زنی با گربه 1875

نقاش، گرافیست و مجسمه ساز فرانسوی، یکی از نمایندگان اصلی امپرسیونیسم. رنوار در درجه اول به عنوان استاد یک پرتره سکولار شناخته می شود، نه خالی از احساسات. او اولین کسی از امپرسیونیست ها بود که با پاریسی های ثروتمند موفق شد. در اواسط دهه 1880. در واقع از امپرسیونیسم گسست و به خطی بودن کلاسیکیسم بازگشت به انگریسم.

سلف پرتره. 1876

آگوست رنوار در 25 فوریه 1841 در لیموژ، شهری واقع در جنوب فرانسه مرکزی به دنیا آمد. رنوار ششمین فرزند یک خیاط فقیر به نام لئونارد و همسرش مارگریت بود.

پرتره مادر رنوار. 1860

در سال 1844، خانواده رنوار به پاریس نقل مکان کردند و در اینجا آگوست وارد گروه کر کلیسای کلیسای جامع سنت یوستا شد. او چنان صدایی داشت که مدیر گروه کر، چارلز گونود، سعی کرد والدین پسر را متقاعد کند که او را برای تحصیل موسیقی بفرستند. با این حال، علاوه بر این، آگوست موهبت یک هنرمند را نشان داد و زمانی که 13 سال داشت، با استخدام شدن نزد استادی که از او نقاشی بشقاب چینی و سایر ظروف را آموخت، به کمک خانواده خود پرداخت. عصرها، آگوست در یک مدرسه نقاشی شرکت می کرد.

رقص در Bougival. 1883

در سال 1865، در خانه دوستش، هنرمند ژول لوکور، با دختری 16 ساله به نام لیزا ترئو آشنا شد که به زودی معشوق رنوار و مدل مورد علاقه او شد. در سال 1870، دختر آنها ژان مارگریت به دنیا آمد، اگرچه رنوار از اعتراف رسمی پدری او خودداری کرد. رابطه آنها تا سال 1872 ادامه یافت، زمانی که لیزا رنوار را ترک کرد و با دیگری ازدواج کرد.

سلف پرتره. 1875

کار خلاقانه رنوار در سالهای 1870-1871 متوقف شد، زمانی که او در طول جنگ فرانسه و پروس به ارتش فراخوانده شد، که با شکست سخت برای فرانسه به پایان رسید.

رقص در حومه شهر. 1883

پرتره آلین شاریگو، همسر رنوار، احتمالاً زمانی که خانواده در حومه شهر در شرق فرانسه بودند، کشیده شده است. 1885

در سال 1890، رنوار با آلینا شاریگوت ازدواج کرد که ده سال قبل، زمانی که او یک خیاط 21 ساله بود، با او آشنا شده بود.

مادر شدن 1886

آنها قبلاً یک پسر به نام پیر متولد 1885 داشتند و پس از عروسی صاحب دو پسر دیگر شدند - ژان متولد 1894 و کلود (معروف به "کوکو") که در سال 1901 متولد شد و یکی از محبوب ترین پدرهای مدل شد. .

نقاشی ژان رنوار. 1901

تا زمانی که خانواده او در نهایت تشکیل شد، رنوار به موفقیت و شهرت دست یافت، به عنوان یکی از هنرمندان برجسته فرانسه شناخته شد و موفق شد عنوان شوالیه لژیون افتخار را از ایالت دریافت کند.

خانواده این هنرمند 1896

شادی شخصی و موفقیت حرفه ای رنوار تحت الشعاع بیماری قرار گرفت. در سال 1897، رنوار پس از سقوط از دوچرخه، دست راست خود را شکست. در نتیجه به بیماری روماتیسم مبتلا شد که تا پایان عمر از آن رنج می برد. روماتیسم زندگی رنوار را در پاریس دشوار کرد و در سال 1903 خانواده رنوار به ملکی به نام "کولت" در شهر کوچک کاگن سور-مر نقل مکان کردند.

سلف پرتره. 1899

پس از یک حمله فلج که در سال 1912 رخ داد، علی‌رغم دو عمل جراحی، رنوار را به ویلچر زنجیر کردند، اما با قلم مویی که توسط یک پرستار بین انگشتانش قرار داده بود به نقاشی ادامه داد.

آگوست رنوار. خود پرتره. 1910

رنوار در آخرین سال های زندگی خود به شهرت و شهرت جهانی دست یافت. در سال 1917، هنگامی که "چترهای" او در گالری ملی لندن به نمایش گذاشته شد، صدها هنرمند انگلیسی و هنردوستان عادی به او تبریک گفتند: "از لحظه ای که نقاشی شما در یک ردیف با آثار استادان قدیمی آویزان شد. ، ما این لذت را تجربه کردیم که معاصر ما جایگاه شایسته خود را در نقاشی اروپایی گرفت.

چتر. 1883

نقاشی رنوار نیز در موزه لوور به نمایش گذاشته شد و در اوت 1919 این هنرمند برای آخرین بار از پاریس دیدن کرد تا به آن نگاه کند.

سلف پرتره. 1910

در 3 دسامبر 1919، پیر آگوست رنوار بر اثر ذات الریه در سن 78 سالگی در Cagnes-sur-Mer درگذشت. در Essua به خاک سپرده شد.

دسته گل بهاری. 1866

ایجاد

انتخاب ژانرها 1862-1873

در اوایل سال 1862، رنوار امتحانات مدرسه هنرهای زیبا را در آکادمی هنر گذراند و در استودیوی گلیر ثبت نام کرد. در آنجا با فانتین لاتور، سیسلی، باسیل و کلود مونه آشنا شد. به زودی آنها با سزان و پیزارو دوست شدند، بنابراین ستون فقرات گروه امپرسیونیست آینده تشکیل شد.

کامیل مونه. 1873

رنوار در سال‌های اولیه‌اش تحت تأثیر کارهای باربیزون‌ها، کوروت، پرودون، دلاکروا و کوربه قرار گرفت.

در تابستان 1868

در سال 1864، گلیر کارگاه را بست، آموزش به پایان رسید. رنوار شروع به نقاشی اولین بوم های خود کرد و سپس برای اولین بار نقاشی "اسمرالدا در حال رقص در میان ولگردها" را به سالن ارائه داد. او پذیرفته شد، اما وقتی بوم به او بازگردانده شد، نویسنده آن را از بین برد.

پرتره سیسلی ها. 1868

استخر پارویی. 1869

او با انتخاب ژانرهایی برای آثارش در آن سال ها، تا پایان عمر تغییری در آنها ایجاد نکرد. این یک منظره است - "ژول لو کور در جنگل فونتنبلو" (1866)، صحنه های روزمره - "قورباغه" (1869)، "پونت نوف" (1872)، طبیعت بی جان - "دسته گل بهار" (1866)، " طبیعت بی جان با یک دسته گل و یک فن" (1871)، پرتره - "لیزا با یک چتر" (1867)، "اودالیسک" (1870)، برهنه - "دیانا شکارچی" (1867).

اودالیسک. 1870

طبیعت بی جان با دسته گل و پنکه. 1871

در سال 1872، رنوار و دوستانش شرکت تعاونی ناشناس را ایجاد کردند.

