استادان گرافیک سه پایه شوروی. دایره المعارف مدرسه هنرمندان گرافیست شوروی

در زیر هنرمندانی معرفی می شوند که به دلیل توانایی در طراحی با مداد تخته سنگی معمولی در سراسر جهان مشهور هستند. هر یک از آنها سبک، شخصیت و همچنین موضوعات مورد علاقه برای خلاقیت خود را دارند. علاوه بر این، نام هر نویسنده همچنین پیوندی به گالری آنلاین شخصی هنرمند است که می توانید با جزئیات بیشتر و با جزئیات بیشتر نقاشی های مداد و بیوگرافی هر یک از آنها را مطالعه کنید.
با نگاهی به تصاویر، ویژگی های جالبی را در هر نقاشی مشاهده خواهید کرد. برخی از آنها با خطوط نرم، انتقال صاف نور به سایه و اشکال ساده متمایز می شوند. برخی دیگر برعکس از خطوط سخت و ضربات واضح در کار خود استفاده می کنند که جلوه ای دراماتیک ایجاد می کند.
قبلاً در وب سایت خود تصاویری از استادان را منتشر کرده بودیم. در اینجا لیستی از مقالاتی وجود دارد که می توانید نقاشی های به همان اندازه جذاب با مداد را ببینید.

• آلبوم تصاویر باورنکردنی ماتیاس آدولفسون;

جی دی هیلبری

توانایی های طبیعی و میل شدید برای جلب توجه به کارهایش در جی دی هیلبری در کودکی ظاهر شد. اشتیاق و استعداد استاد را به یکی از بهترین هنرمندان طراحی مداد در جهان تبدیل کرد. در حالی که هنوز در وایومینگ تحصیل می کرد، شروع به توسعه تکنیک خود کرد و زغال چوب و گرافیت را با هم مخلوط کرد تا به جلوه ای واقع گرایانه در نقاشی های خود دست یابد. JD از نور تک رنگ برای جلب توجه بیننده به بازی کیاروسکورو و بافت استفاده می کند. او در طول زندگی حرفه‌ای خود سعی کرده فراتر از واقع‌گرایی و بیان باشد. پس از نقل مکان به کلرادو در سال 1989، هیلبری شروع به آزمایش با نقاشی های جعلی کرد. به طور سنتی، این نوع کار در روغن انجام می شود، اما او با موفقیت با کمک یک مداد واقع گرایی طرح را منتقل کرد. بیننده با دیدن چنین تصاویری فریب خورده و گمان می کند که شی در یک قاب یا در پنجره است، هرچند در واقع همه این عناصر ترسیم شده اند. جی دی هیلبری که از استودیوی خود در وست مینستر، کلرادو کار می کند، همچنان با طراحی های خود درک عمومی را گسترش می دهد.

برایان دوی

برایان یکی از شگفت انگیزترین هنرمندان طراحی مداد است که به زیبایی با مداد تعامل می کند تا آثار هنری الهام بخش خلق کند. در اینجا آنچه او در مورد کار خود و در مورد خود می گوید:
"اسم من برایان دوی است. من در گرند راپیدز، میشیگان به دنیا آمدم و بزرگ شدم. در یک مدرسه دولتی در یک روستای کوچک به نام گرانویل تحصیل کردم، جایی که برای اولین بار با هنر آشنا شدم. هرگز به جدیت سرگرمی ام فکر نکردم، اما کشف کردم. در 20 سالگی جذابیت زیادی برای طراحی مداد داشتم. من در خانه تنها نشسته بودم و از خستگی تصمیم گرفتم یک مداد بردارم و شروع به طراحی کنم. بلافاصله عاشق طراحی شدم و می خواستم همیشه این کار را انجام دهم با هر نقاشی، بهتر و بهتر شدم. در حین کار، تکنیک و ترفندهای اصلی خود را توسعه دادم. سعی می کنم نقاشی های واقع گرایانه ایجاد کنم و ایده های مفهومی خود را اضافه کنم. اغلب از من می پرسند چه چیزی به من الهام می دهد و از کجا نقاشی را یاد گرفتم. من به صراحت می توانم بگویم که خود آموخته هستم.
تصاویر من در کتاب و کارت تبریک، روی جلد سی دی و در مجلات مختلف چاپ شده است. من از سال 2005 کار تجاری انجام می دهم و در این مدت مشتری هایی در سراسر جهان به دست آورده ام. بیشتر سفارش‌های من از ایالات متحده، بریتانیا و کانادا می‌آیند، اما من با مشتریانی در ایرلند نیز کار می‌کنم. نقاشی های من در گالری های ایالات متحده به نمایش درآمده است. در سال 2007، از من خواسته شد که پرتره ای از بریتنی اسپیرز را بکشم که در یک گالری هنری در هالیوود، کالیفرنیا گنجانده شده بود. این رویداد توسط MTV پوشش داده شد و من به شهرت جهانی رسیدم. من در اینجا متوقف نمی شوم و به کار خود ادامه می دهم. من ایده ها و برنامه های جدیدی دارم. یکی از اهداف من برای آینده انتشار کتاب نقاشی آموزشی است.

تی اس آبه

اگرچه ما آثار زیادی از آبه پیدا نکردیم، اما تصاویر او نشان می دهد که این یک استاد درجه یک است. این هنرمند مهارت های بسیار خوبی در قلم زدن دارد و به طرز ماهرانه ای ایده های پیچیده را با استفاده از روش های خود به تصویر می کشد. نقاشی های آبه هماهنگ و متعادل، پیچیده و در عین حال قابل درک است. او یکی از با استعدادترین هنرمندان طراحی مداد در زمان ما است.

سزار دل واله

این هنرمند در آثار خود از تکنیک منحصر به فرد طراحی با مداد استفاده می کند. تصاویر سزار نه تنها استعداد او را نشان می دهد، بلکه درک ظریف نویسنده از محیط را نیز منعکس می کند.

هنریک

آثار هنریک در گالری هنر منحرف نمایش داده می شود. نقاشی های او نمونه جالبی از هنر مداد است. استاد به طور معجزه آسایی از رنگ های سیاه و سفید برای انتقال تصاویر اصلی و ایده های غیر معمول استفاده می کند.

هنر گرافیک متنوع است. این شامل پوستر سیاسی و طراحی روزنامه و مجله، تصویرسازی کتاب و کاریکاتور، گرافیک صنعتی کاربردی و تبلیغات فیلم است. بخش بزرگی از آن گرافیک سه پایه است - نقشه ها و حکاکی ها که به طور مستقل و خارج از یک هدف کاربردی خاص اجرا شده اند. این نام را به قیاس با نقاشی سه پایه، که هنرمند آثار آن را بر روی یک دستگاه خاص ایجاد می کند - سه پایه است. کلمه "گرافیک" از یونانی grapho (grafo) گرفته شده است - من می نویسم، من نقاشی می کنم. البته گرافیک سه پایه کاملاً بی هدف نیست. هنرمند با گرفتن قلم مو، مداد یا حکاکی، همیشه هدف خاصی دارد. او می کوشد افکار و احساسات خود ، درک خود از زندگی را به مردم منتقل کند ، افراد شایسته را در آن تأیید کند و منفی ها را مجازات کند ، زیبایی شگفت انگیز و پنهان جهان را که فقط او می بیند نشان دهد. اما در عین حال، نویسنده یک طراحی ساده یا حکاکی همیشه هدفی تحریک آمیز یا اتهامی را با کار خود دنبال نمی کند، به عنوان استاد پوستر و کاریکاتور، به عنوان هنرمندان پوستر و صنعتی کارهای تبلیغاتی یا سودمند انجام نمی دهد. گرافیک، تصاویر او، در نهایت، مانند آثار تصویرگران با قهرمانان و موقعیت های ادبی مرتبط نیست.

به همین ترتیب، استادان نقاشی و مجسمه سازی بر خلاف نقاشی های دیواری و تزئینات، آثار مستقلی خلق می کنند که با هیچ مجموعه هنری مرتبط نیست - یک ساختمان، یک اتاق، یک میدان، یک پارک و غیره.

گرافیک سه پایه شباهت زیادی با نقاشی سه پایه دارد. اگرچه ابزارهای هنری پیشرو آنها متفاوت است، اما هر دوی این نوع هنرها دارای امکانات عالی و از بسیاری جهات مشابه برای به تصویر کشیدن طبیعت، مردم و کل ثروت دنیای مادی هستند. جنبه‌های مختلف زندگی انسان که همواره در هنر مورد توجه بوده است، پیشنهاد می‌کند تا ژانرهای مختلف آن را اضافه شود - پرتره، منظره، ترکیب‌بندی روزمره یا جنگی، طبیعت بی‌جان و غیره. این ژانرها هم در نقاشی شوروی و هم در نقاشی شوروی وجود دارند. گرافیک شوروی دنیای روح انسان در آثار متعدد نقاشی، مجسمه سازی و گرافیک با عمق خاصی نشان داده شده است. برای این روانشناسی، برای گفتگوی چندوجهی و عالی با بیننده در مورد یک شخص، ما به ویژه از هنر سهل قدردانی می کنیم.

گرافیک سه پایه با نقاشی اشتراکات زیادی دارد، در عین حال با توجه به روش اجرا - عمدتاً روی کاغذ، از نظر تکنیک های طراحی و حکاکی به سایر انواع گرافیک نزدیک است. مانند کل خانواده هنرهای گرافیکی، با سرعت نسبی اجرای چیزها و همچنین فرصت های خوبی برای بازتولید آنها متمایز می شود. به لطف این، اولاً، گرافیک دارای داده های بزرگی است تا بتواند یک هنر موضوعی باشد که به سرعت به رویدادهای زندگی عمومی واکنش نشان می دهد، هنری که در ریتم مدرنیته زندگی می کند. این امکانات ذاتی در گرافیک، همانطور که در زیر خواهیم دید، بیش از یک بار توسط استادان آن به طور کامل مورد استفاده قرار گرفت. ثانیاً، از آنجایی که یک ورق گرافیکی عموماً سریعتر از یک نقاشی یا مجسمه اجرا می شود (اگرچه قدرت معنوی، استعداد و مهارت کمتری از یک گرافیست مورد نیاز نیست)، بلافاصله ارتباط ویژه با طبیعت، امکان تثبیت زنده را حفظ می کند. آی تی. اگر به این اضافه کنیم که تکنیک اجرای آثار گرافیکی بسیار متنوع است، غنای ایدئولوژیک و زیبایی شناختی این هنر آشکار می شود.

چیزهای جالب زیادی در انتظار بیننده توجه آثار گرافیکی است. نه بلافاصله، بلکه به تدریج، اصالت و زیبایی هر تکنیک گرافیکی برای او آشکار می شود - شفافیت نقره ای نقاشی با مداد گرافیتی و سیاهی مخملی یک مداد ایتالیایی، روان بودن دقیق نقاشی های قلم با جوهر یا جوهر، لطافت پاستیل و سانگوئین. ما به تدریج یاد می گیریم که از طیف غنی رنگ های خاکستری-مشکی موجود برای طراحی با زغال، سس، آبرنگ سیاه یا جوهر، روشنی شفاف آبرنگ رنگی و زبان سنگین تر و مادی گواش قدردانی کنیم. ما مجذوب زبان متنوع و منعطف حکاکی‌های چوبی، فرم‌های تعمیم‌یافته و لاکونیک لینوکت، رسا بودن کیاروسکورو و عمق رنگ در حکاکی، آزاد بودن، سرشار از سایه‌های رنگی، نرمی طراحی مدل‌سازی با مداد لیتوگرافی هستیم.

غالباً هنرمندان با ترکیبی از رسانه‌های ترکیبی نیز کار می‌کنند، مثلاً زغال، گچ و نوعی مداد یا آبرنگ و پاستل، آبرنگ و گواش و غیره را با هم ترکیب می‌کنند.

