 1717، در مجسمه Anna Ioannovna با کمی آراپوچکا(1741). حس یادبود و دانش عالی برنز به عنوان یک ماده، کار این مجسمه ساز را متمایز می کند. در پرتره آنا یوآنونا، که به آرامی با لباسی سنگین با سنگ های قیمتی گلدوزی شده راه می رفت، راسترلی تصویری رسا از "نگاه ترسناک ملکه" را به قول معاصرانش خلق کرد.

شاخص ترین اثر رسترلی این است بنای یادبود سوارکاری پیتر اول.این منعکس کننده برداشت های مجسمه ساز از بناهای تاریخی دوران باستان، رنسانس و قرن هفدهم است. پیتر به عنوان یک پیروز نشان داده شده است که به طور رسمی بر اسبی در لباس یک امپراتور روم نشسته است.

سرنوشت این بنای تاریخی قابل تامل است. بازیگران در 1745 - 1746 پس از مرگ مجسمه ساز به سرپرستی پسرش، معمار F.-B. راسترلی، او بیش از نیم قرن در انباری دراز کشیده بود که توسط همه فراموش شده بود. تنها در سال 1800، به دستور پل اول، در مقابل قلعه مهندسی در سنت پترزبورگ نصب شد و به طور ارگانیک وارد مجموعه معماری شد.

در نیمه دوم قرن 18. شکوفایی واقعی مجسمه سازی روسی آغاز می شود. به کندی توسعه یافت، اما تفکر آموزشی روسی و کلاسیک گرایی روسی بزرگترین مشوق ها برای توسعه هنر ایده های بزرگ مدنی و مشکلات بزرگ مقیاس بود که علاقه به مجسمه سازی را در این دوره تعیین کرد. شوبین، گوردیف، کوزلوفسکی، شچدرین، پروکوفیف، مارتوس- هر کدام به تنهایی فردی باهوش بود و اثری از خود بر هنر گذاشت. اما همه آنها با اصول خلاق مشترک، که از پروفسور نیکلاس ژیلت، که از سال 1758 تا 1777 کلاس مجسمه سازی را در آکادمی رهبری می کرد، یاد گرفتند، متحد شدند. ایده های عمومی شهروندی و میهن پرستی، آرمان های عالی دوران باستان.آموزش آنها اساساً مبتنی بر مطالعه اساطیر باستانی، قالب‌ها و کپی‌هایی از آثار دوران باستان و رنسانس، و در طول سال‌های بازنشستگی، آثار معتبر این دوران بود. آنها تلاش می کنند تا ویژگی های شخصیت قهرمانانه را در تصویر مردانه، و شروعی ایده آل زیبا، هماهنگ و بی نقص در تصویر زنانه تجسم دهند. اما مجسمه سازان روسی این تصاویر را نه به صورت انتزاعی و انتزاعی، بلکه کاملاً حیاتی تفسیر می کنند. جست‌وجوی زیبایی کلی، عمق کامل درک شخصیت انسان، تمایل به انتقال همه‌کاره بودن آن را از بین نمی‌برد. این میل در مجسمه‌های تزیینی و مجسمه‌های سه پایه نیمه دوم قرن، به ویژه در ژانر پرتره، قابل لمس است.

بالاترین دستاوردهای او در درجه اول با خلاقیت مرتبط است فدوت ایوانوویچ شوبین(1740-1805)، هموطن لومونوسوف، که قبلاً به عنوان هنرمندی که بر پیچیدگی های کنده کاری استخوان تسلط یافته بود، وارد سن پترزبورگ شد. شوبین پس از فارغ التحصیلی از آکادمی در کلاس ژیله با مدال طلای بزرگ، به یک سفر بازنشستگی رفت، ابتدا به پاریس (1767-1770) و سپس به رم (1770-1772) که از اواسط قرن، با حفاری هرکولانیوم و پمپئی، دوباره به مرکز جذب هنرمندان از سراسر اروپا تبدیل شد. اولین کار شوبین در میهن خود - نیم تنه A.M. گلیتسینا(1773، موزه روسیه، گچ) از قبل نشان دهنده بلوغ کامل استاد است. همه تطبیق پذیری ویژگی های مدل با بررسی آن در اطراف آشکار می شود، اگرچه بدون شک یک دیدگاه اصلی برای مجسمه وجود دارد. هوش و شک، لطف معنوی و رگه هایی از خستگی ذهنی، انحصار طبقاتی و از خود راضی بودن تمسخرآمیز - شوبین موفق شد متفاوت ترین جنبه های شخصیت را در این تصویر از یک اشراف روسی منتقل کند. تنوع فوق العاده رسانه های هنری به خلق چنین شخصیت پردازی مبهم کمک می کند. طرح پیچیده و گستردگی سر و شانه ها، تعبیر سطحی چند بافتی (شنل، توری، کلاه گیس)، بهترین مدل سازی صورت (چشم های باریک متکبرانه، خط اصیل بینی، الگوی دمدمی مزاج لب) و لباس های زیباتر - همه چیز یادآور تکنیک های سبک باروک است. اما به عنوان فرزند زمان خود، مدل های خود را مطابق با ایده های آموزشی یک قهرمان ایده آل تعمیم یافته تفسیر می کند. این برای همه آثار او در دهه 70 معمول است، که به ما امکان می دهد از آنها به عنوان آثار کلاسیک اولیه صحبت کنیم. اگرچه توجه می کنیم که در تکنیک های شوبین تازه کار ، ویژگی های نه تنها باروک بلکه حتی روکوکو نیز قابل ردیابی است. با گذشت زمان، تصاویر Shubin ملموس‌تر، حیاتی‌تر و مشخص‌تر می‌شوند.

شوبین به ندرت به برنز تبدیل می شد؛ او عمدتاً در سنگ مرمر کار می کرد و همیشه از فرم نیم تنه استفاده می کرد. و در این مواد بود که استاد تمام تنوع راه حل های ترکیبی و تکنیک های پردازش هنری را نشان داد. او با استفاده از زبان پلاستیسیته، تصاویری از بیان خارق العاده و انرژی استثنایی خلق می کند، بدون اینکه به هیچ وجه برای تجلیل بیرونی آنها تلاش کند. مجسمه نیم تنه فیلد مارشال Z.G. چرنیشوا، سنگ مرمر، گالری ترتیاکوف). او از پایین آوردن، "زمین" نمی ترسد تصویر فیلد مارشال P.A. رومیانتسف-زادونایسکی، بیانگر شخصیت مشخص چهره گرد نه قهرمانانه او با بینی خنده دار رو به بالا (مرمر، 1778، موزه هنر دولتی، مینسک). او فقط به "درون" یا فقط "خارجی" علاقه ندارد. او انسان را با همه تنوع زندگی و ظاهر معنوی خود عرضه می کند. این‌ها مجسمه‌های مجسمه‌ای از دولتمردان، رهبران نظامی و مقامات است که با استادی اجرا شده‌اند.

از بین آثار دهه 90 ، پربارترین دوره در کار شوبین ، می خواهم به الهام بخش و عاشقانه اشاره کنم. تصویر P.V. زاوادوفسکی (نیم تنه فقط در گچ حفظ شد، گالری ترتیاکوف). تیز بودن چرخش سر، نگاه نافذ، زهد تمام ظاهر، لباس های آزادانه - همه چیز از یک احساس خاص صحبت می کند و طبیعتی پرشور و خارق العاده را آشکار می کند. روش تفسیر تصویر دوران رمانتیسم را پیش بینی می کند. یک ویژگی پیچیده چند وجهی داده شده است در مجسمه مجسمه لومونوسوف، برای گالری کامرون ایجاد شده است تا آنجا در کنار مجسمه های مجسمه قهرمانان باستانی قرار گیرد. از این رو سطح کمی متفاوت از تعمیم و قدمت نسبت به سایر آثار مجسمه ساز (برنز، 1793، گالری کامرون، پوشکین؛ گچ، موزه روسیه؛ سنگ مرمر، آکادمی علوم؛ دو مورد آخر زودتر هستند). شوبین با احترام خاصی با لومونوسوف برخورد کرد. دانشمند درخشان خودآموخته روسی نه تنها به عنوان یک هموطن به مجسمه ساز نزدیک بود. شوبین تصویری عاری از هرگونه رسمی و شکوه خلق کرد. ذهن پر جنب و جوش، انرژی و قدرت در ظاهر او احساس می شود. اما زوایای مختلف لهجه های متفاوتی می دهد. و در نوبتی دیگر، در چهره مدل غمگینی، ناامیدی و حتی ابراز تردید می خوانیم. اگر فرض کنیم که این اثر از طبیعت نیست، تعجب آورتر است؛ لومونوسوف 28 سال قبل درگذشت. مطالعات اخیر احتمال طرح هایی از طبیعت را که به دست ما نرسیده است را پیشنهاد کرده است.

به همان اندازه چند وجهی در این چند وجهی، آفرینش متناقض ایجاد شده توسط مجسمه ساز است. تصویر پل اول(مرمر، 1797، برنز، 1798. موزه دولتی روسیه؛ برنز، 1800، گالری ترتیاکوف). در اینجا رویاپردازی با بیانی خشن و تقریباً بی‌رحمانه همزیستی می‌کند و ویژگی‌های زشت و تقریباً غم انگیز تصویر را از شکوه و عظمت سلب نمی‌کند.

شوبین نه تنها به عنوان نقاش پرتره، بلکه به عنوان دکوراتور نیز کار می کرد. او 58 پرتره تاریخی بیضی از مرمر برای کاخ چسمه اجرا کرد(واقع در اتاق اسلحه خانه)، مجسمه هایی برای کاخ مرمر و برای پیترهوف، مجسمه کاترین دوم قانونگذار(1789-1790). شکی نیست که شوبین بزرگترین پدیده در فرهنگ هنری روسیه در قرن 18 است.

یک مجسمه ساز فرانسوی با استادان داخلی در روسیه کار می کرد اتین-موریس فالکونه(1716-1791؛ در روسیه - از 1766 تا 1778)، که در بنای یادبود پیتر اول در میدان سنا در سن پترزبورگدرک خود را از شخصیت پیتر و نقش تاریخی او در سرنوشت روسیه بیان کرد. فالکون 12 سال روی این بنای تاریخی کار کرد. اولین طرح در سال 1765 اجرا شد، در سال 1770 یک مدل در اندازه واقعی ساخته شد و در 1775-1777. ریخته گری مجسمه برنزی در حال انجام بود و از یک سنگ سنگی که پس از برش وزن آن حدود 275 تن بود پایه ای آماده می شد.ماری آن کولو در کار روی سر پیتر فالکون کمک کرد. افتتاح این بنای تاریخی در سال 1782 انجام شد، زمانی که فالکونت دیگر در روسیه نبود و نصب بنای یادبود گوردیف را تکمیل کرد. فالکون تصویر مقدس امپراتور پیروز، سزار روم را که توسط چهره های تمثیلی فضیلت و شکوه احاطه شده بود، رها کرد. او به دنبال تجسم تصویر یک خالق، قانونگذار، تبدیل کننده بود، همانطور که خودش در نامه ای به دیدرو نوشت. این مجسمه‌ساز قاطعانه علیه تمثیل‌های سرد شورش کرد و گفت: «این فراوانی اسفناکی است که همیشه روتین و به ندرت نبوغ را محکوم می‌کند». او فقط یک مار باقی گذاشت که نه تنها معنای معنایی، بلکه دارای اهمیت ترکیبی است. این گونه بود که یک تصویر-نماد با تمام طبیعی بودن حرکت و حالت اسب و سوار به وجود آمد. این بنای تاریخی که در یکی از زیباترین میدان های پایتخت و در انجمن عمومی آن قرار گرفته است، به تصویری پلاستیکی از یک دوران تبدیل شده است. اسب پرورش دهنده با دست محکم سوار توانا آرام می شود. وحدت آنی و ابدی، ذاتی در راه حل کلی را می توان در پایه ای که بر روی یک صعود صاف به سمت بالا و یک افت شدید به پایین ساخته شده است، ردیابی کرد. یک تصویر هنری از ترکیبی از زوایا، جنبه ها و دیدگاه های مختلف یک فیگور ساخته شده است. همانطور که D.E یک بار به درستی اشاره کرد، "بت روی اسب برنزی" با تمام قدرت خود ظاهر می شود قبل از اینکه بتوان به صورت آن نگاه کرد. آرکین، او بلافاصله با سیلوئت، ژست، قدرت توده های پلاستیکی خود تأثیر می گذارد و در این میان قوانین تغییر ناپذیر هنر یادمانی تجلی می یابد. از این رو، بداهه‌پردازی آزاد در لباس (مجسمه‌ساز نوشت: «این لباس قهرمانانه است»)، فقدان زین و رکاب، که اجازه می‌دهد سوار و اسب را به‌عنوان یک شبح واحد درک کنند. "قهرمان و اسب در یک سنتور زیبا ادغام می شوند" (دیدرو).

سر یک سوارکار نیز تصویری کاملاً جدید در شمایل نگاری پیتر است که با پرتره درخشان راسترلی و با مجسمه نیم تنه کاملاً معمولی اجرا شده توسط کولو متفاوت است. در تصویر فالکون، نه تعمق فلسفی و تفکر مارکوس اورلیوس است که غالب است و نه نیروی تهاجمی کولئونی، بلکه پیروزی عقل روشن و اراده مؤثر است.

اصل اساسی زیبایی شناسی قرن هجدهم در استفاده از سنگ طبیعی به عنوان یک پایه بیان شد. - وفاداری به طبیعت

اساس این اثر مجسمه سازی یادبود، ایده والای روسیه، قدرت جوانی آن، صعود پیروزمندانه آن در امتداد جاده ها و شیب های تند تاریخ است. به همین دلیل است که بنای یادبود احساسات و افکار بسیاری را در بیننده ایجاد می کند، تداعی های نزدیک و دور، بسیاری از تصاویر جدید، که در میان آنها تصویر متعالی یک فرد قهرمان و مردم قهرمان، تصویر سرزمین مادری، قدرت آن، شکوه آن، فراخوان تاریخی بزرگ همیشه غالب است» (Arkin D. E. E.-M. Falcone// History of Russian Art. M., 1961. T. VI. P. 38).