مادمازل سیکو. 1865

مادام کلمنتین والنسی استورا. 1870

کامیل مونه. 1872

مادام ادوارد برنیر. 1871

زنی با طوطی. 1871

رافا ماتر.1871

چتر غیر ضروری 1872

رانندگی به Bois de Boulogne. 1873

مبارزه برای به رسمیت شناختن 1874-1882

اولین نمایشگاه این مشارکت در 15 آوریل 1874 افتتاح شد. رنوار پاستیل و شش نقاشی ارائه کرد که از جمله آنها "رقصنده" و "لژ" (هر دو - 1874) بود. این نمایشگاه با شکست به پایان رسید و اعضای این مشارکت یک نام مستعار توهین آمیز دریافت کردند - "امپرسیونیست".

کلبه. 1874

این نقاشی یک زن (در پیش زمینه) و یک مرد (در پس زمینه) را نشان می دهد که در یک جعبه اپرا نشسته اند. برادر رنوار، ادموند رنوار، روزنامه‌نگار و نینی لوپز، مدل مونت‌مارتری، برای این عکس ژست گرفته‌اند.

زن خندان. پرتره مادام پچی. 1875

زن ماهی. 1875

مادام ویکتور شوکت. 1875

با وجود فقر، در این سال ها بود که این هنرمند شاهکارهای اصلی خود را خلق کرد: بلوارهای بزرگ (1875)، پیاده روی (1875)، توپ در مولن د لا گالت (1876)، برهنه (1876)، برهنه در نور خورشید (1876) )، "تاب" (1876)، "اولین عزیمت" (1876/1877)، "مسیر در چمن بلند" (1877).

توپ در مولن د لا گالت. 1876

تاب خوردن. 1876

پرتره مادام آلفونس داودت. 1876

برهنه 1876

زن جوانی که موهایش را می بافد. 1876

رنوار به تدریج شرکت در نمایشگاه های امپرسیونیست ها را متوقف کرد. در سال 1879، او پرتره تمام‌پیکر از ژان ساماری (1878) و پرتره مادام شارپنتیه با بچه‌ها (1878) را در سال 1879 به سالن ارائه کرد و به رسمیت شناخته‌شده جهانی و پس از آن استقلال مالی دست یافت. او به نوشتن بوم های جدید ادامه داد - به ویژه، معروف "بلوار کلیشی" (1880)، "صبحانه پاروزنان" (1881)، "روی تراس" (1881)، که معروف شد.

دختر جوان در حال خواندن کتاب 1876

پرتره مادام شارپنتیه. 1877

پرتره ژان سامری بازیگر. 1877

پرتره ژان سامری بازیگر. 1878

یک فنجان شکلات. 1878

در خفا. 1878

پرتره آلفونسین پچی. 1879

پاروزنان شام در سواحل رودخانه. 1879

زن جوانی که خیاطی می کند. 1879

پرتره ترزا برارد. 1879

نزدیک دریاچه. 1880

صبحانه پاروزنان. 1881

این نقاشی در رستوران Fournaise، واقع در جزیره ای در رودخانه سن، واقع در Chatou، کمی غرب پاریس، کشیده شده است. رنوار این مکان را دوست داشت - نه تنها "صبحانه پاروزنان" در اینجا نقاشی شده است، بلکه برخی نقاشی های دیگر نیز در اینجا نقاشی شده است. در واقع، تصویر یک پرتره گروهی از یک جلسه دوستان است. یک فضای شاد و آرام حاکم است، هیچ شکوهی وجود ندارد، همه در حالت های طبیعی و تصادفی هستند. در پشت نرده، فضای سبز انبوهی دیده می شود، که از آن سوی رودخانه سن می نگرد.رنوار در این نقاشی بسیاری از دوستان و آشنایان خود را به تصویر کشیده است.

دو خواهر (در تراس). 1881

آلبر کان، آهنگساز اپرا فرانسوی. 1881

دختر با فن 1881

دختران سیاه پوش 1881

پرتره آلفرد برارد با سگش. 1881

خیاطی ماری ترز دوراند روئل. 1882

"دوره انگروف" 1883-1890

رنوار به الجزایر و سپس به ایتالیا سفر کرد و در آنجا از نزدیک با آثار کلاسیک رنسانس آشنا شد و پس از آن ذائقه هنری او تغییر کرد. رنوار مجموعه ای از نقاشی های "رقص در دهکده" (1882/1883)، "رقص در شهر" (1883)، "رقص در بوگیوال" (1883) و همچنین بوم هایی مانند "در باغ" (1885) کشید. ) و "چترها" (1881/1886)، که در آن گذشته امپرسیونیستی هنوز قابل مشاهده است، اما رویکرد جدید رنوار به نقاشی ظاهر می شود.

دختری با کلاه حصیری. 1884

به اصطلاح "دوره انگرس" باز می شود. مشهورترین اثر این دوره غسلان بزرگ (1884/1887) است. برای ساخت ترکیب، نویسنده ابتدا از طرح ها و طرح ها استفاده کرد. خطوط نقاشی مشخص و مشخص شد. رنگ ها درخشندگی و اشباع قبلی خود را از دست دادند، نقاشی به طور کلی آرام تر و سردتر به نظر می رسید.

حمام کننده های بزرگ 1884-1887.

سه زن برهنه در پیش زمینه به تصویر کشیده شده اند - دو نفر در ساحل هستند و سومی در آب ایستاده است و ظاهراً قصد دارد آنها را اسپری کند. چهره های زنان بسیار واضح و واقع گرایانه نوشته شده اند که سبک مشخصی برای این دوره از کار رنوار بود که دوره «خشک» یا «اینگر» (از نام هنرمند دومینیک اینگر) نامیده می شد.

برای این نقاشی، رنوار ژست (از چپ به راست) آلینا شاریگوت، همسر آینده رنوار (در سال 1885 اولین پسرشان، پیر، به دنیا آمد و ازدواج رسمی در سال 1890 منعقد شد) و سوزان والدون (نام واقعی ماری-کلمنتین والدون) ) که بعدها هنرمند مشهور شد.

رنوار حدود سه سال بر روی این نقاشی کار کرد و در این فرآیند تعداد زیادی طرح و طرح کشید که شامل حداقل دو نسخه چند پیکره کامل بود. بعد از The Great Bathers، هیچ عکسی وجود نداشت که او این همه زمان و تلاش را صرف آن کند.

در همان ساحل دریا. 1883

در شهر برقصید. 1883

خانم های جوان بدمینتون بازی می کنند. 1885

پرتره سوزان والدون. 1885

دختر جوان در حال خواندن 1886

مدل مو. 1888

دختر جوان با گل های مروارید. 1889

مادام دو ورنون. 1889

دختری با کلاه صورتی و مشکی. 1890

"دوره مروارید" 1891-1902

در سال 1892، دوراند-روئل نمایشگاه بزرگی از نقاشی های رنوار را افتتاح کرد که موفقیت بزرگی بود. مقامات دولتی نیز به رسمیت شناخته شدند - نقاشی "دختران در پیانو" (1892) برای موزه لوکزامبورگ خریداری شد.

دختران در پیانو 1892
این نقاشی دو دختر جوان را به تصویر می کشد: یکی پشت پیانو نشسته و دیگری کنار او ایستاده است. هر دو دختر با دقت و مشتاقانه به نت ها نگاه می کنند و ظاهراً نوعی ملودی را انتخاب می کنند. چنین تصویر آرام، نمادی از فرهنگ بورژوازی فرانسه در آن زمان بود.

