امپرسیونیسم یکی از معروف ترین جنبش های نقاشی فرانسوی است، اگر نگوییم معروف ترین. و در اواخر دهه 60 و اوایل دهه 70 قرن نوزدهم به وجود آمد و تا حد زیادی بر پیشرفت بیشتر هنر آن زمان تأثیر گذاشت.
امپرسیونیسم در نقاشی
خود نام " امپرسیونیسم" توسط یک منتقد هنری فرانسوی به نام لوئی لروی پس از شرکت در اولین نمایشگاه امپرسیونیست در سال 1874 ابداع شد، جایی که او نقاشی کلود مونه Impression: The Rising Sun ("تاثیر" که به فرانسوی به عنوان "امپرسیون" ترجمه شده است) را مورد انتقاد قرار داد.
کلود مونه، کامیل پیسارو، ادگار دگا، پیر آگوست رنوار، فردریک بازیل نمایندگان اصلی امپرسیونیسم هستند.
امپرسیونیسم در نقاشی با ضربات سریع، خودانگیخته و آزاد مشخص می شود. اصل راهنما، تصویری واقع گرایانه از محیط نور-هوا بود.
امپرسیونیست ها به دنبال ثبت لحظات زودگذر بر روی بوم بودند. اگر در همین لحظه جسمی به دلیل زاویه خاصی از تابش نور یا انعکاس آن به رنگی غیرطبیعی ظاهر شود، هنرمند آن را به این صورت به تصویر می‌کشد: برای مثال، اگر خورشید سطح حوض را صورتی رنگ کند، آنگاه رنگ صورتی خواهد شد
ویژگی های امپرسیونیسم
در مورد ویژگی های اصلی امپرسیونیسم باید موارد زیر را نام برد:
- تصویر فوری و دقیق از یک لحظه زودگذر؛
- انجام تمام کارها در فضای باز - دیگر طرح های آماده سازی و اتمام کار در استودیو وجود ندارد.
- استفاده از رنگ خالص بر روی بوم، بدون پیش مخلوط کردن روی پالت.
- استفاده از پاشیدن رنگ روشن، ضربه‌هایی با اندازه‌ها و درجات مختلف جارو کردن، که از نظر بصری تنها زمانی که از فاصله دور مشاهده می‌شوند، به یک تصویر اضافه می‌شوند.
امپرسیونیسم روسی
پرتره استاندارد در این سبک به عنوان یکی از شاهکارهای نقاشی روسی - "دختری با هلو" توسط الکساندر سرووف در نظر گرفته می شود که امپرسیونیسم برای او فقط به دوره ای از اشتیاق تبدیل شد. امپرسیونیسم روسی همچنین شامل آثار کنستانتین کورووین، آبرام آرخیپوف، فیلیپ مالیاوین، ایگور گرابار و دیگر هنرمندانی است که در پایان قرن نوزدهم و آغاز قرن بیستم نوشته شده اند.
این وابستگی نسبتاً مشروط است، زیرا امپرسیونیسم روسی و کلاسیک فرانسوی ویژگی های خاص خود را دارند. امپرسیونیسم روسی به مادی بودن، عینیت آثار نزدیکتر بود و به سوی معنای هنری میل داشت، در حالی که امپرسیونیسم فرانسوی، همانطور که در بالا ذکر شد، صرفاً در پی به تصویر کشیدن لحظات زندگی بود، بدون فلسفه غیر ضروری.
در واقع، امپرسیونیسم روسی تنها جنبه بیرونی سبک، تکنیک های نقاشی خود را از فرانسوی ها اقتباس کرد، اما هرگز تفکر تصویری سرمایه گذاری شده در امپرسیونیسم را جذب نکرد.
امپرسیونیسم مدرن سنت های امپرسیونیسم کلاسیک فرانسوی را ادامه می دهد. در نقاشی مدرن قرن بیست و یکم، هنرمندان بسیاری در این راستا کار می کنند، به عنوان مثال، لوران پارسلیه، کارن تارلتون، دایانا لئونارد و دیگران.
شاهکارهایی به سبک امپرسیونیسم
"تراس در سنت-آدرس" (1867)، کلود مونه
این تابلو را می توان اولین شاهکار مونه نامید. هنوز هم محبوب ترین نقاشی امپرسیونیسم اولیه است. موضوع مورد علاقه هنرمند نیز در اینجا وجود دارد - گل و دریا. این بوم چندین نفر را در حال استراحت در تراس در یک روز آفتابی به تصویر می کشد. خویشاوندان خود مونه روی صندلی ها به تصویر کشیده شده اند که پشتشان به تماشاگران است.
کل تصویر غرق در نور شدید خورشید است. مرزهای واضح بین خشکی، آسمان و دریا از هم جدا شده اند و با کمک دو میله پرچم، ترکیب بندی را به صورت عمودی سازماندهی می کنند، اما ترکیب مرکز مشخصی ندارد. رنگ پرچم ها با طبیعت اطراف ترکیب شده و بر تنوع و غنای رنگ ها تاکید دارد.
"بال در مولن د لا گالت" (1876)، پیر آگوست رنوار
این نقاشی یک بعد از ظهر معمولی یکشنبه در پاریس قرن نوزدهم را در مولن د لا گالت، کافه ای با یک زمین رقص در فضای باز که نام آن با نام آسیاب واقع در نزدیکی و نماد مونمارتر مطابقت دارد، نشان می دهد. خانه رنوار در کنار این کافه قرار داشت. او اغلب در رقص های بعد از ظهر یکشنبه شرکت می کرد و از تماشای زوج های شاد لذت می برد.
رنوار استعداد واقعی را نشان می دهد و هنر پرتره گروهی، طبیعت بی جان و نقاشی منظره را در یک نقاشی ترکیب می کند. استفاده از نور در این ترکیب و نرمی قلم موها به بهترین وجه این سبک را برای بیننده عمومی نشان می دهد. امپرسیونیسم. این تابلو به یکی از گرانترین تابلوهایی تبدیل شد که تا به حال در حراجی فروخته شده است.
"بلوار مونمارتر در شب" (1897)، کامیل پیسارو
اگرچه پیسارو به خاطر نقاشی‌هایش از زندگی روستایی شهرت دارد، اما تعداد زیادی از مناظر زیبای شهری را در پاریس قرن نوزدهم نقاشی کرد. او دوست داشت شهر را به دلیل بازی نور در روز و عصر، به دلیل جاده هایی که هم با نور خورشید و هم با لامپ های خیابان روشن می شد، نقاشی کند.
او در سال 1897 اتاقی را در بلوار مونمارتر اجاره کرد و او را در زمان‌های مختلف روز به تصویر کشید و این اثر تنها اثر این مجموعه بود که پس از پایان شب گرفته شد. بوم با رنگ آبی عمیق و لکه های زرد روشن از چراغ های شهر پر شده است. در تمام نقاشی های چرخه "بلوار"، هسته اصلی ترکیب بندی جاده ای است که تا دوردست کشیده شده است.
این نقاشی اکنون در گالری ملی لندن است، اما در زمان حیات پیسارو هرگز در جایی به نمایش گذاشته نشد.
در اینجا می توانید ویدیویی در مورد تاریخچه و شرایط خلاقیت نمایندگان اصلی امپرسیونیسم تماشا کنید:
امروزه امپرسیونیسم به عنوان یک کلاسیک تلقی می شود، اما در دوران شکل گیری آن یک پیشرفت انقلابی واقعی در هنر بود. نوآوری و ایده های این جنبش درک هنری از هنر را در قرن 19 و 20 به کلی تغییر داد. و امپرسیونیسم مدرن در نقاشی وارث اصولی است که قبلاً متعارف شده اند و به جستجوهای زیبایی شناختی در انتقال احساسات، عواطف و نور ادامه می دهند.
