خلاصه: سبک باروک در فرانسه. ویژگی های اصلی معماری باروک باروک فرانسه -

در زمان سلطنت لویی چهاردهم، فرانسه قدرتمندترین قدرت اروپا شد، چه از نظر نظامی و چه از نظر فرهنگی. در پایان قرن هفدهم، پاریس برای کسب عنوان پایتخت جهانی هنرهای زیبا و کاربردی با رم رقابت می‌کرد، اگرچه شهر ابدی قرن‌ها این عنوان را داشت. این تغییر چگونه به وجود آمد؟ به دلیل کاخ ورسای و دیگر پروژه‌های بزرگی که پادشاه فرانسه را به شهرت رساند، وسوسه می‌شویم که هنر فرانسوی لویی چهاردهم را به‌عنوان بیانی از مطلق‌گرایی ببینیم. این برای دوران اوج کاملاً صادق است - سلطنت لویی چهاردهم، 1660-1685 - اما در این زمان هنر فرانسوی قرن هفدهم قبلاً سبک هنری مشخص خود را به دست آورده بود.

فرانسوی ها دوست ندارند این سبک هنری را باروک بنامند. برای آنها، این سبک لویی چهاردهم است. آنها اغلب از هنر و ادبیات این دوره به عنوان "کلاسیک" یاد می کنند. در این زمینه، این کلمه می تواند سه معنای متفاوت داشته باشد. اول از همه، این مترادف برای "بالاترین دستاورد" است، به این معنی که سبک لویی چهاردهم مطابق با رنسانس عالی در ایتالیا یا دوره پریکلس در یونان باستان است. این اصطلاح همچنین برای اشاره به تقلید از شکل و محتوای دوران باستان کلاسیک استفاده می شود. در نهایت، مفهوم «کلاسیک» متضمن ویژگی‌هایی است که در هنرمندان دوران باستان و رنسانس نهفته است، مانند تعادل و محدودیت. معانی دوم و سوم، پدیده‌هایی را توصیف می‌کنند که به درستی «کلاسیک» خوانده می‌شود. از آنجایی که سبک دوران لویی چهاردهم از هنر باروک ایتالیا بیرون آمده است، می توان آن را "کلاسیکیسم باروک" نامید.

خاستگاه این کلاسیک گرایی بیشتر هنری بود، نه سیاسی. معماری قرن شانزدهم فرانسه و تا حدودی مجسمه سازی، بیش از هر کشور شمالی دیگری با رنسانس ایتالیا مرتبط بود، اگرچه در نقاشی سبک مانریستی مکتب فونتنبلو متأخر همچنان تسلط داشت تا اینکه

آغاز قرن هفدهم (نگاه کنید به صفحات 268-270). اومانیسم فرانسوی با میراث فکری عقل و خیرخواهی رواقی خود نیز به توسعه کلاسیک گرایی کمک کرد. این عوامل گسترش باروک در فرانسه را مهار کرد و تفسیر آن را تغییر داد. برای مثال، چرخه مدیچی روبنس (نگاه کنید به ill. 287)، تا پایان قرن هیچ تأثیری بر هنر فرانسه نداشت. در دهه 1620، زمانی که روبنس روی آن کار می کرد، هنرمندان جوان در فرانسه تازه بر سبک باروک اولیه تسلط داشتند.

302. ژرژ دو لاتور سنت جوزف نجار. خوب. 1645 رنگ روغن روی بوم. 129.9 x 101 سانتی متر لوور، پاریس

باروک در فرانسه: دوران ورسای 317

303. نیکلاس پوسین. تجاوز به زنان سابین. خوب. 1bZb-1637 رنگ روغن روی بوم. 154.6 x 209.9 سانتی متر موزه هنر متروپولیتن، نیویورک. بنیاد هریس بریزبن دیک، 1946

رنگ آمیزی

ژنوم و جذابیت آن به هندسی ساده شده

فرانسوی

پوسین. چرا دو لاتور به سرعت فراموش شد؟

نقاشان تحت تأثیر کاراواجو، اگرچه کاملاً روشن نیست

دلیل آن ساده است: پس از دهه 1640 در فرانسه

چگونه سبک او را پذیرفتند. اینها داخل بودند

تحت سلطه کلاسیک گرایی آرت د لاتور با او

بیشتر هنرمندان کوچکی که در آن کار می کردند

وضوح، تعادل و محدودیت

استان ها، اما برخی از آنها توانستند به دست بیاورند

تعیین کنید

مدت، اصطلاح

به شیوه ای کاملا مستقل برازنده ترین

"کلاسیک" - به ویژه هنگامی که با دیگران مرتبط است

در میان آنها -

Latour (1593-1652)، برآورد

گیمی کارواگیست نقاشان، اما «کلاسی

چه کسی

شایستگی

فقط دویست سال

او البته

بود. بیشتر

جشن ها

کلاسیک گرایی

هنر

نیکولا ساخته

بعد. نقاشی او "St. یوسف نجار» (تصویر 302)

پوسین (1593/94-1665). اگرچه پوسین عالی بود

به اشتباه

ژانر. دسته

هنرمند قرن فرانسوی ما و اولین در

کار،

معنویت،

فرانسوی

نقاش،

تسخیر کرده

که در اینجا همان ویژگی قوی را تشکیل می دهد

به رسمیت شناختن بین المللی،

او، با این حال، تقریبا

نقاشی کاراواجو "دعوت قدیس متی" (نگاه کنید به بد.

تمام زندگی خود را در رم گذراند. وجود دارد، الهام گرفته شده است

رافائل، او سبکی را توسعه داد که بعدها تبدیل شد

reception de Latour - که صحنه را با

یک مدل ایده آل برای هنرمندان فرانسوی

صمیمیت

لطافت

یادآور

نیمه دوم قرن

آثار Geertgen tot Sin Jans (نگاه کنید به ill. 193)، د

نقاشی «تجاوز به زنان سابین» (تصویر 303)

لاتور با گیرت شریک می شود

می تواند به عنوان نمونه ای از انضباط سخت در

318 باروک در فرانسه: عصر ورسای

304. نیکلاس پوسین. تولد باکوس. خوب. 1657 رنگ روغن روی بوم. 123 × 179 سانتی‌متر موزه هنر فاگ، موزه‌های هنر دانشگاه هاروارد، کمبریج (ماساچوست). هدیه خانم ساموئل ساکس به یاد همسرش آقای ساموئل ساکس

سبک فکری پوسین به نظر می‌رسد که پیکره‌هایی که به دقت نقاشی شده‌اند، مانند مجسمه‌ها «در عمل منجمد شده‌اند» و بسیاری از آنها در واقع از مجسمه‌های هلنیستی به عاریت گرفته شده‌اند. پوسین آنها را در مقابل آنچه که از نظر او بازسازی های دقیق باستان شناسی معماری رومی است قرار داد. لمسی از آن آترالیته در ترکیب بندی وجود دارد، و نه بی دلیل - با حرکت مجسمه های گلی در اطراف یک شباهت مینیاتوری از صحنه ایجاد شد، تا زمانی که چیدمان آنها برای هنرمند درست به نظر می رسید. احساسات به وفور در تصویر نشان داده شده اند، اما به وضوح فاقد خودانگیختگی هستند و هیچ احساسی در ما ایجاد نمی کنند. بدیهی است که اصول هنری مورد استفاده در اینجا به رافائل برمی گردد. یا به عبارت دقیق‌تر، رافائل از آنیبال کاراکی و مدرسه‌اش گذشت (ر.ک. ill. 273, 274). ویژگی های ونیزی که قبلاً در ابتدای کار این هنرمند ظاهر می شد ، عمداً توسط او سرکوب شد. پوسین می تواند ما را به عنوان مردی معرفی کند که کاملاً تابع ذهن خود بوده است - این برداشت با نامه های متعددی تأیید می شود که او در آنها تصمیم می گیرد.

نظرات خود را به دوستان و حامیان. او معتقد بود که بالاترین هدف نقاشی، به تصویر کشیدن اعمال متعالی و جدی انسانی است. آنها باید به شیوه ای منطقی و منظم ترسیم شوند. یعنی نه آن‌گونه که چیزها در واقع اتفاق افتاده‌اند، بلکه آن‌طور که اگر طبیعت کامل بود، اتفاق می‌افتند. برای این منظور، هنرمند باید برای امر کلی و معمولی تلاش کند. او که بیشتر به ذهن متوسل می شود تا حواس، باید کمتر به چیزهای بی اهمیتی مانند رنگ توجه کند و بیشتر به فرم توجه کند.

و ترکیبات در یک تصویر خوب، بیننده همیشه قادر خواهد بود احساسات دقیق هر چهره را "بخواند".