زن با کلاه. 1891

دخترا دارن میخونن 1891

کریستینا لرول گلدوزی می کند. 1895

نوازندگی گیتار. 1897

رنوار به اسپانیا سفر کرد و در آنجا با کارهای ولاسکوئز و گویا آشنا شد.
در اوایل دهه 90 تغییرات جدیدی در هنر رنوار رخ داد. به شکلی زیبا، رنگین کمانی ظاهر شد، به همین دلیل است که این دوره را گاهی اوقات "مادر مروارید" می نامند.
در این زمان، رنوار نقاشی هایی مانند "سیب و گل" (1895/1896)، "بهار" (1897)، "پسر ژان" (1900)، "پرتره خانم گاستون برنهایم" (1901) کشید. او به هلند سفر کرد و در آنجا به نقاشی های ورمیر و رامبراند علاقه مند شد.

مادام پل گالیمار، متولد لوسی دوس. 1892

دختران در حال تماشای آلبوم 1892

دختری که موهایش را برس می کشد. 1894

زنی با رژگونه قرمز. 1896

سه حمام کننده با یک خرچنگ. 1897

پرتره کریستینا لرول.1897

زن جوان اسپانیایی در حال نواختن گیتار. 1898

ایوان و کریستین در پیانو. 1898

"دوره سرخ" 1903-1919

دوره "مروارید" جای خود را به "قرمز" داد، که به دلیل ترجیح سایه‌های گل‌های مایل به قرمز و صورتی نامگذاری شد.
رنوار به نقاشی مناظر آفتابی، طبیعت بی جان با رنگ های روشن، پرتره های فرزندانش، زنان برهنه ادامه داد، یک پیاده روی (1906)، پرتره آمبرواز ولار (1908)، گابریل در بلوز قرمز (1910)، دسته گل رز را خلق کرد. 1909/1913)، "زنی با ماندولین" (1919).

پرتره مارته دنیس. 1904

متفکر بودن 1906

پرتره آمبرویز ولارد. 1908

Ambroise Vollard - یکی از مهم ترین دلالان هنری (معرفی کنندگان) در پاریس در قرن نوزدهم - اوایل. قرن XX او از تعداد زیادی از هنرمندان مشهور و ناشناخته از جمله سزان، مایلول، پیکاسو، روو، گوگن و ون گوگ هم از نظر مالی و هم از نظر اخلاقی حمایت کرد. او همچنین به عنوان یک مجموعه دار و ناشر نیز شناخته می شد.

جبرئیل برای لعنتی. 1908

خانم با یک پنکه 1908

آقا و خانم برنهایم دی ویلر. 1910

شستشو. 1912

زن پشت اجاق گاز 1912

حقایق جالب

یکی از دوستان نزدیک آگوست رنوار، هانری ماتیس بود که تقریباً 28 سال از او کوچکتر بود. زمانی که او. رنوار که به دلیل آرتروز تقریباً فلج شده بود، با غلبه بر درد، به نقاشی در استودیوی خود ادامه داد. یک بار، ماتیس با تماشای دردی که با هر ضربه قلم مو به او داده می‌شود، طاقت نیاورد و پرسید: آگوست، چرا نقاشی را رها نمی‌کنی، آیا اینقدر رنج می‌کشی؟ رنوار تنها به پاسخ اکتفا کرد: "درد می گذرد، اما زیبایی باقی می ماند." و این تمام رنوار بود که تا آخرین نفس کار کرد.

جزئیات دسته: هنرهای زیبا و معماری اواخر قرن 16-18 تاریخ انتشار 1396/04/27 14:46 بازدید: 3249

در آغاز قرن هجدهم. در فرانسه، سبک جدیدی ظاهر شد - روکوکو.

ترجمه شده از روکوکو فرانسوی (rocaille) - "پوسته". نام این سبک هنری ویژگی مشخصه آن را نشان می دهد - عشق به اشکال پیچیده، خطوط عجیب و غریب، یادآور شبح ظریف یک پوسته.
سبک روکوکو چندان دوام نیاورد (تا حدود دهه 40)، اما تأثیر آن بر فرهنگ اروپایی بسیار قوی بود.
در نیمه دوم قرن هجدهم. موج جدیدی از علاقه به فرهنگ باستان آغاز شد. این تا حدودی به دلیل حفاری های پمپئی بود که آثار هنری منحصر به فردی را کشف کرد. از سوی دیگر، ایده‌های روشنگری فرانسوی به این علاقه کمک کرد: آنها آرمان هنر و زندگی اجتماعی را در تاریخ و فرهنگ یونان باستان و روم باستان می‌دیدند. بنابراین، سبک جدیدی شکل گرفت - نئوکلاسیک. در همه کشورها اینطور نبود. به عنوان مثال، در ایتالیا، سبک باروک به طور همزمان با سبک روکوکو وجود داشت، در حالی که در فرانسه، باروک توسعه چندانی نداشت. در روسیه، روکوکو و نئوکلاسیک مکمل یکدیگر بودند.
در قرن هجدهم. مشتریان دیگر نقش مهمی در سرنوشت این هنرمند نداشتند: افکار عمومی قاضی اصلی آثار هنری شد. نقد هنری ظاهر شد: دنیس دیدرو، ژان ژاک روسو و دیگران.
یک رویداد مهم در زندگی هنری فرانسه در قرن هجدهم. به نمایشگاه های عمومی تبدیل شد - سالن ها. از سال 1667، آنها هر ساله توسط آکادمی سلطنتی نقاشی و مجسمه سازی پاریس با حمایت دربار سلطنتی سازماندهی می شدند. موفقیت در سالن برای یک نقاش یا مجسمه ساز به رسمیت شناخته شد. این تنها فرانسوی ها نبودند که آرزوی شرکت در سالن ها را داشتند، بنابراین پاریس به تدریج به یک مرکز هنری پاناروپایی تبدیل شد.

ژان آنتوان واتو (1684-1721)

روزالبا کریرا. پرتره آنتوان واتو (1721)
آنتوان واتو نقاش فرانسوی در ثلث اول قرن هجدهم، بنیانگذار سبک روکوکو است.
او در نقاشی حوزه لطیف ترین احساسات را که با اشعار منظره همخوانی داشت، کشف کرد.
A. Watteau در یک شهر استانی در خانواده یک سقف‌ساز به دنیا آمد. در همان سال های اولیه، توانایی های هنری او خود را نشان داد و پدرش او را به عنوان شاگرد به نقاش محلی با استعداد ناچیز سپرد. خیلی زود ، مربی دیگر برای هنرمند آینده مفید نبود. آنتوان واتو، برخلاف میل پدرش، مخفیانه شهر زادگاهش والنسین را ترک می کند و با پای پیاده به پاریس می رود و در آنجا در یک استودیو نقاشی روی پل نوتردام استخدام می شود که صاحب آن تولید سریالی از کپی های ارزان قیمت را ترتیب داده است. نقاشی در "سلیقه مشترک" برای خریداران عمده. واتو به طور مکانیکی از همان نقاشی های رایج کپی می کرد و در اوقات فراغت خود از زندگی نقاشی می کرد. او فوق العاده سخت کوش بود.

Antoine Watteau "The Capricious" (حدود 1718). موزه دولتی هرمیتاژ (پترزبورگ)
به زودی واتو اولین حامیان را پیدا کرد - پیر ماریت و پسرش ژان، حکاکی ها و کلکسیونرها، صاحبان یک شرکت بزرگ که به تجارت چاپ و نقاشی می پرداخت. در ماریتس، واتو این فرصت را به دست آورد تا با آثار رامبراند، تیتیان، روبنس آشنا شود. با وساطت ماریت ها، واتو شاگرد هنرمند کلود ژیلو، استاد مناظر تئاتر و خالق نقاشی های کوچک می شود. از این استاد، واتو فقط ذوق گروتسک و کمیک و همچنین ذائقه موضوعات مدرن را که بعداً خود را وقف آن کرد. و با این حال باید اعتراف کرد که گیلو واتو سرانجام خود را درک کرد و از آن زمان نشانه های استعدادی که باید توسعه می یافتند برجسته تر شده اند "(بیوگرافی هنرمند Edm-Francois Gercin).