پیش نیازها
دلایل متعددی برای ظهور امپرسیونیسم وجود دارد؛ این مجموعه ای کامل از پیش نیازها است که منجر به یک انقلاب واقعی در هنر شد. در قرن نوزدهم، بحرانی در نقاشی فرانسه در حال شکل گیری بود؛ دلیل آن این بود که انتقاد "رسمی" نمی خواست به اشکال مختلف در حال ظهور در گالری ها توجه کند. بنابراین، نقاشی در امپرسیونیسم به نوعی اعتراض به اینرسی و محافظه کاری هنجارهای پذیرفته شده عمومی تبدیل شد. همچنین، خاستگاه این جنبش را باید در روندهای ذاتی رنسانس و همراه با تلاش برای انتقال واقعیت زنده جستجو کرد. هنرمندان مکتب ونیزی را اولین مولدین امپرسیونیسم می دانند، سپس اسپانیایی ها این راه را در پیش گرفتند: ال گرکو، گویا، ولازکز که مستقیماً بر مانه و رنوار تأثیر گذاشتند. پیشرفت تکنولوژی نیز در شکل گیری این مکتب نقش داشت. بنابراین، ظهور عکاسی باعث ایجاد ایده جدیدی در هنر در مورد ثبت احساسات و احساسات لحظه ای شد. این برداشت آنی است که هنرمندان جنبشی که ما در نظر داریم در تلاش برای «تصرف» آن هستند. توسعه مدرسه plein air که توسط نمایندگان مدرسه Barbizon تأسیس شد نیز در این روند تأثیر داشت.
تاریخچه امپرسیونیسم
در نیمه دوم قرن نوزدهم، وضعیت بحرانی در هنر فرانسه شکل گرفت. نمایندگان مکتب کلاسیک نوآوری هنرمندان جوان را نمی پذیرند و به آنها اجازه حضور در سالن - تنها نمایشگاهی که راه را برای مشتریان باز می کند - نمی دهند. زمانی که ادوارد مانه جوان اثر خود را "ناهار روی چمن" ارائه کرد رسوایی به راه افتاد. این نقاشی خشم منتقدان و مردم را برانگیخت و هنرمند از نمایش آن منع شد. از این رو مانه همراه با دیگر نقاشانی که اجازه حضور در نمایشگاه را نداشتند در سالن موسوم به «سالون رد شدگان» شرکت می کند. این کار با استقبال زیادی روبرو شد و حلقه‌ای از هنرمندان جوان در اطراف مانه شکل گرفت. آنها در یک کافه جمع شدند، در مورد مشکلات هنر معاصر بحث کردند، در مورد اشکال جدید بحث کردند. جامعه ای از نقاشان ظاهر می شود که پس از یکی از آثار کلود مونه، امپرسیونیست خوانده می شود. این جامعه شامل پیسارو، رنوار، سزان، مونه، ریحان، دگا بود. اولین نمایشگاه هنرمندان این جنبش در سال 1874 در پاریس برگزار شد و مانند همه نمایشگاه های بعدی با شکست به پایان رسید. در واقع، امپرسیونیسم در موسیقی و نقاشی تنها یک دوره 12 ساله را شامل می شود، از اولین نمایشگاه تا آخرین نمایشگاه که در سال 1886 برگزار شد. بعدها، جنبش شروع به تجزیه شدن به جنبش های جدید می کند و برخی از هنرمندان می میرند. اما این دوره یک انقلاب واقعی را در ذهن سازندگان و عموم به وجود آورد.
اصول ایدئولوژیک
بر خلاف بسیاری از جنبش های دیگر، نقاشی در امپرسیونیسم با دیدگاه های عمیق فلسفی همراه نبود. ایدئولوژی این مکتب تجربه لحظه ای، برداشت بود. هنرمندان برای خود اهداف اجتماعی تعیین نکردند، آنها به دنبال انتقال کامل و لذت زندگی در زندگی روزمره بودند. بنابراین، سیستم ژانر امپرسیونیسم به طور کلی بسیار سنتی بود: مناظر، پرتره، طبیعت بی جان. این جهت، اتحاد افراد بر اساس دیدگاه های فلسفی نیست، بلکه جامعه ای از همفکران است که هر یک تلاش خود را برای مطالعه شکل هستی انجام می دهند. امپرسیونیسم دقیقاً در منحصربه‌فرد بودن دیدگاه اشیاء معمولی نهفته است؛ این امپرسیونیسم بر تجربه فردی متمرکز است.
تکنیک
تشخیص نقاشی در امپرسیونیسم با برخی ویژگی های مشخصه بسیار آسان است. قبل از هر چیز لازم به یادآوری است که هنرمندان این جنبش عاشقان سرسخت رنگ بودند. آنها تقریباً به طور کامل رنگ سیاه و قهوه ای را به نفع یک پالت غنی و روشن که اغلب به شدت سفید شده است کنار می گذارند. تکنیک امپرسیونیست با ضربات کوتاه مشخص می شود. آنها به جای ترسیم دقیق جزئیات، برای یک برداشت کلی تلاش می کنند. بوم ها پویا و متناوب هستند که با ادراک انسان مطابقت دارد. نقاشان تلاش می کنند تا رنگ ها را به گونه ای روی بوم قرار دهند که به شدت رنگی یا نزدیکی در تصویر دست یابند؛ آنها رنگ ها را روی پالت ترکیب نمی کنند. هنرمندان اغلب با هوای معمولی کار می کردند و این در تکنیک منعکس شد که زمان خشک کردن لایه های قبلی را نداشت. رنگ ها در کنار هم یا یکی روی دیگری اعمال می شدند و از یک ماده مات استفاده می شد که باعث ایجاد جلوه "درخشش درونی" می شد.
نمایندگان اصلی در نقاشی فرانسوی
زادگاه این جنبش فرانسه است؛ در اینجا بود که امپرسیونیسم برای اولین بار در نقاشی ظاهر شد. هنرمندان این مدرسه در نیمه دوم قرن نوزدهم در پاریس زندگی می کردند. آنها آثار خود را در 8 نمایشگاه امپرسیونیستی ارائه کردند و این نقاشی ها به کلاسیک جنبش تبدیل شدند. این فرانسوی‌ها مونه، رنوار، سیسلی، پیسارو، موریسو و دیگران هستند که پایه‌گذاران جنبش مورد نظر ما هستند. معروف ترین امپرسیونیست البته کلود مونه است که آثارش تمام ویژگی های این جنبش را به طور کامل در بر می گیرد. همچنین این جنبش به درستی با نام آگوست رنوار پیوند خورده است که وظیفه اصلی هنری خود را انتقال نمایش خورشید می دانست. علاوه بر این، او استاد پرتره احساسی بود. امپرسیونیسم همچنین شامل هنرمندان برجسته ای مانند ون گوگ، ادگار دگا، پل گوگن می شود.
امپرسیونیسم در کشورهای دیگر
به تدریج، این روند در بسیاری از کشورها در حال گسترش است، تجربه فرانسه با موفقیت در فرهنگ های ملی دیگر انتخاب شده است، اگرچه در آنها ما باید بیشتر در مورد آثار و تکنیک های فردی صحبت کنیم تا در مورد اجرای مداوم ایده ها. نقاشی آلمانی در امپرسیونیسم در درجه اول با نام های Lesser Ury، Max Liebermann، Lovis Corinth نشان داده می شود. در ایالات متحده، ایده ها توسط J. Whistler، در اسپانیا توسط H. Sorolla، در انگلستان توسط J. Sargent، در سوئد توسط A. Zorn اجرا شد.
امپرسیونیسم در روسیه
هنر روسی در قرن نوزدهم به طور قابل توجهی تحت تأثیر فرهنگ فرانسوی قرار گرفت، بنابراین هنرمندان داخلی نیز نمی توانستند از تحت تأثیر قرار گرفتن جنبش جدید اجتناب کنند. امپرسیونیسم روسی در نقاشی به طور مداوم و پربار در آثار کنستانتین کرووین و همچنین در آثار ایگور گرابار، آیزاک لویتان، والنتین سرووف نشان داده شده است. ویژگی‌های مکتب روسی، اتود بودن آثار بود.
امپرسیونیسم در نقاشی چه بود؟ هنرمندان موسس به دنبال ثبت برداشت های لحظه ای از تماس با طبیعت بودند و سازندگان روسی نیز سعی کردند معنای عمیق تر و فلسفی اثر را منتقل کنند.
