روند واقع گرایانه در فرهنگ فرانسه در قرن نوزدهم. رئالیسم در فرانسه رئالیسم در هنر قرن 19

15.07.2019

رئالیسم به عنوان یک جریان مستقل خود را در دهه 40 قرن 19 تثبیت کرد و بعداً به شکل رئالیسم انتقادی در آمد (بالاترین نقطه رئالیسم نکوهش رذایل جامعه است). توسعه رئالیسم با توسعه شیوه تولید سرمایه داری و به تبع آن رشد تضادهای اجتماعی همراه بود که در هنر آن زمان منعکس شد.

رئالیسم در هنر قرن نوزدهم. با رمانتیسم متحد می شود

ناامیدی از نتایج انقلاب

نگرش منفی نسبت به واقعیت بورژوایی

توسل به دنیای معنوی انسان

مبارزه برای ابراز وجود شخصیت

موضوع ملیت نزدیک است

با این حال، برخلاف رمانتیک‌ها که از واقعیت فرار می‌کنند، با در نظر گرفتن موقعیت‌های اضطراری، شخصیت‌های خارق‌العاده، موقعیت‌های قهرمانانه، زندگی طوفانی از احساسات، رئالیسم عمیقاً به واقعیت نفوذ می‌کند، به زندگی اجتماعی.

رویکردهای جدید هنرمندان رئالیست قرن نوزدهم. در انعکاس آنچه واقعاً "اینجا و اکنون" اتفاق می افتد.هنرمندان به امکان شناخت جهان عینی موجود از طریق هنر متقاعد شده بودند. آنها به صحنه های زندگی بورژوازی روی آوردند، زندگی دهقانان، زندگی کارگری طبقات پایین شهری را روشن کردند.

یکی از اولین رئالیست ها در نقاشی فرانسه بود گوستاو کوربهاو که به موضوع کار ("سنگ شکن") پرداخت، بوم های اجتماعی را بر اساس انگیزه های واقعی نقاشی کرد ("تدفین در اورنان"). «پروایسم» کوربه چالشی آشکار برای انتقاد رسمی است.

فرانسوا میله- یک ژانر دهقانی، بدون سایه های ملودراماتیک و قوم نگاری، اما از طریق انتقال حالت ها، ژست ها، حرکات بدن، ماهیت فرآیند کار، قدرت و مهارت دهقانان را آشکار کرد ("زنان دهقان با چوب برس"، "جمع کننده ها") - بوم های یادبود حماسی، پر از سرزندگی و حقیقت.

Honoré Daumier هنرمند رئالیسم انتقادی است که مانند O. Balzac "کمدی انسانی" آن دوران را در هزاران سنگ نگاره، طراحی و نقاشی - کاریکاتورهای شاه لوئی فیلیپ در مجلات طنز "Caricature" و "Sharivari" خلق کرد. "پایین پرده")، ژانر اصلی آن یک طنز اخلاقی است: دنیای فاسد کلاهبرداران، احمق ها، استانی ها در پایتخت ("قضات عدالت"). "لباسشویی" یک پرتره نیست، بلکه تصویری جمعی از تمام لباسشویی های پاریسی است. پرتره ای که در آن نویسنده تمام عشق خود را به مردم ابراز کرده است. مجموعه ای از تصاویر برای دن کیشوت، جایی که در تصویر قهرمان داستان، هنرمند سعی کرد موقعیت خود را در جامعه منعکس کند، موضوع رنج انسان. تند و تیز بودن اجتماعی داستان های او تعادلی در برابر سانسور ممنوع است.

چشم انداز ملی فرانسه:

ژان باپتیست کامیل کوروت- معنویت شاعرانه طبیعت؛ موتیف مورد علاقه - "پس از باران"، یعنی. تغییر وضعیت طبیعت؛ تونالیته نقره ای نقاشی او "مه خاکستری کورو" است.

مدرسه باربیزون- هدف اصلی: تصویری از اصالت منظر ملی، انتقال حالات در حال تغییر طبیعت، رد قوانین ترکیبی. تئودور روسو- "چشم انداز با یک پل" - منظره ای از طبیعت، توجه ویژه به فرم، همه درختان فردی هستند، مدل سازی زیبا آنها را حجیم و تقریبا مجسمه ای می کند، یادبود آنها توسط یک افق کم تاکید می شود.

ژول دوپره- "چشم انداز پاییزی" - تأثیر غروب خورشید بر تضاد رنگ های منظره پاییزی پس از باران تأکید می کند ، درختان غالب بر ترکیب به ویژه جدی هستند.

چارلز داوبینی- مناظر رودخانه ("سواحل رودخانه اویز")، میل به گرفتن کوچکترین تغییرات در وضعیت طبیعت، انتقال تصویری ظریف از اشیاء فراگیر نور.

مکتب هنر فرانسه در اواخر قرن هفدهم و هجدهم را می توان مکتب پیشرو اروپایی نامید، در آن زمان در فرانسه بود که سبک های هنری مانند روکوکو، رمانتیسم، کلاسیک، رئالیسم، امپرسیونیسم و پست امپرسیونیسم متولد شدند.

روکوکو (روکوکو فرانسوی، از rocaille - یک نقوش تزئینی به شکل صدف) - سبکی در هنر اروپایی نیمه اول قرن 18. ویژگی روکوکو لذت گرایی، عقب نشینی به دنیای بازی های تئاتری بت، اشتیاق به موضوعات شبانی و حسی-شهوانی است. طبیعت دکور روکوکو فرم‌های بسیار ظریف، پیچیده و پیچیده را به دست آورد.

فرانسوا بوچر، آنتوان واتو، ژان آنوره فراگونارد به سبک روکوکو کار کردند.

کلاسیک گرایی - سبکی در هنر اروپایی قرن هفدهم - اوایل قرن نوزدهم که یکی از ویژگی های بارز آن جذابیت به اشکال هنر باستانی به عنوان یک استاندارد زیبایی شناختی و اخلاقی ایده آل بود.

ژان باپتیست گروز، نیکلاس پوسین، ژان باپتیست شاردن، ژان دومینیک اینگر، ژاک لوئیس دیوید به سبک کلاسیک کار می کردند.

رمانتیسم - سبک هنر اروپایی در قرون 18-19، که ویژگی های بارز آن اظهار ارزش ذاتی زندگی معنوی و خلاقانه فرد، تصویر احساسات و شخصیت های قوی و اغلب سرکش بود.

فرانسیسکو دی گویا، یوژن دلاکروا، تئودور جریکولت، ویلیام بلیک به سبک رمانتیسم کار می کردند.

ادوارد مانه. صبحانه در کارگاه. 1868

واقع گرایی - سبکی از هنر که وظیفه آن دقیق ترین و عینی ترین تثبیت واقعیت است. رئالیسم از نظر سبکی چند وجهی و چند وجهی است. جنبه های مختلف رئالیسم در نقاشی عبارتند از: توهم گرایی باروک کاراواجو و ولاسکز، امپرسیونیسم مانه و دگا و آثار نیونن ون گوگ.

تولد رئالیسم در نقاشی اغلب با کار هنرمند فرانسوی گوستاو کوربه مرتبط است که نمایشگاه شخصی خود را با عنوان "غرفه رئالیسم" در پاریس در سال 1855 افتتاح کرد، اگرچه حتی قبل از او هنرمندان مکتب باربیزون تئودور روسو، ژان- فرانسوا میله، ژول برتون به شیوه ای واقع گرایانه کار کردند. در دهه 1870 رئالیسم به دو حوزه اصلی تقسیم شد - ناتورالیسم و امپرسیونیسم.

نقاشی رئالیستی در سراسر جهان رواج یافته است. سرگردان ها به سبک رئالیسم یک جهت گیری اجتماعی حاد در روسیه قرن نوزدهم کار کردند.

امپرسیونیسم (از فرانسوی Impression - Impression) - سبکی در هنر ثلث آخر قرن 19 - اوایل قرن 20 که یکی از ویژگی های آن تمایل به گرفتن طبیعی ترین دنیای واقعی در تحرک و تنوع آن بود تا برداشت های زودگذر آنها را منتقل کند. . امپرسیونیسم مسائل فلسفی را مطرح نکرد، بلکه بر سیالیت لحظه، حال و هوا و نور تمرکز داشت. زندگی خود به سوژه امپرسیونیست ها تبدیل می شود، به عنوان مجموعه ای از تعطیلات کوچک، مهمانی ها، پیک نیک های دلپذیر در طبیعت در یک محیط دوستانه. امپرسیونیست ها جزو اولین کسانی بودند که بدون اینکه کار خود را در استودیو نهایی کنند، به طور کامل نقاشی کردند.

ادگار دگا، ادوارد مانه، کلود مونه، کامیل پیسارو، آگوست رنوار، ژرژ سورات، آلفرد سیسلی و دیگران به سبک امپرسیونیسم کار کردند.

پست امپرسیونیسم - سبکی از هنر که در پایان قرن نوزدهم بوجود آمد. پست امپرسیونیست ها به دنبال این بودند که آزادانه و به طور کلی مادی بودن جهان را منتقل کنند و به سبک سازی تزئینی متوسل شدند.

پست امپرسیونیسم زمینه های هنری مانند اکسپرسیونیسم، نمادگرایی و مدرنیته را به وجود آورد.

ونسان ون گوگ، پل گوگن، پل سزان، تولوز لوترک به سبک پست امپرسیونیسم کار می کردند.

اجازه دهید امپرسیونیسم و پست امپرسیونیسم را با جزئیات بیشتری از نمونه کارهای استادان فردی فرانسه در قرن نوزدهم در نظر بگیریم.

ادگار دگا. سلف پرتره. 1854-1855

ادگار دگا (سالهای زندگی 1834-1917) - نقاش، گرافیست و مجسمه ساز فرانسوی.

با شروع با نقاشی ها و پرتره های تاریخی دقیق، در دهه 1870 دگا به نمایندگان امپرسیونیسم نزدیک شد و به تصویر کشیدن زندگی مدرن شهری - خیابان ها، کافه ها، نمایش های تئاتری- روی آورد.

در نقاشی‌های دگا، ترکیب‌بندی پویا، اغلب نامتقارن، طراحی دقیق انعطاف‌پذیر، زوایای غیرمنتظره، تعامل فعال بین شکل و فضا به دقت فکر شده و تأیید شده است.

ای. دگا. حمام. 1885

در بسیاری از آثار، ادگار دگا ویژگی رفتار و ظاهر افراد را نشان می دهد که توسط ویژگی های زندگی آنها ایجاد شده است، مکانیسم یک ژست حرفه ای، وضعیت بدن، حرکت یک فرد، زیبایی پلاستیکی او را نشان می دهد. هنر دگا در ترکیب زیبایی و نثری ذاتی است. هنرمند، به عنوان یک ناظر هوشیار و ظریف، در عین حال کارهای خسته کننده روزمره را که در پشت سرگرمی های ظریف پنهان شده است، به تصویر می کشد.

تکنیک پاستل مورد علاقه به ادگار دگا این امکان را داد تا استعداد خود را به عنوان یک نقشه کش به طور کامل نشان دهد. رنگ های اشباع شده و لمس های "درخشنده" پاستل به هنرمند کمک کرد تا آن فضای رنگارنگ خاص را ایجاد کند، آن هوای رنگین کمانی که همه آثار او را متمایز می کند.

دگا در سال های بلوغ خود اغلب به موضوع باله روی می آورد. چهره های شکننده و بی وزن بالرین ها یا در گرگ و میش کلاس های رقص، یا در پرتو نورافکن های روی صحنه و یا در لحظات کوتاه استراحت در برابر بیننده ظاهر می شوند. تصادفی بودن ظاهری ترکیب بندی و موقعیت بی طرفانه نویسنده این تصور را به وجود می آورد که زندگی شخص دیگری را زیر ذره بین می بیند، هنرمند بدون اینکه در احساسات بیش از حد قرار بگیرد، دنیای زیبایی و زیبایی را به ما نشان می دهد.

ادگار دگا را می توان یک رنگ شناس ظریف نامید، پاستل های او به طرز شگفت انگیزی هماهنگ، گاهی ظریف و سبک هستند، گاهی اوقات بر اساس تضادهای رنگی تیز ساخته شده اند. روش دگا به خاطر آزادی شگفت‌انگیزش قابل توجه بود، او پاستل را با خطوط پررنگ و شکسته به کار می‌برد، گاهی اوقات رنگ کاغذ را از طریق پاستل ظاهر می‌کرد یا خطوطی به رنگ روغن یا آبرنگ اضافه می‌کرد. رنگ در نقاشی های دگا از یک درخشش کمانی رنگین، از جریانی روان از خطوط رنگین کمانی که باعث شکل گیری می شود، نشات می گیرد.

آثار متاخر دگا با شدت و غنای رنگ متمایز می شوند که با جلوه های نور مصنوعی، فرم های بزرگ شده و تقریباً مسطح و محدودیت فضا که به آنها شخصیتی پرتنش و دراماتیک می بخشد، متمایز می شوند. در آن

دوره دگا یکی از بهترین آثار خود را نوشت - "رقصندگان آبی". هنرمند در اینجا در تکه های رنگی بزرگ کار می کند و به سازماندهی تزئینی سطح نقاشی اهمیت زیادی می دهد. از نظر زیبایی هارمونی رنگی و راه حل ترکیب بندی، تابلوی رقصندگان آبی را می توان بهترین تجسم تم باله توسط دگا دانست که در این تابلو به غنای نهایی بافت و ترکیب رنگ دست یافت.

