هنر مدرن معمولاً به انواع جنبش های هنری گفته می شود که در پایان قرن بیستم ظهور کردند. در دوره پس از جنگ، این یک نوع خروجی بود که دوباره به مردم آموخت که رویاپردازی کنند و واقعیت های جدیدی از زندگی ابداع کنند.

هنرمندان جوان خسته از قید قوانین سخت گذشته، تصمیم گرفتند هنجارهای هنری قدیمی را بشکنند. آنها به دنبال ایجاد شیوه های جدید و ناشناخته قبلی بودند. آنها با تضاد خود با مدرنیسم، به راه‌های جدیدی برای افشای داستان‌های خود روی آوردند. هنرمند و مفهوم پشت آفرینش او بسیار مهمتر از نتیجه خود فعالیت خلاق شده است. تمایل به دور شدن از چارچوب تعیین شده منجر به ظهور ژانرهای جدید شد.

در مورد معنای هنر و شیوه های بیان آن اختلافات بین هنرمندان شروع شد. هنر چیست؟ با چه ابزاری می توان به هنر اصیل دست یافت؟ مفهوم گرایان و مینیمالیست ها پاسخ خود را در این عبارت یافتند: "اگر هنر می تواند همه چیز باشد، پس می تواند هیچ باشد." برای آنها دور شدن از وسایل بصری معمول منجر به رویدادها، اتفاقات و اجراهای مختلف شد. ویژگی هنر معاصر در قرن بیست و یکم چیست؟ این همان چیزی است که در مقاله در مورد آن صحبت خواهیم کرد.

گرافیک سه بعدی در هنر قرن بیست و یکم

هنر قرن بیست و یکم در گرافیک سه بعدی مشهور است. با توسعه فناوری رایانه، هنرمندان به ابزارهای جدیدی برای خلق هنر خود دسترسی پیدا کردند. ماهیت گرافیک سه بعدی ایجاد تصاویر با مدل سازی اشیاء در فضای سه بعدی است. اگر بیشتر اشکال هنر معاصر را در قرن بیست و یکم در نظر بگیرید، به نظر می رسد ساخت تصویر سه بعدی سنتی ترین است. گرافیک سه بعدی، به معنای واقعی کلمه، جنبه های زیادی دارد. برای ایجاد برنامه ها، بازی ها، تصاویر و فیلم ها بر روی کامپیوتر استفاده می شود. اما دقیقاً زیر پای شما - روی آسفالت - نیز دیده می شود.

گرافیک سه بعدی چندین دهه پیش وارد خیابان ها شد و از آن زمان به عنوان یکی از مهم ترین اشکال هنر خیابانی باقی مانده است. بسیاری از هنرمندان تصاویر سه بعدی را در "نقاشی" خود ترسیم می کنند که می تواند با واقع گرایی آنها شگفت زده شود. ادگار مولر، ادواردو رولرو، کرت ونر و بسیاری دیگر از هنرمندان معاصر امروزه هنری خلق می کنند که می تواند هر کسی را شگفت زده کند.

هنر خیابانی قرن بیست و یکم

پیش از این، شغل سهم افراد ثروتمند بود. قرن ها با دیوارهای مؤسسات ویژه پوشانده شده بود، جایی که دسترسی به افراد ناآشنا ممنوع بود. بدیهی است که قدرت عظیم او نمی تواند برای همیشه در داخل ساختمان های خفه شده از بین برود. پس از آن بود که به خیابان های تاریک خاکستری رفت. تصمیم گرفتیم تاریخ خود را برای همیشه تغییر دهیم. اگرچه در ابتدا همه چیز به این سادگی نبود.

همه از تولد او خوشحال نبودند. بسیاری آن را نتیجه یک تجربه بد می دانستند. حتی برخی از توجه به وجود آن خودداری کردند. در همین حال، زاده فکری به رشد و توسعه ادامه داد.

هنرمندان خیابانی در این مسیر با مشکلاتی مواجه شدند. با همه اشکالش، تمایز هنر خیابانی از وندالیسم گاهی دشوار بود.

همه چیز در دهه 70 قرن گذشته در نیویورک آغاز شد. در این زمان هنر خیابانی در ابتدای راه بود. و زندگی او توسط جولیو 204 و تاکی 183 پشتیبانی شد. آنها کتیبه هایی را در مکان های مختلف منطقه خود به جای گذاشتند و سپس منطقه توزیع را گسترش دادند. بچه های دیگر تصمیم گرفتند با آنها رقابت کنند. این جایی بود که سرگرمی شروع شد. اشتیاق و میل به خودنمایی منجر به نبرد خلاقیت شد. همه مشتاق بودند که برای خود و دیگران راه اصلی تری برای نشان دادن نشان خود کشف کنند.

در سال 1981 هنر خیابانی توانست از اقیانوس عبور کند. هنرمند خیابانی از فرانسه BlekleRat در این امر به او کمک کرد. او را یکی از اولین هنرمندان گرافیتی در پاریس می دانند. او را پدر گرافیتی استنسیل نیز می نامند. لمس امضای او نقاشی های موش است که به نام خالق آنها اشاره دارد. نویسنده متوجه شد که پس از تنظیم مجدد حروف در کلمه rat (rat) نتیجه هنر (هنر) است. بلک زمانی خاطرنشان کرد: موش تنها حیوان آزاد در پاریس است که مانند هنر خیابانی در همه جا پخش می شود.

مشهورترین هنرمند خیابانی بنکسی است که BlekleRat را معلم اصلی خود می نامد. آثار موضوعی این بریتانیایی با استعداد می تواند هر کسی را ساکت کند. او در نقاشی های خود که با استفاده از شابلون خلق شده است، جامعه مدرن را با رذیلت هایش به نمایش می گذارد. بنکسی سبکی سنتی دارد که به او اجازه می دهد تا تأثیر بیشتری بر مخاطب بگذارد. یک واقعیت جالب این است که هویت بنکسی هنوز در هاله ای از ابهام است. هنوز کسی موفق به حل معمای هویت این هنرمند نشده است.

در همین حال، هنر خیابانی به سرعت در حال افزایش است. زمانی که هنر خیابانی به جنبش‌های حاشیه‌ای تنزل پیدا کرد، به صحنه حراج‌ها صعود کرد. آثار هنرمندان با مبالغ باورنکردنی توسط کسانی به فروش می رسد که زمانی حاضر به صحبت در مورد او نبودند. این چیست، نیروی حیات بخش هنر یا جریان اصلی؟

تشکیل می دهد

امروزه چندین جلوه بسیار جالب از هنر معاصر وجود دارد. مروری بر غیرمعمول ترین اشکال هنر معاصر در زیر مورد توجه شما قرار خواهد گرفت.

آماده

اصطلاح آماده از انگلیسی گرفته شده است که به معنای "آماده" است. در واقع هدف از این جهت ایجاد چیزی مادی نیست. ایده اصلی در اینجا این است که بسته به محیط یک شی، درک شخص از خود شی تغییر می کند. بنیانگذار این جنبش مارسل دوشان است. معروف ترین اثر او «چشمه» است که ادراری با خودکار و تاریخ است.

آنامورفوزها

Anamorphosis تکنیکی برای ایجاد تصاویر به گونه ای است که فقط از یک زاویه خاص به طور کامل دیده شوند. یکی از برجسته ترین نمایندگان این روند، برنارد پراس فرانسوی است. او با استفاده از هر چیزی که به دستش می رسد، تاسیسات ایجاد می کند. او به لطف مهارت خود موفق به خلق آثار شگفت انگیزی می شود که البته فقط از زاویه ای خاص قابل مشاهده است.

سیالات بیولوژیکی در هنر

یکی از جنجالی ترین جنبش ها در هنر معاصر قرن بیست و یکم، طراحی نقاشی شده با سیالات انسانی است. اغلب پیروان این هنر مدرن از خون و ادرار استفاده می کنند. رنگ نقاشی ها در این مورد اغلب ظاهری غم انگیز و ترسناک به خود می گیرد. برای مثال هرمان نیچ از خون و ادرار حیوانات استفاده می کند. نویسنده استفاده از چنین مواد غیرمنتظره ای را در دوران کودکی دشوار در طول جنگ جهانی دوم توضیح می دهد.

نقاشی قرن XX-XXI

تاریخچه مختصری از نقاشی حاوی اطلاعاتی است که پایان قرن بیستم نقطه شروع بسیاری از هنرمندان نمادین زمان ما شد. در سال های سخت پس از جنگ، این حوزه تولد دوباره خود را تجربه کرد. هنرمندان به دنبال کشف جنبه های جدیدی از قابلیت های خود بودند.

برتری طلبی

کازیمیر مالویچ را خالق سوپرماتیسم می دانند. او که نظریه پرداز اصلی بود، سوپرماتیسم را راهی برای پاکسازی هنر از همه چیزهای غیر ضروری اعلام کرد. هنرمندان با کنار گذاشتن روش‌های معمول انتقال تصویر، به دنبال رهایی هنر از فراهنری بودند. مهمترین اثر در این ژانر، «مربع سیاه» معروف مالویچ است.

هنر پاپ

پاپ آرت ریشه در ایالات متحده دارد. در سال های پس از جنگ، جامعه تغییرات جهانی را تجربه کرد. مردم اکنون می توانستند بیشتر هزینه کنند. مصرف به مهمترین بخش زندگی تبدیل شده است. مردم به فرقه ها و محصولات مصرفی به نمادها ارتقا یافتند. جاسپر جانز، اندی وارهول و دیگر پیروان جنبش به دنبال استفاده از این نمادها در نقاشی های خود بودند.

آینده پژوهی

آینده پژوهی در سال 1910 کشف شد. ایده اصلی این جنبش میل به چیز جدید، تخریب چارچوب گذشته بود. هنرمندان این تمایل را با استفاده از تکنیک خاصی به تصویر کشیدند. ضربات تند، جریان ها، اتصالات و تقاطع ها نشانه های آینده نگری هستند. معروف ترین نمایندگان آینده پژوهی مارینتی، سورینی، کارا هستند.

هنر معاصر در روسیه قرن بیست و یکم

هنر معاصر در روسیه (قرن بیست و یکم) به آرامی از هنر زیرزمینی و "غیر رسمی" اتحاد جماهیر شوروی جاری شد. هنرمندان جوان دهه 90 به دنبال راه های جدیدی برای تحقق جاه طلبی های هنری خود در کشوری جدید بودند. در این زمان اکشنیسم مسکو متولد شد. پیروان او گذشته و ایدئولوژی آن را به چالش کشیدند. تخریب مرزها (به معنای واقعی و مجازی) امکان به تصویر کشیدن نگرش نسل جوان به وضعیت کشور را فراهم کرد. هنر معاصر قرن بیست و یکم بیانگر، ترسناک و تکان دهنده شده است. نوعی که جامعه برای مدت طولانی از آن بسته شده است. اقدامات آناتولی اسمولوفسکی ("مایاکوفسکی - اسمولوفسکی"، "علیه همه"، "سدود بر بولشایا نیکیتسایا")، جنبش "ETI" ("ETI-text")، اولگ کولیک ("خوکک هدیه می دهد"، "سگ دیوانه" یا آخرین تابو»، محافظت شده توسط سربروس تنها»)، آودی تر اوگانیان («آرت پاپ») برای همیشه تاریخ هنر مدرن را تغییر داد.

نسل جدید

اسلاوا PTRK یک هنرمند معاصر اهل یکاترینبورگ است. ممکن است برخی آثار او توسط بنکسی را به یاد بیاورند. با این حال، آثار اسلاوا حاوی ایده ها و احساساتی است که فقط برای یک شهروند روسی آشناست. یکی از برجسته ترین کارهای او کمپین «سرزمین فرصت» است. این هنرمند کتیبه ای از چوب زیر بغل بر روی ساختمان یک بیمارستان متروکه در یکاترینبورگ ایجاد کرد. اسلاوا از ساکنان شهر که زمانی از آن استفاده می کردند عصا خرید. این هنرمند در صفحه اجتماعی خود از این اقدام خبر داد و خطاب به همشهریان خود افزود.

موزه های هنرهای معاصر

شاید زمانی هنرهای زیبای معاصر قرن بیست و یکم رسانه ای حاشیه ای به نظر می رسید، اما امروزه افراد بیشتری برای پیوستن به عرصه جدید هنر تلاش می کنند. موزه های بیشتر و بیشتری درهای خود را به روی ابزارهای جدید بیان باز می کنند. نیویورک رکورددار عرصه هنر معاصر است. دو موزه نیز در اینجا وجود دارد که از بهترین های جهان هستند.

اولین مورد MoMA است که مخزن نقاشی های ماتیس، دالی و وارهول است. دومی یک موزه است.معماری غیرعادی ساختمان در مجاورت آثار پیکاسو، مارک شاگال، کاندینسکی و بسیاری دیگر است.

اروپا همچنین به خاطر موزه های باشکوه هنر معاصر قرن بیست و یکم مشهور است. موزه KIASMA در هلسینکی به شما امکان می دهد اشیاء نمایش داده شده را لمس کنید. این مرکز در پایتخت فرانسه با معماری غیرمعمول و آثار هنرمندان معاصر خود شگفت زده می شود. موزه Stedelijk در آمستردام بزرگترین مجموعه نقاشی های Malevich را در خود جای داده است. پایتخت بریتانیا دارای تعداد زیادی از اشیاء هنر معاصر است. موزه هنر مدرن وین دارای آثاری از اندی وارهول و دیگر هنرمندان با استعداد معاصر است.

هنر معاصر قرن 21 (نقاشی) - مرموز، نامفهوم، جذاب، برای همیشه بردار توسعه نه تنها یک حوزه جداگانه، بلکه کل زندگی بشر را تغییر داده است. مدرنیته را هم منعکس می کند و هم خلق می کند. هنر مدرنیته که دائماً در حال تغییر است به فردی که دائماً عجله دارد اجازه می دهد لحظه ای توقف کند. برای به یاد آوردن احساساتی که در اعماق وجودشان نهفته است دست بردارید. توقف کنید تا دوباره سرعت خود را افزایش دهید و به تندباد حوادث و امور بشتابید.

"بازیکنان کارت"

نویسنده

پل سزان

یک کشور فرانسه
سالهای زندگی 1839–1906
سبک پست امپرسیونیسم

این هنرمند در جنوب فرانسه در شهر کوچک اکس آن پروونس به دنیا آمد، اما نقاشی را در پاریس آغاز کرد. موفقیت واقعی پس از یک نمایشگاه شخصی که توسط کلکسیونر آمبرویز ولارد سازماندهی شد به او رسید. در سال 1886، 20 سال قبل از خروج، او به حومه شهر خود نقل مکان کرد. هنرمندان جوان سفر به او را "زیارت ایکس" نامیدند.

130x97 سانتی متر
1895
قیمت
250 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2012
در حراج خصوصی

کار سزان به راحتی قابل درک است. تنها قانون هنرمند انتقال مستقیم یک شی یا طرح بر روی بوم بود، بنابراین نقاشی های او باعث گیجی بیننده نمی شود. سزان در هنر خود دو سنت اصلی فرانسوی را ترکیب کرد: کلاسیک و رمانتیسم. او با کمک بافت های رنگارنگ، شکل اجسام را انعطاف پذیری شگفت انگیزی بخشید.

مجموعه پنج نقاشی "بازیکنان کارت" در سالهای 1890-1895 نقاشی شده است. طرح آنها یکسان است - چندین نفر با اشتیاق پوکر بازی می کنند. آثار فقط در تعداد بازیکنان و اندازه بوم متفاوت است.