در دهه 70، تعدادی از فارغ التحصیلان جوان آکادمی در کنار شوبین و فالکون کار می کردند. یک سال بعد، شوبینا از آن فارغ التحصیل شد و با او بازنشستگی را پشت سر گذاشت فدور گوردیویچ گوردیف(1744-1810)، که مسیر خلاقانه اش از نزدیک با آکادمی مرتبط بود (او حتی مدتی به عنوان رئیس آن خدمت کرد). گوردیف استاد مجسمه سازی یادبود و تزئینی است. در کارهای اولیه خود - سنگ قبر N.M. Golitsyna نشان می دهد که چگونه استادان روسی توانستند عمیقاً خود را با آرمان های هنر پلاستیک باستانی، به ویژه یونانی، آغشته کنند. همانطور که در دوره قرون وسطی سنت های هنر بیزانسی را خلاقانه پذیرفتند، در دوره کلاسیک نیز اصول مجسمه سازی هلنیستی را درک کردند. قابل توجه است که برای اکثر آنها توسعه این اصول و ایجاد سبک کلاسیک ملی خود به آرامی پیش نرفت و کار تقریباً هر یک از آنها می تواند به عنوان "عرصه مبارزه" بین باروک در نظر گرفته شود. روکایل و گرایش های جدید کلاسیک. علاوه بر این، تکامل خلاقیت لزوماً نشان دهنده پیروزی دومی نیست. بنابراین، اولین کار گوردیف "پرومته"(1769، گچ، موزه روسیه، برنز – موزه اوستانکینو) و دو سنگ قبر گلیتسین(فیلد مارشال A.M. Golitsyn، قهرمان Khotin، 1788، HMGS، سنت پترزبورگ، و D.M. Golitsyn، بنیانگذار بیمارستان معروف ساخته شده توسط Kazakov، 1799، GNIMA، مسکو) دارای ویژگی های مرتبط با سنت باروک هستند: پیچیدگی سیلوئت، بیان و پویایی ("پرومته")، زیبایی طراحی کلی ترکیب، ژست های رقت انگیز چهره های تمثیلی (فضیلت و نبوغ نظامی در یک سنگ قبر. اندوه و تسلی در دیگری).

سنگ قبر ن.م. Golitsyna شبیه یک استیل یونان باستان است. نقش برجسته عزادار، که کوچکتر از اندازه واقعی گرفته شده است، به صورت نیم رخ داده شده است، در زمینه خنثی قرار دارد و به صورت بیضی حک شده است. ابهت و عظمت حس غم انگیز را چین های آهسته شنل او منتقل می کند. جلوه ای از خویشتنداری شریف از این سنگ قبر سرچشمه می گیرد. مطلقاً هیچ ترحم باروکی در آن وجود ندارد. اما فاقد نمادگرایی انتزاعی است که اغلب در آثار سبک کلاسیک وجود دارد. غم در اینجا آرام است و اندوه به طرز چشمگیری انسانی است. تغزل تصویر، غم پنهان، عمیقاً پنهان و از این رو صمیمیت و صمیمیت به ویژگی های بارز کلاسیک روسی تبدیل می شود. اصول کلاسیک گرایی خود را به وضوح در نقش برجسته های موضوعات باستانی برای نماها و فضای داخلی کاخ اوستانکینو (مسکو، دهه 80-90) نشان داد.

آثار یک مجسمه ساز برجسته روسی علایق نادری دارد. میخائیل ایوانوویچ کوزلوفسکی(1753-1802) همچنین می‌توان این «مبارزه» ثابت را ردیابی کرد، ترکیبی از ویژگی‌های باروک و کلاسیک، با غلبه برخی تکنیک‌های سبکی بر دیگران در هر اثر. آثار او گواه روشنی است از اینکه چگونه استادان روسی سنت های باستانی را بازسازی کردند و چگونه کلاسیک گرایی روسی شکل گرفت. برخلاف شوبین و گوردیف، بازنشستگی کوزلوفسکی مستقیماً در رم آغاز شد و سپس به پاریس نقل مکان کرد. اولین کار او پس از بازگشت به خانه دو کار بود نقش برجسته برای کاخ مرمر، که نام آنها عبارتند از: "وداع رگولوس با شهروندان رم" و "کامیلوس، رهایی رم از گول ها"- آنها از علاقه زیاد استاد به تاریخ باستان (اوایل دهه 80) صحبت می کنند.

در سال 1788، کوزلوفسکی دوباره به پاریس رفت، اما به عنوان مربی برای بازنشستگان، و خود را در انبوه حوادث انقلابی دید. در سال 1790 اجرا می کند مجسمه پلیکراتس(موزه روسیه، گچ)، که در آن موضوع رنج و انگیزه برای رهایی رقت انگیز به نظر می رسد. در عین حال، در حرکت تشنجی پلیکراتس، تلاش دست زنجیر شده او، بیان فانی ـ شهادت طلبانه چهره او، ویژگی هایی از طبیعت گرایی به چشم می خورد.

در اواسط دهه 90، پس از بازگشت به وطن، پربارترین دوره در کار کوزلوفسکی آغاز شد. موضوع اصلی کارهای سه پایه او (و عمدتاً در مجسمه سازی سه پایه کار می کرد) مربوط به دوران باستان است. خود "چوپان با خرگوش"(1789، سنگ مرمر. موزه قصر پاولوفسک)، کوپید خفته"(1792، سنگ مرمر، موزه دولتی روسیه)، "کوپید با یک تیر"(1797، مرمر، گالری ترتیاکوف) و دیگران از نفوذ ظریف و غیرمعمول عمیق به فرهنگ هلنیستی صحبت می کنند، اما در عین حال آنها از هرگونه تقلید بیرونی تهی هستند. این مجسمه قرن هجدهم است و این کوزلوفسکی بود که با ذوق و سلیقه ظریف زیبایی بدن جوان را تجلیل کرد. خود "بیداری اسکندر مقدونی"(نیمه دوم دهه 80، سنگ مرمر، موزه روسیه) شخصیت قهرمان، آن آرمان مدنی را که با تمایلات اخلاقی کلاسیک مطابقت دارد، تجلیل می کند: فرمانده اراده خود را آزمایش می کند، در مقابل خواب مقاومت می کند. طومار ایلیاد در کنار او گواه تحصیلات اوست. اما دوران باستان هرگز تنها موضوع مطالعه استاد روسی نبود. در روشی که حالت بی حسی نیمه خواب، نیمه خواب به طور طبیعی منتقل می شود، مشاهده ای زنده و حاد وجود دارد؛ مطالعه دقیق طبیعت در همه چیز قابل مشاهده است. و از همه مهمتر، هیچ تسلط همه جانبه عقل بر احساس، عقلانیت خشک وجود ندارد، و این، به نظر ما، یکی از مهم ترین تفاوت های کلاسیک روسی است.

کوزلوفسکی کلاسیک به طور طبیعی مجذوب مضمون قهرمان می شود و او را تحقق می بخشد چندین سفال بر اساس ایلیاد ("آژاکس با بدن پاتروکلوس"، 1796، موزه روسیه). مجسمه ساز تفسیر خود را از قسمتی از تاریخ پیتر ارائه می دهد در مجسمه یاکوف دولگوروکی، یکی از نزدیکان پادشاه، خشمگین از بی عدالتی یک فرمان امپراتور (1797، سنگ مرمر، موزه روسیه). در مجسمه دولگوروکی، مجسمه ساز به طور گسترده ای از ویژگی های سنتی استفاده می کند: یک مشعل و ترازو سوزان (نماد حقیقت و عدالت)، یک نقاب شکست خورده (خیانت) و یک مار (تحقیر، شر). کوزلوفسکی با توسعه مضمون قهرمانانه صحبت می کند به تصویر سووروفابتدا استاد یک تصویر تمثیلی از هرکول سوار بر اسب (1799، برنز، موزه روسیه)، و سپس بنای یادبودی برای سووروف، که به عنوان یک مجسمه مادام العمر تصور می شود (1799-1801، سن پترزبورگ) ایجاد می کند. این بنای تاریخی شباهت مستقیم پرتره ای ندارد. این بیشتر یک تصویر کلی از یک جنگجو، یک قهرمان است که لباس نظامی او عناصری از سلاح های یک روم باستان و یک شوالیه قرون وسطی را ترکیب می کند (و طبق آخرین اطلاعات، همچنین عناصری از لباسی که پل می خواست، اما نمی خواست. وقت برای معرفی دارم). انرژی، شجاعت، اشراف از تمام ظاهر فرمانده، از چرخاندن سر غرور او، ژست برازنده ای که با آن شمشیر خود را بالا می برد، سرچشمه می گیرد. یک شکل سبک روی یک پایه استوانه ای یک حجم پلاستیکی واحد با آن ایجاد می کند. با ترکیب مردانگی و ظرافت، تصویر سووروف با استانداردهای کلاسیک قهرمانانه و درک عمومی زیبایی به عنوان یک مقوله زیبایی شناختی، مشخصه قرن هجدهم مطابقت دارد. این تصویری تعمیم یافته از یک قهرمان ملی ایجاد کرد و محققان به درستی آن را به عنوان یکی از کامل ترین خلاقیت های کلاسیک گرایی روسی، همراه با "اسبکار برنزی" فالکونه و بنای یادبود مینین و پوژارسکی مارتوس طبقه بندی کردند.

در همین سالها کوزلوفسکی کار می کرد بالای مجسمه سامسون - مرکزی در آبشار بزرگ پترهوف(1800–1802). همراه با بهترین مجسمه سازان - شوبین، شچدرین، مارتوس، پروکوفیف - کوزلوفسکی در جایگزینی مجسمه های فواره های پترهوف شرکت کردند و یکی از مهمترین سفارشات را تکمیل کردند. "سامسون" همانطور که به طور سنتی به او گفته می شود، ترکیبی از قدرت هرکول باستانی (طبق برخی مطالعات اخیر، این هرکول است) و بیان تصاویر میکل آنژ. تصویر غول در حال پاره شدن دهان شیر (تصویر شیر در نشان ملی سوئد گنجانده شده بود) تجسم شکست ناپذیری روسیه بود.

در طول جنگ بزرگ میهنی، این بنای تاریخی توسط نازی ها به سرقت رفت. در سال 1947، مجسمه ساز V.L. سیمونوف آن را بر اساس اسناد عکاسی باقی مانده بازسازی کرد.

کوزلوفسکی همتا بود فدوس فدوروویچ شچدرین(1751-1825). او همان مراحل آموزش را در آکادمی و بازنشستگی در ایتالیا و فرانسه گذراند. در سال 1776 توسط او اعدام شد "مارسیاس"(گچ، نیما)، مانند «پرومته» گوردیف و «پلیکراتس» کوزلوفسکی، مملو از حرکت خشونت آمیز و نگرش تراژیک است. مانند تمام مجسمه سازان عصر کلاسیک، شچدرین مجذوب تصاویر باستانی است ( "اندیمیون خواب" 1779، برنز، موزه دولتی روسیه؛ "سیاره زهره"، 1792، سنگ مرمر، موزه روسیه)، بینش شاعرانه خاصی را در جهان خود نشان می دهد. او همچنین در ساخت مجسمه ها مشارکت دارد برای فواره های پیترهوف ("Neva"، 1804). اما شاخص ترین آثار شچدرین به دوره کلاسیک گرایی متأخر برمی گردد. در 1811-1813 او کار می کند بالای مجموعه مجسمه دریاسالاری زاخاروف.برآورده کرد گروه های سه رقمی «پوره های دریایی» حامل یک کره، - با شکوه و به یاد ماندنی، اما در عین حال برازنده. مجسمه چهار جنگجوی بزرگ باستانی: آشیل، آژاکس، پیروس و اسکندر کبیر– در گوشه های اتاق زیر شیروانی برج مرکزی. در مجموعه دریاسالاری، Shchedrin موفق شد اصل تزئینی را تابع سنتز یادبود کند و حس عالی معماری را نشان داد. گروه‌های مجسمه‌سازی پوره‌ها با حجم آنها در پس زمینه دیوارهای صاف به وضوح قابل خواندن هستند و پیکره‌های رزمندگان به‌طور ارگانیک معماری برج مرکزی را کامل می‌کنند. از 1807 تا 1811 شچدرین نیز کار می کرد بالای فریز بزرگ "حمل صلیب" برای کانکای قسمت جنوبی کلیسای جامع کازان.

معاصر او ایوان پروکوفیویچ پروکوفیف(1758-1828) در 1806-1807 . یک فریز در کلیسای جامع کازان ایجاد می کنددر اتاق زیر شیروانی گذرگاه غربی ستون با موضوع "مار مسی".پروکوفیف نماینده نسل دوم مجسمه سازان دانشگاهی است؛ در سال های اخیر او در سال های 1780-1784 با گوردیف تحصیل کرد. در پاریس تحصیل کرد، سپس به آلمان رفت و در آنجا به عنوان نقاش پرتره از موفقیت برخوردار شد (تنها دو پرتره از پروکوفیف باقی مانده است. زوج لبزین، 1802، هر دو سفالی، موزه روسیه). یکی از کارهای اولیه او - "Actaeon"(1784، موزه روسیه) گواه مهارت یک هنرمند کاملاً تثبیت شده است که به طرز ماهرانه ای حرکت قوی، انعطاف پذیر و دویدن کشسان مرد جوانی را که توسط سگ های دایانا تعقیب می شود، منتقل می کند. پروکوفیف در درجه اول استاد نقش برجسته است و بهترین سنت های مجسمه سازی برجسته باستانی را ادامه می دهد (مجموعه ای از نقش برجسته های گچی از جلو و راه پله های چدنی آکادمی هنر؛ خانه I.I. Betsky، کاخ در پاولوفسک - تمام دهه 80 ، به استثنای راه پله چدنی آکادمی که در سال های 1819-1820 اجرا شد. این یک خط ایده آل در کار پروکوفیف است. اما استاد با نت های دراماتیک بالا نیز آشنا بود (فریز قبلاً ذکر شده کلیسای جامع کازان "مار مس"). برای پیترهوفپروکوفیف به صورت جفت با آهنگ «نوا» از شچدرین اجرا کرد. مجسمه "ولخوف" و گروه "تریتون".

ایوان پتروویچ مارتوس(1754-1835) زندگی خلاقانه بسیار طولانی داشت و مهمترین آثار او در قرن نوزدهم خلق شدند. اما سنگ قبرهای مارتوس، مجسمه‌های یادبود او در حال و هوای دهه‌های 80 و 90 هستند و... محلول های پلاستیکی متعلق به قرن 18 است. مارتوس موفق شد تصاویری روشنگرانه خلق کند، پوشیده از اندوه آرام، احساس غنایی بالا، پذیرش خردمندانه مرگ، و علاوه بر این، با کمال هنری کمیاب اجرا شود. سنگ قبر م.پ. سوباکینا, 1782, GNIMA; سنگ قبر E.S. کوراکینا، 1792، HMGS).

تاتیانا پونکا

معماری. جهت پیشرو در معماری نیمه دوم قرن هجدهم. کلاسیک گرایی وجود داشت که با توسل به تصاویر و اشکال معماری باستانی (نظام نظم با ستون ها) به عنوان یک استاندارد زیبایی شناختی ایده آل مشخص می شد.