آنتوان واتو "بازیگران کمدی فرانسوی" (حدود 1712). موزه دولتی هرمیتاژ (پترزبورگ)
در 33 سالگی، واتو به محبوب ترین نقاش پاریس تبدیل شد که به شهرت اروپایی او کمک کرد.

آنتوان واتو "ژیل" (1718-1719). لوور (پاریس)
در اینجا نحوه صحبت Watteau M.Yu در مورد این تصویر آمده است. آلمانی، محقق برجسته موزه روسیه: «در تاریخ هنر، ژیل عملاً هیچ تشابهی ندارد. افراد کمی اصلاً بازیگر می نوشتند. علاوه بر این ، هیچ کس جرات نکرد بازیگر را در انفعال کامل نشان دهد. برای خود واتو، این یک گام شجاعانه بود: نقاشی یک چهره در وسط بوم، پر کردن بیشتر آن با یک هودی پهن که بدن کمدین را کاملاً پنهان می کند، و در اعماق چهره بازیگران دیگر را به تصویر می کشد. ، در تضاد شدید با چهره تقریباً بی حرکت قهرمان ... محروم از حرکات و حالات چهره، به طور متقارن و صاف در بوم حک شده است، او با آرامش در زمان وجود دارد، گویی برای همیشه برای او متوقف شده است. هر آنچه زودگذر و گذرا است برای او بیگانه است. شلوغی پشت سر او در حرکات بازیگران است. خنده و شادی حضار پیش روی اوست. و او همیشه بی حرکت می ماند، با سرزنش خنده دار و تکان دهنده در چشمان گرد، محبت آمیز و باهوشش.
واتو که قبلاً کاملاً بیمار بود، تابلویی را برای عتیقه فروشی "The Great Monarch" در پل نوتردام برداشت. این مغازه متعلق به دوستش گرسن بود.

آنتوان واتو. تابلوی مغازه گرسین (1720-1721). کاخ شارلوتنبورگ (برلین)
واتو یک تابلوی تصویر را روی دو بوم جداگانه نقاشی کرد و سپس در یک قاب قرار داد. عمل تصویر از منظره به فضای داخلی منتقل می شود. این بوم یک مغازه بزرگ را به تصویر می کشد که طبق نقشه این هنرمند مستقیماً به سنگفرش پاریس می رود.
در پیش زمینه، در سمت چپ، خادمان پرتره ای از لوئی چهاردهم که اخیراً درگذشته را در جعبه ای قرار می دهند. در گوشه بالا پرتره ای از پدرشوهرش، فیلیپ چهارم پادشاه اسپانیا آویزان است؛ در سمت راست، خبره ها به دقت تصویر را در یک قاب بیضی بررسی می کنند. مناظر و طبیعت بی جان در اینجا با صحنه های اساطیری همزیستی دارند.
ویژگی اصلی این اثر برنامه ای بودن آن است. به گفته لویی آراگون، واتو در پوشش یک نشانه، تاریخ نقاشی را آنگونه که می دانست ارائه کرد. این تصویر مانند وصیت نامه هنری نویسنده شده است. آنتوان واتو در 36 سالگی بر اثر بیماری سل درگذشت.

بنای یادبود آنتوان واتو در زادگاهش والنسین (1884)
توسعه سبک روکوکو نیز با کار فرانسوا بوچر همراه است.

فرانسوا بوچر (1703-1770)

F. Boucher - نقاش فرانسوی، حکاکی، دکوراتور. آثار او با فرم‌های نفیس، رنگ‌آمیزی ملایم غزلیات، برازندگی، عشوه‌گری و گاه به ناز بودن مشخص می‌شوند.

گوستاف لوندبرگ. پرتره فرانسوا بوچر
بوچر یک حکاکی چیره دست بود و کتاب های مصور اووید، بوکاچیو، مولیر را می نوشت. او مناظری را برای اپراها و اجراها، نقاشی برای کارخانه های ملیله سلطنتی خلق کرد. اجرای نقاشی های زینتی از چینی سور، فن های نقاشی، مینیاتور و غیره.
او در نقاشی به موضوعات تمثیلی و اساطیری، نقاشی صحنه‌های ژانر، شبانی (شاعرانه‌سازی زندگی آرام و ساده روستایی)، منظره‌ها و پرتره‌ها روی آورد.

اف. بوش. پرتره مادام دو پومپادور
بوش عنوان نقاش دربار را دریافت کرد. او اقامتگاه های پادشاه و مادام دو پومپادور، عمارت های خصوصی در پاریس را تزئین کرد. او در سال‌های پایانی عمر خود مدیر آکادمی سلطنتی نقاشی و مجسمه‌سازی و «نخستین نقاش پادشاه» بود.

اف. بوش. پرتره ماری بوسو، همسر هنرمند (1733)
نقاشی دیگری از F. Boucher اپیزودی از داستان کوتاه لافونتن "The Hermit" را به تصویر می کشد. مرد جوانی که تصمیم می گیرد یک دختر روستایی زیبا اما ترسو را اغوا کند، در همان نزدیکی به بهانه یک گوشه نشین ساکن می شود. او موفق می شود مادر دختر را به قداستش متقاعد کند و خودش دخترش را نزد خود می برد تا به تعالیم خوب او گوش دهد. بوچر تفسیری اصیل از کار لافونتن را نشان می دهد، اما چشم انداز جایگاه اصلی را در ترکیب بندی او اشغال می کند.

F. Boucher «چشم انداز با یک گوشه نشین. برادر لوس» (1742). موزه هنرهای زیبا. A. S. پوشکین (مسکو)

دیدگاه‌های دموکراتیک هنر فرانسه

آنها در کار "نقاش طبقه سوم" ژان باپتیست سیمئون شاردن، پرتره های موریس کوئنتین دو لاتور مجسم شدند.

ژان باپتیست سیمئون شاردن (1699-1779)

شاردن سلف پرتره
شاردن آگاهانه از توطئه های معمول هنر زمان خود اجتناب می کرد. او عمدتاً طبیعت بی جان و صحنه های روزمره را نقاشی می کرد، اما در آنها مشاهدات خود را بیان می کرد. او به زندگی مردم «دولت سوم» (همه گروه های مردم به استثنای ممتازان: روحانیون و اشراف) علاقه مند بود.
فعالیت های شاردن به عنوان یک هنرمند، سنت های استادان هلندی و فلاندری را ادامه داد و نشان دهنده دوران اوج رئالیسم در قرن هجدهم بود. حتی زندگی بی جان او جنبه ای برای به تصویر کشیدن واقعیت بود. معمولی ترین اشیاء برای او به منابع ترکیب برای به تصویر کشیدن موجودی هماهنگ تبدیل شدند: کوزه ها، گلدان های قدیمی، سبزیجات و غیره.