و آنها را به داستان مرتبط کنید این ایده ها جدید نبود. بیان باستانی «ut pictura poesis» («نقاشی همان شعر است») و گفته لئوناردو که بالاترین هدف نقاشی، به تصویر کشیدن «نیات روح انسان» است (رجوع کنید به ص 244، 291) به یادمان می آید. با این حال، قبل از پوسین، هیچ کس چنین تشابه نزدیکی بین نقاشی و ادبیات قائل نبود و این نظریه را با این لفظ واقعی به عمل نمی‌آورد. این روش هنرمند است که وجود یک ریتو سرد و مهم را که ما احساس می کنیم توضیح می دهد.

riki در تجاوز به زنان سابین، که باعث می‌شود تصویر برای ما بسیار غریبه به نظر برسد، اگرچه نمی‌توانیم نظم دقیق آن را تحسین نکنیم.

مطابق با این دیدگاه‌های نظری، پوسین «مناظر ایده‌آل» را نیز نقاشی کرد و به نتایج بسیار چشمگیری دست یافت، زیرا این مناظر با زیبایی محدود و آرامش معنادار مشخص شدند. پوسین با این روحیه کاملاً عقل‌گرایانه تا اواسط قرن هفدهم کار کرد، تا زمانی که شروع به نقاشی مجموعه‌ای از مناظر کرد که نشانه بازگشت او به موضوع اسطوره‌ای بود که در میانسالی رها کرده بود. سبک تیتیانیایی آثار اولیه او در آنها با کلاسیک گرایی متأخر رافائلی ترکیب شده است که منجر به نوع جدیدی از منظر اسطوره ای می شود که از نظر روحی نزدیک به کلود لورن است (به پایین مراجعه کنید)، اما سرشار از تداعی های شخصی است که چندین سطح معنایی به تصاویر می دهد. در واقع، تأملات متاخر هنرمند به درستی مراقبه های متعالی نامیده می شد، زیرا آنها حاوی تصاویر کهن الگویی با اهمیت جهانی هستند. تولد باکوس (میلادی 304) که یکی از عمیق‌ترین آثار این هنرمند است، از مضمون بزرگ رواقیون استفاده می‌کند (پوسین در سنین جوانی دو بار به آن پرداخته است) که معتقد بودند حتی در دوران جوانی باید انتظار مرگ را داشت. خوشبخت ترین دنیاها این تصویر لحظه ای را به تصویر می کشد که نوزادی که از اتحاد مشتری با الهه ماه سمله متولد شده و از ران او متولد شده است، توسط عطارد به الهه رودخانه دیرک منتقل می شود، در حالی که ساتیور پان با الهام شاد، فلوت می نوازد. (خود مشتری توسط خدایان جنگل بزرگ شده است؛ به بیمار مراجعه کنید. 290). اجرای تصویر با درخشش متمایز نمی شود - نوشتن برای هنرمند در سنین بالا دشوار بود، که عدم قطعیت ضربه قلم را توضیح می دهد. با این وجود، پوسین این را به نفع خود تبدیل کرد و تولد باخوس ناب ترین تجسم نیت هنری در فرم تصویری است. تصویر مملو از غزلیات واضح است که از یک سو شادی زندگی را بیان می کند و از سوی دیگر پیشگویی های تاریک مرگ را بیان می کند: در سمت راست، پوره اکو بر بدن نارسیس، مرد جوان زیبایی که از او غافل شده، هق هق می کند. عشق و غرق شد و انعکاس خود را در آب بوسید.

کلود لورن. اگر پوسین ویژگی های قهرمانانه "منظره ایده آل" را توسعه داد، پس نقاش بزرگ منظره فرانسوی کلود لورن (1600-1682) بر نقوش بت های آن تأکید کرد. تقریباً تمام زندگی خلاقانه این هنرمند نیز گذشت

باروک در فرانسه: دوران ورسای 319

در رم. کلود مانند بسیاری از مردم شمالی، حومه شهر نزدیک پایتخت (Campagne) را بهتر از هر ایتالیایی یاد گرفته بود و واقعاً آن را دوست داشت. طرح های طبیعی بی پایان گواه بر قدرت مشاهده خارق العاده اوست. همچنین مشخص است که او اولین نفر در بین هنرمندانی بود که شروع به نقاشی طرح هایی از طبیعت در روغن کرد. با این حال، این طرح‌ها تنها طرح‌های اولیه نقاشی‌ها بودند که در آن‌ها به دقت توپوگرافی دست نیافته بود، بلکه انتقال حال و هوای شاعرانه منظر روستایی بود که مملو از پژواک دوران باستان بود. اغلب، به عنوان مثال، در "چشم انداز شبانی" (ill. 305)، ترکیب توسط فضای مه آلود و در عین حال پر از نور لرزان فضای صبح زود یا نزدیک به عصر پر می شود. فضایی که به دوردست‌ها فرو می‌رود، به آرامی باز می‌شود، و نه قدم به قدم، مانند مناظر ایده‌آل پوسین. با دیدن چنین گستره هایی، بیننده با حس اشتیاق به گذشته که با خاطره مزین شده است، تسخیر می شود. بنابراین، مناظر لورن به ویژه توسط بریتانیایی ها که ایتالیا را فقط برای مدت کوتاهی دیدند، یا اصلاً به آنجا نرفتند، دوست داشتند.

Vue. سیمون ووز (1590-1649) در سنین پایین نیز در رم زندگی می‌کرد و در آنجا رهبری حلقه‌ای از کارواژکاران فرانسوی را بر عهده داشت. با این حال، برخلاف پوسین و کلود لورن، او به سرعت تمام آثار سبک کاراواگیست را کنار گذاشت و بر اساس دستاوردهای کاراچی، سبک رنگارنگی را خلق کرد که چنان در جهان شناخته شد که ووئه را اولین هنرمند پادشاه نامیدند. به محض ورود، او اسلاف بزرگ ایتالیایی شمالی باروک را فراموش نکرد. تابلوی «توالت زهره» (تصویر 306) طرحی را به تصویر می‌کشد که در ونیز از تیتیان تا ورونز رایج است. چهره نقاشی شده توسط Vue نیز شبیه Io Correggio است (نگاه کنید به ill. 252)، اما هیچ اروتیسم آشکاری در آن وجود ندارد. در عوض، هنرمند به او ویژگی‌هایی از حساسیت برازنده بخشیده است که از هنر منظم پوسین بسیار دور است. از قضا، توالت ونوس در حدود سال 1640 نوشته شد، تقریباً همزمان با آغاز اقامت غم انگیز پوسین در پاریس، جایی که او به دعوت لویی سیزدهم وارد شد. پوسن سی سال بعد موفق تر از برنینی نبود (رجوع کنید به صفحات 323-324) و چند سال بعد پاریس را به شدت ناامید از چنین استقبال سردی در دادگاهی ترک کرد که سلیقه و آرزوهای سیاسی آن به طرز غیرقابل مقایسه ای توسط ووئه بهتر درک شد. رقابت آنها به نوعی بعدها ادامه یافت. سبک تزئینی Vouet پیش نیازهای ظهور روکوکو را ایجاد کرد، اما این کلاسیک گرایی پوسین بود که در فرانسه موقعیت پیشرو را به خود اختصاص داد. هر دو ترا

320 باروک در فرانسه: عصر ورسای

305. کلود لورن منظره شبانی. خوب. بشقاب مسی 1650 روغن. 40.3 x 54.9 سانتی متر.

گالری هنر دانشگاه ییل، نیوهیون، کانکتیکات. FundLeoK. حنا جوان

306. SimonVue. توالت زهره. خوب. 1640 رنگ روغن روی بوم. 165.7 x 114.3 سانتی متر موسسه کارنگی، پیتسبورگ

لشگرها تا پایان دوره رمانتیک با یکدیگر به رقابت پرداختند و به نوبت پیشقدم شدند، اما هیچکدام نتوانستند برای مدت طولانی به برتری ملموسی دست یابند.

آکادمی سلطنتی

هنگامی که لوئی چهاردهم جوان در سال 1661 به قدرت رسید، ژان باپتیست کولبر، مشاور ارشد او، یک دستگاه اداری برای حمایت از سلطنت مطلقه راه اندازی کرد. در این نظام که هدف آن تحت کنترل شدید افکار و اعمال کل ملت از بالا بود، هدف هنرهای تجسمی تجلیل از شاه بود و کلاسیک گرایی هم در تئوری و هم در عمل به «سبک سلطنتی» رسمی تبدیل شد.

تاریخچه ظهور سبک

سبک هنر باروک در اواخر قرن شانزدهم در ایتالیا شکل گرفت. تاریخچه این نام مربوط به ملوانان پرتغالی است که از کلمه باروکو برای تعیین مرواریدهای معیوب با شکل نامنظم استفاده می کردند. ایتالیایی ها به راحتی این اصطلاح را پذیرفتند و آن را با جلوه های هنری و عجیب یک روند فرهنگی جدید ترکیب کردند.

ظهور باروک با محو شدن رنسانس همراه است: سازندگان با کنار گذاشتن مفاهیم هماهنگی کلاسیک و نظم جهانی سختگیرانه، بر مبارزه بین عقل و احساسات تمرکز کردند. از این پس کانون توجه آنها نیروهای عناصر، بیان، عرفان است.