P. O. Renoir. سلف پرتره. 1875

پیر آگوست رنوار (سالهای زندگی 1841-1919) - نقاش، گرافیست و مجسمه ساز فرانسوی، یکی از نمایندگان اصلی امپرسیونیسم. رنوار در درجه اول به عنوان استاد یک پرتره سکولار شناخته می شود، نه خالی از احساسات. در اواسط دهه 1880. در واقع از امپرسیونیسم جدا شد و به خطی بودن کلاسیک در دوره خلاقیت انگرس بازگشت. رنوار که یک رنگ‌شناس برجسته است، اغلب با کمک بهترین ترکیب‌های والِرس، که از نظر رنگ‌های مشابه، به تأثیر نقاشی تک رنگ دست می‌یابد.

P. O. Renoir. استخر پارویی. 1869

مانند بسیاری از امپرسیونیست ها، رنوار اپیزودهای زودگذر زندگی را به عنوان موضوعات نقاشی خود انتخاب می کند و صحنه های شهر جشن را ترجیح می دهد - توپ، رقص، پیاده روی ("پل جدید"، "قورباغه"، "مولن دالا گالت" و دیگران). روی این بوم ها نه سیاه و نه قهوه ای تیره را نخواهیم دید. فقط طیفی از رنگ‌های شفاف و روشن که از فاصله‌ای مشخص با هم ترکیب می‌شوند. فیگورهای افراد در این نقاشی‌ها با همان تکنیک امپرسیونیستی مناظر اطراف نقاشی شده‌اند که اغلب با آن ادغام می‌شوند.

P. O. Renoir.

پرتره ژان سامری بازیگر. 1877

جایگاه ویژه ای در کار رنوار توسط تصاویر زنانه شاعرانه و جذاب اشغال شده است: از نظر درونی متفاوت هستند، اما از نظر ظاهری کمی شبیه به یکدیگر هستند، به نظر می رسد که آنها با مهر مشترک دوران مشخص شده اند. رنوار سه پرتره مختلف از ژان سامری بازیگر زن نقاشی کرد. روی یکی از آنها، این بازیگر با لباسی نفیس سبز-آبی در زمینه صورتی به تصویر کشیده شده است. رنوار در این پرتره موفق شد بر بهترین ویژگی های مدل خود تأکید کند: زیبایی، ذهن پر جنب و جوش، نگاهی باز، لبخندی درخشان. سبک کار هنرمند بسیار آزاد است، گاهی تا حد سهل انگاری، اما این امر فضایی از طراوت، وضوح معنوی و آرامش فوق العاده ایجاد می کند. در تصویر برهنه، رنوار به پیچیدگی نادری از میخک (نقاشی به رنگ انسان) دست می یابد. پوست)، بر روی ترکیبی از رنگ‌های گوشت گرم با بازتاب‌های متمایل به سبز روشن و آبی خاکستری کشویی ساخته شده است که به سطح بوم صاف و کدر می‌شود. در نقاشی "برهنه در نور خورشید" رنوار عمدتاً از رنگ های اصلی و ثانویه استفاده می کند و رنگ سیاه را کاملاً حذف می کند. لکه های رنگی که با کمک خطوط رنگی کوچک به دست می آیند، هنگامی که بیننده از تصویر دور می شود، یک اثر ادغام مشخص می دهد.

لازم به ذکر است که استفاده از رنگ‌های سبز، زرد، اخرایی، صورتی و قرمز برای به تصویر کشیدن پوست، عموم مردم آن زمان را شوکه کرد و برای درک این واقعیت که سایه‌ها باید رنگی و پر از نور باشند، آماده نبودند.

در دهه 1880، در آثار رنوار به اصطلاح «دوره انگرس» آغاز شد. معروف ترین اثر این دوره غسلان بزرگ است. برای اولین بار، رنوار شروع به استفاده از طرح ها و طرح ها برای ساخت یک ترکیب کرد، خطوط نقاشی واضح و مشخص شدند، رنگ ها درخشندگی و اشباع قبلی خود را از دست دادند، نقاشی در کل شروع به مهار و سردتر کرد.

در اوایل دهه 1890 تغییرات جدیدی در هنر رنوار رخ داد. در حالتی نقاشی، رنگین کمانی ظاهر می شود، به همین دلیل است که این دوره گاهی اوقات "مروارید" نامیده می شود، سپس این دوره جای خود را به "قرمز" می دهد که به دلیل ترجیح سایه های گل های مایل به قرمز و صورتی به این نام نامیده می شود.

یوجین هانری پل گوگن (سالهای زندگی 1848-1903) - نقاش، مجسمه ساز و گرافیست فرانسوی. او در کنار سزان و ون گوگ بزرگترین نماینده پست امپرسیونیسم بود. او در بزرگسالی شروع به نقاشی کرد، دوره اولیه خلاقیت با امپرسیونیسم همراه است. بهترین آثار گوگن در جزایر تاهیتی و هیوا-اوآ در اقیانوسیه نوشته شد، جایی که گوگن "تمدن منحرف" را ترک کرد. از ویژگی های بارز سبک گوگن می توان به ایجاد ترکیبات ایستا و متضاد رنگ بر روی بوم های مسطح بزرگ، عمیقاً احساسی و در عین حال تزئینی اشاره کرد.

در مسیح زرد، گوگن صلیبی را در پس زمینه یک منظره معمولی روستایی فرانسوی به تصویر کشیده است، عیسی رنج کشیده توسط سه زن دهقان برتون احاطه شده است. صلح در هوا، ژست های مطیع آرام زنان، منظره ای اشباع شده از رنگ زرد آفتابی با درختان در شاخ و برگ های قرمز پاییزی، دهقانی که در دور دست مشغول امور خود است، نمی تواند با آنچه روی صلیب اتفاق می افتد در تضاد باشد. محیط به شدت با عیسی تضاد دارد، که در چهره‌اش آن مرحله از رنج به نمایش در می‌آید که در مرز بی‌تفاوتی، بی‌تفاوتی نسبت به همه چیز اطرافش است. تناقض عذاب های بی حد و حصر پذیرفته شده توسط مسیح و "ناپیدا بودن" این قربانی توسط مردم - این موضوع اصلی این اثر گوگن است.

پی گوگن. تو حسودی؟ 1892

نقاشی "حسادت می کنی؟" به دوره پلینزی کار این هنرمند اشاره دارد. این نقاشی بر اساس صحنه ای از زندگی است که توسط هنرمند نظاره گر شده است:

در ساحل، دو خواهر - آنها تازه شنا کرده اند، و اکنون بدن آنها در حالت های شهوانی معمولی روی شن ها گسترده شده است - در مورد عشق صحبت می کنند، یک خاطره باعث مشاجره می شود: "چطور؟ تو حسودی!".

گوگن در نقاشی زیبایی آبدار طبیعت گرمسیری، انسان های طبیعی دست نخورده از تمدن، رویایی اتوپیایی از بهشت زمینی، زندگی انسان در هماهنگی با طبیعت را به تصویر کشید. بوم های پلینزی گوگن از نظر رنگ تزئینی، مسطح بودن و ماندگاری ترکیب، تعمیم الگوی تلطیف شده به پانل ها شباهت دارند.

پی گوگن. ما از کجا آمده ایم؟ ما که هستیم؟ کجا داریم می رویم؟ 1897-1898

تصویر "از کجا آمدیم؟ ما که هستیم؟ کجا داریم میریم؟" گوگن اوج عالی تأملات خود را در نظر گرفت. با توجه به نیت هنرمند، تصویر باید از راست به چپ خوانده شود: سه گروه اصلی از چهره ها سوالات مطرح شده در عنوان را نشان می دهند. گروهی از زنان با یک کودک در سمت راست تصویر نشان دهنده آغاز زندگی است. گروه میانی نمادی از وجود روزانه بلوغ است. در گروه چپ افراطی، گوگن پیری انسان را در حال نزدیک شدن به مرگ به تصویر کشید. بت آبی در پس زمینه نماد دنیای دیگر است. این نقاشی اوج سبک نوآورانه پسامپرسیونیست گوگن است. سبک او ترکیبی از استفاده واضح از رنگ ها، رنگ های تزئینی و راه حل های ترکیبی، صاف بودن و ماندگاری تصویر با بیان احساسی بود.

آثار گوگن بسیاری از ویژگی‌های سبک آرت نوو را پیش‌بینی می‌کرد که در این دوره توسعه یافت و بر شکل‌گیری استادان گروه نبیس و دیگر نقاشان اوایل قرن بیستم تأثیر گذاشت.

دبلیو ون گوگ. سلف پرتره. 1889

ونسان ون گوگ (سالهای زندگی 1853-1890) - نقاش پست امپرسیونیست فرانسوی و هلندی، مانند پل گوگن، در بزرگسالی، در دهه 1880 نقاشی را شروع کرد. تا آن زمان، ون گوگ با موفقیت به عنوان دلال کار کرد، سپس به عنوان معلم در یک مدرسه شبانه روزی کار کرد، سپس در مدرسه مبلغان پروتستان تحصیل کرد و به مدت شش ماه به عنوان مبلغ در یک محله معدن فقیر در بلژیک کار کرد. در اوایل دهه 1880، ون گوگ با حضور در آکادمی هنرهای زیبا در بروکسل (1880-1881) و آنتورپ (1885-1886) به هنر روی آورد. ون گوگ در دوره اولیه کار خود طرح ها و نقاشی هایی را در محدوده تصویری تاریک می کشید و صحنه هایی از زندگی معدنچیان، دهقانان و صنعتگران را به عنوان طرح انتخاب می کرد. آثار این دوره توسط ون گوگ ("سیب زمینی خواران"، "برج کلیسای قدیمی در نین"، "کفش") نشان دهنده درک دردناکی حاد از رنج و احساس افسردگی انسان، فضای سرکوبگر تنش روانی است. این هنرمند در نامه‌های خود به برادرش تئو درباره یکی از نقاشی‌های این دوره به نام سیب‌زمینی‌خواران چنین نوشته است: «در آن سعی کردم تأکید کنم که این افراد با خوردن سیب‌زمینی‌های خود در زیر نور چراغ، آن را حفر کرده‌اند. زمین با همان دستانی که به ظرف دراز کردند. بنابراین، بوم از کار سخت صحبت می کند و اینکه شخصیت ها صادقانه غذای خود را به دست آورده اند. "در 1886-1888. ون گوگ در پاریس زندگی می کرد، از استودیوی هنری خصوصی معتبر معلم مشهور در سراسر اروپا پی. کورمون بازدید کرد، نقاشی امپرسیونیستی، حکاکی ژاپنی و آثار مصنوعی پل گوگن را مطالعه کرد. در این دوره، پالت ون گوگ روشن شد، سایه خاکی رنگ ناپدید شد، رنگ های آبی خالص، زرد طلایی، قرمز ظاهر شد، پویایی مشخصه او، گویی قلم موی روان ("Agostina Segatori در کافه تامبورین"، "پلی بر روی سن" "، "پاپا تانگوی"، "منظره پاریس از آپارتمان تئو در خیابان لپیک").

در سال 1888، ون گوگ به آرل نقل مکان کرد، جایی که سرانجام اصالت شیوه خلاقانه او مشخص شد. خلق و خوی هنری آتشین، انگیزه ای عذاب آور به سمت هماهنگی، زیبایی و خوشبختی، و در عین حال، ترس از نیروهای دشمن انسان، یا در مناظر درخشان با رنگ های آفتابی جنوب تجسم می یابد ("خانه زرد"، "برداشت" دره La Crot”)، یا به صورت شوم، یادآور تصاویر کابوس ("Night Cafe Terrace"). پویایی رنگ و سکته مغزی

دبلیو ون گوگ. تراس کافه شبانه. 1888

نه تنها طبیعت و مردمی که در آن زندگی می کنند ("تاکستان های سرخ در آرل")، بلکه اشیای بی جان ("اتاق خواب ون گوگ در آرل") با زندگی و حرکت معنوی پر می شود.

کار شدید ون گوگ در سال‌های اخیر با دوره‌های بیماری روانی همراه بود که او را به بیمارستان بیماران روانی در آرل، سپس در سنت‌رمی (1889-1890) و در Auvers-sur-Oise (1890) کشاند. خودکشی کرد آثار دو سال آخر زندگی این هنرمند با وسواس هیجان‌انگیز، بیان فوق‌العاده‌ی ترکیب‌های رنگی، نوسانات ناگهانی خلق و خوی مشخص شده است - از ناامیدی دیوانه‌وار و رویاپردازی غم‌انگیز ("جاده‌ای با سرو و ستاره‌ها") تا احساسی لرزان از روشنگری و صلح ("منظره در اوورز پس از باران") .

دبلیو ون گوگ. زنبق. 1889

در طول دوره درمان در کلینیک سنت رمی، ون گوگ مجموعه ای از نقاشی های "Irises" را نقاشی کرد. در نقاشی او از گل ها تنش بالایی دیده نمی شود و تأثیر چاپ های ژاپنی ukiyo-e قابل ردیابی است. این شباهت در انتخاب خطوط اشیاء، زوایای غیرمعمول، وجود مناطق دقیق و مناطق پر از یک رنگ ثابت که با واقعیت مطابقت ندارد، آشکار می شود.

دبلیو ون گوگ. مزرعه گندم با کلاغ ها. 1890

«مزرعه گندم با کلاغ ها» نقاشی از ون گوگ است که توسط این هنرمند در ژوئیه 1890 کشیده شد و یکی از مشهورترین آثار اوست. این نقاشی ظاهراً در 10 ژوئیه 1890، 19 روز قبل از مرگ او در Auvers-sur-Oise به پایان رسید. نسخه ای وجود دارد که ون گوگ در روند نوشتن این تصویر خودکشی کرده است (او با بیرون رفتن در هوای آزاد با وسایل طراحی، از تپانچه ای که برای ترساندن گله های پرندگان در ناحیه قلب خریداری شده بود به خود شلیک کرد، سپس به طور مستقل به بیمارستان رسید. جایی که بر اثر از دست دادن خون درگذشت).