شاردن "Scat" (1728). لوور (پاریس)
این هنرمند توانست تنوع رنگی را کاملاً منتقل کند ، او ارتباط درونی اشیاء را احساس کرد. او با حرکات کوچک، سایه های رنگی را منتقل می کرد، توانایی گنجاندن تأثیر نور خورشید در تصویر را داشت.
شاردن با روی آوردن به نقاشی ژانر، به صحنه های معمولی خانگی، شیوه ای آرام و سنجیده از زندگی روزمره را روی بوم بازسازی کرد، نزدیک به هر شخص. این نقاشی ها بود که یکی از مکان های برجسته در تاریخ نقاشی فرانسه را برای او تقویت کرد. در سال 1728 او عضو آکادمی هنر پاریس شد، در سال 1743 - مشاور آن. بعدها به عضویت آکادمی علوم، ادبیات و هنرهای زیبای روئن درآمد.
او پیش پا افتاده ترین اشیا و فعالیت ها را معنوی کرد: لباسشویی (1737)، کوزه زیتون (1760)، ویژگی های هنر (1766).

شاردن "طبیعت بی جان با ویژگی های هنر" (موزه دولتی ارمیتاژ (پترزبورگ 1766). این نقاشی به سفارش کاترین دوم برای ساختمان آکادمی هنر در حال ساخت در سن پترزبورگ ساخته شده است.
د. دیدرو مهارت خود را با جادوگری مقایسه کرد: «اوه، شاردن، این رنگ سفید، قرمز و سیاه نیست که روی پالت خود بمالید، بلکه جوهر اشیا است. شما هوا و نور را در نوک قلم مو می گیرید و روی بوم می گذارید!»

شاردن "حباب های صابون" (1733-1734). گالری ملی هنر، واشنگتن (ایالات متحده آمریکا)
تلفیقی عجیب از نقاشی "گالانت" و ژانر روزمره، کار ژان آنوره فراگونار را متمایز می کند.

ژان اونوره فراگونارد (1732-1806)

نقاش و حکاکی فرانسوی. به سبک روکوکو کار کرده است. نویسنده بیش از 550 نقاشی (بدون احتساب نقشه ها و حکاکی ها).

J.O. فراگونارد. سلف پرتره (حدود 1760-1770)
او شاگرد F. Boucher و J.B.S. شاردن او در ابتدا به نقاشی تاریخی علاقه داشت و سپس با روح واتو و بوچر شروع به نوشتن کرد. او اغلب صحنه هایی از زندگی صمیمی، محتوای شهوانی، تابلوهای تزئینی، پرتره، مینیاتور، آبرنگ، پاستل دارد. حکاکی هم می کرد.
اما در دوران کلاسیک گرایی محبوبیت خود را از دست داد.

J.O. فراگونارد "چفت" (1777). لوور (پاریس)
این نقاشی صحنه ای عاشقانه را به تصویر می کشد: آقا، بدون اینکه چشم از خانم بردارد، با دست راست خود را به دری دراز می کند که قفل بالایی را روی آن می بندد. دست چپ خانم، همانطور که بود، این حرکت را تکرار می کند. روی میز یک سیب، نماد کتاب مقدس وسوسه و سقوط به گناه است.
در نقاشی های تاریخی، فراگونارد چندان اصیل نیست. مناظر او کاملاً آراسته شده است. از سوی دیگر، نقاشی‌های ژانر هنرمند با ترکیب‌بندی ماهرانه، ظرافت طراحی، رنگ‌آمیزی ظریف و طعم لطیف متمایز می‌شوند: «درس موسیقی»، «شبانی»، «حمام‌کنندگان»، «پوره خفته»، «کوپید که پیراهن خود را از تن جدا می‌کند». زیبایی»، «نوازنده گیتاریست جوان»، «بوسه یواشکی».

J.O. فراگونارد "بوسه مخفیانه" ارمیتاژ (پترزبورگ)
در اواسط قرن هجدهم. روشنگری فرانسه آرمان های کلاسیک وسایل آموزش را مطرح کرد. جهت گیری احساساتی و اخلاقی در نقاشی ظاهر شد که در آن هنرمند ژان باپتیست گروز برجسته بود.

ژان باپتیست گروز (1725-1805)

J.-B. رویاها سلف پرتره
گروز به ویژه در ژانر زندگی خانوادگی با مشکلات و درام هایش موفق شد - در اینجا او رقبای کمی در نقاشی فرانسوی دارد.

J.-B. گروز "نفرین پدر" (1777). لوور (پاریس)
این نقاشی صحنه ای از یک درام خانوادگی را به تصویر می کشد که پسر به پدرش اعلام می کند که به سربازی می رود و پدر او را نفرین می کند.
به عنوان یک نقاش پرتره، او همچنین در بهترین حالت خود بود، زیرا. پرتره را متفاوت از معاصران خود درک می کرد که مردان را به عنوان آپولوس و زنان را به عنوان فلورس و ونوس تصویر می کردند. پرتره های او پر از شباهت، پر از زندگی و احساسات است.

J.-B. گروز "پرتره یک دختر". موزه ملی هنر آذربایجان
11 اثر از گروز در ارمیتاژ سن پترزبورگ وجود دارد.
در فرانسه قرن 18 افزایش علاقه به طبیعت و نقاشی منظره. نوعی منظره مشخصه نئوکلاسیک ("فانتزی معماری") توسط هوبرت رابرت ایجاد شد.

هوبرت رابرت (1733-1808)

ویژی-لبرون، ماری الیزابت لوئیز. پرتره هوبرت رابرت (1788) لوور (پاریس)
نقاش منظره فرانسوی; به خاطر بوم های ابعادی اش با تصاویر رمانتیک از خرابه های باستانی احاطه شده توسط طبیعت ایده آل شهرت اروپایی به دست آورد. نام مستعار او "رابرت خرابه ها" بود.

هوبرت رابرت "ویرانه های باستانی" (1754-1765). بوداپست

ژاک لوئیس دیوید (1748-1825)

J.-L. دیوید سلف پرتره (1794)
نقاش و معلم فرانسوی، نماینده اصلی نئوکلاسیک فرانسه در نقاشی. وقایع نگار حساس دوران پرتلاطم خود.
در خانواده یک عمده فروش آهن به دنیا آمد. او عمدتاً در خانواده ای از بستگان بزرگ شد. وقتی به توانایی کودک در نقاشی توجه شد، فرض بر این بود که او نیز مانند هر دو عمویش معمار خواهد شد.
دیوید در آکادمی St. لوک در سال 1764، بستگان او را به فرانسوا بوچر معرفی کردند، اما به دلیل بیماری، او نتوانست با مرد جوان درس بخواند. در سال 1766، دیوید وارد آکادمی سلطنتی نقاشی و مجسمه سازی شد و در کارگاه وین شروع به تحصیل کرد. در 1775-1780. دیوید در آکادمی فرانسه در رم تحصیل کرد، هنر باستان و کار استادان رنسانس را مطالعه کرد.
در سال 1783 به عضویت آکادمی نقاشی انتخاب شد.
به طور فعال در جنبش انقلابی شرکت کرد، به عضویت کنوانسیون ملی انتخاب شد، به مونتاناردها به رهبری مارات و روبسپیر پیوست، به مرگ پادشاه لوئیس شانزدهم رأی داد. او تعدادی نقاشی تقدیم به انقلابیون می کشد: "سوگند در سالن رقص" (1791، تمام نشده)، "مرگ مارات" (1793). همچنین در این زمان او جشنواره های مردمی دسته جمعی را ترتیب داد و موزه ملی را در لوور ایجاد کرد.