در طول قرن های 17 و 18، باروک در معماری، هنر و موسیقی به طور گسترده در سراسر اروپا و آمریکا گسترش یافت و به روسیه آمد. دوران شکوفایی این سبک مصادف با تقویت سلطنت مطلقه، توسعه مستعمرات و تقویت مذهب کاتولیک بود. منطقی است که در برنامه ریزی شهری در مقیاس و یادبود خود را نشان دهد.

ویژگی های باروک

سبک باشکوه، پیچیده و با تزئینات غنی در ساخت کاخ های شهری، اقامتگاه ها و صومعه ها استفاده می شد. راه حل های معماری معماران دربار منوط به یک ایده است: شگفتی و لذت.

فرم

ویژگی اصلی باروک ایجاد فضایی منحنی است که در آن صفحات و حجم ها منحنی هستند و به یکدیگر می ریزند، بیضی ها و مستطیل ها در پلان ها غالب هستند.

در طراحی نما، هنگامی که بخشی از دیوار کمی به جلو در معرض دید قرار می گیرد یا برعکس، همراه با تمام عناصر عمیق تر می شود، از شن کش استفاده می شود. به نظر می رسد تناوب مقاطع محدب و مقعر با اثر توهم فضایی. انواع پنجره‌ها، برج‌ها و بالکن‌ها ترکیب نما را جلوه‌تر می‌کنند.

سفارش

یکی از ویژگی های بارز ساختمان های باروک نقض عمدی نسبت ها در سیستم سفارش عتیقه است.

بخش‌هایی از نظم (پایه، گلدسته، سرستون) کشیده شده، روی هم قرار گرفته، پیچ خورده است. یک ساختار هماهنگ قبلی (متناسب با یک شخص) انبوه و ریتمی خشن به دست می آورد.

دکور بیرونی و داخلی

ویژگی های اصلی باروک همچنین شامل تزئین بیش از حد است که دلایل زیادی برای اتهامات بد سلیقه ارائه می دهد.

دیوارها عملاً در زیر گچبری، نقاشی، پانل های حک شده، مجسمه ها، ستون ها، آینه ها ناپدید می شوند. میل به غول پیکر در مبلمان سنگین، کمد لباس های بزرگ، پله ها آشکار می شود. اگر به طور خلاصه در مورد باروک صحبت کنیم، پس این سبکی از افراط است. با توجه به تناوب مناطق روشن و سایه دار، نور جانبی قابل تنظیم، صنعتگران جلوه های نوری گسترش فضا را ایجاد کردند. رنگ های طلایی، آبی، صورتی فضایی باشکوه را ایجاد می کنند.

ارتباط با فضای اطراف

توصیف ما از سبک باروک بدون تاکید بر اتحاد ساختمان ها با محیط اطراف ناقص خواهد بود: یک میدان شهر، یک پارک، یک باغ. این یک روند مترقی بود، ساختمان ها شروع به یکی شدن با منظره کردند: از این پس، فواره ها، ترکیبات مجسمه سازی، مسیرهای شکسته و چمنزارها بخش کاملی از مجموعه های کاخ هستند.

عناصر معماری باروک

• نماهای باروک به طور فعال با ستون ها، نقش برجسته های بزرگ، شیروانی های قوسی تزئین شده است.

پلات‌بندهای با تراش‌دهی زیاد لزوماً مجهز به یک سنگ کلید هستند. پنجره ها به شکل بیضی، نیمکره، دهانه مستطیلی ساخته می شوند. به‌جای ستون‌هایی برای حمایت از سقف‌های تیر، نرده‌ها و طاق‌های سقف، مجسمه‌های کاریاتیدها و آتلانتیس‌ها نصب شده است.

• ترکیب بندی مجسمه های یادبود یکی از عناصر مشخصه سبک است.

حالت و حالات چهره شخصیت های اساطیری و کتاب مقدس، تنش عاطفی، درام طرح داستان را منتقل می کند که با مفهوم ساختار پیچیده جهان و احساسات انسانی مطابقت دارد.

• زیور آلات سنتی باروک شامل عربیسک ها، گلدسته ها، صدف ها، کارتوچ ها، گلدان های گل، قرنیز و آلات موسیقی است.

هر جزئیات به شکلی غنی قاب شده است. در دسته ای از سبک های تاریخی نزدیک به باروک، روکوکو و کلاسیک، اولین مورد به طور قابل توجهی با عشق به دکوراسیون بیش از حد متمایز می شود. سپس روکوکو این ویژگی را انتخاب می کند و تأکید بیشتری بر زیبایی و پیچیدگی می گذارد.

• یکی از ویژگی های باروک معماری، استفاده فعال از ماکارون ها در طراحی نما (نقابی به شکل صورت انسان یا پوزه حیوان، واقع در تمام صورت) است.

آنها از سنگ و گچ ساخته شده بودند، بالای درب ورودی، دهانه های پنجره، طاق ها قرار می گرفتند. هر ماسک شخصیت خاص خود را دارد: آرام، ترسناک، خنده دار. ماکارون های موضوعی مطابق با مشخصات مؤسسه انتخاب شدند: تصاویر الهه عدالت، سرهای شیر در دادگاه آویزان شدند، شخصیت های نمایشی روی تئاتر آویزان شدند، فرشتگان و کودکان در کلیسا آویزان شدند.

سبک باروک در ایتالیا

در هر یک از کشورها، سبک معماری جدید تحت تأثیر شرایط سیاسی، اجتماعی و فرهنگی خود را نشان داد. در این راستا می توان در مورد انواع ملی باروک صحبت کرد: ایتالیایی، فرانسوی، اسپانیایی، آلمانی، انگلیسی، روسی.

در میراث جهانی، باروک ایتالیایی منبع اصلی و الهام بخش در نظر گرفته شده است. نقش پیشرو در توسعه معماری بر عهده واتیکان بود. کلیسای کاتولیک در قرن شانزدهم شروع به ساخت و ساز فعال معابد و کلیساها کرد، و در مقیاس نه چندان چشمگیر و با شکوه و از نظر طراحی پر احساس.

در میان اولین ساخته شده کلیسای معروف Il Gesu، پروژه Giacomo Barozzi da Vignola. چندین سفارش در طراحی نمای اصلی ترکیب شده است. پیچ های موجدار گسترده در طرفین هر دو ردیف نما را به هم متصل می کنند، چنین تصمیمی به کتاب درسی کلیساهای این دوره تبدیل شده است.

بزرگترین معماران باروک ایتالیایی قرن هفدهم، لورنزو برنینی، فرانچسکو بورومینی، گوارینو گوارینی، کارلو راینالدی هستند. کل جهان میدان سنت پیتر در رم را می شناسد - پروژه L. Bernini، که در آن ستون یک چشم انداز مصنوعی ایجاد می کند و به صورت بصری اندازه کلیسای جامع را افزایش می دهد.

باروک فرانسوی

ویژگی های اصلی باروک در فرانسه خود را بیشتر در دکوراسیون داخلی نشان می دهد، در حالی که کلاسیک در دکوراسیون نما غالب است.

نمونه بارز این رویکرد، کاخ ورسای است که توسط لویی لوو و ژول هاردوین-مانسار طراحی شده است. تم باروک در طراحی نما تنها با مجسمه هایی نشان داده می شود که با هندسه مستقیم ساختمان با فرم های رسا در تضاد است.

دکوراسیون مجلل باروک در فضای داخلی کاخ، به ویژه در تالارهای جنگ و صلح، گالری آینه حاکم است.

معماران فرانسوی باروک و کلاسیک را در طراحی عمارت های شهری و اقامتگاه های روستایی ترکیب می کنند. فانتزی هنری جای خود را به نقش اصلی شدت فرم ها می دهد. معماران اصلی این دوره ژاک لمرسیه، فرانسوا مانسارت، لوئی لوو هستند.

معماری قلعه از قلعه‌های چهار گوش سنتی به مجموعه‌ای از ساختمان مرکزی و بال‌های جانبی، با جاده‌های دسترسی و باغ‌های پرورش‌یافته حرکت می‌کند. حجم ها ساده می شوند، تعداد گچ بر روی نما کاهش می یابد، ابعاد ساده تر می شوند - اینها نمونه هایی از باروک در طراحی قلعه های Vaud، Montmorency، Chanet، Maison-Lafitte هستند.

معماری اسپانیا، پرتغال و آمریکای لاتین

جهت باروک به وضوح در آثار برادران اسپانیایی Churriguera (قرن 17-18) تجلی یافت ، کار آنها حتی نام خود را گرفت - churrigueresque.

نماها و فضاهای داخلی مملو از تزئینات مجلل هستند و با جزئیات بیش از حد اشباع شده اند: پایه های شکسته، قرنیزهای مواج، فرها، گلدسته ها، نرده ها. معروف ترین ساختمان این سبک باروک، کلیسای جامع سنت جیمز در سانتیاگو د کامپوستلا است.

بخش دیگری از معماری اسپانیایی تحت تأثیر سنت های ایتالیایی و فرانسوی توسعه یافت. نمونه بارز آن کاخ سلطنتی در مادرید است که به شکل ورسای توسط معمارانی از ایتالیا ساخته شده است: فیلیپو یووارا، جیووانی ساکتی، فرانچسکو ساباتینی. نماهای کلاسیک سخت در اینجا با دکوراسیون داخلی باروک باشکوه ترکیب شده است.