یک رویداد مهم معماری دهه 60-80. طراحی خاکریزهای نوا بود. یکی از جاذبه های سنت پترزبورگ باغ تابستانی بود. در 1771 - 1786 باغ تابستانی از سمت خاکریز نوا با یک شبکه حصار کشی شده بود که نویسنده آن Yu.M. فلتن (1730-1801) و دستیارش P. Egorov. مشبک باغ تابستانی به سبک کلاسیک ساخته شده است: عمودی در اینجا غالب است: قله های ایستاده عمودی قاب های مستطیلی را قطع می کنند، دکل های عظیم توزیع شده به طور مساوی از این قاب ها پشتیبانی می کنند و با ریتم خود بر احساس کلی عظمت و آرامش تأکید می کنند. در 1780-1789 طراحی شده توسط معمار A.A. کواسوف، خاکریزهای گرانیتی و فرودها و نزدیک شدن به رودخانه ساخته شد.

مانند بسیاری از معاصران، Yu.M. فلتن در بازسازی فضای داخلی کاخ بزرگ پترهوف (اتاق غذاخوری سفید، اتاق تخت) نقش داشت. به افتخار پیروزی شکوهمند ناوگان روسیه بر ترکیه در خلیج چسما در سال 1770، یکی از تالارهای کاخ بزرگ پترهوف Yu.M. فلتن آن را به تالار چسمه تبدیل کرد. تزئینات اصلی تالار 12 بوم بود که در سال های 1771-1772 اجرا شد. توسط نقاش آلمانی F. Hackert که به نبردهای ناوگان روسیه با ترکیه اختصاص دارد. به افتخار نبرد چسما Yu.M. فلتن کاخ چسمه (1774-1777) و کلیسای چسمه (1777-1780) را در 7 وررسی از سنت پترزبورگ در جاده تزارسکوئه سلو ساخت. کاخ و کلیسا که به سبک گوتیک ساخته شده اند، یک مجموعه معماری واحد را ایجاد می کنند.

بزرگترین استاد کلاسیک گرایی روسی V. I. Bazhenov (1737/38-1799) بود. او در کرملین مسکو بزرگ شد، جایی که پدرش عضو یکی از کلیساها بود و در زورخانه دانشگاه مسکو تحصیل کرد. پس از فارغ التحصیلی از آکادمی هنر در سال 1760، V.I. باژنف به عنوان بازنشسته به فرانسه و ایتالیا رفت. او که در خارج از کشور زندگی می کرد از چنان شهرتی برخوردار بود که به عنوان استاد آکادمی های روم و عضوی از آکادمی های فلورانس و بولونیا انتخاب شد. در سال 1762، پس از بازگشت به روسیه، عنوان آکادمیک را دریافت کرد. اما در روسیه سرنوشت خلاق معمار غم انگیز بود.

در این دوره، کاترین ساخت کاخ بزرگ کرملین را در کرملین تصور کرد و V.I. باژنوف به عنوان معمار اصلی آن منصوب شد. پروژه V.I. منظور باژنوف بازسازی کل کرملین بود. این در اصل پروژه ای برای مرکز جدید مسکو بود. این شامل کاخ سلطنتی، کالژیوم، آرسنال، تئاتر، و میدانی بود که مانند یک انجمن باستانی طراحی شده بود، با غرفه هایی برای جلسات عمومی. خود کرملین، به لطف این واقعیت که باژنوف تصمیم گرفت سه خیابان را با گذرگاه به قلمرو کاخ ادامه دهد، به خیابان های مسکو متصل شد. به مدت 7 سال V.I. باژنوف پروژه ها را توسعه می دهد، برای ساخت و ساز آماده می شود، اما در سال 1775 کاترین دستور داد که تمام کارها محدود شود (رسما - به دلیل کمبود بودجه، به طور غیر رسمی - به دلیل نگرش منفی مردم نسبت به پروژه).

چندین ماه می گذرد و V.I. ایجاد یک مجموعه کاخ و پارک از ساختمانها در روستای چرنایا گریاز (تزاریتینو) در نزدیکی مسکو، جایی که کاترین دوم تصمیم گرفت اقامتگاه کشور خود را در آنجا بسازد، به باژنوف سپرده شده است. ده سال بعد، تمام کارهای اصلی تکمیل شد. در ژوئن 1785 ، کاترین به مسکو می آید و ساختمان های تزاریتسین را بازرسی می کند ، سپس در ژانویه 1786 فرمانی صادر می کند: کاخ و تمام ساختمان ها باید تخریب شوند و V.I. باژنف باید بدون حقوق و مستمری اخراج شود. نتیجه گیری ملکه این است: "این یک زندان است، نه یک قصر." افسانه تخریب کاخ را با ظاهر دلگیر آن پیوند می دهد. کاترین ساخت کاخ جدید را به ام.ف. کازاکوف اما این کاخ نیز تکمیل نشد.

در 1784-1786. در و. باژنوف برای پاشکوف صاحب زمین ثروتمند ملکی ساخت که به خانه P.E معروف است. پاشکوا. خانه پاشکوف در شیب تپه ای مرتفع، روبروی کرملین، در محل تلاقی نگلینکا با رودخانه مسکو واقع شده است و شاهکار معماری دوران کلاسیک است. این ملک شامل یک ساختمان مسکونی، یک عرصه، اصطبل، خدمات و ساختمان های جانبی و یک کلیسا بود. این ساختمان با شدت و وقار عتیقه با الگوهای کاملاً مسکو متمایز است.

یکی دیگر از معماران با استعداد روسی که به سبک کلاسیک کار می کرد M. F. Kazakov (1738-1812) بود. کازاکوف مستمری بگیر نبود و بناهای باستانی و رنسانس را از روی نقشه ها و مدل ها مطالعه کرد. یک مدرسه عالی برای او همکاری با باژنوف بود که از او دعوت کرد در پروژه کاخ کرملین. در سال 1776، کاترین به M.F. کازاکوف در حال طراحی پروژه ای برای ساختمان دولتی در کرملین - سنا. محل اختصاص داده شده برای ساختمان سنا شکل مثلثی مستطیلی نامناسبی بود که از هر طرف توسط ساختمان های قدیمی احاطه شده بود. بنابراین ساختمان سنا یک طرح کلی مثلثی دریافت کرد. ساختمان سه طبقه و آجری است. مرکز ترکیب حیاط بود که یک ورودی طاقدار با گنبدی به داخل آن منتهی می شد. پس از عبور از ورودی طاقدار، کسی که وارد شد، خود را در مقابل یک روتوندای باشکوه دید که با گنبدی قدرتمند تاجگذاری شده بود. قرار بود مجلس سنا در این ساختمان گرد روشن بنشیند. گوشه های ساختمان مثلثی قطع شده است. با تشکر از این، ساختمان نه به عنوان یک مثلث مسطح، بلکه به عنوان یک حجم عظیم جامد درک می شود.

م.ف. کازاکوف همچنین مالک ساختمان مجمع نجیب (1784-1787) است. ویژگی این بنا این بود که معمار تالار ستون ها را در مرکز بنا قرار داد و اطراف آن اتاق ها و تالارهای متعددی وجود داشت. فضای مرکزی تالار ستون ها که برای مراسم در نظر گرفته شده است، با یک ستون قرنتی برجسته شده است و حالت جشن با درخشان شدن لوسترهای متعدد و سقف نورانی افزایش می یابد. پس از انقلاب این ساختمان در اختیار اتحادیه های کارگری قرار گرفت و به خانه اتحادیه ها تغییر نام داد. شروع از مراسم تشییع جنازه V.I. لنین، تالار ستون خانه اتحادیه ها به عنوان اتاق عزاداری برای وداع با دولتمردان و افراد مشهور مورد استفاده قرار گرفت. در حال حاضر جلسات و کنسرت های عمومی در تالار ستون ها برگزار می شود.

سومین معمار بزرگ نیمه دوم قرن 18، I. E. Starov (1744-1808) است. او ابتدا در ژیمناستیک دانشگاه مسکو و سپس در آکادمی هنر تحصیل کرد. مهم‌ترین ساختمان استاروف کاخ تائورید (1782-1789) است - یک شهر بزرگ از G.A. پوتمکین که برای توسعه کریمه عنوان Tauride را دریافت کرد. اساس ترکیب کاخ یک تالار-گالری است که کل مجموعه داخلی را به دو قسمت تقسیم می کند. از سردر ورودی یک سری اتاق در مجاورت تالار هشت ضلعی گنبدی قرار دارد. در طرف مقابل یک باغ زمستانی بزرگ وجود دارد. نمای بیرونی ساختمان بسیار ساده است، اما تجمل خیره کننده فضای داخلی را پنهان می کند.

از سال 1780، جاکومو کوارنگی ایتالیایی (1744-1817) در سن پترزبورگ کار می کند. کار او در روسیه بسیار موفق بود. خلاقیت های معماری در روسیه ترکیبی درخشان از سنت های معماری روسی و ایتالیایی است. سهم او در معماری روسیه این بود که او به همراه چارلز کامرون اسکاتلندی استانداردهایی را برای معماری سنت پترزبورگ در آن زمان تعیین کردند. شاهکار کوارنگی ساختمان آکادمی علوم بود که در سال های 1783-1789 ساخته شد. مرکز اصلی با یک رواق یونی هشت ستونی برجسته شده است که شکوه و جلال آن توسط ایوان معمولی سنت پترزبورگ با پلکانی با دو "شاخه" افزایش یافته است. در 1792-1796. Quarenghi کاخ الکساندر را در Tsarskoe Selo می سازد که شاهکار بعدی او شد. در کاخ اسکندر، نقوش اصلی ستون قدرتمند راسته کورنت است. یکی از ساختمان‌های قابل توجه کوارنگی، ساختمان مؤسسه اسمولنی (1806-1808) بود که مطابق با الزامات مؤسسه آموزشی، طرحی روشن و منطقی دارد. پلان آن نمونه ای از Quarenghi است: مرکز نما با یک رواق با شکوه هشت ستون تزئین شده است، حیاط جلو توسط بال های ساختمان و یک حصار محدود شده است.

در پایان دهه 70، معمار چارلز کامرون (1743-1812)، اسکاتلندی متولد شد، به روسیه آمد. او که بر اساس کلاسیکیسم اروپایی پرورش یافته بود، توانست تمام اصالت معماری روسی را احساس کند و عاشق آن شود. استعداد کامرون خود را عمدتاً در مجموعه‌های کانتری کاخ و پارک نفیس نشان داد.

در سال 1777، پسر کاترین، پاول پتروویچ، پسری به دنیا آورد - امپراتور آینده الکساندر اول. ملکه خوشحال به پاول پتروویچ 362 هکتار زمین در امتداد رودخانه اسلاویانکا - پاولوفسک آینده - داد. در سال 1780، چارلز کامرون شروع به ایجاد مجموعه کاخ و پارک پاولوفسک کرد. معماران، مجسمه سازان و هنرمندان برجسته در ساخت پارک، کاخ و سازه های پارک شرکت کردند، اما اولین دوره شکل گیری پارک به رهبری کامرون بسیار قابل توجه بود. کامرون پایه های بزرگترین و بهترین پارک چشم انداز اروپا را به سبک مد روز انگلیسی در آن زمان بنا نهاد - پارکی که کاملاً طبیعی و منظره بود. پس از اندازه‌گیری‌های دقیق، شریان‌های اصلی جاده‌ها، کوچه‌ها، مسیرها را پهن کردند و مکان‌هایی را برای نخلستان‌ها و پاک‌سازی‌ها اختصاص دادند. گوشه‌های زیبا و دنج در اینجا با ساختمان‌های کوچک و سبکی که هماهنگی گروه را به هم نمی‌زند، همزیستی دارند. مروارید واقعی کار چارلز کامرون، کاخ پاولوفسک است که بر روی تپه ای بلند ساخته شده است. با پیروی از سنت های روسی، معمار موفق شد ساختارهای معماری را در این منطقه زیبا "مناسب" کند و زیبایی های ساخته شده توسط انسان را با شکوه طبیعی ترکیب کند. کاخ پاولوفسک عاری از ظاهرسازی است؛ پنجره‌های آن از تپه‌ای بلند به آرامی به رودخانه اسلاویانکا که به آرامی جریان دارد می‌نگرد.

آخرین معمار قرن هجدهم. V. Brenna (1747-1818) به حق معمار مورد علاقه پاول و ماریا فئودورونا در نظر گرفته می شود. پل اول پس از به تخت نشستن در سال 1796، چارلز کامرون را از سمت معمار اصلی پاولوفسک برکنار کرد و V. Brenna را به جای او منصوب کرد. از این پس، برنا تمام ساختمان های پاولوفسک را مدیریت می کند و در تمام ساختمان های مهم زمان پاولوفسک شرکت می کند.

پل اول مدیریت کار را در دومین اقامتگاه کشورش، گاچینا، به برنا سپرد. کاخ گاچینا برنا ظاهری ساده و حتی زاهدانه اسپارتی دارد، اما دکوراسیون داخلی با شکوه و مجلل است. در همان زمان کار در پارک گاچینا آغاز شد. در سواحل دریاچه ها و جزایر تعداد زیادی آلاچیق وجود دارد که از بیرون بسیار ساده به نظر می رسند، اما فضای داخلی آنها بسیار باشکوه است: آلاچیق زهره، خانه توس (که به نظر می رسد چوبی از هیزم توس است)، پورتا ماسکا و غرفه کشاورز.

پل اول تصمیم گرفت به سلیقه خود - با روح زیبایی شناسی نظامی - در سن پترزبورگ کاخی بسازد. پروژه کاخ توسط V.I. باژنوف، اما به دلیل مرگ او، پل اول ساخت کاخ را به وی برنا سپرد. پاول همیشه دوست داشت در جایی که به دنیا آمده زندگی کند. در سال 1797، در فونتانکا، در محل کاخ تابستانی الیزابت پترونا (که در آن پاول متولد شد)، سنگ بنای یک قصر به افتخار فرشته مایکل، قدیس حامی ارتش آسمانی، انجام شد - قلعه میخائیلوفسکی قلعه سنت مایکل به بهترین ساخته برنا تبدیل شد که ظاهر یک قلعه را به آن بخشید. شکل ظاهری قلعه به صورت چهار ضلعی است که با دیواری سنگی احاطه شده و در دو طرف اطراف کاخ خندق هایی حفر شده است. ورود به کاخ از طریق پل‌های متحرک امکان‌پذیر بود؛ توپ‌ها در نقاط مختلف اطراف کاخ قرار داده شده بودند. در ابتدا، نمای بیرونی قلعه مملو از تزئینات بود: مجسمه‌های مرمری، گلدان‌ها و پیکره‌هایی در همه جا وجود داشت. این کاخ دارای باغ وسیع و محل رژه بود که در هر آب و هوای رژه و رژه در آن برگزار می شد. اما پاول فقط توانست 40 روز در قلعه محبوبش زندگی کند. در شب 11-12 مارس خفه شد. پس از مرگ پل اول، هر چیزی که به کاخ شخصیت یک قلعه می داد، ویران شد. تمام مجسمه ها به کاخ زمستانی منتقل شدند، خندق ها با خاک پر شد. در سال 1819، قلعه متروکه به مدرسه مهندسی اصلی منتقل شد و نام دوم آن - قلعه مهندسی ظاهر شد.