هم در تکنیک لیتوگرافی و هم در تکنیک های حکاکی، بیننده نتیجه نهایی کار هنرمند را می بیند - یک چاپ یا نقش و در غیر این صورت - یک حکاکی. بسیاری از این چاپ ها را می توان از یک تخته یا سنگ به دست آورد و همه آنها به همان اندازه آثار هنری اصلی هستند. این ویژگی چاپ - تیراژ نسبتاً بزرگ آنها در حالی که تمام شایستگی های هنری را حفظ می کند - به ویژه برای ما ارزشمند است.

اکنون حلقه های بیشتری از مردم شوروی به این هنر می پیوندند. آن‌ها تمام افکار و تجربیات زیبایی‌شناختی را در چاپ می‌یابند که هنر بزرگ اصیل ارائه می‌دهد، و در عین حال، چاپ موزه‌ای دوردست منحصر به فرد نیست که فقط گاهی می‌بینیم، بلکه چیزی است که زیبایی با آن وارد خانه ما، به زندگی روزمره می‌شود.

گرافیک سه پایه شوروی حوزه وسیعی از هنر ما است که تاریخ هنوز نانوشته آن شامل صفحات شگفت انگیزی از جستجوها و دستاوردهای هنری بزرگ است. سنت های درخشان خود را هم در هنر روسیه و هم در تعدادی دیگر از مدارس ملی هنری دارد. تقریباً تمام نقاشان مهم گذشته در طراحی و آبرنگ نیز استادان بزرگی بودند. آبرنگ‌های الکساندر ایوانوف و کی بریولوف، نقاشی‌ها و آبرنگ‌های متعدد توسط رپین، گرافیک‌های V. Serov و Vrubel شاهکارهای هنر ما پر از جذابیت ابدی هستند. لیتوگرافی به عنوان یک هنر دموکراتیک که تصاویر و افکار هنرمندان را به مردم منتقل می کند، در آغاز قرن نوزدهم در روسیه ظاهر شد. کیپرنسکی، اورلوفسکی، ونتسیانوف، بعداً پروف، شیشکین، ول. ماکوفسکی، لویتان و هنرمندان دیگر. در دهه چهل قرن نوزدهم، Shchedrovsky در آلبوم "اینجا مال ماست" تجارت بیننده، افراد صنعتگر، انواع عامیانه را نشان می دهد. این اولین تجربه ایجاد لیتوگرافی رنگی در هنر روسیه بود. هنرمندان برجسته قرن گذشته هنر قلم زنی را به دلیل دسترسی نسبتاً بیشتر آن به مردم قدردانی می کنند، زیرا خلاقیت آنها را به مخاطبان مخاطب مردم نزدیک می کند. کلاسیک شعر اوکراین و هنرمند T. G. Shevchenko، که در قلمزنی کار می کرد، در سال 1857 نوشت: "در بین تمام هنرهای زیبا، من اکنون بیشتر از همه هنرهای زیبا را دوست دارم. و نه بی دلیل. جامعه". شیشکین همچنین از علاقه مندان به قلمزنی بود. I. E. Repin بارها به تکنیک های مختلف حکاکی روی آورد. تمام انواع ژانرها - صحنه های داخلی، تاریخی، پرتره و منظره - در لیتوگرافی، حکاکی و طراحی قرن گذشته توسعه می یابد.

در گرافیک آغاز قرن بیستم، مانند تمام هنرها، در هم تنیدگی پیچیده ای از گرایش های گاه متضاد وجود دارد. وقایع انقلاب 1905 گرافیک مجلات را با قدرت خاصی به تصویر می کشد، اما آنها همچنین پاسخ هایی را در چیزهای سه پایه می یابند - حکاکی های اس. ایوانف، در پاستل های وی. سرووف، شاهدی شوکه از انتقامات تزاریسم علیه کارگران. در این آثار و همچنین در تصاویر معدنچیان، کارگران، دانش‌آموزان کاساتکین، در نقاشی‌های اس.کورووین که سربازان را به تصویر می‌کشد، در برگه‌های سرگئی ایوانف که به مهاجران فقیر اختصاص داده شده است، علاقه به ویژگی مرد کارگر دیده می‌شود. از هنر پیشرفته روسیه و همدردی با سرنوشت دشوار و اغلب غم انگیز او. اما در گرافیک این دهه ها تمایل به دور شدن از پیچیدگی ها و تضادهای واقعیت اجتماعی نیز دیده می شود. این گرایش در برخی موارد نوعی تفکر انفعالی را بر آثار هنرمندان تحمیل می کند و در برخی دیگر هنرمندان را در کار خود به تالارهای کاخ و پارک های دور و بیگانه برای مخاطبان گسترده سوق می دهد. تقریباً ژانر پیشرو در گرافیک قبل از انقلاب، منظره است. استادان بزرگی مانند A. Ostroumova-Lebedeva، V. Falileev، K. Yuon، I. Nivinsky، I. Pavlov، E. Lansere و دیگران در آن به کار گرفته شده است. آنها زیبایی طبیعت چندوجهی، حالات گوناگون آن، شعر معماری را در رابطه با منظره می بینند. این تحسین از زیبایی جهان محتوای اصلی جاودانه آثار آنهاست که تا به امروز ما را به وجد می آورد. اما گاهی در برگه هایشان رگه ای از تعمق احساس می شود.

در حکاکی، مجلات و کتاب‌های قبل از انقلاب، بیش از سایر اشکال هنری، تأثیر جامعه جهان هنر محسوس بود، شاید به این دلیل که بسیاری از اعضای آن گرافیست‌هایی با سطح حرفه‌ای بالا بودند. از این هنرمندان، این جامعه شامل اوستروموا-لبدوا و لانسره بود. با این حال، بهترین جنبه های کار آنها بر خلاف نگرش زیبایی شناختی نظریه پردازان "دنیای هنر" شکل گرفت که از "هنر ناب" به دور از زندگی دفاع می کردند. نقاشی‌ها، آبرنگ‌ها و طراحی‌های چهره‌های اصلی «دنیای هنر» A. Benois، K. Somov و دیگران دنیای شجاع و بی‌جان زندگی درباری دوران گذشته را احیا کردند، یک بازی تصفیه‌شده و آموخته‌شده تاریخ بود. بنابراین، در گرافیک پیش از انقلاب، آثاری خلق می‌شوند که از همه درام تضادهای اجتماعی اشباع می‌شوند، انبوهی از مناظر غنایی مجلسی ظاهر می‌شوند و در عین حال، گذشته‌نگر شکوفا می‌شود، یعنی دور شدن از مدرنیته، زیبایی‌شناسی دنیای هنر

در سالهای اول پس از انقلاب، ظاهر گرافیک سه پایه تغییر چندانی نکرد. این سال‌های سخت، زمان هنر ستیزه‌جویانه پوستر، مجسمه‌سازی یادبود تحریک‌آمیز و هنر جدید تزئین تعطیلات جمعی بود. در مقابل پس زمینه توسعه سریع این نوع هنرها، گرافیک سه پایه در ابتدا به ویژه سنتی به نظر می رسد. اساساً همان استادان در اینجا مانند سالهای قبل از انقلاب کار می کنند و کار آنها که قبلاً تا حد زیادی مشخص شده است ، بلافاصله و به سرعت دستخوش تغییرات پیچیده ای نمی شود که با تأثیرات واقعیت جدید همراه است. منظره و پرتره به ژانرهای پیشرو در گرافیک سه پایه تبدیل شدند. هنرمندان با عشق گوشه های باستانی شهرها، بناهای معماری قابل توجه، زیبایی ابدی طبیعت را به تصویر می کشند که در معرض طوفان های اجتماعی نیستند. صنایع دستی گیرا زیادی در آثار آنها وجود دارد، تحسین آرام زیبایی جهان. اما به نظر می رسد این دنیای کوچک بسته از منظره ای گذشته نگر که به گذشته تبدیل شده است با دیواری نامرئی از حوادثی که در کشور رخ می دهد محافظت می شود.

آثار ژانر داخلی، که تعداد کمی از آنها خلق شده اند، همان زندگی آرام و متواضعانه را به تصویر می کشند که از هیچ گونه تحولات اجتماعی دست نخورده است، کارهای ساده خانگی.

گرافیک این سالها غالباً حکاکی و سنگ نگاره است. طراحی و آبرنگ رایج نیست. مناظر و پرتره‌ها اغلب در آلبوم‌های حکاکی منتشر می‌شوند و این‌ها نسخه‌های کم‌تیراژ و گران‌قیمتی برای تعداد کمی از افراد خبره هستند.

صمیمیت آثار پرتره را متمایز می کند. مدل های نقاشان پرتره معمولاً هنرمندان ، نویسندگان ، هنرمندان هستند ، یعنی دایره نسبتاً باریکی از افراد از نظر معنوی نزدیک به نویسنده. دنیای درونی آن‌ها با ظرافت و دقت آشکار می‌شود، اما هنوز در سطح تعمیم‌های بزرگی که بعداً در دسترس هنر شوروی قرار می‌گیرد، نیست.

و فقط در پرتره های ساخته شده توسط N. A. Andreev، به ویژه در تصاویر وی از V.I. لنین، ژانر پرتره در گرافیک بلافاصله کیفیت های جدیدی را به دست می آورد، قدرت تعمیم دهنده، صدای اجتماعی. این نقاشی ها به حق در میان بهترین دستاوردهای هنر شوروی گنجانده شده است ، آنها هنوز هم ما را خوشحال می کنند و در زندگی ما شرکت می کنند. اما در سال های ایجاد آنها، این ورق ها، همانطور که بود، یک استثنای درخشان بودند، که فقط قاعده را تأیید می کردند - یعنی شخصیت اتاقی کلی اکثر آثار پرتره. از نقاشی های آندریف، گویی جلوتر از زمان خود، آشنایی خود را با گرافیک سه پایه شوروی آغاز خواهیم کرد.

برای N. A. Andreev (1873 - 1932) - مجسمه ساز مشهور، نویسنده بناهای یادبود مسکو به گوگول، استروفسکی، بنای یادبود آزادی، طراحی نه تنها یک مرحله مقدماتی ضروری کار بود، بلکه یک حوزه مستقل از خلاقیت بود. . در اوایل دهه 1920، او تعداد زیادی پرتره گرافیکی ساخت - دزرژینسکی، لوناچارسکی، گورکی، استانیسلاوسکی، هنرمندان تئاتر هنر و دیگران.

مردی با تمام یکپارچگی شخصیتش - این همان چیزی است که آندریف نقاش پرتره را علاقه مند کرد. در برگه های او، دنیای درونی مدل به وضوح، با اطمینان، با جزئیات، اما بدون نیم تنه و غنای تفاوت های ظریف ترسیم شده است. با آشنایی با پرتره های آندریف، به نوعی مجموع دانش بسیار دقیق و تأیید شده در مورد افرادی که روی آنها به تصویر کشیده شده است، به دست می آوریم. دقیقاً وضوح این دانش نوعی رقت در کار آندریف است و نحوه اجرای پرتره نیز از او تبعیت می کند.

بخش اعظم این شیوه از دیدگاه مجسمه‌سازی هنرمند از فرم ناشی می‌شود. این انعطاف پذیری برجسته نقاشی، جستجوی اجباری برای یک خط شبح بیانگر، اما همچنین سفتی رنگ، عدم وجود حس هوا است. اما نکته اصلی در اینجا نکته مثبتی بود که به استعداد مجسمه سازی آندریف داد - توانایی دیدن مدل به عنوان یک کل ، نکته اصلی در طرح کلی سر ، دیدن ویژگی ظاهری که از خطوط و چرخش های تصادفی پاک شده است. این یکپارچگی سیلوئت، همراه با جزیی ترین شکل گیری صورت، به ویژه چشم ها، شیوه منحصر به فرد هنرمند را تشکیل می دهد. او به خوبی در دستان آندریف با مدادهای رنگی، پاستلی، رنگی و همچنین زغال چوب یا مداد ایتالیایی خدمت می کرد که با آن مجلدات اصلی مشخص شده بود.