امپرسیونیسم امروز
علیرغم این واقعیت که تقریباً 150 سال از ظهور جنبش می گذرد، امپرسیونیسم مدرن در نقاشی امروزه اهمیت خود را از دست نداده است. به لطف احساسی بودن و سهولت درک آنها، نقاشی های این سبک بسیار محبوب و حتی از نظر تجاری موفق هستند. از این رو هنرمندان بسیاری در سراسر جهان در این راستا فعالیت می کنند. بنابراین، امپرسیونیسم روسی در نقاشی در موزه جدید مسکو به همین نام ارائه شده است. نمایشگاه های نویسندگان معاصر، به عنوان مثال V. Koshlyakov، N. Bondarenko، B. Gladchenko و دیگران، به طور منظم در آنجا برگزار می شود.
شاهکارها
دوستداران مدرن هنرهای زیبا اغلب در نقاشی حرکت مورد علاقه خود امپرسیونیسم را می نامند. نقاشی های هنرمندان این مکتب در حراجی ها با قیمت های باورنکردنی به فروش می رسد و مجموعه های موجود در موزه ها مورد توجه عموم مردم قرار می گیرد. شاهکارهای اصلی امپرسیونیسم نقاشی های سی مونه "نیلوفرهای آبی" و "خورشید طلوع"، او. رنوار "توپ در مولن د لا گالت"، سی. پیسارو "بلوار مونمارتر در شب" و پل Boildier در روئن در یک روز بارانی، E. . Degas "Absinthe"، اگرچه این لیست را می توان تقریباً بی پایان ادامه داد.
قلم مو های جسورانه، رنگ های روشن، صحنه های زندگی روزمره، ژست های صادقانه و از همه مهمتر، توصیف دقیق نور... تنها بخش کوچکی از ویژگی های یکی از محبوب ترین حرکات هنری. امپرسیونیسم در اواسط قرن نوزدهم در فرانسه ظاهر شد. قبل از ظهور، نویسندگان معمولاً طبیعت بی جان، پرتره و حتی مناظر را در استودیوهای خود خلق می کردند. اولین امپرسیونیست ها قوانین سنتی را شکستند و به معنای واقعی کلمه به مزارع رفتند - آنها شروع به ایجاد در هوای آزاد کردند و صحنه های واقع گرایانه زندگی معاصر را ثبت کردند. اگرچه امپرسیونیسم در ابتدا به شدت مورد انتقاد قرار گرفت، اما به زودی به جنبشی مشابه در موسیقی و ادبیات منجر شد. شما را به تماشای مشهورترین نقاشی های این جنبش هنری انقلابی دعوت می کنیم.
بار در Folies Bergere، ادوارد مانه، 1882
آخرین اثر اصلی مانه و به سادگی بزرگترین اثر هنری او. این بوم کاباره معروف پاریس را به تصویر می کشد که خود هنرمند اغلب از آن بازدید می کرد. او برای انتقال فضای آن دوره و پیچیده‌تر کردن صحنه، آینه‌ای را در پس‌زمینه به تصویر کشید که نشان‌دهنده تعداد زیادی از مردمی است که اتاق را پر کرده‌اند. در مقابل جمعیت و تماشاگر، در مقابل، در پشت پیشخوان، یک خدمتکار تنها ایستاده است که در افکار خود غرق شده است. یکی از محققان کار مانه خاطرنشان می‌کند که پرتقال‌های موجود در نقاشی شاهد مستقیمی هستند که نشان می‌دهد ما در مورد یک فاحشه صحبت می‌کنیم. تاریخ و امضای خود مانه روی برچسب یکی از بطری ها که در گوشه پایین سمت چپ قرار دارد، نمایش داده شده است.
حرفه ای ها مجموعه «نیلوفرهای آبی» کلود مونه را چیزی کمتر از «کلیسای سیستین امپرسیونیسم» می نامند. این چرخه شامل تقریباً 250 نقاشی است که توسط این هنرمند در سی سال آخر زندگی اش در محل خانه اش در گیورنی خلق شده است. امروزه آنها در موزه های سراسر جهان به نمایش گذاشته می شوند. شگفت انگیز است که مونه بیشتر آنها را زمانی که از آب مروارید رنج می برد و عدسی چپ خود را از دست می داد نوشت.
توپ در مولن د لا گالت، پیر آگوست رنوار، 1876
شاهکار معروف امپرسیونیسم اغلب توسط مورخان هنر به عنوان "زیباترین بوم هنری قرن نوزدهم" توصیف می شود. این نقاشی یک بعد از ظهر معمولی یکشنبه را در مولن د لا گالت در مونمارتر به تصویر می کشد. در فضای باز، رنوار یک زمین رقص و یک کافه را در نزدیکی خانه خود به تصویر کشید - این هنرمند دوست داشت زوج های شاد و برازنده را تماشا کند. برای او این یک محیط ایده آل برای خلاقیت بود. "توپ در مولن د لا گالت" یک پرتره گروهی ماهرانه، طبیعت بی جان و منظره در آن واحد است. علاوه بر این، این جاه‌طلبانه‌ترین کار رنوار است: هرگز این هنرمند جنبه‌هایی از زندگی روزمره را روی بوم با چنین مقیاسی - 131x175 سانتی‌متر به تصویر نکشیده بود. نسخه کوچک‌تر نقاشی در بین ده اثر هنری گران‌قیمت فروخته شده قرار دارد.
احساس؛ عقیده؛ گمان. طلوع خورشید، کلود مونه، 1872
نقاشی نمادینی که نام خود را به کل جنبش هنری داد (از برداشت فرانسوی - "امپرسیون") و به اصل آن تبدیل شد. در ابتدا، بوم خلق شده توسط مونه در بندر لو هاور توسط منتقدان پاره شد، و اصطلاح "امپرسیونیسم" در بررسی طنز روزنامه نگار لوئیس لروی، که نوشت: "کاغذ دیواری، حتی آنهایی که تمام شده به نظر می رسیدند، نه! مثل این «تأثیر»!» یک جزئیات جالب: اگر یک کپی سیاه و سفید از این قطعه تهیه کنید، خورشید تقریباً به طور کامل ناپدید می شود.
ناهار روی چمن، ادوارد مانه، 1862-1863
این صحنه که یک زن برهنه را در حال ناهار با دو مرد کاملاً لباس نشان می داد، در ابتدا توهین تلقی شد - این هنرمند به انحطاط و بد سلیقه متهم شد. این فیلم اجازه شرکت در سالن پاریس را نداشت. این واقعاً بیانیه ای جسورانه به نفع آزادی شخصی هنرمند بود.
خیابان پاریس در یک روز بارانی، گوستاو کایلبوت، 1877
این یکی از مشهورترین آثار در مورد زندگی شهری در قرن نوزدهم به حساب می آید. این نقاشی میدان دوبلین را در نزدیکی تقاطع آن با خیابان مسکو در نزدیکی ایستگاه قطار پاریس سن لازار به تصویر می‌کشد. به نظر می رسد که قطب فانوس و خط افق تصویر را به چهار ربع تقسیم می کنند. همه مردم اینجا در مسیرهای مختلف حرکت می کنند، گویی بر غیرشخصی بودن، انزوا، تنهایی خود در یک شهر در حال توسعه تاکید می کنند. علاوه بر این، Caillebotte با کمک نورپردازی و عدم وجود سایه های قوی در خیابان، به طرز ماهرانه ای احساس باران را منتقل می کند.
ناهار پاروزنان، پیر آگوست رنوار
ناهار پاروزنان، پیر آگوست رنوار، 1880-1881
پرتره عاشقانه دوستان رنوار در حال لذت بردن از یک شب در بالکن در کنار رودخانه سن. در میان افرادی که در تصویر هستند می توانید همسر آینده نویسنده (مدل آلینا شاریگو - خانمی با سگ) و یکی دیگر از امپرسیونیست های معروف - گوستاو کایلبوت (در سمت راست با کلاه حصیری) را ببینید. این نقاشی نشان دهنده ماهیت در حال تغییر جامعه فرانسه در پایان قرن نوزدهم در نتیجه انقلاب صنعتی است.
