جلد سی دی وینیل با آهنگ های جاز
تاریخچه جاز شوروی از اوایل دهه 20 شروع می شود، دقیقاً در سال 1922، زمانی که اولین گروه جاز شوروی، یا، همانطور که در آن زمان، "گروه جاز" نامیده می شد، در مسکو تشکیل شد. اولین اجرای این گروه در اکتبر 1922 در سال 1922 برگزار شد تالار بزرگ موسسه دولتی هنرهای تئاترو بسیار موفق بود اندکی قبل از این، شاعر والنتین پرناخچندین مقاله در مورد جاز منتشر کرد و در واقع اولین کسی بود که توجه عمومی را به آن جلب کرد.
در این سال ها کارهای زیادی برای رواج جاز انجام شده است. لئونید وارپاخوفسکی(در مسکو) و جولیوس میتوس(در خارکف)، که گروه های جاز را سازماندهی کرد. جاز در کشور ما اولین گام های خود را در آن سال ها برداشت. و بنابراین، جای تعجب نیست که رپرتوار این گروه‌ها ماهیت تصادفی داشت و عمدتاً بر موسیقی شنیده شده از گروه‌های آمریکایی که در سال 1926 به رهبری فرانک ویترز (به همراه بچت و اسمیت) در اتحاد جماهیر شوروی برگزار کردند، متمرکز بود. اپرت سیاه "پسران شکلاتی" به کارگردانی سام وودینگ. گروه سام وودینگ یکی از محبوب ترین گروه های هارلم در آن سال ها بود که اغلب در اروپا تور می کرد. این اجرا علاقه زیادی را در بین شنوندگان شوروی برانگیخت. بحث داغی در مورد جاز آغاز شد که برای مدت طولانی ادامه یافت.
ارکستر به رهبری لئوپولد تپلیتسکی. پوستر
ایجاد یک ارکستر در سال 1927 به سرپرستی الکساندرا تسفسمن ("AMA-jazz") در مسکو و تقریباً همزمان با او ارکستر به رهبری لئوپولد تپلیتسکیدر لنینگراد، آغاز موسیقی جاز حرفه ای در اتحاد جماهیر شوروی بود. رپرتوار این ارکسترها عمدتاً شامل آثاری از نویسندگان خارجی، رونویسی جاز از آثار آهنگسازان کلاسیک، بلوز و معنوی بود. تپلیتسکی که از سوی کمیساریای خلق آموزش به نیویورک و فیلادلفیا برای مطالعه موسیقی فیلم های صامت فرستاده شده بود، تحت تأثیر ارکستر پل وایتمن به لنینگراد بازگشت. سبک ارکستر پی وایتمن که ظاهراً درخشان و صیقلی بود، اگرچه جز اصیل نبود، با این وجود نقش مهمی در پیشرفت آن داشت. سبک این ارکستر با نام جاز سمفونیک در تاریخ ثبت شد.
در سال 1929، ارکستر جاز دیگری در لنینگراد به سرپرستی ایجاد شد گئورگی لندسبرگو بوریس کروپیشف ("کلیسای جاز لنینگراد") که در برنامه اجراهای کنسرت، علاوه بر نمایشنامه های خارجی، آثاری از نویسندگان جوان شوروی که در زمینه جاز کار می کنند - الکسی ژیوتوف، جنریخ ترپیلوفسکی، نیکولای مینهاو غیره. سبک آنها با جدیت آرزوهای زیبایی شناختی و آکادمیک گرایی خاصی متمایز بود. "جاز کاپلا"تا سال 1935 وجود داشت و سهم قابل توجهی در توسعه جاز شوروی داشت.
اولین نمایش در مارس 1929 انجام شد "تی جاز"، توسط یک بازیگر تئاتر طنز لنینگراد برگزار شد لئونید اوتسفو یک ترومپتوز یاکوف اسکوموروفسکی. "تی جاز"، یعنی جاز تئاتر، اجراهای خود را بر اساس سناریوی خاصی از جمله شماره های واریته، آهنگ ها، رقص ها، طرح ها و غیره در برنامه ساخت و برای این گروه بود که شروع به نوشتن موسیقی کرد. ایزاک دونائفسکی. اگرچه رپرتوار این ارکستر بر اساس آهنگ بود، اما برنامه های آن اغلب شامل آثار موسیقی جاز بود. ارکسترهای جدیدی که ظاهر شده اند - J. Skomorovsky، G. Landsberg، A. Tsfasman، و A. Varlamova، (در سال 1933 ایجاد شد و مدتی با خواننده سیاه پوست سلستینا کول اجرا شد) - موسیقی عمدتاً دستگاهی نزدیک به جاز را اجرا کرد. مکان اصلی در رپرتوار ارکستر A. Varlamov توسط تنظیم های خود او اشغال شده بود که با مهارت بسیار ساخته شده بود. ارکستر شروع به ضبط روی صفحه کرد. در آن زمان، ارکستر A. Varlamov ارکستر جازی بود که به درک سبک واقعی جاز نزدیک شد.
در این سال ها، مجموعه ارکسترهای جاز به تدریج گسترش یافت و آثار آهنگسازان شوروی را در بر گرفت. سوئیت های جاز توسط ارکسترها اجرا خواهد شد D. Shostakovich، A. Zhivotov، راپسودی های جاز از I. Dunaevsky، نمایشنامه های G. Terpilovsky، G. Landsberg، N. Minha، Y. Khait، A. Varlamov، L. Schwartz، A. Tsfasman، L. Diederichs، Dm. . و دن پوکراسوفو دیگران در سال 1938 در ارکستر دولتی جاز در مسکو ایجاد می شود(کارگردان هنری ام. بلانتر، رهبر ارکستر V. Knushevitsky). در همان زمان، ارکستر کمیته رادیو اتحادی تشکیل شد که در ابتدا به رهبری A. Varlamov، و سپس A. Tsfasman. موسیقی جاز شوروی به طور مرتب از رادیو شنیده می شد. در سال 1940، تیم مشابهی ایجاد شد N. Minhomدر رادیو لنینگراد در همان دوره، گروه های جاز در جمهوری های اتحادیه ظاهر شدند. ضبط برخی از ارکسترهای این دوره حفظ شده است که از روی آنها می توان سطح هنری و اجرایی ارکسترهای جاز برجسته شوروی (به رهبری L. Utesov، A. Varlamov، Y. Skomorovsky، A. Tsfasman، V. Knushevitskyو غیره.). این سطح بسیار بالاست و اکنون می توان از نبوغ و طراوت تفکر آهنگسازان و تنظیم کنندگان و مهارت تک نوازان قدردانی کرد.
در پایان دهه 30، ارکسترهای جاز در جمهوری های اتحادیه ظاهر شدند: G. ارکستر دولتی جاز آذربایجان (به رهبری تی. کولیف)، ارکستر جاز دولتی ارمنستان (به رهبری A. Ayvazyan)، ارکستر جاز دولتی گرجستان (به رهبری R. Gabichvadze).
کلیسای جاز لنینگراد. پوستر
در میان تم های دستگاهی در این بخش، تعدادی از محبوب ترین و پرطرفدارترین ملودی های دهه 1930 توسط گروه های جاز ارائه شده است. متأسفانه، بسیاری از چیزهایی که در دهه 20 خلق شد، به دلیل کمبود مواد موسیقایی قابل کشف نبود. ضبط موسیقی جاز اتحاد جماهیر شوروی بر روی رکوردها در اواخر دهه 20 شروع شد، بنابراین شما فقط می توانید از طریق گزارش های شاهدان عینی از موسیقی جاز آن زمان ایده بگیرید.
اولین نمونه‌های مضامین گنجانده شده در این بخش از کارنامه گرفته شده‌اند کلیسای جاز لنینگراد(p/u G. Landsberg). این "نسیمی از نوا" N. Minha(1929)، نوشته شده در سنت نوسان اولیه با عناصر سبک Dixieland و "تب جاز" G. Terpilovsky(1929) نمایشنامه ای است که شخصیت و توالی بخش های فرم آن تحت تأثیر سبک رگتایم است.
سنت های جاز شوروی دهه 30 تا حد زیادی در موسیقی منعکس شده است A. Tsfasmanو A. Varlamova. تاکید بر این نکته حائز اهمیت است که نویسندگان جوان آن زمان، همراه با احساس دقیق سبک شناسی این ژانر و پیروی از ارزشمندترین هایی که تا آن زمان در موسیقی جاز به طور کلی انباشته شده بود، به وضوح آن ویژگی های فردی را که در شکل گیری و شکل گیری نقش داشتند، آشکار کردند. توسعه جاز اولیه شوروی به نظر می رسد قطعات دستگاهی آنها نمونه های معمولی از موسیقی جاز شوروی در دهه های 20 و 30 باشد، اگرچه، البته، آنها جامع نیستند.
منبع مطالب این بخش، ترانه‌ها و مجموعه‌های آهنگ بود. اگر تاریخ جاز را در دهه 30 به یاد بیاوریم، نه تنها در کشور ما، بلکه در کشورهای دیگر، مواد موضوعی برای آهنگ های جاز عمدتاً موسیقی آوازی بود. کافی است موضوعات را به خاطر بسپارید جورج گرشوین، جروم کرن و کرت ویل- آنها هم آهنگ بودند و هم مبنای بسیاری از تنظیم های جاز و بداهه نوازی بودند. در کشور ما حتی اصطلاح "جاز آهنگ" نیز ظاهر شد که با آن همراه بود TEA-jazz اثر L. Utesov با موسیقی I. Dunaevsky. آهنگ های محبوب دونایفسکی به زودی توسط ارکسترهای جاز شوروی انتخاب شد - بسیاری از نقل قول ها، فانتزی ها و تنظیم های ابزاری ظاهر شدند. در گروه‌های جاز، نوازندگان بر روی این مضامین بداهه می‌گفتند. دقیقاً همین مضامین است که شامل ملودی های موجود در این مجموعه می شود. ملودی‌های آهنگ شناخته شده در موسیقی جاز دستگاهی مضمون‌هایی هستند L. Knnpera، M. Blanter، Y. Khait، V. Pushkovو آهنگ هایی که قبلاً مخصوص جاز نوشته شده بود A. Tsfasman و A. Varlamov.
اجرای جاز دولتی RSFSR به رهبری لئونید اوتسف در میدان Sverdlov مسکو در 9 مه 1945
در طول جنگ بزرگ میهنی، هنر موسیقی شوروی فعالانه به بسیج نیروهای معنوی مردم برای پیروزی بر فاشیسم کمک کرد. موسیقی جاز و پاپ شوروی، به عنوان بخشی از فرهنگ موسیقی شوروی، همچنین در طول سال‌های جنگ، با هنر قدرتمند و مؤید زندگی‌اش، الهام‌بخش خوش‌بینی، تقویت روحیه در جلو و عقب و کمک به اعتماد ناپذیر در شکست دشمن.