کاخ های باروک پرتغالی بخشی از میراث فرهنگی جهانی هستند:

• نمای کاخ رایو (طراحی شده توسط آندره سوارس) با گچ کاری فراوان تزئین شده است که به دلیل تنوع در فرم ها، جلوه ای پویا ایجاد می شود.

• بزرگترین کاخ سلطنتی در کشور، مافرا، ترکیبی از یک بازیلیکا، یک کتابخانه باشکوه و یک صومعه فرانسیسکن است.

• کاخ Mateus (طراحی شده توسط Nicolau Nasoni ایتالیایی) دارای وضعیت بنای یادبود ملی پرتغال است، پارکی با مجسمه های مرمری در اطراف آن قرار دارد.

پس از گسترش به دنیای جدید، سبک باروک طرفدارانی را از آرژانتین تا مکزیک به دست آورد. نمونه های معمول کلیساهای جامع در تاکسکو و مکزیکو سیتی، مملو از دکور، با برج های گوشه ای اغراق آمیز هستند.

باروک روسی

در امپراتوری روسیه، سبک معماری به شیوه ای خاص توسعه یافت. او با در نظر گرفتن سنت های معماری روسیه، خود را با قوانین اروپای غربی در زمان پتر کبیر غنی کرد. بالاترین نقطه در اواسط قرن هجدهم بود، زمانی که غرب در حال کنار گذاشتن شکوه به نفع شدت کلاسیک بود.

ویژگی های سبک باروک در روسیه:

• پلان های معماری و ترکیب بندی های سه بعدی با سادگی و ساختار واضح تر مشخص می شوند.
• متریال اصلی برای تزیین نما، گچ با جزئیات گچی است و مانند غرب، سنگ نیست. بنابراین، تأکید بیشتری بر مدل‌سازی تزئینی و طرح‌های رنگی وجود دارد.
• ساختمان‌های باروک روسی در رنگ‌های روشن و متضاد (آبی، سفید، زرد، قرمز، آبی) ساخته شده‌اند که با طلاکاری پوشانده شده‌اند، سقف‌های پیچیده از قلع ساخته شده‌اند. این مجموعه یک شخصیت جشن و بزرگ ایجاد می کند.

در توسعه معماری داخلی، مرسوم است که چندین مرحله تاریخی را متمایز کنیم.

باروک مسکو، اواخر قرن هفدهم

این شامل مقصدهایی است که به نام مشتریان نامگذاری شده اند.

ویژگی های بارز سبک باروک ناریشکین: تقارن، طبقه بندی، مرکزیت، جزئیات سفید در پس زمینه قرمز. ترکیبی از تکنیک ساخت و ساز چوبی و سنگی روسی باستان با گوتیک اروپایی، منریسم، رنسانس. کلیسای معروف چند طبقه شفاعت مقدس الهیه در فیلی به این شکل طراحی شده است.

جهت Golitsyn فقط از دکور باروک در دکوراسیون داخلی استفاده می کند. میراث معماری کلیسای علامت مریم مقدس در دوبروویتسی است.

ساختمان های استروگانف دارای یک شبح پنج گنبدی (سنتی برای یک کلیسای روسی) هستند. دکور باروک اینجا بسیار غنی و دقیق است. یک نمونه کلیسای اسمولنسک در نیژنی نووگورود است.

باروک پیتر در اواخر قرن 17-18

در زمان پیتر کبیر، معماران خارجی در روسیه کار کردند و تجربه اروپایی را به صنعتگران داخلی منتقل کردند. آندریاس شلوتر آلمانی غار را در باغ تابستانی سنت پترزبورگ ایجاد می کند. یوهان گوتفرید شیدل، همچنین از آلمان، بر ساخت کاخ منشیکوف در جزیره واسیلیفسکی، در اورانین باوم، استرلنا، کرونشتات نظارت داشت. در پروژه ها مراسم باروک وجود دارد، اما دیوارها صاف و بدون توهمات پیچیده هستند.

اولین معمار روسی که تحصیلات رسمی دریافت کرد، میخائیل گریگوریویچ زمتسوف بود. او که به سبک باروک روسی کار می کرد، کاخ آنیچکوف، اقامتگاه های تابستانی، آلاچیق های پارک در سنت پترزبورگ، کاخ در ریول را طراحی و ساخت و در ساخت برج ناقوس در مجموعه قلعه پیتر و پل شرکت کرد.

معماری باروک اواسط قرن 18

در دوران سلطنت امپراطور الیزابت (1740-1750)، دوره ای از باروک بالغ آغاز می شود که به آن الیزابت می گویند. در این زمان B.F. راسترلی، دی. اوختومسکی، اس. شواکینسکی.

ساخت مجموعه های یادبود برای تقویت اعتبار مقامات امپراتوری و نجیب خواسته می شود: کاخ ها، کلیساها، صومعه ها، اقامتگاه های کشور. آپارتمان های کاخ بر اساس اصل انفیلاد برنامه ریزی شده اند، سالن های داخل با کنده کاری های طلاکاری شده، گچ بری، آینه ها و پارکت های تایپ تزئین شده است. شرایط منحصرا تشریفاتی است.

سبک باروک که در آن زمان در روسیه به اوج خود رسید، با کارهای بارتولومئو فرانچسکو راسترلی مرتبط است. نویسندگی او متعلق به کاخ Tsarskoye Selo Catherine، صومعه Smolny، استروگانف، Vorontsov و کاخ های زمستانی است.

سبک معماری باروک مدت زیادی در ایالت روسیه دوام نیاورد. در پایان قرن 18، تجمل و زیاده روی با زیبایی منطقی کلاسیک جایگزین شد. اما مجموعه های کاخ ایجاد شده در این زمان هنوز با مقیاس ایده و شکوه دکوراسیون شگفت زده می شوند. معماری پترهوف، تسارسکویه سلو و سنت پترزبورگ منبع الهام برای باروک مدرن است که در عمارت های روستایی خصوصی تحقق یافته است. فرم های پیچیده و تزئینات خارق العاده هنوز در اینجا ارزش دارد.

باروک مدرن

برای طرفداران پرشور سبک که می خواهند خانه باروک مدرن خود را داشته باشند، پیشنهاد می کنیم که در دفتر معماری اجرا شده است.

А_5А_کلاسیک

کلاسیک، سبکی هنری در هنر اروپایی اوایل قرن هفدهم تا نوزدهم، که یکی از مهم ترین ویژگی های آن جذابیت به اشکال هنر باستانی بود. کلاسیک گرایی که در یک تعامل شدید جدلی با باروک به یک سیستم سبک یکپارچه تبدیل شد. در فرهنگ هنری فرانسه قرن هفدهم شکل گرفت. اصول فلسفه زیربنای کلاسیک گرایی منجر به تلقی یک اثر هنری به عنوان ثمره عقل و منطق شد که بر هرج و مرج و سیال زندگی پیروز شد. شروع معقول (تسلیم امر شخصی به امر مشترک، احساسات - عقل، وظیفه، قوانین جهان)، خواسته های زیبایی شناختی کلاسیک.

در معماری کلاسیک، که با چیدمان منطقی و وضوح فرم سه بعدی متمایز می شود، نظم نقش اصلی را ایفا می کند و به طور ظریف و محدود ساختار کلی ساختمان را سایه می اندازد (فرانسوا مانسارت، پررو، لوو).

از نیمه دوم قرن هفدهم، کلاسیک فرانسه دامنه فضایی معماری باروک را جذب کرد (Hardouin-Mansart Jules و Le Nôtre Andre، کار معماران در ورسای). در قرن 17 - اوایل قرن 18، کلاسیک در معماری هلند، انگلستان شکل گرفت، جایی که به طور ارگانیک با پالادیانیسم ترکیب شد.

در نقاشیکلاسیک عناصر اصلی مدل سازی شکل فولادی خط و کیاروسکورو، رنگ محلیبه وضوح شکل پذیری چهره ها و اشیاء را نشان می دهد، طرح های تصویر را از هم جدا می کند. محتوای فلسفی و اخلاقی، هماهنگی کلی کار پوسین نیکلاس، بنیانگذار کلاسیکو بزرگترین استاد کلاسیک قرن هفدهم. "مناظر ایده آل" (نقاش لورن کلود).

کلاسیک گرایی قرن 18 - اوایل قرن 19 (در تاریخ هنر خارجی - نئوکلاسیک) که به سبک پان اروپایی تبدیل شد، عمدتاً در فرهنگ فرانسه و تحت تأثیر شدید ایده های روشنگری شکل گرفت. در معماری، انواع جدیدی از یک عمارت نفیس، یک ساختمان عمومی جلویی، یک میدان شهر باز مشخص شد، جستجو برای اشکال جدید و نامرتب معماری، میل به سادگی، معماری اواخر مرحله کلاسیک - امپراتوری را پیش بینی کرد.