Pont Boieldieu در روئن در یک روز بارانی، کامیل پیزارو، 1896
این تابلوی معروف دگا نمایشی هنری از انزوای اجتماعی در پاریس در مرحله شکوفایی آن است. این نقاشی زنی را به تصویر می‌کشد که بی‌تفاوت به لیوان آبسنت روبروی خود نگاه می‌کند و به وضوح اولین نیست. در کنار او مردی نشسته که شبیه الکلی است. در واقع، نقش شخصیت های "تحقیر شده و توهین شده" توسط هنرمند مارسلین دبوتین و بازیگر الن آندره ایفا شد. در ابتدا، منتقدان از فضای انحطاط و انحطاط حاکم بر بوم شوکه شدند. و برخی این را هشداری در برابر مصرف بیش از حد الکل می دانستند.
کارگران پارکت، گوستاو کایلبوت، 1875
یکی از اولین نقاشی هایی که طبقه کارگر شهری را به تصویر می کشد. Caillebotte علاقه ای پایدار به زندگی روزمره را نشان می دهد. توجه کنید که هنرمند با چه دقتی نوری را که از پنجره و سایه ها می گذرد، ثبت کرده است. این نقاشی به اندازه یک عکس واقع گرایانه است، اما با این وجود توسط معتبرترین نمایشگاه ها و سالن های هنری رد شد: به تصویر کشیدن مردان نیمه برهنه طبقه کارگر یک «موضوع مبتذل» تلقی می شد.
جزئیات دسته: تنوع سبک ها و حرکات در هنر و ویژگی های آنها تاریخ انتشار 1394/01/04 14:11 بازدید: 10630امپرسیونیسم یک جنبش هنری است که در نیمه دوم قرن نوزدهم ظهور کرد. هدف اصلی او انتقال برداشت های زودگذر و متغیر بود.
ظهور امپرسیونیسم با علم همراه است: با آخرین اکتشافات در اپتیک و نظریه رنگ.
این روند تقریباً همه انواع هنر را تحت تأثیر قرار داد، اما به وضوح در نقاشی آشکار شد، جایی که انتقال رنگ و نور اساس کار هنرمندان امپرسیونیست بود.
معنی اصطلاح
امپرسیونیسم(فرانسوی Impressionnisme) از impression - impression). این سبک از نقاشی در اواخر دهه 1860 در فرانسه ظاهر شد. کلود مونه، آگوست رنوار، کامیل پیسارو، برت موریسو، آلفرد سیسلی، ژان فردریک بازیل از او نمایندگی کردند. اما خود این اصطلاح در سال 1874 ظاهر شد، زمانی که مونه نقاشی "Impression". طلوع خورشید» (1872). منظور مونه در عنوان نقاشی این بود که او فقط برداشت زودگذر خود از منظره را منتقل می کرد.
K. Monet “Impression. طلوع خورشید» (1872). موزه مارموتان مونه، پاریس
بعداً، اصطلاح "امپرسیونیسم" در نقاشی به طور گسترده تر درک شد: مطالعه دقیق طبیعت از نظر رنگ و نور. هدف امپرسیونیست ها به تصویر کشیدن موقعیت ها و حرکات آنی و به ظاهر "تصادفی" بود. برای انجام این کار، آنها از تکنیک های مختلفی استفاده کردند: زوایای پیچیده، عدم تقارن، ترکیبات تکه تکه. برای هنرمندان امپرسیونیست، یک نقاشی به لحظه ای منجمد از یک جهان دائما در حال تغییر تبدیل می شود.
روش هنری امپرسیونیستی
محبوب ترین ژانرهای امپرسیونیست ها مناظر و صحنه هایی از زندگی شهری هستند. آنها همیشه "در هوای آزاد" نقاشی می شدند، یعنی. مستقیماً از طبیعت، در طبیعت، بدون طرح یا طرح اولیه. امپرسیونیست ها متوجه شدند و توانستند رنگ ها و سایه هایی را بر روی بوم منتقل کنند که معمولاً برای چشم غیر مسلح و بیننده بی توجه نامرئی بود. به عنوان مثال، رندر آبی در سایه یا صورتی در غروب آفتاب. آنها تن های پیچیده را به رنگ های خالص تشکیل دهنده خود در طیف تجزیه کردند. این باعث شد نقاشی های آنها روشن و پر جنب و جوش به نظر برسد. هنرمندان امپرسیونیست رنگ ها را در ضربات جداگانه، به شیوه ای آزاد و حتی بی دقت به کار می بردند، بنابراین نقاشی های آنها به بهترین وجه از راه دور مشاهده می شود - با این دیدگاه است که اثر سوسو زدن زنده رنگ ها ایجاد می شود.
امپرسیونیست ها کانتور را رها کردند و آن را با سکته های کوچک، مجزا و متضاد جایگزین کردند.
سی. پیسارو، آ. سیسلی و سی. مونه مناظر و مناظر شهری را ترجیح می دادند. O. Renoir دوست داشت مردم را در دامان طبیعت یا در داخل به تصویر بکشد. امپرسیونیسم فرانسوی مشکلات فلسفی و اجتماعی را مطرح نکرد. آنها به موضوعات کتاب مقدس، ادبی، اساطیری، تاریخی که ذاتی آکادمیک گرایی رسمی بود، روی نیاوردند. در عوض، تصویری از زندگی روزمره و مدرنیته روی نقاشی ها ظاهر شد. تصویری از افراد در حال حرکت، در حالی که در حال استراحت یا سرگرمی هستند. موضوعات اصلی آنها معاشقه، رقص، مردم در کافه ها و تئاترها، قایق سواری، سواحل و باغ ها است.
امپرسیونیست ها سعی کردند یک برداشت زودگذر را ثبت کنند، کوچکترین تغییرات در هر شی بسته به نور و زمان روز. در این راستا، چرخه‌های نقاشی مونه «دشت کاه»، «کلیسای جامع روئن» و «پارلمان لندن» را می‌توان بالاترین دستاورد دانست.
سی مونه "کلیسای جامع روئن در خورشید" (1894). موزه اورسی، پاریس، فرانسه
"کلیسای جامع روئن" چرخه ای متشکل از 30 نقاشی از کلود مونه است که بسته به زمان روز، سال و نور، نماهایی از کلیسای جامع را نشان می دهد. این چرخه توسط این هنرمند در دهه 1890 نقاشی شده است. کلیسای جامع به او اجازه داد تا رابطه بین ساختار ثابت و مستحکم ساختمان و نور در حال تغییر و به راحتی پخش شود که درک ما را تغییر می دهد. مونه بر تکه تکه های کلیسای جامع گوتیک تمرکز می کند و پورتال، برج سنت مارتین و برج آلبان را انتخاب می کند. او فقط به بازی نور روی سنگ علاقه دارد.
K. Monet "کلیسای جامع روئن، پورتال غربی، هوای مه آلود" (1892). موزه اورسی، پاریس
K. Monet «کلیسای جامع روئن، پورتال و برج، افکت صبح. هارمونی سفید" (1892-1893). موزه اورسی، پاریس
K. Monet "کلیسای جامع روئن، پورتال و برج در خورشید، هماهنگی آبی و طلایی" (1892-1893). موزه اورسی، پاریس
پس از فرانسه، هنرمندان امپرسیونیست در انگلستان و ایالات متحده آمریکا (جیمز ویستلر)، در آلمان (مکس لیبرمن، لوویس کورینث)، در اسپانیا (خواکین سورولا)، در روسیه (کنستانتین کورووین، والنتین سروف، ایگور گرابار) ظاهر شدند.
درباره کارهای برخی از هنرمندان امپرسیونیست
کلود مونه (1840-1926)
کلود مونه، عکس 1899
نقاش فرانسوی، یکی از بنیانگذاران امپرسیونیسم. در پاریس متولد شد. او از کودکی به طراحی علاقه داشت و در سن 15 سالگی خود را به عنوان یک کاریکاتوریست با استعداد نشان داد. او با نقاشی منظره توسط یوژن بودن، هنرمند فرانسوی، پیشین امپرسیونیسم آشنا شد. بعدها، مونه وارد دانشگاه در دانشکده هنر شد، اما سرخورده شد و آن را ترک کرد و در استودیوی نقاشی چارلز گلیر ثبت نام کرد. او در استودیو با هنرمندان آگوست رنوار، آلفرد سیسلی و فردریک بازیل آشنا شد. آنها عملاً همسالان بودند، دیدگاه های مشابهی در مورد هنر داشتند و به زودی ستون فقرات گروه امپرسیونیست را تشکیل دادند.