J.-L. دیوید "مرگ مارات" (1793). موزه‌های سلطنتی هنرهای زیبا (بروکسل)
این بوم یکی از معروف ترین نقاشی های اختصاص داده شده به انقلاب کبیر فرانسه است.
ژان پل مارات روزنامه نگار روزنامه رادیکال دوست مردم، رهبر ژاکوبن ها است. مارات که به بیماری پوستی بیمار شده بود، از خانه بیرون نمی رفت و برای تسکین درد خود، غسل می کرد. در 13 ژوئیه 1793، او توسط نجیب زاده شارلوت کوردی در آپارتمانش با ضربات چاقو کشته شد.
کتیبه روی پایه چوبی تقدیم نویسنده است: "MARATU, David". در دست مارات ورقی با این متن است: «13 ژوئیه 1793، ماری آنا شارلوت کوردی - به شهروند مارات. من ناراضی هستم و از این رو حق حمایت از شما را دارم. در واقع مارات وقت دریافت این یادداشت را نداشت، زیرا. کوردی قبلا او را کشته بود.
در سال 1794 به دلیل عقاید انقلابی به زندان افتاد.
در سال 1797، او شاهد ورود رسمی ناپلئون بناپارت به پاریس بود و از آن زمان به حامی سرسخت او تبدیل شد و پس از به قدرت رسیدن - "نخستین هنرمند" دربار. دیوید نقاشی هایی را به گذر ناپلئون از کوه های آلپ، تاج گذاری او و همچنین تعدادی ترکیب بندی و پرتره از افراد نزدیک به ناپلئون می پردازد. پس از شکست ناپلئون در نبرد واترلو در سال 1815، او به سوئیس گریخت، سپس به بروکسل رفت و تا پایان عمر در آنجا زندگی کرد.

J.-L. دیوید "بناپارت در گذرگاه سنت برنارد" (1801)
این تصویر از دیوید دوران رمانتیسم را در نقاشی اروپایی باز می کند. این یک پرتره سوارکاری بسیار رمانتیک از ژنرال ناپلئون بناپارت است که در مه 1800 ارتش ایتالیا را از گذرگاه سنت برنارد در ارتفاعات آلپ رهبری کرد.
پس زمینه طبیعی نیز معنایی رمانتیک به تصویر می دهد: صخره های شیب دار کوه، برف، باد شدید و آب و هوای بد. در زیر، اگر دقت کنید، نام حک شده سه فرمانده بزرگی که از این جاده عبور کرده اند را می بینید: هانیبال، شارلمانی و بناپارت.

J.-L. دیوید "تاج گذاری ناپلئون" (1805-1808)
این بوم تحت تأثیر نقاشی روبنس "تاج گذاری مری مدیچی" خلق شده است.
ژاک لویی دیوید در بروکسل به خاک سپرده شد و قلب او به پاریس منتقل شد و در گورستان پر لاشز به خاک سپرده شد.
در قرن هجدهم. نقاشان تاریخی ژان ژوونه، نیکلاس کولومبل، پیر سوبلیرا، نقاشان پرتره کلود لوفور، نیکولا لارژیلیه و هیاسنت ریگو در فرانسه کار می کردند.
در اواسط قرن هجدهم. خانواده وانلو به ویژه برادران ژان باپتیست و چارلز و دیگر هنرمندان مشهور بودند.

هنرمندان فرانسوی بزرگ‌ترین نام‌های فرهنگ جهان هستند. علاوه بر این، این استادان فرانسوی بودند که تمام رکوردهای قیمت آثار هنری را در بهترین حراج ها شکستند. فقط حیف است که نویسندگان آنها فقط شهرت پس از مرگ خود را دریافت کردند ، اما سرنوشت بسیاری از سازندگان زیبایی چنین است.

هنرمندان فرانسوی: پدیده امپرسیونیسم فرانسوی

بنابراین، هنرمندان فرانسوی قرن بیستم به گران ترین و در نتیجه مشهورترین و شناخته شده ترین در جهان تبدیل شدند. حتی افرادی که در هنرهای زیبا کاملاً بی تجربه هستند نام آنها را می دانند. اول از همه، اینها هنرمندان امپرسیونیست هستند. فرانسه در طول زندگی خود برای آنها مهمان نواز نبود، اما پس از مرگ آنها به یک غرور ملی واقعی تبدیل شدند.

بزرگترین هنرمندان فرانسه که در سراسر جهان شهرت، شهرت و شهرت را در محافل وسیع دریافت کردند، عبارتند از پیر رنوار, ادوارد مانه, ‎ادگار دگا, پل سزان، کلود مونهو پل گوگن. همه آنها نمایندگان مشهورترین و پرفروش ترین گرایش نقاشی قرن بیستم - امپرسیونیسم هستند. ناگفته نماند که این گرایش از فرانسه سرچشمه گرفته است و جایگاه و اهمیت آن را در تاریخ هنر جهان کاملاً آشکار می کند. ترکیبی شگفت انگیز از تکنیک اصلی و بیان احساسی عالی، خبره های زیبایی در سراسر جهان در امپرسیونیسم را مجذوب خود کرده و همچنان مجذوب خود می کند.

هنرمندان فرانسه: شکل گیری نقاشی فرانسوی

اما هنرمندان فرانسوی فقط امپرسیونیسم نیستند. مانند سایر نقاط اروپا، اوج نقاشی در اینجا به دوره رنسانس رسید. البته فرانسه نمی تواند به غول هایی مانند لئوناردو داوینچی یا رافائل مباهات کند، اما هنوز هم سهم خود را در امر مشترک انجام داده است. اما تأثیرات ایتالیایی برای تشکیل مکتب ملی اصلی بسیار قوی بود.

اولین هنرمند بزرگ فرانسوی که خود را کاملاً از تأثیرات خارجی رها کرد، ژاک لوئیس دیوید بود که به حق بنیانگذار سنت ملی نقاشی در نظر گرفته می شود. مشهورترین نقاشی این هنرمند، پرتره سوارکاری معروف امپراتور ناپلئون به نام "ناپلئون در گذرگاه سنت برنارد" (1801) بود.

هنرمندان قرن نوزدهم فرانسه که در جهتی واقع گرایانه کار می کنند، البته کمتر از امپرسیونیست ها شناخته شده اند، اما با این وجود آنها سهم ملموسی در توسعه نقاشی جهانی داشتند. اما قرن بیستم پیروزی هنر فرانسه بود و پاریس به مرکز موزه ها تبدیل شد. منطقه معروف مونمارتر پایتخت فرانسه که به ده ها هنرمند فقیر پناه داد که بعداً وارد صندوق طلایی میراث بشریت شدند، از جمله نام ها. رنوار, ون گوگ, تولوز لوترک، و پیکاسوو مودیلیانی، به مرکز هنرهای زیبا تبدیل شد و هنوز هم انبوهی از گردشگران را به خود جذب می کند. هنرمندان مشهور معاصر فرانسوی نیز به طور سنتی در مونمارتر زندگی می کنند.

هر کشوری قهرمانان هنر معاصر خود را دارد که نام‌هایشان شناخته شده است، نمایشگاه‌هایشان انبوهی از طرفداران و افراد کنجکاو را به خود جذب می‌کند، و آثارشان در مجموعه‌های خصوصی پراکنده شده است.

در این مقاله شما را با محبوب ترین هنرمندان معاصر فرانسه آشنا می کنیم.

مالیکا فاوره

مالیکا فاوره توسط مادر هنرمندش به دنیای هنرهای زیبا معرفی شد - در خانه آنها تلویزیون و بازی ویدیویی وجود نداشت، این سرگرمی ها با نقاشی جایگزین شد. فاور پس از فارغ التحصیلی به لندن نقل مکان کرد و تا به امروز در آنجا زندگی و کار می کند. در لندن بود، پس از چهار سال در ایرساید، که او تماس خود را پیدا کرد و به یک تصویرگر حرفه ای تبدیل شد.