درام شجاعانه تصاویر تاریخی و پرتره در آثار رئیس کلاسیک گرایی فرانسوی، نقاش ژاک لویی دیوید، ذاتی است.

در قرن نوزدهم، نقاشی کلاسیک، علی‌رغم فعالیت‌های استادان بزرگ منفرد، مانند ژان آگوست دومینیک اینگر، به یک هنر سالنی رسمی معذرت‌خواهانه یا با ادعای اروتیک تبدیل می‌شود.

رم در قرن 18 - اوایل قرن 19 به مرکز بین المللی کلاسیک گرایی اروپایی تبدیل شد، جایی که سنت های آکادمیزم با ترکیبی مشخص از آنها اشراف فرم ها و ایده آل سازی سرد.

تا پایان ثلث اول قرن نوزدهم، نقش اصلی کلاسیک گرایی تقریباً به طور جهانی محو شد و اشکال مختلف التقاط گرایی معماری جایگزین آن شد. سنت هنری کلاسیک در نئوکلاسیک اواخر قرن 19 و اوایل قرن 20 جان می گیرد.

7A_ROCOCO

روکوکو (روکای - یک نقوش تزئینی به شکل صدف)، یک روند سبک در هنر اروپایی نیمه اول قرن 18. روکوکو با خلق و خوی لذت گرایانه (لذت فضیلت اصلی، عالی ترین خیر و هدف زندگی است)، دنیای یک بازی تئاتری توهم آمیز و بت، اعتیاد به یک طرح بت وار - شبانی و شهوانی-شهوانی مشخص می شود. منشاء فرانسه، روکوکودر زمینه معماری، بر شخصیت دکور تأثیر گذاشت، که اشکال ظریف، پیچیده و پیچیده را به دست آورد، روکوکو اغلب به عنوان گونه ای از باروک اواخر عمل می کرد.

طبیعت دکوراتیو دارای نقاشی غنی از ته رنگ های ظریف و در عین حال رنگ پریده بود (فرانسوا بوچر، ژان اونور فراگونار). نقاشی روکوکو، که از نزدیک با فضای داخلی مرتبط است، در اشکال اتاقک تزئینی و سه پایه. مناظر، مضامین اساطیری و مدرن، زندگی صمیمی اشراف، ژانر شبانی (صحنه های چوپان)، پرتره ایده آلی که مدلی را در تصویر یک قهرمان اساطیری به تصویر می کشد در نقاشی های پلاک ها، دیوارها، پانل ها و ملیله ها غالب بود. این شکل به جزئیاتی از تزئینات تزئینی داخلی تبدیل شد.

هنرمندان با فرهنگ ظریف رنگ، توانایی ساخت یک ترکیب با لکه های تزیینی پیوسته، دستیابی به سبکی (که با یک پالت روشن زیر خط کشیده شده، ترجیح برای رنگ های محو، نقره ای مایل به آبی، طلایی و صورتی) مشخص می شوند.

یکی از بنیانگذاران سبک روکوکو آنتوان واتو بود. احساسات و رویاپردازی مالیخولیایی به شخصیت های نقاشی واتو ظرافت می بخشد.

فرانسوا بوچر، استاد داستان های عاشقانه سرگرم کننده، رنگ نویس و نقشه کش عالی، بزرگترین استاد شد.

آخرین نقاش اصلی روکوکو، ژان اونوره فراگونارد، نقاش ظریف پرتره و منظره، مانند واتو بود که در چارچوب یک سبک صرفا مد نمی گنجید.

مجسمه های روکوکو در فرانسه نسبت به نقاشی اهمیت و اصالت کمتری دارند. در روکوکو قرن هجدهم، نیم تنه های پرتره و گروه های مجسمه سازی کوچک یا مجسمه های حمام کنندگان، پوره ها، کوپیدها به طور گسترده ای مورد استفاده قرار می گرفتند؛ آنها در پارک قرار می گرفتند، باغ ها، سالن ها و حمام ها با آنها تزئین می شدند. مجسمه های روکوکو تحت سلطه مجسمه هایی بود که برای تزئین فضای داخلی طراحی شده بودند.

A_Realism

رئالیسم (مادی، مؤثر) بازتابی از واقعیت با ابزارهای خاص ذاتی یک یا نوع دیگری از خلاقیت هنری است. یکی از ویژگی های اساسی رئالیسم، شناخت جنبه های اساسی دنیای واقعی به وسیله هنر است. رئالیسم یک پدیده هنری است که زودتر از قرن هفدهم به وجود آمد. رئالیسم نقاشی هلندی قرن هفدهم (به ویژه آثار رامبراند و هالز) و دی. ولاسکوئز اسپانیایی، رئالیسم روشنگری قرن هجدهم (شاردن، هودون در فرانسه، هوگارت در بریتانیا)، رئالیسم دموکراتیک گرا. قرن نوزدهم، که خود را در منظره (پاسبان، کوروت)، ژانر (کوربه و میله و غیره)، نقاشی تاریخی و پرتره، گرافیک و مجسمه سازی نشان داد.

برادران لنین برادران Le Nain - Antois (1588-1648)، لوئیس (1598-1648) و Mathieu (1607-1677) نقش مهمی در توسعه هنر رئالیستی در نیمه اول قرن هفدهم ایفا کردند. هر سه برادر در شهر لاپه و در خانواده یک مقام کوچک به دنیا آمدند. در اواخر دهه 1620، آنها به پاریس نقل مکان کردند، جایی که در همان کارگاه کار می کردند و اغلب سفارشات متعددی را با هم انجام می دادند.

برادران لنین روی موضوعات مختلفی نقاشی می کردند، اما موضوع ژانر اهمیت برجسته ای پیدا کرد.

برادر بزرگتر - آنتوان لنین - عمدتاً پرتره های گروهی کوچک یا صحنه های سبک زندگی دهقانان را نقاشی کرد. او در مهارت‌های حرفه‌ای از برادران کوچک‌ترش پایین‌تر است، اما هنرش با سادگی و بی‌واسطگی‌اش مجذوب خود می‌شود.

برادر میانی - لویی لو ناین - از بزرگترین هنرمندان فرانسوی قرن هفدهم است. برادران لنین شهرت خود را مدیون او هستند. در آثار لویی لنین، صحنه های ژانر از زندگی دهقانان نقش اصلی را ایفا می کند. او را خالق ژانر دهقانی در هنر فرانسه می دانند. هیچ یک از معاصران لویی لنین دهقانان را به این درستی و دقیق ترسیم نکردند. هنر لویی لو ناین مبتنی بر دانش زندگی دهقانی است که او با همدردی و احترام آن را منتقل می کند. هنرمند بدون زینت دادن به ظاهر و زندگی دهقانان، بر شأن آنها تأکید می کند. تائید ارزش اخلاقی و هنری مردم عادی، مهمترین سهم لویی لونین در فرهنگ هنری فرانسه است.

آثار لویی لو ناین بالاترین دستاورد رئالیسم فرانسوی در نیمه اول قرن هفدهم است. برادر کوچکتر - Mathieu Le Nain - که با نقاشی های سبک زندگی دهقانی شروع کرد، بعدها به نویسنده جامعه سکولار و یکی از محبوب ترین نقاشان پرتره اواسط قرن تبدیل شد.

B_15A_BAROQUE

باروک (عجیب، عجیب)، یکی از سبک های غالب در معماری و هنر اروپا و آمریکای لاتین در اواخر قرن شانزدهم - اواسط قرن هجدهم. باروک ایده های جدیدی را در مورد وحدت، بی نهایت و تنوع جهان، در مورد پیچیدگی چشمگیر و تنوع ابدی آن مجسم کرد. هنر باروک مشخص می شود عظمت، شکوه و پویایی، شدت احساسات، ترکیب وهمی و واقعی ، تضادهای قوی مقیاسو ریتم ها، مواد و بافت ها، نور و سایه. مجموعه‌های باروک شهری، کاخ‌ها و کلیساها، به لطف پلاستیک عجیب و غریب نماها، بازی بی‌قرار کیاروسکورو، طرح‌ها و خطوط منحنی پیچیده، زیبایی و پویایی به دست آمده، به فضای اطراف ریخته شد. فضای داخلی ساختمان ها با مجسمه های رنگارنگ تزیین شده بود، گچبری ها، کنده کاری ها، آینه ها و نقاشی های دیواری به طور توهم آمیزی فضا را گسترش می داد و نقاشی سقف جلوه طاق های خمیازه را ایجاد می کرد.