چهار نقاشی در موزه‌های اروپا و آمریکا نگهداری می‌شوند (موزه اورسای، موزه هنر متروپولیتن، بنیاد بارنز و موسسه هنر کورتولد)، و پنجمین تا همین اواخر، زینت مجموعه خصوصی مالک کشتی میلیاردر یونانی بود. گئورگ امبیریکوس اندکی قبل از مرگش، در زمستان 2011، تصمیم گرفت آن را برای فروش بگذارد. خریداران بالقوه اثر «رایگان» سزان، دلال هنری ویلیام آکواولا و صاحب گالری مشهور جهان لری گاگوسیان بودند که حدود 220 میلیون دلار برای آن پیشنهاد کردند. در نتیجه این تابلو به مبلغ 250 میلیون به خانواده سلطنتی کشور عربی قطر رسید.بزرگترین معامله هنری در تاریخ نقاشی در فوریه 2012 بسته شد. روزنامه نگار الکساندرا پیرس این را در Vanity Fair گزارش کرد. او از هزینه نقاشی و نام صاحب جدید مطلع شد و سپس این اطلاعات در رسانه های سراسر جهان رخنه کرد.

در سال 2010، موزه هنر مدرن عرب و موزه ملی قطر در قطر افتتاح شد. اکنون مجموعه آنها در حال رشد است. شاید نسخه پنجم The Card Players توسط شیخ به همین منظور خریداری شده باشد.

بیشتریننقاشی گران قیمتدر جهان

مالک
شیخ حمد
بن خلیفه آل ثانی

خاندان آل ثانی بیش از 130 سال بر قطر حکومت کرده است. حدود نیم قرن پیش، ذخایر عظیم نفت و گاز در اینجا کشف شد که بلافاصله قطر را به یکی از غنی ترین مناطق جهان تبدیل کرد. به لطف صادرات هیدروکربن، این کشور کوچک بیشترین تولید ناخالص داخلی سرانه را دارد. شیخ حمد بن خلیفه آل ثانی در سال 1995 در حالی که پدرش در سوئیس بود با حمایت اعضای خانواده قدرت را به دست گرفت. شایستگی حاکم فعلی به اعتقاد کارشناسان در راهبرد روشن برای توسعه کشور و ایجاد تصویر موفق از کشور است. قطر هم اکنون دارای قانون اساسی و نخست وزیر است و زنان حق رای در انتخابات پارلمانی دارند. به هر حال، این امیر قطر بود که کانال خبری الجزیره را تأسیس کرد. مقامات کشور عرب توجه زیادی به فرهنگ دارند.

2

"شماره 5"

نویسنده

جکسون پولاک

یک کشور ایالات متحده آمریکا
سالهای زندگی 1912–1956
سبک اکسپرسیونیسم انتزاعی

جک آبپاش - این لقبی بود که مردم آمریکا به پولاک برای تکنیک خاص نقاشی او داده بودند. هنرمند قلم مو و سه پایه را رها کرد و در حین حرکت مداوم در اطراف و داخل آنها، روی سطح بوم یا تخته فیبر رنگ ریخت. او از دوران کودکی به فلسفه جیدو کریشنامورتی علاقه مند بود که پیام اصلی آن این است که حقیقت در خلال یک "سرریز" آزاد آشکار می شود.

122x244 سانتی متر
1948
قیمت
140 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2006
در حراج ساتبیز

ارزش کار پولاک نه در نتیجه، بلکه در فرآیند است. تصادفی نیست که نویسنده هنر خود را "نقاشی اکشن" نامیده است. با دست سبک او به سرمایه اصلی آمریکا تبدیل شد. جکسون پولاک رنگ را با ماسه و شیشه شکسته مخلوط کرد و با یک تکه مقوا، یک چاقوی پالت، یک چاقو و یک گردگیر نقاشی کرد. این هنرمند به قدری محبوب بود که در دهه 1950 مقلدان حتی در اتحاد جماهیر شوروی پیدا شد. تابلوی "شماره 5" به عنوان یکی از عجیب ترین و گران ترین نقاشی های جهان شناخته می شود. یکی از بنیانگذاران DreamWorks، دیوید گفن، آن را برای یک مجموعه خصوصی خریداری کرد و در سال 2006 آن را در حراج ساتبی به قیمت 140 میلیون دلار به کلکسیونر مکزیکی دیوید مارتینز فروخت. با این حال، این شرکت حقوقی به زودی یک بیانیه مطبوعاتی از طرف موکل خود منتشر کرد که در آن اعلام کرد که دیوید مارتینز صاحب این نقاشی نیست. تنها یک چیز به طور قطع شناخته شده است: سرمایه دار مکزیکی واقعاً اخیراً آثار هنری مدرن را جمع آوری کرده است. بعید است که او چنین "ماهی بزرگ" مانند "شماره 5" پولاک را از دست داده باشد.

3

"زن سوم"

نویسنده

ویلم دی کونینگ

یک کشور ایالات متحده آمریکا
سالهای زندگی 1904–1997
سبک اکسپرسیونیسم انتزاعی

او که اهل هلند بود در سال 1926 به آمریکا مهاجرت کرد. در سال 1948 نمایشگاه شخصی این هنرمند برگزار شد. منتقدان هنری از ترکیبات پیچیده و عصبی سیاه و سفید قدردانی کردند و نویسنده خود را به عنوان یک هنرمند مدرنیست بزرگ شناختند. او بیشتر عمرش از اعتیاد به الکل رنج می برد، اما لذت خلق هنر جدید در هر اثری احساس می شود. دی کونینگ با تکانشی بودن نقاشی و ضربات گسترده اش متمایز می شود، به همین دلیل است که گاهی اوقات تصویر در مرزهای بوم نمی گنجد.

121x171 سانتی متر
1953
قیمت
137 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2006
در حراج خصوصی

در دهه 1950، زنانی با چشمان خالی، سینه های حجیم و چهره های زشت در نقاشی های دو کونینگ ظاهر شدند. «زن سوم» آخرین اثر از این مجموعه بود که به حراج گذاشته شد.

از دهه 1350 این تابلو در موزه هنرهای مدرن تهران نگهداری می شد، اما پس از اعمال قوانین سختگیرانه اخلاقی در کشور، سعی در رهایی از آن داشتند. در سال 1994 این اثر از ایران صادر شد و 12 سال بعد صاحب آن دیوید گفن (همان تهیه‌کننده‌ای که «شماره 5» جکسون پولاک را فروخت) این نقاشی را به مبلغ 137.5 میلیون دلار به میلیونر استیون کوهن فروخت. جالب است که در یک سال گفن شروع به فروش مجموعه نقاشی های خود کرد. این باعث شایعات زیادی شد: به عنوان مثال، اینکه تهیه کننده تصمیم گرفت روزنامه لس آنجلس تایمز را بخرد.

در یکی از انجمن های هنری، نظری در مورد شباهت "زن سوم" با نقاشی "بانوی با ارمینه" اثر لئوناردو داوینچی بیان شد. در پشت لبخند دندان‌دار و چهره بی‌شکل قهرمان، خبره نقاشی، لطف فردی با خون سلطنتی را می‌دید. تاج نامناسبی که تاج سر زن را کشیده است نیز گواه این امر است.

4

"پرتره ادلبلوخ-بائر اول"

نویسنده

گوستاو کلیمت

یک کشور اتریش
سالهای زندگی 1862–1918
سبک نوین

گوستاو کلیمت در خانواده یک حکاکی به دنیا آمد و دومین فرزند از هفت فرزند بود. سه پسر ارنست کلیمت هنرمند شدند، اما تنها گوستاو در سراسر جهان مشهور شد. او بیشتر دوران کودکی خود را در فقر گذراند. پس از مرگ پدر، او مسئول کل خانواده شد. در این زمان بود که کلیمت سبک خود را توسعه داد. هر بیننده ای جلوی نقاشی هایش یخ می زند: اروتیسم صریح در زیر ضربات نازک طلا به وضوح قابل مشاهده است.

138x136 سانتی متر
1907
قیمت
135 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2006
در حراج ساتبیز

سرنوشت این نقاشی که "مونالیزای اتریشی" نامیده می شود، می تواند به راحتی مبنایی برای یک پرفروش شود. کار این هنرمند باعث درگیری بین کل یک ایالت و یک خانم مسن شد.

بنابراین، "پرتره آدل بلوخ-بائر اول" یک اشراف زاده، همسر فردیناند بلوخ را به تصویر می کشد. آخرین آرزوی او اهدای نقاشی به گالری دولتی اتریش بود. با این حال، بلوخ در وصیت نامه خود این کمک مالی را لغو کرد و نازی ها این نقاشی را مصادره کردند. بعداً ، گالری به سختی آدل طلایی را خرید ، اما پس از آن یک وارث ظاهر شد - ماریا آلتمن ، خواهرزاده فردیناند بلوخ.

در سال 2005، دادگاه پرمخاطب "ماریا آلتمان علیه جمهوری اتریش" آغاز شد که در نتیجه فیلم با او به لس آنجلس "ترک" شد. اتریش اقدامات بی سابقه ای انجام داد: مذاکراتی در مورد وام انجام شد، مردم برای خرید پرتره پول اهدا کردند. خیر هرگز شر را شکست نداد: آلتمن قیمت را به 300 میلیون دلار افزایش داد. در زمان رسیدگی، او 79 ساله بود و به عنوان فردی که اراده بلوخ باوئر را به نفع منافع شخصی تغییر داد، در تاریخ ثبت شد. این نقاشی توسط رونالد لادر، صاحب گالری نیو در نیویورک خریداری شد و تا به امروز در آنجا باقی مانده است. نه برای اتریش، برای او آلتمن قیمت را به 135 میلیون دلار کاهش داد.

5

"جیغ"

نویسنده

ادوارد مونک

یک کشور نروژ
سالهای زندگی 1863–1944
سبک اکسپرسیونیسم

اولین نقاشی مونک که در سراسر جهان مشهور شد، "دختر بیمار" (پنج نسخه وجود دارد) به خواهر این هنرمند که در سن 15 سالگی بر اثر سل درگذشت، تقدیم شده است. مونک همیشه به موضوع مرگ و تنهایی علاقه مند بود. در آلمان، نقاشی سنگین و شیدایی او حتی یک رسوایی را برانگیخت. با این حال، با وجود سوژه های افسرده، نقاشی های او مغناطیس خاصی دارد. برای مثال «جیغ» را در نظر بگیرید.

73.5x91 سانتی متر
1895
قیمت
119.992 میلیون دلار
فروخته شده در 2012
در حراج ساتبیز

عنوان کامل نقاشی Der Schrei der Natur (از آلمانی به عنوان "فریاد طبیعت" ترجمه شده است). چهره یک انسان یا یک بیگانه بیانگر ناامیدی و وحشت است - همان احساساتی که بیننده هنگام تماشای تصویر تجربه می کند. یکی از آثار کلیدی اکسپرسیونیسم درباره مضامینی که در هنر قرن بیستم حاد شده اند هشدار می دهد. طبق یکی از نسخه ها، این هنرمند تحت تأثیر یک اختلال روانی که در تمام زندگی خود از آن رنج می برد، آن را ایجاد کرد.

این نقاشی دو بار از موزه های مختلف به سرقت رفت، اما پس داده شد. The Scream که پس از سرقت اندکی آسیب دیده بود بازسازی شد و دوباره برای نمایش در موزه مونک در سال 2008 آماده شد. برای نمایندگان فرهنگ پاپ، این اثر به منبع الهام تبدیل شد: اندی وارهول یک سری نسخه چاپی از آن ایجاد کرد و ماسک فیلم "جیغ" به تصویر و شبیه قهرمان تصویر ساخته شد.

مونک چهار نسخه از این اثر را برای یک موضوع نوشت: نسخه ای که در یک مجموعه خصوصی است با رنگ پاستل ساخته شده است. پتر اولسن، میلیاردر نروژی، آن را در 2 می 2012 به حراج گذاشت. خریدار لئون بلک بود که از رکوردی برای «جیغ» دریغ نکرد. بنیانگذار Apollo Advisors، L.P. و Lion Advisors، L.P. به خاطر عشقش به هنر معروف است. بلک حامی کالج دارتموث، موزه هنر مدرن، مرکز هنر لینکلن و موزه هنر متروپولیتن است. این مجموعه دارای بزرگترین مجموعه نقاشی های هنرمندان معاصر و استادان کلاسیک قرن های گذشته است.

6

"برهنه در پس زمینه نیم تنه و برگ های سبز"

نویسنده

پابلو پیکاسو

یک کشور اسپانیا، فرانسه
سالهای زندگی 1881–1973
سبک کوبیسم

او در اصل اسپانیایی است، اما از نظر روحیه و محل زندگی او یک فرانسوی واقعی است. پیکاسو زمانی که تنها 16 سال داشت استودیوی هنری خود را در بارسلونا افتتاح کرد. سپس به پاریس رفت و بیشتر عمر خود را در آنجا گذراند. به همین دلیل نام خانوادگی او دارای لهجه دوگانه است. سبک ابداع شده توسط پیکاسو بر اساس انکار این ایده است که یک شیء به تصویر کشیده شده روی بوم را فقط از یک زاویه می توان مشاهده کرد.

130x162 سانتی متر
1932
قیمت
106.482 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2010
در حراج کریستی

این هنرمند در طول کار خود در رم با رقصنده اولگا خوخلوا آشنا شد که به زودی همسر او شد. او به ولگردی پایان داد و با او به یک آپارتمان مجلل نقل مکان کرد. در آن زمان، شناخت قهرمان را پیدا کرده بود، اما ازدواج از بین رفت. یکی از گران‌ترین نقاشی‌های جهان تقریباً به‌طور تصادفی خلق شد - به دلیل عشق زیاد، که مانند همیشه با پیکاسو، عمر کوتاهی داشت. در سال 1927، او به ماری ترز والتر جوان علاقه مند شد (او 17 ساله بود، او 45 ساله بود). او مخفیانه از همسرش به همراه معشوقه خود به شهری در نزدیکی پاریس رفت و در آنجا پرتره ای کشید که ماری ترز را در تصویر دافنه به تصویر می کشید. این بوم توسط فروشنده نیویورکی پل روزنبرگ خریداری شد و در سال 1951 آن را به سیدنی اف برودی فروخت. خانواده برودی این نقاشی را تنها یک بار و تنها به این دلیل به جهانیان نشان دادند که این هنرمند 80 ساله شده بود. پس از مرگ همسرش، خانم برودی این اثر را در مارس 2010 در حراج کریستی به حراج گذاشت. طی شش دهه، قیمت بیش از 5000 برابر افزایش یافته است! یک کلکسیونر ناشناس آن را به قیمت 106.5 میلیون دلار خرید. در سال 2011، "نمایشگاه یک نقاشی" در بریتانیا برگزار شد، جایی که برای دومین بار منتشر شد، اما نام صاحب آن هنوز مشخص نیست.

7

"هشت الویس"

نویسنده

اندی وارهول

یک کشور ایالات متحده آمریکا
سالهای زندگی 1928-1987
سبک
هنر پاپ

اندی وارهول، هنرمند کالت هنر پاپ، کارگردان و یکی از بنیانگذاران مجله Interview، طراح، اندی وارهول، گفت: "سکس و مهمانی ها تنها مکان هایی هستند که باید شخصاً ظاهر شوید." او با Vogue و Harper's Bazaar کار کرد، جلدهای ضبط را طراحی کرد و برای شرکت I.Miller کفش طراحی کرد. در دهه 1960، نقاشی هایی ظاهر شد که نمادهای آمریکا را نشان می داد: سوپ کمبل و کوکاکولا، پریسلی و مونرو - که او را به یک افسانه تبدیل کرد.