به همین ترتیب، آندریف چندین پرتره از V.I. لنین را اجرا کرد که بخشی از لنینیانا معروف او است - چرخه بزرگی از طرح ها، طراحی ها، طرح ها و مجسمه ها، که ایجاد آنها کار اصلی زندگی آندریف در طول سال های قدرت شوروی بود. . پرتره های آندریف از لنین برای ما نه تنها اثر یک هنرمند با استعداد، بلکه افشاگری ارزشمند یک شاهد عینی است، شخصی که بارها و بارها لنین را در کنگره ها و کنگره ها و در دفتر کرملین او مشاهده می کرد. بسیاری از طرح های سطحی توسط آندریف در روند این کار ساخته شد، اما تنها سه پرتره تصویری تکمیل شده وجود دارد. هنرمند کاملاً پیچیدگی و ویژگی های وظایف خود را با سرعت ظاهراً ممکن اجرا درک می کرد.

در یکی از این پرتره‌ها، لنین خمیدگی چشمانش، لبخندی به سختی محسوس در تصویر جان می‌دهد و تصویری پر از گرمای انسانی خلق می‌کند. در عین حال، احساس اهمیت اجتماعی تصویر رهبر در پرتره زنده است و بنابراین این برگه از نظر محتوا برای هنر پرتره گرافیکی آن سالها بسیار جدید است (تصویر 1).

موضوع لنین - رهبر توده ها با قدرت و بیان حتی بیشتر توسط آندریف در پرتره نمایه V.I. لنین، که اغلب به اوایل دهه 1920 مربوط می شود، ایجاد شد. انگیزه و انرژی این تصویر الهام گرفته، قهرمانی متعالی آن قلب ها را به دست می آورد. در عین حال، درک نقش تاریخی V. I. لنین در اینجا چنان بالغ است که به نظر می رسد این اثر آندریف بسیار جلوتر از حوزه هنری اوایل دهه 1920 است. با تمام غنا و دستاوردهای هنر این سالها، چنین حسی از مقیاس اعمال لنین، گستره اندیشه لنین، چنین درک تاریخی از تصویر او را در آن نخواهیم یافت. و فرض اخیر محقق "لنینیانا" ال. تریفونووا مبنی بر اینکه پرتره که فقط در دهه 1930 شناخته شد، نه در اوایل دهه 1920، بلکه بعداً ایجاد شده است، منصفانه به نظر می رسد. زبان لاکونیک و محتوای درونی به این برگه یک اثر تاریخی واقعی می بخشد. بیهوده نیست که این پرتره اکنون برای مخاطبان گسترده نه تنها از بسیاری از بازتولیدها آشنا است: در موزاییک ساخته شده است، هنگام تزئین تعطیلات در پانل های H:t نقاشی می شود. این نقاشی که به اندازه بزرگ بزرگ شده است، چیزی را در بیان لاکونیک خود از دست نمی دهد.

G. S. Vereisky (متولد 1886) همچنین از اولین سال های شکل گیری گرافیک شوروی در زمینه پرتره کار کرد. لحظه ارزیابی اهمیت اجتماعی یک شخص بعداً در چیزهای او جایگاه مهمی خواهد داشت ، اما مسیر هنرمند به این امر و به ویژه ماهیت اولین آثار او با آندریف متفاوت بود. G. S. Vereisky اولین مهارت های هنری خود را در یک استودیوی خصوصی در خارکف دریافت کرد، در دانشگاه تحصیل کرد، در یک حلقه انقلابی دانشجویی و رویدادهای انقلابی 1905 شرکت کرد، در رابطه با این، یک زندان، و سپس چندین سال مهاجرت - اینها عبارتند از چند لحظه از بیوگرافی این هنرمند از سال 1918، برای چند سال، Vereisky در بخش حکاکی هرمیتاژ کار کرد. او قبلاً با داشتن اطلاعات قابل توجهی از تاریخ هنر جهان به آنجا آمده بود، در حالی که کار طولانی او در ارمیتاژ او را در این زمینه بیش از پیش غنی کرد. نه یک کتاب، بلکه دانش زنده از شاهکارهای هنر جهان اثر خود را در تصویر خلاق هنرمند باقی گذاشت. فرهنگ عالی، اشراف، سادگی، که در پس آن دقت نهفته است، آثار متعدد او را متمایز می کند. وریسکی با پرتره‌های لیتوگرافی شروع کرد و اگرچه اکنون او را به‌عنوان یک طراح و حکاکی عالی می‌شناسیم، او بیش از همه در زمینه لیتوگرافی کار کرد.

وریسکی از همان ابتدای کار خود با وفاداری به طبیعت و مشاهده مشخص شد. بنابراین شاید راه طولانی این هنرمند در هنر در نگاه اول هموار و آرام به نظر برسد. در واقع، او با جستجوهای مداوم، بهبود مهارت ها مشخص شده است.

اولین آلبوم بریسکی "هنرمندان روسی" در سال 1922 منتشر شد. ما در اینجا گروهی از هنرمندان جامعه "دنیای هنر" را از بنیانگذاران تا نسل دوم آن می بینیم. Vereisky مدل های خود را کاملاً می شناسد و با دقت روحیه معنوی، شخصیت هر یک از هنرمندان را به تصویر می کشد - جدیت غم انگیز و تنهایی ناراحت کننده Benois، تمرکز بی لذت سوموف، بیان خاردار، شدت زندگی درونی میتروخین، و غیره. ورق ها، و همچنین از پرتره های آندریف، ما می توانیم در مورد افرادی که در اینجا به تصویر کشیده شده اند چیزهای زیادی بیاموزیم، اما در پرتره های Vereisky لحظه ای برای ارزیابی افراد وجود ندارد، بنابراین، از راه دور، شخصیت پردازی در یک اتاق داده می شود. ، سطح صمیمی - غنایی، و هنوز سوال از اهمیت اجتماعی فعالیت های آنها مطرح نشده است. در آلبوم های بعدی 1927 - 1928 ، Vereisky قبلاً با دقت بیشتری حالت طبیعی و آرام مدل را پیدا می کند ، با اطمینان بیشتر و آزادانه ترسیم می کند. پرتره های موفق هنرمندان Golovin، Zamirailr، معمار Shchuko، منتقد Yaremich، Notgaft. Vereisky به خوبی توانست فرهنگ درونی ، سرزندگی ذهن ، جذابیت تحصیلات عالی را که در افرادی که توسط او به تصویر کشیده شده است ، منتقل کند.

در دهه 1930، Vereisky روی پرتره های خلبانان بسیار کار کرد و شجاعت و شجاعت آنها را تحسین کرد و سعی کرد در توصیف آنها بر این ویژگی ها تأکید کند. و هنگامی که در آغاز جنگ بزرگ میهنی پرتره هایی از شرکت کنندگان شجاع در نبردهای فیسانوویچ، مشچرسکی، اوسیپوف و دیگران خلق کرد، آنها مانند ادامه داستان این هنرمند در مورد سربازان شجاع شوروی به نظر می رسیدند که با آثار آغاز شده بود. دهه 1930

اما دستاورد اصلی وریسکی در این دوره و پس از آن، پرتره های چهره های فرهنگی بود. در طول سال های جنگ، هنرمند با وضوح خاصی احساس می کرد که مضمون پرتره های او خلاقیت است، توانایی، ارزشمند و غیرقابل جدایی از یک فرد هنرمند، برای کار با بینش خلاق حتی در لحظات سختی شدید. در این برگه ها به نظر می رسید که مهارت فنی عالی Vereisky برای اولین بار با هیجان عمیق عاطفی روشن می شود و پرتره های همیشه درست و دقیق او احساسی پر جنب و جوش پیدا می کند. مدیر هرمیتاژ، شرق شناس I. A. Orbeli و شاعر N. Tikhonov، در روزهای محاصره لنینگراد توسط او کشیده شدند. سختی‌های او در ظاهر این افراد اثر گذاشته، اما با وجود شرایطی که کار می‌کنند و عمق خلاقیتشان به‌طور ملموس و واضح منتقل می‌شود. همین شعر جستجوهای الهام گرفته در پرتره های هنرمند E. E. Lansere، رهبر ارکستر E. A. Mravinsky، نقاش T. N. Yablonskaya (ill. 2) نیز وجود دارد. بار دیگر، چهره های فرهنگی از مشاغل مختلف در اینجا معرفی می شوند، اما چگونه دنیای درونی آنها تغییر کرده است، ارادت پرشور آنها به هنر با معنای جدیدی روشن شده است. صمیمیت پیشین آثار وریسکی از بین می رود و پرسش از نقش اجتماعی هنر در پرتره های او در سال های 1940-1950 با قدرت کامل به نظر می رسد. روش‌های نوشتن روان‌شناختی او متفاوت نشد، بلکه فقط دقیق‌تر شد، اما از روی صداقت معمولی وجدانی ویژگی‌های او، خطوط نزدیکی بزرگ درونی افراد به تصویر کشیده شده توسط او، نزدیکی در اصلی ترین چیز - در درک معنای کار او، گویی به خودی خود نشان داده شده است.

با گفتن نام G. S. Vereisky، ما اغلب بلافاصله کارهای M. S. Rodionov (1885 - 1956) را به یاد می آوریم - هنرمندی که هنرش از بسیاری جهات در داخل به G. S. Vereisky نزدیک بود. و زمینه های اصلی کار - پرتره و منظره (که وریسکی نیز بسیار انجام داد) و زیبایی شدید روش و تفکر در مطالعه طبیعت برای این هنرمندان مشترک بود. انجام شده توسط M. S. Rodionov در 1944 - 1946، همچنین در تکنیک لیتوگرافی، مجموعه ای از پرتره های دانشمندان و هنرمندان - آبریکوسوف، بارانوف، وسنین و دیگران - در گرافیک ما همان خط جدی، عاری از خودنمایی بیرونی، درونی قوی را نشان می دهد. صداقت هنر پرتره، که آثار G. S. Vereisky نیز به آن اشاره می کند.

آثار وریسکی و رودیونوف ما را از اولین سالهای پس از انقلاب دور کرد. با بازگشت به آنها، ما باید دایره ای از آثار پرتره را که قبلاً برای ما آشنا هستیم با آثار B. M. Kustodiev (1878 - 1927) تکمیل کنیم. کوستودیف که یک نقاش بزرگ بود، در گرافیک بسیار کار کرد. پرتره جالبی از F. I. Chaliapin که توسط او در سال 1921 با آبرنگ و مداد اجرا شد. اگر در نسخه اول این پرتره، مُهر زندگی روزمره، همان طور که بود، نور درونی چهره شالیاپین را خاموش می کرد، پس هنرمند تصویری پیچیده و در عین حال متقاعدکننده خلق می کند. در او استعداد، وسعت، ظرافت و اندکی اندیشه پنهان احساس می شود (مرض 3).

دومین ژانر رایج در گرافیک دهه 1920 منظره بود. یکی از بزرگترین استادان آن A.P. Ostroumova-Lebedeva (1871 - 1955) بود. علاقه اولیه او به هنر او را به مدرسه طراحی فنی استیگلیتز سوق داد، جایی که او زیر نظر یک معلم عالی و حکاکی V. V. Mate، استاد بزرگ حکاکی تن بازتولید، تحصیل کرد. مشخصات خلاق Ostroumova بلافاصله مشخص نشد. پس از نقل مکان به آکادمی هنر ، او در آنجا با معلمان مختلف تحصیل کرد و متعاقباً به عنوان شاگرد I. E. Repin پذیرفته شد. این اتفاقی بود که اثر خود را در تمام فعالیت های بعدی این هنرمند بر جای گذاشت. اوستروموا بعداً نوشت: "در اعماق، در قلب هنر ما، رئالیسم شاد، تازه و جاودانه زنده رپینسکی سنگ بنای همه است." رفته رفته علاقه هنرمند به قلم زنی و به ویژه به حکاکی های رنگی روی چوب بیشتر و بیشتر می شود. او در سفر خود به پاریس نمونه های خوبی از این هنر را در مجموعه های مختلف مطالعه کرد. از میان تمام تکنیک‌های حکاکی، حکاکی‌های روی چوب در روسیه تا آغاز قرن بیستم کمترین ارزش هنری مستقل را داشتند و عمدتاً به عنوان روشی برای بازتولید نقاشی وجود داشتند. نقش های چوبی رنگی به کلی فراموش شد. بنابراین، هنگامی که اوستروموا-لبدوا تعدادی از حکاکی های خود را برای مسابقه به آکادمی ارسال کرد، از جمله یک چوب رنگی از نقاشی هنرمند فلاندری روبنس "پرسئوس و آندرومدا"، هیئت داوران در ابتدا حتی این برگه را رد کردند و آن را با آبرنگ اشتباه گرفتند. .