از اواخر قرن هجدهم. فرانسه نقش مهمی در زندگی سیاسی-اجتماعی اروپای غربی داشت. قرن 19 با یک جنبش دموکراتیک گسترده مشخص شد که تقریباً تمام بخش های جامعه فرانسه را در بر گرفت. انقلاب 1830 انقلاب 1848 را به دنبال داشت. در سال 1871، افرادی که کمون پاریس را اعلام کردند، اولین تلاش را در تاریخ فرانسه و تمام اروپای غربی برای به دست گرفتن قدرت سیاسی در این ایالت انجام دادند.

وضعیت بحرانی کشور نمی توانست بر نگرش مردم تأثیری نداشته باشد. در این عصر، روشنفکران پیشرفته فرانسوی به دنبال یافتن راههای جدید در هنر و اشکال جدید بیان هنری هستند. به همین دلیل گرایش های واقع گرایانه در نقاشی فرانسه خیلی زودتر از سایر کشورهای اروپای غربی کشف شد.

انقلاب 1830 آزادی های دموکراتیک را وارد زندگی فرانسه کرد که گرافیست ها در استفاده از آن کوتاهی نکردند. کاریکاتورهای تند سیاسی علیه محافل حاکم و نیز رذایل حاکم بر جامعه، صفحات مجلات شریوری و کاریکاتور را پر کرده است. تصاویر برای نشریات با تکنیک لیتوگرافی ساخته شده است. هنرمندانی مانند A. Monnier، N. Charlet، J. I. Granville، و همچنین گرافیست برجسته فرانسوی O. Daumier در ژانر کاریکاتور کار می کردند.

نقش مهمی در هنر فرانسه بین انقلاب های 1830 و 1848 توسط روند واقع گرایانه در نقاشی منظره ایفا شد - به اصطلاح. مدرسه باربیزون این اصطلاح از نام دهکده کوچک زیبای باربیزون در نزدیکی پاریس گرفته شده است، جایی که در دهه‌های 1830 و 1840 در آنجا بود. بسیاری از هنرمندان فرانسوی برای مطالعه طبیعت آمدند. آنها که از سنت های هنر آکادمیک، خالی از انضمام زنده و هویت ملی راضی نبودند، به باربیزون شتافتند، جایی که با بررسی دقیق تمام تغییرات در حال وقوع در طبیعت، تصاویری را ترسیم کردند که گوشه هایی از طبیعت فرانسوی را به تصویر می کشد.

اگرچه آثار استادان مکتب باربیزون از نظر صداقت و عینیت متمایز است، اما همیشه حال و هوای نویسنده، احساسات و تجربیات او را احساس می کند. طبیعت در مناظر باربیزون ها با شکوه و دور به نظر نمی رسد، برای انسان نزدیک و قابل درک است.

اغلب هنرمندان یک مکان (جنگل، رودخانه، برکه) را در زمان های مختلف روز و در شرایط آب و هوایی متفاوت نقاشی می کردند. اتودهای ساخته شده در فضای باز در کارگاه پردازش شدند و تصویری را ایجاد کردند که از نظر ترکیب بندی جدایی ناپذیر بود. خیلی اوقات ، در کار نقاشی تمام شده ، طراوت رنگ های مشخصه اتودها ناپدید می شد ، بنابراین بوم های بسیاری از باربیزون ها با رنگ تیره متمایز می شدند.

بزرگترین نماینده مکتب باربیزون تئودور روسو بود که قبلاً یک نقاش منظره شناخته شده بود، از نقاشی آکادمیک فاصله گرفت و به باربیزون آمد. روسو با اعتراض به جنگل زدایی وحشیانه، ویژگی های انسانی را به طبیعت می بخشد. او خود از شنیدن صدای درختان و درک آنها صحبت می کرد. این هنرمند که یک خبره عالی جنگل است، ساختار، گونه، مقیاس هر درخت را بسیار دقیق منتقل می کند ("جنگل فونتنبلو"، 1848-1850؛ "Oaks in Agremont"، 1852). در عین حال، آثار روسو نشان می دهد که هنرمندی که سبکش تحت تأثیر هنر آکادمیک و نقاشی استادان قدیمی شکل گرفته است، هر چه تلاش کرده نتوانسته مشکل انتقال نور و هوا را حل کند. . بنابراین، نور و رنگ در مناظر او اغلب مشروط است.

هنر روسو تأثیر زیادی بر هنرمندان جوان فرانسوی گذاشت. نمایندگان آکادمی که درگیر انتخاب نقاشی در سالن ها بودند، سعی کردند از کار روسو در نمایشگاه جلوگیری کنند.

استادان مشهور مکتب باربیزون ژول دوپره بودند که مناظر او حاوی ویژگی های هنر رمانتیک است ("بلوط بزرگ"، 1844-1855؛ "منظره با گاوها"، 1850) و نارسیسوس دیاز، که در جنگل فونتنبلو زندگی می کرد. با چهره های برهنه پوره ها و الهه های باستانی ("زهره با کوپید"، 1851).

نماینده نسل جوان باربیزن ها چارلز داوبینی بود که کار خود را با تصویرسازی آغاز کرد، اما در دهه 1840. اختصاص داده شده به چشم انداز مناظر غنایی او که به گوشه های بی تکلف طبیعت اختصاص دارد، مملو از نور خورشید و هوا است. اغلب داوبینی از زندگی نه تنها طرح ها، بلکه نقاشی های تمام شده را نیز نقاشی می کرد. او یک قایق کارگاهی ساخت که با آن در امتداد رودخانه حرکت کرد و در جذاب ترین مکان ها توقف کرد.

زندگی بزرگترین هنرمند فرانسوی قرن نوزدهم به باربیزون ها نزدیک است. K. Koro.

ژان باپتیست کامیل کوروت

کامیل کورو - نقاش و گرافیست فرانسوی، استاد پرتره و منظره، یکی از بنیانگذاران مکتب منظر فرانسوی در قرن نوزدهم است.

او در سال 1796 در پاریس متولد شد. او شاگرد A. Michallon و JV Bertin - هنرمندان دانشگاهی بود. او در ابتدا به این دیدگاه عموماً پذیرفته شده پایبند بود که فقط منظره ای با طرح تاریخی که عمدتاً از تاریخ یا اساطیر باستان گرفته شده است ، هنر عالی است. با این حال، پس از بازدید از ایتالیا (1825)، دیدگاه های او به طور چشمگیری تغییر می کند، و او شروع به جستجو برای رویکردی متفاوت به واقعیت می کند، که قبلاً در آثار اولیه او مشهود است (نمای فروم، 1826؛ نمای کولوسئوم، 1826). لازم به ذکر است که طرح های کوروت، جایی که او نگرش خود را به ماهیت نورپردازی و درجه بندی رنگ ها تغییر می دهد و آنها را به صورت واقعی تر منتقل می کند، نوعی انگیزه در توسعه یک منظره واقع گرایانه است.

با این حال، با وجود اصل جدید نوشتن، کوروت نقاشی هایی را به سالن می فرستد که تمام قوانین نقاشی آکادمیک را برآورده می کند. در این زمان، در کار کوروت، شکافی بین طرح و تصویر وجود دارد که ویژگی هنر او در طول زندگی او خواهد بود. بنابراین، آثار ارسال شده به سالن (از جمله هاجر در صحرا، 1845؛ هومر و شبانان، 1845) نشان می دهد که هنرمند نه تنها به موضوعات باستانی اشاره می کند، بلکه ترکیب منظره کلاسیک را نیز حفظ می کند، که با این وجود کمتر چنین نیست. بیننده را از تشخیص ویژگی های منظره فرانسوی در منطقه تصویر شده باز می دارد. به طور کلی، چنین تناقضی کاملاً در روحیه آن دوران بود.

اغلب اوقات، نوآوری هایی که کورو به تدریج به آن دست می یابد، نمی تواند از هیئت داوران پنهان شود، بنابراین نقاشی های او اغلب رد می شوند. به خصوص نوآوری قوی در مطالعات تابستانی استاد احساس می شود، جایی که او به دنبال انتقال حالات مختلف طبیعت در یک دوره زمانی معین است و منظره را با نور و هوا پر می کند. در ابتدا، اینها عمدتاً مناظر و ترکیبات شهری با بناهای معماری ایتالیا بودند، که او دوباره در سال 1834 به آنجا رفت. برای مثال، در منظره "صبح در ونیز" (حدود 1834)، نور خورشید، آسمان آبی و شفافیت هوا به زیبایی منتقل شده است. . در عین حال ترکیب نور و سایه فرم های معماری را نمی شکند، بلکه برعکس به نظر می رسد که آنها را الگوبرداری می کند. پیکره‌های افراد با سایه‌های بلند که از آنها در پس‌زمینه امتداد می‌یابند، به منظره احساس فضایی تقریبا واقعی می‌دهند.

نقاش بعداً خویشتن‌دارتر می‌شود، به طبیعت متواضع‌تری علاقه مند می‌شود، اما به حالات مختلف آن بیشتر توجه می‌کند. برای دستیابی به جلوه مورد نظر، طرح رنگی Koro نازک تر، روشن تر می شود و شروع به ردیف شدن بر روی انواع همان رنگ می کند. از این نظر آثاری چون "برج ناقوس در آرژانتوی" که سرسبزی لطیف طبیعت اطراف و رطوبت هوا بسیار ظریف و در عین حال با یقین زیاد جذابیت بهار را منتقل می کند از ویژگی های بارز آن است. کالسکه» که در آن می توان هیجان لذت بخش زندگی را احساس کرد.

قابل ذکر است که کوروت طبیعت را مکانی ارزیابی می کند که یک انسان ساده در آن زندگی و عمل می کند. یکی دیگر از ویژگی های چشم انداز او این است که همیشه بازتابی از حالات عاطفی استاد است. بنابراین، ترکیبات منظره غنایی هستند («ناقوس در آرتانگی» که در بالا ذکر شد) یا برعکس، دراماتیک (مطالعه «تند باد»، حدود 1865-1870).

ساخته های فیگوراتیو کوروت سرشار از احساس شاعرانه است. اگر در آثار اولیه شخصی به نظر می رسد تا حدودی از دنیای اطراف خود جدا شده است ("درو با داسی"، 1838)، در آثار بعدی تصاویر افراد
به طور جدایی ناپذیری با محیطی که در آن قرار دارند مرتبط هستند ("خانواده درو"، حدود 1857). کوروت علاوه بر مناظر، پرتره هایی نیز خلق کرد. تصاویر زنان به ویژه خوب هستند و با طبیعی بودن و سرزندگی خود مسحور کننده هستند. این هنرمند فقط افرادی را نقاشی می کرد که از نظر روحی به او نزدیک بودند، بنابراین پرتره های او با همدردی صمیمانه نویسنده با مدل مشخص شده است.

کوروت نه تنها یک نقاش و گرافیست با استعداد بود، بلکه معلم خوبی برای هنرمندان جوان و قابل اعتماد بود
رفیق این واقعیت قابل توجه است: زمانی که O. Daumier بودجه ای برای پرداخت اجاره خانه خود نداشت، Corot این خانه را خرید و سپس آن را به یکی از دوستانش ارائه کرد.

کوروت در سال 1875 درگذشت و میراث خلاقانه عظیمی را پشت سر گذاشت - حدود 3000 نقاشی و آثار گرافیکی.

آنوره داومیر

Honoré Daumier، گرافیست، نقاش و مجسمه‌ساز فرانسوی، در سال 1808 در مارسی در خانواده یک شیشه‌کار که شعر می‌سرود به دنیا آمد. در سال 1814، زمانی که Daumier شش ساله بود، خانواده او به پاریس نقل مکان کردند.

این هنرمند آینده کار خود را به عنوان یک کارمند آغاز کرد، سپس به عنوان فروشنده در یک کتابفروشی کار کرد. با این حال او اصلاً علاقه ای به این کار نداشت، تمام اوقات فراغت خود را به پرسه زدن در خیابان ها و ساخت طرح ها ترجیح می داد. به زودی، این هنرمند جوان شروع به بازدید از لوور می کند، جایی که او مجسمه سازی باستانی و آثار استادان قدیمی را مطالعه می کند، که روبنس و رامبراند تا حد زیادی او را مجذوب خود می کنند. داومیر می فهمد که با مطالعه هنر نقاشی به تنهایی نمی تواند پیشرفت زیادی داشته باشد و سپس (از سال 1822) شروع به گرفتن درس های طراحی از Lenoir (مدیر موزه سلطنتی) می کند. با این حال، تمام آموزش ها به کپی برداری ساده از گچ خلاصه می شد و این حداقل نیازهای مرد جوان را برآورده نمی کرد. سپس Daumier کارگاه را ترک می کند و برای مطالعه لیتوگرافی به Ramole می رود و در عین حال به عنوان یک پیام رسان درآمد کسب می کند.

اولین کاری که Daumier در زمینه تصویرسازی انجام داد به دهه 1820 برمی گردد. آنها تقریباً زنده نماندند، اما آنچه به ما رسیده است به ما اجازه می دهد که از Daumier به عنوان یک هنرمند در مخالفت با قدرت رسمی که توسط بوربن ها نمایندگی می شود صحبت کنیم.