مجسمه سازی. در نیمه دوم قرن 18. شکوفایی واقعی مجسمه سازی روسی آغاز می شود، که اول از همه با نام F. I. Shubin (1740-1805)، هموطن M.V. لومونوسوف شوبین پس از فارغ التحصیلی از آکادمی با مدال طلای بزرگ، به یک سفر بازنشستگی، ابتدا به پاریس (1767-1770) و سپس به رم (1770-1772) رفت. در سال 1771 در خارج از کشور، شوبین مجسمه نیم تنه کاترین دوم را خلق کرد، نه از زندگی، که برای آن، پس از بازگشت به میهن خود در سال 1774، عنوان آکادمیک را دریافت کرد.

اولین اثر F.I. شوبین پس از بازگشت - نیم تنه A.M. گلیتسین (1773، موزه روسیه روسیه) یکی از درخشان ترین آثار استاد است. در ظاهر یک نجیب زاده تحصیل کرده می توان هوش، اقتدار، تکبر، اما در عین حال اغماض و عادت به «شنا کردن» دقیق روی امواج اقبال سیاسی را خواند. در تصویر فرمانده مشهور A. Rumyantsev-Zadonaisky، در پشت ظاهر کاملاً غیرقهرمانانه یک چهره گرد با بینی خنده دار و خنده دار، ویژگی های یک شخصیت قوی و قابل توجه منتقل می شود (1778، موزه هنر دولتی، مینسک).

با گذشت زمان، علاقه به شوبین از بین می رود. پرتره‌های او که بدون تزئین اجرا می‌شد، کمتر مورد پسند مشتریان قرار می‌گرفت. در سال 1792، شوبین مجسمه ای از M.V. لومونوسوف (موزه دولتی روسیه، آکادمی علوم). در شخص دانشمند بزرگ روسی نه سفتی وجود دارد، نه تکبر نجیب و نه غرور بیش از حد. یک فرد کمی مسخره به ما نگاه می کند، عاقل با تجربه دنیوی، که زندگی را درخشان و پیچیده گذرانده ایم. سرزندگی ذهن، معنویت، اشراف، در عین حال - غم و اندوه، ناامیدی، حتی شک - اینها ویژگی های اصلی ذاتی دانشمند بزرگ روسی است که F.I. شوبین خیلی خوب می دانست.

شاهکاری از هنر پرتره توسط F.I. شوبین مجسمه نیم تنه پل اول است (1798، موزه دولتی روسیه؛ 1800، گالری ترتیاکوف). مجسمه ساز موفق شد تمام پیچیدگی تصویر را منتقل کند: تکبر، سردی، درد، پنهان کاری، اما در عین حال، رنج شخصی که از کودکی تمام ظلم یک مادر تاجدار را تجربه کرده است. پل من کار را دوست داشتم. اما تقریباً دیگر هیچ سفارشی وجود نداشت. در سال 1801، خانه F.I در آتش سوخت. شوبین و کارگاهی با آثار. در سال 1805، مجسمه ساز در فقر درگذشت، مرگ او بی توجه بود.

در همان زمان، مجسمه ساز فرانسوی E.-M. در روسیه کار می کرد. فالکونت (1716-1791؛ در روسیه - از 1766 تا 1778). فالکونه در دربار پادشاه فرانسه لوئی پانزدهم و سپس در آکادمی پاریس کار کرد. فالکون در آثارش از مد روکوکو پیروی می کرد که در دربار غالب بود. کار او "زمستان" (1771) به یک شاهکار واقعی تبدیل شد. تصویر دختری نشسته که زمستان را به تصویر می کشد و گل های زیر پایش را با چین های ردای هموار ردای خود می پوشاند، مانند پوشش برفی، مملو از غم و اندوه آرام است.

اما فالکون همیشه رویای خلق اثری به یاد ماندنی را در سر می پروراند و موفق شد این رویا را در روسیه محقق کند. به توصیه دیدرو، کاترین مجسمه ساز را مأمور ساخت یک بنای یادبود سوارکاری برای پیتر اول کرد. در سال 1766، فالکونت به سن پترزبورگ رسید و کار را آغاز کرد. او پیتر اول را سوار بر اسبی در حال پرورش به تصویر کشید. سر امپراتور با تاج گل لور تاج گذاری شده است - نمادی از شکوه و پیروزی های او. دست تزار که به نوا، آکادمی علوم و قلعه پیتر و پل اشاره می کند، به طور نمادین اهداف اصلی سلطنت او را نشان می دهد: آموزش، تجارت و قدرت نظامی. این مجسمه بر روی پایه ای به شکل سنگ گرانیتی به وزن 275 تن بالا می رود. به پیشنهاد فالکون، کتیبه ای لاکونیک روی پایه حک شده است: "به پیتر اول، کاترین دوم." افتتاح این بنای تاریخی در سال 1782 انجام شد، زمانی که فالکون دیگر در روسیه نبود. چهار سال قبل از افتتاح بنای یادبود در E.-M. فالکون با ملکه اختلاف داشت و مجسمه ساز روسیه را ترک کرد.

در کار مجسمه ساز فوق العاده روسی M.I. کوزلوفسکی (1753-1802) ویژگی های باروک و کلاسیک را ترکیب می کند. او همچنین در رم، پاریس مستمری بگیر بود. در اواسط دهه 90، پس از بازگشت به وطن، پربارترین دوره در کار کوزلوفسکی آغاز شد. موضوع اصلی آثار او مربوط به دوران باستان است. از آثار او خدایان جوان، کوپیدها و شبان‌های زیبا به مجسمه‌سازی روسی آمدند. اینها "شوپان با خرگوش" (1789، موزه قصر پاولوفسک)، "کوپید خواب" (1792، موزه دولتی روسیه)، "کوپید با یک تیر" (1797، گالری ترتیاکوف) او هستند. در مجسمه "بیداری اسکندر کبیر" (نیمه دوم دهه 80، موزه روسیه)، مجسمه ساز یکی از قسمت های آموزش اراده فرمانده آینده را به تصویر کشید. مهمترین و بزرگترین اثر این هنرمند بنای یادبود فرمانده بزرگ روسی A.V. سووروف (1799-1801، سن پترزبورگ). این بنای تاریخی شباهت مستقیم پرتره ای ندارد. این بیشتر یک تصویر کلی از یک جنگجو، یک قهرمان است که لباس نظامی او عناصری از سلاح های یک روم باستان و یک شوالیه قرون وسطی را ترکیب می کند. انرژی، شجاعت، اشراف از تمام ظاهر فرمانده، از چرخاندن سر غرور او، ژست برازنده ای که با آن شمشیر خود را بالا می برد، سرچشمه می گیرد. اثر برجسته دیگری از M.I. کوزلوفسکی به مجسمه "سامسون در حال پاره کردن دهان شیر" تبدیل شد - مرکزی در آبشار بزرگ فواره های پترهوف (1800-1802). این مجسمه به پیروزی روسیه بر سوئد در جنگ شمالی اختصاص داشت. سامسون شخصیت روسیه بود و شیر نماینده سوئد شکست خورده بود. چهره قدرتمند سامسون توسط هنرمند در یک چرخش پیچیده و در حرکتی پرتنش ارائه شده است.

رنگ آمیزی. در نیمه دوم قرن 18. یک ژانر تاریخی در نقاشی روسی ظاهر می شود. ظاهر آن با نام A.P همراه است. لوسنکو او از آکادمی هنر فارغ التحصیل شد، سپس به عنوان بازنشسته به پاریس فرستاده شد. A.P. لوسنکو صاحب اولین اثر از تاریخ روسیه - "ولادیمیر و روگندا" است. در آن، هنرمند لحظه ای را انتخاب کرد که شاهزاده نووگورود ولادیمیر از روگندا، دختر شاهزاده پولوتسک، که به سرزمینش با آتش و شمشیر حمله کرد، پدر و برادرانش را کشت و به زور او را به عنوان همسر خود گرفت، "استغفار می کند" را انتخاب کرد. . روگندا به شکلی تئاتری رنج می برد و چشمانش را بالا می برد. ولادیمیر همچنین تئاتری است. اما جذابیت بسیار برای تاریخ روسیه بسیار مشخصه دوران رشد بالای ملی در نیمه دوم قرن 18 بود.

مضامین تاریخی در نقاشی توسط G.I. اوگریوموف (1764-1823). موضوع اصلی آثار او مبارزه مردم روسیه بود: با عشایر ("آزمون قدرت یان عثمار"، 1796-1797، موزه روسیه روسیه). با شوالیه های آلمانی («ورود تشریفاتی الکساندر نوسکی به اسکوف پس از پیروزی او بر شوالیه های آلمانی، 1793، موزه روسیه)؛ برای امنیت مرزهای خود ("تسخیر کازان"، 1797-1799، موزه روسیه) و غیره.

بزرگترین موفقیت های نقاشی در نیمه دوم قرن 18 بود. در ژانر پرتره به دست آورد. به قابل توجه ترین پدیده های فرهنگ روسیه در نیمه دوم قرن 18. متعلق به کار نقاش F.S. روکوتوا (1735/36-1808). او از رعیت آمده بود، اما آزادی خود را از صاحب زمینش دریافت کرد. او هنر نقاشی را از آثار پی روتاری آموخت. این هنرمند جوان خوش شانس بود؛ اولین رئیس فرهنگستان هنر، I.I.، حامی او شد. شوالوف. به توصیه I.I. شووالووا F.S. در سال 1757، روکوتوف سفارش یک پرتره موزاییکی از الیزاوتا پترونا (از نسخه اصلی توسط L. Tokke) برای دانشگاه مسکو دریافت کرد. این پرتره چنان موفقیت آمیز بود که F.S. روکوتوف سفارشی برای پرتره های دوک بزرگ پاول پتروویچ (1761)، امپراتور پیتر سوم (1762) دریافت می کند. وقتی کاترین دوم بر تخت نشست، F.S. روکوتوف قبلاً یک هنرمند شناخته شده بود. در سال 1763، این هنرمند ملکه را در تمام قد، نیم رخ، در میان یک محیط زیبا نقاشی کرد. روکوتوف همچنین پرتره دیگری از امپراتور را کشید که یک پرتره نیمه بلند بود. امپراتور واقعاً او را دوست داشت؛ او معتقد بود که او "یکی از شبیه ترین ها" است. کاترین این پرتره را به آکادمی علوم اهدا کرد که تا به امروز در آنجا باقی مانده است. به دنبال افراد حاکم، پرتره هایی از F.S. اورلوف ها و شووالوف ها آرزو داشتند روکوتوف داشته باشند. گاهی اوقات او گالری های کاملی از پرتره های نمایندگان همان خانواده در نسل های مختلف آن ایجاد می کرد: باریاتینسکی ها، گولیتسین ها، رومیانتسف ها، ورونتسوف ها. روکوتوف سعی نمی کند بر مزایای بیرونی مدل های خود تأکید کند؛ نکته اصلی برای او دنیای درونی یک فرد است. در میان آثار این هنرمند، پرتره مایکوف (1765) برجسته است. در ظاهر یک مقام بزرگ دولتی، در پشت این زنانگی سست می توان بصیرت و ذهن کنایه آمیزی را تشخیص داد. رنگ آمیزی پرتره، بر اساس ترکیبی از سبز و قرمز، تصوری از خون کامل و سرزندگی تصویر را ایجاد می کند.

در سال 1765 این هنرمند به مسکو نقل مکان کرد. مسکو با آزادی خلاقیت بیشتر نسبت به سنت پترزبورگ رسمی متمایز است. در مسکو، سبک خاصی از نقاشی "روکوتوف" در حال ظهور است. این هنرمند یک گالری کامل از تصاویر زیبای زنانه ایجاد می کند که در میان آنها قابل توجه ترین پرتره A.P. استویسکوی (1772، گالری ترتیاکوف). چهره ای باریک در لباس خاکستری-نقره ای روشن، موهای پرپودر، فرهای بلندی که روی سینه اش افتاده است، چهره ای بیضی شکل با چشمانی به شکل بادامی تیره - همه چیز رمز و راز و شعر را به تصویر زن جوان منتقل می کند. طرح رنگی نفیس پرتره - سبز باتلاقی و قهوه ای طلایی، صورتی محو و خاکستری مروارید - تصور رمز و راز را افزایش می دهد. در قرن بیستم شاعر N. Zabolotsky اشعار شگفت انگیزی را به این پرتره تقدیم کرد:

چشمانش مثل دو مه است

نیمی لبخند نیم گریه

چشمان او مانند دو فریب است،

شکست ها در تاریکی پوشیده شده است.

تجسم موفق تصویر A. Struyskaya در پرتره به عنوان مبنایی برای افسانه عمل کرد که طبق آن هنرمند نسبت به مدل بی تفاوت نبود. در واقع نام برگزیده س.ف. روکوتوف به خوبی شناخته شده است و A.P. استرویسکایا با خوشحالی با شوهرش ازدواج کرد و یک زمیندار معمولی بود.

یکی دیگر از بزرگترین هنرمندان قرن 18 D.G. لویتسکی (1735-1822) خالق پرتره تشریفاتی و استاد بزرگ پرتره مجلسی است. او در اوکراین به دنیا آمد، اما از اواخر دهه 50-60، زندگی لویتسکی در سن پترزبورگ آغاز شد و برای همیشه با این شهر و آکادمی هنر همراه بود، جایی که او سال ها کلاس پرتره را رهبری کرد.