در هنرهای زیبا، ایده آل سازی تصاویر با جلوه های ترکیبی و نوری غیرمنتظره ترکیب می شود، واقعیت با فانتزی ترکیب می شود. در نقاشی، وحدت عاطفی، ریتمیک و رنگی کل، آزادی قلم مو اهمیت زیادی پیدا کرد، در مجسمه سازی - سیالیت تصویری فرم، احساس تغییرپذیری تصویر. در زادگاه باروک، در ایتالیا، این سبک به وضوح در آثار معمار و مجسمه ساز لورنزو برنینی ، معمار فرانچسکو بورومینی ، نقاش پیترو دا کورتونا تجسم یافت. در فلاندر، در نقاشی پیتر پل روبنس، آنتونی ون دایک، یاکوب جوردن...، در هلند - رامبراند، یان ورمیر، فرانس هالس، رویسدیل. احساسی بودن و بیان باروک با شروعی قدرتمند که زندگی را تأیید می کند، ادغام شد. در اسپانیا در قرن هفدهم، برخی از ویژگی های باروک در نقاشی دیگو ولاسکز، ریبرا و فرانسیسکو زورباران ظاهر شد. در نیمه اول قرن هجدهم، باروک به روکوکو تبدیل شد، همزیستی کرد و با آن در هم آمیخت، و از دهه 1770 همه جا جای خود را به کلاسیک گرایی داد.

باروک فرانسوی

باروک سرسبز برای تجلیل از قدرت مطلق پادشاه و تعالی کلیسا طراحی شده است. در اواخر قرن شانزدهم در ایتالیا به وجود آمد و سپس در سراسر جهان گسترش یافت.

نیمه دوم قرن هفدهم "سبک لوئی چهاردهم" نامیده می شود - این باشکوه ترین، نماینده "سبک عالی" است، باروک به روش فرانسوی، منظم تر، آکادمیک، نه چندان کلیسایی که سکولار. باروک در ترکیب با کلاسیک.

یک نمونه درخشان از گروه باروک، کاخ ورسای است. باروک فرانسوی ظریف ترین است. فرم های آن نه تنها باشکوه، بلکه مجلل، باشکوه، اصلی هستند.

A_IMPRESSIONISM

امپرسیونیسم(تصویر)، جهتی در هنر اواخر قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم، که استادان آن، با تثبیت تأثیرات زودگذر خود، به دنبال طبیعی ترین و بی طرفانه ترین شکل گیری دنیای واقعی در تحرک و تنوع آن بودند. امپرسیونیسم در اواخر دهه 1860 در نقاشی فرانسوی سرچشمه گرفت:

ای. مانه (که به طور رسمی عضو گروه امپرسیونیست نبود)، ا. یک شخص، تصویری از احساسات قوی، علاقه به گذشته ملی با "کنایه عاشقانه"، که به رمانتیک ها اجازه می دهد تا با شجاعت بالا و پایین، تراژیک و کمیک، واقعی و خارق العاده را با هم مقایسه و معادل سازی کنند. آنها در نگاه اول از ساختارهای ترکیبی نامتعادل، زوایای غیرمنتظره، نقاط دید، برش های فیگورها استفاده کردند.

در دهه های 1870-1880، چشم انداز امپرسیونیسم فرانسوی شکل گرفت: سی. مونه، سی. پیسارو، آ. سیسلی یک سیستم هوای ثابت ایجاد کردند، احساس نور خورشید، غنای رنگ های طبیعت، انحلال فرم ها را در آن ایجاد کردند. ارتعاش نور و هوا نام جهت از نام نقاشی سی مونه "Impression. Rising Sun" گرفته شده است.. تجزیه رنگ های پیچیده به اجزای خالص، که بر روی بوم در ضربات جداگانه، سایه های رنگی، انعکاس قرار گرفتند، باعث ایجاد یک نقاشی سبک و لرزان از امپرسیونیسم شد.

امپرسیونیسم در هنرهای تجسمی بر توسعه ابزارهای بیانی ادبیات، موسیقی و تئاتر معاصر تأثیر گذاشت. در فرهنگ هنری فرانسه جریان های نئو امپرسیونیسم و ​​پست امپرسیونیسم به وجود آمد.

نئو امپرسیونیسم- گرایشی در نقاشی که در حدود سال 1885 در فرانسه به وجود آمد، زمانی که استادان اصلی آن، J. Seurat و P. Signac، یک تکنیک جدید نقاشی تقسیم گرایی را توسعه دادند. تمایل به اعمال اکتشافات مدرن در زمینه اپتیک در هنر.

برای دوره پست امپرسیونیسمویژگی تعامل فعال جهت های جداگانه و سیستم های خلاق فردی است. پست امپرسیونیسم معمولاً به عنوان آثار استادان نئو امپرسیونیست، گروه نبیس، و همچنین وی. ون گوگ، پی. سزان، پی. گوگن قرار می گیرد.

امپرسیونیسم فرانسویمسائل فلسفی را مطرح نکرد. در عوض، امپرسیونیسم بر سطحی بودن، سیال بودن لحظه، حال و هوا، نور، یا زاویه دید تمرکز می کند.

امپرسیونیسم بر اساس ویژگی ها و مهارت های درک دیدگاه ساخته شده است. برای امپرسیونیسم، آنچه در شکل نشان داده شده است، مهم نیست، بلکه نحوه نشان دادن آن مهم است.

این نقاشی‌ها تنها جنبه‌های مثبت زندگی را نشان می‌دادند، بدون اینکه بر مشکلات اجتماعی، از جمله گرسنگی، بیماری، مرگ تأثیر بگذارند. این بعدها به انشعاب در بین خود امپرسیونیست ها منجر شد.

باروک (باروکوی ایتالیایی - "عجیب"، "عجیب"، "مستعد به افراط"، port. perola barroca - "مروارید با شکل نامنظم" - ویژگی فرهنگ اروپایی قرن 17-18.

دوران باروک

دوران باروک زمان زیادی برای سرگرمی ایجاد می کند: به جای زیارت - تفرجگاه (پیاده روی در پارک). به جای مسابقه دادن به مسابقات - "چرخ و فلک" (اسب سواری) و بازی با ورق. به جای اسرار - تئاتر و توپ بالماسکه. شما می توانید ظاهر تاب و "تفریح ​​آتشین" (آتش بازی) را اضافه کنید. در فضاهای داخلی، پرتره ها و مناظر جای نمادها را گرفتند و موسیقی از حالت معنوی به یک نواختن صوتی دلپذیر تبدیل شد.

ویژگی های باروک

باروک با کنتراست، تنش، تصاویر پویا، محبت، تلاش برای عظمت و شکوه، برای ترکیب واقعیت و توهم، برای ادغام هنرها (مجموعه های شهری و کاخ و پارک، اپرا، موسیقی فرقه، اوراتوریو) مشخص می شود. در همان زمان - تمایل به استقلال ژانرهای فردی (کنسرتو گروسو، سونات، سوئیت در موسیقی دستگاهی).

مرد باروک

انسان باروک طبیعی بودن را که با وحشی گری، تکبر، ظلم، حیوانیت و جهل شناخته می شود، رد می کند. زن باروک رنگ پریدگی پوست خود را ارج می نهد، او مدل موی غیرطبیعی و پرزرق و برق، کرست و دامن گشاد مصنوعی روی قاب استخوان نهنگ می پوشد. او پاشنه پا است.

و ایده آل یک مرد در دوره باروک تبدیل به یک جنتلمن، یک جنتلمن - از انگلیسی ها می شود. ملایم: "نرم"، "لطیف"، "آرام". او ترجیح می دهد سبیل و ریش خود را بتراشد، عطر بزند و کلاه گیس پودری بزند. چرا زور، اگر حالا با کشیدن ماشه تفنگ می کشند.

گالیله برای اولین بار تلسکوپ را به سمت ستارگان هدایت می کند و چرخش زمین به دور خورشید را ثابت می کند (1611) و لیوونهوک موجودات زنده کوچک را زیر میکروسکوپ کشف می کند (1675). قایق های بادبانی عظیم، گستره اقیانوس های جهان را شخم زده و لکه های سفید روی نقشه های جغرافیایی جهان را پاک می کنند. مسافران و ماجراجویان به نمادهای ادبی عصر تبدیل می شوند.

باروک در مجسمه سازی

مجسمه سازی بخشی جدایی ناپذیر از سبک باروک است. بزرگترین مجسمه ساز و معمار شناخته شده قرن هفدهم ایتالیایی بود لورنزو برنینی(1598-1680). از مشهورترین مجسمه‌های او می‌توان به صحنه‌های اسطوره‌ای ربوده شدن پروسرپینا توسط خدای عالم اموات پلوتو و تبدیل معجزه‌آسا به درخت پوره دافنه که خدای نور آپولو آن را تعقیب کرد و همچنین یک گروه محراب اشاره کرد. "خلسه سنت ترزا"در یکی از کلیساهای رومی آخرین آنها با ابرهای تراشیده شده از سنگ مرمر و لباس شخصیت هایی که در باد بال می زند، با احساسات اغراق آمیز نمایشی، آرزوهای مجسمه سازان این دوران را به درستی بیان می کند.

در اسپانیا، در عصر سبک باروک، مجسمه های چوبی غالب بود، برای اعتبار بیشتر آنها با چشم های شیشه ای و حتی یک اشک کریستالی ساخته می شدند، اغلب لباس های واقعی را روی مجسمه می گذاشتند.