مشخص است که از اولین روزهای سلطنت لوئی فیلیپ، این هنرمند جوان کاریکاتورهای تیز و تیز خود و اطرافیانش را ترسیم می کند و از این طریق برای خود به عنوان یک مبارز سیاسی شهرت ایجاد می کند. در نتیجه، Daumier مورد توجه ناشر هفته نامه "کاریکاتور" چارلز فیلیپون قرار می گیرد و او را به همکاری دعوت می کند، که او با آن موافقت می کند. اولین اثر منتشر شده در "کاریکاتور" مورخ 9 فوریه 1832 - "متقاضیان مکان ها" - خدمتکاران لوئی فیلیپ را به سخره می گیرد. پس از او، طنزهای خود پادشاه یکی پس از دیگری ظاهر شد.

از اولین سنگ نگاره های Daumier، Gargantua (15 دسامبر 1831) سزاوار توجه ویژه است، جایی که هنرمند لویی فیلیپ چاق را به تصویر کشیده است که طلای گرفته شده از مردم گرسنه و فقیر را جذب می کند. این برگه که در ویترین شرکت اوبرت به نمایش گذاشته شد، جمعیت کاملی از تماشاگران را جمع کرد، به همین دلیل دولت از استاد انتقام گرفت و او را به شش ماه زندان و جریمه 500 فرانک محکوم کرد.

علیرغم این واقعیت که آثار اولیه Daumier هنوز از نظر ترکیبی کاملاً مملو از بار هستند و نه آنقدر بر بیان تصویر تأثیر می‌گذارند که روایت، آنها قبلاً دارای سبک هستند. خود دامیر به خوبی از این امر آگاه است و شروع به کار در ژانر پرتره کاریکاتور می کند، در حالی که از روش بسیار عجیبی استفاده می کند: ابتدا نیم تنه های پرتره (که در آن ویژگی های مشخصه به گروتسک آورده می شود) مجسمه می کند که پس از آن برای او خواهد بود. طبیعت هنگام کار بر روی لیتوگرافی در نتیجه، ارقامی را به دست آورد که در حداکثر حجم متفاوت بودند. به این ترتیب بود که سنگ نگاره "رحم قانونگذاری" (1834) ساخته شد که تصویر زیر را نشان می دهد: مستقیماً در مقابل بیننده روی نیمکت های واقع در آمفی تئاتر، وزرا و اعضای پارلمان سلطنت جولای. مستقر شد در هر چهره، یک شباهت پرتره با دقت مرگباری منتقل می شود، در حالی که رساترین گروه توسط تیرز در گوش دادن به یادداشت گیزو نشان داده می شود. استاد با افشای حقارت فیزیکی و اخلاقی نخبگان حاکم، به خلق انواع پرتره می پردازد. نور در آنها نقش ویژه ای ایفا می کند، بر تمایل نویسنده به بیشترین بیان تأکید می کند. بنابراین، تمام فیگورها تحت نور شدید ارائه می شوند (معلوم است که استاد هنگام کار بر روی این ترکیب، نیم تنه ها را زیر نور روشن یک لامپ قرار می دهد).

جای تعجب نیست که با چنین سخت کوشی، داومیر سبک بزرگ یادبودی را در لیتوگرافی پیدا کرد (این در کار "پایین پرده، مسخره بازی می شود"، 1834 به شدت احساس می شود). قدرت نفوذ در آثاری که نقش کارگران را در مبارزه با ستمگران آشکار می کند، به همان اندازه بالاست: «او دیگر برای ما خطرناک نیست»، «دخالت نکن»، «خیابان ترانسنونن 15 آوریل 1834». و اما آخرین برگ، پاسخی مستقیم به قیام کارگران است. تقریباً تمام افرادی که واقعاً در یکی از خانه‌های خیابان ترنسنونن زندگی می‌کردند (از جمله کودکان و افراد مسن) کشته شدند زیرا یکی از کارگران جرات تیراندازی به پلیس را داشت. این هنرمند غم انگیزترین لحظه را ثبت کرد. سنگ نگاره تصویر وحشتناکی را به تصویر می کشد: روی زمین، در کنار تخت خالی، جسد کارگری قرار دارد که کودک مرده ای را زیر خود له می کند. در گوشه ای تاریک زنی به قتل رسیده است. در سمت راست، سر پیرمرد مرده به وضوح قابل مشاهده است. تصویر ارائه شده توسط Daumier یک احساس دوگانه را در بیننده برمی انگیزد: حس وحشت از کاری که انجام داده و اعتراض خشمگینانه. اثری که این هنرمند اجرا می کند تفسیر بی تفاوتی در مورد رویدادها نیست، بلکه محکومیتی عصبانی است.

درام با کنتراست شدید نور و سایه تقویت می شود. در عین حال، جزئیات، اگرچه در پس‌زمینه عقب‌نشینی می‌کند، اما در عین حال وضعیتی را که در آن چنین جنایتی رخ داده است، روشن می‌کند و تاکید می‌کند که این قتل عام در زمانی انجام شد که مردم در خواب آرام بودند. مشخص است که قبلاً در این اثر ویژگی های نقاشی های اواخر داومیه قابل مشاهده است که در آن یک رویداد واحد نیز تعمیم داده می شود و از این طریق به ترکیب بیانی تاریخی در ترکیب با "تصادف" یک لحظه زندگی ربوده شده می بخشد.

چنین آثاری تا حد زیادی بر تصویب "قوانین سپتامبر" (که در پایان سال 1834 لازم الاجرا شد) علیه مطبوعات تأثیر گذاشت. این منجر به این واقعیت شد که کار کردن در زمینه طنز سیاسی غیرممکن شد. بنابراین، دامیر، مانند بسیاری دیگر از استادان کاریکاتور سیاسی، به موضوعات مرتبط با زندگی روزمره می پردازد و در آنجا مسائل سوزان اجتماعی را جستجو می کند و به سطح می آورد. در این زمان مجموعه های کاملی از کاریکاتورها در فرانسه منتشر شد که زندگی و آداب و رسوم جامعه آن دوران را به تصویر می کشید. Daumier به همراه هنرمند Travies مجموعه ای از سنگ نگاره ها به نام "انواع فرانسوی" (1835-1836) را ایجاد می کند. مانند بالزاک در ادبیات، داومیر در نقاشی جامعه معاصر خود را که در آن پول حاکم است، افشا می کند.

وزیر گیزو شعار "ثروتمند شوید!" را اعلام می کند. داومیر با ایجاد تصویری از رابرت ماچر به او پاسخ می دهد - یک کلاهبردار و یک سرکش، یا در حال مرگ یا دوباره زنده می شود (سریال "کاریکاتوران"، 1836-1838). در برگه های دیگر، او به موضوع خیریه بورژوازی ("انسان دوستی مدرن"، 1844-1846)، توهین به دادگاه فرانسه ("قضات عدالت"، 1845-1849)، از خود راضی باشکوه مردم شهر اشاره می کند (ورق " هنوز هم دیدن پرتره شما در نمایشگاه بسیار متملق است.» بخشی از مجموعه سالن 1857). سری‌های دیگر سنگ نگاره‌ها نیز به شیوه‌ای نکوهش‌آمیز اجرا شدند: «روز لیسانسه» (1839)، «شرایط زناشویی» (1839-1842)، «بهترین روزهای زندگی» (1843-1846)، «چوپانی» (1845-1845) 1846).

با گذشت زمان، نقاشی Daumier تا حدودی تغییر می کند، سکته مغزی گویاتر می شود. به گفته معاصران، استاد هرگز از مدادهای تیز جدید استفاده نکرد و ترجیح می داد با قطعات نقاشی بکشد. او معتقد بود که این باعث تنوع و سرزندگی خطوط می شود. شاید به همین دلیل است که آثار او با گذشت زمان، شخصیتی گرافیکی پیدا می‌کنند و شکل اولیه‌شان را جایگزین می‌کنند. باید گفت که سبک جدید بیشتر برای چرخه های گرافیکی مناسب بود، جایی که داستان معرفی می شد و خود اکشن یا در فضای داخلی یا در منظره رخ می داد.

با این حال، Daumier هنوز هم بیشتر مستعد طنزهای سیاسی است و به محض این که فرصت پیش بیاید، دوباره سرگرمی مورد علاقه خود را شروع می کند و برگه هایی پر از خشم و نفرت برای نخبگان حاکم ایجاد می کند. در سال 1848 موج انقلابی جدیدی رخ داد، اما سرکوب شد و جمهوری توسط بناپارتیسم تهدید شد. در پاسخ به این رویدادها، Daumier، Ratapual، یک عامل حیله گر و خائن بناپارتیست را ایجاد می کند. این تصویر آنقدر استاد را مجذوب خود کرد که او آن را از لیتوگرافی به مجسمه سازی منتقل کرد و در آنجا توانست با تفسیری جسورانه به بیانی عالی دست یابد.

جای تعجب نیست که داومیر با همان نیروی لوئی فیلیپ از ناپلئون سوم متنفر است. هنرمند تمام تلاش خود را می کند تا آثار اتهامی خود شرارتی را که از ناحیه طبقه ممتاز و البته حاکم سرچشمه می گیرد، در ساکنان احساس کند. اما پس از کودتای دوم دسامبر 1852، کاریکاتور سیاسی دوباره ممنوع شد. و تنها در اواخر دهه 1860، زمانی که دولت لیبرال‌تر شد، دامیر برای سومین بار به این ژانر روی آورد. بنابراین، در یک صفحه، بیننده می تواند ببیند که چگونه قانون اساسی لباس آزادی را کوتاه می کند، و در طرف دیگر - تیرس، که به عنوان یک سوگیر به تصویر کشیده می شود و به هر سیاستمداری می گوید که چه بگوید و چه کاری انجام دهد. این هنرمند طنزهای ضد نظامی زیادی می کشد ("جهان شمشیر را می بلعد" و غیره).

از 1870 تا 1872، Daumier مجموعه ای از سنگ نگاره ها را ایجاد کرد که اقدامات جنایتکارانه عاملان بلایای فرانسه را افشا می کرد. به عنوان مثال، در برگه‌ای به نام «این آن را کشت» به بیننده این امکان را می‌دهد که انتخاب ناپلئون سوم آغاز بسیاری از مشکلات بود. قابل توجه سنگ نگاره «امپراتوری جهان است» است که میدانی با صلیب ها و سنگ قبرها را نشان می دهد. کتیبه روی اولین سنگ قبر چنین است: "مرده در بلوار مونمارتر در 2 دسامبر 1851"، در آخرین - "مرده در سدان 1870". این ورق به خوبی گواه آن است که امپراتوری ناپلئون سوم چیزی جز مرگ برای فرانسویان به ارمغان نیاورد. تمام تصاویر در سنگ نگاره ها نمادین هستند، اما نمادها در اینجا نه تنها از نظر ایدئولوژیکی اشباع شده، بلکه بسیار متقاعد کننده هستند.

یکی دیگر از سنگ نگاره های شناخته شده توسط Daumier که در سال 1871 ساخته شده است، قابل توجه است، جایی که در پس زمینه یک آسمان مهیب و ابری، تنه مثله شده یک درخت زمانی قدرتمند سیاه می شود. تنها یک شاخه جان سالم به در برد، اما تسلیم نمی شود و به مقاومت خود در برابر طوفان ادامه می دهد. زیر ورق یک امضای مشخص است: "فرانسه بیچاره، تنه شکسته است، اما ریشه ها هنوز قوی هستند." استاد با این تصویر نمادین نه تنها نتایج فاجعه‌ای را که تجربه کرد به نمایش گذاشت، بلکه با کمک تضادهای نور و سایه و خطوط پویا، تصویری زنده را به نمایش گذاشت که تجسم قدرت کشور است. این کار نشان می دهد که استاد ایمان خود را به قدرت فرانسه و توانایی های مردم آن از دست نداده است که می توانند میهن خود را مانند گذشته بزرگ و قدرتمند کنند.

لازم به ذکر است که Daumier نه تنها سنگ نگاره ها را خلق کرده است. از دهه 1830 او همچنین در نقاشی و آبرنگ کار می کند، اما نقاشی های اولیه او ("حکاک"، 1830-1834؛ پرتره از خود، 1830-1831) با فقدان یک روش توسعه یافته مشخص می شود. گاهی اوقات تشخیص آنها از آثار دیگر هنرمندان دشوار است. بعداً، سبک سازی، توسعه مضامین خاص وجود دارد. بنابراین، برای مثال، در دهه 1840. استاد مجموعه ای از آهنگ ها را با نام واحد "وکلا" نوشت. در این نقاشی‌ها همان تصاویر گروتسک دیده می‌شود که در کارهای گرافیکی Daumier وجود دارد.

نقاشی های رنگ روغن و آبرنگ و همچنین سنگ نگاره های او با طعنه آغشته است. داومیر چهره‌هایی از وکلا را نقاشی می‌کند که با حرکات نمایشی با مردم صحبت می‌کنند (مدافع، دهه 1840) یا به‌طور خودپسندانه در مورد دسیسه‌های کثیف خود به دور از چشم دیگران صحبت می‌کنند (سه وکیل). هنگام کار بر روی بوم، نقاش اغلب به نمای نزدیک متوسل می شود و ضروری ترین اشیاء را به تصویر می کشد و فقط جزئیات داخلی را ترسیم می کند. او با دقت خاصی چهره هایی گاه احمق و بی تفاوت و گاه مکار و ریاکار و گاه تحقیرآمیز و از خود راضی ترسیم می کند. نویسنده با به تصویر کشیدن ردای سیاه وکیل در زمینه طلایی، به جلوه ای منحصر به فرد دست می یابد که در مقابل نور و تاریکی قرار دارد.

با گذشت زمان، طنز از نقاشی Daumier خارج می شود. در ساخته های اواخر دهه 1840. مکان مرکزی را تصاویر معنوی و قهرمانانه مردم از مردم اشغال کرده است که دارای قدرت، انرژی درونی و قهرمانی هستند. نمونه بارز این گونه آثار، نقاشی های «خانواده در سنگر» (1848-1849) و «قیام» (حدود 1848) است.