او در مدل های خود به دنبال تأکید بر اصالت و برجسته ترین ویژگی ها بود. یکی از مشهورترین آثار این هنرمند، پرتره تشریفاتی P.A. دمیدوف (1773، گالری ترتیاکوف). نماینده یک خانواده معدنی معروف P.A. دمیدوف مرد فوق العاده ثروتمندی بود، عجیب غریب. در پرتره تشریفاتی، که در مفهوم اصلی بود، دمیدوف در حالتی آرام در مقابل پس‌زمینه یک ستون و پارچه‌ها ایستاده به تصویر کشیده شده است. او در یک سالن رسمی متروکه، در خانه، با یک کلاه شبانه و یک لباس قرمز مایل به قرمز ایستاده است، و با اشاره به تفریحات خود - یک آبپاش و یک گلدان گل، که او عاشق آن بود، اشاره می کند. در لباس او، در ژست او چالشی برای زمان و جامعه وجود دارد. همه چیز در این مرد مخلوط شده است - مهربانی، اصالت، میل به تحقق بخشیدن به خود در علم. لویتسکی توانست ویژگی‌های اسراف را با عناصر پرتره تشریفاتی ترکیب کند: ستون‌ها، پارچه‌کاری، منظره مشرف به یتیم خانه در مسکو، که برای نگهداری آن دمیدوف مبالغ هنگفتی اهدا کرد.

در اوایل دهه 1770. لویتسکی هفت پرتره از دوشیزگان نجیب را از مؤسسه اسمولنی اجرا می کند - "Smolyankas" (همه در موزه دولتی روسیه) که به دلیل موسیقیایی خود مشهور هستند. این پرتره ها به بالاترین دستاورد این هنرمند تبدیل شد. مهارت این هنرمند به ویژه در آنها به طور کامل نشان داده شد. E.N. خوانسکایا، E.N. خروشچوا، E.I. نلیدوا در هنگام اجرای یک شبانی زیبا با لباس های تئاتری به تصویر کشیده می شوند. در پرتره های G.I. آلیمووا و E.I. مولچانوا، یکی از قهرمانان چنگ می نوازد، دیگری نشسته در کنار یک ساز علمی با کتابی در دست نشان داده می شود. این پرتره‌ها که در کنار هم قرار گرفته‌اند، مزایای «علوم و هنر» را برای یک فرد معقول و متفکر نشان می‌دهند.

بالاترین نقطه خلاقیت بالغ استاد، پرتره تمثیلی معروف او از کاترین دوم، قانونگذار معبد عدالت بود که توسط هنرمند در چندین نسخه تکرار شد. این اثر در هنر روسیه جایگاه ویژه ای دارد. این تجسم ایده های عالی دوران در مورد شهروندی و میهن پرستی، در مورد حاکم ایده آل - یک پادشاه روشن فکر است که خستگی ناپذیر به رفاه رعایای خود اهمیت می دهد. خود لویتسکی کار خود را اینگونه توصیف می‌کند: «وسط تصویر نمایانگر فضای داخلی معبد الهه عدالت است، که قبل از آن، در قالب قانون‌گذار، h.i.v.، سوزاندن گل‌های خشخاش در محراب، آرامش گرانبهای خود را فدای آن می‌کند. صلح عمومی.»

در سال 1787، لویتسکی تدریس را ترک کرد و آکادمی هنر را ترک کرد. یکی از دلایل این اشتیاق این هنرمند به جنبش های عرفانی بود که در اواخر قرن 18 در روسیه بسیار گسترده شد. و ورود او به لژ ماسونی. بدون تأثیر ایده های جدید در جامعه، در حدود سال 1792، پرتره ای از دوست و مربی لویتسکی در فراماسونری N.I. کشیده شد. نوویکووا (گالری ترتیاکوف). سرزندگی و بیان شگفت انگیز ژست و نگاه نوویکوف، که مشخصه قهرمانان پرتره های لویتسکی نیست، قطعه ای از منظره در پس زمینه - همه اینها نشان دهنده تلاش هنرمند برای تسلط بر زبان بصری جدید و مدرن تر است که از قبل ذاتی است. سایر سیستم های هنری

یکی دیگر از هنرمندان برجسته این زمان V. L. Borovikovsky (1757-1825) بود. او در اوکراین در میرگورود متولد شد و نزد پدرش نقاشی شمایل را آموخت. در سال 1788 V.L. بوروویکوفسکی را به سن پترزبورگ آوردند. او به سختی مطالعه می کند، ذوق و مهارت خود را تقویت می کند و به زودی به یک استاد شناخته شده تبدیل می شود. در دهه 90، او پرتره هایی را ایجاد کرد که به طور کامل ویژگی های یک جهت جدید در هنر - احساسات گرایی را بیان می کرد. تمام پرتره‌های «احساس‌آمیز» بورویکوفسکی، تصاویری از افراد در یک اتاق مجلسی، با لباس‌های ساده با یک سیب یا گل در دست است. بهترین آنها پرتره M.I. لوپوخینا اغلب به آن بالاترین دستاورد احساسات گرایی در نقاشی روسی می گویند. دختر جوانی از پرتره نگاه می کند. ژست او آرام است، لباس ساده اش به دور کمرش می آید، چهره شاداب او پر از جذابیت و زیبایی است. در پرتره، همه چیز با یکدیگر هماهنگ است: گوشه ای سایه دار از پارک، گل های ذرت در میان گوش های چاودار رسیده، گل های رز محو شده، نگاه سست و کمی تمسخرآمیز دختر. در پرتره لوپوخینا، این هنرمند توانست زیبایی واقعی - معنوی و غنایی، ذاتی زنان روسی را نشان دهد. ویژگی های احساسات گرایی در V.L. بوروویکوفسکی حتی در تصویر ملکه. اکنون این تصویری نماینده یک "قانونگذار" با تمام سلطنت های سلطنتی نیست، بلکه تصویری از یک زن معمولی با لباس مجلسی و کلاه در پیاده روی در پارک Tsarskoye Selo با سگ محبوبش است.

در پایان قرن 18. ژانر جدیدی در نقاشی روسی ظاهر می شود - منظره. یک کلاس منظره جدید در آکادمی هنر افتتاح شد و S. F. Shchedrin اولین استاد کلاس منظره شد. او بنیانگذار چشم انداز روسیه شد. این Shchedrin بود که اولین کسی بود که یک طرح ترکیبی برای منظره ایجاد کرد که برای مدت طولانی نمونه شد. و روی آن S.F. شچدرین به بیش از یک نسل از هنرمندان آموزش داد. خلاقیت شچدرین در دهه 1790 شکوفا شد. در میان آثار او، مشهورترین آنها مجموعه ای از مناظر از پارک های پاولوفسک، گاچینا و پترهوف، مناظر جزیره کامنی است. Shchedrin انواع خاصی از سازه های معماری را به تصرف خود درآورد، اما نقش اصلی را نه به آنها، بلکه به طبیعت اطراف اختصاص داد، که انسان و خلاقیت هایش خود را در آمیختگی هماهنگ می بینند.

F. Alekseev (1753/54-1824) اساس چشم انداز شهر را گذاشت. از جمله آثار او در دهه 1790. به ویژه "منظره قلعه پیتر و پل و خاکریز قصر" (1793) و "نمای خاکریز قصر از قلعه پیتر و پل" (1794) معروف هستند. آلکسیف تصویری عالی و در عین حال زنده از یک فرد بزرگ، باشکوه و در شهر زیبایی خود ایجاد می کند که در آن فرد احساس شادی و آزادی می کند.

در سال 1800، امپراتور پل اول به آلکسیف وظیفه نقاشی مناظر مسکو را داد. این هنرمند به معماری قدیمی روسیه علاقه مند شد. او بیش از یک سال در مسکو ماند و از آنجا تعدادی نقاشی و بسیاری از آبرنگ‌ها با مناظری از خیابان‌های مسکو، صومعه‌ها، حومه‌ها، اما عمدتاً تصاویر مختلفی از کرملین آورد. این انواع بسیار قابل اعتماد هستند.

کار در مسکو دنیای هنرمند را غنی کرد و به او این امکان را داد که پس از بازگشت به آنجا نگاهی تازه به زندگی پایتخت بیندازد. در مناظر سنت پترزبورگ او ژانر تشدید می شود. خاکریزها، خیابان ها، لنج ها و قایق های بادبانی پر از مردم است. یکی از بهترین آثار این دوره «نمای خاکریز انگلیسی از جزیره واسیلیفسکی» (دهه 1810، موزه روسیه) است. این شامل یک معیار، یک رابطه هماهنگ بین چشم انداز و خود معماری است. خلق این نقاشی شکل گیری به اصطلاح منظر شهری را تکمیل کرد.

حکاکی. در نیمه دوم قرن، استادان حکاکی فوق العاده کار کردند. "نابغه واقعی حکاکی" E. P. Chemesov بود. این هنرمند تنها 27 سال زندگی کرد، حدود 12 اثر از او باقی مانده است. چمسف عمدتاً در ژانر پرتره کار می کرد. پرتره حکاکی شده در پایان قرن بسیار فعال توسعه یافت. علاوه بر Chemesov، می توان G.I. اسکورودوموف که به خاطر حکاکی‌های نقطه‌دارش معروف است، که امکانات ویژه‌ای برای تفسیر «تصویری» ایجاد می‌کند (I. Selivanov. پرتره دوشس بزرگ الکساندرا پاولونا از نسخه اصلی توسط V.P. Borovikovsky، mezzotint؛ G.I. Skorodumov. خودنگاره، طراحی خودکار).

هنر و صنایع دستی. در نیمه دوم قرن هجدهم، سرامیک گزل - محصولات صنایع دستی سرامیک منطقه مسکو، که مرکز آن ولوست سابق گزل بود - به سطح هنری بالایی رسید. در آغاز قرن هفدهم. دهقانان روستای گزل شروع به ساختن آجر، سفال های ساده رنگی و اسباب بازی از خشت محلی کردند. در پایان قرن هفدهم. دهقانان بر تولید "مورچه" تسلط داشتند، یعنی. پوشیده از لعاب سبز یا قهوه ای. رس های گزل در مسکو شناخته شدند و در سال 1663 تزار الکسی میخائیلوویچ دستور داد مطالعه گل های گزل آغاز شود. کمیسیون ویژه ای به گزل فرستاده شد که شامل Afanasy Grebenshchikov، صاحب یک کارخانه سرامیک در مسکو و D.I. وینوگرادوف وینوگرادوف 8 ماه در گزل ماند. با مخلوط کردن خاک رس اورنبورگ با خاک رس گزل (چرنوزم) به چینی خالص و سفید واقعی (چینی) دست یافت. در همان زمان، صنعتگران گزل در کارخانه های A. Grebenshchikov در مسکو کار می کردند. آنها به سرعت بر تولید مایولیکا مسلط شدند و شروع به ساخت گلدان های کواس، کوزه ها، لیوان ها، فنجان ها، بشقاب ها کردند که با نقاشی های زینتی و موضوعی به رنگ های سبز، زرد، آبی و بنفش مایل به قهوه ای در یک زمین سفید تزئین شده بودند. از اواخر قرن 18. در Gzhel انتقال از مایولیکا به نیمه فایانس وجود دارد. رنگ آمیزی محصولات نیز تغییر می کند - از چند رنگ، مشخصه ماژولیکا، به رنگ آبی (کبالت) تک رنگ. غذاهای گژل در سراسر روسیه، آسیای مرکزی و خاورمیانه رواج داشت. در دوران شکوفایی صنعت گزل، حدود 30 کارخانه تولید ظروف غذاخوری وجود داشت. از جمله تولید کنندگان معروف می توان به برادران بارمین، خراپانوف-نووی، فومین، تادین، راچکینز، گاسلینز، گوسیاتنیکوف و دیگران اشاره کرد.

اما خوش شانس ترین برادران ترنتی و انیسیم کوزنتسوف بودند. کارخانه آنها در آغاز قرن نوزدهم ظاهر شد. در روستای نوو-خاریتونوو. از آنها، خاندان تا انقلاب به تجارت خانوادگی ادامه دادند و هر روز گیاهان و کارخانه های بیشتری خریدند. در نیمه دوم قرن نوزدهم. صنایع دستی گزل با قالب گیری و نقاشی دستی ناپدید می شود و فقط کارخانه های بزرگ باقی مانده است. از آغاز سال 1920، کارگاه ها و هنرهای سفالگری جداگانه پدید آمد. احیای واقعی تولید Gzhel در سال 1945 آغاز شد. نقاشی تک رنگ آبی زیر لعاب (کبالت) به تصویب رسید.

در سال 1766، در روستای Verbilki در نزدیکی Dmitrov در نزدیکی مسکو، انگلیسی روسی شده فرانس گاردنر بهترین کارخانه خصوصی چینی را تأسیس کرد. او اعتبار خود را به عنوان اولین نفر در میان تولیدات خصوصی چینی تثبیت کرد و در سال های 1778-1785 به دستور کاترین دوم، چهار سرویس سفارشی باشکوه را ایجاد کرد که به دلیل خلوص و شدت دکور آنها متمایز بود. این کارخانه همچنین مجسمه هایی از شخصیت های اپرای ایتالیایی تولید می کرد. آغاز قرن 19 مرحله جدیدی را در توسعه پرسلن گاردنر مشخص کرد. هنرمندان این کارخانه تقلید مستقیم از مدل های اروپایی را کنار گذاشتند و سعی کردند سبک خود را بیابند. فنجان های گاردنر با پرتره های قهرمانان جنگ میهنی 1812 محبوبیت زیادی به دست آورد. در سال 1820 تولید مجسمه های ژانر آغاز شد که انواع عامیانه را بر اساس نقاشی های K.A. Zelentsov از مجله "فانوس جادویی". اینها مردان و زنانی بودند که به کارهای معمولی دهقانی، کودکان دهقان، کارگران شهری - کفاش، سرایدار، دستفروش مشغول بودند. مجسمه های مردمان ساکن روسیه از نظر قوم نگاری دقیق ساخته شده اند. مجسمه های گاردنر به تصویری قابل مشاهده از تاریخ روسیه تبدیل شدند. F.Ya. گاردنر سبک محصولات خود را پیدا کرد که در آن اشکال امپراتوری با نقوش سبک و اشباع رنگ دکور به عنوان یک کل ترکیب می شد. از سال 1891، این کارخانه متعلق به M.S. کوزنتسوف. پس از انقلاب اکتبر، کارخانه شروع به نامگذاری کارخانه چینی Dmitrov کرد و از سال 1993 - "Verbilok Porcelain" نامیده شد.