اوستروموا-لبدوا در طول زندگی خلاقانه طولانی خود تعهد خود را به حکاکی روی چوب و آبرنگ انجام داد. درباره اولین آنها، خود هنرمند با عشق و شعر می نویسد:

"من در این هنر از اختصار و کوتاهی باورنکردنی ارائه، لاکونیسم آن و به همین دلیل، وضوح و بیان فوق العاده آن قدردانی می کنم. از قطعیت و وضوح بی رحمانه خطوط آن در حکاکی روی چوب قدردانی می کنم ... خود تکنیک اجازه نمی دهد. برای اصلاحات و بنابراین جای تردید و تردید در حکاکی روی چوب وجود ندارد ...

و اجرای ابزار روی چوب سخت چقدر زیباست! تخته به قدری صیقلی است که شبیه مخمل می شود و روی این سطح طلایی براق اسکنه ای تیز به سرعت می دود و تمام کار هنرمند این است که او را در محدوده اراده اش نگه دارد!

لحظه شگفت انگیزی که پس از کار سخت و آهسته همراه با توجه شدید بی وقفه - اشتباه نکنید - رنگ را با غلتک می پیچید و تمام خطوطی که روی تخته گذاشته اید با رنگ سیاه شروع به درخشش می کنند و ناگهان نقاشی ظاهر می شود. در هیئت مدیره.

من همیشه افسوس می خوردم که پس از چنین شکوفایی درخشان حکاکی، که در قرن 16 و 17 بود، این هنر شروع به پژمرده شدن کرد، تبدیل به یک خدمت، یک صنعت شد! و من همیشه آرزو داشتم به او آزادی بدهم!»

حتی در سال های پیش از انقلاب، اوستروموا آثار شگفت انگیز بسیاری خلق کرد - مناظری از سنت پترزبورگ و اطراف آن، مناظر نقاشی شده در طول سفر در ایتالیا، اسپانیا، فرانسه،

هلند. دقت غیر قابل تغییر و وفاداری به طبیعت در حال حاضر در آنها با یک هدیه عالی از تعمیم ترکیب شده است. هنرمند سنت پترزبورگ به طور خاص نافذ و شاعرانه طراحی می کند. این شهر در ورقه هایش با شکوه، پر از هماهنگی و زیبایی برمی خیزد. هماهنگی ترکیب، وضوح خطی، خلوص رنگ آثار او را متمایز می کند.

پس از انقلاب که باعث شد این هنرمند، طبق خاطراتش، موجی از انرژی خلاقانه و خیزش شادی را به همراه داشته باشد، اوستروموا هنوز هم بیشتر از همه در ژانر منظره معماری کار می کند. در ملحفه‌های او، مانند قبل، شهر شلوغ خیابان‌های پر از جمعیتی فعال نیست، بلکه بالاتر از همه قلمرو معماری زیبا، زیبایی‌های ماندگار آن است.

در عین حال، ویژگی های جدیدی در ظاهر شهر برای هنرمند آشکار می شود و احساسات مهار شده نقاشی های او گاهی اوقات با احساس طوفانی تر و تکانشی جایگزین می شود. در چارچوب یک ژانر منظره واحد، Ostroumova چیزهای بسیار متنوع و همیشه درونی یکپارچه ایجاد می کند. به عنوان مثال، آبرنگ او را در سال 1918 به یاد بیاورید "Petrograd. Field of Mars". این ورق با حرکت سریع ابرها در آسمان مرتفع، وسعت میدان و چهره باریک و آینده نگر بنای یادبود سووروف پر از تنش و ترحم پنهان است. نگرش هنرمند در اینجا شجاعانه، شاد است، ریتم های زندگی که توسط او شنیده می شود واضح است، مانند یک راهپیمایی، و، مانند یک راهپیمایی، موسیقی. Ostroumova با ضربات سبک، در فرم تعمیم یافته، با استفاده از جزئیات با اعتدال عاقلانه رنگ می کند. به نظر می رسد که این ورق کاملاً ساده ترسیم شده است، اما مهارت و ذوق هنری عالی پشت سادگی آن است. همچنین در اصالت پالت متواضع و زیبای این چیز ظاهر می شود.

حکاکی روی چوب "Smolny" با احساسات طوفانی Ostroumova پر شده است. نفس انقلاب، انگار که بر این منظره می‌وزد، و بنای فرم‌های کلاسیک آرام دوباره زنده می‌شود، مثل جوشش اکتبر 1917. به نظر می رسد برخورد سیاه و سفید قدرت هر یک از این رنگ ها را دو چندان می کند. ستون‌های Propylaea که ورودی اسمولنی را مشخص می‌کنند، به‌طور تهدیدآمیزی سیاه می‌شوند، زمین با سفیدی درخشان می‌درخشد، ضربات با حرکت سریع می‌چرخند، جاده‌ای را به سمت ساختمان در اعماق مشخص می‌کنند، درختی در زیر باد تند خم می‌شود و مایل است. خطوط سقوط کمی آسمان را بر فراز اسمولنی نشان می دهد. تصویری پر از انگیزه، حرکت، هیجان عاشقانه ایجاد می شود. علاوه بر این، این چوب‌تراشی سیاه چقدر زیبا و دیدنی است، چه ارزش‌های صرفاً تزئینی آن عالی است.

چرخه حکاکی های چوبی کوچک که پاولوفسک را به تصویر می کشد نیز از نظر تزئینی متمایز است. تزئینات توسط هنرمند در خطوط کلی یک دسته از درختان، شبح یک مجسمه یا یک شبکه، مشاهده شده در زندگی و در نتیجه قانع کننده دیده می شد.

یک نمونه کلاسیک از مهارت بزرگ اوستروموا-لبدوا منظره "باغ تابستانی در هوافراست" (1929؛ ill. 4) است.

وقتی به این حکاکی نگاه می کنی، آرامش یک باغ متروک تو را در آغوش می گیرد. شما ، همانطور که بود ، خود را در کوچه آن می یابید - اینگونه است که ترکیب ورق توسط نویسنده به کار گرفته شده است. بخیه رد پاها در برف عمیق و ریتم رنده سیاه پوشیده از برف، حرکت را در اعماق ورق مشخص می کند و به آرامی توسط شبح روشن یک پل در آنجا گرد می شود. حرکت و چهره های دور مردم تمام ورق را زنده می کند، اما جذابیت برفی آن را نمی شکند. در ترکیب آرامش شگفت انگیز، سکوت با حس زندگی یک شهر بزرگ که در جایی بسیار نزدیک جریان دارد، جذابیت خاص این حکاکی متولد می شود. شعر زمستان، رنگ‌های مه‌آلود آن، هوای یخ‌زده که بر تاج درختان در یخبندان صورتی شکننده می‌وزد، در اینجا به زیبایی توسط هنرمند منتقل می‌شود.

در طول جنگ بزرگ میهنی ، اوستروموا-لبدوا که قبلاً بیش از هفتاد سال داشت ، لنینگراد را ترک نکرد. او سختی‌های باورنکردنی محاصره را با همه ساکنان در میان گذاشت و تا جایی که می‌توانست دست از تلاش برنداشت. صفحات خاطرات او مربوط به این سال ها نه تنها وقایع سختی ها و اضطراب های روحی است، بلکه شاهدی بر آتش خلاقیت ابدی، میل خستگی ناپذیر به کار است. چنین عشقی به هنر، ارادت فراوان به آن هنوز هم نمونه ای برای هنرمندان جوان است و دستاوردهای اوستروموا-لبدوا در حکاکی و به ویژه احیای نقاشی های چوبی رنگی هنری او، به عنوان کمکی تزلزل ناپذیر از یک استاد بزرگ به ما باقی مانده است. هنر

آثار V. D. Falileev (1879 - 1948) از نظر نگرش و سبک شناسی از بسیاری جهات به آثار Ostroumova-Lebedeva نزدیک است. او همچنین در حکاکی های چوبی سیاه و رنگی استاد بود و در جستجوی مداوم امکانات فنی جدید کار خود، به ویژه رنگ، به حکاکی و لینوکات روی آورد. مناظر فالیله، هم کشور مادری و هم کشورهای خارجی را به تصویر می کشد، ما را با همان پری احساسات، توانایی دیدن زیبایی در نقوش معمول طبیعت، مانند آثار اوستروموا-لبدوا، جذب می کند، اما هارمونی و خلوص کلاسیک خطوط کمتر است. در حکاکی‌های او رایج‌تر، نحوه طراحی او آزادتر و به نوعی بی‌قرارتر است، رنگ‌آمیزی گرم‌تر و زیباتر است. در عین حال، توانایی تعمیم برداشت های خود، ایجاد یک تصویر هنری بزرگ با حداقل ابزار، باعث می شود که فالیله با اوستروموا-لبدوا مرتبط شود. از این نظر، به عنوان مثال، آلبوم لینوکات های رنگی فایلیف "ایتالیا" مشخص است، جایی که هنرمند، تنها یک ورق را به یک شهر یا شهر دیگر اختصاص می دهد، در ترکیب بندی های بسیار لاکونیک، گاهی اوقات تنها بخشی از یک ساختمان را به تصویر می کشد، گویی بیشترین ویژگی را در ظاهر شهرهای ایتالیا متمرکز می کند.

این هنرمند همچنین به طبیعت طوفانی علاقه مند است ، او مجموعه ای از حکاکی های "باران" را ایجاد می کند ، در تعدادی از ورق ها تغییر می کند و ظاهر متغیر دریا را مطالعه می کند ، طرح های یک موج طوفانی دریا را مطالعه می کند. در مناظر با نقوش طوفان و باران، برخی از محققان نوعی واکنش گرافیکی به یک طوفان انقلابی را می بینند، اما چنین نزدیکی هنوز خیلی ساده به نظر می رسد. و با فالیلیف، ما جرات نمی کنیم رابطه ای مشابه بین توطئه های او و رویدادهای اجتماعی برقرار کنیم. اما در مجموع آثار او، در شدت خاص ساختار درونی آنها، واقعاً احساس پیچیدگی دنیای اجتماعی وجود دارد، و این در صفحات منظره او بیشتر از مثلاً در نقاشی مشمعۀ سربازان متمایز است، زیرا فالیله در درجه اول یک نقاش منظره بود.

I. N. Pavlov (1872 - 1951) همچنین نماینده ژانر منظره در گرافیک بود. مسکو در شخص او شاعری فداکار داشت که از خواندن آن خسته نمی شد، مانند لنینگراد در شخص اوستروموا-لبدوا. پاولوف تقریباً هم سن اوستروموا بود، اما راه او در هنر در شرایط زندگی دشوارتر دیگری آغاز شد. پسر یک امدادگر زندان، که بعداً نگهبان کلیسای جامع مسیح منجی در مسکو بود، مجبور شد زودتر «به سراغ مردم برود» و به عنوان شاگرد در یک کارگاه صنایع دستی حکاکی ثبت نام کرد. حکاکی های بازتولید از نقاشی های V. Makovsky اولین آثاری بودند که موفقیت را برای او به ارمغان آوردند. متعاقباً، پاولوف در مدرسه طراحی فنی استیگلیتز و در کارگاه Mate و همچنین در مدرسه انجمن تشویق هنرها تحصیل کرد، اما به دلیل نیاز به کار برای مدت طولانی. در بازتولید نقاشی ها، هنرمند به مهارت زیادی دست می یابد و حکاکی های او در مجلات مشهور آن سال ها منتشر می شود و خوانندگان را با آثار نقاشان اصلی - از رپین تا وی. ماکوفسکی - آشنا می کند. با این حال، فوتومکانیک بیشتر جایگزین این شیوه تولید مثل می شود. در آثار پاولوف، موضوع اصلی کار او ظاهر می شود - گوشه های باستانی مسکو و شهرهای استانی، منظره روسیه که در گذشته محو می شود.