باروک در معماری

برای معماری باروک ( L. Bernini، F. Borrominiدر ایتالیا بی.اف.راسترلو در روسیه یان کریستوف گلابیتزدر کشورهای مشترک المنافع) با گستره فضایی، همجوشی، سیالیت اشکال پیچیده و معمولاً منحنی مشخص می شوند. ستون‌های در مقیاس بزرگ اغلب یافت می‌شوند، مجسمه‌های فراوانی در نماها و فضاهای داخلی، پیچ‌ها، تعداد زیادی شن‌کش، نماهای قوسی شکل با چنگک‌دار در وسط، ستون‌های روستایی و ستون‌ها. گنبدها اشکال پیچیده ای پیدا می کنند، اغلب آنها چند لایه هستند، مانند کلیسای جامع سنت پیتر در رم. جزئیات مشخصه باروک - تلامون (اطلس)، کاریاتید، ماسکارون.

باروک در فضای داخلی

سبک باروک با تجمل ظاهری مشخص می شود، اگرچه ویژگی مهم سبک کلاسیک مانند تقارن را حفظ کرده است.

نقاشی دیواری (یکی از انواع نقاشی های یادبود) از اوایل مسیحیت در تزئینات داخلی اروپا استفاده می شد. در دوران باروک بیشترین استفاده از آن بود. در فضاهای داخلی از رنگ‌های زیادی استفاده شده و جزئیات بزرگ و با تزئینات غنی استفاده شده است: سقف تزئین شده با نقاشی‌های دیواری، دیوارهای مرمر و بخش‌هایی از دکور، تذهیب. تضاد رنگ مشخص بود - به عنوان مثال، کف مرمر، تزئین شده با کاشی در الگوی شطرنجی. طلا و جواهر فراوان از ویژگی های این سبک بود.

مبلمان یک قطعه هنری بود و تقریباً منحصراً برای دکوراسیون داخلی در نظر گرفته شده بود. صندلی ها، مبل ها و صندلی های راحتی با پارچه های گران قیمت و رنگارنگ پوشیده شده بودند. تخت‌های بزرگ با سایبان‌ها و روتختی‌های سرازیر، کمدهای غول‌پیکر گسترده بودند. آینه ها با مجسمه ها و گچبری با نقش های گل تزئین شده بود. گردوی جنوبی و آبنوس سیلان اغلب به عنوان مواد مبلمان استفاده می شد.

سبک باروک برای فضاهای کوچک مناسب نیست، زیرا مبلمان و دکوراسیون عظیم فضای زیادی را اشغال می کنند.

مد باروک

مد دوران باروک در فرانسه با دوره سلطنت لویی چهاردهم، نیمه دوم قرن هفدهم مطابقت دارد. این عصر مطلق گرایی است. آداب سختگیرانه و تشریفات پیچیده در دربار حاکم بود. کت و شلوار تابع آداب بود. فرانسه یکی از پیشگامان اروپا بود، بنابراین کشورهای دیگر به سرعت مد فرانسوی را پذیرفتند. این قرنی بود که یک مد عمومی در اروپا برقرار شد و ویژگی‌های ملی به پس‌زمینه فرو رفت یا در لباس‌های محلی دهقانی حفظ شد. قبل از پیتر اول، لباس های اروپایی نیز در روسیه توسط برخی از اشراف پوشیده می شد، البته نه در همه جا.

این لباس با سفتی، شکوه، جواهرات فراوان مشخص می شد. ایده آل یک مرد لویی چهاردهم، "پادشاه خورشید"، یک سوارکار ماهر، رقصنده، تیرانداز بود. او کوتاه قد بود، بنابراین کفش پاشنه بلند می پوشید.

باروک در نقاشی

سبک باروک در نقاشی با پویایی ترکیب ها، "صافی" و شکوه فرم ها، اشراف و اصالت موضوعات مشخص می شود. بارزترین ویژگی باروک، زرق و برق و پویایی جذاب است. یک مثال بارز خلاقیت است روبنسو کاراواجو.

میکل آنژ مریسی (1571-1610)، ملقب به زادگاهش در نزدیکی میلان کاراواجوبرجسته ترین استاد در میان هنرمندان ایتالیایی که در پایان قرن شانزدهم خلق کردند. سبک جدید در نقاشی نقاشی های او که روی موضوعات مذهبی کشیده شده است، شبیه صحنه های واقع گرایانه از زندگی معاصر نویسنده است و تضادی بین اواخر باستان و دوران مدرن ایجاد می کند. قهرمانان در گرگ و میش به تصویر کشیده می شوند که پرتوهای نور ژست های بیانی شخصیت ها را از آن بیرون می کشد و به طور متضاد ویژگی آنها را می نویسد. پیروان و مقلدین کاراواجو که در ابتدا آنها را کارواگیست می نامیدند و خود جریان را کارواژیسم می نامیدند. آنیبال کاراچی(1560-1609) یا گیدو رنی(1575-1642)، شورش احساسات و شیوه مشخص کاراواجو و همچنین طبیعت گرایی او را در به تصویر کشیدن افراد و رویدادها اتخاذ کرد.

ATنیمه دوم قرن هفدهم "سبک لویی چهاردهم" نامیده می شود - این باشکوه ترین، نماینده "سبک عالی" است، باروک به روش فرانسوی، منظم تر، آکادمیک، نه چندان کلیسایی که سکولار. باروک در ترکیب با کلاسیک.

در قرن هفدهم، دادگاه ورسای رعد و برق، معیار تجمل و سلیقه در اروپا بود. جشن ها و توپ های با شکوه و جلال ناشنیده ای در اینجا برگزار می شد. از آن زمان، زبان فرانسه، مدها و آداب و رسوم فرانسوی به موضوع تقلید در تمام پایتخت های اروپایی تبدیل شد.

در پایان قرن هفدهم، نقاشی دربار فرانسه و نمایندگان آن نیز در بسیاری از کشورهای اروپایی به رسمیت شناخته شدند. سبکی که آنها ایجاد کردند در دربار پادشاهان اروپایی مد شد. اما زمانی که "سبک بزرگ" فرانسوی وارد عرصه اروپا شد، دوران شکوفایی مطلق گرایی که باعث تولد آن شد، دیگر پشت سر گذاشته شده بود.

در اواخر دهه 1680، یک بحران مالی در کشور آغاز شد. شهرهای فرسوده از مالیات، کشاورزی در حال انحطاط کامل، خزانه خالی دولتی - این وضعیت تا این اواخر درخشان ترین سلطنت در اروپا تا پایان قرن بود. به گفته شاهدان عینی، فرانسه در آن زمان شبیه یک بیمارستان بود، مملو از بیماران و مردن از گرسنگی. در چنین فضایی آرمان های استکباری سلطنتی که در گذشته می رفت فرو ریخت. آنها کمتر و کمتر قدرت مطلق سابق پادشاه ضعیف، پیروزی های گذشته و قدرت سابق فرانسه را به یاد می آورند.

در سال 1715، پس از بیش از نیم قرن سلطنت، لویی چهاردهم درگذشت. فیلیپ اورلئان به عنوان نایب السلطنه وارث پنج ساله تاج و تخت منصوب شد. روند تجزیه سلطنت فرانسه در زمان حاکم جدید به سرعت ادامه یافت، تنها با این تفاوت که فضای محدودیت دربار ورسای با عیاشی، عیاشی و انحطاط کامل اخلاقی در دربار پاریس جایگزین شد. نایب السلطنه

اگر لویی چهاردهم می گفت: "دولت من هستم"، پس لویی پانزدهم صاحب یک اصل نه چندان گویا است: "پس از ما - حتی یک سیل." قبلاً یک مقایسه این عبارات جذاب نشان می دهد که رنگ زمان در کدام جهت تغییر کرده است. اخلاق رک و پوست کنده شد، سلیقه ها - غریب، فرم ها - سبک و دمدمی مزاج شدند.

این محیط جولانگاه سبک روکوکو بود. اما محیط دادگاه به خودی خود این سبک را شکل نداد - آنچه را که در هوای عصر اروپا در قرن هجدهم می پوشیدند انتخاب کرد و با ذائقه خود تطبیق داد. جهان اروپا آخرین توهمات طبقاتی-پدرسالارانه خود را زندگی می کرد و روکوکو مانند یک مرثیه خداحافظی به نظر می رسید.

در مقایسه با باروک، روکوکو چیزی بیش از ناز و عجیب بودن را به همراه داشت. خود را از بمباران لفاظی رها کرد و تا حدودی احساسات طبیعی را احیا کرد، البته در لباس باله و بالماسکه.

به روح زمانه بود. اکنون، نه در ورسای، بلکه در عمارت‌های اشراف و بورژواهای بزرگ پایتخت، لحن را در زندگی اجتماعی، ادبیات و هنر رقم می‌زنند. ساکنان این عمارت‌ها هنوز مورد تحسین قرار می‌گرفتند، اما از قبل به شکوه و عظمت آثار «سبک بزرگ» پر از عظمت نمایشی و شور مصنوعی علاقه‌مند نبودند.

تنها هنرمندی که در آن زمان مقدر بود از زبان فیگوراتیو عصر خود فراتر رود و نقاشی فرانسوی را در سال های رکود احیا کند. آنتوان واتو (1584-1721).