مینیاتور فدوسکینو . در پایان قرن 18. در روستای فدوسکینو در نزدیکی مسکو، نوعی نقاشی مینیاتوری با لاک روسی با رنگ روغن روی پاپیه ماشه توسعه یافت. مینیاتور فدوسکینو به لطف یک عادت بد که در قرن هجدهم رواج داشت به وجود آمد. در آن زمان های قدیم کشیدن تنباکو بسیار شیک بود و همه این کار را انجام می دادند: اشراف، عوام، مردان، زنان. توتون و تنباکو را در جعبه های انفیه ساخته شده از طلا، نقره، استخوان لاک پشت، چینی و مواد دیگر ذخیره می کردند. و به این ترتیب در اروپا شروع به ساخت جعبه های انفیه از مقوای فشرده، آغشته به روغن نباتی و خشک شدن در دمای 100 درجه سانتیگراد کردند. این ماده به پاپیه ماشه (کاغذ جویده شده) معروف شد. جعبه های اسناف با پرایمر مشکی و لاک مشکی پوشانده شده بود و از موضوعات کلاسیک در نقاشی استفاده شده بود. چنین جعبه های انفیه در روسیه بسیار محبوب بودند، بنابراین در سال 1796، در روستای Danilkovo، در 30 کیلومتری مسکو، تاجر P.I. کوروبوف شروع به تولید جعبه های انفیه گرد کرد که با حکاکی هایی که روی درب آنها چسبانده شده بود تزئین شده بود. حکاکی ها با لاک شفاف پوشانده شده بودند. از سال 1819، کارخانه متعلق به داماد کوروبوف P.V. لوکوتین. به همراه پسرش A.P. لوکوتین ، او تولید را گسترش داد ، آموزش صنعتگران روسی را سازماندهی کرد و تحت نظر او تولید به روستای فدوسکینو منتقل شد. صنعتگران Fedoskino شروع به تزئین جعبه های اسنفی، جعبه های مهره ها، جعبه ها و سایر محصولات با مینیاتورهای زیبای ساخته شده با رنگ روغن به شیوه ای کلاسیک تصویری کردند. محصولات لوکوتین از قرن نوزدهم نماهایی از کرملین مسکو و دیگر بناهای معماری و صحنه هایی از زندگی مردمی را با استفاده از تکنیک رنگ روغن به تصویر می کشند. ترویکا سواری، جشن یا رقص دهقانی و نوشیدن چای روی سماور از محبوبیت خاصی برخوردار بود. به لطف خلاقیت استادان روسی ، لاک های Lukutinsky اصالت و طعم ملی را هم در موضوعات و هم در فناوری به دست آوردند. مینیاتور فدوسکینو با رنگ روغن در سه تا چهار لایه نقاشی می شود - سایه زدن (طرح کلی ترکیب)، رنگ آمیزی یا رنگ آمیزی مجدد (کار با جزئیات بیشتر)، لعاب (مدل سازی تصویر با رنگ های شفاف) و هایلایت (پایان کار با رنگ های روشن). که نقاط برجسته را بر روی اشیاء منتقل می کند) پشت سر هم اجرا می شوند. تکنیک اصلی Fedoskino "از طریق نوشتن" است: یک ماده بازتابنده - پودر فلز، ورق طلا یا مروارید مادر - قبل از نقاشی روی سطح اعمال می شود. این آسترها که از میان لایه‌های شفاف رنگ‌های لعاب شفاف هستند، عمق تصویر و جلوه درخشان شگفت‌انگیزی به تصویر می‌دهند. علاوه بر جعبه‌های اسناف، این کارخانه جعبه‌ها، کیف‌های عینک، جای سوزن، جلد آلبوم‌های خانوادگی، قوری، تخم‌مرغ‌های عید پاک، سینی‌ها و موارد دیگر تولید می‌کرد. محصولات مینیاتوریست های Fedoskino نه تنها در روسیه، بلکه در خارج از کشور نیز بسیار محبوب بودند.

بنابراین ، در نیمه دوم قرن 18 - در عصر "عقل و روشنگری" - یک فرهنگ هنری منحصر به فرد و از بسیاری جهات منحصر به فرد در روسیه ایجاد شد. این فرهنگ با محدودیت ها و انزوای ملی بیگانه بود. او با سهولت شگفت انگیز همه چیز ارزشمندی را که توسط آثار هنرمندان کشورهای دیگر ایجاد شده بود جذب کرد و خلاقانه پردازش کرد. انواع و ژانرهای هنری جدید، جهت گیری های هنری جدید و نام های خلاقانه درخشان متولد شدند.

هر قرن جدید روندهای جدیدی را در هنر به وجود می آورد و استعدادهای هنرمندان، مجسمه سازان و معماران هنوز کاملاً ناشناخته را آشکار می کند. یکی از برجسته ترین دوره های شکوفایی مجسمه سازی در روسیه قرن هجدهم بود. با روی کار آمدن آخرین تزار تمام روسیه، هنر شروع به تجربه مرحله کاملاً جدیدی می کند. دریچه دنیای آفرینندگان اروپایی به روی انسان گشوده شد.

در این دوره زمانی، ساخت و ساز در مقیاس بزرگ پارک ها، املاک و یک پایتخت کاملاً جدید در روسیه آغاز شد - همه اینها نیاز به پلاستیک را ایجاد کرد که باید به سمت مدل های اروپایی باشد. نگاه به مجسمه ها کاملاً متفاوت شد. نمونه های جدیدی از خارج از کشور وارد می شود، به عنوان مثال مجسمه زهره Tauride. حتی پیتر کبیر حکم ویژه ای برای خرید و آوردن مجسمه هایی از کشورهای دور صادر کرد.

اما، علیرغم اینکه فرصت های جدیدی برای مجسمه سازان ما باز شد، مدتی طول کشید تا از مجسمه سازی باستانی روسیه دور شویم. به همین دلیل است که در آغاز قرن هجدهم، بسیاری از هنرهای پلاستیکی به دست استادان خارجی ساخته شد.

بنای یادبود پیتر اول

استاد هنر پلاستیک بارتولومئو کارلو راسترلی، که از خارج از کشور وارد شد، یک مجسمه منحصر به فرد ایجاد کرد - مجسمه نیم تنه پیتر کبیر. راسترلی در یک چرخش باشکوه سر خود، در نگاهی خشن، توانست شخصیت پرشور و قاطع امپراتور روسیه را به طور کامل منتقل کند. کار در سال 1723 به پایان رسید. دو سبک با هم ادغام شدند - کلاسیک و باروک، که به دقت انعطاف ناپذیری شخصیت و ظاهر باشکوه حاکم را نشان می داد.

اولین بنای تاریخی سوارکاری. بنای یادبود پیتر اول در قلعه میخائیلوفسکی

شاهکار دیگری از مجسمه ساز کارلو راسترلی. این بنا بر اساس ایده خود امپراتور پس از پیروزی در نبرد پولتاوا ساخته شده است. اما پادشاه هرگز موفق به دیدن آن نشد: این مجسمه تنها در زمان سلطنت پل اول ساخته شد. در سن پترزبورگ، در کنار قلعه میخائیلوفسکی نصب شد. این مجسمه با روح مجسمه های سوارکاری سلطنتی اروپایی ساخته شده است. فرود مغرور و لباس عتیقه بدون شک بر اقتدار و الوهیت پادشاه یک قدرت تزلزل ناپذیر تأکید دارد. ما نه فقط با تصویر یک فرد زنده، بلکه با قدرت و اخلاقی که فقط ذاتی بزرگان است معرفی می‌شویم.

پرتره الکساندر منشیکوف

اثر هنری دیگری از مجسمه ساز ایتالیایی. به جوایز متعددی توجه کنید که نیم تنه دستیار و رهبر نظامی پیتر کبیر و کلاه گیس مجلل او را زینت داده است. نویسنده این کار را به دلایلی انجام داده است. این تصویر نشان دهنده اهمیت منشیکوف و عشق بی اندازه او به دکوراسیون گران قیمت و تجمل است.

Anna Ioannovna با یک آراپ سیاه کوچک

در مقابل ما شکل با شکوه ملکه ظاهر می شود، که در حال رشد کامل به تصویر کشیده شده است، و "پیکره" بسیار شکننده و کودکانه خدمتکار جوان. این مجسمه که توسط راسترلی با روح باروک ساخته شده است، سلطنت و عظمت امپراتوری روسیه را از طریق چنین مخالفتی منتقل می کند.

محراب کلیسای جامع پیتر و پل در سن پترزبورگ

برجسته ترین مجسمه ساز روسی در اوایل قرن هجدهم، ایوان زارودنی بود. او سنت های معماری روسی و هنرهای پلاستیکی را با روح اروپایی ترکیب کرد. محراب کلیسای جامع پیتر و پل در سنت پترزبورگ به یکی از برجسته ترین ساخته های او تبدیل شد. اما زرودنی بیشتر یک معمار بود تا استاد هنر پلاستیک. او به جای مجسمه سازی سهم بزرگی در توسعه معماری داشت.

در نیمه دوم قرن 18، آثار مجسمه سازان روسی ما بیشتر و بیشتر ظاهر شد. آکادمی تأسیس شده هنر (خالق - پیتر کبیر) نویسندگان مشهوری مانند کوزلوفسکی، شوبین، گوردیف، شچدرین، مارتوس را تولید کرد. نقش استادان خارجی هنوز کاملاً قابل توجه بود، اما ما در حال برداشتن اولین قدم ها برای تسخیر دنیای فرهنگ بودیم.

کاترین دوم - قانونگذار

فئودور ایوانوویچ شوبین این مجسمه مرمری را مخصوص تعطیلاتی که کنت پوتمکین به افتخار امپراتور ترتیب داده بود ساخته است. تفسیر واقع گرایانه از تصویر بر شکوه و وقار در ترکیب با ویژگی های منحصر به فرد خود کاترین تأکید می کند.

همه آثار این نویسنده با انعطاف خاص، خلق و خوی منحصر به فرد و رئالیسم واقعی متمایز می شوند. نیم تنه های مرمری E.M. چولکووا، پاول اول، ام.و. لومونوسوف، شاهزاده گلیتسین، کاترین دوم شخصیت خود را منتقل می کنند و نشان می دهند که واقعا چه بودند.

در طول قرن 18، هنر روسیه دستخوش تغییرات قابل توجهی شد. ما توانستیم به سطح جدیدی برسیم - از سنت های مجسمه سازی مبتنی بر کلیسا روسی فاصله گرفتیم، بر سبک باروک تسلط یافتیم و به یک سبک کاملاً جدید در هنر - کواسیکیسم رفتیم.

فصل "هنر روسیه. مجسمه سازی". بخش "هنر قرن 18". تاریخ عمومی هنر. جلد چهارم. هنر قرن 17 و 18. نویسنده: I.M. اشمیت؛ تحت سردبیری عمومی Yu.D. کلپینسکی و E.I. روتنبرگ (مسکو، انتشارات دولتی "هنر"، 1963)

در مقایسه با معماری، پیشرفت مجسمه سازی روسی در قرن 18 ناهموارتر بود. دستاوردهایی که نیمه دوم قرن هجدهم را رقم زدند، بسیار مهم تر و متنوع تر بودند. توسعه نسبتاً ضعیف هنرهای پلاستیکی روسیه در نیمه اول قرن عمدتاً به این دلیل است که در اینجا برخلاف معماری ، چنین سنت ها و مدارس قابل توجهی وجود نداشت. توسعه مجسمه سازی باستانی روسیه، محدود به ممنوعیت های کلیسای مسیحی ارتدکس، تأثیر داشت.

دستاوردهای هنرهای پلاستیکی روسیه در اوایل قرن 18. تقریباً به طور کامل با مجسمه های تزئینی مرتبط است. اول از همه، تزئینات مجسمه ای غنی غیرمعمول کلیسای Dubrovitsky (1690-1704)، برج Menshikov در مسکو (1705-1707) و نقش برجسته های روی دیوارهای کاخ تابستانی پیتر اول در سنت پترزبورگ (1714) باید مورد توجه قرار گیرد. اعدام در 1722-1726. نماد معروف کلیسای جامع پیتر و پل که بر اساس طرح معمار I. P. Zarudny توسط منبتکاران I. Telegin و T. Ivanov ایجاد شده است، در اصل می تواند نتیجه توسعه این نوع هنر در نظر گرفته شود. نماد بزرگ حکاکی شده کلیسای جامع پیتر و پل با شکوه و عظمت باشکوه، زیبایی کار با چوب، و غنا و تنوع نقوش تزئینی شگفت زده می شود.

در سراسر قرن 18. مجسمه‌های چوبی عامیانه به‌ویژه در شمال روسیه به پیشرفت خود ادامه داد. علیرغم ممنوعیت های مجمع، آثار مجسمه سازی مذهبی همچنان برای کلیساهای روسی در شمال خلق می شد. بسیاری از منبت‌کاران چوب و سنگ که به ساخت شهرهای بزرگ می‌رفتند، سنت‌ها و تکنیک‌های خلاقانه هنر عامیانه را با خود به ارمغان آوردند.

مهمترین دگرگونی های دولتی و فرهنگی که در زمان پیتر اول رخ داد فرصت هایی را برای مجسمه سازی روسی برای توسعه خارج از حوزه کمیسیون های کلیسا ایجاد کرد. علاقه زیادی به مجسمه های سه پایه گرد و نیم تنه های پرتره وجود دارد. یکی از اولین آثار مجسمه سازی جدید روسیه مجسمه نپتون بود که در پارک پیترهوف نصب شد. ریخته گری برنز در 1715-1716، هنوز هم به سبک مجسمه های چوبی روسی قرن 17-18 نزدیک است.

پیتر بدون انتظار برای تشکیل تدریجی کادر استادان روسی خود، دستور خرید مجسمه های عتیقه و آثار مجسمه سازی مدرن را در خارج از کشور داد. با کمک فعال او، به ویژه، مجسمه فوق العاده ای به دست آمد که به نام "زهره تائورید" (اکنون در ارمیتاژ) شناخته می شود. مجسمه‌ها و ترکیب‌های مجسمه‌سازی مختلف برای کاخ‌ها و پارک‌های سنت پترزبورگ، باغ تابستانی سفارش داده شد. مجسمه سازان خارجی دعوت شدند.

برجسته ترین آنها کارلو بارتولومئو راسترلی (1675-1744) بود که در سال 1716 به روسیه آمد و تا پایان عمر در اینجا ماند. او به‌ویژه به‌عنوان نویسنده مجسمه برجسته پیتر اول که در سال‌های 1723-1723 در برنز اجرا و ریخته‌گری شد، مشهور است. (موزه هرمیتاژ).