از همان روزهای اول جنگ، نوازندگان درگیر زندگی خط مقدم بودند. ارکسترهای جاز هر چه زودتر برنامه های جدید خود را آماده می کنند و به جبهه می روند. پاپ و ارکسترهای جاز الکساندر وارلاموف، الکساندر تسفاسمان، ویکتور کنوشویتسکی، بوریس کارامیشف، کلاودیا شولژنکو، دیمیتری پوکراس، لئونید اوتسف، آیزاک دونائفسکی، بوریس رنسکی، یوری لاورنتیف، یاکوف اسکوموروفسکی، نیکولای مینخاو خیلی های دیگر. و چه بسیار گروه ها و ارکسترهای آماتور در واحدهای نظامی سازماندهی شدند! در طول جنگ بزرگ میهنی، جاز شوروی بیشتر به سمت ژانرهای آهنگ گرایش پیدا کرد. در این دوره آهنگ های فوق العاده زیادی ساخته شد. آنها که در سال های جنگ به دنیا آمده اند، هنوز زندگی می کنند. روح معنوی بالای این ترانه ها عمر طولانی آنها را حتی پس از پایان پیروزمندانه جنگ تضمین می کرد. آهنگ هایی مثل "شب تاریک" N. Bogoslovsky, "عصر در جاده" V. Solovyov-Sedogoامروز نه تنها به عنوان آثار ژانر آهنگ، بلکه به عنوان آهنگ های جاز ابزاری زندگی کنید.
در طول جنگ، آثار ارکسترال برای جاز ایجاد شد A. Tsfasman, A. Varlamov, A. Ostrovskyو دیگران. همچنین جالب است که برخی از آهنگ‌های جاز آمریکایی در این دوره در رپرتوار ارکسترهای جاز شوروی ظاهر شدند. بنابراین، در ضبط های 44 - 45. برخی نمایشنامه ها در حال پخش هستند دی. مک هیو، کی. پورتر، آی. برلین، جی. میلرو غیره البته این امر بر کار آهنگسازان و تنظیم کنندگان شوروی که در این ژانر کار می کردند، به ویژه در زمینه ساز، تأثیر مثبت داشت. لازم به ذکر است که در طول سال های جنگ "موضوع روسیه" به طور قابل توجهی در جاز آمریکایی به نظر می رسید. ارکستر گلن میلربه عنوان مثال، اغلب در کنسرت ها اجرا می شود "پولیوشکو میدان"و "بلاژ"در پردازش با درایت انجام شده؛ ارکستر بنی گودمن- پردازش قطعات یک داستان سمفونیک "پیتر و گرگ" اس. پروکوفیف, "اینترمتزو برای کلارینت و ارکستر جاز" A. Tsfasmanو تعدادی دیگر از نویسندگان شوروی.
الکساندر نائوموویچ تسفاسمان آهنگساز شوروی (1906-1971)
در دوره پس از جنگ، مسیرهای بعدی برای توسعه جاز در اتحاد جماهیر شوروی به تدریج مشخص شد. جذابیت ارکسترها به ژانرهای مختلف بیشتر محسوس شده است. نوازندگان خط مقدم به اعضای اصلی ارکستر پاپ رادیو اتحاد تبدیل شدند. او رهبری شد V. Knushevitsky، بسیاری از ضبط های موسیقی سبک نوشته شده توسط D. Shostakovich، V. Solovyov-Sedy، M. Blanter، A. Tsfasman، Yu. Milyutin، A. Polonsky، A. Arsky، V. Knushevitsky، A. Ayvazyanو غیره.
در سال 1946 الکساندر تسفاسمنیک ارکستر بزرگ پاپ را سازماندهی کرد ( "Symphojazz") در تئاتر ارمیتاژ. بسیاری از نوازندگان جوان با استعداد - فارغ التحصیلان هنرستان - به این ارکستر آمدند. پس از آن، آنها را می توان در میان بهترین سازهای شوروی دید.
اما جاز، به عنوان یک هنر بداهه، به طور طبیعی به یک "اقلیم" خلاقانه از ترکیبات کوچک - "کمبو" نیاز داشت. بنابراین، نوازندگان جاز که در ارکسترهای بزرگ پاپ سمفونیک رادیو و تئاتر کار می کردند، علاوه بر کار اصلی خود، با دیگر نوازندگان همدست شدند تا با هم موسیقی بنوازند. در مسکو یکی از این مکان ها رستوران بود "متروپل"، که در آن یک گروه جاز به طرز شگفت انگیزی هماهنگ اجرا کردند (الکساندر ریوچون - ساکسیفون کلارینت، آلتو و تنور، یان فرنکل - ویولن، لئونید کافمن و ویکتور آندریف - پیانو، الکساندر روزنواسر - کنترباس و سرگئی سدیخ - درامز). ارکستر جاز به رهبری A. Shulman که عمدتاً از نوازندگان کمیته رادیو تشکیل شده بود، نقش مهمی در توسعه جاز شوروی در آن سال ها داشت.
یکی دیگر از مراکز موسیقی جاز سینما بود "هنر". ارکستر تحت رهبری Laci Olah، یک درامر مجلل باشکوه، در اینجا اجرا کرد. در کنار آثار نویسندگان شوروی، موسیقی فیلم نیز موفق بود "سرناد دره خورشید". در آن زمان توسط بسیاری از ارکسترهای ما اجرا می شد و هر تنظیم کننده ای می توانست گزینه ای برای ارکستراسیون ملودی های این فیلم (از جمله آنها) پیدا کند. N. Minkh، A. Tsfasman، E. Geignerو غیره.).
ارکسترها و گروه هایی ظاهر شدند که رپرتوار جاز را در شهرهای دیگر اجرا کردند: لنینگراد، ریگا، تالین. در سال 1947، چندین آلبوم با ضبط گروه های کوچک منتشر شد. نمایشنامه ها موفقیت بزرگی داشتند "روز خوش" A. Tsfasmanو "عزیزم" I. Klyuchinsky. «می شکوفه» نوشته A. Polonsky هنوز هم محبوب است.
در سال 1949 اولین دوره در کشور ما در تالین برگزار شد جشنواره جاز. در لنینگراد در دهه 50، یک ارکستر فعالیت خود را آغاز کرد و نوازندگان جوان جاز، از جمله G. Golshtein، K. Nosov و دیگران را متحد کرد. اصطلاحات "Variety Orchestra" و "Variety Music" که توسط L. Utesov در اواخر دهه 40 ارائه شد کمک کرد. روند تمایز در این ژانر.
آشنایی با موسیقی بی باپ بر سبک تعدادی از گروه ها و ماهیت بداهه نوازی تأثیر گذاشت. این یک دوره انتقالی از تفکر سوئینگ به یک سبک جدید بود، اگرچه موسیقی سوئینگ (به معنای "سوئینگ" به عنوان یک سبک) به حیات خود ادامه داد. ادای احترام به سبک های سنتی تر نیز انجام شد: در اواسط دهه 50 ولادیمیر روباشفسکی Dixieland را در مسکو سازماندهی کرد که آثار کلاسیک جاز و آثار آهنگسازان شوروی را اجرا می کرد.
ارکسترهای بزرگ در آن سال‌ها عمدتاً خوانندگان را همراهی می‌کردند، اگرچه کارنامه آنها شامل قطعات موسیقی فجر و غنایی بود که برخی از آنها ماهیت جاز داشتند. در این دوره برای اولین بار نام آهنگسازان، تنظیم کنندگان و رهبران ارکستر جوان شنیده شد: V. Ludvikovsky، K. Orbelyan، P. Saul، A. Kalvarsky. در میان نوازندگانی که در گروه های کوچک جاز اواخر دهه 40 و اوایل دهه 50 شرکت کردند، لازم است ساکسیفونیست ها را نام ببریم: الکساندر ریوچون، امیل گایگنر، میخائیل یاکون، پیرو رستمبکف، ولادیمیر کودریاوتسف، پیانیست ها لئونید کافمن، اوگنی روخلین، الکساندر اسنوویکوف، آکاردئونیست ها اوگنیا ویستاوکینا و ویاچسلاو سمنوف، درامر بوریس ماتویف.
نقش مهمی در تجمیع نیروهای خلاق در اطراف این ژانر در دهه 50 ایفا کرد برنامه های موسیقی رقص، که در رادیو اتحاد ایجاد شدند. برای همین برنامه ها بود که انشاهایشان را نوشتند A. Eshpai، A. باباجانیان، Y. Frenkel، A. Ostrovsky. تعدادی از مضامین این برنامه‌ها در تمرین گروه‌های رقص و جاز تثبیت شده‌اند.
ارکستر به رهبری اولگ لوندسترم
در اوایل دهه 50، یک ارکستر جاز در مسکو تور برگزار کرد O. Lundstrem. ارکستر مستقر در آن زمان در کازان، تجربیات بسیار جالب و امیدوارکننده‌ای را در آهنگسازی و اجرای قطعات جاز با استفاده از فولکلور به نمایش گذاشت. "رویاها" A. Monasypova، "سامبای تاتار" A. Klyuchareva). در پایان دهه 50، ارکستر در مسکو مستقر شد و به یکی از گروه های برجسته جاز در کشور تبدیل شد که در زمان های مختلف بسیاری از استادان با استعداد جاز را به کار می گرفت.
از نیمه دوم دهه 50، نقش ارکسترهای بزرگدر جمهوری های ماوراء قفقاز - ارکستر دولتی آذربایجان به رهبری R. Hajiyev، ارکستر دولتی گرجستان "Rero" به رهبری K. Pevzner، ارکستر دولتی ارمنستان به رهبری K. Orbelyan. در برنامه های این گروه ها در کنار آهنگ ها، آهنگ های جاز مدام شنیده می شد. از جمله موضوعات ساز در این بخش، آثار است A. Tsfasman، A. Polonsky، O. Lundstrem، A. Eshpai، V. Lyudvikovsky، U. Naissoo، A. Monasypov.