انتقال به خلق حکاکی های اصلی برای هنرمند آسان نبود، اما تلاش و عشق او به موضوع خود بسیار کمک کرد. از سال 1914، آلبوم های حکاکی های منظره توسط I.N. Pavlov شروع به ظاهر شدن کردند. در قلب مناظر او برداشت هایی از طبیعت نزدیک مسکو، از سفرهای ولگا و اوکا بود. درک اتاقی از طبیعت، جستجوی نوعی صمیمیت در آن، این اولین آثار را متمایز کرد. "من برای انتخاب گوشه ها تلاش کردم و انتظار داشتم حکاکی هایم را به عنوان مناظر خلق و خوی واقعی ببینم. در مقیاس بزرگ، در تصویر پانوراما، به نظرم رسید که صمیمیت و وضوح ترکیبی که سعی کردم به آن دست یابم می تواند کاملاً ناپدید شود." هنرمند بعداً به یاد آورد. پاولوف با شروع یک سری بزرگ از مناظر مسکو، در اینجا نیز در درجه اول به دنبال نقوش غنایی مجلسی است که دوران باستان را به تصویر می کشد. «به دنبال کمیاب‌ترین ساختمان‌های قدیمی، حیاط‌ها، بن‌بست‌ها، خانه‌های چوبی صد ساله، کلیساهای معماری قدیمی گشتم؛ بسیاری از بناهای برجسته دوران باستان را نادیده نگذاشتم... گاهی اوقات کهنه با جدید جایگزین می‌شد تا در خاطرات او می خوانیم.

از سال به سال، حکاکی های مسکو I. N. Pavlov جمع می شود که آلبوم های متعدد او را تشکیل می دهد. در مدت زمان نسبتاً کوتاهی در مسکو چیزهای زیادی تغییر کرده است، گوشه‌های آرامی که I. N. Pavlov در شهر عظیم مدرن نقاشی کرده است غیرقابل تشخیص شده است. و ما از هنرمندی سپاسگزاریم که آسایش ناچیز کوچه‌های بی‌صدا، صمیمیت خانه‌های کوچک را برای ما حفظ کرده است (ill. 5). و در سایر شهرهای روسیه - کوستروما، اوگلیچ، ریازان، تورژوک - پاولوف توسط معماری باستانی جذب شده است. رسا بودن و اصالت او را به خوبی احساس می کرد. اما در مجموع، آثار پاولوف در مقایسه با مناظر اوستروموا-لبِدوا یا فالیف، به طور غیرقابل مقایسه ای کمتر از هنر و زیبایی پلاستیکی برخوردار هستند. دقت مستند کار او اغلب به عکاسی تبدیل می شود.

5. I. N. Pavlov. برگه ای از آلبوم "مسکو قدیمی". روی واروارکا. 1924

چرخه مناظر مدرن پاولوف در سالهای 1920 - 1930 دوباره پر شد، زمانی که او با پیوستن به انجمن هنرمندان انقلابی روسیه، مانند بسیاری از استادان هنر، به سفرهای تجاری خلاقانه به مراکز صنعتی کشور رفت. مشمع کف اتاق رنگی "آستراخان" با دسته ای تیره از کشتی ها و چراغ های ساختمان بزرگ کمیساریای مردمی حمل و نقل آب در ساحل، منظره "روی ولگا" با شبح های سیاه تیز قایق های بادبانی و آب کمی لرزان، "باکو" ، «بالاخنا» و چند برگه دیگر اجرا شده در این سالها از بهترین آثار این هنرمند بود. ورق "Zvenigorod. Outskirts" ساخته شده توسط استاد 78 ساله در سال 1949، با خلق و خوی شاد و روشن تسخیر می شود.

ستایش نامناسب از آثار پاولوف توسط منتقدان در اواخر دهه 1940 و اوایل دهه 1950، کاستی های آثار او را پنهان کرد و به طور متناقضی، تعیین شایستگی واقعی آنها را دشوار کرد. انکار کامل کار او امروزه غیر معمول نیست. اما ما از کار بزرگ این هنرمند و تجربه غنی او که او سخاوتمندانه با بسیاری از استادان گرافیک شوروی در آغاز کار خود به اشتراک گذاشت، قدردانی می کنیم.

شایستگی پاولوف - همراه با V. D. Falileev - ورود لینوکات به زندگی روزمره هنرمندان شوروی و اختراع روش جدیدی برای چاپ چاپ با آبرنگ - آکواتایپ است.

از شاگردان I. N. Pavlov ، M. V. Matorin ، استاد حکاکی های رنگی روی چوب و نقاش منظره ، به عنوان یک هنرمند و معلم پربار کار می کند.

پاولوف در دهه 1920 در جذابیت خود به چشم انداز معماری، به بناهای باستانی تنها نبود. Vl. Iv. سوکولوف ، دانش آموز لویتان ، که همان I. N. Pavlov موفق شد به تکنیک های حکاکی علاقه مند شود ، چندین آلبوم را در سال 1917 - 1925 منتشر کرد که به سرگیف پوساد ، مسکو قدیمی ، روستوف اختصاص یافته بود. همه اینها نمونه های خوبی از منظره قدیمی هستند. در آلبوم های سنگ نگاره های یوون و کوستودیف در دهه 1920 نیز می توان سرگیف پوساد، مناظر روسی، تصاویری از زندگی دست نخورده قدیمی استانی را مشاهده کرد. ساختمان‌های کلاسیک سنت پترزبورگ در ردیف تعقیب‌شده‌های حکاکی‌های چوبی P. A. Schillingovsky قرار دارند که آلبوم مناظر او در سال 1923 منتشر شد، اگرچه «پترزبورگ. خرابه‌ها و احیا» نام داشت، اما اساساً فقط حاوی تصاویر غم‌انگیز ویرانه‌ها بود - ویرانی. ویرانی نظامی به پتروگراد ایجاد شد. هنگامی که در ارمنستان است، وتوی شیلینگ دوباره فقط ویژگی های دوران باستان را می بیند، و آلبومی از حکاکی های "اریوان قدیم" را در سال 1927 منتشر کرد. بنابراین، منظره باستانی در گرافیک دهه اول یک سرگرمی تصادفی استادان فردی نیست، بلکه یک پدیده کامل است.

فقط در حدود سال 1927 علاقه به او خشک شد و همان شیلینگوفسکی، متعصب بزرگ دوران باستان معماری، در سال بعد، 1928، آلبوم "ارمنستان جدید" را ایجاد کرد، گویی در کار خود به تغییر مشخصی اشاره می کند که در آن رخ داده است. برنامه.

البته جدید در اعماق قدیم رشد می کند و آثار اختصاص یافته به چشم انداز مدرن در گرافیک ظاهر می شوند، به اصطلاح، در اعماق آن، در میان چیزهایی که قبلاً برای ما آشنا بودند. نویسندگان آنها هنرمندانی بودند که همین دیروز خلاقیت خود را وقف تأمل در زیبایی های جاودانه معماری و طبیعت کردند. بنابراین، برای مثال، I. I. Nivinsky (1881-1933)، بزرگترین استاد قلمزنی شوروی، در آلبوم "Crimea" که در سال 1925 منتشر شد، هنرمندانه و به راحتی، اگرچه با چاشنی تعمق، جشن هر روزه زیبایی را منتقل می کند. طبیعت جنوبی تا دهمین سالگرد اکتبر ، به دستور شورای کمیسرهای خلق ، نیوینسکی چندین حکاکی بزرگ "Zages" ایجاد می کند ، جایی که با به تصویر کشیدن یک نیروگاه در گرجستان ، او نه تنها طرح جدیدی را به مناظر خود وارد می کند ، بلکه فعالانه به دنبال جدید می گردد. اشکال بیان برای آن

حکاکی "یادبود وی. آی. لنین در زاگاس" با طراحی دقیقش و بنای یادبود وی. زیبایی این بنای تاریخی، شبح با شکوه و تماشایی آن در اینجا جزء اصلی تصویر منظره می شود. طبیعت در حال حاضر توسط هنرمند نه تنها به عنوان موضوعی برای تعمق تحسین برانگیز، بلکه به عنوان زمینه ای از فعالیت های بزرگ انسانی درک می شود. نت های یک نگرش فعال به زندگی برای اولین بار به طور مشخص در منظره گرافیکی به نظر می رسید.

انگیزه های جدید در نیمه دوم دهه 1920 در کار هنرمند I. A. Sokolov (متولد 1890) ظاهر می شود. I. A. Sokolov ، شاگرد و ستایشگر بزرگ V. D. Falileev ، از همان ابتدای کار خود ، صحنه هایی از کار را در حکاکی به تصویر می کشد. در ابتدا، این کار خانگی سخت و پر دردسر یک زن در خانه است، کار دستی - دنیایی تنگ و محدود که با گرمی و عشق نشان داده می شود. یک کفاش که روی کارش خم شده است، یک لباسشویی، یک مادربزرگ با نوه هایش در یک اتاق غروب و تنگ، یک شبح باریک توری ساز در برابر پس زمینه پارچه سبک با یک الگوی پیچیده، که آشکارا با آن به هم متصل شده است - اینها اولین آثار هستند. از سوکولوف (ill. 7).

از نظر ماهیت، آنها بسیار نزدیک به آثار I. Pavlov، Vl. سوکولوف و دیگر هنرمندانی که گوشه های غیررسمی شهرهای بزرگ، قدمت دست نخورده آنها را به ما نشان دادند. زندگینامه I. A. Sokolova M. Z. Kholodovskaya به درستی می نویسد: "بنابراین به نظر می رسد که زندگی منعکس شده در حکاکی های I. A. Sokolov در پشت دیوارهای آن خانه های کوچکی که I. N. Pavlov به تصویر کشیده است ادامه داشته است."

بدیهی است که از آنجایی که تصاویر کار همیشه به هنرمند نزدیک بوده است، این او بود که یکی از اولین کسانی بود که دامنه باریک موضوع خود را گسترش داد و شروع به به تصویر کشیدن دنیای جدید کار صنعتی کرد - کار در یک کارخانه بزرگ متالورژی. تا سال 1925، اولین برگه های او که گیاه مسکو "داس و چکش" را به تصویر می کشد، متعلق به او بود. در این زمان، این هنرمند قبلاً بر تکنیک لینوکات چند تخته رنگی تسلط یافته بود و انواع کارگاه ها، در هم تنیدگی خرپاهای فولادی قدرتمند، نورپردازی پیچیده صحنه ها با فلز قرمز و داغ خیره کننده توسط او با دقت و کامل بازتولید می شود. بعداً، سوکولوف که قبلاً یک استاد بالغ شده بود، دوباره به یک کارخانه آشنا می آید و در سال 1949 مجموعه ای از حکاکی ها را به او اختصاص می دهد. این بار او صفحات پرتره را وارد سریال می کند. یکی از آنها، که فولادکار F. I. Sveshnikov را به تصویر می کشید، به ویژه برای این هنرمند موفق بود. او در کسوت سوشنیکوف که به شدت ذوب را تماشا می کند، موفق شد فروتنی، سادگی، جذابیت فردی با تجربه زندگی و کار عالی را به او منتقل کند. اما حتی اولین ورق های "کارخانه" سوکولوف اهمیت خود را برای ما حفظ می کنند. آنها حاوی دقت وجدانی گام های اولیه در مسیری هستند که توسط خود نویسنده و سایر هنرمندان ناشناخته است.