توماس مایناردیس

توماس یک هنرمند خودآموخته فرانسوی است. نقاشی های او، که هنرمند از سبک آن به عنوان اکسپرسیونیسم پاپ یاد می کند، برداشت های ذهنی و لحظاتی هستند که از فرهنگ پاپ مدرن ربوده شده و از احساسات و خیالات اشباع شده اند. در حال حاضر، این هنرمند در شهر کوچکی بین پاریس و لیل زندگی و کار می کند.

نوشکا

نوشکا هنرمند در پاریس زندگی و کار می کند و بیش از 10 سال است که نقاشی می کند. او نقاشی نوشکا را در دیترویت نزد هنرمند آمریکایی زاواکی، که اصول اولیه نقاشی را به او آموخت، و نزد مگی سینر، که او را با مکانیک رنگ ها آشنا کرد، آموخت. او همچنین نزد هنرمند هشپا درس خواند. به لطف چنین پایگاه غنی، نقاشی هنرمند مهارت فنی و سبک را با مضامین معاصر ترکیب می کند.

لوران بوتلا

لورن در کارگاه Maithe Rovino در Osson و در مدرسه هنر Beaux Arts در تولوز نقاشی خواند. نقاشی های او با تکنیک امپرسیونیستی ساخته شده است - و تکنیک برای لوران از اهمیت بالایی برخوردار است: ترکیب بندی و طرح رنگ با هدف تأکید بر مؤلفه طرح تصویر است. از سال 1991، لوران بوتلا به طور منظم در نمایشگاه ها و مسابقات شرکت کرده است، جایی که او بارها جوایز و جوایز دریافت کرده است.

لوران دوپتن

لوران دوپتین دارای مدرک کارشناسی ارشد نقاشی است. طرح کارهای او غیرمعمول است: اساساً هنرمند پرتره های خود را می کشد و تکنیک های مختلفی را آزمایش می کند. لوران هر از گاهی خود را در ژانرهای دیگر امتحان می کند، اما همیشه به سلف پرتره برمی گردد. از سال 1981، داپتن دائماً در حال نمایشگاه بوده، بارها در مسابقات مختلف شرکت کرده و بارها جوایزی را برای کارهای خود دریافت کرده است که از مهمترین آنها می توان به جایزه بزرگ سالون Peintres de l "Armee Salon Grand Prix, 2003, Taylor Prize, 2001 و یک جایزه اشاره کرد. مدال طلا سالن هنرمند فرانسه، 1997.

میشل دلاکروا میشل دلاکروا

میشل دلاکروا در سال 1933 به دنیا آمد. عشق او به طراحی به زمان اشغال پاریس توسط آلمان ها برمی گردد. این پاریس است که حتی پس از آن پاریس باقی مانده است، قهرمان نقاشی های او - شهری آرام و آرام دوران کودکی هنرمند. دلاکروا برای مدت طولانی سبک ها را آزمایش کرد، تا اینکه سرانجام در جهتی که علامت تجاری او شد - سبک "ساده لوحانه" نقاشی، تصمیم گرفت. دلاکروا جوایز متعددی از جمله جایزه بزرگ هنرهای آماتور، پاریس 1973، جایزه بزرگ کوت دازور، کن، 1976، جایزه برتر سپتامبر کولین، رم، 1976 و غیره را دریافت کرده است. آثار او را می توان در چندین مجموعه عمومی و خصوصی یافت، از جمله موزه ملی هنر مدرن پاریس و موزه بین المللی هنر ساده لوحانه.

سیلوستر اورارد

هنرمند فرانسوی سیلوستر اورارد در لیل زندگی و کار می کند. اصولاً قهرمانان نقاشی های او مردم هستند. سبک و حال و هوای نقاشی های هنرمند را به قول خودش می توان به اختصار با بیان آندره مالرو مشخص کرد: «هنر حضور در زندگی چیزی است که باید متعلق به مرگ باشد».

پاتریشیا پریر-رادیکس

ویژگی کار پاتریشیا سبکی، سهولت و کمال است. این هنرمند در جستجوی سبک خود متوقف نمی شود، دائماً دانش خود را با مطالعه مواد مختلف غنی می کند، بلکه تمایل دارد با اکریلیک و رنگ روغن روی بوم کار کند. نقاشی های او به طرز شگفت انگیزی احساسی هستند - قهرمانانی را بدون چهره ترسیم می کند، پاتریشیا به طرز ماهرانه ای کوچکترین سایه های احساسات و حالات را با دقت حرکات و ژست های زودگذر منتقل می کند.

هانری لامی

هنری لامی، هنرمند فیگوراتیو معاصر فرانسوی، نقاشی رنگ روغن را مطالعه کرد، اما مجذوب خودانگیختگی و خودانگیختگی اکریلیک شد، که کار او را با رنگ‌های تند و گویا تقویت می‌کند. نقاشی های هانری با چکیدن رنگ از چاقو ایجاد می شود که رگه های آن در هم تنیده می شوند، به هم متصل می شوند و تقریباً بلافاصله خشک می شوند. از نزدیک، این نقاشی‌های اکریلیک می‌توانند انتزاعی به نظر برسند و رنگ واقعی خود را فقط برای بیننده‌ای که چند قدم عقب‌نشینی کرده است، نشان دهند.

یوهانا پردو

جوآنا که در بین همکاران و هنردوستان به نام لا دی جو نیز شناخته می شود، دیپلم هنرهای زیبا را دریافت کرد و خود را وقف او با تمام تنوع آن، از نقاشی گرفته تا عکاسی کرد. او ایده های خود را از دنیای سرگرمی می گیرد: موسیقی، رقص، تئاتر، سیرک.. و نقاشی های او همیشه در مرکز موجودات زنده از این دنیای جادویی است. امروزه نقاشی های او را می توان در گالری های نقاط مختلف جهان یافت. کار عمدا ساده لوحانه پردو توجه منتقدان را به خود جلب کرده است و شایسته است. آنها بررسی های زیادی دارند، معمولاً آنهایی که مشتاقانه هستند.

هنر و طراحی

7404

24.09.15 01:41

برخی از گردشگرانی که عمداً برای دیدن زیارتگاه محلی، مونالیزا به موزه لوور آمده بودند، غرغر می‌کنند: «خیلی کوچک، واضح است که او بیش از حد برآورد شده بود!» اما فراموش نکنید که بسیاری از نقاشان مشهور در خود فرانسه متولد شده‌اند. بیایید گشتی کوتاه در گذشته این کشور داشته باشیم و بهترین هنرمندان فرانسوی را به یاد بیاوریم.

بهترین هنرمندان فرانسوی

کلاسیک نویس بزرگ

نیکلاس پوسین که در پایان قرن شانزدهم به دنیا آمد، با اشتیاق از تکنیک های استادان رنسانس عالی، از جمله نویسنده لا جوکوندا داوینچی و رافائل استفاده کرد. نقاشی‌های او اغلب شامل شخصیت‌های کتاب مقدس، صحنه‌های اساطیری است (حتی چرخه‌ای از مناظر اختصاص داده شده به فصل‌ها و آن یکی از کتاب مقدس الهام گرفته شده است). نورمن پوسین در خاستگاه کلاسیک گرایی ایستاده است؛ سهم او در هنر فرانسه را نمی توان نادیده گرفت. در ارمیتاژ ما نقاشی او "استراحت در پرواز به مصر" وجود دارد.