درست مانند دهه 30، در این دوره آهنگ های زیادی وجود داشت که به طور خاص برای جاز ساخته نشده بودند، اما اغلب در گروه های جاز اجرا می شدند. بسیاری از درمان‌های ابداعی از این مضامین آهنگ پدید آمد. در این دوره ترانه های استادان مشهوری مانند I. Dunaevskyو ام. بلانتر; رپرتوار گروه‌های جاز شامل آهنگ‌هایی بود ملودی های سال های جنگ - V. Solovyov-Sedogo، N. Bogoslovsky، B. Mokrousov. ملودی‌های ترانه‌های پس از جنگ، غنایی و طنز، اغلب برای تنظیم در آهنگ‌های بزرگ و برای بداهه‌پردازی در "کمبو" استفاده می‌شد. همین جا به خاطر بسپارید تم های آهنگ T. Khrennikova، A. Babajanyan، A. Eshpaya، V. Muradeliبرخی از آهنگ ها به ویژه در Dixieland (N. Budashkin و Yu. Milyutin) موفق به نظر می رسیدند.
ساکسیفون و آهنگساز شوروی گئورگی آراموویچ گارانیان (1934-2010)
در اواخر دهه 50 - اوایل دهه 60. جاز شوروی به مرزهای جدیدی رسید.
ویژگی شکل گیری دوره جدید جاز شوروی در این سال ها چیست؟ تلقی جاز به عنوان یک شکل جدی از هنر موسیقی، مطالعه عمیق مبانی موسیقی جاز، توجه دقیق به روندهای مدرن تر در موسیقی جاز، افزایش علاقه به فولکلور مردم کشورمان، تسلط بر مهارت حرفه ای در نواختن سازها، درک هنر گروه نوازی در یک ارکستر بزرگ. و در نهایت، مهمترین چیز - نوازندگان جوان آمدند تا به اسرار پیچیده ترین هنر بداهه نفوذ کنند.
در پایان دهه 50 ، گروهی از نوازندگان بسیار جوان در مسکو ظاهر شدند که "هشت طلایی" نامیده می شد. شامل نوازندگان ساکسیفون بود گئورگی گارانیانو الکسی زوبوف، ترومپتوز ویکتور زلچنکو، ترومبونیست کنستانتین باخالدین، پیانیست یوری ریچکوف، درامر الکساندر سالگانیک. این گروه پایه و اساس ارکستر جوانان خانه هنرمندان مرکزی شد (در ابتدا توسط آن رهبری می شد بوریس فیگوتین، سپس - یوری سائولسکی) که در مسابقات جاز ششمین جشنواره جهانی جوانان و دانشجویان در مسکو مدال نقره و عنوان برنده دریافت کرد. ارتباط با همکاران خارجی نقطه عطف بسیار مهمی در توسعه جاز شوروی شد. اعضای ارکستر خانه مرکزی هنرمانند سایر نوازندگان مسکو، افق های سبک جدیدی را برای خود کشف کردند و احتمالاً این بار را می توان آغاز مرحله جدیدی در توسعه موسیقی جاز شوروی دانست. رشد علاقه عمومی به جاز در خلقت بیان شد کلوپ های جازدر لنینگراد (1958) و در مسکو (1960) با کمک فعال کمیته های شهری کومسومول. به زودی کلوپ های جاز در شهرهای دیگر اتحاد جماهیر شوروی افتتاح شدند. هدف این کلوپ ها ایجاد گروه های جاز، اجرای کنسرت ها و سخنرانی ها و مطالعه موسیقی جاز شوروی و خارجی بود.
ترومپت و آهنگساز شوروی آلمانی کنستانتینوویچ لوکیانوف (متولد 1936)
در اوایل دهه 60، چندین گروه جاز جوانان جالب ظاهر شدند: "هفت پسر دیکسیلند"و "دکتر جاز"نواختن جاز سنتی، "کوئینتت تجربی" A. Liskovich, کوارتت یو. ویخاروا, پنج نفری V. Rodionova، R. Vilksaو دیگران (لنینگراد). این گروه‌ها به طور فزاینده‌ای موسیقی روسی، تنظیم آهنگ‌های شوروی و آهنگ‌های خود را به نمایش می‌گذارند.
در اوایل دهه 60. بسیاری از جوانان علاقه مند به جاز از گوش دادن به موسیقی جاز به نواختن موسیقی، گاه بدون آموزش حرفه ای موسیقی، نقل مکان کردند. در این دوره بسیاری از گروه های آماتور جاز متولد شدند که در آنها سطح اجرا از سطح رپرتوار عقب بود. این روند احتمالاً برای آن زمان طبیعی بود، اما با گذشت زمان، با استعدادترین و کنجکاوترین نوازندگانی که تصمیم گرفتند حرفه ای شوند، شروع به جدا شدن از این توده عمومی آماتور کردند. در این دوره بود که فرآیند شهودی درک جاز با رویکرد متمرکز و سیستماتیک به موضوع جایگزین شد.
یکی از پدیده های قابل توجه در اواخر دهه 50 و اوایل دهه 60 ضبط "کمبو" بود که شامل نوازندگان جوان مسکو از سابق بود. "هشت طلایی"ارکستر خانه هنرمندان مرکزی. یک ترومپتوز که از لنینگراد آمده بود به آنها پیوست آلمانی لوکیانفو پیانیست مسکو بوریس ریچکوف. مجموعه ای از آهنگ های اجرا شده توسط این آهنگ به اولین ضبط حرفه ای استودیویی از موج جدید جاز شوروی تبدیل شد. قابل توجه است که نوازندگان نه تنها در مضامین جاز کلاسیک، بلکه بر روی مضامین آواز معروف شوروی نیز بداهه نوازی کردند ( "شب تاریک", "آکاردئون تنهایی"و غیره.).
در اینجا نمی توان بسیاری از جنبه ها و رویدادهای مهم در توسعه جاز شوروی را در این دوره برجسته کرد، اما لازم است در مورد مهمترین نقاط عطف در توسعه جاز مدرن داخلی صحبت کنیم. این دوره شکل گیری، آموزش جاز شوروی، درک یک سبک جدید است و تصور آن بدون مطالعه نمونه های کلاسیک جاز آن زمان غیرممکن است. این گروه ها نقش مهمی در معرفی موسیقیدانان شوروی با بهترین نمونه های هنر جاز ایفا کردند - و در واقع همیشه نمونه های درجه پایین زیادی از این سبک وجود دارد. بنی گودمن، دوک الینگتون، ویلی راف - دویک میچل، تاد جونز - مل لوئیس، کرت ادلهاگن، میشل لگراندو همچنین تعدادی گروه جالب دیگر از کشورهای سوسیالیستی، از جمله: ارکستر گوستاو بروم(چکسلواکی)، پیانیست آدام ماکوویچ، گروه زبیگنیو نامیسلووسکی(لهستان) و غیره
گروه جاز ایگور بریل. دیسک وینیل "صبح زمین". 1978 پوشش
به عنوان مواد موضوعی برای ترکیبات همراه با ملودی های جاز کلاسیک و مدرنموارد شناخته شده همچنان مورد استفاده قرار می گرفتند مضامین آهنگ شورویالبته آنهایی که با توجه به پلان هارمونیک و ساختار لحنی ـ ملودیک خود می توانستند اجرای ارگانیک در جاز پیدا کنند. در میان آنها، البته، آن دسته از آهنگ های "همیشه سبز" هستند که سال ها پیش تخیل نوازندگان جاز را تغذیه کردند، و آن مضامین آهنگ های جدیدی که در این سال ها به وجود آمدند ( تی.خرنیکوف، ا.اشپای، ا.فتاح، آ.فلیارکوفسکیو غیره)، مقدار زیادی از تم های ابزاری نیز ظاهر شد. تم های آهنگ، علاوه بر تنظیم آنها برای گروه بزرگ و ترکیبی، اغلب توسط گروه های سبک Dixieland تفسیر می شوند.
در تمرین بین المللی جاز، مضامین ابزاری بسیار بیشتری در این دوره نسبت به قبل ظاهر شد.
در کشور ما، آثار جاز در این دوره توسط آهنگسازان حرفه ای و نوازندگان جاز خلق شد که استعدادهای خلاقانه ترین آنها به طور فزاینده ای به آهنگسازی روی آوردند. در میان آهنگسازان حرفه ای، در اتحادیه آهنگسازان شوروی، علاقه فزاینده ای به فرم های مدرن جاز و موسیقی پاپ وجود دارد. پس از جلسه ای در مورد موضوعات موسیقی پاپ در سال 1962، که توسط دبیرخانه اتحادیه آهنگسازان اتحاد جماهیر شوروی برگزار شد، نقش کمیسیون موسیقی دستگاهی پاپ سازمان آهنگسازان مسکو، که آهنگسازان فعال در این سبک را متحد می کرد، افزایش یافت. تعدادی از آهنگ ها به طور گسترده در صحنه کنسرت اجرا شد که در رادیو و ضبط ضبط شد. آهنگ های جاز و جاز سمفونیک B. Trotsyuk، I. Yakushenko، M. Kazhlaev، V. Rubashevsky، V. Terletsky، Y. Saulsky، K. Orbelyan، U. Naissoo، V. Ojakäär. بسیاری از این نویسندگان با اشتیاق در این سبک کار کردند "ترقی خواه", "جریان سوم" (سمفونی جاز از B. Trotsyuk، کنسرت برای ارکستر جاز توسط M. Kazhlaev و I. Yakushenko، کار دیگران به ترکیبی از جاز نویسی با ویژگی های یک سنت موسیقی ملی خاص تبدیل شد ( K. Orbelyan، U. Naissoo، M. Kazhlaevبرخی دیگر به فرم های سنتی جاز نزدیک بودند. مضامین برخی از این ترکیبات به طور گسترده در ترکیب بندی های کوچک بداهه استفاده می شد. آنها در موضوعات منتشر شده در این بخش گنجانده شدند.
بسیاری از نوازندگان بداهه جاز تمایل به خلاقیت خود دارند. این میل طبیعی در دهه 60 و متعاقباً در دهه 70 در این واقعیت محقق شد که بسیاری از تم های جاز شوروی. با این حال، تنها مضامین مشخص شده با ویژگی های فردیت خلاق (در فرم، در ساختار هارمونیک- آهنگ یا در ساختار ریتمیک) در گلچین مضامین جاز داخلی منتشر شده در مجموعه ما گنجانده شده است.
در برخی موارد، اینها موضوعاتی هستند که به نوعی شامل می شوند عناصر فولکلوربه عنوان مثال، - ایجاد شده در دهه 60. موضوعات A. Tovmasyan، G. Garanyan، G. Lukyanovاز جمله مضامینی که به سمت نمونه های متعارف کلی جاز گرایش دارند، اما با اصالت دست خط نویسنده مشخص می شوند، مضامین نوشته شده در دهه 60 و 70 است. جی.گلشتاین، یو.مارکین، آ.کوزلوف. N. Levinovsky، I. Bril، B. Frumkin، L. Chizhik، A. Krollخلاقیت آهنگسازان و نوازندگان شوروی به لطف احیای زندگی کنسرت و جشنواره در جاز شوروی به طور قابل توجهی تشدید شده است.