358x208 سانتی متر
1963
قیمت
100 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج خصوصی

وارهول دهه 60 نامی بود که به عصر هنر پاپ در آمریکا داده شد. در سال 1962، او در منهتن در استودیو Factory، جایی که همه بوهمیای نیویورک گرد هم آمده بودند، کار کرد. نمایندگان برجسته آن: میک جگر، باب دیلن، ترومن کاپوتی و دیگر شخصیت های مشهور جهان. در همان زمان، وارهول تکنیک چاپ سیلک را آزمایش کرد - تکرار مکرر یک تصویر. او همچنین از این روش هنگام خلق «هشت الویس» استفاده کرد: به نظر می‌رسد بیننده فیلمی را می‌بیند که در آن ستاره زنده می‌شود. در اینجا همه چیزهایی وجود دارد که این هنرمند بسیار دوست داشت: یک تصویر عمومی برد-برد، رنگ نقره ای و پیشگویی از مرگ به عنوان پیام اصلی.

دو دلال هنری وجود دارند که آثار وارهول را در بازار جهانی امروز تبلیغ می کنند: لری گاگوسیان و آلبرتو موگرابی. اولی در سال 2008 200 میلیون دلار برای به دست آوردن بیش از 15 اثر از وارهول هزینه کرد. دومی نقاشی‌هایش را مانند کارت‌های کریسمس می‌خرد و فقط با قیمت بالاتری می‌فروشد. اما این آنها نبودند، بلکه فیلیپ سگالوت، مشاور هنری متواضع فرانسوی بود که به هنرشناس رومی آنیبال برلینگیری کمک کرد تا "هشت الویس" را به خریدار ناشناس به مبلغ رکوردی برای وارهول - 100 میلیون دلار، بفروشد.

8

"نارنجی،زرد قرمز"

نویسنده

مارک روتکو

یک کشور ایالات متحده آمریکا
سالهای زندگی 1903–1970
سبک اکسپرسیونیسم انتزاعی

یکی از خالقان نقاشی میدان رنگی در دوینسک روسیه (در حال حاضر داوگاوپیلس، لتونی) در خانواده ای بزرگ از یک داروساز یهودی متولد شد. در سال 1911 آنها به ایالات متحده مهاجرت کردند. روتکو در بخش هنر دانشگاه ییل تحصیل کرد و بورسیه تحصیلی گرفت، اما احساسات ضد یهودی او را مجبور به ترک تحصیل کرد. با وجود همه چیز، منتقدان هنری این هنرمند را بت می‌دانستند و موزه‌ها او را در تمام زندگی تعقیب می‌کردند.

206x236 سانتی متر
1961
قیمت
86.882 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2012
در حراج کریستی

اولین آزمایش‌های هنری روتکو جهت‌گیری سوررئالیستی بود، اما با گذشت زمان او طرح را ساده‌تر کرد تا لکه‌ها را رنگی کند و آنها را از هرگونه عینیت محروم کرد. در ابتدا آنها سایه های روشن داشتند و در دهه 1960 به رنگ قهوه ای و بنفش درآمدند و تا زمان مرگ هنرمند ضخیم تر به سیاه شدند. مارک روتکو هشدار داد که در نقاشی هایش به دنبال هر معنایی نباشید. نویسنده می خواست دقیقاً همان چیزی را بگوید که می گوید: فقط رنگ در هوا حل می شود و نه بیشتر. او توصیه کرد که آثار را از فاصله 45 سانتی متری تماشا کنید تا بیننده مانند قیف به داخل رنگ کشیده شود. مراقب باشید: مشاهده بر اساس تمام قوانین می تواند به تأثیر مراقبه منجر شود، یعنی آگاهی از بی نهایت، غوطه ور شدن کامل در خود، آرامش و پاکسازی به تدریج به وجود می آید. رنگ در نقاشی های او زندگی می کند، نفس می کشد و تأثیر عاطفی قوی دارد (می گویند گاهی شفابخش). این هنرمند اعلام کرد: تماشاگر باید در حین نگاه کردن به آنها گریه کند و چنین مواردی در واقع اتفاق افتاده است. بر اساس تئوری روتکو، در این لحظه مردم همان تجربه معنوی را تجربه می کنند که او هنگام کار روی نقاشی انجام می داد. اگر توانستید آن را در چنین سطح ظریفی درک کنید، تعجب نخواهید کرد که این آثار هنر انتزاعی اغلب توسط منتقدان با نمادها مقایسه می شوند.

اثر «نارنجی، قرمز، زرد» بیانگر ماهیت نقاشی مارک روتکو است. قیمت اولیه آن در حراج کریستیز در نیویورک 35 تا 45 میلیون دلار است. یک خریدار ناشناس قیمتی دو برابر تخمین زده است. نام صاحب خوش شانس نقاشی، همانطور که اغلب اتفاق می افتد، فاش نشده است.

9

"سه گانه"

نویسنده

فرانسیس بیکن

یک کشور
بریتانیای کبیر
سالهای زندگی 1909–1992
سبک اکسپرسیونیسم

ماجراهای فرانسیس بیکن، همنام کامل و همچنین از نوادگان دور فیلسوف بزرگ، زمانی آغاز شد که پدرش او را انکار کرد، زیرا نمی‌توانست تمایلات همجنس‌گرایانه پسرش را بپذیرد. بیکن ابتدا به برلین رفت، سپس به پاریس، و سپس آهنگ های او در سراسر اروپا گیج شد. در طول زندگی او، آثار او در مراکز فرهنگی برجسته جهان از جمله موزه گوگنهایم و گالری ترتیاکوف به نمایش گذاشته شد.

147.5x198 سانتی متر (هر کدام)
1976
قیمت
86.2 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج ساتبیز

موزه‌های معتبر به دنبال تصاحب نقاشی‌های بیکن بودند، اما عموم مردم اولیه انگلیسی عجله‌ای برای دستیابی به چنین هنری نداشتند. مارگارت تاچر، نخست وزیر افسانه ای بریتانیا درباره او گفت: مردی که این تصاویر وحشتناک را ترسیم می کند.

خود این هنرمند دوران پس از جنگ را شروع کار خود می دانست. پس از بازگشت از خدمت، دوباره به نقاشی پرداخت و شاهکارهای بزرگی خلق کرد. قبل از حضور در «تریپتیک، 1976»، گران‌ترین اثر بیکن «مطالعه برای پرتره پاپ اینوسنت ایکس» (52.7 میلیون دلار) بود. در "Triptych، 1976" این هنرمند طرح اسطوره ای آزار و اذیت اورستس توسط خشمگین ها را به تصویر کشید. البته اورستس خود بیکن است و Furies عذاب اوست. برای بیش از 30 سال، این نقاشی در یک مجموعه خصوصی بود و در نمایشگاه ها شرکت نمی کرد. این واقعیت به آن ارزش ویژه ای می بخشد و بر این اساس هزینه را افزایش می دهد. اما چند میلیون برای یک هنرشناس و در عین حال سخاوتمند چیست؟ رومن آبراموویچ در دهه 1990 شروع به ایجاد مجموعه خود کرد، که در آن به طور قابل توجهی تحت تأثیر دوست خود داشا ژوکوا قرار گرفت که یک گالری دار مد روز در روسیه مدرن شد. بر اساس داده های غیررسمی، این تاجر شخصا صاحب آثاری از آلبرتو جاکومتی و پابلو پیکاسو است که به مبلغ بیش از 100 میلیون دلار خریداری شده است. در سال 2008 او صاحب سه گانه شد. به هر حال، در سال 2011، اثر ارزشمند دیگری از بیکن به دست آمد - "سه طرح برای پرتره لوسیان فروید". منابع پنهان می گویند که رومن آرکادیویچ دوباره خریدار شد.

10

"برکه با نیلوفرهای آبی"

نویسنده

کلود مونه

یک کشور فرانسه
سالهای زندگی 1840–1926
سبک امپرسیونیسم

این هنرمند به عنوان بنیانگذار امپرسیونیسم شناخته می شود که این روش را در بوم های خود "اختراع" کرد. اولین اثر مهم نقاشی "ناهار روی چمن" (نسخه اصلی اثر ادوارد مانه) بود. در جوانی کاریکاتور می کشید و در سفرهایش در ساحل و در هوای آزاد به نقاشی واقعی پرداخت. او در پاریس سبک زندگی غیرمتعارفی داشت و حتی پس از خدمت در ارتش آن را ترک نکرد.

210x100 سانتی متر
1919
قیمت
80.5 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج کریستی

مونه علاوه بر این که هنرمند بزرگی بود، باغبانی مشتاق نیز بود و حیات وحش و گل ها را می پرستید. در مناظر او، وضعیت طبیعت لحظه ای است، به نظر می رسد اشیاء با حرکت هوا تار می شوند. این تصور با ضربه های بزرگ تقویت می شود؛ از فاصله معینی نامرئی می شوند و در یک تصویر بافت دار و سه بعدی ادغام می شوند. در نقاشی های مونه متاخر موضوع آب و زندگی در آن جایگاه ویژه ای دارد. در شهر گیورنی، این هنرمند حوضچه خود را داشت، جایی که نیلوفرهای آبی را از دانه هایی که مخصوصاً از ژاپن آورده بود پرورش داد. وقتی گلهایشان شکوفا شد، شروع به کشیدن کرد. مجموعه "نیلوفرهای آبی" شامل 60 اثر است که این هنرمند تقریباً 30 سال تا زمان مرگش نقاشی کرده است. بینایی او با افزایش سن بدتر شد، اما او متوقف نشد. بسته به باد، زمان سال و آب و هوا، ظاهر حوض دائما در حال تغییر بود و مونه می خواست این تغییرات را به تصویر بکشد. او با کار دقیق به ماهیت طبیعت پی برد. برخی از نقاشی‌های این مجموعه در گالری‌های پیشرو در جهان نگهداری می‌شوند: موزه ملی هنر غربی (توکیو)، Orangerie (پاریس). نسخه بعدی "برکه با نیلوفرهای آبی" با مبلغ بی سابقه ای به دست یک خریدار ناشناس رفت.

11

ستاره کاذب تی

نویسنده

جاسپر جانز

یک کشور ایالات متحده آمریکا
سال تولد 1930
سبک هنر پاپ

در سال 1949، جونز وارد مدرسه طراحی در نیویورک شد. او در کنار جکسون پولاک، ویلم دی کونینگ و دیگران به عنوان یکی از هنرمندان اصلی قرن بیستم شناخته می شود. او در سال 2012 مدال آزادی ریاست جمهوری را دریافت کرد که بالاترین افتخار غیرنظامی در ایالات متحده است.

137.2x170.8 سانتی متر
1959
قیمت
80 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2006
در حراج خصوصی

جونز مانند مارسل دوشان با اشیاء واقعی کار می کرد و آنها را بر روی بوم و مجسمه سازی کاملاً مطابق با نمونه اصلی به تصویر می کشید. او برای کارهایش از اشیاء ساده و قابل فهم استفاده می کرد: بطری آبجو، پرچم یا کارت. در فیلم شروع کاذب ترکیب بندی مشخصی وجود ندارد. به نظر می رسد هنرمند در حال بازی با بیننده است و اغلب به اشتباه رنگ های نقاشی را برچسب گذاری می کند و مفهوم رنگ را وارونه می کند: "من می خواستم راهی برای به تصویر کشیدن رنگ پیدا کنم تا بتوان آن را با روش دیگری تعیین کرد." به گفته منتقدان، انفجاری ترین و "غیر مطمئن" نقاشی او توسط یک خریدار ناشناس خریداری شد.

12

"نشستهبرهنهروی کاناپه"

نویسنده

آمدئو مودیلیانی

یک کشور ایتالیا، فرانسه
سالهای زندگی 1884–1920
سبک اکسپرسیونیسم

مودیلیانی اغلب از دوران کودکی بیمار بود؛ در طی یک هذیان تب، او سرنوشت خود را به عنوان یک هنرمند تشخیص داد. او طراحی را در لیورنو، فلورانس، ونیز آموخت و در سال 1906 به پاریس رفت و هنرش در آنجا شکوفا شد.

65 در 100 سانتی متر
1917
قیمت
68.962 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2010
در حراج ساتبیز

در سال 1917، مودیلیانی با ژان هبوترن 19 ساله آشنا شد که مدل و سپس همسرش شد. در سال 2004، یکی از پرتره های او به قیمت 31.3 میلیون دلار فروخته شد که آخرین رکورد قبل از فروش "برهنه نشسته روی مبل" در سال 2010 بود. این نقاشی توسط یک خریدار ناشناس با حداکثر قیمت برای مودیلیانی در حال حاضر خریداری شد. فروش فعال آثار تنها پس از مرگ این هنرمند آغاز شد. او در فقر درگذشت و به بیماری سل مبتلا شد و روز بعد ژان هبوترن که نه ماهه باردار بود نیز خودکشی کرد.

13

"عقاب روی کاج"

نویسنده

چی بایشی

یک کشور چین
سالهای زندگی 1864–1957
سبک گوهوا

علاقه به خوشنویسی، چی بایشی را به سمت نقاشی سوق داد. در 28 سالگی شاگرد هنرمند هو چینگیوان شد. وزارت فرهنگ چین به او عنوان "هنرمند بزرگ مردم چین" را اعطا کرد و در سال 1956 جایزه بین المللی صلح را دریافت کرد.

10 در 26 سانتی متر
1946
قیمت
65.4 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2011
در حراج گاردین چین

چی بایشی به آن مظاهر دنیای اطراف علاقه داشت که خیلی ها به آن اهمیت نمی دهند و این عظمت اوست. مردی بدون تحصیلات استاد و خالق برجسته ای در تاریخ شد. پابلو پیکاسو در مورد او گفت: "من می ترسم به کشور شما بروم، زیرا چی بایشی در چین وجود دارد." ترکیب "عقاب روی درخت کاج" به عنوان بزرگترین اثر این هنرمند شناخته می شود. علاوه بر بوم، شامل دو طومار هیروگلیف است. برای چین، مبلغی که این اثر برای آن خریداری شده است، یک رکورد است - 425.5 میلیون یوان. طومار خوشنویس باستانی هوانگ تینجیان به تنهایی 436.8 میلیون فروخته شد.

14

"1949-الف-شماره 1"

نویسنده

کلیفورد استیل

یک کشور ایالات متحده آمریکا
سالهای زندگی 1904–1980
سبک اکسپرسیونیسم انتزاعی

در 20 سالگی از موزه هنر متروپولیتن نیویورک دیدن کردم و ناامید شدم. بعداً او برای یک دوره در لیگ هنرهای دانشجویی ثبت نام کرد ، اما 45 دقیقه پس از شروع کلاس را ترک کرد - معلوم شد "برای او نیست". اولین نمایشگاه شخصی باعث طنین انداز شد، هنرمند خود را پیدا کرد و با آن شناخت پیدا کرد

79x93 سانتی متر
1949
قیمت
61.7 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2011
در حراج ساتبیز

هنوز تمام آثارش، بیش از 800 بوم و 1600 اثر روی کاغذ را به یکی از شهرهای آمریکا وصیت کرده است که موزه ای به نام او در آنجا افتتاح خواهد شد. دنور به چنین شهری تبدیل شد، اما ساخت و ساز به تنهایی برای مقامات گران تمام شد و برای تکمیل آن، چهار اثر به حراج گذاشته شد. بعید به نظر می رسد آثار استیل دوباره به حراج گذاشته شود که قیمت آنها را پیشاپیش افزایش داده است. تابلوی "1949-A-No.1" با مبلغی بی سابقه برای این هنرمند فروخته شد، اگرچه کارشناسان فروش را حداکثر 25 تا 35 میلیون دلار پیش بینی کردند.