در حوالی سال 1702، یک جوان هفده ساله خجالتی و گوشه گیر در کارگاه یک نقاش نالایق و عمده فروش نقاشی هایی که برای سلیقه های غیرطبیعی طراحی شده بودند ظاهر شد. او با چند سکه، یک تخت در اتاق زیر شیروانی و یک کاسه سوپ، همراه با سایر دانش آموزان فقیر خود، تمام روز نسخه های ارزان قیمت می نوشت. در اوقات فراغت خود از محل کار، او به خیابان های شهر می رفت و در آنجا خستگی ناپذیر از طبیعت نقاشی می کرد.

در سال 1703، در پاریس، واتو به اولین معلم شهری خود، کلود ژیلو نقل مکان کرد. گیلو طرح هایی را برای مناظر تئاتر نقاشی کرد. و در اینجا سلیقه معلم و دانش آموز، بدیهی است که با هم مطابقت دارند. برداشت‌هایی از تئاتر منصفانه Watteau برای سال‌های متمادی باقی خواهد ماند و اساس بسیاری از آثار این هنرمند را تشکیل خواهد داد. در سال 1707، واتو نزد معلم جدیدی به نام کلود آدران، نقاش با فرهنگ حرفه ای بالا و ذوق هنری خوب نقل مکان کرد، جایی که مطالعه واقعی واتو آغاز شد.

با توجه به اینکه آدران نگهبان بخشی از غنی ترین مجموعه های سلطنتی جمع آوری شده در کاخ لوکزامبورگ بود، واتو جوان به گنجینه های مجموعه دسترسی داشت. واتو زمان زیادی را در تالارهای کاخ گذراند و آثار نقاشان برجسته بسیاری از مکاتب اروپایی را به مطالعه و کپی برداری سخت کوشید.

واتو هرگز اهمیتی نمی داد که آثارش خریداری شود. او بیش از هر چیز برای استقلال خلاق خود ارزش قائل بود و پول را تحقیر می کرد. همانطور که یکی از معاصران این هنرمند خاطرنشان کرد، "او همیشه آنچه را که دوست داشت می نوشت و نقشه های سفارشی را دوست نداشت."

همه آثار خلق شده توسط هنرمند برای ما شناخته شده نیست. اما کافی است حدود سیصد نقاشی و تعداد بی شماری از طراحی را نام ببریم که اخیراً به واتو نسبت داده شده است تا انرژی خلاقانه اجتناب ناپذیر، ظرفیت کاری شگفت انگیز و بهره وری استادی را تصور کنیم که عمر کوتاهی داشت (واتو مبتلا به سل بود) .

تازگی، اصالت، طیف گسترده ای از راه حل های فیگوراتیو، احساسی و تصویری، طیف گسترده ای از موضوعات قابل توجه است. واتو را می توان بنیانگذار روکوکو در نقاشی دانست و آثار او بهتر از همه نشان می دهد که این هنر «پره» چه نوع اکتشافات انسانی را در خود پنهان کرده است.

به سختی می توان هنرمندی را در ظرافت اصیل خود جذاب تر از واتو تصور کرد. اول از همه، اینها شاهکارهای نقاشی تصفیه شده هستند، یک جشن واقعی برای چشم، اما عاشق سایه های ظریف و ملایم و ترکیبات. واتو با کوچکترین ضربات مهره ای می نوشت، توری جادویی با رنگ های طلایی، نقره ای و خاکستری می بافت.

شاهکار شناخته شده استاد - "ژیل" (پاریس، لوور) به دلیل پالایش ویژه انتقال درونی ترین حالات ذهنی مورد توجه قرار گرفته است. روی بوم بزرگی که برای واتو غیرمعمول (تقریباً دو متر ارتفاع) است، یک شخصیت محبوب در کمدی ایتالیایی ماسک‌ها، ژیلز ساده لوح و ساده لوح، با رشد کامل نقاشی شده است. او که لباس سفید مضحکی پوشیده بود، در یک حالت گمشده و ضعیف یخ کرد و با نگاهی غمگین و پرسشگر به بیننده نگاه کرد. ژیل در واتو بی دفاع و بی نهایت تنها است. در کنار او بازیگران همکارش هستند اما به دوستشان اهمیت نمی دهند.

صفحات زندگی‌نامه واتو که برای ما شناخته شده است به ما این امکان را می‌دهد که فکر کنیم واتو، مانند قهرمانش، در منظره بیهوده زندگی که با او بیگانه است، احساس تنهایی و ناراحتی می‌کند. تصویر ژیل هیچ تشابهی در نقاشی قرن هجدهم ندارد. او در آن زمان، نه تنها در پیچیدگی حالت عاطفی تصویر، بلکه در یک راه حل تصویری بسیار خارق العاده، مشابه نداشت. کوچکترین و نیمه شفاف رنگ های طلایی، بنفش و خاکستری صورتی، هودی سفید ژیل را پوشش می دهد و با هم ادغام می شود، یک لحن سفید مرواریدی اصلی را که فقط در پالت واتو ذاتی است ایجاد می کند و به رنگ سفید جلوه ای زیبا و غیرمعمول برای او می بخشد. به نظر می رسد که لباس های ژیل نور ملایم و ارتعاشی ساطع می کنند که با رفلکس های زیادی بازی می کند.

ژانر مورد علاقه واتو در سال های بلوغ، به اصطلاح "جشن های گالانت" بود. خانم‌ها، آقایان و زوج‌های عاشق که در این ژانر نمایندگی می‌کنند، وقت خود را در پارک‌های مجلل تزئین شده با فواره‌ها و مجسمه‌ها می‌گذرانند، از طبیعت لذت می‌برند، گفتگوهای صمیمانه‌ای آرام دارند، موسیقی می‌نوازند، می‌رقصند یا با صدای گیتار و ماندولین می‌خوانند. واتو دوباره، مانند موضوعات تئاتری، در انتخاب ژانر خود اصیل نبود. تصویر خوش گذرانی خانم ها و آقایان سکولار را در ابتدای قرن می توان در نقاشی های هنرمندان دیگر و در حکاکی های "مدها و آداب و رسوم" رایج در آن زمان یافت. اما آنچه واتو نوشت با توطئه های بی فکر معاصرانش کاملاً متفاوت بود. ما با یکی از مشهورترین ساخته های غم انگیز استاد - "زیارت جزیره سیترا" (پاریس، لوور) در این مورد متقاعد شده ایم.

در سال 1717 این نقاشی توسط واتو به آکادمی ارائه شد. نوشته شده بر روی طرح انتخاب شده توسط خود هنرمند، در هیچ یک از ژانرهای به رسمیت شناخته شده توسط آکادمی نمی گنجد. شایستگی بالای اثر که حتی برای دانشگاهیان غیرقابل انکار بود، هیئت داوران را وادار کرد تا سنت شکنی کند و به جای عنوان "هنرمند ژانر تاریخی" که در بدو ورود به آکادمی به همه نقاشان اعطا می شد، عنوان "واتو" را به دست آورد. "استاد جشن های شجاعانه". در سی و سه سالگی، واتو مشهورترین هنرمند پاریس شد.

شخصیت‌های Watteau در لحظه‌ای اسیر می‌شوند که می‌خواهند به پادشاهی ونوس بروند، به جزیره‌ای مسحور که در آن عشق ابدی و بدون ابر حکمفرماست. با ریتمی آرام و آرام، گویی در رویا، زوج های عاشق به سمت قایق طلایی که در ساحل منتظر آنهاست، فرود می آیند. هیچ حرکتی که آشکارا احساسات را بیان کند، حتی یک نقطه روشن رنگی، بوم احساسی تصویر را که در نیمه‌تون‌ها و زیبا در نیمه‌تون‌ها حفظ شده است، نقض نمی‌کند. سایه های به سختی قابل درک از خلق و خوی، رویاپردازی متفکرانه و مالیخولیا مرموز، که واتو با آن زائران عشق را وقف کرد، نت هایی از اندوه مرثیه ای را به تصویر می آورد. منظره با همان تونالیته رویایی - مرثیه نقاشی شده است - فواصل پوشیده شده در نور ناپایدار، درختان بی حرکت با تابش نور خورشید روی شاخ و برگ های روباز، سطح آب آرام.

در یک فرم فیگوراتیو بالغ و کامل، ذوق هنری کامل واتو، توانایی استثنایی او در دادن ظریف ترین رنگ های احساسی به رنگ، خود را نشان داد. دومی کشف مهمی بود که زبان نقاشی فرانسوی را به روز کرد.

موضوع "جشن های شجاعانه" در بسیاری از آثار واتو منعکس شد. بیشتر از دیگران، "جامعه در پارک" و "جشنواره عشق" از گالری هنر درسدن، "منظره با آبشار" ارمیتاژ و "پیشنهاد شرم آور"، "شانزلیزه" از مجموعه والاس لندن به ذهن همراه با هنرمند، با بازگشت دوباره و دوباره به دنیای خاص رویاهای شاعرانه ای که در این آثار خلق شده است، نمی توان احساس کرد که این جهان هر بار غمگین تر و مالیخولیایی تر می شود.