از دهه 60. و تا به امروز در شهرها و جمهوری های مختلف کشورمان برگزار می شود جشنواره های جاز. در مسکو، چنین جشنواره ای هر دو سال یک بار (از سال 1978) برگزار می شود. هفته های جاز در سازماندهی می شود لنینگراد، یاروسلاول، دونتسک، نووسیبیرسک، تفلیس... در سال 1967 علاوه بر گروه های شوروی، نوازندگانی از لهستان، سوئد، آمریکا، فنلاند و سوئیس در جشنواره تالین شرکت کردند.
در سال 1962 برای اولین بار جشنواره جاز خارجیگروه شوروی ترک کرد: A. Kozlov، A. Tovmasyan، N. Gromin، A. Bulanov، A. Egorov، که اجرایش در جشنواره جاز ورشو (1962) موفقیت بزرگی داشت. از آن لحظه به بعد، نوازندگان جاز ما به طور مرتب در جشنواره های خارجی اجرا کردند، به عنوان مثال گروه G. Garanyan-N. گرومین (در پراگ)، "لنینگراد دیکسی لند"، گروه بزرگ به رهبری V. Ludvikovsky، رهبری O. Lundstrem، K. Orbelyan، A. Kroll (در ورشو و پراگ). متعاقباً از دهه 70 شروع شد. جغرافیای اجراهای گروه های جاز شوروی در حال گسترش است. همراه با شرکت در جشنواره ها و کنسرت های کشورهای سوسیالیستی، نوازندگان جاز ما به هند (A. Kuznetsov، T. Kurashvili، N. Levinovsky)، برلین غربی (Arsenal تحت رهبری A. Kozlov)، انگلستان و ایتالیا (سه نفر از V. Ganelin) سفر می کنند. ، به فرانسه (L. Chizhik)، به آلمان (I. Bril)، به هلند (G. Lukyanov)، به ایالات متحده آمریکا (ارکستر به رهبری K. Orbelyan).
الکسی باتاشف. کتاب "جاز شوروی". پوشش
از دهه 60 شروع شد، سپس در دهه 70 و 80. اندیشه نظری موسیقی به دنبال تحلیل و تعمیم فرآیندهایی است که در ژانر موسیقی جاز به طور کلی و در جاز شوروی به طور خاص رخ می دهد. از جمله کتب در این زمینه می توان به: "تولد جاز", "آبی و قرن بیستم" وی. کونن، کار A. Batasheva "جاز شوروی"، بروشور V. Mysovsky و V. Feyertag "جاز"و تعدادی دیگر همچنین مقالات مختلف در مجلات موسیقی شوروی، اجرا در روزنامه ها، برنامه های رادیویی و تلویزیونی و فعالیت های متنوع تعدادی از بهترین کلوپ های جاز در کشور ما به توسعه این ژانر کمک می کند.
حرفه ای شدن نوازندگان جاز با معرفی آموزش سیستماتیک موسیقی تسهیل شد که در افتتاحیه در سال 1974 بخش های پاپ-جاز در مدارس موسیقی RSFSR و برخی از جمهوری های دیگر و در حال حاضر در تعدادی از موسسات آموزش عالی بیان شد. اولین کتاب های درسی داخلی در زمینه موسیقی جاز ایجاد شد: "مبانی بداهه نوازی جاز" (I. بریل), "هارمونی در جاز" (یو. چوگونوف), "تنظیم" (جی گرانیان)، مجموعه ای کامل از کتابچه های راهنما در مورد سازهای نوازندگی. همراه با موسسات آموزشی ویژه، استودیوهایی ظاهر شده اند که دوستداران موسیقی جاز را متحد می کنند. مشهورترین آنها "استودیوی بداهه نوازی موسیقی" در مرکز فرهنگی Moskvorechye است.
ساکسیفون و آهنگساز شوروی الکسی سمیونوویچ کوزلوف (متولد 1935)
غیرممکن است که این دوره طولانی توسعه جاز شوروی (از سال 57 تا امروز) را به عنوان چیزی مبهم تصور کرد. بنابراین، برای مثال، در دهه 70. دوره ای از جستجو برای ابزار جدید بیان و سبک جدید آغاز شد. بسیاری از نوازندگان جاز، چه در اتحاد جماهیر شوروی و چه در سراسر جهان، در ابتدا موسیقی راک را که در آن سال ها رایج بود، قبول نداشتند، هرچند بعدها جالب ترین ویژگی های آن را نادیده گرفتند. در نتیجه، برخی از طرفداران تفکر منحصراً جاز شروع به کار در زمینه ادغام ژانرهای جدید کردند. این روند به ویژه از طریق فعالیت های گروه آرسنال و کار رهبر آن، یک ساکسیفون و آهنگساز قابل ردیابی است. الکسی کوزلوف، به دنبال ترکیب در ساخته های خود است عناصر جاز، موسیقی مجلسی و فولکلورو اخیراً عناصر پانتومیم را جذب کرده است. برخی از آنها در مجموعه ارائه شده است. تمایل به ترکیب سبک جاز با روندهای جدیدخود را در خلاقیت به شیوه خود نشان داد N. Levinovsky، I. Bril، L. Chizhikکه تعدادی از موضوعات آن نیز در مجموعه گنجانده شده است. اما برخی از نوازندگان خود را حفظ کردند تعهد به جازدر مشخص ترین و خالص ترین شکل آن، روندهای موسیقی راک و تلفیقی به میزان بسیار کمتری بر آنها تأثیر گذاشت. در اینجا می‌توان به تعدادی از نوازندگان ما اشاره کرد که هنوز آهنگ‌هایی را در سبک‌های «هارد باپ»، «کول» و روی آوردن به جاز مدال اجرا می‌کنند. این اول از همه است جی. لوکیانوفبا گروه خود "کادان" که به سبکی که سال ها پیش در کار خود برگزیده بود، پایبند بود. این - G. Golshtein، Y. Markin، D. Goloshchekin، A. Kuznetsov، M. Okun، V. Sadykovو غیره تعدادی از نوازندگان در خلاقیت و فعالیت های اجرایی خود رشد می کنند سبک فری جاز با عناصری از الئاتوریک و تئاتر گروتسک، - اینها نوازندگانی از لیتوانی هستند - وی. گانلین. V. Chekasin، P. Vishniauskasو غیره.
در اواخر دهه 70 و 80. بسیار فشرده توسعه یافته است مدارس ملی جاز شورویدر مناطق مختلف کشورمان این امر به ویژه در جشنواره جاز مسکو در سال 1982 مشهود بود که به شصتمین سالگرد تأسیس اتحاد جماهیر شوروی اختصاص داشت (همچنین سال شصتمین سالگرد موسیقی جاز شوروی بود). ترکیب فولکلور با جاز مدرن، به‌ویژه با فرم‌های مودال آن، ارگانیک‌تر از تلاش‌ها برای ادغام فولکلور با جاز در سبک‌های جاز قبلی بود. جستجوهای موفقیت آمیز در این جهت توسط موسیقیدانان ماوراء قفقاز، قزاقستان، آسیای مرکزی، کشورهای بالتیک و تعدادی از جمهوری های خودمختار RSFSR نشان داده شد. متأسفانه این نشریه نتوانست مضامین بسیاری را از آثار ساخته شده توسط نوازندگان مستعد جمهوری های ما ارائه دهد.
در این دوره، در سال های مختلف، حاملان مکتب خوب در روایات جریان اصلی جازگروه های بزرگ وجود داشته و دارند V. Lyudvikovsky، O. Lundstrem، K. Orbelyan، Y. Saulsky، A. Kroll، G. Gachicheladze، A. Kalvarsky، B. Rychkov، G. Rosenberg. برخی از آنها ( ارکسترهای O. Lundström، K. Orbelyan، A. Kroll، G. Rosenberg) هنوز با موفقیت کار می کنند - کنسرت های زیادی برگزار می کنند، در جشنواره های جاز شرکت می کنند و رکوردهایی را ضبط می کنند. نقش آموزشی و محبوبیت آنها در موسیقی جاز به سختی قابل ارزیابی است. ارکسترهای بزرگتوجه ویژه آهنگسازانی را که سال‌ها به موسیقی جاز وفادار مانده‌اند، جلب می‌کند: این مجموعه شامل موضوعاتی است A. Eshpaya، M. Kazhlaeva، I. Yakushenko، A. Mazhukova، V. Dolgova.
در دهه 70، تعدادی از مهم ترین گروه های جاز وضعیت گروه های فیلارمونیک حرفه ای را دریافت کردند. این امر امکان تبلیغ منظم بهترین نمونه های موسیقی جاز را فراهم کرد.
کمیسیون موسیقی دستگاهی پاپ و جاز به طور فعال در شعبه مسکو اتحادیه آهنگسازان RSFSR به کار خود ادامه می دهد. تعدادی از آهنگسازان جاز با استعداد شوروی در دهه 70-80. دفتر این کمیسیون که به عنوان عضوی از اتحادیه آهنگسازان شوروی پذیرفته شد، در سازماندهی جشنواره ها و کنسرت های جاز شوروی، در ترویج بهترین نمونه های موسیقی جاز در تلویزیون مرکزی و رادیو سراسر اتحادیه (مثلاً تلویزیون) مشارکت فعال دارد. برنامه "Jazz Panorama").
Persimfans در یک کنسرت در KZCH. عکس – ایرا پولیارنایا
Persimfans - یا اولین گروه سمفونیک، یک ارکستر بدون رهبر، در سال 1922 ایجاد شد.
نوازندگان جوان، آزاد، همانطور که در آن زمان به نظر می رسید، سرزمین شوروی، که ایده های انقلابی را می پذیرفتند، در یک تیم متحد شدند که در آن "هر یک از اعضای ارکستر به دیگران و به طور کلی همه گوش می دهند."
در طول ده سال فعالیت خود، تا سال 1932، ارکستر موفق شد در سال 1927 به یک گروه افتخاری جمهوری تبدیل شود.
نوازندگان بیش از 70 کنسرت در هر فصل برگزار کردند، ستارگان آن سال ها به عنوان تک نواز با او اجرا کردند: J. Szigeti، K. Zecchi، V. S. Horowitz، S. S. Prokofiev، A. B. Goldenweiser، K. N. Igumnov، G. G. Neugauz، M. V. Yudina، V. M. B. Polyakin، A. V. Nezhdanova، N. A. Obukhova، V. V. Barsova و دیگران.