15

"ترکیب سوپرماتیستی"

نویسنده

کازیمیر مالویچ

یک کشور روسیه
سالهای زندگی 1878–1935
سبک برتری طلبی

مالویچ در مدرسه هنر کیف و سپس در آکادمی هنر مسکو نقاشی خواند. در سال 1913، او شروع به کشیدن نقاشی‌های هندسی انتزاعی به سبکی کرد که آن را سوپرماتیسم (از لاتین به معنای «سلطه») نامید.

71x88.5 سانتی متر
1916
قیمت
60 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج ساتبیز

این نقاشی حدود 50 سال در موزه شهر آمستردام نگهداری می شد، اما پس از 17 سال اختلاف با بستگان مالویچ، موزه آن را تحویل داد. این هنرمند این اثر را در همان سال با "مانیفست سوپرماتیسم" نقاشی کرد، بنابراین ساتبیز حتی قبل از حراج اعلام کرد که با قیمت کمتر از 60 میلیون دلار وارد یک مجموعه خصوصی نخواهد شد. و همینطور هم شد. بهتر است از بالا به آن نگاه کنید: شکل های روی بوم شبیه یک نمای هوایی از زمین است. به هر حال، چند سال قبل، همین اقوام «ترکیب سوپرماتیست» دیگری را از موزه موما سلب مالکیت کردند تا آن را در حراج فیلیپس به قیمت 17 میلیون دلار بفروشند.

16

"حمام کنندگان"

نویسنده

پل گوگن

یک کشور فرانسه
سالهای زندگی 1848–1903
سبک پست امپرسیونیسم

این هنرمند تا هفت سالگی در پرو زندگی می‌کرد، سپس با خانواده‌اش به فرانسه بازگشت، اما خاطرات کودکی‌اش مدام او را به سفر سوق می‌داد. در فرانسه شروع به نقاشی کرد و با ون گوگ دوست شد. او حتی چندین ماه را با او در آرل گذراند تا اینکه ون گوگ در جریان یک نزاع گوش او را برید.

93.4x60.4 سانتی متر
1902
قیمت
55 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2005
در حراج ساتبیز

در سال 1891، گوگن فروش نقاشی های خود را ترتیب داد تا از درآمد حاصل از آن برای سفر به اعماق جزیره تاهیتی استفاده کند. او در آنجا آثاری خلق کرد که در آنها پیوند ظریفی بین طبیعت و انسان احساس می شود. گوگن در کلبه ای کاهگلی زندگی می کرد و بهشتی استوایی روی بوم هایش شکوفا شد. همسر او تهورای 13 ساله تاهیتی بود، که این هنرمند را از درگیر شدن در روابط فحشا منع نکرد. او که به سیفلیس مبتلا شد، راهی فرانسه شد. با این حال، آنجا برای گوگن شلوغ بود و او به تاهیتی بازگشت. این دوره "تاهیتی دوم" نامیده می شود - در آن زمان بود که نقاشی "حمام کنندگان" نقاشی شد که یکی از مجلل ترین آثار او بود.

17

"نرگس و رومیزی با رنگ های آبی و صورتی"

نویسنده

هانری ماتیس

یک کشور فرانسه
سالهای زندگی 1869–1954
سبک فوویسم

در سال 1889، هانری ماتیس دچار حمله آپاندیسیت شد. زمانی که دوران نقاهت پس از عمل جراحی را می گذراند، مادرش برایش رنگ خرید. ابتدا ماتیس از روی بی حوصلگی از کارت پستال های رنگی کپی می کرد، سپس از آثار نقاشان بزرگی که در لوور می دید کپی می کرد و در آغاز قرن بیستم سبکی را به وجود آورد - فوویسم.

65.2x81 سانتی متر
1911
قیمت
46.4 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2009
در حراج کریستی

نقاشی "نرگس و سفره آبی و صورتی" برای مدت طولانی متعلق به ایو سن لوران بود. پس از مرگ کوتور، کل مجموعه هنری او به دست دوست و معشوقش پیر برگر رسید، که تصمیم گرفت آن را به حراجی در کریستیز بگذارد. مروارید مجموعه فروخته شده نقاشی "نرگس و یک سفره در رنگ های آبی و صورتی" بود که به جای بوم روی یک سفره معمولی نقاشی شده بود. به عنوان نمونه ای از فوویسم، پر از انرژی رنگ است، به نظر می رسد رنگ ها منفجر می شوند و فریاد می زنند. از سری نقاشی های معروفی که روی سفره ها کشیده شده اند، امروزه این اثر تنها اثری است که در یک مجموعه خصوصی قرار دارد.

18

"دختر خفته"

نویسنده

رویلی

هتنشتاین

یک کشور ایالات متحده آمریکا
سالهای زندگی 1923–1997
سبک هنر پاپ

این هنرمند در نیویورک متولد شد و پس از فارغ التحصیلی از مدرسه به اوهایو رفت و در آنجا دوره های هنری را گذراند. در سال 1949، لیختنشتاین مدرک کارشناسی ارشد هنرهای زیبا دریافت کرد. علاقه او به کمیک و توانایی اش در استفاده از کنایه او را به یک هنرمند کالت قرن گذشته تبدیل کرد.

91x91 سانتی متر
1964
قیمت
44.882 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2012
در حراج ساتبیز

یک روز آدامس به دست لیختنشتاین افتاد. او این عکس را از درج روی بوم دوباره کشید و مشهور شد. این داستان از زندگی نامه او حاوی کل پیام هنر پاپ است: مصرف خدای جدید است و زیبایی در لفاف آدامس کمتر از مونالیزا نیست. نقاشی‌های او یادآور کمیک‌ها و کارتون‌ها هستند: لیختنشتاین به سادگی تصویر تمام‌شده را بزرگ‌تر کرد، رستر کشید، از چاپ روی صفحه و چاپ سیلک استفاده کرد. نقاشی "دختر خفته" تقریباً 50 سال متعلق به مجموعه داران بئاتریس و فیلیپ گرش بود که وارثان آنها آن را در حراجی فروختند.

19

"پیروزی. سبک موسیقی بوگی - ووگی"

نویسنده

پیت موندریان

یک کشور هلند
سالهای زندگی 1872–1944
سبک نئوپلاستیسیزم

این هنرمند زمانی که در سال 1912 به پاریس نقل مکان کرد، نام واقعی خود، کورنلیس، را به موندریان تغییر داد. او همراه با هنرمند تئو ون دوزبورگ، جنبش نئوپلاستیسیسم را پایه گذاری کرد. زبان برنامه نویسی Piet به نام Mondrian نامگذاری شده است.

27x127 سانتی متر
1944
قیمت
40 میلیون دلار
فروخته شد در سال 1998
در حراج ساتبیز

«موسیقی‌ترین» هنرمندان قرن بیستم از طبیعت‌های بی‌جان آبرنگ امرار معاش می‌کردند، اگرچه او به عنوان یک هنرمند نئوپلاستیک مشهور شد. او در دهه 1940 به ایالات متحده آمریکا نقل مکان کرد و بقیه عمر خود را در آنجا گذراند. جاز و نیویورک بیشتر از همه الهام بخش او بودند! نقاشی "پیروزی. Boogie-Woogie» بهترین مثال برای این موضوع است. مربع های شسته و رفته با استفاده از نوار چسب، ماده مورد علاقه موندریان، به دست آمد. در آمریکا او را "معروف ترین مهاجر" می نامیدند. در دهه شصت، ایو سن لوران لباس‌های معروف جهانی «موندریان» را با طرح‌های چهارخانه بزرگ عرضه کرد.

20

"ترکیب شماره 5"

نویسنده

ریحانکاندینسکی

یک کشور روسیه
سالهای زندگی 1866–1944
سبک آوانگارد

این هنرمند در مسکو متولد شد و پدرش اهل سیبری بود. پس از انقلاب سعی کرد با دولت شوروی همکاری کند، اما به زودی متوجه شد که قوانین پرولتاریا برای او ایجاد نشده است و بدون مشکل به آلمان مهاجرت کرد.

275x190 سانتی متر
1911
قیمت
40 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2007
در حراج ساتبیز

کاندینسکی یکی از اولین کسانی بود که نقاشی اشیاء را کاملاً رها کرد و به همین دلیل عنوان نابغه را دریافت کرد. در دوران نازیسم در آلمان، نقاشی‌های او به عنوان «هنر منحط» طبقه‌بندی می‌شد و در هیچ کجا به نمایش گذاشته نمی‌شد. در سال 1939، کاندینسکی تابعیت فرانسه را گرفت و در پاریس آزادانه در روند هنری شرکت کرد. نقاشی های او مانند فوگ ها "صدا" هستند، به همین دلیل است که بسیاری از آنها "ترکیب" نامیده می شوند (اولین در سال 1910 نوشته شد و آخرین در سال 1939). «آهنگسازی شماره 5» یکی از آثار کلیدی این ژانر است: «کلمه آهنگسازی برای من مثل یک دعا بود. برخلاف بسیاری از پیروانش، او آنچه را که روی بوم بزرگی به تصویر می‌کشد، طوری برنامه‌ریزی کرد که انگار در حال نوشتن یادداشت‌ها است.

21

"مطالعه یک زن آبی پوش"

نویسنده

فرنان لژر

یک کشور فرانسه
سالهای زندگی 1881–1955
سبک کوبیسم - پست امپرسیونیسم

لژه تحصیلات معماری دریافت کرد و سپس در مدرسه هنرهای زیبای پاریس شرکت کرد. این هنرمند خود را پیرو سزان می‌دانست، مدافع کوبیسم بود و در قرن بیستم به عنوان مجسمه‌ساز نیز موفق بود.

96.5x129.5 سانتی متر
1912-1913
قیمت
39.2 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج ساتبیز

دیوید نورمن، رئیس بخش بین المللی امپرسیونیسم و ​​مدرنیسم در ساتبیز، مبلغ هنگفتی را که برای «بانوی آبی پوش» پرداخت شده است کاملاً موجه می داند. این نقاشی متعلق به مجموعه معروف لژر است (هنرمند سه نقاشی با موضوع مشابه کشیده است که آخرین آنها امروز در دست شخصی است. - ویرایش)، و سطح بوم به شکل اصلی خود حفظ شده است. خود نویسنده این اثر را به گالری Der Sturm داد، سپس به مجموعه هرمان لانگ، کلکسیونر آلمانی مدرنیسم رسید و اکنون به خریدار ناشناس تعلق دارد.

22

«صحنه خیابان. برلین"

نویسنده

ارنست لودویگکرشنر

یک کشور آلمان
سالهای زندگی 1880–1938
سبک اکسپرسیونیسم

برای اکسپرسیونیسم آلمانی، کرشنر به یک فرد نمادین تبدیل شد. با این حال، مقامات محلی او را به پایبندی به "هنر منحط" متهم کردند که به طرز غم انگیزی بر سرنوشت نقاشی های او و زندگی هنرمندی که در سال 1938 خودکشی کرد تأثیر گذاشت.

95x121 سانتی متر
1913
قیمت
38.096 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2006
در حراج کریستی

پس از نقل مکان به برلین، کرشنر 11 طرح از صحنه های خیابانی را خلق کرد. او از شلوغی و عصبی بودن شهر بزرگ الهام گرفته بود. در این نقاشی که در سال 2006 در نیویورک فروخته شد، وضعیت مضطرب هنرمند به شدت احساس می شود: مردم در خیابان برلین شبیه پرندگان هستند - برازنده و خطرناک. این آخرین اثر از مجموعه معروفی بود که در حراج فروخته شد و بقیه در موزه ها نگهداری می شوند. در سال 1937، نازی‌ها با کرشنر به شدت رفتار کردند: 639 اثر او از گالری‌های آلمان حذف شدند، نابود شدند یا در خارج فروخته شدند. هنرمند نتوانست از این وضعیت جان سالم به در ببرد.

23

"تعطیلات"رقصنده"

نویسنده

ادگار دگا

یک کشور فرانسه
سالهای زندگی 1834–1917
سبک امپرسیونیسم

تاریخ دگا به عنوان یک هنرمند با کار او به عنوان کپی نویس در موزه لوور آغاز شد. او رویای "مشهور و ناشناخته" شدن را در سر داشت و در نهایت موفق شد. دگا 80 ساله در پایان عمر خود، ناشنوا و نابینا، به حضور در نمایشگاه ها و حراج ها ادامه داد.

64x59 سانتی متر
1879
قیمت
37.043 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج ساتبیز

دگا گفت: "بالرین ها همیشه برای من فقط بهانه ای برای به تصویر کشیدن پارچه ها و ثبت حرکت بوده اند." به نظر می رسد صحنه هایی از زندگی رقصندگان جاسوسی شده است: دختران برای هنرمند ژست نمی گیرند، بلکه به سادگی بخشی از فضا می شوند که توسط نگاه دگا گرفتار می شود. "رقصنده در حال استراحت" در سال 1999 به قیمت 28 میلیون دلار فروخته شد و کمتر از 10 سال بعد به قیمت 37 میلیون دلار خریداری شد - امروزه این گرانترین اثر این هنرمند است که تا به حال به حراج گذاشته شده است. دگا توجه زیادی به قاب ها داشت، خودش آنها را طراحی کرد و تغییر آنها را ممنوع کرد. من تعجب می کنم چه قاب بر روی تابلو فروخته شده نصب شده است؟

24

"رنگ آمیزی"

نویسنده

جوآن میرو

یک کشور اسپانیا
سالهای زندگی 1893–1983
سبک هنر انتزاعی

در طول جنگ داخلی اسپانیا، این هنرمند در طرف جمهوری خواهان بود. در سال 1937 از رژیم فاشیستی به پاریس گریخت و در آنجا با خانواده اش در فقر زندگی کرد. در این دوره، میرو نقاشی «به اسپانیا کمک کن!» را کشید و توجه تمام جهان را به سلطه فاشیسم جلب کرد.

89x115 سانتی متر
1927
قیمت
36.824 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2012
در حراج ساتبیز

عنوان دوم نقاشی "ستاره آبی" است. این هنرمند در همان سال آن را نقاشی کرد، زمانی که اعلام کرد: "من می خواهم نقاشی را بکشم" و بی رحمانه بوم ها را مسخره کرد، رنگ را با ناخن خراشید، پرها را به بوم چسباند، آثار را با زباله پوشاند. هدف او از بین بردن اسطوره های راز نقاشی بود، اما میرو با کنار آمدن با این موضوع، اسطوره خود را خلق کرد - انتزاع سورئال. "نقاشی" او به چرخه "نقاشی رویایی" تعلق دارد. در حراج، چهار خریدار برای آن مبارزه کردند، اما یک تماس تلفنی ناشناس اختلاف را حل کرد و "نقاشی" گران ترین نقاشی هنرمند شد.

25

"رز آبی"

نویسنده

ایو کلاین

یک کشور فرانسه
سالهای زندگی 1928–1962
سبک نقاشی تک رنگ

این هنرمند در خانواده ای از نقاشان به دنیا آمد، اما زبان های شرقی، ناوبری، هنر طلاکاری قاب، بودیسم ذن و بسیاری دیگر را مطالعه کرد. شخصیت و بداخلاقی‌های او چند برابر نقاشی‌های تک رنگ جالب‌تر بود.

153x199x16 سانتی متر
1960
قیمت
36.779 میلیون دلار
در سال 2012 فروخته شد
در حراج کریستیز

اولین نمایشگاه آثار تک رنگ زرد، نارنجی و صورتی توجه عمومی را برانگیخت. کلاین آزرده شد و دفعه بعد 11 بوم یکسان ارائه کرد که با اولترامارین مخلوط شده با یک رزین مصنوعی خاص رنگ شده بود. او حتی این روش را به ثبت رساند. این رنگ به عنوان "آبی کلاین بین المللی" در تاریخ ثبت شد. این هنرمند همچنین پوچی را فروخت، نقاشی هایی را با قرار دادن کاغذ در معرض باران، آتش زدن مقوا، ساختن چاپی از بدن یک شخص روی بوم خلق کرد. در یک کلام، من به بهترین شکل ممکن آزمایش کردم. برای ایجاد "رز آبی" از رنگدانه های خشک، رزین، سنگریزه و یک اسفنج طبیعی استفاده کردم.