مونه به خاطر پرتره‌اش از کامیل دانسیو که در سال 1866 کشیده شد ("کامیل یا پرتره بانویی با لباس سبز") مشهور شد. کامیلا در سال 1870 همسر این هنرمند شد.
سی مونه "کامیل" ("بانوی سبزپوش") (1866). Kunsthalle، برمن
سی. مونه «پیاده روی: کامیل مونه با پسرش ژان (زن با چتر)» (1875). گالری ملی هنر، واشنگتن
در سال 1912، پزشکان تشخیص دادند که سی مونه دچار آب مروارید مضاعف است و او باید دو عمل جراحی انجام می داد. مونه که عدسی چشم چپش را گم کرده بود، بینایی خود را دوباره به دست آورد، اما شروع به دیدن نور ماوراء بنفش به صورت آبی یا بنفش کرد که باعث شد نقاشی هایش رنگ های جدیدی به خود بگیرد. به عنوان مثال، مونه هنگام نقاشی «نیلوفرهای آبی» معروف، نیلوفرها را در محدوده اشعه ماوراء بنفش مایل به آبی دید، اما برای افراد دیگر آنها به سادگی سفید بودند.
سی مونه "نیلوفرهای آبی"
این هنرمند در 5 دسامبر 1926 در گیورنی درگذشت و در قبرستان کلیسای محلی به خاک سپرده شد.
کامیل پیسارو (1830-1903)
سی پیسارو "خود پرتره" (1873)
نقاش فرانسوی، یکی از اولین و ثابت ترین نمایندگان امپرسیونیسم.
در جزیره سنت توماس (هند غربی)، در یک خانواده بورژوا از یک یهودی سفاردی و اهل جمهوری دومینیکن متولد شد. او تا 12 سالگی در هند غربی زندگی کرد و در 25 سالگی به همراه تمام خانواده اش به پاریس نقل مکان کردند. در اینجا در مدرسه هنرهای زیبا و آکادمی سوئیس تحصیل کرد. معلمان او کامیل کورو، گوستاو کوربه و چارلز فرانسوا دوبینی بودند. او با مناظر روستایی و مناظر پاریس شروع کرد. پیسارو تأثیر زیادی بر امپرسیونیست ها داشت و به طور مستقل بسیاری از اصولی را که اساس سبک نقاشی آنها را تشکیل می داد توسعه داد. او با هنرمندان دگا، سزان و گوگن دوست بود. پیزارو تنها شرکت کننده در هر 8 نمایشگاه امپرسیونیستی بود.
او در سال 1903 در پاریس درگذشت. او در گورستان پر لاشز به خاک سپرده شد.
این هنرمند قبلاً در کارهای اولیه خود توجه ویژه ای به به تصویر کشیدن اشیاء نورانی در هوا داشت. نور و هوا از آن زمان به موضوع اصلی آثار پیسارو تبدیل شده اند.
سی پیسارو «بلوار مونمارتر. بعد از ظهر، آفتابی" (1897)
در سال 1890، پیزارو به تکنیک پوینتیلیسم (کاربرد جداگانه ضربات) علاقه مند شد. اما بعد از مدتی به روال همیشگی خود بازگشت.
در سالهای آخر عمرش، بینایی کامیل پیسارو به طرز محسوسی بدتر شد. اما او به کار خود ادامه داد و مجموعه ای از مناظر از پاریس را خلق کرد که مملو از احساسات هنری بود.
سی پیسارو «خیابان روئن»
زاویه غیرمعمول برخی از نقاشی های او با این واقعیت توضیح داده می شود که این هنرمند آنها را از اتاق های هتل نقاشی کرده است. این سریال به یکی از بالاترین دستاوردهای امپرسیونیسم در انتقال نور و جلوه های جوی تبدیل شد.
پیسارو همچنین با آبرنگ نقاشی می کرد و مجموعه ای از حکاکی ها و سنگ نگاره ها را خلق کرد.
برخی از اظهارات جالب او در مورد هنر امپرسیونیسم: "امپرسیونیست ها در مسیر درستی هستند، هنر آنها سالم است، مبتنی بر احساسات است و صادقانه است."
"خوشبخت کسی است که بتواند زیبایی را در چیزهای معمولی ببیند، جایی که دیگران چیزی نمی بینند!"
سی پیسارو "اولین یخبندان" (1873)
امپرسیونیسم روسی
امپرسیونیسم روسی از اواخر قرن 19 تا اوایل قرن 20 توسعه یافت. تحت تأثیر کار امپرسیونیست های فرانسوی قرار گرفت. اما امپرسیونیسم روسی دارای ویژگی ملی بارز است و از بسیاری جهات با ایده های کتاب درسی درباره امپرسیونیسم کلاسیک فرانسوی منطبق نیست. در نقاشی امپرسیونیست های روسی، عینیت و مادیت غالب است. بیشتر مملو از معناست و پویایی کمتری دارد. امپرسیونیسم روسی به رئالیسم نزدیکتر از فرانسوی است. امپرسیونیست‌های فرانسوی بر تأثیر آنچه می‌دیدند تمرکز می‌کردند و روس‌ها نیز بازتابی از حالت درونی هنرمند اضافه می‌کردند. کار باید در یک جلسه تکمیل می شد.
ناقصی خاصی از امپرسیونیسم روسی "هیجان زندگی" را ایجاد می کند که مشخصه آنها بود.
امپرسیونیسم شامل آثار هنرمندان روسی است: A. Arkhipov، I. Grabar، K. Korovin، F. Malyavin، N. Meshcherin، A. Murashko، V. Serov، A. Rylov و دیگران.
V. Serov "دختری با هلو" (1887)
این نقاشی معیار امپرسیونیسم روسی در پرتره محسوب می شود.
والنتین سرووف "دختری با هلو" (1887). بوم، روغن. 91×85 سانتی متر گالری دولتی ترتیاکوف
این نقاشی در املاک ساوا ایوانوویچ مامونتوف در آبرامتسوو نقاشی شده است که او در سال 1870 از دختر نویسنده سرگئی آکساکوف به دست آورد. این پرتره ورا مامونتووا 12 ساله را به تصویر می کشد. دختر نشسته پشت میز کشیده شده است. او یک بلوز صورتی با پاپیون آبی تیره پوشیده است. روی میز یک چاقو، هلو و برگ وجود دارد.
تمام تلاش من طراوت بود، طراوت خاصی که همیشه در طبیعت احساس می‌کنید و در نقاشی‌ها نمی‌بینید. من بیش از یک ماه نقاشی کشیدم و او را بیچاره تا حد مرگ خسته کردم؛ واقعاً می خواستم مانند استادان قدیمی، طراوت نقاشی را در عین کامل بودن حفظ کنم» (V. Serov).
امپرسیونیسم در اشکال دیگر هنر
در ادبیات
در ادبیات، امپرسیونیسم به عنوان یک جنبش جداگانه رشد نکرد، اما ویژگی های آن در آن منعکس شد طبیعت گراییو نمادگرایی .
ادموند و ژول گنکور عکس
اصول طبیعت گراییرا می توان در رمان های برادران گنکور و جورج الیوت جستجو کرد. اما امیل زولا اولین کسی بود که از اصطلاح «ناتورالیسم» برای اشاره به آثار خود استفاده کرد. نویسندگان Guy de Maupassant، Alphonse Daudet، Huysmans و Paul Alexis دور زولا جمع شدند. پس از انتشار مجموعه "عصرهای مدان" (1880)، با داستان های صریح درباره فجایع جنگ فرانسه و پروس (از جمله داستان "دامپلینگ" موپاسان)، نام "گروه مدان" به آنها اختصاص یافت.
امیل زولا
اصل ناتورالیستی در ادبیات اغلب به دلیل فقدان هنری اش مورد انتقاد قرار گرفته است. به عنوان مثال، I. S. Turgenev در مورد یکی از رمان های زولا نوشت که "در گلدان های اتاقی حفاری زیادی وجود دارد." گوستاو فلوبر نیز منتقد طبیعت گرایی بود.
زولا با بسیاری از هنرمندان امپرسیونیست روابط دوستانه داشت.