بوم اول رویدادهای انقلابی و مردم شرکت کننده در آن را به تصویر می کشد. قهرمان ها به قدری به قاب نزدیک هستند که تنها بخشی از فیگورها قابل مشاهده است. هنرمند سعی می کند توجه بیننده را به چهره های شکل گرفته از نور معطوف کند. یک پیرزن و یک مرد با شدت و تمرکز مشخص می شود، یک زن جوان با غم و اندوه و مالیخولیا مشخص می شود و یک مرد جوان، برعکس، پر از عزم ناامیدانه است. نکته قابل توجه این است که سر شخصیت ها در چرخش های مختلف نشان داده شده اند که این تصور را ایجاد می کند که فیگورها در حال حرکت هستند که بر تنش ترکیب تأکید بیشتری می کند.

ترکیب دوم ("قیام") تصویری از جمعیت عجله ای است که توسط یک انگیزه انقلابی گرفته شده است.

پویایی رویدادها نه تنها با حرکت دست بلند شده و چهره هایی که به جلو می شتابند، بلکه با یک نوار نور نیز منتقل می شود.

تقریباً در همان زمان، Daumier نقاشی هایی را نقاشی می کرد که به پناهندگان و مهاجران اختصاص یافته بود، اما این تصاویر اغلب در آثار او یافت نمی شود. او تمام موضوعات نقاشی‌هایش را در زندگی روزمره پیدا کرد: لباس‌شویی که به آب می‌رفت. باربر در حال کشیدن قایق؛ کارگر در حال بالا رفتن از پشت بام نکته قابل توجه این است که همه آثار منعکس کننده تکه هایی از واقعیت هستند و نه از طریق روایت، بلکه با ابزارهای بصری که تصویری رسا و در برخی موارد تراژیک ایجاد می کنند، بیننده را تحت تأثیر قرار می دهند.

با این روحیه، نقاشی "بار" ساخته شد که چندین گزینه دارد. طرح کار ساده است: زنی به آرامی در امتداد خاکریز قدم می زند. او با یک دست سبد بزرگ لباسشویی را می کشد. در همان حوالی، کودکی که به دامن خود چسبیده است، همراه با قدم های کوچک حرکت می کند. باد شدیدی در چهره قهرمانان می وزد که راه رفتن را بسیار دشوارتر می کند و بار سنگین تر به نظر می رسد. انگیزه معمول روزمره Daumier ویژگی های تقریباً قهرمانانه به خود می گیرد. زن از همه نگرانی ها جدا به نظر می رسد. علاوه بر این، استاد تمام جزئیات منظره را حذف می کند و فقط به طور معمول خطوط کلی شهر را در طرف دیگر رودخانه ترسیم می کند. سایه های خاموش و سردی که منظره با آن نقاشی شده است، احساس درام و ناامیدی را افزایش می دهد. قابل توجه است که تفسیر تصویر یک زن نه تنها با قوانین کلاسیک، بلکه با آرمان های زیبایی انسانی در میان رمانتیک ها در تضاد است. با بیان و واقع گرایی عالی ارائه شده است. نور و سایه نقش مهمی در ایجاد تصاویر ایفا می کند: به لطف نورپردازی که در یک نوار یکنواخت قرار می گیرد، شکل یک زن به طرز شگفت انگیزی رسا و پلاستیکی به نظر می رسد. شبح تاریک یک کودک روی یک جان پناه روشن خودنمایی می کند. سایه هر دو شکل در یک نقطه ادغام می شود. چنین صحنه ای که بارها توسط داومیر در واقعیت مشاهده شده است، نه در ژانر، بلکه در قالب های تاریخی ارائه می شود که با تصویر جمعی که او ایجاد کرده تسهیل می شود.

علیرغم تعمیم، در هر اثر Daumier سرزندگی فوق العاده ای حفظ شده است. استاد می تواند هر گونه ژست مشخصه شخصی را که به تصویر می کشد، برای انتقال ژست و غیره بگیرد. بوم "عاشق چاپ" به اطمینان از این امر کمک می کند.

اگرچه در طول 1850-1860s. داومیر در نقاشی بسیار پربار کار می کند، اما مشکل هوای معمولی که بسیاری از نقاشان آن زمان را به خود مشغول کرده بود، اصلاً او را مورد توجه قرار نمی دهد. حتی وقتی شخصیت هایش را در فضای باز به تصویر می کشد، باز هم از نور پراکنده استفاده نمی کند. در نقاشی های او، نور عملکرد متفاوتی را انجام می دهد: بار احساسی را به همراه دارد که به نویسنده کمک می کند تا لهجه های ترکیبی را قرار دهد. جلوه مورد علاقه Daumier نور پس‌زمینه است که در آن پیش‌زمینه در برابر پس‌زمینه‌ای روشن تاریک می‌شود («پیش از حمام کردن»، حدود 1852؛ «کنجکاو در پنجره»، حدود 1860). با این حال، در برخی از نقاشی‌ها، نقاش به تکنیک دیگری روی می‌آورد، زمانی که به نظر می‌رسد گرگ و میش پس‌زمینه به سمت پیش‌زمینه از بین می‌رود و رنگ‌های سفید، آبی و زرد با شدت بیشتری به صدا در می‌آیند. اثر مشابهی را می توان در بوم هایی مانند ترک مدرسه (حدود 1853-1855)، کالسکه کلاس سوم (حدود 1862) مشاهده کرد.

در نقاشی، Daumier کمتر از گرافیک کار نکرد. او تصاویر جدیدی را معرفی کرد و آنها را با بیانی عالی تفسیر کرد. هیچ یک از پیشینیان او اینقدر جسورانه و آزادانه ننوشتند. به خاطر همین ویژگی بود که معاصرانی که به تدریج فکر می کردند به نقاشی های او ارزش زیادی می دادند. با این حال، در طول زندگی این هنرمند، نقاشی او کمی شناخته شده بود و نمایشگاه پس از مرگ در سال 1901 برای بسیاری یک کشف واقعی بود.

داومیر در سال 1879 در شهر والمونوا در نزدیکی پاریس در خانه ای که کوروت به او اهدا کرده بود درگذشت.

انقلاب 1848 منجر به خیزش فوق العاده ای در زندگی اجتماعی فرانسه، در فرهنگ و هنر آن شد. در آن زمان دو نماینده اصلی نقاشی رئالیستی در کشور کار می کردند - J.-F. میلت و جی. کوربه.

ژان فرانسوا میله

ژان فرانسوا میله، نقاش و گرافیست فرانسوی، در سال 1814 در شهر گروشی، نه چندان دور از شربورگ، در خانواده ای بزرگ دهقانی که زمین کوچکی در نرماندی داشتند، به دنیا آمد. میلت جوان از دوران کودکی با فضایی از سخت کوشی و تقوا احاطه شده بود. پسر بسیار باهوش بود و استعداد او مورد توجه کشیش محلی قرار گرفت. از این رو، پسر علاوه بر تکالیف مدرسه، زیر نظر یک خادم کلیسا، شروع به مطالعه لاتین کرد و پس از مدتی، همراه با کتاب مقدس، آثار ویرژیل به خواندن مورد علاقه او تبدیل شد، که نقاش در تمام مدت به آن اعتیاد داشت. زندگی خود.

میلت تا 18 سالگی در روستا زندگی می کرد و به عنوان پسر ارشد، کارهای دهقانی مختلفی از جمله کارهای مربوط به زراعت زمین را انجام می داد. از آنجایی که توانایی هنرهای زیبا در میل خیلی زود بیدار شد، او هر چیزی را که او را احاطه کرده بود نقاشی کرد: مزارع، باغ ها، حیوانات. با این حال، دریا بیشترین علاقه را در بین این هنرمند جوان برانگیخت. میلت اولین طرح های خود را به عنصر آب تقدیم می کند.

Millais با قدرت مشاهده ظریف متمایز بود و چشمان او که زیبایی طبیعت را مشاهده می کرد از مصیبت هایی که فردی که وارد رویارویی با او شده بود در امان نبود. استاد در طول زندگی خود خاطره غم انگیزی را به همراه داشت، طوفان وحشتناکی که ده ها کشتی را غرق کرد و در اوایل کودکی مشاهده کرد.

بعداً نقاش جوان به شربورگ رفت و در آنجا ابتدا نزد موشل و سپس با لانگلویس دو شورویل (شاگرد و پیرو گروس) نقاشی خواند. به درخواست دومی از شهرداری بورسیه گرفت و برای ادامه تحصیل به پاریس رفت. میلت با ترک وطن خود به دستور مادربزرگش گوش فرا داد که به او گفت: "فرانسوا هرگز چیز زشتی ننویس، حتی اگر به دستور خود پادشاه باشد."

این هنرمند با ورود به پاریس وارد کارگاه Delaroche شد. او از سال 1837 تا 1838 در آنجا تحصیل کرد. همزمان با کلاس‌های آموزشی در کارگاه میلت، از لوور دیدن کرد و در آنجا نقاشی‌های معروف را مطالعه کرد که آثار میکل آنژ بیشتر او را تحت تأثیر قرار داد. میلت بلافاصله راه خود را به هنر پیدا نکرد. اولین آثار او که برای فروش خلق شد، به شیوه A. Watteau و F. Boucher ساخته شد که maniere fleurie نامیده می شود که به معنای "شیوه گلدار" است. و گرچه این شیوه نگارش با زیبایی و ظرافت بیرونی متمایز است، اما در حقیقت تصور نادرستی ایجاد می کند. موفقیت در اوایل دهه 1840 به لطف آثار پرتره برای هنرمند حاصل شد (خود پرتره، 1841؛ مادمازل اونو، 1841؛ آرماند اونو، 1843؛ دلوز، 1845).

در اواسط دهه 1840، میلت روی یک سری پرتره از ملوانان کار می کرد، که در آنها سبک او کاملاً از رفتار و تقلید، که نمونه کارهای اولیه این هنرمند است ("افسر نیروی دریایی"، 1845، و غیره) آزاد است. استاد چندین نقاشی با موضوعات اساطیری و مذهبی کشید (سنت جروم، 1849؛ هاگار، 1849).

در سال 1848، میلت به هنرمندان N. Diaz و F. Jeanron نزدیک شد و برای اولین بار در سالن به نمایش گذاشت. اولین
تصویر ارائه شده توسط وی - "ویتل" زندگی روستایی را به تصویر می کشد. از آن زمان، استاد یک بار برای همیشه موضوعات اساطیری را رد می کند و تصمیم می گیرد فقط آنچه را که به او نزدیک تر است بنویسد.

او و خانواده اش برای اجرای نقشه اش به باربیزون نقل مکان کردند. در اینجا هنرمند کاملاً غوطه ور است
وارد دنیای زندگی روستایی می شود و آثاری می آفریند که با جهان بینی او مطابقت دارد. اینها عبارتند از: بذرپاش (1849)، زن دهقان نشسته (1849) و غیره. در آنها، میلت، با متقاعدسازی بسیار، نمایندگان طبقه دهقان را به طور صادقانه به نمایش می گذارد، و عمدتاً بر روی شکل تمرکز می کند، که در نتیجه گاهی اوقات فرد متوجه می شود. این تصور که منظره در نقاشی های او نقش پس زمینه را ایفا می کند.

در آثار میلت در اوایل دهه 1850. همچنین تحت سلطه چهره های تنها دهقانانی که درگیر امور عادی بودند. هنرمند با خلق بوم ها به دنبال ارتقاء پروزائیک ترین اثر بود. او متقاعد شده بود که «انسانیت واقعی» و «شعر بزرگ» تنها با به تصویر کشیدن افراد کارگر قابل انتقال است. از ویژگی های بارز این آثار می توان به سادگی ژست ها، سهولت ژست ها، شکل پذیری حجیم فیگورها و کندی حرکات اشاره کرد.

با نگاهی به نقاشی معروف میلت "خیاطی" (1853)، بیننده فقط ضروری ترین ویژگی های یک خیاط را می بیند: قیچی، تخت سوزنی و اتو. هیچ چیز اضافی روی بوم وجود ندارد ، دقیقاً به همان اندازه فضای لازم وجود دارد - با این کار استاد تصویر را قابل توجه و حتی به یاد ماندنی می کند. علیرغم ماهیت ثابت ظاهری ترکیب، تصویر یک زن مملو از حرکت درونی است: به نظر می رسد که دست او که سوزن را گرفته است، بخیه های بیشتری ایجاد می کند و سینه او به طور ریتمیک بالا می رود. کارگر با دقت به محصول خود نگاه می کند، اما افکار او جایی دور است. با وجود عادی بودن و کمی صمیمیت انگیزه، وقار و عظمت در تصویر ذاتی است.

تابلوی Rest of the Reapers که توسط استاد در سالن 1853 به نمایش گذاشته شد، با همین روحیه اجرا شده است. تصاویر دهقانان به طور هماهنگ در تصویر کلی طبیعت قرار می گیرند.

مشخصه که در بسیاری از آثار میلت طبیعت به بیان حال و هوای قهرمان کمک می کند. بنابراین، در نقاشی "زن دهقان نشسته"، جنگل غیر دوستانه غم و اندوه دختری را که عمیقاً در افکار بی قرار او غوطه ور است، به خوبی منتقل می کند.

با گذشت زمان، میلت، که تصاویری را نقاشی کرد که در آنها تصاویر یادبودی در پس زمینه یک منظره نمایش داده می شد، شروع به خلق آثار متفاوتی کرد. فضای چشم‌انداز در آنها گسترش می‌یابد، منظره که هنوز نقش پس‌زمینه را بازی می‌کند، شروع به ایفای نقش مهم‌تر و معنایی می‌کند. بنابراین، در ترکیب "جمع آوری کنندگان" (1857)، منظره در پس زمینه شامل چهره های دهقانان در حال برداشت است.