26

"در جستجوی موسی"

نویسنده

سر لارنس آلما تادما

یک کشور بریتانیای کبیر
سالهای زندگی 1836–1912
سبک نئوکلاسیک

خود سر لارنس پیشوند «آلما» را به نام خانوادگی‌اش اضافه کرد تا بتواند در فهرست‌های هنری اول فهرست شود. در انگلستان ویکتوریایی، نقاشی های او چنان مورد تقاضا بود که به این هنرمند نشان شوالیه اعطا شد.

213.4x136.7 سانتی متر
1902
قیمت
35.922 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2011
در حراج ساتبیز

موضوع اصلی کار آلما تادما دوران باستان بود. او در نقاشی های خود سعی کرد دوران امپراتوری روم را با کوچکترین جزئیات به تصویر بکشد، برای این کار او حتی کاوش های باستان شناسی را در شبه جزیره آپنین انجام داد و در خانه لندن خود فضای داخلی تاریخی آن سال ها را بازتولید کرد. موضوعات اساطیری منبع الهام دیگری برای او شد. این هنرمند در طول زندگی خود بسیار مورد تقاضا بود، اما پس از مرگ او به سرعت فراموش شد. اکنون علاقه دوباره احیا شده است، همانطور که هزینه نقاشی "در جستجوی موسی" که هفت برابر بیشتر از برآورد پیش فروش است، نشان می دهد.

27

"پرتره یک مقام برهنه خوابیده"

نویسنده

لوسیان فروید

یک کشور آلمان،
بریتانیای کبیر
سالهای زندگی 1922–2011
سبک نقاشی فیگوراتیو

این هنرمند نوه زیگموند فروید، پدر روانکاوی است. پس از استقرار فاشیسم در آلمان، خانواده وی به بریتانیا مهاجرت کردند. آثار فروید در موزه مجموعه والاس در لندن است، جایی که هیچ هنرمند معاصری قبلاً در آن به نمایش گذاشته نشده است.

219.1x151.4 سانتی متر
1995
قیمت
33.6 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج کریستی

در حالی که هنرمندان شیک قرن بیستم «نقاط رنگی مثبت» روی دیوار ایجاد کردند و آن‌ها را به میلیون‌ها نفر فروختند، فروید نقاشی‌های بسیار طبیعت‌گرایانه کشید و آنها را حتی بیشتر فروخت. او گفت: "من گریه های روح و رنج گوشت در حال محو شدن را ضبط می کنم." منتقدان معتقدند که همه اینها "میراث" زیگموند فروید است. این نقاشی‌ها به قدری فعالانه نمایش داده شده و با موفقیت فروخته می‌شوند که کارشناسان شروع به شک کردند: آیا آنها خاصیت خواب آور دارند؟ به گزارش سان، پرتره یک مقام برهنه خوابیده که در حراجی فروخته شد، توسط رومن آبراموویچ، متخصص زیبایی و میلیاردر خریداری شد.

28

"ویولن و گیتار"

نویسنده

ایکسیک گریس

یک کشور اسپانیا
سالهای زندگی 1887–1927
سبک کوبیسم

در مادرید متولد شد و در آنجا از مدرسه هنر و صنایع دستی فارغ التحصیل شد. در سال 1906 به پاریس نقل مکان کرد و وارد حلقه تأثیرگذارترین هنرمندان آن دوره شد: پیکاسو، مودیلیانی، براک، ماتیس، لژر، و همچنین با سرگئی دیاگیلف و گروهش کار کرد.

5*100 سانتی متر
1913
قیمت
28.642 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2010
در حراج کریستی

گریس، به قول خودش، مشغول «معماری مسطح و رنگی» بود. نقاشی های او دقیقاً فکر شده است: او حتی یک ضربه تصادفی از خود باقی نگذاشته است که خلاقیت را شبیه به هندسه می کند. این هنرمند نسخه مخصوص به خود از کوبیسم را خلق کرد، اگرچه به پابلو پیکاسو، پدر بنیانگذار جنبش احترام زیادی داشت. جانشین حتی اولین اثر خود را به سبک کوبیسم، "ادای احترام به پیکاسو" به او تقدیم کرد. نقاشی "ویولن و گیتار" در آثار این هنرمند برجسته شناخته شده است. گریس در طول زندگی خود مشهور و مورد علاقه منتقدان و منتقدان هنری بود. آثار او در بزرگترین موزه های جهان به نمایش گذاشته شده و در مجموعه های خصوصی نگهداری می شود.

29

"پرترهفیلدهای الوار"

نویسنده

سالوادور دالی

یک کشور اسپانیا
سالهای زندگی 1904–1989
سبک سوررئالیسم

دالی زمانی که از گروه سوررئالیست اخراج شد گفت: «سوررئالیسم من هستم. با گذشت زمان، او به معروف ترین هنرمند سورئالیست تبدیل شد. آثار دالی همه جا هست، نه فقط در گالری ها. به عنوان مثال، این او بود که با بسته بندی Chupa Chups آمد.

25x33 سانتی متر
1929
قیمت
20.6 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2011
در حراج ساتبیز

در سال 1929، پاول الوارد شاعر و همسر روسی اش گالا به دیدار تحریک کننده و نزاع گر بزرگ دالی آمدند. این ملاقات آغاز یک داستان عاشقانه بود که بیش از نیم قرن به طول انجامید. تابلوی «پرتره پل الوارد» در این بازدید تاریخی کشیده شد. این هنرمند گفت: "احساس کردم که مسئولیت گرفتن چهره شاعری که یکی از الهه ها را از المپش دزدیدم به من سپرده شده است." قبل از ملاقات با گالا، او باکره بود و از فکر رابطه جنسی با یک زن منزجر بود. مثلث عشق تا زمان مرگ الوار وجود داشت و پس از آن به دوئت دالی-گالا تبدیل شد.

30

"سالگرد"

نویسنده

مارک شاگال

یک کشور روسیه، فرانسه
سالهای زندگی 1887–1985
سبک آوانگارد

مویشه سگال در ویتبسک متولد شد، اما در سال 1910 به پاریس مهاجرت کرد، نام خود را تغییر داد و به هنرمندان برجسته آوانگارد آن دوران نزدیک شد. در دهه 1930، در زمان تصرف قدرت توسط نازی ها، با کمک کنسول آمریکا راهی ایالات متحده شد. او تنها در سال 1948 به فرانسه بازگشت.

80x103 سانتی متر
1923
قیمت
14.85 میلیون دلار
فروخته شده 1990
در حراج ساتبیز

نقاشی "سالگرد" به عنوان یکی از بهترین آثار این هنرمند شناخته شده است. این شامل تمام ویژگی های کار او است: قوانین فیزیکی جهان پاک می شود، احساس یک افسانه در مناظر زندگی بورژوازی حفظ می شود و عشق در مرکز طرح است. شاگال مردم را از زندگی نمی‌کشید، بلکه فقط از حافظه یا تخیل استفاده می‌کرد. نقاشی "سالگرد" خود هنرمند و همسرش بلا را به تصویر می کشد. این تابلو در سال 1990 فروخته شد و از آن زمان تاکنون به حراج نرسیده است. جالب اینجاست که موزه هنر مدرن نیویورک MoMA دقیقاً همان موزه را در خود جای داده است، فقط با نام "تولد". به هر حال، قبلاً نوشته شده بود - در سال 1915.

پروژه را آماده کرد
تاتیانا پالاسوا
رتبه بندی گردآوری شده است
طبق لیست www.art-spb.ru
مجله tmn شماره 13 (مه-ژوئن 2013)

این مقاله شرح مختصری از سبک های هنری اصلی قرن بیستم ارائه می دهد. دانستن آن هم برای هنرمندان و هم برای طراحان مفید خواهد بود.

مدرنیسم (از فرانسوی مدرن مدرن)

در هنر، نام جمعی برای روندهای هنری است که در نیمه دوم قرن نوزدهم در قالب اشکال جدید خلاقیت تثبیت شد، جایی که دیگر آنقدر از روح طبیعت و سنت حاکم نبود، بلکه بیشتر از آزادی پیروی می کرد. نگاه یک استاد، آزاد است تا جهان مرئی را به صلاحدید خود، پیروی از برداشت های شخصی، ایده های درونی یا یک رویای عرفانی تغییر دهد (این روندها تا حد زیادی ادامه دهنده خط رمانتیسم بود). مهم‌ترین جهت‌های آن، غالباً فعالانه، امپرسیونیسم، نمادگرایی و مدرنیسم بود.در نقد شوروی، مفهوم «مدرنیسم» به‌طور غیرتاریخی برای تمام جنبش‌های هنری قرن بیستم به کار می‌رفت که با قوانین رئالیسم سوسیالیستی مطابقت نداشتند.

انتزاع گرایی(هنر تحت علامت "صفر اشکال"، هنر غیر عینی) یک جهت هنری است که در هنر نیمه اول قرن بیستم شکل گرفت و به طور کامل بازتولید اشکال جهان مرئی واقعی را کنار گذاشت. بنیانگذاران هنر انتزاعی محسوب می شوند وی. کاندینسکی، پی. موندریان و کی مالویچ. وی. کاندینسکی نوع نقاشی انتزاعی خود را خلق کرد و لکه‌های امپرسیونیستی و «وحشی» را از هرگونه نشانه‌ای از عینیت رها کرد. پیت موندریان از طریق تلطیف هندسی طبیعت که توسط سزان و کوبیست ها آغاز شد، به عدم عینیت خود رسید. جنبش‌های مدرنیستی قرن بیستم، با تمرکز بر انتزاع‌گرایی، کاملاً از اصول سنتی دور می‌شوند و رئالیسم را انکار می‌کنند، اما در عین حال در چارچوب هنر باقی می‌مانند. تاریخ هنر با ظهور هنر انتزاعی انقلابی را تجربه کرد. اما این انقلاب نه تصادفی، بلکه کاملاً طبیعی و توسط افلاطون پیش بینی شده بود! در اثر متأخر خود فیلبوس، او در مورد زیبایی خطوط، سطوح و فرم‌های فضایی به خودی خود، فارغ از هرگونه تقلید از اشیاء مرئی، از هر تقلید، نوشت. این نوع زیبایی هندسی، بر خلاف زیبایی اشکال طبیعی «نامنظم»، به گفته افلاطون، نسبی نیست، بلکه بدون قید و شرط و مطلق است.

آینده پژوهی- جنبش ادبی و هنری در هنر دهه 1910. آینده پژوهی با اعطای نقش نمونه اولیه هنر آینده، به عنوان برنامه اصلی خود، ایده تخریب کلیشه های فرهنگی را مطرح کرد و در عوض از فناوری و آنیسم فناوری شهری به عنوان نشانه های اصلی زمان حال و حال معذرت خواهی کرد. آینده. یکی از ایده های هنری مهم آینده پژوهی جستجو برای بیانی پلاستیکی از سرعت حرکت به عنوان نشانه اصلی سرعت زندگی مدرن بود. نسخه روسی آینده‌گرایی کیبوفتوریسم نامیده می‌شود و بر اساس ترکیبی از اصول پلاستیکی کوبیسم فرانسوی و چیدمان‌های زیبایی‌شناختی کلی اروپایی پیزمای فوتوریسم است. هنرمندان با استفاده از تقاطع ها، جابجایی ها، برخوردها و هجوم فرم ها سعی کردند کثرت چندپاره برداشت های یک فرد معاصر، یک شهرنشین را بیان کنند.

کوبیسم- "کامل ترین و رادیکال ترین انقلاب هنری پس از رنسانس" (جی. گلدینگ). هنرمندان: پیکاسو پابلو، ژرژ براک، فرنان لژر رابرت دلونای، خوان گریس، گلیز متزینگر. کوبیسم - (فرانسوی cubisme، از مکعب - مکعب) جهت در هنر ربع اول قرن بیستم. زبان پلاستیکی کوبیسم مبتنی بر تغییر شکل و تجزیه اشیاء در صفحات هندسی، یک تغییر شکل پلاستیکی بود. بسیاری از هنرمندان روسی شیفتگی به کوبیسم را تجربه کردند و اغلب اصول آن را با تکنیک های دیگر گرایش های هنری مدرن - آینده گرایی و بدوی گرایی ترکیب می کردند. نسخه خاصی از تفسیر کوبیسم در خاک روسیه تبدیل به فوتوریسم مکعب شده است.

پیوریسم- (فرانسوی purisme، از لاتین purus - خالص) جنبش در نقاشی فرانسوی اواخر دهه 1910-20. نمایندگان اصلی هنرمند هستند الف اوزانفانو معمار S. E. Jeanneret (لوکوربوزیه). با رد تمایلات تزئینی کوبیسم و ​​دیگر جنبش های آوانگارد دهه 1910 و تغییر شکل طبیعت که آنها پذیرفته بودند، خالص گرایان به دنبال انتقال دستوری عقلانی از اشکال شیء پایدار و لاکونیک، که گویی از جزئیات "پاک شده" بودند، به تصویر کشیدن " عناصر اولیه مشخصه آثار پاکسازان صافی، ریتم صاف شبح های نور و خطوط اشیاء مشابه (کوزه، لیوان و غیره) است. اصول هنری خالصانه که به طور قابل توجهی بازاندیشی شده بود، بدون اینکه در اشکال سه پایه توسعه یافته باشد، تا حدی در معماری مدرن، عمدتاً در ساختمان های لوکوربوزیه منعکس شد.

سررئالیسم- جنبشی جهانی در ادبیات، نقاشی و سینما که در سال 1924 در فرانسه به وجود آمد و رسماً در سال 1969 به وجود خود پایان داد. به شکل قابل توجهی به شکل گیری آگاهی انسان مدرن کمک کرد. چهره های اصلی جنبش هستند آندره برتون- نویسنده، رهبر و الهام بخش ایدئولوژیک جنبش، لویی آراگون- یکی از بنیانگذاران سوررئالیسم که بعدها به شکلی عجیب به خواننده کمونیسم تبدیل شد. سالوادور دالی- هنرمند، نظریه پرداز، شاعر، فیلمنامه نویس، که جوهر جنبش را با این جمله تعریف کرد: "سوررئالیسم من هستم!"، یک فیلمساز به شدت سورئال. لوئیس بونوئل، هنرمند جوآن میرو- همانطور که برتون و بسیاری از هنرمندان دیگر در سراسر جهان آن را "زیباترین پر روی کلاه سورئالیسم" نامیدند.

فوویسم(از فرانسوی les fauves - وحشی (حیوانات)) جهت محلی در نقاشی اولیه. قرن XX نام F. با تمسخر به گروهی از هنرمندان جوان پاریسی ( A. Matisse، A. Derain، M. Vlaminck، A. Marche، E.O. فریز، جی. براک، آ.ش. مانگن، کی وان دونگن) که به طور مشترک در تعدادی از نمایشگاه ها از سال 1905 تا 1907 شرکت کردند، پس از اولین نمایشگاه خود در سال 1905. این نام توسط خود گروه پذیرفته شد و خود را محکم تثبیت کرد. این جنبش برنامه، مانیفست یا تئوری خاص خود را به وضوح تدوین نکرد و مدت زیادی دوام نیاورد، با این حال، اثر قابل توجهی در تاریخ هنر بر جای گذاشت. شرکت کنندگان آن در آن سالها با تمایل به ایجاد تصاویر هنری منحصراً با کمک رنگ باز بسیار روشن متحد شدند. توسعه دستاوردهای هنری پست امپرسیونیست ها ( سزان، گوگن، ون گوگفوویست ها با تکیه بر برخی از تکنیک های رسمی هنر قرون وسطی (شیشه های رنگی، هنر رومی) و حکاکی های ژاپنی که از زمان امپرسیونیست ها در محافل هنری فرانسه رایج بودند، تلاش کردند تا استفاده از امکانات رنگی نقاشی را به حداکثر برسانند.