سمبولیست هانمادهای استفاده شده، کم بیان، نکات، رمز و راز، معما. خلق و خوی اصلی نمادگرایان بدبینی بود که به مرز ناامیدی رسید. هر چیزی «طبیعی» تنها به‌عنوان «ظاهر» نمایش داده می‌شد که هیچ اهمیت هنری مستقلی نداشت.
بنابراین، امپرسیونیسم در ادبیات با برداشت خصوصی نویسنده، رد تصویر عینی از واقعیت، و به تصویر کشیدن هر لحظه بیان می شد. در واقع این امر منجر به فقدان طرح و تاریخ، جایگزینی اندیشه با ادراک و عقل با غریزه شد.
G. Courbet "Portrait of P. Verlaine" (حدود 1866)
نمونه بارز امپرسیونیسم شاعرانه مجموعه پل ورلن «عاشقانه‌های بدون کلام» (1874) است. در روسیه، کنستانتین بالمونت و اینوکنتی آننسکی تأثیر امپرسیونیسم را تجربه کردند.
V. Serov "Portrait of K. Balmont" (1905)
Innokenty Annensky. عکس
این احساسات بر دراماتورژی نیز تأثیر گذاشت. نمایشنامه ها شامل درک منفعلانه از جهان، تجزیه و تحلیل حالات و حالات ذهنی است. دیالوگ ها تأثیرات زودگذر و پراکنده را متمرکز می کنند. این ویژگی ها مشخصه آثار آرتور شنیتسلر است.
در موسیقی
امپرسیونیسم موسیقی در ربع آخر قرن نوزدهم در فرانسه شکل گرفت. - اوایل قرن بیستم او به وضوح خود را در آثار اریک ساتی، کلود دبوسی و موریس راول بیان کرد.
اریک ساتی
امپرسیونیسم موسیقی در نقاشی فرانسوی به امپرسیونیسم نزدیک است. آنها نه تنها ریشه های مشترک دارند، بلکه روابط علت و معلولی نیز دارند. آهنگسازان امپرسیونیست در آثار کلود مونه، پل سزان، پویس دو شاوان و هانری دو تولوز لوترک نه تنها قیاس‌ها، بلکه ابزارهای بیانی را نیز جست‌وجو کردند و یافتند. البته، ابزار نقاشی و ابزار هنر موسیقی تنها به کمک تشابهات تداعی خاص و ظریفی که فقط در ذهن وجود دارد، می توانند با یکدیگر مرتبط شوند. اگر به تصویر تار پاریس "در باران پاییزی" و همان صداها "خفه شده از سر و صدای سقوط قطرات" نگاه کنید ، در اینجا فقط می توانیم در مورد ویژگی یک تصویر هنری صحبت کنیم ، اما نه یک تصویر واقعی.
کلود دبوسی
دبوسی می نویسد "ابرها"، "چاپ" (فرهنگی ترین آنها، طرح صدای آبرنگ - "باغ ها در باران")، "تصاویر"، "بازتاب در آب"، که تداعی مستقیم با نقاشی معروف کلود است. مونه "Impression: طلوع آفتاب" " به گفته مالارمه، آهنگسازان امپرسیونیست یاد گرفتند که «نور را بشنوند»، حرکت آب، ارتعاش برگ‌ها، وزش باد و شکست نور خورشید را در هوای غروب به صورت صدا منتقل کنند.
موریس راول
ارتباط مستقیم بین نقاشی و موسیقی در M. Ravel در صدا و تصویر "Play of Water"، چرخه نمایشنامه "Reflections" و مجموعه پیانو "Rustles of the Night" وجود دارد.
امپرسیونیست ها آثار هنری پالایش شده ای را خلق کردند که در عین حال از نظر ابزار بیان روشن، از نظر احساسی محدود، بدون کشمکش و سبک سخت گیرانه بودند.
در مجسمه سازی
O. Rodin "The Kiss"
امپرسیونیسم در مجسمه سازی در شکل پذیری آزاد فرم های نرم بیان می شد که بازی پیچیده ای از نور را بر روی سطح ماده و احساس ناقصی ایجاد می کند. ژست های شخصیت های مجسمه سازی لحظه حرکت و پیشرفت را به تصویر می کشد.
او. رودین. عکس مربوط به سال 1891
این جهت شامل آثار مجسمه سازی O. Rodin (فرانسه)، Medardo Rosso (ایتالیا)، P.P. Trubetskoy (روسیه).
V. Serov "پرتره پائولو تروبتسکوی"
پاول (پائولو) تروبتسکوی(1866-1938) - مجسمه ساز و هنرمند، کار در ایتالیا، ایالات متحده آمریکا، انگلستان، روسیه و فرانسه. در ایتالیا متولد شد. پسر نامشروع یک مهاجر روسی، شاهزاده پیوتر پتروویچ تروبتسکوی.
از کودکی به طور مستقل به مجسمه سازی و نقاشی مشغول بوده ام. تحصیلات نداشت. در دوره اولیه خلاقیت خود، نیم تنه های پرتره، آثار مجسمه های کوچک را خلق کرد و در مسابقات ساخت مجسمه های بزرگ شرکت کرد.
P. Trubetskoy "بنای یادبود الکساندر سوم"، سنت پترزبورگ
اولین نمایشگاه آثار پائولو تروبتسکوی در سال 1886 در ایالات متحده برگزار شد. در سال 1899 مجسمه ساز به روسیه آمد. در مسابقه ای برای ایجاد بنای یادبود اسکندر سوم شرکت می کند و به طور غیر منتظره برای همه، جایزه اول را دریافت می کند. این بنای تاریخی باعث ارزیابی های متناقضی شده و می شود. تصور یک بنای ایستا و سنگین تر دشوار است. و فقط یک ارزیابی مثبت از خانواده امپراتوری اجازه داد که بنای یادبود جای مناسب خود را بگیرد - در تصویر مجسمه ای آنها شباهت هایی با اصل پیدا کردند.
منتقدان معتقد بودند که تروبتسکوی با روحیه "امپرسیونیسم منسوخ" کار می کند.
تصویر تروبتسکوی از نویسنده درخشان روسی "امپرسیونیستی" تر بود: اینجا به وضوح حرکت وجود دارد - در چین های پیراهن، ریش روان، چرخش سر، حتی این احساس وجود دارد که مجسمه ساز موفق به گرفتن آن شده است. تنش اندیشه ال. تولستوی.
P. Trubetskoy "Best of Leo Tolstoy" (برنز). گالری دولتی ترتیاکوف
"دنیای جدید زمانی متولد شد که امپرسیونیست ها آن را نقاشی کردند"
هانری کانویلر
قرن 19. فرانسه. اتفاقی بی سابقه در نقاشی افتاد. گروهی از هنرمندان جوان تصمیم گرفتند سنت های 500 ساله را متزلزل کنند. به جای یک نقاشی واضح، آنها از یک سکته مغزی گسترده و "درهم" استفاده کردند.
و آنها به طور کامل تصاویر معمول را رها کردند. به تصویر کشیدن همه. و خانمهای با فضیلت آسان و آقایان شهرت مشکوک.
عموم مردم برای نقاشی امپرسیونیستی آماده نبودند. مورد تمسخر و سرزنش قرار گرفتند. و مهمتر از همه، آنها چیزی از آنها نخریدند.
اما مقاومت شکسته شد. و برخی از امپرسیونیست ها زندگی کردند تا پیروزی خود را ببینند. درست است، آنها قبلاً بیش از 40 سال داشتند. مانند کلود مونه یا آگوست رنوار. برخی مانند کامیل پیسارو فقط در پایان زندگی خود منتظر شناخت بودند. برخی مانند آلفرد سیسلی برای دیدن او زنده نبودند.
هر کدام از آنها چه انقلابی به دست آوردند؟ چرا مردم اینقدر طول کشید تا آنها را بپذیرند؟ در اینجا 7 مشهورترین امپرسیونیست فرانسوی را معرفی می کنیم. که همه دنیا می دانند.
1. ادوارد مانه (1832 - 1883)
ادوارد مانه. سلف پرتره با پالت. 1878 مجموعه خصوصیمانه از بسیاری از امپرسیونیست ها پیرتر بود. او الهام بخش اصلی آنها برای تغییر بود.