در اواسط دهه 1930، در پس زمینه رو به رشد "فرقه شخصیت"، ارکستر بدون رهبر به طرز مشکوکی آزاد به نظر می رسید و منحل شد.
احیای Persimfans در سال 2008 به لطف تلاش های تجاری و جذابیت شخصی اتفاق افتاد و همکاران پیتر آیدا و گریگوری کروتنکو را به خود جلب کرد.
Persimfans of the قرن 21 تیمی از بهترین نوازندگان از ارکسترهای سمفونیک و اپرا مسکو، سنت پترزبورگ، پرم و دیگر شهرهای روسیه است. "آخرین موهیکان" مشتاقانی هستند که در اوقات فراغت خود آماده هستند و اغلب اوقات از مشاغل اصلی خود مرخصی می گیرند، به خاطر علاقه، به خاطر موسیقی جدید و لذت خلق مشترک در شرایط برابر تمرین کنند. .
ترکیب نوازندگان هر بار حدود یک سوم به روز می شود و هر کنسرت آینده مملو از این سوال است: آیا این بار نتیجه می دهد؟
پیتر آیدو. عکس – ایرا پولیارنایا اما نه تنها به نظر می رسد، بلکه به یک رویداد در زندگی فرهنگی پایتخت تبدیل می شود.
شب پرسیمفانس در تالار کنسرت برگزار شد. P.I. Tchaikovsky 14 دسامبر 2017، ویژه بود. برای اولین بار، نوازندگان ما با هنرمندان سمفونیکر دوسلدورف در 7 و 8 اکتبر در سالن کنسرت دوسلدورف تونهاله همکاری کردند.
اکنون 18 همکار آلمانی، عمدتاً نوازندگان برنج مکتب معروف آلمانی، کمتر نوازندگان زهی، جای خود را در کنسول های Persimfans گرفتند.
سازمان دهنده کنسرت در مسکو آژانس Apriori Arts است که توسط تهیه کننده مستقل Elena Kharakidzyan با مشارکت آژانس آلمانی Helikon Artists و مدیریت Tonhalle Düsseldorf با حمایت انستیتو گوته در مسکو، وزارت خارجه آلمان و فدرال نمایندگی می شود. ایالت نوردراین-وستفالن. خوب، چگونه می توانیم «ردپای آلمانی» را در وقایع اکتبر 1917 به یاد نیاوریم!
به هر حال، همانطور که در جلسه توجیهی قبل از شروع مشخص شد، نه وزارت فرهنگ فدراسیون روسیه و نه کمیته فرهنگ شهر مسکو، با ابراز علاقه به رویداد روسی-آلمانی به زبان، حمایت واقعی را ارائه نکردند.
برنامه کنسرت اساساً اجرایی است که ترکیبی از موسیقی، سینما و عناصر یک تقلید از تئاتر تبلیغاتی انقلابی است. در اینجا همه چیز، دقیقاً تا لباس‌های اعضای ارکستر «هر کدام در خود»، با غلبه رنگ‌های سفید، قرمز و نارنجی معنا پیدا می‌کرد.
به نظر می رسد شروع تحصیلی است. موتزارت اورتور فلوت جادویی. و سپس با حروف کوچک: "ویرایش در سال 1930 برای سینما، باشگاه ها و مدارس." گروهی متشکل از 10 نفر به رهبری پیتر آیدو در پیانو و یکی دو ساز از گروه بیرون آمدند و مسیرهای آشنا و طولانی را به شیوه ای هماهنگ و شاد آغاز کردند. اما دنباله ویدیو!
کار با استعداد هنرمند چند رسانه ای پلاتون اینفانته، که مجموعه ای از وقایع نگاری اوایل قرن بیستم و فیلم های Dziga Vertov را ساخته است. شیوه ای که سیاهان و سفیدپوستان در حال راهپیمایی، خنده دار، مرده و مرده، ساختن یک زندگی جدید، در ریتم تمپو موتزارت، در جوهر دیالکتیکی آن قرار می گیرند، به سادگی شگفت انگیز است. همانطور که اولین کمیسر خلق در امور خارجه جمهوری شوروی، گئورگی چیچرین، گفت: "من انقلاب و موتزارت را داشتم."
«نمونه‌ای از شعر بی‌معنی نماینده دادائیسم، ساخت‌گرایی، سوررئالیسم، اکسپرسیونیسم»
- طبق ویکی پدیا به نظر می‌رسد که نوازندگان از صدای ریتمیک کلمات، عبارات، صداهای به ظاهر آلمانی، کم کردن سرعت و تسریع آنها، مانند یک جلسه تمرین گروهی، نوعی گرم کردن احمقانه قبل از کار اصلی، خوششان می‌آمد. تکنوازی های فالست گریگوری کروتنکو لبخندی همیشگی به همراه داشت.
"محصول دوران" برای یک بار شنیدن جالب است. نصفش میکنم
و چه تسکین دهنده ای برای گوش بود، کوارتت شماره 1، اپوس 24 توسط الکساندر موسولوف. موسیقی زیبا و ناب، بر خلاف هر کس دیگری، از آهنگسازی که در دهه بیست هم تراز شوستاکوویچ بود.
متعاقباً، هدیه منحصر به فرد او به مدت هشت سال در اردوگاه ها تحت عنوان "دشمن مردم" شکسته شد. ویولونیست‌های Evgeniy Subbotin، Asya Sorshneva، Sergei Poltavsky با ویولا و نوازنده ویولن سل، اولگا دمینا، این Requiem منحصر به فرد را با روحیه برای نسلی از دست رفته اجرا کردند.
الکسی وروبیوف و پرسیمفانس. عکس – ایرا پولیارنایا پس از کوارتت صمیمی محفظه در نیمه تاریکی، دوباره تضاد وجود دارد. ارکستر کامل با ساز بیرون آمد، همه منتظر بودند. او، خود وی. آی. لنین، از راهرو در غرفه ها بلند شد و تشویق شد!
با یک حرکت دراماتیک، با اولین ویولن دست داد و با همان کف دست عمودی، علامت "A" را برای کوک به ابوا داد.
ایلیچ برای تأیید خنده در سالن و روی صحنه به جای خود رفت و معلوم شد که کنترباسیست الکسی وروبیوف است. سبیل و بزی مخصوص خودش، کت و شلوار سه تکه، کراوات خالدار و کلاه مناسب - تصویر صحنه او.
آهنگساز، مربی موسیقی و موسیقی شناس شوروی و آمریکایی، که عمدتاً به خاطر سیستم آهنگسازی شیلینگر خود شناخته شده است.
در خارکف به دنیا آمد، در سن پترزبورگ تحصیل کرد، پس از سال 1929 در آمریکا زندگی کرد و در سال 1943 در نیویورک به خاک سپرده شد.
شیلینگر راپسودی "اکتبر" را صمیمانه و جدی در سال 1927 نوشت، تقریباً در آستانه مهاجرت، یا لحظه تمسخر فولکلور شوروی در طرح وجود داشت، اما در هم آمیختن "شما قربانی شدید"، "اینترنشنال"، «جسورانه، رفقا، در گام» و به خصوص تارت «ما را، بودونی، شجاعانه به نبرد هدایت کن» همراه با «مرغ سرخ شده» برای بیش از 15 دقیقه، سرگرمی بسیار خوبی را برای نسل متوسط و قدیمی به ارمغان آورد که هنوز این آهنگ ها را به خاطر دارند.
بس است، وقت کودا فرا رسیده است - ناگهان طبق همه قوانین، فوگاتویی از گروه های فردی به وجود آمد. و برای دسر: "ما آهنگر هستیم و روح ما جوان است" به علاوه "لوکوموتیو ما، به جلو پرواز کن!"
نمره به صورت پیچیده و غنی نوشته شده است. و بدون هادی ترک نکردند! تغذیه فعال سر و کمان همراهان گروه، به رهبری مارینا کاتارژنوا، نوازنده اول، کافی بود.
بی حوصله ها و شکاکان می توانند کلاس ارکستر را بعد از وقفه بررسی کنند. بتهوون اوورتور "اگمونت". جزء اصلی اشتراک های آموزشی سمفونیک. و در حال حاضر "کارت تلفن" Persimfans جدید.
عیب یابی غیرممکن بود، همه چیز سر جای خود بود - قدرت و خلوص بادها، سیم های یکپارچه، تفاوت های ظریف، شتاب نهایی، احساس پرواز آزاد ملودی بتهوون.
گریگوری کروتنکو. عکس – ایرا پولیارنایا پس از کلاسیک متاخر - پیشرو رمانتیسم، بتهوون، مورد علاقه لنین برای "موسیقی غیرانسانی" خود، یک کشف دیگر. ارکستر مجلسی که توسط برنج و سازهای کوبه ای سنگین فلوت جادویی تقویت شده بود، موسیقی اصلی ادموند مایزل را برای اولین نمایش کشتی جنگی پوتمکین اثر آیزنشتاین در برلین در سال 1926 نواخت.
پرده های پنجم و ششم فیلم با علامت گذاری نویسنده به ما ارائه شد. از تصویر سرکوب ناآرامی توسط ارتش وحشیانه تزاری و قزاق ها در اودسا در سال 1905، از طریق شورش در کشتی، که با عبور پوتمکین از اسکادران دریاسالار بدون شلیک گلوله به پایان رسید.
عکس های یک کالسکه در حال سقوط با یک نوزاد یا برافراشتن پرچمی با رنگ قرمز بر روی دکل یک کشتی جنگی شورشی که تا حد کتاب های درسی فرسوده شده بود، انگار برای اولین بار به نظر می رسید.
موسیقی مایزل که از نظر گرافیکی سختگیرانه، در موسیقی لطیف خود قوی است، اینجا و اکنون، با تقلید از گلوله های توپ، تأیید می کند: تصادفی نیست که فیلم "نبرد کشتی پوتمکین" به عنوان یک شاهکار در مقیاس جهانی شناخته می شود. چه برنامه های بزرگی
چه ویرایش و پویایی، با کمبود کامل ترفندهای فنی در آن زمان. و اگرچه فیلمنامه آیزنشتاین از حقیقت تاریخی وقایع 1905 در اودسا دورتر است تا درام "اگمونت" گوته از سرنوشت یک شمارش واقعی از قرن شانزدهم، که در آستانه انقلاب بورژوایی در هلند زندگی می کرد، " من بر سر این داستان اشک خواهم ریخت.»