I. Sokolov در طول زندگی خود نیز در زمینه چشم انداز بسیار کار کرد. مناظر او در دهه های 1920 و 1930 به طور گسترده ای شناخته شد. طراوت سرد اوایل بهار و لباس آتشین پاییز با طرحی واضح، دقیق، رنگ های شفاف و خالص همیشه در آنها نقش می بندد. با بهبود تکنیک لینوکات رنگی، دستیابی به انتقال آزاد طیف غنی از رنگ ها، هنرمند از تعداد زیادی تخته استفاده می کند و گاهی اوقات نه یک، به طور معمول، بلکه چندین رنگ را روی تخته می غلتد. به عنوان مثال، حکاکی معروف او "کوزمینکی، پاییز" که با رنگ های زیبای داغ جذاب بود، روی هفت تخته در 9 رنگ اجرا شد.

وقایع جنگ توسط این هنرمند در سریال های بزرگ "مسکو در سال 1942" و "آنچه دشمن ویران کرد" منعکس شد. در اولین آنها، نقاشی تانک هایی که به سمت جلو در خیابان های مسکو می روند، گله هایی که به عقب رانده می شوند، باغ های سبزیجات در حیاط ها و غیره، هنرمند ورق های خود را با نقوش ژانر اشباع می کند، اما همچنان در درجه اول یک نقاش منظره در حل است. ترکیب به عنوان یک کل در سری دوم - منظره - کار مستند عمداً به منصه ظهور می رسد، اما غم و اندوه نیز این صفحات را رنگ می کند و تخریب دردناک مجموعه های زیبای حومه لنینگراد را به تصویر می کشد. همین وظیفه مستندسازی در مجموعه سال‌های پس از جنگ با هنرمند مواجه می‌شود، که در آن او مکان‌های خاطره‌انگیز مرتبط با زندگی و آثار وی.

اولین آثار در مورد زندگی جدید، مانند ورق های نیوینسکی یا سوکولوف، زیاد نبود. با این حال، تعداد آنها به تدریج در حال افزایش است. در سالهای اجرای برنامه پنج ساله اول، سفرهای کاری نقاشان و گرافیست ها به مهم ترین ساختمان های جدید، غول های صنعتی و اولین مزارع جمعی سازماندهی شد. هنرمندان در مورد این وظایف جدید برای آنها مشتاق بودند. و گرچه در میان آثاری که در نتیجه این سفرها خلق شد، هنوز چیزهای کمی از شایستگی های هنری والایی وجود داشت، با این اثر جریان تازه ای به گرافیک وارد می شود، نفسی از حیات بزرگ کشور.

پیچیدگی این کار هم در آگاهی ناکافی از زندگی روزمره ساخت سوسیالیستی توسط هنرمندان و هم در بحث پذیر بودن بسیاری از موضوعات مربوط به شکل هنری مشخصه آن سالها بود. گروه‌های هنری متعددی اغلب با بسترهای نظری مخالف به میدان می‌آمدند و در مناقشاتی که در آن زمان به وجود می‌آمد، گاه حق وجود هنر سه‌قلوی زیر سؤال می‌رفت. نباید فراموش کرد که این سال ها دوره جستجوهای متضاد در حوزه آموزش هنر بود. اغلب، آموزش نادرست هنرمندان در دانشگاه ها، پایه های مستحکم مهارت های حرفه ای را از آنها سلب می کرد و گرافیست جوان بعدها مجبور به گریم های زیادی می شد. درست است، کارهای تعدادی از اساتید ممتاز نسل قدیم و همچنین توصیه هایی که به جوانان می کردند، اغلب در خارج از دیوارهای رسمی دانشگاه برای او بسیار آموزنده بود. همچنین استودیوهایی مانند استودیو کاردوفسکی وجود داشت که در آن هنرمندان مدرسه پرباری از طراحی و ترکیب بندی واقع گرایانه را پشت سر گذاشتند. و با این حال شرایط کار هنرمندان سخت بود. آنها تنها با حذف گروه بندی های هنری در اوایل دهه 1930 و اتحاد همه نیروهای خلاق سالم بر روی یک پلت فرم واقع گرایانه واحد بهبود یافتند.

هنگام ترسیم گرافیک به موضوعات مدرن، چندین زمینه اصلی کار برای هنرمندان به سرعت توسعه یافت. یکی از آنها، همانطور که در حکاکی های I. Sokolov دیدیم، با استفاده از بازتولید دقیق، تا حدودی توصیفی و تقریباً مستند شرایط کار دیده شده، عمدتاً صنعتی، بود. در آثاری از این دست، تمایل بی‌نظیر و صادقانه نویسندگان برای گفتن هر چه دقیق‌تر و کامل‌تر ساختمان‌ها و کارخانه‌های جدید به بیننده وجود داشت. بیخود نیست که هنرمندان اغلب خود را به یک ورق محدود نمی کنند، اما در یک سری کامل از آنها نماهایی از یک کارخانه، ساخت و ساز و غیره را به تصویر می کشند.

جهت دوم را می توان با احساسی غنایی، لاکونیک، حفظ سرزندگی طرح، اما همچنین سکوت آن، هنر منظر صنعتی، که در اواخر دهه 1920 و اوایل دهه 1930 توسط N. N. Kupreyanov (1894 - 1894) گرم شد، نام برد. 1933)، دانش آموز چنین هنرمندان مختلفی مانند کاردوفسکی، پتروف-ودکین، اوستروموا-لبدوا، کوپریانوف مسیری کوتاه اما دشوار در هنر را طی کرد، پر از جستجوهای مداوم. او به طرز جالبی نه تنها در گرافیک سه پایه، بلکه در تصویرگری کتاب نیز کار می کرد. یکی از اولین کوپریانف چیزهای خود را وقف انقلاب کرد و چوب‌تراشی‌های او "ماشین زرهی" (1918) و "کروزر" شفق قطبی "(1923) که تا حدودی عمدی در زاویه‌ای برجسته یا حرکت سریع خطوط خود داشتند، ذره‌ای از معنویت واقعی را حمل می‌کردند. بالا آمدن، پاسخی پر جنب و جوش به وقایع اکتبر. کوپریانوف با ترک چوب‌تراشی به‌زودی، عمدتاً به شیوه‌ای آزاد، پر از نور و انتقال اسرارآمیز از نقاشی‌های نور و سایه با جوهر و آبرنگ کار می‌کند. مناظر اتاقی و صحنه‌های «سریال سلیشچنسکایا»، که در آن هم گرما و هم انزوای نزدیک از دنیای خانواده وجود دارد، یکی از جنبه های کار او را تشکیل می دهد.اما هنر کوپریانف در اوایل به وسعت یک کشور پهناور نیز وارد می شود.در سریال "ریل راه آهن" (1927)، قلم موی سریع او ورق به ورق را با حرکت پر رونق قطارها پر می کند و در ریتم شتابزده او طنین زندگی تجاری کشور به گوش می رسد. در نتیجه سفرهای هنرمند به آنجا بوجود آمد - همان سبکی شیوه ترسیم ترسیمی ظاهراً بی دقت. در پشت آن، می‌توان جستجوی کامل‌شده برای تصاویر مدرنیته را احساس کرد، که بیان زودگذر و محتوای گسترده ویژگی را با هم ترکیب می‌کند.

مرگ زودهنگام کار این هنرمند را در این میان قطع کرد.

سومین جهت در کار گرافیست ها در مورد موضوعات معاصر با روند اولیه رندر رمانتیک خوشبینانه از طرح پدیدار شد. نقوش صنعتی را به منظره ای باشکوه و گاه مسحورکننده تبدیل می کند. به نظر می رسد چنین آثاری خلاقانه ترین و احساسی ترین رویکرد را به طبیعت دارند. و در واقع، در میان آنها چیزهای قابل توجه و بسیار زیبا در اجرا غیر معمول نیست. اما شادی عاشقانه آنها اغلب تا حدی انتزاعی و ذهنی دارد، مانند دقت توصیفی سایر آثار، تنها نتیجه اولین تماس هنرمند با مضمون است. نویسندگان تمام آثار اولیه صنعتی هنوز هم که توسط دیدگاه‌های کلی ساختمان‌سازی، کارگاه‌های کارخانه‌ها و غیره تحت تأثیر قرار گرفته‌اند، هنوز هم جایگاه بسیار متوسطی را برای مردم در آنها قائل هستند. نمونه ای از کارهای یک طرح عاشقانه می تواند برگه N. I. Dormidontov "Dneprostroy" (1931; ill. 8) باشد. دورمیدونتوف (متولد 1898) نیز یکی از اولین هنرمندان موضوع مدرن در گرافیک است. قبلاً از اواسط دهه 1920، برگه های کاری او که به کار اختصاص داده شده بود ظاهر شد - در ابتدا بسیار دقیق و خشک، سپس آزادتر و در ترکیب یافت شد. در نقاشی "Dneprostroy" هنرمند مجذوب مقیاس عظیم ساختار ، تصویر دلربا از کار شبانه است که توسط نور تیز لامپ های متعدد روشن شده است. در طراحی او، کار تبدیل به منظره‌ای می‌شود که تخیل را می‌انگیزد، اسرارآمیز، باشکوه و کمی خارق‌العاده.

تفسیر مشابهی از کار را می توان در مجموعه ای از حکاکی های AI Kravchenko (1889 - 1940) مشاهده کرد که همچنین به ساخت Dneproges (1931) اختصاص یافته است. این هنرمند قبلاً در دوران بلوغ خلاقیت ایجاد شده بود و مهارت تماشایی او به وضوح در آن متجلی بود.

در نقش‌های این چرخه، سازه‌های عظیم سد روی هم انباشته شده‌اند، بالا می‌روند، تیرهایی از جرثقیل‌ها از نزدیک دور آن‌ها بالا می‌آیند، آسمان بلند با ابرها می‌چرخد و خورشید پرتوهای خیره‌کننده‌اش را به بالا می‌فرستد. تضاد رنگ های سیاه و سفید باعث ایجاد طیف روشن و بی قراری از حکاکی ها می شود. منظره ساخت و ساز در نزدیکی کراوچنکو باشکوه و چشمگیر است. و افرادی که یک غول صنعتی جدید را در شرایط دشوار خلق می کنند، تنها به عنوان گروه های تکرار شونده ریتمیک از چهره های شبح یکسان، به عنوان حاملان انتزاعی حرکت در نظر گرفته می شوند. با این حال، بسیاری از هنرمندان در آن زمان عمدتاً توسط بیان پانوراما عمومی محل ساخت و ساز، کارگاه و غیره جذب شدند.

خلاقیت کراوچنکو به طور کلی یک صفحه روشن و اصلی در تاریخ گرافیک ما ایجاد می کند. کراوچنکو که استاد حکاکی، حکاکی و طراحی است، بسیار حساس به مضامین رنگ آمیزی تیز اجتماعی در وسایل سه پایه، نویسنده علمی تخیلی و شعبده باز در تصاویر، به سرعت محبوبیت زیادی در داخل و خارج از کشور به دست آورد. او که از یک خانواده دهقانی می آمد، در مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو تحصیل کرد. معلمان او نقاشان مشهور روسی S. Ivanov، V. Serov، K. Korovin، A. Arkhipov بودند. کراوچنکو کار خود را به عنوان یک نقاش آغاز کرد، اما در زمینه طراحی و حکاکی که در سال های قدرت شوروی به آن روی آورد، کار او به ویژه جالب است. سفرهای متعدد به هند، فرانسه، ایتالیا، آمریکا و اتحاد جماهیر شوروی آموزش هنر کراوچنکو را تکمیل کرد و افق دید او را گسترش داد. کراوچنکو خیلی سخت کار کرد. او دنیای عجیبی از تصاویر را در تصاویر کتاب خلق کرد که ترکیبی از فانتزی و گروتسک، جادوی لرزان احساسات و انرژی وسواس است. او دائماً در زمینه چشم انداز کار می کرد، ورقه های مختلف او هماهنگی، زیبایی و طبیعت متواضع منطقه مسکو و شهرهای معروف اروپا را به تصویر می کشد. او یکی از اولین گرافیست‌هایی است که مجموعه‌های داستانی ایجاد کرد و به موضوعات عمومی پاسخ داد. چرخه حکاکی هایی که به مراسم تشییع جنازه وی. آی. لنین اختصاص داشت، ساخته شده در همان سال 1924، روایتی غم انگیز شاهدان عینی بود و اکنون اهمیت یک اثر تاریخی را پیدا کرده است. این هنرمند متعاقباً بار دیگر به موضوع لنینیستی بازگشت و در سال 1933 یک حکاکی دقیق و موقر "مقبره" را اجرا کرد. او همچنین چرخه ای از حکاکی های «زندگی یک زن در گذشته و حال» را برای غرفه شوروی در نمایشگاه بین المللی پاریس ساخت. در نقاشی های متضاد، هنرمند سرنوشت یک زن-مادر در روسیه تزاری و شوروی را بازتولید کرد. او در اینجا به عنوان یک داستان نویس عمل می کرد که گفتارش احساسی و واضح است، اما هیچ بیان درونی و پلاستیکی زیادی در تصاویر او وجود نداشت. پس از سریال "Dneprostroy" Kravchenko موضوع صنعتی را ترک نکرد و در سال 1938 بر اساس مواد یک سفر خلاقانه ، نقاشی ها و حکاکی هایی را که به گیاه Azovstal اختصاص داده شده بود ، ایجاد کرد.