خود مانه ادعای رهبری انقلابیون را نداشت. او مردی سکولار بود. من آرزوی جوایز رسمی را داشتم.
اما او مدت زیادی منتظر بود تا به رسمیت شناخته شود. عموم مردم می خواستند الهه های یونانی را ببینند. یا در بدترین حالت طبیعت بی جان. برای اینکه در اتاق غذاخوری زیبا به نظر برسید. مانه می خواست زندگی مدرن را نقاشی کند. مثلاً اطفال زاده ها.
نتیجه "صبحانه روی چمن" بود. دو شیک پوش در جمع خانم های با فضیلت آسان در حال استراحت هستند. یکی از آنها، انگار هیچ اتفاقی نیفتاده، کنار مردان لباس پوش می نشیند.
ادوارد مانه. صبحانه روی چمن. 1863، پاریس ناهار روی چمن او را با رومی های توماس کوتور در زوال مقایسه کنید. نقاشی کوتور حسی ایجاد کرد. این هنرمند فوراً مشهور شد.
"صبحانه روی چمن" به ابتذال متهم شد. به زنان باردار به طور جدی توصیه نمی شد که به آن نگاه کنند.
توماس کوتور. رومیان در زوال خود 1847 موزه اورسی، پاریس. artchive.ru در نقاشی کوتور ما تمام ویژگی های آکادمیک (نقاشی سنتی قرن 16-19) را می بینیم. ستون ها و مجسمه ها. افرادی با ظاهر آپولونی. رنگ های سنتی خاموش. آداب ژست ها و ژست ها. طرحی از زندگی دور مردمی کاملاً متفاوت.
«صبحانه روی چمن» نوشته مانه قالبی متفاوت دارد. قبل از او، هیچ کس به این راحتی زنان جلیقه را به تصویر نکشیده بود. نزدیک به شهروندان محترم اگرچه بسیاری از مردان آن زمان اوقات فراغت خود را به این روش سپری می کردند. زندگی واقعی افراد واقعی
یک بار برای یک خانم محترم نامه نوشتم. زشت نمی توانست با برس او را چاپلوسی کند. خانم ناامید شد. او را با گریه ترک کرد.
ادوارد مانه. آنجلینا 1860 موزه اورسی، پاریس. Wikimedia.commons.org بنابراین او به آزمایش ادامه داد. مثلا با رنگ. او سعی نکرد رنگ به اصطلاح طبیعی را به تصویر بکشد. اگر آب خاکستری مایل به قهوه ای را به رنگ آبی روشن می دید، آن را به رنگ آبی روشن به تصویر می کشید.
این البته باعث عصبانیت مخاطب شد. از این گذشته، آنها با تمسخر گفتند، حتی دریای مدیترانه هم نمی تواند به آبی بودن آب مانه ببالد.
ادوارد مانه. آرژنتویل 1874 موزه هنرهای زیبا، تورنای، بلژیک. Wikipedia.org اما واقعیت همچنان یک واقعیت است. مانه به طور اساسی هدف نقاشی را تغییر داد. این نقاشی تجسم فردیت هنرمند شد. کسی که هر طور دلش می خواهد می نویسد. فراموش کردن الگوها و سنت ها
تمام نوآوری ها او را برای مدت طولانی نبخشیدند. او فقط در پایان زندگی خود به رسمیت شناخته شد. زمانی که دیگر به آن نیازی نداشت. او در اثر یک بیماری صعب العلاج به شدت در حال مرگ بود.
2. کلود مونه (1840 - 1926)
کلود مونه. سلف پرتره در کلاه. 1886 مجموعه خصوصی کلود مونه را می توان امپرسیونیست مسیحی نامید. از آنجایی که در طول عمر طولانی خود به این مسیر وفادار بود.
او نه اشیاء و افراد، بلکه یک ساختار تک رنگ از نقاط برجسته و نقاط را نقاشی کرد. سکته مغزی جداگانه. لرزش هوا.
کلود مونه. استخر پارویی. 1869 موزه هنر متروپولیتن، نیویورک. Metmuseum.org مونه نه تنها طبیعت را نقاشی کرد. او در مناظر شهری نیز موفق بود. یکی از مشهورترین - .
عکس های زیادی در این تصویر وجود دارد. به عنوان مثال، حرکت از طریق یک تصویر تار منتقل می شود.
توجه کنید که چگونه درختان و شکل های دور در مه به نظر می رسند.
کلود مونه. بلوار کاپوسین در پاریس. 1873 (گالری هنر اروپایی و آمریکایی قرن 19-20)، مسکو پیش روی ما لحظه ای یخ زده در زندگی شلوغ پاریس است. بدون صحنه سازی هیچ کس ژست نمی گیرد. افراد به صورت مجموعه ای از ضربه های قلم مو به تصویر کشیده می شوند. چنین فقدان طرح و اثر "فریز فریم" از ویژگی های اصلی امپرسیونیسم است.
در اواسط دهه 80، هنرمندان از امپرسیونیسم سرخورده شدند. زیبایی شناسی، البته، خوب است. اما فقدان طرح خیلی ها را افسرده کرد.
فقط مونه ادامه داد. امپرسیونیسم اغراق آمیز که به یک سری نقاشی تبدیل شد.
او همان منظره را ده ها بار به تصویر کشید. در ساعات مختلف روز. در زمان های مختلف سال. برای نشان دادن اینکه چگونه دما و نور می توانند گونه های مشابه را غیرقابل تشخیص تغییر دهند.
بنابراین، انبارهای کاه بی شماری ظاهر شد.
نقاشی های کلود مونه در موزه هنرهای زیبا در بوستون. سمت چپ: انبار کاه در غروب آفتاب در گیورنی، 1891. سمت راست: انبار کاه (اثر برف)، 1891.
لطفا توجه داشته باشید که سایه ها در این نقاشی ها رنگی هستند. و نه خاکستری یا سیاه، همانطور که قبل از امپرسیونیست ها مرسوم بود. این یکی دیگر از ویژگی های آنهاست.
مونه موفق شد از موفقیت و رفاه مادی لذت ببرد. بعد از 40 سالگی فقر را فراموش کرده بود. خانه و باغی زیبا به دست آورد. و سالها برای لذت خودش کار کرد.
در مورد نمادین ترین نقاشی استاد در مقاله بخوانید
3. آگوست رنوار (1841-1919)
پیر آگوست رنوار. سلف پرتره. 1875 موسسه هنر استرلینگ و فرانسین کلارک، ماساچوست، ایالات متحده آمریکا. Pinterest.ru امپرسیونیسم مثبت ترین نقاشی است. و مثبت ترین در میان امپرسیونیست ها رنوار بود.
در نقاشی های او درام پیدا نمی کنید. حتی از رنگ مشکی هم استفاده نکرد. فقط لذت بودن حتی پیش پا افتاده ترین چیزها در رنوار زیبا به نظر می رسند.
برخلاف مونه، رنوار بیشتر مردم را نقاشی می کرد. مناظر برای او اهمیت کمتری داشتند. در نقاشی های او دوستان و آشنایانش در حال آرامش و لذت بردن از زندگی هستند.
پیر آگوست رنوار. صبحانه پاروزنان. 1880-1881 مجموعه فیلیپس، واشنگتن، ایالات متحده آمریکا. Wikimedia.commons.org در رنوار هیچ ژرفایی پیدا نخواهید کرد. او از پیوستن به امپرسیونیست ها بسیار خوشحال بود. که به طور کامل توطئه ها را رد کرد.
همانطور که خودش گفت بالاخره این فرصت را پیدا کرد که گل بنویسد و آنها را به سادگی "گل" بنامد. و هیچ داستانی در مورد آنها اختراع نکنید.
پیر آگوست رنوار. زنی با چتر در باغ. 1875 موزه تیسن بورمنیس، مادرید. arteuam.com رنوار در جمع زنان بهترین احساس را داشت. از کنیزانش خواست آواز بخوانند و شوخی کنند. هر چه آهنگ احمقانه تر و ساده لوح تر باشد برای او بهتر است. و پچ پچ مردها او را خسته می کرد. جای تعجب نیست که رنوار به خاطر لباس های برهنه اش مشهور است.