ارزن به تصویر طبیعت در بوم کوچک "Angelus" ("زنگ ناهید"، 1858-1859) معنای عمیق تری می دهد. به نظر نمی رسد پیکره های یک مرد و یک زن در وسط یک مزرعه با صدای آرام ناقوس کلیسا با مناظر آرام عصر بیگانه باشد.

وقتی از استاد پرسیدند که چرا بیشتر نقاشی هایش حال و هوای غمگینی دارد، پاسخ داد:
"زندگی هرگز جنبه شادی به من نداد: نمی دانم او کجاست، هرگز او را ندیده ام. خوشحال‌کننده‌ترین چیزی که می‌دانم، سکون است، سکونی که در جنگل‌ها یا زمین‌های زراعی بسیار لذت‌بخش از آن لذت می‌برم، خواه برای کشت مناسب باشند یا نه. قبول دارید که این همیشه باعث رویاپردازی غم انگیز، هرچند شیرین می شود. این کلمات غم رؤیایی دهقانان او را که به خوبی با آرامش و سکوت مزارع و جنگل ها هماهنگ است، کاملاً توضیح می دهد.

حال و هوای کاملاً متضادی در آهنگسازی برنامه میلت "مردی با بیل" مشاهده می شود که در سالن 1863 به نمایش گذاشته شد. بی دلیل نیست، میلت در یکی از نامه های خود در سال 1962 خاطرنشان کرد: «مردی با بیل زدن» انتقاد بسیاری از افرادی را که دوست ندارند به امور غیر از حلقه خود مشغول شوند، وقتی که مزاحم می شوند، به من وارد می کند. ". همانا سخنش نبوی بود. نقد حکم خود را صادر کرد و این هنرمند را فردی "خطرناک تر از کوربه" توصیف کرد. و اگرچه در این تصویر بیننده فقط دهقانی را می بیند که به بیل زدن تکیه داده است، یک نگاه برای احساس کافی است: او فقط با یک آج سنگین راه می رفت و با ابزار خود به زمین می خورد. مردی خسته از کار با بیانی عالی به تصویر کشیده می شود: هم در چهره و هم در شکل، خستگی و ناامیدی زندگی او به وضوح خوانده می شود - همه آنچه صدها هزار دهقان فرانسوی واقعاً تجربه کردند.

با این حال، در میان آثاری از این نوع (به ویژه در اواخر دهه 1860 و اوایل دهه 1870) آثاری آغشته به خوش بینی وجود دارد. اینها نقاشی هایی هستند که در آنها استاد توجه خود را بر منظره غرق در نور خورشید متمرکز می کند. از جمله بوم های "حمام کردن چوپان غازها" (1863)، "حمام کردن اسب ها" (1866)، "چوپان جوان" (1872). در ارزن آخر، پرتو خورشید بسیار ظریف می گذرد و از لابه لای شاخ و برگ درختان می گذرد و با بازیگوشی لباس و صورت دختر را نوازش می کند.

هنرمند در آخرین دوره خلاقیت تلاش می کند لحظات کوتاه زندگی را به تصویر بکشد و روی بوم به تصویر بکشد. این میل به ثبت لحظه ناشی از تمایل به انعکاس مستقیم واقعیت بود. بنابراین، به عنوان مثال، در پاستل "پاییز، خروج جرثقیل ها" (1865-1866)، ژست یک دختر چوپان در حال تماشای پرواز دسته ای از جرثقیل ها در شرف تغییر است. و اگر به ترکیب "غازها" که در سالن 1867 به نمایش گذاشته شده است نگاه کنید، به نظر می رسد که در لحظه ای دیگر - و نور سوسو زننده تغییر خواهد کرد. این اصل بعدها در آثار نقاشان امپرسیونیست نمود پیدا کرد.

اما باید توجه داشت که در آخرین آثار میلت، به ویژه در ساخته های فیگوراتیو او، جستجوی یادگاری دوباره محسوس است. این را می توان به ویژه بر روی بوم "بازگشت از میدان" به وضوح مشاهده کرد. عصر "(1873)، که در آن گروهی از دهقانان و حیوانات در پس زمینه آسمان عصر به عنوان یک شبح تعمیم یافته ادغام می شوند.

بنابراین، میلت از سال 1848 تا پایان عمر خود را به تصویر کشیدن روستا و ساکنان آن محدود کرد. و اگرچه او به هیچ وجه تلاش نکرد تا به آثار خود معنای اجتماعی تیز بدهد ، بلکه فقط می خواست سنت های مردسالارانه را به هر قیمتی حفظ کند ، کار او به عنوان منبع ایده های انقلابی تلقی می شد.

میلت در سال 1875 در باربیزون به زندگی خود پایان داد.

گوستاو کوربه

گوستاو کوربه، نقاش، گرافیست و مجسمه ساز فرانسوی، در سال 1819 در جنوب فرانسه، در اورنان، در یک خانواده دهقانی ثروتمند به دنیا آمد. او اولین درس های نقاشی خود را در شهر زادگاهش گذراند، سپس مدتی در کالج بزانسون و مدرسه طراحی فلاجولو تحصیل کرد.

در سال 1839، با متقاعد کردن پدرش در مورد درستی مسیر انتخاب شده، کوربه به پاریس رفت. در آنجا او به طور همزمان از کارگاه معروف آن زمان سوئیس که در آن با طبیعت زنده کار می کرد و موزه لوور بازدید کرد و از استادان قدیمی کپی کرد و کار آنها را تحسین کرد. این هنرمند جوان به ویژه تحت تأثیر کار اسپانیایی ها - D. Velasquez، J. Ribera و F. Zurbaran قرار گرفت. کوربه که هر از گاهی از مکان های بومی خود بازدید می کند، مناظر را با لذت بسیار نقاشی می کند و حجم ها را با لایه ای ضخیم از رنگ مجسمه سازی می کند. علاوه بر این، او در ژانر پرتره کار می کند (اغلب خود او مدل است) و بوم هایی را روی موضوعات مذهبی و ادبی نقاشی می کند ("لات با دخترش" ، 1841).

کوربه با خلق پرتره های خود، ظاهر خود را تا حدودی رمانتیک می کند ("زخمی"، 1844؛ "عاشقان شاد"، 1844-1845؛ "مردی با لوله"، 1846). این یک سلف پرتره بود که برای اولین بار توسط او در سالن به نمایش گذاشته شد ("خود پرتره با یک سگ سیاه"، 1844). شعر و خیال پردازی احساساتی بر بوم نقاشی «بعد از شام در اورنانس» (1849) نفوذ کرد. با این تصویر، به نظر می رسد هنرمند از حق خود دفاع می کند تا آنچه را که به خوبی از آن آگاه است، آنچه را که در محیطی آشنا مشاهده کرده است، به تصویر بکشد: در آشپزخانه، جایی که پس از اتمام شام، خود هنرمند، پدرش، نوازنده پرومیلت و مارلی، نشسته اند. همه شخصیت ها دقیقاً همانطور که در واقع به نظر می رسند به تصویر کشیده می شوند. در همان زمان، کوربه موفق شد حال و هوای کلی ایجاد شده توسط موسیقی را که شخصیت های تصویر به آن گوش می دهند، منتقل کند. علاوه بر این، هنرمند با چیدمان فیگورها بر روی بوم بزرگ، در مقیاس بزرگ، تصاویری تعمیم یافته خلق کرد و علیرغم طرح به ظاهر معمولی روزمره، به ماندگاری و اهمیت دست یافت. این شرایط برای نقاش مدرن برای عموم وقاحتی ناشنیده به نظر می رسید.

با این حال، کوربه به همین جا ختم نمی شود. در آثاری که در سالن بعدی (1850-1851) به نمایش گذاشته شد، جسارت او از این هم فراتر می رود. بنابراین ، در بوم "سنگ شکن" (1849-1850) نقاش عمداً معنای اجتماعی را بیان کرد. او با صداقت بی‌رحمانه‌ای هدفی را تعیین کرد که کار کمرشکن و فقر ناامیدانه دهقانان فرانسوی را به تصویر بکشد. جای تعجب نیست که کوربه در توضیحی برای نقاشی نوشته است: "اینگونه شروع می شوند و اینگونه به پایان می رسند." برای افزایش برداشت، استاد تصاویر ارائه شده را تعمیم می دهد. با وجود برخی متعارف‌ها در انتقال نور، منظره بسیار صادقانه درک می‌شود، اما مانند چهره‌های افراد. علاوه بر سنگ شکن ها، نقاش بوم های تدفین در اورنان (1849) و دهقانان بازگشته از نمایشگاه (1854) را در سالن به نمایش گذاشت. تمام این نقاشی‌ها آنقدر متفاوت با آثار دیگر غرفه‌داران بودند که معاصران کوربه را شگفت‌زده کردند.

بنابراین، "تدفین در اورنان" یک بوم با فرمت بزرگ است که در طراحی غیر معمول و در مهارت هنری قابل توجه است. همه چیز در آن غیرعادی و غیرعادی به نظر می رسد: موضوع (مراسم تشییع جنازه یکی از ساکنان یک شهر کوچک) و شخصیت ها (خرده بورژوا و دهقانان ثروتمند که به صورت واقع گرایانه نوشته شده اند). اصل خلاقانه کوربه، که در این تصویر اعلام شده است - نشان دادن صادقانه زندگی با تمام زشتی آن، بی توجه نبود. جای تعجب نیست که برخی از منتقدان مدرن آن را "تجلیل از زشتی ها" نامیدند، در حالی که برخی دیگر برعکس سعی در توجیه نویسنده داشتند، زیرا "اگر منافع مادی، زندگی یک شهر کوچک، کوچک بودن استانی آثاری از خود به جای بگذارند تقصیر هنرمند نیست. چنگال هایشان روی صورت، چشم ها را از بین می برد، پیشانی چروکیده و بیان دهان بی معنی. بورژواها اینطور هستند. ام. کوربه به بورژواها می نویسد».

و در واقع، اگرچه شخصیت های ترسیم شده بر روی بوم از زیبایی و معنویت خاصی برخوردار نیستند، با این وجود صادقانه و صمیمانه ارائه شده اند. استاد از یکنواختی نمی ترسید، چهره های او ثابت هستند. با این حال، با بیان چهره هایی که عمداً به سمت بیننده چرخانده شده اند، می توان به راحتی حدس زد که چگونه با رویداد جاری ارتباط دارند، آیا آنها را هیجان زده می کند. لازم به ذکر است که کوربه بلافاصله به چنین ترکیبی نرسید. در ابتدا در نظر گرفته شده بود که تک تک چهره ها ترسیم نشود - این را می توان از طرح مشاهده کرد. اما بعداً این ایده تغییر کرد و تصاویر به وضوح ویژگی های پرتره را به دست آوردند. بنابراین، به عنوان مثال، در جمع شما می توانید چهره پدر، مادر و خواهر خود هنرمند، شاعر مکس بوچون، پلات و کاردو قدیمی ژاکوبین، پرومایه نوازنده و بسیاری دیگر از ساکنان اورنان را تشخیص دهید.

در تصویر، همانطور که بود، دو حالت ترکیب شده بود: وقار غم انگیز، مطابق با لحظه، و زندگی روزمره. رنگ مشکی لباس عزا با شکوه است، حالات چهره سختگیرانه و ژست های کسانی که آنها را در آخرین سفر خود می بینند بی حرکت است. حال و هوای غم انگیز مراسم تشییع جنازه نیز توسط تاقچه های سنگی شدید تأکید می شود. با این حال، حتی در این حال و هوای فوق‌العاده، نثر زندگی بافته می‌شود که بی‌تفاوتی چهره پسر خدمتکار و منشی‌ها بر آن تأکید می‌کند، اما چهره طرفدار صلیب به‌خصوص عادی و حتی بی‌تفاوت به نظر می‌رسد. وقار لحظه نیز توسط سگ با دم بین پاهایش که در پیش زمینه به تصویر کشیده شده است نقض می شود.

همه این جزئیات روشنگر برای هنرمندی که سعی دارد کار خود را با هنر رسمی سالن مخالفت کند بسیار مهم و قابل توجه است. این تمایل را می توان در آثار بعدی کوربه ردیابی کرد. به عنوان مثال ، در بوم "Bathers" (1853) که باعث طوفان خشم شد زیرا نمایندگان چاق بورژوازی فرانسه که در آن نشان داده شده بودند ، بر خلاف پوره های شفاف از نقاشی های استادان سالن و آنها بودند. برهنگی توسط هنرمند با حداکثر ملموس و حجم ارائه می شود. همه اینها نه تنها مورد استقبال قرار نگرفت، بلکه برعکس باعث طوفانی از خشم شد که با این حال این هنرمند را متوقف نکرد.

با گذشت زمان، کوربه متوجه می شود که باید به دنبال یک روش هنری جدید باشد. او دیگر نمی‌توانست از آنچه که برنامه‌هایش را برآورده نکرده بود، راضی باشد. به زودی کوربه به نقاشی تونال و مدل سازی حجم ها با نور می رسد. خودش در این باره چنین می گوید: من در نقاشی هایم همان کاری را می کنم که خورشید در طبیعت انجام می دهد. در همان زمان، در بیشتر موارد، هنرمند روی پس زمینه تیره می نویسد: ابتدا رنگ های تیره را قرار می دهد، به تدریج به سمت رنگ های روشن حرکت می کند و آنها را به روشن ترین هایلایت می رساند. رنگ با اطمینان و با قدرت با کاردک اعمال می شود.