تصویر پیتر اول که توسط راسترلی خلق شده است با به تصویر کشیدن واقع گرایانه از ویژگی های پرتره و در عین حال وقار فوق العاده متمایز می شود. چهره پیتر بیانگر اراده و اراده تسلیم ناپذیر یک دولتمرد بزرگ است. در حالی که پیتر اول هنوز زنده بود، راسترلی ماسک را از صورتش برداشت که هم برای ساختن مجسمه مومی پوشیده به نام "شخص مومی" و هم برای ساختن مجسمه نیم تنه به او خدمت کرد. راسترلی یک استاد معمولی اروپای غربی در اواخر باروک بود. با این حال، در شرایط روسیه پیتر، جنبه های واقع گرایانه کار او بیشترین پیشرفت را دریافت کرد. در میان آثار بعدی راسترلی، مجسمه ملکه آنا یوآنونا با یک دختر کوچک سیاه پوست (1741، برنز؛ لنینگراد، موزه روسیه) به طور گسترده ای شناخته شده است. آنچه در این اثر جلب توجه می کند از یک سو صداقت بی طرفانه نقاش پرتره و از سوی دیگر شکوه باشکوه تصمیم و به یاد ماندنی بودن تصویر است. در سنگینی شدید خود، در لباس باارزش‌ترین لباس‌ها و مانتو، پیکر ملکه در کنار پیکر کوچک یک پسر سیاه‌پوست که حرکاتش با سبکی خود بیشتر بر سنگینی و نماینده بودن او تأکید می‌کند، تأثیرگذارتر و تهدیدکننده‌تر تلقی می‌شود.

استعداد بالای راسترلی نه تنها در کارهای پرتره، بلکه در مجسمه‌های یادبود و تزئینی نیز آشکار شد. او به ویژه در ایجاد مجسمه های تزئینی پیترهوف شرکت کرد ، روی بنای سوارکاری پیتر اول (1723-1729) کار کرد که فقط در سال 1800 در مقابل قلعه میخائیلوفسکی نصب شد.

در بنای یادبود سوارکاری پیتر اول، راسترلی به روش خود راه‌حل‌های متعددی را برای مجسمه‌های سوارکار پیاده‌سازی کرد، از «مارکوس اورلیوس» باستانی گرفته تا بنای یادبود باروک برلین تا الکتور بزرگ آندریاس شلوتر. ویژگی راه حل راسترلی در سبک محدود و سختگیرانه بنا، در اهمیت تصویر خود پیتر، بدون شکوه بیش از حد، و همچنین در جهت گیری فضایی فوق العاده یافت شده بنا احساس می شود.

اگر نیمه اول قرن هجدهم. با توسعه نسبتاً کمتر گسترده مجسمه سازی روسی مشخص شده است، نیمه دوم این قرن زمان ظهور هنر مجسمه سازی است. تصادفی نیست که نیمه دوم قرن هجدهم. و یک سوم اول قرن نوزدهم. به نام "عصر طلایی" مجسمه سازی روسی. کهکشان درخشان استادان در شخصیت شوبین، کوزلوفسکی، مارتوس و دیگران در صفوف بزرگترین نمایندگان مجسمه سازی جهان حرکت می کنند. به ویژه موفقیت های برجسته ای در زمینه پرتره های مجسمه سازی، هنرهای پلاستیکی یادبود و تزیینی به دست آمد. دومی به طور جدایی ناپذیری با ظهور معماری، املاک و ساخت و ساز شهری روسی مرتبط بود.

تشکیل آکادمی هنر سنت پترزبورگ نقش بسیار ارزشمندی در توسعه هنرهای پلاستیکی روسیه ایفا کرد.

نیمه دوم قرن 18. در هنر اروپا - زمان توسعه بالای هنر پرتره. در زمینه مجسمه سازی، بزرگترین استادان پرتره-تنه روانشناختی گودون و F.I. Shubin بودند.

فدوت ایوانوویچ شوبین (1740-1805) در یک خانواده دهقانی در نزدیکی Kholmogory، در سواحل دریای سفید متولد شد. توانایی او در مجسمه سازی برای اولین بار خود را در کنده کاری استخوان، یک هنر عامیانه به طور گسترده در شمال، نشان داد. شوبین در جوانی مانند هموطن بزرگ خود M.V. Lomonosov به سن پترزبورگ رفت (1759) ، جایی که توانایی های او در مجسمه سازی توجه لومونوسوف را به خود جلب کرد. در سال 1761، با کمک لومونوسوف و شوالوف، شوبین موفق شد به آکادمی هنر بپیوندد. پس از اتمام آن (1766)، شوبین حق سفر به خارج را دریافت کرد، جایی که عمدتاً در پاریس و رم زندگی می کرد. در فرانسه، شوبین با جی پیگال ملاقات کرد و از او نصیحت کرد.

در بازگشت به سن پترزبورگ در سال 1773، شوبین در همان سال مجسمه نیم تنه گچی A. M. Golitsyn را ساخت (نسخه مرمری، واقع در گالری ترتیاکوف، در سال 1775 ساخته شد؛ به تصویر مراجعه کنید). نیم تنه A. M. Golitsyn بلافاصله نام استاد جوان را تجلیل کرد. این پرتره تصویر معمولی نماینده عالی ترین اشراف زمان کاترین را بازسازی می کند. در لبخند ملایمی که روی لبانش می لغزد، در چرخش پرانرژی سرش، در بیان هوشمندانه، هرچند نسبتا سرد، صورت گولیسین، می توان پیچیدگی سکولار و در عین حال سیری درونی مردی را که سرنوشت خراب کرده است، احساس کرد. .

در سال 1774، شوبین برای تکمیل مجسمه کاترین دوم به آکادمی انتخاب شد. او به معنای واقعی کلمه با دستورات بمباران می شود. یکی از پربارترین دوره های خلاقیت استاد آغاز می شود.

تا سال 1770 به یکی از بهترین پرتره های زن شوبین اشاره دارد - نیم تنه ام آر پانینا (مرمر؛ گالری ترتیاکوف) که کاملاً به مجسمه نیم تنه A. M. Golitsyn نزدیک است: تصویر مردی که به طرز اشرافی و در در عین حال خسته و بی حال با این حال، پانینا توسط شوبین تا حدودی با همدردی بیشتری تفسیر می شود: بیان شک و تردید تا حدی ساختگی، که در چهره گولیتسین قابل توجه است، در پرتره پانینا با سایه ای از تفکر غنایی و حتی غم جایگزین شده است.

شوبین می دانست که چگونه تصویر یک شخص را نه در یک، بلکه در چندین جنبه به روشی چند وجهی آشکار کند، که امکان نفوذ عمیق تر به وجود مدل و درک روانشناسی شخص مورد نظر را فراهم می کرد. او می دانست که چگونه به وضوح و با دقت حالت چهره یک فرد را به تصویر بکشد، حالات چهره، نگاه، چرخش و موقعیت سر را منتقل کند. نمی توان به این نکته توجه نکرد که استاد از دیدگاه های مختلف چه رنگ های مختلفی را آشکار می کند، چقدر ماهرانه باعث می شود که انسان ماهیت خوب یا ظلم سرد، سفتی یا سادگی، محتوای درونی یا پوچی از خود راضی را احساس کند. .

نیمه دوم قرن 18. دوران پیروزی های درخشان ارتش و نیروی دریایی روسیه بود. چندین نیم تنه شوبین برجسته ترین فرماندهان زمان خود را جاودانه می کند. نیم تنه Z. G. Chernyshev (مرمر، 1774؛ گالری ترتیاکوف) با واقع گرایی عالی و سادگی بی تکلف تصویر مشخص شده است. شوبین بدون تلاش برای راه حلی نمایشی برای نیم تنه، با امتناع از استفاده از پارچه، تمام توجه بیننده را روی چهره قهرمان متمرکز کرد - شجاعانه باز، با ویژگی های بزرگ و کمی خشن، که با این حال، خالی از معنویت و اشراف درونی نبود. پرتره P. A. Rumyantsev-Zadunaisky (مرمر، 1778؛ موزه روسیه) متفاوت طراحی شده است. درست است، در اینجا شوبین به ایده آل کردن چهره قهرمان متوسل نمی شود. با این حال، طراحی کلی نیم تنه به طور غیرقابل مقایسه ای چشمگیرتر است: سر فیلد مارشال که با غرور برافراشته است، نگاه رو به بالا، روبان پهن آشکار و پارچه پردازی فوق العاده به پرتره ویژگی های شکوهمندی می بخشد.

بیهوده نبود که شوبین در آکادمی به عنوان با تجربه ترین متخصص در پردازش سنگ مرمر در نظر گرفته شد - تکنیک او به طرز شگفت انگیزی رایگان بود. نیم تنه های او زنده است. بدن در آنها یک بدن کامل است...»، یکی از اولین منتقدان هنری روسی، V. I. Grigorovich، در سال 1826 نوشت. شوبین که می‌دانست چگونه هیبت و گرمای چهره انسان را کاملاً منتقل کند، به همان اندازه با مهارت و قانع‌کننده لوازم جانبی را به تصویر می‌کشد: کلاه گیس، پارچه‌های سبک یا سنگین لباس، توری نازک، خز نرم، جواهرات و سفارش‌های کسانی که به تصویر کشیده می‌شوند. با این حال، اصلی ترین چیز برای او همیشه چهره ها، تصاویر و شخصیت های انسانی باقی مانده است.

شوبین طی سال‌ها توصیف روان‌شناختی عمیق‌تر و گاهی شدیدتر از تصاویر، به عنوان مثال، در مجسمه مجسمه مرمری دیپلمات مشهور A. A. Bezborodko (بیشتر محققین تاریخ این اثر را به سال 1797 می‌دهند؛ موزه روسیه) و به‌ویژه در St. رئیس پلیس سن پترزبورگ E. M. Chulkov ( سنگ مرمر، 1792؛ موزه روسیه)، در تصویری که شوبین یک فرد گستاخ و محدود داخلی را بازسازی کرد. برجسته ترین اثر شوبین در این زمینه، مجسمه نیم تنه پل اول (مرمر در موزه روسیه؛ نمونه، ریخته گری برنز در موزه روسیه و گالری ترتیاکوف) است که در اواخر دهه 1790 ساخته شد. در آن، صداقت جسورانه با گروتسک مرز می شود. مجسمه نیم تنه M.V. Lomonosov به عنوان آغشته به گرمای بسیار انسانی تلقی می شود (در گچ - موزه روسیه، سنگ مرمر - مسکو، آکادمی علوم و همچنین در قالب های برنزی که تاریخ آن 1793 است - گالری کامرون به ما رسید).

شوبین که عمدتاً یک نقاش پرتره بود، در زمینه‌های دیگر مجسمه‌سازی نیز کار می‌کرد و مجسمه‌های تمثیلی، نقش برجسته‌های یادبود و تزئینی در نظر گرفته شده برای سازه‌های معماری (عمدتاً برای فضای داخلی) و همچنین برای پارک‌های روستایی ایجاد کرد. مشهورترین آنها مجسمه ها و نقش برجسته های او برای کاخ مرمر در سنت پترزبورگ و همچنین مجسمه برنزی پاندورا است که در مجموعه آبشار بزرگ فواره ها در پترهوف (1801) نصب شده است.

در نیمه دوم قرن 18. یکی از استادان برجسته فرانسوی که برای دیدرو ارزش زیادی قائل بود، در روسیه کار می کرد - اتین موریس فالکونه (1716-1791) که از 1766 تا 17781 در سن پترزبورگ زندگی می کرد. هدف از سفر فالکون به روسیه ایجاد بنای یادبودی برای پیتر اول بود که او دوازده سال روی آن کار کرد. حاصل سال ها کار یکی از معروف ترین بناهای تاریخی جهان بود. اگر راسترلی، در یادبود فوق الذکر به پیتر اول، قهرمان خود را به عنوان یک امپراتور - مهیب و قدرتمند معرفی کرد، فالکون تأکید اصلی را بر بازسازی تصویر پیتر به عنوان بزرگترین مصلح زمان خود، یک دولتمرد جسور و شجاع می گذارد.

این ایده در قلب نقشه فالکون نهفته است، که در یکی از نامه های خود نوشت: «... من خودم را به مجسمه یک قهرمان محدود می کنم و او را نه به عنوان یک فرمانده و برنده بزرگ به تصویر می کشم، اگرچه، البته، او بود. هر دو. شخصیت خالق، قانونگذار بسیار بالاتر است...» آگاهی عمیق مجسمه ساز از اهمیت تاریخی پیتر اول تا حد زیادی طراحی و راه حل موفقیت آمیز بنا را از پیش تعیین کرد.

پیتر در لحظه بلند شدن سریع بر روی یک سنگ - یک بلوک طبیعی از سنگ، تراشیده شده مانند یک موج عظیم دریا که بالا می رود، ارائه می شود. اسب را با تمام سرعت متوقف می کند و دست راست خود را به جلو دراز می کند. بسته به دیدگاه بنای یادبود، دست دراز شده پیتر یا انعطاف ناپذیری خشن، سپس فرمان عاقلانه و سپس، در نهایت، صلح آرام را در بر می گیرد. یکپارچگی و کمال پلاستیکی قابل توجه توسط مجسمه ساز در پیکر سوار و اسب توانا او به دست آمد. هر دوی آنها به طور جدانشدنی در یک کل واحد ترکیب شده اند که مطابق با یک ریتم خاص و پویایی کلی ترکیب است. در زیر پای اسبی که در حال تاختن است، مار پایمال شده توسط او می چرخد و نیروهای شیطان و فریب را به تصویر می کشد.

طراوت و اصالت مفهوم بنای یادبود، رسا و معنادار بودن تصویر (شاگردش M.-A. Kollo در ایجاد تصویر پرتره پیتر فالکون کمک کرد)، ارتباط ارگانیک قوی بین فیگور سوارکاری و پایه، با در نظر گرفتن دید و درک عالی از آرایش فضایی بنای تاریخی در یک منطقه وسیع - همه این شایستگی ها باعث می شود که خلقت فالکون به یک شاهکار واقعی مجسمه سازی یادبود تبدیل شود.

پس از خروج فالکون از روسیه، تکمیل کار (1782) بر روی ساخت بنای یادبود پیتر اول توسط فئودور گوردیویچ گوردیف (1744-1810) نظارت شد.

در سال 1780، گوردیف سنگ قبر N. M. Golitsyna (مرمر؛ مسکو، موزه معماری آکادمی ساخت و ساز و معماری اتحاد جماهیر شوروی) را ایجاد کرد. این نقش برجسته کوچک یک اثر برجسته در مجسمه سازی یادبود روسی است - از نقش برجسته گوردیف و همچنین از اولین سنگ قبرهای مارتوس، نوع مجسمه یادبود کلاسیک روسی اواخر قرن 18 - اوایل قرن 19 توسعه یافت. (کارهای کوزلوفسکی، دموت-مالینوفسکی، پیمنوف، ویتالی). سنگ قبرهای گوردیف از نظر ارتباط کمتر با اصول کلاسیک گرایی، شکوه و شکوه ترکیب ها و چیدمان کمتر واضح و گویا فیگورها با آثار مارتوس متفاوت است. گوردیف به عنوان یک مجسمه ساز به یاد ماندنی، در درجه اول به نقش برجسته های مجسمه ای توجه داشت که از معروف ترین آنها می توان به نقش برجسته های کاخ اوستانکینو در مسکو و همچنین نقش برجسته رواق های کلیسای جامع کازان در سن پترزبورگ اشاره کرد. گوردیف در آنها به سبک بسیار سخت گیرانه تری نسبت به سنگ قبرها پایبند بود.