اکسپرسیونیسم(از بیان فرانسوی - بیانگر) - یک جنبش مدرنیستی در هنر اروپای غربی، عمدتاً در آلمان، در ثلث اول قرن بیستم، که در یک دوره تاریخی خاص - در آستانه جنگ جهانی اول ظهور کرد. اساس ایدئولوژیک اکسپرسیونیسم اعتراضی فردگرایانه به جهان زشت، بیگانگی فزاینده انسان از جهان، احساس غربت، فروپاشی و فروپاشی اصولی بود که به نظر می‌رسید فرهنگ اروپایی تا این حد بر آن استوار است. ویژگی اکسپرسیونیست ها میل به عرفان و بدبینی است. تکنیک های هنری مشخصه اکسپرسیونیسم: طرد فضای توهم، میل به تفسیر مسطح از اشیاء، تغییر شکل اشیاء، عشق به ناهماهنگی های رنگارنگ تیز، رنگ آمیزی خاص حاوی درام آخرالزمانی. هنرمندان خلاقیت را راهی برای بیان احساسات می دانستند.

برتری طلبی(از لاتین supremus - بالاترین، بالاترین؛ اول؛ آخرین، افراطی، ظاهراً از طریق supremacja لهستانی - برتری، برتری) جهت هنر آوانگارد ثلث اول قرن بیستم، خالق، نماینده اصلی و نظریه پرداز آن یک هنرمند روسی بود کازیمیر مالویچ. این اصطلاح به خودی خود ماهیت سوپرماتیسم را منعکس نمی کند. در واقع، در درک مالویچ، این یک ویژگی ارزیابی است. سوپرماتیسم بالاترین مرحله رشد هنر در مسیر رهایی از هر چیزی فراهنری است، در مسیر شناسایی نهایی غیر هدف، به عنوان جوهر هر هنری. از این نظر، مالویچ هنر زینتی بدوی را برتری گرا (یا "برترین نژادپرست") می دانست. او برای اولین بار این اصطلاح را برای گروه بزرگی از نقاشی های خود (39 یا بیشتر) که انتزاعات هندسی را به تصویر می کشد، از جمله "مربع سیاه" معروف در زمینه سفید، "صلیب سیاه" و غیره، که در نمایشگاه آینده پژوهی پتروگراد "صفر- به نمایش گذاشته شده اند" به کار برد. ده» در سال 1915. این و انتزاعات هندسی مشابه بود که باعث پیدایش نام سوپرماتیسم شد، اگرچه خود مالویچ بسیاری از آثار دهه 20 خود را به آن نسبت داد که ظاهراً دارای اشکالی از اشیاء خاص، به ویژه پیکرهای انسانی بود، اما حفظ شد. "روح برتری طلبانه" و در واقع، تحولات نظری بعدی مالویچ زمینه ای برای تقلیل سوپرماتیسم (حداقل توسط خود مالویچ) تنها به انتزاعات هندسی نمی دهد، هرچند که البته هسته، جوهر و حتی (سیاه و سفید و سفید-) آن را تشکیل می دهند. سوپرماتیسم سفید) نقاشی را به طور کلی به عنوان شکلی از هنر به مرز وجودش می رساند، یعنی به صفر تصویری که فراتر از آن دیگر خود نقاشی وجود ندارد. این مسیر در نیمه دوم قرن با گرایش های متعدد در فعالیت های هنری که قلم مو، رنگ و بوم را کنار گذاشتند، ادامه یافت.

روسی آوانگارددهه 1910 تصویر نسبتاً پیچیده ای را ارائه می دهد. این با تغییر سریع سبک ها و روندها، فراوانی گروه ها و انجمن های هنرمندان مشخص می شود که هر یک از آنها مفهوم خلاقیت خود را اعلام کردند. چیزی مشابه در نقاشی اروپایی در آغاز قرن اتفاق افتاد. با این حال، آمیختگی سبک‌ها، «آشفتگی» روندها و جهت‌گیری‌ها برای غرب ناشناخته بود، جایی که حرکت به سمت اشکال جدید سازگارتر بود. بسیاری از استادان نسل جوان با سرعتی خارق العاده از سبکی به سبک دیگر، از صحنه به صحنه، از امپرسیونیسم به مدرنیسم، سپس به بدوی گرایی، کوبیسم یا اکسپرسیونیسم حرکت کردند و مراحل بسیاری را پشت سر گذاشتند که برای استادان نقاشی فرانسوی یا آلمانی کاملاً غیر معمول بود. . وضعیتی که در نقاشی روسی شکل گرفت تا حد زیادی ناشی از فضای پیش از انقلاب در این کشور بود. این امر بسیاری از تضادهایی را که در کل هنر اروپایی ذاتی بود تشدید کرد، زیرا هنرمندان روسی از مدل های اروپایی آموختند و با مکاتب و جنبش های هنری مختلف به خوبی آشنا بودند. بنابراین "انفجار" عجیب روسیه در زندگی هنری نقشی تاریخی ایفا کرد. تا سال 1913، این هنر روسیه بود که به مرزها و افق های جدیدی رسید. یک پدیده کاملاً جدید از عدم عینیت ظاهر شد - خطی که کوبیست های فرانسوی جرات عبور از آن را نداشتند. یکی پس از دیگری از این خط عبور می کنند: کاندینسکی V.V.، Larionov M.F.، Malevich K.S.، Filonov P.N.، Tatlin V.E.

مکعب آینده گرایی جهت محلی در آوانگارد روسی (در نقاشی و شعر) آغاز قرن بیستم. در هنرهای زیبا، مکعب آینده نگری بر اساس بازنگری در یافته های تصویری، کوبیسم، آینده نگری و نئو بدوی گرایی روسی پدید آمد. آثار اصلی در دوره 1911-1915 ایجاد شد. مشخص ترین نقاشی های کوبو-فوتوریسم از قلم موی K. Malevich به دست آمد و همچنین توسط Burliuk، Puni، Goncharova، Rozanova، Popova، Udaltsova، Ekster نقاشی شد. اولین آثار مکعبی-آینده نگر مالویچ در نمایشگاه معروف سال 1913 به نمایش گذاشته شد. "هدف"، که راییسم لاریونوف نیز بر روی آن شروع به کار کرد. از نظر ظاهری، آثار مکعبی-آینده‌گرا بازتاب ترکیب‌بندی‌های F. Léger هستند که در همان زمان خلق شده‌اند و ترکیب‌هایی نیمه عینی هستند که از فرم‌های حجمی توخالی استوانه‌ای، مخروطی، فلاسکی، صدفی شکل تشکیل شده‌اند که اغلب دارای جلای فلزی هستند. قبلاً در اولین آثار مشابه مالویچ ، تمایل به گذار از ریتم طبیعی به ریتم های صرفاً مکانیکی دنیای ماشین قابل توجه است ("نجار" ، 1912 ، "سنگ زن" ، 1912 ، "پرتره کلیون" ، 1913) .

نئوپلاستیسیزم- یکی از انواع اولیه هنر انتزاعی. در سال 1917 توسط نقاش هلندی P. Mondrian و دیگر هنرمندانی که اعضای انجمن "Style" بودند ایجاد شد. به گفته سازندگان آن، نئوپلاستیسیزم با میل به "هماهنگی جهانی" مشخص می شود که در ترکیبات کاملاً متعادلی از شکل های مستطیلی بزرگ بیان می شود که به وضوح با خطوط عمودی سیاه از هم جدا شده و در رنگ های محلی طیف اصلی (با افزودن رنگ سفید) رنگ آمیزی شده است. و تن های خاکستری). Neo-plasticisme (Nouvelle plastique) این اصطلاح در قرن بیستم در هلند ظاهر شد. پیت موندریانمفاهیم پلاستیکی خود را برای آنها تعریف کرد، در یک سیستم ساخته شد و توسط گروه و مجله "Style" ("De Stiji") که در سال 1917 در لیدن تأسیس شد، از آن دفاع کرد. ویژگی اصلی نئوپلاستیکیسم استفاده دقیق از وسایل بیان بود. برای ساخت یک فرم، نئوپلاستیسیزم فقط خطوط افقی و عمودی را مجاز می کند. متقاطع خطوط در زوایای قائم اولین اصل است. در حدود سال 1920، دومی به آن اضافه شد که با حذف قلم مو و تأکید بر صفحه، رنگ ها را به قرمز، آبی و زرد محدود می کند، یعنی. سه رنگ اصلی خالص که فقط سفید و سیاه را می توان به آن اضافه کرد. نئوپلاستیسیسم به کمک این سختگیری قصد داشت از فردیت فراتر رود تا به جهان گرایی دست یابد و در نتیجه تصویر جدیدی از جهان خلق کند.

"تعمید" رسمی اورفیسمدر سال 1913 در سالن مستقلین اتفاق افتاد. بنابراین راجر آلارد منتقد در گزارش خود در مورد سالن نوشت: "... اجازه دهید برای مورخان آینده توجه داشته باشیم که در سال 1913 مکتب جدیدی از اورفیسم متولد شد..." ("La Cote" پاریس 19 مارس 1913). آندره وارنو منتقد دیگری نیز او را تکرار کرد: "سالن 1913 با تولد مدرسه جدیدی از مکتب اورفیک مشخص شد" ("Comoedia" پاریس 18 مارس 1913). سرانجام گیوم آپولینراین جمله را با فریاد زدن، نه بدون غرور، تقویت کرد: «این اورفیسم است. این اولین باری است که این جهت که من پیش‌بینی کرده بودم ظاهر می‌شود» (ضمیمه پاریس به 18 مارس 1913 «مونتجوی!»). در واقع، این اصطلاح اختراع شد آپولینر(Orphism as the Orpheus) و اولین بار در یک سخنرانی در مورد نقاشی مدرن در اکتبر 1912 به طور عمومی بیان شد. منظور او چه بود؟ گویا خودش هم نمی دانست. علاوه بر این، نمی دانستم چگونه مرزهای این جهت جدید را تعریف کنم. در واقع، سردرگمی که تا به امروز حاکم است به این دلیل بود که آپولینر ناخودآگاه دو مشکل را که البته به هم مرتبط هستند، اشتباه گرفت، اما قبل از تلاش برای اتصال آنها باید بر تفاوت های آنها تأکید می کرد. از یک طرف خلقت دلونيابزار بیان تصویری کاملاً مبتنی بر رنگ و از سوی دیگر گسترش کوبیسم به دلیل ظهور چندین جهت مختلف است. پس از جدایی از ماری لورنسین در پایان تابستان 1912، آپولینر به خانواده دلونی پناه برد که او را با درک دوستانه در کارگاه خود در خیابان گراند آگوستین پذیرفتند. درست در تابستان امسال، رابرت دلون و همسرش تحول زیبایی شناختی عمیقی را تجربه کردند که منجر به آنچه بعداً «دوره ویرانگر» نقاشی تنها بر اساس ویژگی‌های سازنده و مکانی-زمانی تضادهای رنگی بنا نهاده شد.

پست مدرنیسم (پست مدرن، پست آوانگارد) -

(از پست لاتین "پس" و مدرنیسم)، نام جمعی گرایش های هنری که به ویژه در دهه 1960 مشخص شد و با تجدید نظر اساسی در موقعیت مدرنیسم و ​​آوانگارد مشخص می شود.

اکسپرسیونیسم انتزاعیپس از جنگ (اواخر دهه 40 - 50 قرن بیستم) مرحله توسعه هنر انتزاعی. خود این اصطلاح در دهه 20 توسط یک منتقد هنری آلمانی معرفی شد E. von Sydow (E. von Sydow) برای اشاره به جنبه های خاصی از هنر اکسپرسیونیستی. در سال 1929، بار آمریکایی از آن برای توصیف آثار اولیه کاندینسکی استفاده کرد و در سال 1947 آثار را "اکسپرسیونیستی انتزاعی" نامید. ویلم دی کونینگو پولاک. از آن زمان، مفهوم اکسپرسیونیسم انتزاعی در پس زمینه نسبتاً گسترده، سبک و تکنیکی متنوع نقاشی انتزاعی (و بعداً مجسمه سازی) تثبیت شد که در دهه 50 توسعه سریعی یافت. در ایالات متحده آمریکا، در اروپا و سپس در سراسر جهان. اجداد مستقیم اکسپرسیونیسم انتزاعی را افراد اولیه می دانند کاندینسکیاکسپرسیونیست ها، اورفیست ها، تا حدی دادائیست ها و سوررئالیست ها با اصل خودکارسازی ذهنی خود. اساس فلسفی و زیبایی‌شناختی اکسپرسیونیسم انتزاعی عمدتاً فلسفه اگزیستانسیالیسم بود که در دوره پس از جنگ رایج بود.

آماده(انگلیسی آماده - آماده) این اصطلاح برای اولین بار توسط هنرمند وارد فرهنگ واژگان تاریخی هنر شد. مارسل دوشانآثار خود را که اشیای استفاده سودمند هستند، از محیط کارکرد عادی خود حذف کرده و بدون هیچ تغییری در نمایشگاه هنری به عنوان آثار هنری به نمایش گذاشته شوند. آماده ها دیدگاه جدیدی از چیزها و چیزها را تأیید کردند. ابژه ای که از انجام کارکردهای فایده گرایانه خود باز مانده بود و در متن فضای هنر گنجانده شده بود، یعنی به ابژه ای برای تعمق غیر فایده گرایانه تبدیل شده بود، شروع به افشای معانی جدید و حرکت های تداعی کرد که برای هنر سنتی ناشناخته بود. یا به حوزه فایده‌گرایانه روزمره وجود. مشکل نسبیت امر زیبایی شناختی و فایده گرا به شدت ظهور کرده است. اولین آماده دوشاندر سال 1913 در نیویورک به نمایش گذاشته شد. بدنام ترین آنها آماده های او هستند. فولاد "چرخ دوچرخه" (1913)، "خشک کن بطری" (1914)، "فواره" (1917) - به این ترتیب یک ادرار معمولی تعیین شد.

هنر پاپ.پس از جنگ جهانی دوم، آمریکا طبقه اجتماعی زیادی از مردم ایجاد کرد که برای خرید کالاهایی که برای آنها اهمیت خاصی نداشت، پول کافی به دست آوردند. به عنوان مثال، مصرف کالاها: کوکا کولا یا شلوار جین لیوایز به یک ویژگی مهم این جامعه تبدیل می شود. شخصی که از این یا آن محصول استفاده می کند تعلق خود را به طبقه اجتماعی خاصی نشان می دهد. فرهنگ توده ای اکنون در حال شکل گیری بود. چیزها به نمادها، کلیشه ها تبدیل شدند. هنر پاپ لزوماً از کلیشه ها و نمادها استفاده می کند. هنر پاپ(پاپ آرت) جست و جوی خلاقانه آمریکایی های جدید را که مبتنی بر اصول خلاقانه دوشان بودند، مجسم کرد. این: جاسپر جانز، کی اولدنبرگ، اندی وارهول، و دیگران. هنر پاپ اهمیت فرهنگ توده ای را به دست می آورد، بنابراین جای تعجب نیست که در آمریکا شکل گرفته و به یک جنبش هنری تبدیل شده است. همفکران آنها: هملتون آر، تون چینبه عنوان مرجع انتخاب شده است کورت شویترز. هنر پاپ با یک اثر توهم مشخص می شود که ماهیت شی را توضیح می دهد. مثال: پای ک. اولدنبورگ، در انواع مختلف به تصویر کشیده شده است. یک هنرمند ممکن است یک پای را به تصویر نکشد، بلکه توهمات را از بین ببرد و آنچه را که یک شخص واقعاً می بیند نشان دهد. R. Rauschenberg نیز اصیل است: او عکس های مختلفی را روی بوم چسباند، آنها را ترسیم کرد و نوعی حیوان عروسکی را به کار چسباند. یکی از کارهای معروف او جوجه تیغی پر شده است. نقاشی‌های او که در آن از عکس‌های کندی استفاده می‌کرد، نیز شناخته شده است.