کوربت در هیچ موضوعی گیر نمی کند، او دائماً در جستجو است. در سال 1855 نقاش «استودیوی هنرمند» را به نمایش گذاشت که نوعی اعلامیه است. خود او آن را «تمثیلی واقعی که دوره هفت ساله زندگی هنری او را مشخص می کند» می نامد. و اگرچه این تصویر بهترین اثر کوربه نیست، اما طرح رنگی آن که با رنگ‌های خاکستری نقره‌ای تداوم یافته است، از مهارت رنگ‌آمیزی نقاش صحبت می‌کند.

در سال 1855، این هنرمند یک نمایشگاه شخصی ترتیب داد که نه تنها برای هنر آکادمیک، بلکه برای کل جامعه بورژوایی به چالشی واقعی تبدیل شد. پیشگفتاری که نویسنده بر کاتالوگ این نمایشگاه عجیب نوشته، گویای آن است. پس با آشکار کردن مفهوم «رئالیسم»، مستقیماً اهداف خود را بیان می‌کند: «این که بتوانم آداب و رسوم، اندیشه‌ها، ظاهر دورانم را بر اساس ارزیابی خودم - در یک کلام، خلق هنر زنده - به من منتقل کنم. " کوربه همه جنبه‌های واقعیت، تنوع آن را می‌دید و سعی می‌کرد آن را با حداکثر صداقت در آثارش مجسم کند. خواه کار روی پرتره باشد، منظره یا طبیعت بی جان، استاد در همه جا مادیت و تراکم دنیای واقعی را با همان خلق و خوی منتقل می کند.

در دهه 1860، خطوط بین ترکیب پرتره و ژانر در آثار نقاش محو شد (در آینده، این روند مشخصه کار E. Manet و دیگر هنرمندان امپرسیونیست خواهد بود). از این نظر، آشکارترین بوم‌ها «زنان انگلیسی کوچک در پنجره‌ای باز در ساحل» (1865) و «دختری با مرغ‌های دریایی» (1865) هستند. ویژگی بارز این آثار این است که نقاش نه آنقدر به تجربیات پیچیده شخصیت ها که به زیبایی نهفته در دنیای مادی علاقه دارد.

مشخص است که پس از سال 1855 هنرمند به طور فزاینده ای به چشم انداز روی آورد و با توجه زیادی عناصر هوا و آب، سبزی، برف، حیوانات و گل ها را مشاهده کرد. بسیاری از مناظر این زمان به صحنه های شکار اختصاص دارد.
فضا و اشیاء ارائه شده در این ترکیب بندی ها بیش از پیش واقعی تر می شوند.

کوربت با این شیوه کار می کند و توجه زیادی به نورپردازی می کند. بنابراین، در "Roes by the Stream" می‌توانیم تصویر زیر را مشاهده کنیم: اگرچه درختان حجم کمتری دارند و حیوانات تقریباً با پس‌زمینه منظره ادغام می‌شوند، از سوی دیگر، فضا و هوا کاملا واقعی احساس می‌شوند. این ویژگی بلافاصله توسط منتقدان مورد توجه قرار گرفت و نوشتند که کوربه وارد مرحله جدیدی از خلاقیت شده است - "مسیری به تن نور و نور". نکته قابل توجه مناظر دریایی است ("دریای نزدیک ساحل نرماندی"، 1867، "موج"، 1870، و غیره). مقایسه مناظر مختلف، نمی تواند
توجه نکنید که چگونه طیف رنگ ها بسته به نور تغییر می کند. همه اینها حاکی از آن است که در اواخر دوره کار کوربه، او نه تنها به دنبال به تصویر کشیدن حجم و مادی بودن جهان است، بلکه به دنبال انتقال فضای اطراف است.

در پایان گفتگو در مورد کوربت ، نمی توان گفت که با روی آوردن به آثار منظره ، کار بر روی بوم هایی با موضوعات اجتماعی را متوقف نکرد. در اینجا لازم است به ویژه به "بازگشت از کنفرانس" (1863) توجه شود - تصویری که نوعی طنز برای روحانیون بود. متأسفانه این نقاشی تا به امروز باقی نمانده است.

از دهه 1860 در محافل عمومی بورژوازی، علاقه به کار هنرمند افزایش می یابد. با این حال، هنگامی که دولت تصمیم به اعطای کوربه می گیرد، او این جایزه را رد می کند، زیرا نمی خواهد رسما به رسمیت شناخته شود و به هیچ مکتبی تعلق داشته باشد. در طول روزهای کمون پاریس، کوربه در رویدادهای انقلابی شرکت فعالی می کند، که متعاقباً به خاطر آن به زندان می رود و از کشور اخراج می شود. در حالی که این هنرمند پشت میله‌های زندان است، نقاشی‌های بسیاری خلق می‌کند که صحنه‌های کشتار علیه کموناردها را به تصویر می‌کشد.

کوربه که از فرانسه تبعید شده است به نوشتن ادامه می دهد. بنابراین، برای مثال، او در سوئیس چندین مناظر واقع گرایانه خلق کرد که «کلبه در کوهستان» (حدود 1874) از تحسین خاصی برخوردار است. علیرغم این واقعیت که چشم انداز به دلیل اندازه کوچک و خاص بودن انگیزه قابل توجه است، دارای شخصیتی تاریخی است.

کوربه تا پایان عمر خود به اصل رئالیسم وفادار ماند که در تمام طول زندگی خود در روحیه آن کار کرد. این نقاش در سال 1877 دور از وطن خود در لا تور دو پلز (سوئیس) درگذشت.

انقلاب 1830 آزادی های دموکراتیک را وارد زندگی فرانسه کرد که گرافیست ها در استفاده از آن کوتاهی نکردند. کاریکاتورهای تند سیاسی علیه محافل حاکم و نیز رذایل حاکم بر جامعه، صفحات مجلات شریوری و کاریکاتور را پر کرده است. تصاویر برای نشریات با تکنیک لیتوگرافی ساخته شده است. هنرمندانی مانند A. Monnier، N. Charlet، J. I. Granville و همچنین گرافیست برجسته فرانسوی O. Daumier در ژانر کاریکاتور کار می کردند.

بزرگترین نماینده مکتب باربیزون تئودور روسو بود که قبلاً یک نقاش منظره شناخته شده بود، از نقاشی آکادمیک فاصله گرفت و به باربیزون آمد. روسو با اعتراض به جنگل زدایی وحشیانه، ویژگی های انسانی را به طبیعت می بخشد. او خود از شنیدن صدای درختان و درک آنها صحبت می کرد. این هنرمند که یک خبره عالی جنگل است، ساختار، گونه، و مقیاس هر درخت را بسیار دقیق بیان می کند ("جنگل فونتنبلو"، 1848-1850؛ "Oaks in Agremont"، 1852). در عین حال، آثار روسو نشان می دهد که هنرمندی که سبکش تحت تأثیر هنر آکادمیک و نقاشی استادان قدیمی شکل گرفته است، هر چه تلاش کرده نتوانسته مشکل انتقال نور و هوا را حل کند. . بنابراین، نور و رنگ در مناظر او اغلب مشروط است.

استادان مشهور مکتب باربیزون، ژول دوپره، که مناظر او حاوی ویژگی‌های هنر رمانتیک است ("بلوط بزرگ"، 1844-1855، "منظره با گاوها"، 1850)، و نارسیسوس دیاز، که در جنگل فونتنبلو زندگی می‌کردند، بودند. چهره های برهنه پوره ها و الهه های باستانی ("زهره با کوپید"، 1851).

نماینده نسل جوان باربیزن ها چارلز داوبینی بود که کار خود را با تصویرسازی آغاز کرد، اما در دهه 1840. اختصاص داده شده به چشم انداز مناظر غنایی او که به گوشه های بی تکلف طبیعت اختصاص دارد، مملو از نور خورشید و هوا است. اغلب داوبینی از زندگی نه تنها طرح ها، بلکه نقاشی های تمام شده را نیز نقاشی می کرد. او یک کارگاه قایق ساخت، که در آن در امتداد رودخانه حرکت کرد و در جذاب ترین مکان ها توقف کرد.

بزرگترین هنرمند فرانسوی قرن نوزدهم به باربیزون ها نزدیک بود. K. Koro.

رئالیسم (از لاتین "realis" - واقعی، مادی) یک روند در هنر است، در پایان قرن 18 بوجود آمد، در قرن 19 به اوج خود رسید، در آغاز قرن 20 همچنان به توسعه خود ادامه می دهد و هنوز هم وجود دارد. هدف آن بازتولید واقعی و عینی اشیاء و اشیاء دنیای اطراف با حفظ ویژگی ها و ویژگی های معمولی آنهاست. در روند توسعه تاریخی تمام هنر به عنوان یک کل، رئالیسم اشکال و روش های خاصی را به دست آورد که در نتیجه سه مرحله آن متمایز می شود: روشنگری (عصر روشنگری، پایان قرن 18)، انتقادی (19th. قرن) و رئالیسم سوسیالیستی (آغاز قرن بیستم).

اصطلاح رئالیسم را اولین بار ژول ژانفلوری، منتقد ادبی فرانسوی به کار برد که در کتاب «رئالیسم» (1857) از این مفهوم به عنوان هنری تعبیر کرد که برای مقاومت در برابر جریاناتی مانند رمانتیسم و آکادمیک خلق شده است. این به عنوان شکلی از پاسخ به ایده آل سازی عمل کرد که مشخصه رمانتیسم و اصول کلاسیک آکادمیک است. داشتن جهت گیری اجتماعی تیز، انتقادی نامیده می شد. این جهت منعکس کننده مشکلات اجتماعی حاد در دنیای هنر بود و به ارزیابی پدیده های مختلف در زندگی جامعه آن زمان پرداخت. اصول اصلی او نمایش عینی جنبه های اساسی زندگی بود که در عین حال اوج و حقیقت آرمان های نویسنده را در بر می گرفت، برای بازتولید موقعیت های مشخصه و شخصیت های معمولی و در عین حال حفظ کامل بودن فردیت هنری آنها.

(بوریس کوستودیف "پرتره D.F. Bogoslovsky")

هدف رئالیسم اوایل قرن بیستم یافتن پیوندهای جدید بین یک شخص و واقعیت اطراف او، روش ها و روش های خلاقانه جدید، ابزارهای اصلی بیان هنری بود. غالباً به شکل خالص خود بیان نمی شد ، با ارتباط نزدیک با روندهایی در هنر قرن بیستم مانند نمادگرایی ، عرفان مذهبی ، مدرنیسم مشخص می شود.

رئالیسم در نقاشی

ظهور این گرایش در نقاشی فرانسوی در درجه اول با نام هنرمند گوستاو کوربیه مرتبط است. پس از اینکه چندین نقاشی، به ویژه آنهایی که برای نویسنده اهمیت زیادی داشتند، به عنوان نمایشگاه در نمایشگاه جهانی پاریس رد شدند، او در سال 1855 "پاویون رئالیسم" خود را افتتاح کرد. بیانیه ارائه شده توسط این هنرمند اصول یک جهت جدید در نقاشی را اعلام می کند که هدف آن ایجاد هنری زنده است که آداب، آداب و رسوم، ایده ها و ظاهر معاصران خود را منتقل می کند. «رئالیسم» کوربیه بلافاصله واکنش تند جامعه و منتقدان را برانگیخت و مدعی شدند که او با «پنهان شدن در پشت رئالیسم، به طبیعت تهمت می زند»، او را صنعتگر نقاشی می خواند، در تئاتر از او تقلید می کرد و به هر شکل ممکن به او تهمت می زد.

(گوستاو کوربیه "خود پرتره با یک سگ سیاه")

هنر رئالیستی مبتنی بر نگاه خاص خود به واقعیت پیرامون است که بسیاری از جنبه های جامعه را نقد و تحلیل می کند. از این رو، رئالیسم قرن نوزدهم را "انتقادی" نامیدند، زیرا ابتدا از ماهیت غیرانسانی سیستم استثماری بی رحمانه انتقاد می کرد، فقر و رنج آشکار مردم عادی رنجیده، بی عدالتی و سهل انگاری صاحبان قدرت را نشان می داد. . هنرمندان رئالیست با انتقاد از مبانی جامعه بورژوایی موجود، انسان گرایان نجیبی بودند که بدون استثنا به خیر، عدالت عالی، برابری جهانی و سعادت برای همه معتقد بودند. بعدها (1870)، رئالیسم به دو شاخه تقسیم می شود: ناتورالیسم و امپرسیونیسم.

(ژولین دوپره «بازگشت از مزارع»)

مضامین اصلی هنرمندانی که بوم‌های نقاشی خود را به سبک رئالیسم نقاشی می‌کردند صحنه‌های ژانر زندگی شهری و روستایی مردم عادی (دهقانان، کارگران)، صحنه‌هایی از رویدادها و حوادث خیابانی، پرتره‌های معمولی در کافه‌های خیابانی، رستوران‌ها و کلوپ‌های شبانه بود. برای هنرمندان رئالیست، انتقال لحظه های زندگی در پویایی آن، تأکید بر ویژگی های فردی شخصیت های بازیگر تا حد امکان قابل قبول، نشان دادن واقع گرایانه احساسات، عواطف و تجربیات آنها مهم بود. ویژگی اصلی نقاشی‌هایی که بدن انسان را به تصویر می‌کشند، احساسی بودن، احساسی بودن و طبیعت‌گرایی آنهاست.

رئالیسم به عنوان یک جهت در نقاشی در بسیاری از کشورهای جهان مانند فرانسه (مکتب باربیزون)، ایتالیا (معروف به وریسم)، بریتانیای کبیر (مکتب فیگوراتیو)، آمریکا (مدرسه سطل زباله ادوارد هاپر، مدرسه هنری توماس ایکینز)، توسعه یافت. استرالیا (مدرسه هایدلبرگ، تام رابرتز، فردریک مک کوبین)، در روسیه به عنوان جنبش سرگردان شناخته می شد.