به نظر می رسد مدل نقاشی "برهنه در نور خورشید" در پس زمینه ای انتزاعی رنگارنگ ظاهر می شود. زیرا برای رنوار هیچ چیز ثانویه نیست. چشم مدل یا قسمتی از پس زمینه معادل هستند.
پیر آگوست رنوار. برهنه زیر نور خورشید 1876 موزه اورسی، پاریس. wikimedia.commons.org رنوار عمر طولانی داشت. و من هرگز قلم مو و پالت خود را زمین نمی گذارم. حتی زمانی که دستانش به دلیل روماتیسم کاملاً غل و زنجیر شده بود، برس را با طناب به دست خود می بست. و او نقاشی کرد.
او مانند مونه پس از 40 سال منتظر شناخت بود. و نقاشی هایم را در موزه لوور در کنار آثار استادان مشهور دیدم.
در مورد یکی از جذاب ترین پرتره های رنوار در مقاله بخوانید
4. ادگار دگا (1834 - 1917)
ادگار دگا. سلف پرتره. 1863 موزه Calouste Gulbenkian، لیسبون، پرتغال. Cultured.com دگا یک امپرسیونیست کلاسیک نبود. او دوست نداشت در هوای آزاد (هوای آزاد) کار کند. شما یک پالت عمدا روشن شده با او پیدا نخواهید کرد.
برعکس، او عاشق یک خط روشن بود. او مشکی زیادی دارد. و به طور انحصاری در استودیو کار می کرد.
اما هنوز او همیشه با امپرسیونیست های بزرگ دیگر در یک ردیف قرار می گیرد. زیرا او یک امپرسیونیست ژست بود.
زوایای غیر منتظره عدم تقارن در چیدمان اجسام. شخصیت هایی که غافلگیر شده اند. همه اینها ویژگی های اصلی نقاشی های اوست.
لحظه ای زندگی را متوقف کرد و به او اجازه نداد به خود بیاید. فقط به "ارکستر اپرا" او نگاه کنید.
ادگار دگا. ارکستر اپرا. 1870 موزه اورسی، پاریس. commons.wikimedia.org در پیش زمینه پشتی یک صندلی است. پشت نوازنده به ماست. و در پس زمینه بالرین های روی صحنه در "قاب" قرار نمی گرفتند. سر آنها بی رحمانه از لبه تصویر "بریده شده" است.
به همین دلیل است که رقصنده های مورد علاقه او همیشه در حالت های زیبا به تصویر کشیده نمی شوند. گاهی اوقات فقط حرکات کششی انجام می دهند.
اما چنین بداهه سازی خیالی است. البته، دگا با دقت در مورد ترکیب فکر کرد. این فقط یک اثر فریز فریم است، نه یک فریم فریز واقعی.
ادگار دگا. دو رقصنده باله 1879 موزه شلبرن، ورموث، ایالات متحده آمریکا ادگار دگا عاشق نقاشی زنان بود. اما بیماری یا ویژگی های بدن اجازه نمی داد که با آنها تماس فیزیکی داشته باشد. او هرگز ازدواج نکرده است. هیچ کس او را با یک زن ندیده بود.
فقدان سوژه های واقعی در زندگی شخصی او اروتیسمی ظریف و شدید به تصاویر او اضافه کرد.
ادگار دگا. ستاره باله 1876-1878 موزه اورسی، پاریس. wikimedia.comons.org لطفا توجه داشته باشید که در نقاشی "ستاره باله" فقط خود بالرین به تصویر کشیده شده است. همکاران او در پشت صحنه به سختی قابل مشاهده هستند. فقط چند پا
این بدان معنا نیست که دگا نقاشی را کامل نکرده است. این پذیرایی است. فقط مهم ترین چیزها را در کانون توجه قرار دهید. بقیه را ناپدید کنید، ناخوانا.
سایر نقاشی های استاد را در مقاله بخوانید
5. برت موریسو (1841 - 1895)
ادوارد مانه. پرتره برت موریسو. 1873 موزه Marmottan-Monet، پاریس. Berthe Morisot به ندرت در ردیف اول امپرسیونیست های بزرگ قرار می گیرد. مطمئنم سزاوار نیست در کار او است که شما تمام ویژگی ها و تکنیک های اصلی امپرسیونیسم را خواهید یافت. و اگر امپرسیونیسم را دوست دارید، کار او را با تمام وجود دوست خواهید داشت.
موریسو به سرعت و با شتاب کار کرد. انتقال برداشت خود به بوم. به نظر می رسد این ارقام در حال حل شدن در فضا هستند.
برت موریسو. تابستان. 1880 موزه فابری، مونپلیه، فرانسه. مانند دگا، او اغلب برخی از جزئیات را ناتمام می گذاشت. و حتی قسمت هایی از بدن مدل. ما نمی توانیم دست های دختر را در نقاشی "تابستان" تشخیص دهیم.
مسیر موریسو برای ابراز وجود دشوار بود. او نه تنها درگیر نقاشی "بی دقت" بود. او هنوز یک زن بود. آن روزها قرار بود زنی آرزوی ازدواج داشته باشد. پس از آن هر نوع سرگرمی فراموش شد.
بنابراین، برتا برای مدت طولانی از ازدواج امتناع کرد. تا اینکه مردی را پیدا کرد که به شغل او احترام می گذاشت. یوجین مانه برادر هنرمند ادوارد مانه بود. او وظیفه‌آمیز در آرزوی سه‌چرخ و رنگ‌های همسرش بود.
برت موریسو. یوجین مانه با دخترش در بوگیوال. 1881 موزه Marmottan-Monet، پاریس. اما هنوز در قرن 19 بود. نه، من شلوار موریزو نپوشیدم. اما او نمی توانست آزادی کامل حرکت را تامین کند.
او نمی توانست به تنهایی برای کار به پارک برود. بدون همراهی یکی از نزدیکان. نمی توانستم در یک کافه تنها بنشینم. بنابراین، نقاشی های او مربوط به افراد خانواده است. شوهر، دختر، اقوام.
برت موریسو. زنی با یک کودک در باغی در بوگیوال. 1881 موزه ملی ولز، کاردیف. موریسو منتظر شناخت نشد. او در سن 54 سالگی بر اثر ذات الریه درگذشت. بدون اینکه تقریباً هیچ یک از کارهایش را در زمان حیاتش بفروشد. در گواهی فوت او، یک خط تیره در ستون "شغل" وجود داشت. غیرقابل تصور بود که یک زن هنرمند نامیده شود. حتی اگر واقعاً بود.
در مورد نقاشی های استاد در مقاله بخوانید
6. کامیل پیسارو (1830-1903)
کامیل پیسارو. سلف پرتره. 1873 موزه اورسی، پاریس. Wikipedia.org کامیل پیسارو. بدون تعارض، معقول. بسیاری او را معلم می دانستند. حتی خوش اخلاق ترین همکاران هم در مورد پیسارو بد صحبت نکردند.
او از پیروان وفادار امپرسیونیسم بود. در نیاز شدید، با داشتن پنج فرزند و همسر، همچنان به همان سبک تلاش می کرد. و من هرگز به نقاشی سالن تغییر نکردم. تا محبوب تر شود. معلوم نیست که او از کجا این قدرت را پیدا کرده که خودش را کاملاً باور کند.
پیسارو برای اینکه اصلاً از گرسنگی نمرده، طرفداران را نقاشی کرد. که با اشتیاق خریداری شدند. اما شناخت واقعی بعد از 60 سال به سراغش آمد! وقتی بالاخره توانست نیازش را فراموش کند.
کامیل پیسارو. کالسکه در لووسین. 1869 موزه اورسی، پاریس هوا در نقاشی های پیسارو غلیظ و متراکم است. تلفیقی فوق العاده از رنگ و حجم.
این هنرمند از ترسیم تغییرپذیرترین پدیده های طبیعی ترسی نداشت. که برای لحظه ای ظاهر می شود و ناپدید می شود. اولین برف، خورشید یخ زده، سایه های بلند.
کامیل پیسارو. فراست. 1873 موزه اورسی، پاریس مشهورترین آثار او نماهایی از پاریس است. با بلوارهای عریض، جمعیتی شلوغ و رنگارنگ. در شب، در روز، در آب و هوای مختلف. از جهاتی بازتاب مجموعه ای از نقاشی های کلود مونه است.