و چگونه می تواند غیر از این باشد، اگر 14 دسامبر، تاریخ قیام دکبریست ها باشد. ورود ناموفق به میدان سنا توطئه گران نجیب و جنایتکاران بالقوه یا "دریانوردان جوان طوفان آینده"، همانطور که در کودکی به ما می گفتند؟
پس از سرگرم کردن عاشقان اصلاح ناپذیر، برنامه عصر با چند عدد کنایه آمیز در آستانه یک اسکیت هوشیار شد. جولیوس میتوس، که بیشتر به خاطر اپرای پس از جنگش «گارد جوان» شهرت داشت، در جوانی به طرز ماهرانه‌ای آثار «دانمارکی» را نوشت.
«ضربه‌های کمونار» یک مونولوگ گسترده برای خواننده و پیانو در سبک تراژیک است. اما به لطف آوازهای عجیب و غریب گریگوری کروتنکو، ترحم اپوس به تمسخر تبدیل شد.
کنترباسیست فاضل، روزنامه نگار با استعداد موسیقی و مجری رادیو، تنور-باریتون یا باریتون-تنور خوبی دارد. یادداشت های فردی تقریباً اپرایی به نظر می رسید! اما از آنجایی که کروتنکو مدرسه آوازی ندارد، افتادن به عنوان یک "جسد" زیر پیانو در پایان عاشقانه در کنار "ایلیچ" یک نتیجه منطقی است.
اندریک تسیسرناکی، الکسی وروبیوف، پیتر آیدو، گریگوری کروتنکو. عکس – ایرا پولیارنایا بیانیه ملودیک "درباره مرگ ایلیچ" بر روی "جسد لنین" دراز کشیده توسط بازیگر دراماتیک آندری تسیسرناکی که با شیک تمام شب و نقش یک خواننده سبک رترو را با آکوردهای غم انگیز پیانو توسط پیتر آیدو اجرا کرد. اپیزود "نوازندگان شوخی می کنند" را تکمیل کرد.
مجموعه سمفونیک جولیوس مایتوس "در دنپروستروی" (op. 1932) - پایان برنامه. بیشترین بخش ارکستر درگیر بود و کیت درام اضافه شد. آنها به شدت، با صدای بلند، با لذت از جسارت خود بازی می کردند. در طول میله های پایانی، همه نوازندگان در حالی که ایستاده بودند، شیپور می زدند و کمان های خود را تکان می دادند و بر آپوتئوزیس ساخت «فولکلور» تأکید می کردند.
تماشاگران وحشی شدند، با انرژی جوان پر شدند و رها نکردند. این کنسر یک کنسرتو پیانو از موسولف بود. پیتر آیدو بار دیگر نه تنها رهبری، بلکه کلاس پیانیستی را نیز نشان داد.
چنین پانورامای انقلابی در یک کنسرت نه تنها در دوران شوروی، بلکه بلافاصله پس از فروپاشی اتحادیه غیرقابل تصور بود، زمانی که یک شبه همه چیز بزرگ و مقدس وحشتناک و شرم آور شد. در سال 1992، یکی از دوستان فرانسوی که ناگهان شروع به خواندن "اینترنشنال" در مرکز مسکو کرد "چون موسیقی را دوست دارم" می خواست دهان خود را بپوشاند تا کتک نخورد.
میانگین سنی شرکت کنندگان در Persimfans 30+ است. این نسل دیگر کراوات های پیشگام نبستند، "تاریخ CPSU" را مطالعه نکردند و در مورد "کمیسرانی با کلاه های غبارآلود" آواز نخواندند. شاید این دیدگاه آنها از سال 1917 است که عینی تر باشد؟
100 سال زمان کافی برای درک و پذیرش واقعیت ها با همه تنوع آنهاست. هنگامی که آخرین شاهدان زنده به دنیای دیگری رفتند و تمام خاطرات شاهدان عینی نوشته شد، می توان این تاریخ مهم را با یک کنسرت بسیار شیطنت آمیز با عناصر هولیگانیسم "موسیقی غیرانسانی" جشن گرفت.
تاتیانا الگینا
کلمه "سمفونی"از یونانی به عنوان "همخوانی" ترجمه شده است. و در واقع، صدای بسیاری از سازها در یک ارکستر را تنها زمانی می توان موسیقی نامید که با هم باشند و هر کدام به تنهایی صدا تولید نمی کنند.
در یونان باستان، این نام برای ترکیبی دلپذیر از صداها بود که با هم آواز می خواندند. در روم باستان، یک گروه یا ارکستر به این شکل نامیده می شد. در قرون وسطی به طور کلی موسیقی سکولار و برخی از آلات موسیقی سمفونی نامیده می شد.
این کلمه معانی دیگری دارد، اما همه آنها معنای اتصال، دخالت، ترکیب هماهنگ را دارند. به عنوان مثال، سمفونی را اصل رابطه بین کلیسا و قدرت سکولار تشکیل شده در امپراتوری بیزانس نیز می نامند.
اما امروز ما فقط در مورد یک سمفونی موسیقی صحبت خواهیم کرد.
انواع سمفونی
سمفونی کلاسیک- این یک اثر موسیقایی به صورت دوره ای سونات است که برای اجرای ارکستر سمفونیک در نظر گرفته شده است.
یک سمفونی (علاوه بر یک ارکستر سمفونیک) ممکن است شامل یک گروه کر و آواز باشد. سمفونی - سوئیت، سمفونی - راپسودی، سمفونی - فانتزی، سمفونی - تصنیف، سمفونی - افسانه، سمفونی - شعر، سمفونی - مرثیه، سمفونی - باله، سمفونی - سمفونی - درام و تئاتر به عنوان تئاتر وجود دارد.
یک سمفونی کلاسیک معمولاً دارای 4 موومان است:
قسمت اول - در سرعت سریع(الگرو ) ، به صورت سونات;
قسمت دوم - در با سرعت کم، معمولاً به شکل واریاسیون، روندو، سونات روندو، پیچیده سه حرکتی، کمتر به شکل سونات.
قسمت سوم - اسکرو یا مینوئت- به صورت سه قسمتی da capo با سه نفر (یعنی طبق طرح A-trio-A)؛
قسمت چهارم - در سرعت سریع، به صورت سونات، به شکل سونات روندو یا روندو.
اما سمفونی هایی با قطعات کمتر (یا بیشتر) وجود دارد. سمفونی های تک موومانی نیز وجود دارد.
برنامه سمفونیسمفونی با محتوایی خاص است که در برنامه آمده یا در عنوان بیان شده است. اگر سمفونی عنوانی داشته باشد، این عنوان حداقل برنامه است، به عنوان مثال، "Symphony Fantastique" اثر G. Berlioz.
از تاریخچه سمفونی
خالق فرم کلاسیک سمفونی و ارکستراسیون محسوب می شود هایدن.
و نمونه اولیه سمفونی ایتالیایی است اورتور(یک قطعه ارکستر آلی که قبل از شروع هر اجرا اجرا می شود: اپرا، باله)، که در پایان قرن هفدهم توسعه یافت. سهم قابل توجهی در توسعه سمفونی توسط موتزارتو بتهوون. این سه آهنگساز «کلاسیک وینی» نامیده می شوند. کلاسیک های وینی نوع بالایی از موسیقی دستگاهی را ایجاد کردند که در آن تمام ثروت محتوای فیگوراتیو در یک فرم هنری کامل تجسم یافته است. روند شکل گیری ارکستر سمفونیک - ترکیب دائمی آن و گروه های ارکستر - نیز با این زمان مصادف شد.
V.A. موتزارت
موتزارتاو به تمام اشکال و ژانرهایی که در عصر خود وجود داشت می نوشت؛ او برای اپرا اهمیت خاصی قائل بود، اما به موسیقی سمفونیک نیز توجه زیادی داشت. با توجه به این واقعیت که او در طول زندگی خود به طور موازی روی اپرا و سمفونی کار می کرد، موسیقی دستگاهی او با آهنگین بودن یک آریا اپرا و درگیری دراماتیک متمایز می شود. موتزارت بیش از 50 سمفونی خلق کرد. محبوب ترین آنها سه سمفونی آخر بودند - شماره 39، شماره 40 و شماره 41 ("مشتری").
K. Schlosser "بتهوون در حال کار"
بتهوون 9 سمفونی خلق کرد، اما از نظر توسعه فرم سمفونیک و ارکستراسیون، می توان او را بزرگترین آهنگساز سمفونیک دوره کلاسیک نامید. در سمفونی نهم او که مشهورترین سمفونی است، تمام بخش‌های آن با یک موضوع متقاطع در یک کل ترکیب شده‌اند. در این سمفونی، بتهوون قطعات آوازی را معرفی کرد و پس از آن آهنگسازان دیگر شروع به انجام این کار کردند. در قالب یک سمفونی یک کلمه جدید گفت آر. شومان.
اما در حال حاضر در نیمه دوم قرن نوزدهم. فرم های سخت سمفونی شروع به تغییر کردند. سیستم چهار بخشی اختیاری شد: ظاهر شد یک قسمتسمفونی (میاسکوفسکی، بوریس چایکوفسکی)، سمفونی از 11 قسمت(شوستاکوویچ) و حتی از 24 قسمت(هوانس). فینال کلاسیک با سرعت تند با فینال آهسته جایگزین شد (سمفونی ششم P.I. چایکوفسکی، سمفونی سوم و نهم مالر).
نویسندگان سمفونی ها عبارتند از: F. Schubert, F. Mendelssohn, J. Brahms, A. Dvorak, A. Bruckner, G. Mahler, Jean Sibelius, A. Webern, A. Rubinstein, P. Tchaikovsky, A. Borodin, N. ریمسکی-کورساکوف، N. Myaskovsky، A. Scriabin، S. Prokofiev، D. Shostakovich و دیگران.
ترکیب آن، همانطور که قبلاً گفتیم، در عصر کلاسیک های وینی شکل گرفت.
اساس یک ارکستر سمفونیک چهار گروه ساز است: رشته های کمان دار(ویولن، ویولا، ویولن سل، کنترباس)، بادهای چوبی(فلوت، ابوا، کلارینت، فاگوت، ساکسیفون با انواع مختلف آنها - ضبط باستانی، شال، شالمو و غیره، و همچنین تعدادی از سازهای عامیانه - بالابان، دودوک، ژالیکا، فلوت، زورنا) برنجی(شاخ، ترومپت، کرنت، فلوگل هورن، ترومبون، توبا)، طبل ها(تیمپانی، زیلوفون، ویبرافون، زنگ، طبل، مثلث، سنج، تنبور، کاستنت، تام تام و دیگران).