(ژولین دوپره "چوپان")

نقاشی های فرانسوی که با روح رئالیسم نوشته شده اند، اغلب به ژانر منظره تعلق داشتند که در آن نویسندگان سعی داشتند طبیعت اطراف، زیبایی استان فرانسه، مناظر روستایی را منتقل کنند که به نظر آنها فرانسه "واقعی" را نشان می داد. با تمام شکوهش به بهترین شکل ممکن نقاشی‌های هنرمندان رئالیست فرانسوی انواع ایده‌آلی را به تصویر نمی‌کشیدند، افراد واقعی، موقعیت‌های معمولی بدون تزیین وجود داشت، زیبایی‌شناسی معمولی و تحمیل حقایق جهانی وجود نداشت.

(Honore Daumier "کالسکه درجه سه")

برجسته ترین نمایندگان رئالیسم فرانسوی در نقاشی هنرمندان گوستاو کوربیه ("کارگاه هنرمند"، "سنگ شکن"، "بافنده")، آنوره داومیه ("کالسکه درجه سوم"، "در خیابان"، "لباسشویی") بودند. فرانسوا میلت ("بذرکار"، "جمع آوری کنندگان"، "آنجلوس"، "مرگ و هیزم شکن").

(فرانسوا میله "جمع آوری کنندگان")

در روسیه، توسعه رئالیسم در هنرهای تجسمی ارتباط نزدیکی با بیداری آگاهی عمومی و توسعه ایده های دموکراتیک دارد. شهروندان مترقی جامعه سیستم دولتی موجود را محکوم کردند و نسبت به سرنوشت غم انگیز مردم ساده روسیه ابراز همدردی عمیق کردند.

(الکسی ساوراسوف "روک ها رسیدند")

گروه سرگردان، که در پایان قرن نوزدهم تشکیل شد، شامل استادان بزرگ روسی قلم مو مانند نقاشان منظره ایوان شیشکین ("صبح در جنگل کاج"، "چودار"، "جنگل کاج") و الکسی ساوراسوف (" The Rooks Have Arrived، "نمای روستایی"، "رنگین کمان")، استادان ژانر و نقاشی های تاریخی واسیلی پروف ("ترویکا"، "شکارچیان در حال استراحت"، "محفل مذهبی روستایی در عید پاک") و ایوان کرامسکوی ("ناشناس" ، "غم تسلی ناپذیر" ، "مسیح در صحرا") ، نقاش برجسته ایلیا رپین ("حمل کنندگان بارج در ولگا" ، "آنها صبر نکردند" ، "صندوق در استان کورسک") ، استاد تصویرگری رویدادهای تاریخی بزرگ واسیلی سوریکوف ("صبح اعدام استرلتسی"، "بویار موروزوا"، "سووروف در حال عبور از آلپ") و بسیاری دیگر (واسنتسف، پولنوف، لویتان)،

(والنتین سرووف "دختری با هلو")

با آغاز قرن بیستم، سنت های رئالیسم به شدت در هنرهای زیبای آن زمان ریشه دوانده بود؛ هنرمندانی مانند والنتین سرووف ("دختری با هلو"، "پیتر اول")، کنستانتین کرووین ("در زمستان"، " سر میز چای، "بوریس گودونوف. تاج گذاری")، سرگئی ایوانف ("خانواده"، "ورود فرماندار"، "مرگ یک شهرک نشین").

رئالیسم در هنر قرن 19

رئالیسم انتقادی که در فرانسه پدیدار شد و در بسیاری از کشورهای اروپایی در اواسط قرن نوزدهم به اوج خود رسید، در تقابل با سنت‌های جنبش‌های هنری پیش از آن، مانند رمانتیسم و آکادمیزم به وجود آمد. وظیفه اصلی او انعکاس عینی و صادقانه «حقیقت زندگی» با کمک ابزارهای خاص هنری بود.

ظهور فن آوری های جدید، توسعه پزشکی، علم، شاخه های مختلف تولید صنعتی، رشد شهرها، افزایش فشار استثماری بر دهقانان و کارگران، همه اینها نمی تواند بر حوزه فرهنگی آن زمان تأثیر بگذارد که بعدها منجر به توسعه یک جنبش جدید در هنر - رئالیسم که برای بازتاب زندگی جامعه جدید بدون تزئین و تحریف طراحی شده است.

(دنیل دفو)

دانیل دفو نویسنده و روزنامه‌نگار انگلیسی را بنیان‌گذار رئالیسم اروپایی در ادبیات می‌دانند. او در آثارش «خاطرات سال طاعون»، «روکسان»، «شادی ها و غم های مول فلاندرز»، «زندگی و ماجراهای شگفت انگیز رابینسون کروزوئه» تضادهای اجتماعی مختلف آن زمان را به نمایش می گذارد که بر اساس این بیانیه شکل گرفته اند. درباره شروع خوب هر فرد، که می تواند تحت فشار شرایط بیرونی تغییر کند.

بنیان‌گذار رئالیسم ادبی و رمان روان‌شناختی در فرانسه فردریک استاندال نویسنده است. رمان های معروف او «سرخ و سیاه»، «سرخ و سفید» به خوانندگان نشان داد که شرح صحنه های معمولی زندگی و تجربیات و احساسات روزمره انسان را می توان با بیشترین مهارت انجام داد و آن را به درجه هنر ارتقا داد. همچنین از جمله نویسندگان برجسته رئالیست قرن نوزدهم می توان به گوستاو فلوبر فرانسوی ("مادام بواری")، گی دو موپاسان ("دوست عزیز"، "قوی مانند مرگ")، آنوره دو بالزاک (مجموعه رمان های "کمدی انسانی" اشاره کرد. ، چارلز دیکنز انگلیسی ("الیور توئیست"، "دیوید کاپرفیلد")، آمریکایی ها ویلیام فاکنر و مارک تواین.

خاستگاه رئالیسم روسی استادان برجسته قلم مانند الکساندر گریبودوف نمایشنامه نویس، الکساندر پوشکین شاعر و نویسنده، ایوان کریلوف افسانه نویس، میخائیل لرمانتوف، نیکولای گوگول، آنتون چخوف، لئو تولستوی، فئودور داستایوفسکی بودند.

نقاشی دوره رئالیسم قرن نوزدهم با تصویری عینی از زندگی واقعی مشخص می شود. هنرمندان فرانسوی به رهبری تئودور روسو مناظر روستایی و صحنه‌هایی از زندگی خیابانی را نقاشی می‌کنند و ثابت می‌کنند که طبیعت معمولی بدون تزئین نیز می‌تواند ماده‌ای بی‌نظیر برای خلق شاهکارهای هنرهای زیبا باشد.

یکی از رسواترین هنرمندان رئالیست آن زمان که طوفانی از انتقاد و محکومیت را برانگیخت، گوستاو کوربیه بود. طبیعت بی جان، نقاشی های منظره ("گوزن در چاله آب")، صحنه های ژانر ("تدفین در اورنان"، "سنگ شکن").

(پاول فدوتوف "همسان سازی سرگرد")

بنیانگذار رئالیسم روسی، هنرمند پاول فدوتوف است، نقاشی های معروف او "مطابقات سرگرد"، "کاوالیر تازه"، او در آثارش آداب شریرانه جامعه را افشا می کند و همدردی خود را با مردم فقیر و ستمدیده ابراز می کند. پیروان سنت های آن را می توان جنبش سرگردان نامید که در سال 1870 توسط چهارده تن از بهترین فارغ التحصیلان آکادمی هنر امپراتوری سنت پترزبورگ به همراه سایر نقاشان پایه گذاری شد. اولین نمایشگاه آنها، که در سال 1871 افتتاح شد، با موفقیت زیادی در بین مردم روبرو شد، این نمایشگاه بازتابی از زندگی واقعی مردم ساده روسیه را نشان داد که در شرایط وحشتناک فقر و ظلم به سر می برند. اینها نقاشی های معروف رپین، سوریکوف، پروف، لویتان، کرامسکوی، واسنتسف، پولنوف، جی، واسیلیف، کویندجی و دیگر هنرمندان برجسته رئالیست روسی هستند.

(کنستانتین مونیر "صنعت")

در قرن نوزدهم، معماری، معماری و هنرهای کاربردی مرتبط با آن در وضعیت بحران و انحطاط عمیقی قرار داشتند که شرایط نامساعدی را برای توسعه مجسمه‌سازی و نقاشی بنای تاریخی تعیین کرد. نظام سرمایه داری مسلط با آن دسته از هنرهایی که مستقیماً با زندگی اجتماعی جمع مرتبط بود (ساختمان های عمومی، مجموعه هایی با اهمیت مدنی گسترده) دشمنی داشت، رئالیسم به عنوان یک گرایش در هنر توانست به طور کامل در هنرهای تجسمی و تا حدی توسعه یابد. در مجسمه سازی مجسمه سازان برجسته رئالیست قرن نوزدهم: کنستانتین مونیر ("لودر"، "صنعت"، "مرد پودینگ"، "چکشش") و آگوست رودن ("متفکر"، "راه رفتن"، "شهروندان کاله") .

رئالیسم در هنر قرن بیستم

در دوره پس از انقلاب و در طول ایجاد و شکوفایی اتحاد جماهیر شوروی، رئالیسم سوسیالیستی به روند غالب در هنر روسیه تبدیل شد (1932 - ظهور این اصطلاح، نویسنده آن نویسنده شوروی I. Gronsky) بود که یک بازتاب زیبایی شناختی بود. مفهوم سوسیالیستی جامعه شوروی

(K. Yuon "سیاره جدید")

اصول اصلی رئالیسم اجتماعی، با هدف ترسیم واقعی و واقع بینانه جهان پیرامون در تحول انقلابی آن، این اصول بودند:

ملیت ها از چرخش های گفتاری رایج، ضرب المثل ها استفاده کنید تا ادبیات برای مردم قابل درک باشد.
ایدئولوژیک. اعمال قهرمانانه، ایده های جدید و راه های لازم برای خوشبختی مردم عادی را مشخص کنید.
اختصاصی. واقعیت اطراف را در روند توسعه تاریخی، مطابق با درک مادی آن، به تصویر بکشید.

در ادبیات، نمایندگان اصلی رئالیسم اجتماعی نویسندگان ماکسیم گورکی ("مادر"، "فوما گوردیف"، "زندگی کلیم سامگین"، "در پایین"، "آواز پترل")، میخائیل شولوخوف (" خاک بکر واژگون، رمان حماسی "دان آرام")، نیکولای استرووسکی (رمان "فولاد چگونه خیس شد")، الکساندر سرافیموویچ (داستان "جریان آهن")، الکساندر تواردوفسکی شاعر (شعر "واسیلی ترکین" الکساندر فادیف (رمانهای "روت"، "گارد جوان") و دیگران

(M. L. Zvyagin "کار کردن")

همچنین در اتحاد جماهیر شوروی، آثار نویسندگان خارجی مانند هانری باربوسه نویسنده صلح طلب (رمان "آتش")، شاعر و نثرنویس لوئی آراگون، نمایشنامه نویس آلمانی برتولت برشت، نویسنده و کمونیست آلمانی آنا سگرز (رمان " صلیب هفتم) در میان نویسندگان رئالیست سوسیالیست به شمار می رفتند. پابلو نرودا شاعر و سیاستمدار شیلیایی، خورخه آمادو نویسنده برزیلی ("کاپیتان های شن"، "دونا فلور و دو شوهرش").

نمایندگان برجسته جهت رئالیسم سوسیالیستی در نقاشی شوروی: الکساندر دینکا ("دفاع از سواستوپل"، "مادر"، "خلبانان آینده"، "ورزشکار")، V. Favorsky، Kukryniksy، A. Gerasimov ("لنین روی سکو. "، "پس از باران" ، "پرتره بالرین O. V. Lepeshinskaya")، A. Plastov ("اسب های حمام کردن" ، "شام رانندگان تراکتور" ، "گله مزرعه جمعی") ، A. Laktionov ("نامه از جلو" کنچالوفسکی ("یاس بنفش")، ک. یوون ("کومسومولسکایا پراودا"، "مردم"، "سیاره جدید")، پی. واسیلیف (پرتره ها و تمبرهایی که لنین و استالین را به تصویر می کشند)، و. سواروگ ("قهرمانان") -خلبانان در کرملین قبل از پرواز، "اول می - پیشگامان")، N. Baskakov ("لنین و استالین در اسمولنی") F. Reshetnikov ("دوباره دوس"، "به تعطیلات رسیدند")، K. Maksimov و دیگران.

(بنای یادبود ورا موخینا "کارگر و زن مزرعه جمعی")

مجسمه سازان- یادگاران برجسته شوروی دوران رئالیسم سوسیالیستی عبارتند از ورا موخینا (یادبود "کارگر و دختر مزرعه جمعی")، نیکولای تومسکی (نقش برجسته 56 چهره "دفاع، کار، استراحت" در خانه شوراها در خیابان مسکوفسکی در لنینگراد)، اوگنی وچتیچ (بنای یادبود "جنگجو - آزادیبخش" در برلین، مجسمه "سرزمین مادری صدا می کند!" در ولگوگراد)، اثر سرگئی کننکوف. به عنوان یک قاعده، به ویژه مواد بادوام، مانند گرانیت، فولاد یا برنز، برای مجسمه های یادبود در مقیاس بزرگ انتخاب می شد و آنها را در فضاهای باز نصب می کردند تا رویدادهای مهم تاریخی یا اقدامات قهرمانانه-حماسی را به یادگار بگذارند.