خواننده دوران جوانمردی

آنتوان واتو، که تقریباً دو دهه پس از مرگ پوسن به دنیا آمد، محکم در "المپوس" هنرمندان فرانسوی سلطنت کرد. در زمان او حتی یک نقاش در اروپا وجود نداشت که بتواند در مهارت با او رقابت کند. او فقط 36 سال زندگی کرد، اما توانست شاهکارهای زیادی از خود به جای بگذارد. صحنه های روزمره، مناظر، پرتره های Watteau جذاب و ظریف هستند، او را پیشرو سبک روکوکو می نامند. برای پذیرش در آکادمی هنر، مرد جوان دو نسخه از نقاشی "زیارت جزیره سیترا" را نقاشی کرد (یکی در برلین نگهداری می شود، دیگری در لوور پاریس). هرمیتاژ چندین اثر از این هنرمند فرانسوی را به دست آورده است، از جمله نقاشی بازیگران کمدی فرانسوی.

نقاش منظره با استعداد

کلود جوزف ورنت، نقاش درجه یک دریا و منظره، مدت طولانی در ایتالیا کار کرد. سواحل ناپل و تیبر توانا اثری بر کار او گذاشتند. مجموعه لوور شامل «منظره پل و قلعه فرشته مقدس» و «منظره ناپل با وزوو» است و هرمیتاژ «صخره‌های نزدیک دریا»، «صبح در کاستلاممار» و برخی شاهکارهای دیگر استاد را به نمایش می‌گذارد.

همکاران عاشقانه

یوژن دلاکروا، نماینده جنبش رمانتیک در هنر، در اواخر قرن 18-19 متولد شد و تحصیلات خوبی دریافت کرد. او عاشق کپی کردن شاهکارهای استادان قدیمی بود - او هنر خود را بر روی آنها تجلی داد. یوژن با الکساندر دوما دوست بود و کارهای ژریکو را تحسین می کرد. برخی از مشهورترین نقاشی های دلاکروا (او اغلب موضوعات تاریخی را انتخاب می کرد) "آزادی در سنگرها" و "مرگ سارداناپالوس" هستند.

رمانتیک دیگر، تئودور جریکولت، تنها چند سال از دلاکروا بزرگتر بود، اما برای همکار خود یک مرجع عالی بود. افسوس که سرنوشت زمان بسیار کوتاهی را برای او رقم زد - در سن 32 سالگی، نقاش از اسب خود سقوط کرد و سقوط کرد. تئودور صحنه‌های نبرد در مقیاس بزرگ را ترجیح می‌داد، روبنس را کپی می‌کرد و از تحسین‌کنندگان پرشور فلمینگ بود. حتی اگر نام این هنرمند فرانسوی را نشنیده باشید، احتمالاً بازتولیدهایی از شاهکار ژریکولت «کلک مدوسا» (این اثر افتخار موزه لوور است) دیده شده است.

سرگردان ابدی

اوژن هانری پل گوگن برای ما بیشتر شناخته شده است. این پست امپرسیونیست شروع قرن بیستم را گرفت، اما خیلی زود آنجا را ترک کرد: او در سن 54 سالگی در سال 1903 در پلینزی فرانسه درگذشت. می گویند نابغه ای به خاطر بیماری ها کشته شد (بدترین آنها جذام لاعلاج است). در جوانی، او سفرهای زیادی کرد: پل به عنوان یک ملوان ساده در یک کشتی جنگی خدمت کرد، در کشتی های ناوگان تجاری کار می کرد. این تأثیرات البته در آثار نقاش منعکس شد. او تقریباً زندگی خود را وقف دلالی کرد، اما به موقع متوقف شد و خود را وقف خلاقیت کرد. حتی افراد ناآشنا نیز با تصاویر واضحی که گوگن خلق کرده است آشنا هستند، به عنوان مثال، "زنی که میوه ای در دست دارد".

سیلوئت های پرواز

هر یک از شما اصطلاح "دگا بالرین" را شنیده اید. این هنرمند فرانسوی واقعاً از مدارس باله و تمرینات الهام گرفته است. ضربات پاستلی سبک او توانست شیب های نورانی برازنده سر، پیروت ها، کمان ها، پرش ها را به تصویر بکشد - ما این را در بوم های امپرسیونیست "درس رقص" یا "رقصنده های آبی" می بینیم. صحنه های روزمره او به طور گسترده ای شناخته شده است: "آبسنت"، "آهن ها".

پدر امپرسیونیسم

کلاسیک دیگر نقاشی اروپایی - ادوارد مانه (یکی از "پدران" امپرسیونیسم) - مانند دگا دوست داشت زندگی مردم شهر را به تصویر بکشد: پیاده روی آنها در باغ یا پیک نیک در طبیعت. پرتره های او با سادگی و بی هنری متمایز می شوند و در اواخر عمر ناگهان به طبیعت بی جان علاقه مند شد. المپیا، راه آهن، صبحانه روی چمن از شاهکارهای مشهور جهان به شمار می روند.

احساساتی و مرواریدی

ژانر مورد علاقه پیر آگوست رنوار پرتره بود. طمع سکولار، دوشیزگان جوان بی گناه، زوج های عاشق زیر ضربات مطمئن برس استاد جان می گیرند. پیر به عنوان یک امپرسیونیست به تدریج از او سرخورده شد و به کلاسیک ها پیوست. هنر او احساسی و مروارید است. به "دختران در پیانو" یا "دسته گل بهار" نگاه کنید، بوم ها از درون می درخشند.

چه دهقان و چه متفکر...

پل سزان، با شبح های خود که در پرتره ها از سنگ حک شده و مناظر کمی "آلوده" شده، نماینده درخشان پست امپرسیونیسم است. هم در خلاقیت و هم در زندگی، او با احساسات خسیس بود، لاکونیک و نه خیلی عاطفی - چیزی در او از یک دهقان بود، چیزی از یک دانشمند متفکر. جالب توجه است که این شاهکار او "بازیکنان کارت" است - یکی از گران ترین نقاشی های جهان (در سال 2012، برای مجموعه امیر قطر به قیمت 250 میلیون دلار خریداری شد).

سنگ شیطانی اشراف زاده

آخرین نفر در لیست ما از بهترین هنرمندان فرانسوی، هانری ماری ریموند دو تولوز لوترک فقیر است. چرا بیچاره؟ بله، او متعلق به یک خانواده باستانی شهرستان بود، اما در سن 13 و 14 سالگی، مرد جوان موفق شد ابتدا ران یک پای خود را بشکند، سپس پای دیگر را بشکند، به همین دلیل رشد آنها متوقف شد. هانری یک نیمه کوتوله با معلولیت باقی ماند. غیرممکن بودن شغل نظامی کل خانواده را شوکه کرد و خود هنری تشویق شد که به نقاشی روی آورد. او نزد استادان درس خواند (به کار دگا و سزان بسیار علاقه داشت) و وقتی به پاریس رسید، به کاباره ها و میخانه ها رفت و آمد کرد، خودش مشروب خورد، به سیفلیس مبتلا شد و در 37 سالگی درگذشت. آثار گرافیکی و نقاشی های او پس از مرگش شناخته شد. پرتره‌های هنرمندان و روسپی‌های مولن روژ، که تولوز لوترک مجبور شد به خدمات آنها متوسل شود، اکنون شاهکار محسوب می‌شوند.