گاهی اوقات سازهای دیگری در ارکستر گنجانده می شود: ساز چنگ، پیانو، عضو(آل موسیقی کیبورد-بادی، بزرگترین نوع آلات موسیقی)، سلستا(یک آلت موسیقی کوبه ای کیبورد که شبیه پیانو است و صدایی شبیه زنگ دارد) هارپسیکورد.
هارپسیکورد
بزرگیک ارکستر سمفونیک می تواند حداکثر 110 نوازنده داشته باشد ، کم اهمیت- بیش از 50 نیست.
رهبر ارکستر تصمیم می گیرد که چگونه ارکستر را بنشیند. تنظیم نوازندگان در یک ارکستر سمفونیک مدرن با هدف دستیابی به صدایی منسجم است. در 50-70 سال. قرن XX فراگیر شد "نشستن آمریکایی":ویولن های اول و دوم در سمت چپ هادی قرار می گیرند. در سمت راست ویولا و ویولن سل قرار دارند. در اعماق بادهای چوبی و بادهای برنجی، کنترباس وجود دارد. در سمت چپ طبل ها هستند.
چیدمان صندلی نوازندگان ارکستر سمفونیک
در شبی که در تالار بزرگ کنسرواتوار برگزار شد، ارکستر سمفونیک بدون رهبر ارکستر آثار مختلفی از دهه 1910 تا 1930، از کنسرتو ویولن معروف پروکوفیف تا "کانتاتا" دانیل خارمس را به طرز درخشانی نواخت.
نام پر صدا "Persimfance" مخفف "First Symphonic Ensemble" است. تفاوت بین گروه و ارکستر این است که برخلاف قوانین اساساً بدون رهبر می نوازد. چنین گروهی در سال 1922 در مسکو توسط نوازندگان جوانی ایجاد شد که آرزوی انتقال آرمان های کمونیستی را به چنین هدف بورژوایی مانند موسیقی سمفونیک داشتند. شگفت انگیزترین چیز این است که آنها موفق شدند: طبق بررسی معاصران، Persimfans پیچیده ترین آثار رپرتوار کلاسیک را با هارمونی و قدرت شگفت انگیز اجرا کرد. اما تا سال 1933، نشان دادن امکان حل مشکلات پیچیده توسط یک تیم بزرگ بدون رهبری فردی حساس تا حدودی نابهنگام شد - و Persimfans منحل شد.
وقتی هرکس رهبر خودش باشد...
در سال 2009 با تلاش همان باستان گرایان آوانگارد جوان با آموزش کنسرواتوار، در درجه اول پیانیست پیتر آیدو و کنترباسیست گریگوری کروتنکو احیا شد. با این حال، زمینه در قرن 21 متفاوت است. نه آنقدر سیاسی که موسیقی. از این گذشته، گروه‌های جاز «پست باپ» و به‌ویژه گروه‌های پراگ راک، مانند کینگ کریمسون، به ما آموختند که موسیقی «پیچیده» را می‌توان بدون نت بر روی غرفه‌های موسیقی و رهبر ارکستر در غرفه پخش کرد - اما با دوز مناسبی از موسیقی. تئاتری بودن این دقیقاً همان چیزی است که در کنسرت Persimfans جدید در 9 آوریل 2017 در چنین ارگ آکادمیک مانند تالار بزرگ کنسرواتوار مسکو آشکار شد. با این حال، برنامه نسبتاً آوانگارد بود. شعر سمفونیک شرقی "حشیش" اثر سرگئی لیاپانوف (1913) بر اساس شعری به همین نام از آرسنی گولنیشچف-کوتوزوف، اولین کنسرتو ویولن سرگئی پروکوفیف (1917)، سوئیت سمفونیک "On the Dneprostroy" به نمایش درآمد. Meitus (1932) و کانتات Daniil Kharms (!) "رستگاری" (1934).
Persimfans با Dneprostroy شروع کرد. نویسنده سوئیت به عنوان یک رئالیست واقعی سوسیالیست شناخته می شود، نویسنده اپراهای فراموش شده "برادران اولیانوف"، "ریچارد سورژ"، "یاروسلاو حکیم". اما در دهه 1920، این او بود که اولین گروه جاز را در اوکراین ایجاد کرد و تنها آهنگساز "جدی" بود که به چیزهای آوانگاردی مانند "ارکسترهای نویز پرولتری" علاقه مند بود - بسیار جلوتر از "نویز" و "صنعتی". ” دوران الکترونیک! در مجموعه 1932 که به ندرت اجرا می شد، این علایق به طور مستقیم بیان شد. و بله، واقعاً گاهی اوقات شبیه راک پروگ به نظر می رسید. نه روی گیتار و سینت سایزر، بلکه بر روی سازهای یک ارکستر بزرگ سمفونیک، از چنگ تا درام. این اثر عجیب حتی بیشتر در اثر "برنامه ریزی نشده" Meitus که قبلاً در برنامه اعلام نشده بود - یک سخنرانی کوچک برای خواننده با ارکستر "مرگ ایلیچ" آشکار شد.
اما با قرار دادن کنسرتو ویولن پروکوفیف در برنامه، Persisfans، البته، تا حد زیادی "جایگزین" شد. این کنسرت توسط بهترین نوازندگان ویولن با بهترین رهبران ضبط شده است. اما ویولونیست Asya Sorshneva که با وجود جوانی مدیر هنری جشنواره Lege Artis در شهر Lech am Alberg اتریش است و Persimfans کاملاً در برابر "رقابت" مقاومت کرد. تفسیر آنها از یکی از شاهکارهای مدرنیسم گاهی غیرمنتظره، اما همیشه قانع کننده بود.
همین را می توان در مورد نمونه ای از شرق شناسی پیش از انقلاب گفت - "شعر سمفونیک شرقی لیاپانوف" که در طرح شعر کوتاهی به همین نام توسط A.A. نوشته شده است. گولنیشچف-کوتوزوف، شاعر و افسر. قبل از شروع موسیقی، آندری املیانوف-تسیسرناکی بازیگر به صورت مخفف اجرا می شد که نقش قاری و سرگرم کننده را بر عهده گرفت. این شعر خواب های مست کننده یک سیگاری فقیر را توصیف می کند که در آن یا به بهشت عروج می کند یا به جهنم افکنده می شود. اکنون، البته، این اثر تند نه چندان "شرقی" بلکه "روانگردان" تلقی می شود - شنوندگان را نه به آسیای مرکزی قرن نوزدهم، بلکه به کالیفرنیای دهه 1960 منتقل می کند ...
کنسرت در تالار بزرگ هنرستان جهشی به عصر افسانه ای دهه 1920 است.
آخرین قطعه کنسرت تقریباً یک انکور است. خرمس البته کانتات را با یادداشت ترک نکرد. او جدولی را با متون چهار نفره و دستورالعمل های "فنی" بسیاری مشخص کرد که بر اساس آن آهنگساز مدرن آندری سمنوف متن را "هماهنگ" کرد. پرسیمفان این اثر را که درباره غرق شدن دو دختر در دریا و دو نجات دهنده شجاع است (آب می گذرد، پک پک پک پک پک و من دوست دارم-عاشق-دوست دارم!) را به عنوان یک قطعه کرال اجرا کردند. به 4 گروه تقسیم می شود
و سپس، هنگامی که نوازندگان سازهای خود را زمین گذاشتند و روبه روی تماشاگران ایستادند و چهره های جوان و قرمز روشن خود را به نمایش گذاشتند که اصلاً لباس آکادمیک نبود، کاملاً مشخص شد: اگرچه کنسرت در BZK یک "عمل مسافرتی" در نظر گرفته می شود. جشنواره Lege Artis، در واقع یک جهش در دوران افسانه ای دهه 1920 است. به تعبیر یک شاعر آن زمان: آوانگارد، جوانان جهان است و باید توسط جوان اجرا شود!
مرز بین نویز و موسیقی ذهنی است: افرادی که موسیقی کلاسیک را دوست دارند موسیقی پاپ را نویز می نامند و برعکس - کسانی که موسیقی سبک را دوست دارند کارهای آکادمیک را به عنوان نویز غیرقابل درک درک می کنند.
اگر هر دو نوع صدا را در یک هواپیما تصور کنیم، صدای موسیقی، لحن، مانند یک نوسان کاملاً دوره ای به نظر می رسد و نویز آشفته به نظر می رسد. در طبیعت، سر و صدا و صدا با یکدیگر همزیستی دارند. فقط انسان آنها را طبقه بندی می کند.
نزدیک به قرن نوزدهم، در دوران رمانتیسم، صداهای نویز به عنوان رنگ های موسیقی وارد موسیقی کلاسیک اروپایی شدند. در آغاز قرن بیستم، زمانی که زبان موسیقی موجود به بن بست رسید، هنرمندان مبتکر در سروصدا فرصتی برای انسان مدرن برای برقراری ارتباط با دنیای خارج دیدند. در میان آینده پژوهی روسی، ایده هایی برای وارد کردن موسیقی به تولید (به گونه ای که تأثیر محرک بر کارگران داشته باشد) و از طرف دیگر، ماشین ها در موسیقی (برای مثال ایجاد سمفونی بر اساس صداهای کارخانه ها). از اواسط دهه 1920، حتی در میان دانش آموزان مدرسه و پیشگامان، ارکسترهای نویز بسیار محبوب شدند، جایی که کل زندگی اطراف به صدا درآمد.
در اوایل دهه 1930، با ظهور سینمای صدا، آزمایش هایی با نویز در سینما ظاهر شد. همزمان، موسیقی تجربی در غرب در حال ظهور است که عمدتاً با نام‌های جان کیج، پیر شفر، ادگارد وارز مرتبط است، که بازتاب زیادی در موضوع نویز دارد. پس از جنگ در مکه هنرمندان مدرن آوانگارد - دارمشتات در آلمان، این آزمایشات حتی منجر به نوعی تابو در اصوات موسیقی سنتی (به معنای روزمره) شد: آنها شروع به استخراج هر گونه صدایی از سازهای غیر از صدای واقعی کردند. موزیکال ها بنابراین، حرکت کمان در طول رشته با حرکت کمان در طول رشته جایگزین می شود، یا خود کمان با یک تکه پلاستیک فوم جایگزین می شود. از قسمت های مختلف ساز برای استخراج انواع نویز و غیره استفاده می شود.
تمایز بین ساز و غیر ساز شروع به محو شدن کرد و تمام دنیا به نوعی ساز تبدیل شد. برای یک نوازنده، هر صدایی (از جمله نویز) به سادگی تبدیل به وسیله ای برای بیان شده است.