بدوی گرایی (هنر ساده لوحانه). این مفهوم در چندین معنا به کار می رود و در واقع با مفهوم یکسان است "هنر بدوی". در زبان‌های مختلف و توسط دانشمندان مختلف، این مفاهیم اغلب برای مشخص کردن طیف یکسانی از پدیده‌ها در فرهنگ هنری استفاده می‌شوند. در روسی (مانند برخی دیگر)، اصطلاح "ابتدایی" معنایی منفی دارد. بنابراین، بهتر است در مورد مفهوم صحبت کنیم هنر ساده لوحانه. در گسترده‌ترین مفهوم، این هنر زیبا را نشان می‌دهد که با سادگی (یا ساده‌سازی)، وضوح و خودانگیختگی رسمی زبان مجازی و بیانی مشخص می‌شود، که با کمک آن بینش خاصی از جهان بیان می‌شود، نه تحت فشار قراردادهای تمدنی. این مفهوم در فرهنگ مدرن اروپایی قرن های اخیر ظاهر شد و بنابراین منعکس کننده موقعیت ها و ایده های حرفه ای این فرهنگ است که خود را بالاترین مرحله توسعه می دانست. از این مواضع، هنر ساده لوح، هنر باستانی مردمان باستان (قبل از تمدن مصر یا یونان باستان) را نیز در بر می گیرد، به عنوان مثال، هنر بدوی. هنر مردمانی که در توسعه فرهنگی و تمدنی خود به تعویق افتاده اند (جمعیت های بومی آفریقا، اقیانوسیه، سرخپوستان آمریکا). هنر آماتور و غیر حرفه ای در مقیاس وسیع (به عنوان مثال، نقاشی های دیواری معروف قرون وسطایی کاتالونیا یا هنر غیر حرفه ای اولین مهاجران آمریکایی از اروپا). بسیاری از آثار به اصطلاح "گوتیک بین المللی"؛ هنر عامیانه؛ در نهایت، هنر هنرمندان بدوی با استعداد قرن بیستم، که آموزش هنری حرفه ای دریافت نکردند، اما استعداد خلاقیت هنری را احساس کردند و خود را وقف اجرای مستقل آن در هنر کردند. برخی از آنها (فرانسوی A. Rousseau، C. Bombois، گرجی ن.پیروسمانیشویلی، کرواسی I. Generalich، آمریکایی صبح. رابرتسونو غیره) شاهکارهای هنری واقعی را خلق کرد که در گنجینه هنر جهانی گنجانده شده است. هنر ساده لوحانه در بینش خود از جهان و روش های ارائه هنری خود تا حدودی به هنر کودکان از یک سو و به هنر کودکان نزدیک است. خلاقیت بیماران روانی، از سوی دیگر. با این حال، در اصل با هر دو تفاوت دارد. نزدیکترین چیز در جهان بینی به هنر کودکان، هنر ساده لوحانه مردمان باستانی و بومیان اقیانوسیه و آفریقا است. تفاوت اساسی آن با هنر کودکان در تقدس عمیق، سنت گرایی و متعارف بودن آن نهفته است.

هنر خالص(Net Art - از انگلیسی net - network, art - art) جدیدترین نوع هنر، شیوه های هنری مدرن، در حال توسعه در شبکه های کامپیوتری، به ویژه در اینترنت. محققان آن در روسیه، که در توسعه آن نیز مشارکت دارند، O. Lyalina، A. Shulgin، معتقدند که جوهر هنر نت به ایجاد فضاهای ارتباطی و خلاقانه در اینترنت برمی‌گردد که آزادی کامل وجود آنلاین را برای همه فراهم می‌کند. بنابراین، جوهر هنر نت. نه بازنمایی، بلکه ارتباط، و واحد هنری منحصر به فرد آن یک پیام الکترونیکی است. حداقل سه مرحله در توسعه هنر نت وجود دارد که در دهه 80 و 90 ظهور کرد. قرن XX اولین مورد زمانی بود که هنرمندان مشتاق اینترنتی تصاویری از حروف و نمادهای موجود در صفحه کلید کامپیوتر ایجاد کردند. دومی زمانی شروع شد که هنرمندان زیرزمینی و فقط هر کسی که می خواست چیزی از خلاقیت خود را نشان دهد به اینترنت آمد.

OP-ART(Op-art انگلیسی - نسخه کوتاه شده هنر نوری - هنر نوری) - یک جنبش هنری نیمه دوم قرن بیستم با استفاده از توهمات بصری مختلف بر اساس ویژگی های ادراک چهره های مسطح و فضایی. جنبش ادامه دهنده خط خردگرایانه تکنیک گرایی (مدرنیسم) است. به انتزاع گرایی به اصطلاح «هندسی» برمی گردد که نماینده آن بود V. Vasarely(از 1930 تا 1997 او در فرانسه کار کرد) - بنیانگذار op art. امکانات Op Art در گرافیک صنعتی، پوستر و هنر طراحی کاربرد خاصی پیدا کرده است. جهت اپ آرت (هنر نوری) در دهه 50 در درون انتزاع گرایی سرچشمه گرفت، اگرچه این بار از تنوع متفاوتی برخوردار بود - انتزاع هندسی. گسترش آن به عنوان یک جنبش به دهه 60 برمی گردد. قرن XX

گرافیتی(گرافیتی - در باستان شناسی، هر طرح یا حروفی که روی هر سطحی خراشیده شده باشد، از گرافیار ایتالیایی - تا خراش) به این ترتیب آثار خرده فرهنگ مشخص می شود که عمدتاً تصاویری با فرمت بزرگ بر روی دیوارهای ساختمان های عمومی، سازه ها، وسایل نقلیه، ساخته شده با استفاده از انواع مختلف تفنگ های اسپری، قوطی های اسپری رنگ آئروسل. از این رو نام دیگری برای "هنر اسپری" - Spray-art. منشا آن با ظاهر عظیم گرافیتی مرتبط است. در دهه 70 روی واگن های متروی نیویورک و سپس روی دیوارهای ساختمان های عمومی و کرکره فروشگاه ها. اولین نویسندگان گرافیتی اکثراً هنرمندان جوان بیکار از اقلیت‌های قومی، عمدتاً پورتوریکویی‌ها، وجود داشتند، بنابراین اولین گرافیتی برخی از ویژگی‌های سبکی هنر عامیانه آمریکای لاتین را نشان می‌داد، و با توجه به ظاهر شدن بر روی سطوحی که برای این کار در نظر گرفته نشده بود، نویسندگان آنها به موقعیت بی‌حقوق خود اعتراض کردند. با آغاز دهه 80. یک روند کلی از استادان تقریباً حرفه ای G. تشکیل شد. نام واقعی آنها که قبلاً تحت نام مستعار پنهان شده بود شناخته شد ( CRASH، NOC 167، FUTURA 2000، LEE، SEEN، DAZE). برخی از آنها تکنیک خود را به بوم منتقل کردند و شروع به نمایشگاه در گالری های نیویورک کردند و به زودی گرافیتی در اروپا ظاهر شد.

هایپررئالیسم(هایپررئالیسم - انگلیسی)، یا فوتورئالیسم (فوتورئالیسم - انگلیسی) - هنری. حرکتی در نقاشی و مجسمه سازی بر اساس عکاسی و بازتولید واقعیت. هایپررئالیسم هم در عمل و هم در جهت گیری های زیبایی شناختی اش به ناتورالیسم و ​​پراگماتیسم به هنر پاپ نزدیک است. آنها در درجه اول با بازگشت به فیگوراتیویت متحد می شوند. به عنوان نقطه مقابل مفهوم گرایی عمل می کند که نه تنها بازنمایی را شکست، بلکه اصل تحقق مادی هنر را نیز زیر سوال برد. مفهوم

هنر زمین(از هنر زمین انگلیسی - هنر خاکی)، جهتی در هنر یک سوم آخرXXج، بر اساس استفاده از منظره واقعی به عنوان ماده و شیء اصلی هنری. هنرمندان سنگرها را حفر می کنند ، انبوه سنگ های عجیب و غریب ایجاد می کنند ، سنگ ها را نقاشی می کنند ، معمولاً مکان های متروک - مناظر بکر و وحشی - را برای کارهای خود انتخاب می کنند و از این طریق ، گویی در تلاش برای بازگرداندن هنر به طبیعت هستند. با تشکر از او<первобытному>از نظر ظاهری، بسیاری از اقدامات و اشیاء از این دست به باستان شناسی و همچنین هنر عکس نزدیک است، زیرا اکثریت مردم فقط می توانند در یک سری عکس به آنها فکر کنند. به نظر می رسد که ما باید با یک وحشیگری دیگر در زبان روسی کنار بیاییم. نمی‌دانم این اصطلاح تصادفی است یا نه<лэнд-арт>در پایان ظاهر شددهه 60، در زمانی که در جوامع توسعه یافته روحیه سرکش دانشجویان نیروهای خود را به سمت براندازی ارزش های تثبیت شده سوق می داد.

مینیمالیسم(هنر حداقل - انگلیسی: حداقل هنر) - هنرمند. جریانی که از حداقل دگرگونی مواد به کار رفته در فرآیند خلاقیت، سادگی و یکنواختی فرم ها، تک رنگ بودن، خلاقیت ناشی می شود. خویشتن داری هنرمند مینیمالیسم با رد ذهنیت، بازنمایی و توهم گرایی مشخص می شود. رد کلاسیک تکنیک های خلاقیت و سنت هنرمند مواد، مینیمالیست ها از مواد صنعتی و طبیعی از اشکال هندسی ساده استفاده می کنند. از اشکال و رنگ های خنثی (مشکی، خاکستری)، حجم های کم، سریال، روش های نوار نقاله تولید صنعتی استفاده می شود. یک مصنوع در مفهوم مینیمالیستی خلاقیت، نتیجه از پیش تعیین شده فرآیند تولید آن است. مینیمالیسم پس از دریافت کامل ترین پیشرفت خود در نقاشی و مجسمه سازی، به معنای گسترده ای به عنوان اقتصاد هنر تعبیر می شود. به این معناست که در سایر اشکال هنر، در درجه اول تئاتر و سینما کاربرد پیدا کرده است.

مینیمالیسم در ایالات متحده آمریکا در لین سرچشمه گرفت. کف. دهه 60 خاستگاه آن در ساخت‌گرایی، سوپرماتیسم، دادائیسم، هنر انتزاعی، امر فرمالیستی نهفته است. نقاشی از دهه 50، هنر پاپ. به طور مستقیم پیشرو مینیمالیسم آمریکایی است هنرمند اف. استلاکه در سال‌های 1959-1960 مجموعه‌ای از "نقاشی‌های سیاه" را ارائه کرد که در آن خطوط مستقیم منظم غالب بود. اولین آثار مینیمالیستی در سالهای 1962-1963 ظاهر شد.اصطلاح "مینیمالیسم". متعلق به R. Wollheim است که آن را در رابطه با تحلیل خلاقیت معرفی می کند ام. دوشانو هنرمندان پاپ که دخالت هنرمند در محیط را به حداقل می رساند. مترادف های آن عبارتند از "هنر باحال"، "هنر ABC"، "هنر سریالی"، "ساختارهای اولیه"، "هنر به عنوان یک فرآیند"، "سیستماتیک". رنگ آمیزی". از جمله نماینده ترین مینیمالیست ها هستند K. Andre, M. Bochner, U. De Ma-ria, D. Flavin. اس. لو ویت، آر. منگولد، بی. موردن، آر. موریس، آر. رایمن. آنها با تمایل به جا دادن مصنوع در محیط، بازی با بافت طبیعی مواد متحد شده اند. دی ژادآن را به عنوان «خاص. شی»، متفاوت از نمونه کلاسیک. کارهای پلاستیکی هنرها به طور مستقل، نور به عنوان راهی برای خلق هنر مینیمالیستی ایفا می کند. موقعیت ها، راه حل های فضایی اصلی؛ برای خلق آثار از روش های کامپیوتری استفاده می شود.

هنر قرن XX - XXI.

نقاشی مانند هنر مدرن، نقاشی مدرن به شکل کنونی خود در دهه 60-70 قرن بیستم شکل گرفت. جست‌وجوی جایگزین‌هایی برای مدرنیسم وجود داشت و اصول مخالف آن اغلب معرفی می‌شد. فیلسوفان فرانسوی اصطلاح پست مدرنیسم را معرفی کردند و هنرمندان زیادی به این جنبش پیوستند. برجسته ترین پدیده های هنر در دهه 60 و 70 هنر مفهومی و مینیمالیسم بود. در دهه 70 و 80 به نظر می رسید مردم از هنر مفهومی خسته شده بودند و به تدریج به بازنمایی، رنگ و فیگوراتیو بودن بازگشتند. در اواسط دهه 80، جنبش‌هایی با استفاده از تصاویر فرهنگ توده‌ای - اردو، هنر دهکده شرقی، و نئو پاپ افزایش یافت. عکاسی در حال شکوفا شدن است - هنرمندان بیشتر و بیشتری شروع به روی آوردن به آن به عنوان وسیله ای برای بیان هنری می کنند. روند هنر تصویری تا حد زیادی تحت تأثیر توسعه فناوری قرار گرفت: در دهه 60 - ویدئو و صدا، سپس - کامپیوترها، و در دهه 90 - کار اینترنتی از مجموعه ویکتور بوندارنکو

هنر معاصر در روسیه در دهه 90 اصطلاح "هنر معاصر" وجود داشت که اگرچه مشابه اصطلاح "هنر معاصر" است اما با آن یکسان نیست. این به معنای نوآوری در هنر مدرن در ایده ها و ابزارهای فنی بود. به سرعت منسوخ شد و مسئله گنجاندن آن در تاریخ هنر مدرن قرن بیستم یا بیست و یکم باز است. از بسیاری جهات، هنر معاصر به ویژگی های آوانگاردیسم، یعنی نوآوری، رادیکالیسم، تکنیک ها و تکنیک های جدید نسبت داده می شد. آثاری از مجموعه ویکتور بوندارنکو والری کوشلیاکوف "خاکریز" دوبوسارسکی-وینوگرادوف "زمین قهرمان"

انتزاع گرایی انتزاع گرایی (لاتین "abstractio" - حذف، حواس پرتی) جهتی از هنر غیر تجسمی است که به تصویر کشیدن فرم های نزدیک به واقعیت در نقاشی و مجسمه سازی را رها می کند. یکی از اهداف هنر انتزاعی دستیابی به "هماهنگی" است، ایجاد ترکیب های رنگی خاص و اشکال هندسی به منظور برانگیختن تداعی های مختلف در بیننده. میخائیل لاریونوف «رایونیسم سرخ» واسیلی کاندینسکی «زرشونزبیلد» مالویچ کازیمیر «سنگ‌زن»