در حکاکی که ریختن فولاد را به تصویر می کشد (تصویر 9) هنرمند هنوز مجذوب قدرت سازه های فنی عظیم، عظمت تصویر کار است. او آزادانه صحنه پیچیده ای را می سازد، به طور موثر آن را با جریان های نور و جرقه ها روشن می کند. علاوه بر این، یک ریتم واقعی کار در اینجا ظاهر می شود، و همراه با آن مصلحت هر چیزی که اتفاق می افتد، به جای ترحم تا حدی انتزاعی Dneproetroy. این برگه علاوه بر سرگرمی های دیدنی، محتوای عالی نیز به دست می آورد.

این حکاکی به یاد ماندنی توسط کراوچنکو برای نمایشگاه سراسری "صنعت سوسیالیسم" ساخته شده است. این نمایشگاه در هنر شوروی با جذابیت انبوه هنرمندان تا امروز همراه است. آثاری برای آن برای چندین سال ایجاد شد که از سال 1936 شروع شد. اندکی قبل از شروع این کار، 1500 درامر یکی از بزرگترین کارخانه ها در صفحات پراودا خطاب به هنرمندان نوشتند:

"ما از شما انتظار نقاشی های عالی داریم. ما می خواهیم که آنها فقط عکس های ساده نباشند. ما می خواهیم شور و اشتیاق روی آنها سرمایه گذاری شود. ما می خواهیم آنها ما و فرزندانمان را هیجان زده کنند. ما می خواهیم آنها لذت مبارزه و تشنگی را در ما القا کنند. برای پیروزی های جدید. ما از شما می خواهیم که به مردم کشورمان - قهرمانان و شرکت کنندگان عادی در ساخت و ساز ما نشان دهید."

این سخنان آتشین نه تنها وظایف هنر ما را به خوبی فرموله می کرد، بلکه منعکس کننده فضای عشق شدید مردم به هنر بود، آن علاقه وافر مرد کارگری که به هنرمندان در کارشان کمک می کرد. این نمایشگاه که به ابتکار سرگو ارجونیکیدزه سازماندهی شد و در روزهای هجدهمین کنگره حزب افتتاح شد، به طور گسترده زندگی کشور شوروی را پوشش داد. بیش از 1000 اثر در اینجا به نمایش گذاشته شد که حدود 340 اثر در بخش گرافیک (به جز طنز) بود. تعداد کمی از این ورق ها آثاری با مهارت زیاد بودند، تعداد کمی از آنها تا به امروز باقی مانده است. اما مضامین جدیدی که آنها به ارمغان آوردند و هنرمندان در زندگی آنها را دیدند - روی داربست های ساختمان های جدید، در کارگاه های کارخانه - فتح بزرگی برای هنر گرافیک بود. Dneprostroy و کار در معادن پتاس Solikamsk، ساخت مترو و توسعه قطب شمال، استخراج طلا در تایگا و کار یک معدنچی - چقدر این موضوعات با دور باطل پدیده های زندگی متفاوت است. گرافیک سه پایه قبل از آن محدود بود، چقدر پایبندی به دوران باستان، گذشته نگر اساسی! اینجا هنوز مناظر صنعتی زیادی وجود داشت. اما در کنار آنها صحنه های زایمان نیز ظاهر می شود. و فردی که در کارخانه، مزرعه، آزمایشگاه، معدن کار می کند برای اولین بار قهرمان کارهای گرافیکی می شود. هنرمندان هنوز دنیای درونی او را به خوبی نمی شناسند، در ابتدا فقط احساس خوبی دارند و می توانند عادت مطمئن او را در کار، انعطاف پذیری حرکات حرفه ای، منتقل کنند. بنابراین، ژست کار در نقاشی ها بیشتر از بیان صورت متقاعد کننده است و برخی از کارهای خوب با بی ادبی بیرونی شخصیت ها خراب می شوند.

به عنوان مثال، هنرمند A. Samokhvalov (متولد 1894)، در یک سری از آبرنگ ها به خوبی نشاط و خوش بینی "دختران متروستروی" را نشان داد، اما همچنین بر بی ادبی آنها تأکید کرد. چنین تأکیدی، گویی، شناخت ما از قهرمانان ساموخوالوف را محدود می کند و کار او را فقیر می کند، هرچند در لحن، در فضای آن، ویژگی هایی وجود دارد که به درستی در زندگی دیده می شود. مرد کارگر در آبرنگ S. M. Shor (متولد 1897) "دختر بز" از مجموعه "شرایط قدیمی و جدید دونباس" (1936؛ بیمار 10) با تفکر بیشتر مشخص می شود. در اینجا تصویر یک زن باهوش و پرانرژی ایجاد می شود، انبار معنوی او، قدرت اخلاقی با حساسیت حدس می زند. بیهوده نیست که S. Shor استاد پرتره گرافیکی می شود که اغلب توسط او در تکنیک اچینگ انجام می شود.

در سال های قبل از جنگ، ورق های اختصاص داده شده به کارگران توسط I. A. Lukomsky (متولد 1906) ظاهر شد. در نقاشی قهوه‌ای او «کارگر» (1941؛ ill. 11)، تأکید از ویژگی‌های فردی به ویژگی‌های معمولی، با زیرخط‌دار، مانند نمای نزدیک منتقل می‌شود. آزادی درون، غرور به کار خود را می توان در چهره کارگر خواند.

در دهه 1930، یک رویداد مهم برای گرافیک، تهیه نمایشگاهی از تصاویر برای تاریخ حزب بود. این علاقه بسیاری از هنرمندان را به موضوعات تاریخی معطوف کرد و آنها را وادار کرد مسیری را که دولت ما طی کرده است تجدید نظر کنند. موضوع تاریخی-انقلابی زندگی خود را در گرافیک از اوایل دهه 1920 آغاز کرد. با این حال، در آن زمان اینها فقط آثار جداگانه ای بودند، عمدتاً حکاکی، که اغلب تزئینات انتزاعی و طرحواره هنوز به عنوان بخشی جدایی ناپذیر از تکنیک حکاکی در نظر گرفته می شد. بعداً، در سال 1927، به عنوان مخالف کامل این آثار، تصویری از قهرمان نبردهای Perekop که با ترحم انقلابی در زیر اسکنه هنرمند اوکراینی V.I. Kasiyan ظاهر می شود. V. I. Kasiyan (متولد 1896) - بومی اوکراین غربی، تحصیل کرده در آکادمی هنرهای زیبای پراگ - هنرمندی که به دنبال روح و خلق و خوی درخشان است. لیست او روشن، احساسی است، اما او همچنان در برنامه این سال ها تنها مانده است.

بیشتر آثار خلق شده برای نمایشگاه فوق الذکر، به جای تصویرگری، شخصیتی ساده به دست آوردند. این نمایشگاه که در سال 1941 و قبل از جنگ افتتاح شد، "نمایشگاه آثار جدید گرافیک شوروی" نام داشت و شامل تعدادی کار خوب بود. بسیاری از آنها متعلق به استادان گرافیک کتاب بودند. تصویرگران ماهیت روانشناختی تصاویر و دقت موقعیت تاریخی را که در آن زمان دستاوردهای اخیر و چشمگیر هنر آنها محسوب می شد، وارد حوزه طراحی سه پایه کردند. چنین ورق های جمعی از هنرمندان Kukryniksy - "در سنگرها"، "Chkalov در جزیره Udd"، "سرنخ های سیاسی"، Kibrik - "Khalturin و Obnorsky"، Shmarinov "تدفین باومن" و دیگران بود.

علاقه گرافیست ها به موضوعات تاریخی در دهه های 1920 و 1930 جنبه دیگری نیز در ارتباط با ادبیات داشت.

تصاویر الهام گرفته از پوشکین و لرمانتوف برای سالها توجه خلاق هنرمندان را به خود جلب کرد. N. P. Ulyanov (1875 - 1949) کارهای زیادی را در سریال پوشکین خود انجام داد. اولیانوف یکی از نقاشان اصلی شوروی نسل قدیمی، شاگرد نزدیک V. A. Serov، استاد نقاشی تاریخی و پرتره و همچنین یک هنرمند تئاتر بود.

نقاشی های اولیانوف در مورد دوره های مختلف زندگی شاعر بزرگ - از روزهای لیسیوم تا آخرین ماه های غم انگیز صحبت می کند. آنها به درجات مختلف تکمیل می شوند - برخی بزرگتر هستند، برخی دیگر مانند طرح ها، مانند صفحات جستجوهای شدید و ناتمام به نظر می رسند، اما در همه آنها نکته اصلی برای هنرمند زندگی آتشین روح پوشکین است. یکی از بهترین ها نقاشی است که در رابطه با نقاشی "پوشکین و همسرش در مقابل آینه در یک توپ دادگاه" ساخته شده است. تصویر غرورآمیز و زیبای پوشکین اینجا در خطوط لاکونیک طراحی الهام گرفته سروف ظاهر می شود.

موضوع پوشکین تفسیر دیگری در گرافیک دریافت می کند - در چشم انداز مکان های به یاد ماندنی. هنرمند L. S. Khizhinsky (متولد 1896) در این ژانر اجرا می کند. او در چوب‌تراشی‌های جواهرات خود که با مهارت زیاد، مکان‌های پوشکین و لرمانتوف را به تصویر می‌کشد، به ترکیبی دشوار از دقت مستند و آغاز شاعرانه احساسی دست می‌یابد. بدون این ترکیب، موفقیت چشم انداز یادبود، که همیشه بر اساس زیرمتن ظریف، تداعی های فردی ساخته شده است، غیرممکن است.

در دهه 1930، لحظات جدید در توسعه گرافیک به شدت احساس می شود. آنها نه تنها در جهت های جدید در کار هنرمندان، که همانطور که دیدیم - با حمایت فعالیت های نمایشگاهی! - در حال گسترش هستند، بلکه در محتوای جدید ژانرهای سنتی پرتره و منظره، و در ظهور آثار قابل توجهی از هنرمندان جمهوری های اتحادیه. بنابراین، V. I. Kasiyan، که قبلاً در بالا ذکر شد، در این سال ها حکاکی هایی را خلق می کند که به شوچنکو پر از افکار جدی است. این هنرمند همچنین آتش معنوی زیادی را در آثار بعدی خود بر روی کوبزار بزرگ قرار داد و شوچنکوی خشمگین ناگسستنی را در پس زمینه قسمت هایی از مبارزات مردم به تصویر کشید (بیماری 12).