خلاصه
ما با ایده های کلیشه ای زیادی در مورد موسیقی کلاسیک مواجه می شویم.
افسانه شماره 1: کلاسیک اوج موسیقی است.بر اساس این افسانه، موسیقی کلاسیک اروپایی اوج تکامل هنر موسیقی است. در واقع، علاوه بر اروپایی، چندین سنت موسیقی کلاسیک دیگر نیز به موازات آن وجود دارد: کلاسیک ایرانی، عربی، چینی که مدت‌هاست تغییر نکرده‌اند.
افسانه شماره 2: کلاسیک ها یک بار برای همیشه ضبط می شوند.به نظر می رسد وجود نت موسیقایی دلالت بر این دارد که موسیقی به طور قطعی ثابت است و می توان آن را در هر زمانی به راحتی بازتولید کرد. در واقع، نت موسیقی تنها دستورالعمل های مشروط را ارائه می دهد، و تنها با درک کامل بسیاری از شرایط دیگر خلق موسیقی، یک نوازنده می تواند آن را به اندازه کافی بازتولید کند. بنابراین، شنوندگان موسیقی کلاسیک نه به خود اثر، بلکه به تفسیر آن می‌روند. در غیر این صورت هیچ تفاوتی بین یک دانش آموز مدرسه و یک استاد مشهور وجود نخواهد داشت.
افسانه شماره 3: آثار کلاسیک را باید در سالن کنسرت گوش داد.این سنت تنها حدود دویست سال قدمت دارد، اما در حال حاضر در حال مرگ است. وقتی او واقعاً زنده بود، مردم بیشتر موسیقی را برای خودشان پخش می کردند. بعدها، دوستداران موسیقی شروع به تشکیل انجمن ها، استخدام ارکستر و ساخت سالن های کنسرت کردند. این گونه بود که انجمن های فیلارمونیک ظاهر شدند فیلارمونیک- (از یونانی فیلئو - "عشق" و هارمونی - "هماهنگی، موسیقی")..
افسانه شماره 4: درک کلاسیک دشوار است.تقسیم موسیقی به "جدی" و "سبک" در اواسط قرن بیستم منجر به این ایده شد که موسیقی آکادمیک نمی تواند بیهوده باشد و شنونده باید در حال و هوای گوش دادن به چیزی عالی باشد. در واقع موسیقی آکادمیک حاوی چیزهای بیهوده ای نیز هست.
افسانه شماره 5: برای گوش دادن به موسیقی کلاسیک به مهارت های خاصی نیاز دارید.قابل درک است که مجریان اجازه یک نت دروغین را نمی دهند و شنوندگان باید گام مطلق خاصی داشته باشند. در واقع، زیر و بمی مطلق فقط یک نوع حافظه است، توانایی به خاطر سپردن زیر و بم صداها. نوع دیگری از گوش موسیقایی، شنوایی نسبی است، زمانی که فرد فواصل بین نت ها را به خاطر می آورد. این به سادگی یک مهارت است که از طریق تمرین ایجاد می شود.
افسانه شماره 6: همه آثار کلاسیک شاهکارهای آهنگسازان بزرگ هستند.در واقعیت، اتفاق می افتد که یک شاهکار اصلاً متعلق به یک آهنگساز بزرگ نیست و کار یک آهنگساز بزرگ، برعکس، نسبتاً ضعیف است. آهنگسازانی که بزرگ شدند معمولاً با هر چیزی که برجسته‌ترین و نوآورانه‌ترین است اعتبار دارند. به عنوان مثال، باخ را به اختراع و معرفی به اصطلاح خلق و خوی برابر و انگشت گذاری صفحه کلید مدرن نسبت می دهند. در واقع اینطور نیست و در زمان خود باخ یک آهنگساز قدیمی به حساب می آمد. اگر خودمان را در موسیقی فقط به شاهکارها محدود کنیم، درک تفاوت یک شاهکار با یک غیرشاهکار و دلیل شاهکار بودن آن غیرممکن خواهد بود. یک شنونده مدرن ساده بعید است که موتزارت را از سالیری تشخیص دهد.
خلاصه
ایده بازسازی موسیقی فراموش شده و به طور کلی فرهنگ فراموش شده یک ایده مدرنیستی است. در قرن 16-17 چیزی به نام موسیقی اولیه وجود نداشت. بنابراین، یک اپرا معمولاً برای چندین اجرا اجرا می شد و پس از آن یک اجرا جدید نوشته می شد. درست است، اگر در اسناد گذشته کاوش کنید، می توانید نشانه هایی پیدا کنید که برخی از نوازندگان فکر می کردند که می توان موسیقی نوشته شده قبلی را بر روی سازهای معاصر با این آثار پخش کرد. اما به طور کلی، تاریخ کشف موسیقی اولیه از سال 1901 آغاز شد، زمانی که اولین کنسرت انجمن آلات موسیقی اولیه تأسیس شد.
در قرن بیستم، حتی یک مد برای تقلبی از موسیقی باروک وجود داشت. خود این موسیقی به تدریج آشکار شد. بنابراین، ویوالدی تنها مشهور شد
در دهه 20 قرن XX.
در دهه 1960، جنبش اجرای معتبر شروع به توسعه کرد: رهبران آن - گوستاو لئونهارت، نیکولاس هارنوکور، برادران کویکن - این تز را مطرح کردند که موسیقی باید بر روی سازهایی که برای آنها نوشته شده و مطابق با قوانین اجرا شود. از آن دوران، زمانی که موسیقی ساخته شد. آنها شروع به مطالعه آثار نظری، رساله ها و دست نوشته های مؤلف با ویژگی های ضبط مشخص کردند. و بنابراین شما متن را می گیرید، ابزاری را می گیرید که مثلاً موتزارت می نواخت، و زبان آهنگساز شروع به زنده شدن می کند: خود ساز نحوه تلفظ متن موتزارت را دیکته می کند.
به تدریج، جنبش اصیل تقریباً به تمام موسیقی ها گسترش می یابد، نه چندان موسیقی باستان، بلکه موسیقی کلاسیک: بتهوون، چایکوفسکی، مالر. برای اینکه تعادل درونی موسیقی به هم نخورد، شروع به اجرای آن با چنین تصنیف‌هایی و بر روی سازهایی کرد که برای آن ساخته شده بود، بنابراین به تدریج رپرتوار از ارکستر سمفونیک سنتی خارج شد.
خلاصه
به نظر می رسد که یک ارکستر باید رهبر داشته باشد، همانطور که یک ماشین باید راننده داشته باشد. با این حال، رهبر ارکستر تنها در قرن 19 ظاهر شد. می توان در نظر گرفت که تنها با موسیقی سمفونیک بتهوون، دوران رهبری به عنوان یک حرفه جداگانه آغاز شد.
طبیعتاً در هر گروهی همیشه یک رهبر یا چند نفر (معمولاً اولین نوازنده ویولن یا هارپسیکورد) وجود داشت و فعلاً نیازی به فرد جداگانه مسلح به ساز نامفهومی به شکل چوب نبود. اما به تدریج ارکسترها شروع به رشد کردند - تعداد شرکت کنندگان در کنسرت به صدها نفر رسید. در همان زمان ، در عصر رمانتیسم ، فرقه قهرمان ظاهر شد که از بین جمعیت بلند می شود. بنابراین، شخصیتی که در ابتدا نقش فنی به او اختصاص داده شد، حق انحصاری تفسیر را دریافت کرد. به طور کلی، تمام موسیقی های سمفونیک رمانتیسیسم به گونه ای تنظیم شده اند که این شکل از موسیقی سازی راحت و منطقی به نظر می رسد.
با این حال، ارکستر سمفونیک بدون رهبر هنوز امکان پذیر است. این اولین گروه سمفونی یا Persimfans بود. در سال 1922 در مسکو تشکیل شد و بیش از ده سال وجود داشت. نویسنده این ایده Lev Moiseevich Tseitlin، یک ویولونیست برجسته بود؛ نوازندگانی از ارکسترها و تئاترهای مختلف زیر نظر او جمع شدند و اولین کنسرت خود را برگزار کردند.
Persimfans سیستمی را برای اینکه چگونه یک گروه بدون رهبر می‌تواند با هم موسیقی بنوازد را ایجاد کرد: اولاً، یک روش خاص برای نشستن اعضای ارکستر روی صحنه - در یک دایره، تا حدی با پشت به بیننده. ثانیاً، نمادهایی که مکان های کلیدی را در امتیازها مشخص می کردند. در همان اولین کنسرت شانزده تمرین صرف شد و بعد با بهتر شدن روش کار، تمرینات کمتر و کمتر شد و به تدریج برای هر برنامه حدوداً شش تمرین انجام شد.
Persimfans موسیقی سمفونیک را فراتر از محدوده سالن های فیلارمونیک آورد و آن را به عنوان مثال در کف کارخانه اجرا کرد - این یک ایده ابتکاری در روح زمان بود. طبق اصل یک گروه اتاق کار می کرد: همه شرکت کنندگان در این فرآیند از حقوق برابر برخوردار بودند، اگرچه دارایی مسئول انتخاب اثر، مطالعه اولیه امتیاز و توسعه مفهوم اجرا بود.
Persimfans مجله خود را با جزئیات در مورد موسیقی اجرا شده منتشر کرد، پرسشنامه هایی را توزیع کرد که در آن نظر مخاطبان را می پرسید - این یک سازمان موسیقی کامل با فلسفه و سبک خاص خود بود. در سال 1927، این Persimfans بود که پروکوفیف را به اتحاد جماهیر شوروی آورد. لوناچارسکی عنوان گروه افتخاری جمهوری را به این گروه اعطا کرد و دولت یک جایزه نقدی - اولین و آخرین حمایت دولت - اختصاص داد.
در سال 1929، زمانی که لوناچارسکی برکنار شد، حامیان حزب گروه شروع به از دست دادن پست های خود یکی پس از دیگری کردند: معلوم شد که اعضای حزب که با پرسیمفان ها همدردی می کردند، مخالفان استالین در مورد زمین بودند. در سال 1930 همه این افراد از رهبری برکنار شدند، سپس دادگاه های معروف شروع شد و مشخص شد که پایان پرسیمفانس ها دور از دسترس نیست.
علاوه بر این، شرایط کار نوازندگان در مکان های اصلی خود به تدریج به گونه ای شد که آنها به سادگی فرصت تمرین نداشتند و در نهایت تصمیم به پراکندگی گرفتند.
در سال 2008، فعالیت Persimfans در مسکو از سر گرفته شد.