کوبیسم (fr. Cubisme) یک جنبش آوانگارد در نقاشی قرن بیستم است، در درجه اول در نقاشی، که در آغاز قرن بیستم سرچشمه گرفت و با استفاده از فرم های متعارف هندسی تأکید شده، میل به "شکاف" مشخص می شود. اشیاء واقعی به اشیاء اولیه استریومتریک. کوبیسم پیکاسو "Les Demoiselles d'Avignon" خوان گریس "خوشه های انگور" فرنان لژه "سازندگان" خوان گریس "صبحانه"

سوررئالیسم سوررئالیسم (فرانسوی surréalisme - فوق رئالیسم) جهت جدیدی در نقاشی است که در اوایل دهه 1920 در فرانسه شکل گرفت. با استفاده از کنایه ها و ترکیب های متناقض از اشکال مشخص می شود. مفهوم اصلی سوررئالیسم، سوررئالیت ترکیبی از رویا و واقعیت است. برای رسیدن به این هدف، سوررئالیست ها ترکیبی پوچ و متناقض از تصاویر طبیعت گرایانه را از طریق کلاژ و فناوری «آماده» پیشنهاد کردند. سوررئالیست ها از ایدئولوژی چپ رادیکال الهام گرفته بودند، اما آنها پیشنهاد کردند که انقلاب را با آگاهی خود شروع کنند. آنها هنر را ابزار اصلی رهایی می دانستند. سالوادور دالی «وسوسه سنت آنتونی» ماکس ارنست «فرشته آتشگاه یا پیروزی سورئالیسم» رنه ماگریت «پسر انسان» ووتک سیودماک «دنیای رویاها و توهمات»

مدرن مدرن (از فرانسوی مدرن - مدرن) یا آرت نو (به فرانسوی art nouveau، به معنای واقعی کلمه "هنر جدید") یک جنبش هنری در هنر است که در نیمه دوم قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم محبوبیت بیشتری داشت. ویژگی های متمایز آن عبارتند از: رد خطوط و زوایای مستقیم به نفع خطوط طبیعی تر، "طبیعی"، علاقه به فناوری های جدید (به ویژه در معماری)، و شکوفایی هنر کاربردی. مدرنیسم به دنبال ترکیب کارکردهای هنری و فایده‌گرایانه آثار خلق شده بود تا همه حوزه‌های فعالیت انسانی را در حوزه زیبایی درگیر کند. آلفونس موچا "رقص" میخائیل وروبل "شاهزاده قو" A. N. Benois "بالماسکه تحت لویی چهاردهم" میخائیل وروبل "مروارید"

هنر نوری Op-art - نسخه کوتاه شده هنر نوری - هنر نوری) یک حرکت هنری نیمه دوم قرن بیستم است که با استفاده از توهمات بصری مختلف بر اساس ویژگی های ادراک چهره های مسطح و فضایی است. جنبش ادامه دهنده خط خردگرایانه تکنیک گرایی (مدرنیسم) است. اپ آرت تلاش برای دستیابی به توهم نوری حرکت یک شیء هنری ثابت از طریق تأثیر روانی فیزیولوژیکی بر بینندگان، فعال سازی آنها. جیکوب آگام «منظره جدید» جوزف آلبرز «کارخانه A» بریجت رایلی «بیگ بلو»

هنرهای عامیانه و صنایع دستی روسیه.

قرن.

کنده کاری چوب. اثاثیه، ظروف، ابزار از چوب ساخته می شد و کلبه هایی برپا می شد. مردم بسیاری از تکنیک های کنده کاری را توسعه دادند: هندسی، براکتی، از طریق، برجسته، و غیره. سقف کلبه های دهقانان با مجسمه ای به یاد ماندنی از یک اسب و یک پرنده تاج گذاری شد. ظروف چوبی کنده کاری شده و توخالی شده(کاسه ها، ظروف شکل دار، مخزن ها - کاسه های عمیق با درب).

نقاشی روی چوب و پایه.آنها ظروف، چرخ های نخ ریسی، کابینت ها، گهواره ها، صندوق ها و سورتمه ها را رنگ می کردند. دو نقاشی وجود داشت: تصویری و گرافیکی. از جمله نقاشی های زیبای خوخلوما با رنگ روغن روی ظروف چوبی تراش خورده است. خخلوما قاشق، کاسه، کاسه

کنده کاری استخوان.در دریای سفید، ماده ای استخراج شد - عاج ماهی دریایی، که به موفقیت حکاکی استخوان کمک کرد. تکنیک های اصلی برای تزئین محصولات، حکاکی و نقش برجسته است. آنها حیوانات، صحنه های کامل شکار، نوشیدن چای، پیاده روی و صحنه های کتاب مقدس را به تصویر می کشیدند. جعبه های انفیه، جعبه های مختلف، گاهی به شکل کفش، گاهی به شکل قلب، شانه، تابوت، پنکه نقاشی می کردند. محصولات ارزان قیمت برای زندگی دهقانی ساخته می شود - شانه، تابوت به شکل برج، گوشواره.

سرامیک. سفالگری می کنند و اسباب بازی درست می کنند. ظروف جلا مشکی به رنگ آبی مایل به سیاه، که از قرار گرفتن در معرض شعله دودی به دست می آیند، با جلا - مداوم یا زینتی تزئین شده اند. کاسه، کوزه، شستشوی دستی. اشکال ساده ظروف لعاب دار با لعاب های روان رنگی، سبز، قرمز مایل به قهوه ای که در هنگام پخت پخش می شوند، زنده می شوند. ظروف Gzhel majolica محصولاتی از خاک رس رنگی هستند که با یک ترکیب شیشه ای مات - مینا پوشانده شده اند. آنها خانه ها، پرندگان، حیوانات، درختان، چمن ها، گل ها را به تصویر می کشند.

اسباب بازی. Trinity-Sergiev Posad به یکی از بزرگترین مراکز تولید اسباب بازی های چوبی رنگ شده تبدیل شد. سرگیف سوت می زند، پرندگان، اسکیت ها، عروسک ها. در نیمه دوم قرن 19 اسباب بازی Gzhel majolica گسترده شد. با دست یا به صورت دو لنگه قالب گیری می شد. اسباب بازی سفالی- زنان با دامن مخروطی شکل، سوارکاران، پرندگان. . معروف بودند اسباب بازی های Vyatka(محل سکونت Dymkovo) - آقایان خاک رس سوار بر اسب در کلاه، خانم های مهم، حامل های آب، پرندگان، حیوانات نیمه افسانه ای.

پارچه، گلدوزی، توری. دست بافی– زنان پارچه های بوم، کتانی و طرح دار را روی بافنده می بافتند. جنس: کتان، کنف، پنبه. پارچه ها با نقوش بافته شده و پارچه های چاپی تزئین شده بودند. اساس دست بافی، بافت با شمارش تارهای عمودی و افقی است. پیراهن، پیش بند، حوله و ملحفه با پارچه طرح دار تزئین شده بود. پاشنه چاپ شده- روشی برای اعمال الگوی روی پارچه با استفاده از تخته حکاکی شده که قبلاً با رنگ پوشانده شده است. گلدوزیدکوراسیون لباس های جشن و وسایل خانگی - حوله، روسری، رومیزی. روسری عروسی تزئین شده با طلا دوزی. توریدر لباس های جشن و وسایل منزل همراه با گلدوزی استفاده می شود. اولین تکنیک متراکم و ساده توری Mikhailovsky است (از نخ های کتان یا نخ های خشن بافته می شد). توری معروف وولوگدا (عناصر الگو - گلی شبیه به دیزی، پرنده تلطیف شده - هلو که با قیطان چیده شده - ویلیوشکا).

معماری بلاروس

معماری دوران مدرن 1990 اوایل. دهه 2000 با جستجوهای نوآورانه مشخص می شود. تغییراتی در مفهوم برنامه ریزی شهری در حال وقوع است: توسعه ساختار برنامه ریزی شهرها از طریق گذار به سیستم "شهر - حومه" در حال انجام است. نقش ساخت و ساز ساختمان های مسکونی کم ارتفاع و انفرادی در حال افزایش است. جاده های کنارگذر گسترده شده اند و به افراد اجازه می دهند شهر را دور بزنند (Logoisk، Kobrin، Gomel). مجسمه سازی و طرح های رنگی گسترده شد (آثار شاهزادگان دیوید در دایود-گورودوک، بوریس در بوریسوف، اف. اسکورینا، ام. گوسفسکی و ک. توروفسکی در حیاط BSU). از آغاز 2000 شکل گیری ظاهر هنری شهرهای بلاروس با استفاده از وسایل گرافیکی و نورپردازی تزئینی انجام می شود که به عنوان یک راهنما در فضا عمل می کند ، عملکردهای اطلاعاتی را انجام می دهد و جنبه های زیبایی شناختی جدید ساختمان ها و سازه ها را باز می کند (ساختمان ها در خیابان های استقلال ، پارتیزانسکی ، پوبدیتلی). - در مینسک، کلیسای جامع پیتر و پل و کاخ رومیانتسف - پاسکیویچ در گومل، استیل پیروزی در موزیر)، معبدی به نام پرنسس ارجمند یوفراسینیا پولوتسک در مینسک، کلیسای اپیفانی مقدس در گرودنو. شیشه های رنگی و آینه ای از مصالح ساختمانی جدید (کاخ یخی در مینسک، گومل، گرودنو، ژلوبین، ویتبسک)، ساختمان اصلی ایستگاه راه آهن، مرکز اداری قرن بیست و یکم در مینسک، ساختمان کتابخانه ملی در مینسک استفاده می شود. طرح‌های مدرن بر اساس ترکیبی از قاب‌های فلزی و لعاب‌های خارجی و دیوارهایی هستند که عملکردی کاربردی و تزئینی دارند. با توجه به تنوع مصالح ساختمانی، ساخت مسکن با استفاده از سازه های بتن آرمه، پانل سازی و آجر انجام می شود. ساختمان های مسکونی بلندمرتبه، کم ارتفاع و انفرادی که بر اساس طرح های استاندارد ساخته شده اند در حال احیا هستند. در سال 1992-1997، یک اردوگاه مسکونی برای پرسنل نظامی در شهر ایجاد شد. منطقه راس ولکوویسکی ساخت ساختمان های مسکونی انفرادی از نوع کلبه در مناطق حومه شهر (روستاهای Borovlyany، Novinki، منطقه مینسک) گسترده شده است. معماری کلبه ها مظهر نقوش باروک، کلاسیک، آرت نوو، گوتیک و معماری عامیانه است. در سال 2000، یک مجموعه یادبود برای سربازان گارد مرزی در گرودنو و یک تابلوی معماری "به پارتیزان های بلاروس در مینسک" ساخته شد. ساختمان ساختمان اصلی ایستگاه راه آهن در مینسک، معماران - Kramarenko، Vinogradov، آنها جایزه دولتی B. 2004 را دریافت کردند.

آثار معماری عبارتند از: قلعه میر، قلعه نسویژ، قلعه گرودنو، کانال آگینسکی، دیوار قلعه در گرودنو، کلیسای بشارت در ویتبسک، قلعه لیدا، کلیسای ترزا در شوچین.

هنرهای زیبا در پایان قرن بیستم و آغاز قرن بیست و یکم.

در نیمه دوم دهه 80 قرن بیستم، تمام جهات اصلی هنرهای زیبا قرن بیستم شکل گرفت. - اوایل قرن 21: نقاشی کلیسا، از جمله نقاشی شمایل (N. Mukhin، V. Balabanov، I. Glazunov، E. Maksimov، V. Shilov). "مدرسه طرح" نقاشی، که با چشم انداز سنتی روسیه مشخص می شود (V. Sidorov، V. Shcherbakov، V. Telin، V. Polotnov). آوانگارد (زلوتنیکوف، یانکیلفسکی، ناسدکین)؛ پست مدرن روسی (دوبوف، کیسلیتسین، مارکلووا، ترشچنکو)؛ "هنر معاصر" یکی از ویژگی های هنرهای زیبا در آستانه قرن 20 و 21. این است که از سانسور، از نفوذ دولت آزاد شده است، اما نه از اقتصاد بازار. اگر در زمان شوروی به هنرمندان حرفه‌ای بسته‌ای از تضمین‌های اجتماعی ارائه می‌شد، نقاشی‌هایشان برای نمایشگاه‌ها و گالری‌های ملی خریداری می‌شد، اما اکنون آنها فقط می‌توانند به نیروی خود تکیه کنند.

در سال 1947 آکادمی هنر ایجاد شد. در دهه 50، یک سیستم سختگیرانه ایجاد شد. هنرمندی که در دانشگاه تحصیل می کند باید چند مرحله را طی کند.

مرحله 1 - فارغ التحصیل از مدرسه هنر

مرحله 2 - فارغ التحصیل از یک مدرسه هنری یا موسسه.

آموزش خود را با یک تصویر موضوعی بزرگ به پایان برسانید. سپس به عضویت اتحادیه هنرمندان در می آید. به صورت دوره ای آثار جدید خود را در نمایشگاه رسمی ارائه می کند. مشتری اصلی آثار هنری استادان دولت بود. در پایان دهه 50، ساختمان های بلند با مناره ها بر فراز مسکو اوج گرفتند. آنها را "مرتبه بلند" می نامیدند. آنها 7 نفر بودند. 1967 برج تلویزیونی آستانه در مسکو ساخته شد. پروژه خودرو نیکیتین 1907-1973 این معمار در ساخت مجموعه های کاخ فرهنگ در ورشو شرکت کرد، بنای یادبود "سرزمین مادری صدا می کند!" برج تلویزیون و رستوران آسمان هفتم. مجتمع های مسکونی که یادآور فرهنگ پست مدرن غرب بودند شروع به ظهور کردند. سپس در مسکو معماری بلوک با انواع اشکال و سبک های مصالح (شیشه) جایگزین شد. کتابخانه ملی به سبک پیشرفته در مینسک در سال 2002 ساخته شد. سبک مسکو بسیار محبوب است - کلیسای جامع بازسازی شده مسیح نجات دهنده، که در صدر فهرست بزرگترین کلیسای جامع قرار دارد. اما جاه طلبانه ترین پروژه در مسکو "سیتی" با ده ها آسمان خراش است. در قرن بیست و یکم ساختمانی 25 طبقه در حال ساخت است. مجموعه خاتین در حال بازسازی است (سیلیخانوف، زانکوویچ). "قلعه برست" - ولچوک، سیسوف، زانکوویچ، نظروف، مجسمه سازان شرکت کردند - بوبل، بمبل. وابلیو شروع به گسترش در نقاشی کرد. این یک ژانر از نقاشی های کنایه آمیز است که شامل پژواک کلامی از فیلم محبوب گوگارف و اثر او "نگهبان شب" است. دوره بعدی خود محوری است. نوآوری و سازگاری زمانی است که بتوان استعاره و مفهومی را در آثاری دنبال کرد که جهت‌گیری‌های موضوعی جایگزین آن‌ها می‌شود. A. Bosolyga - "نماز". در قرن بیست و یکم، مسیحیت در حال بازگشت است، نماد احیا می شود، معابد و کلیساها در حال بازسازی هستند. در مکتب مدرن قرن بیست و یکم تأثیری از هنر اروپای غربی وجود ندارد. در گرافیک، یک خط آزاد یک بازی فکری از خطوط است. یو پودولین "Lusterka". در قرن بیست و یکم، اشکال کوچک کارت پستال، تبلیغات، پوستر و گرافیک کتاب در گرافیک احیا می شود. گرافیک با رنگ ظاهر می شود. گرافیک کامپیوتری در حال توسعه است. در این جهت: بوروزنا، یاکوونکو. گرافیک چاپی با لیتوگرافی که بر روی صفحات فلزی انجام می شود، توسعه آنها را ضعیف کرده است. نویسنده Zventsov "مبانی گرافیک". عکاسی هنری در حال احیا شدن است و تاثیر زیادی بر گرافیک دارد. هنر شهودی در حال توسعه است.