آثار میخائیل ایوانوویچ کوزلوفسکی (1753-1802) به صورت درخشان و پر خون در برابر ما ظاهر می شود که مانند شوبین و مارتوس (کار I.P. Martos در جلد پنجم این انتشار مورد بحث قرار گرفته است) استاد برجسته زبان روسی است. مجسمه سازی.

در آثار کوزلوفسکی، دو خط کاملاً به وضوح قابل مشاهده است: از یک طرف، آثار او مانند "چوپان با خرگوش" (معروف به "آپولو"، 1789؛ موزه روسیه و گالری ترتیاکوف)، "کوپید خفته" (معروف به "آپولو"، 1789). سنگ مرمر، 1792؛ موزه روسیه)، "کوپید با پیکان" (مرمر، 1797؛ گالری ترتیاکوف). آنها ظرافت و پیچیدگی فرم پلاستیکی را نشان می دهند. خط دیگر آثاری با ماهیت قهرمانانه-دراماتیک است («پلیکراتس»، گچ، 1790، بیماری و دیگران).

در اواخر قرن هجدهم، زمانی که کار عمده ای در مورد بازسازی مجموعه فواره های پترهوف و جایگزینی مجسمه های سربی فرسوده با مجسمه های جدید آغاز شد، به M. I. Kozlovsky مسئول ترین و شرافتمندانه ترین وظیفه داده شد: مجسمه سازی ترکیب مجسمه مرکزی. از آبشار بزرگ در پترهوف - شکل سامسون که شیر دهانش را پاره می کند

مجسمه سامسون که در نیمه اول قرن هجدهم ساخته شد، مستقیماً به پیروزی های پیتر اول بر سربازان سوئدی اختصاص داشت. "سامسون" که به تازگی توسط کوزلوفسکی اجرا شده است، در اصل ترکیب قدیمی را تکرار می کند، به شیوه ای قهرمانانه تر و به شکلی نمادین تر حل شده است. ساخت تایتانیک سامسون، واژگونی فضایی قوی شکل او، طراحی شده برای مشاهده از دیدگاه های مختلف، شدت مبارزه و در عین حال وضوح نتیجه آن - همه اینها توسط کوزلوفسکی با تسلط واقعی بر راه حل های ترکیبی منتقل شد. . ویژگی مجسمه سازی با خلق و خوی فوق العاده پرانرژی استاد نمی توانست برای این کار مناسب باشد.

«سامسون» اثر کوزلوفسکی یکی از برجسته‌ترین آثار مجسمه‌سازی تاریخی و تزئینی پارک است. تا ارتفاع بیست متری، جریانی از آب که از دهان شیر فوران می‌کرد، به طرفین می‌ریخت، یا به هزاران پاشش بر روی سطح طلایی شکل برنزی می‌شکست. "سامسون" از دور توجه تماشاگران را به خود جلب کرد، به عنوان یک نقطه عطف مهم و نقطه مرکزی ترکیب آبشار بزرگ (این با ارزش ترین بنای تاریخی توسط نازی ها در طول جنگ بزرگ میهنی 1941-1945 از بین رفت. پس از جنگ. ، "سامسون" از عکس ها و مواد مستند بازمانده توسط مجسمه ساز لنینگراد V. Simonov بازسازی شد.).

"هرکول سوار بر اسب" (برنز، 1799؛ موزه روسیه) را باید به عنوان اثری که بلافاصله قبل از ایجاد بنای یادبود A.V. Suvorov در نظر گرفت. در تصویر هرکول - یک سوار جوان برهنه، که زیر پاهایش صخره ها، یک جریان و یک مار (نماد دشمن شکست خورده) به تصویر کشیده شده است، کوزلوفسکی ایده انتقال جاودانه V. Suvorov را از طریق آن تجسم کرد. آلپ

برجسته ترین ساخته کوزلوفسکی بنای یادبود فرمانده بزرگ روسی A.V. Suvorov در سن پترزبورگ (1799-1801) بود. هنگام کار بر روی این بنای تاریخی، مجسمه ساز تصمیم گرفت تا نه یک مجسمه پرتره، بلکه تصویری کلی از فرمانده مشهور جهان ایجاد کند. کوزلوفسکی در ابتدا قصد داشت سووروف را در تصویر مریخ یا هرکول ارائه دهد. با این حال، در تصمیم نهایی هنوز خدایی یا قهرمان باستانی را نمی بینیم. پر از حرکت و انرژی، چهره سریع و سبک یک جنگجوی زره پوش با آن سرعت تسلیم ناپذیر و بی باکی که کارها و موفقیت های قهرمانانه ارتش روسیه به رهبری سووروف را متمایز می کرد، به جلو می شتابد. این مجسمه ساز موفق شد یک بنای الهام بخش به شکوه نظامی بی رنگ مردم روسیه ایجاد کند.

مانند تقریباً تمام آثار کوزلوفسکی، مجسمه سووروف با ساختار فضایی فوق العاده خود متمایز است. کوزلوفسکی در تلاش برای توصیف کامل‌تر فرمانده، به چهره‌اش خونسردی و پویایی بخشید. قدرت اندازه گیری شده گام قهرمان با شجاعت و عزم تاب دادن دست راست او که شمشیر را در دست دارد ترکیب می شود. در عین حال، پیکر فرمانده خالی از ویژگی های مشخصه مجسمه سازی قرن 18 نیست. برازندگی و سهولت حرکت این مجسمه به زیبایی بر روی یک پایه گرانیتی بلند به شکل استوانه نصب شده است. ترکیب نقش برجسته برنزی که نوابغ شکوه و صلح را با ویژگی های مربوطه نشان می دهد توسط مجسمه ساز F. G. Gordeev ساخته شده است. در ابتدا، بنای یادبود A.V. Suvorov در اعماق Champ de Mars، نزدیکتر به قلعه Mikhailovsky ساخته شد. در 1818-1819 بنای یادبود سووروف منتقل شد و در نزدیکی کاخ مرمر قرار گرفت.

کوزلوفسکی همچنین در زمینه مجسمه سازی یادبود کار کرد (سنگ قبرهای P. I. Melissino، برنز، 1800 و S. A. Stroganova، سنگ مرمر، 1801-1802).

در پایان قرن 18. تعدادی از مجسمه سازان بزرگ به سرعت ظهور کردند که فعالیت خلاقانه آنها نیز تقریباً در تمام یک سوم اول قرن نوزدهم ادامه یافت. این استادان عبارتند از F. F. Shchedrin و I. P. Prokofiev.

فئودوسیا فدوروویچ شچدرین (1751-1825)، برادر نقاش سمیون شچدرین و پدر نقاش منظره معروف سیلوستر شچدرین، در سال 1764 همزمان با کوزلوفسکی و مارتوس در آکادمی پذیرفته شد. با آنها پس از اتمام تحصیلات به ایتالیا و فرانسه فرستاده شد (1773).

از آثار اولیه F. Shchedrin مجسمه های کوچک "Marsyas" (1776) و "Sleeping Endymion" (1779) است که توسط او در پاریس اجرا شده است (ریخته گری های برنز موجود در موزه روسیه و گالری ترتیاکوف در ابتدای سال ساخته شده اند. قرن بیستم بر اساس مدل های اصلی باقی مانده از F. Shchedrin). اینها هم در محتوا و هم در ماهیت اجرا، آثاری کاملاً متفاوت هستند. فیگور مارسیا، بی قرار در هیاهوی مرگ، با نمایشی عالی اجرا می شود. تنش شدید بدن، تپه های بیرون زده ماهیچه ها و پویایی کل ترکیب، مضمون رنج انسان و انگیزه پرشور او برای رهایی را منتقل می کند. برعکس، پیکره اندیمیون غوطه ور در خواب، آرامش و آرامشی بت وار تنفس می کند. بدن مرد جوان به شیوه ای نسبتاً تعمیم یافته، با جزئیات اندکی از نور و سایه، حجاری شده است؛ خطوط شکل صاف و آهنگین است. توسعه خلاقیت F. Shchedrin به طور کلی با توسعه تمام مجسمه سازی روسیه در نیمه دوم قرن 18 - اوایل قرن 19 همزمان شد. این را می توان در نمونه کارهای استاد مانند مجسمه "زهره" (1792؛ موزه روسیه)، شکل تمثیلی "نوا" برای فواره های پترهوف (برنز، 1804) و در نهایت، گروه های یادبود کاریاتیدها مشاهده کرد. برای دریاسالاری در سن پترزبورگ (1812). اگر اولین اثر نامگذاری شده توسط شچدرین، مجسمه مرمری او از زهره، یک اثر معمولی از یک مجسمه ساز قرن هجدهم است، هم از نظر ظرافت حرکتی و هم در پیچیدگی تصویر، پس در اثر بعدی که در همان ابتدا خلق شد. در قرن نوزدهم - در مجسمه نوا - بدون شک سادگی بیشتر در حل و تفسیر تصویر، وضوح و دقت در مدل‌سازی شکل و نسبت‌های آن را می‌بینیم.

استاد جالب و منحصر به فرد ایوان پروکوفیویچ پروکوفیف (1758-1828) بود. پس از فارغ التحصیلی از آکادمی هنر (1778)، I. P. Prokofiev به پاریس فرستاده شد و تا سال 1784 در آنجا زندگی کرد. برای آثار ارسالی به آکادمی هنر پاریس، او جوایز متعددی دریافت کرد، به ویژه مدال طلا برای نقش برجسته "رستاخیز مردگان پرتاب شده بر استخوان های پیامبر الیشع" (1783). یک سال قبل از آن، در سال 1782، پروکوفیف مجسمه "Morpheus" (سفالی، موزه روسیه) را اجرا کرد. پروکوفیف شکل مورفئوس را در مقیاس کوچک ارائه می دهد. در این کار اولیه مجسمه ساز، آرزوهای واقع گرایانه و سبک ساده و نه چندان تصفیه شده او (مثلاً در مقایسه با کوزلوفسکی اولیه) به وضوح نمایان می شود. احساس می شود که در "مورفئوس" پروکوفیف بیشتر به دنبال بازسازی تصویر واقعی یک مرد سقوط کرده بود تا تصویری اسطوره ای.

در سال بازگشت به سن پترزبورگ، پروکوفیف در مدت زمان بسیار کوتاهی یکی از بهترین آثار خود را در مجسمه سازی گرد - ترکیب "Actaeon" (برنز، 1784؛ موزه روسیه و گالری ترتیاکوف) اجرا کرد. پیکره مرد جوانی که به سرعت در حال دویدن است، که توسط سگ ها تعقیب می شود، توسط مجسمه ساز با دینامیک عالی و سهولت فوق العاده در طراحی فضایی اجرا شد.

پروکوفیف استاد عالی طراحی و ترکیب بندی بود. و تصادفی نیست که او توجه زیادی به نقش برجسته مجسمه سازی کرد - در این زمینه خلاقیت، دانش ترکیب و طراحی اهمیت ویژه ای پیدا می کند. در 1785 - 1786 پروکوفیف مجموعه گسترده ای از نقش برجسته ها (گچ) در نظر گرفته شده برای راه پله اصلی آکادمی هنر ایجاد می کند. نقش برجسته های پروکوفیف برای ساختمان آکادمی هنر یک سیستم کامل از آثار موضوعی است که در آن ایده های اهمیت آموزشی "علوم و هنرهای زیبا" اجرا می شود. اینها ترکیبات تمثیلی "نقاشی و مجسمه سازی"، "طراحی"، "Kithared و سه هنر نجیب"، "رحمت" و دیگران هستند. با توجه به ماهیت اجرای آنها، اینها آثار معمولی کلاسیک گرایی اولیه روسیه هستند. میل به وضوح و هماهنگی آرام در آنها با تفسیری ملایم و روان از تصاویر ترکیب شده است. تجلیل از انسان هنوز آن ترحم و سختگیری اجتماعی-مدنی را که در دوره کلاسیک گرایی بالغ در ثلث اول قرن نوزدهم انجام داد، به دست نیاورده است.

مجسمه‌ساز هنگام خلق نقش برجسته‌های خود، ویژگی‌های مکان، قالب‌های مختلف و شرایط دید را در نظر گرفت. به عنوان یک قاعده، پروکوفیف نقش برجسته کم را ترجیح می داد، اما در مواردی که لازم بود یک ترکیب یادبود با فاصله قابل توجهی از بیننده ایجاد شود، او شجاعانه از روش تصویربرداری با نقش برجسته استفاده می کرد و تضادهای نور و سایه را به شدت افزایش می داد. نقش برجسته او "مار مسی" که در بالای گذرگاه ستون کلیسای جامع کازان قرار گرفته است (سنگ پودوژ، 1806-1807) چنین است.

در کنار استادان برجسته مجسمه سازی روسیه در اواخر قرن 18 و اوایل قرن 19. پروکوفیف در خلق آثاری برای گروه فواره پیترهوف (مجسمه های آلسیدس، ولخوف، گروهی از تریتون ها) شرکت کرد. او همچنین به مجسمه سازی پرتره روی آورد. به ویژه، او صاحب دو نیم تنه سفالی بدون ارزش A.F و A.E. Labzin (موزه روسیه) است. هر دوی آنها که در همان ابتدای دهه 1800 اجرا شدند، هنوز در سنت های خود به آثار شوبین نزدیکتر هستند تا به پرتره های کلاسیک گرایی روسی در ثلث اول قرن نوزدهم.

"شخص مومی" از پیتر I. مجسمه ساز B.K. راسترلی. 1725. جنرال الکتریک. چوب، موم، فلز، مینا. موزه دولتی هرمیتاژ، سنت پترزبورگ.

"شخص مومی" پیتر اول مجسمه منحصر به فردی از دوران پیتر اول است که توسط B.K. راسترلی پس از مرگ امپراتور. مجسمه ساخته شده از چوب و موم. او در سال 1724 برای پیتر دوخته شده است. لباس "شخص مومی" برای روز تاجگذاری رسمی کاترین اول ساخته شده است. در یادداشت های مکانیک و تراتور شخصی. از امپراتور A.K. نارتوف می‌گوید: «امپراتور با دوشیزگان اتاقش در گلدوزی یک کتانی روی ست آبی با نقره کار کرد و پس از اتمام آن را به اعلیحضرت تقدیم کرد». مقایسه ماهیت و تکنیک گلدوزی دلیلی برای این فرض می‌کند که گلدوزی با نخ‌های نقره مطمئناً توسط گلدوزی‌های حرفه‌ای انجام می‌شد و تاج امپراتوری می‌توانست توسط امپراتور گلدوزی شود.