از مهم ترین آثار این سال ها می توان به مناظر و پرتره های استاد ارمنی M. Abegyan، سنگ نگاره های اختصاص داده شده به مولداوی توسط G. Pustovite اوکراینی، حکاکی به یاد ماندنی از هنرمند گرجستانی D. Kutateladze که S. Ordzhonikidze و S. M. Kirov را به تصویر می کشد. در این دوره، هنرمند سرشناس آذربایجانی ع. عظیم زاده - کاریکاتوریست، نقشه کش و هنرمند پوستر - جالب ترین چیزها را در زمینه گرافیک سه پایه خلق کرد. تصاویری از گذشته در برگه‌های او به شیوه‌ی اصلی با جزئیات، با رنگ‌هایی زینتی تکثیر شده است. چه چیز جدیدی در پرتره و منظره دهه 1930 وجود دارد؟ صمیمیت سابق این ژانرها از بین می رود و استادان آنها بیشتر و بیشتر جسورانه به سمت زندگی می آیند ، با افراد جدید آشنا می شوند و دامنه جغرافیایی آثار منظره را گسترش می دهند. مورد دوم نه تنها برای استادان صنعتی، بلکه برای منظره معمولی نیز کاربرد دارد. اگر قبلاً فقط E. E. Lansere که به طور خستگی ناپذیر طبیعت و زندگی مردمان قفقاز را مطالعه می کرد و شیلینگوفسکی که ارمنستان را نقاشی کرد از سنت مستقر مسکو-لنینگراد در منظره خارج شدند، اکنون یک کهکشان کامل از استادان آثار خود را خارج از آن می آفرینند. مرزهای باریک هنرمندان طبیعت مرکزی روسیه، شمال، کریمه، قفقاز و آسیای مرکزی را به تصویر می کشند. منظره به منطقه ای از کاربرد درخشان تکنیک آبرنگ تبدیل می شود. آثار گرافیست L. Bruni، A. Ostroumova-Lebedeva، نقاشان S. Gerasimov، A. Deineka، P. Konchalovsky گواه شکوفایی واقعی منظره آبرنگ است. فعالیت جهان بینی نویسنده از ویژگی های جدید این آثار است. شاید با وضوح خاصی در مناظر هنرمندانی که در این سال ها به خارج از کشور سفر کرده اند، نمایان باشد.

به عنوان مثال، در مناظر پاریسی و رومی A. A. Deineka (Iill. 13) چشم اندازی دقیق از تضادهای واقعیت خارجی ذاتی است. هنرمند نمی تواند تسلیم جذابیت آرام معماری و تندیس های باشکوه شود، همانطور که بیش از یک بار در مجموعه گرافیک های خارجی قبل از انقلاب رخ داده بود. در این زمینه زیبا، چشم او هم به شکل یک مرد بیکار و هم به چهره های شوم خادمان کلیسا با اعتماد به نفس توجه می کند. در دایره آثاری مانند برگه های دینکا، شور روزنامه نگاری و ناسازگاری سیاسی، مشخصه گرافیک شوروی، متولد می شود.

این ویژگی ها همچنین با قدرت زیادی در "سری اسپانیایی" نقاشی های لنینگراد یو. ان. پتروف (1904 - 1944) آشکار شد. سریال پتروف سهمی از گرافیک سه پایه برای مبارزه با فاشیسم بود، که در آن سال ها قبلاً هم توسط استادان کاریکاتور و هم هنرمندان پوستر سیاسی به طور فعال انجام می شد. هنر یو پتروف، طراح و تصویرگر، هنر فرهنگ بزرگ و احساسات عمیق بود. پتروف یکی از شرکت کنندگان مبارزه با فاشیسم در اسپانیا بود، او این کشور، مردم آن، نویسندگان و هنرمندان بزرگ گذشته را می شناخت و دوست داشت و این عشق و احترام در نقاشی های او منعکس می شد. اسپانیا، مناظر کوهستانی آن، خانه های ویران شده توسط بمب ها، مردم مهار شده، مغرور و پرشور آن - سربازان ارتش خلق، زنان و کودکانی که خانه های خود را از دست داده اند، در ترکیبات لاکونیک، کمی غم انگیز و شجاعانه اسیر شده اند. برخی از صفحات مجموعه پتروف طرحی به نظر می رسند، اما طراحی ملایم با مدل سازی ملایم، شکل پذیری فرم ها و نقشه های منظره را چنان دقیق ترسیم می کند، چنان زندگی لرزان آنها را پر می کند که تفکر بزرگ هر ورق ملموس می شود. این سریال همچنان یکی از با تجربه ترین و صمیمانه ترین چیزها در برنامه ما باقی مانده است. نویسنده آن بعداً در یک پست نظامی در طول جنگ بزرگ میهنی درگذشت و هنر او که وعده های زیادی را می داد ، فرصتی برای رسیدن به اوج خود نداشت.

جنگ بزرگ میهنی که در سال 1941 آغاز شد، ماهیت و سرعت توسعه همه انواع هنر را به طرز چشمگیری تغییر داد. او همچنین تغییرات زیادی در گرافیک سه پایه ایجاد کرد. کارایی گرافیک، سادگی نسبی تکنیک های آن اکنون به ویژگی های با ارزشی تبدیل شده است. نیاز سوزان به گفتن در ساعت محاکمه ملی، پاسخ سریع به تلخی ها و قهرمانی های روز آینده، بسیاری از هنرمندان را به سمت طراحی، آبرنگ و گاه قلم زنی سوق داد. در گرافیک سه پایه، اکنون در کنار استادان شناخته شده آن، برخی نقاشان و همچنین تصویرگران با موفقیت بسیار شروع به کار کردند.

از همان سال اول جنگ، در کنار پوسترها و کاریکاتورها، گرافیک سه پایه به یکی از فعال ترین هنرها تبدیل شد و قلب بینندگان را به شدت هیجان زده کرد. استادان طراحی و حکاکی چیزهای زیبای بسیاری خلق کردند که برخاسته از خشم و الهام بود. در این رشته آثار قله های جداگانه ای وجود دارد که با مهارت پلاستیکی خاصی متمایز می شوند. اما سطح کلی گرافیک نظامی بالاست. هنرمندان نقاشی های خود را هم در صفوف ارتش سرخ و هم در لنینگراد محاصره شده ، در شهرهایی که موج سنگین عقب نشینی از طریق آنها عبور می کرد ، در عقب ، جایی که همه چیز تابع وظایف جبهه بود و در خارج از کشور ما ایجاد کردند. در آخرین دوره نبرد علیه فاشیسم. گرافیک ها جنبه های مختلف جنگ، جنبه های مختلف زندگی در این دوره سرنوشت ساز در تاریخ میهن ما را به ما نشان می دهد - از تفکر زودگذر یک پرستار خسته تا چشم انداز یک نبرد عظیم. در همان زمان، تفاوت استعدادها، انبار تفکر فیگوراتیو هنرمندان نیز به وضوح تحت تأثیر قرار گرفت. در آثار یکی، جنگ به صورت جاده‌های نظامی طولانی ظاهر می‌شود، اغلب ناخوشایند، و گاهی اوقات با زیبایی غیرمنتظره جنگل باقی‌مانده، به شدت چشم‌نواز است. در برگه های دیگری، او یک سری صحنه های ساده از زندگی ارتش را مرور می کند که با عجله، اما دقیق ترسیم شده است. در نقاشی های سوم، او در بیان خاصی از چشمان یک جنگجو یا پارتیزانی است که بیش از یک بار با مرگ روبرو شده است. شجاعت و میهن پرستی مردم شوروی که در سالهای جنگ به وضوح آشکار شد، توسط هنرمندان در این آثار با ماهیت متفاوت خوانده شد. آثار گرافیکی مملو از آن حس خاص زیبایی زندگی شوروی ما است که با جنگ تیزتر شده است و بهترین چیزها را در همه اشکال هنری نشان می دهد.

یکی از ویژگی های گرافیکی ظاهر تعداد زیادی طرح بود. هنرمندان گاهی اوقات آنها را در سخت ترین شرایط جنگی اجرا می کردند و سعی می کردند با دقت بیشتر و کاملتر به مردم درباره جنگ بگویند تا مطالبی را برای ساخته های آینده جمع آوری کنند. اس. برزنکو قهرمان اتحاد جماهیر شوروی در مقدمه آلبوم نقاشی های "خاطرات خط مقدم" توسط گرافیست مسکو پی یا کرپیچف می نویسد: "تصاویر یکی پس از دیگری که بر آثار تازه جنگ کشیده شده اند عبور می کنند. همانطور که هنرمند آنها را در زمان وقوع حوادث دید... هیچ خطر و مشکلی او را متوقف نکرد.او از میان میادین مین راهی اشیاء مورد نظر خود شد و از صبح تا غروب در آنجا کار می کرد، از ترس اینکه لحظه را از دست بدهد. آتش خاموش می شد و تیم های جایزه اسلحه ها و تانک های خراب را از بین می بردند." این توصیف از کار این هنرمند در جبهه بسیار مشخص است، زیرا درست مانند Kirpichev، بسیاری از گرافیست های سه پایه در طول جنگ کار می کردند. طرح ها سرمایه گرانبهای هنر ما را تشکیل می دهند، به دور از انتشار کامل. نویسندگان آنها N. A. Avvakums، O. G. Vereisky، M. G. Deregus، U. M. Dzhaparidze، N. N. Zhukov، P. Ya. E. K. Okas، U. Tansykbaev، S. S. Uranova و دیگران یک وقایع کامل از زندگی روزمره نظامی دشوار را ایجاد کردند، شعری در مورد یک مرد. جنگ، دفاع از میهن خود در برابر فاشیسم.

با وجود روانی که طرح ها را متمایز می کند، آنها قبلاً ویژگی های استعداد هر هنرمند را نشان می دهند - و نه تنها استاد طراحی او، بلکه طیف خاصی از پدیده ها را که بیشتر از همه او را تحت تأثیر قرار می دهد.

بنابراین، به عنوان مثال، A. V. Kokorin (متولد 1908)، هرگز از صحنه زیبایی که به طور ناگهانی دیده بود عبور نمی کند، او در دفتر خاطرات گرافیکی خود هر دو زین آویزان شده به تفنگ و یک کامیون شکسته را که از زیر آن بیرون زده است، ترسیم می کند. چکمه‌های سربازان را که در حال تعمیر آن هستند، کنار می‌گذارد، و یک جنگنده کاروان با آرامش چیزی را روی چرخ خیاطی درست در میدان می‌دوزد، و چهره‌ای از یک کشیش با یک کوله پشتی بزرگ که با یک سرباز شوروی صحبت می‌کند. ویژگی کلی ظاهر افراد به دقت توسط کوکورین ثبت شده است و در پشت صحنه ساده او همیشه یک لبخند خفیف و محبت به قهرمانان خود احساس می کنید. در این طرح‌ها بود که تجربه کوکورین به‌عنوان استاد چشم‌انداز معماری انباشته شد و توانست ظاهر شهر، خطوط اصلی معماری آن و زندگی خیابان را ترسیم کند - ویژگی‌هایی که در پسا این هنرمند ایجاد شد. نقاشی های هندی جنگ.

گرما و غزل، طرح ها و نقاشی های D. K. Mochalsky را متمایز می کند. حتی در نامناسب ترین وضعیت برای این امر ، در شلوغی و شلوغی از جاده های جلوی خط که مستقیماً در مرحله جنگ به طور مستقیم به برلین منتهی می شود ، یا در حال حاضر در برلین - ارگ فاشیسم که به تازگی گرفته است - گرمای زندگی ، اشعه شادی آن ، مطمئناً در ورق های Mochalsky ، به نظر می رسد که در نگاه های مردانه ، در نگاه های مردانه یک دختر ترافیک ، دختر ترافیک ، در نگاه های مردانه ، یک دختر ترافیک ، دختر ترافیک ، دختر ترافیک ، دختر ترافیک ، دختر ترافیک ، دختر ترافیک ، در نگاه های مردانه ، یک دختر ترافیک ، دختر ترافیک ، در نگاه های مردانه.

N. N. Zhukov (متولد 1908) در طرح های نظامی به عنوان یک هنرمند فیزیولوژیست ظاهر می شود که می تواند چیزهای زیادی را در یک شخص ببیند. علاقه مداوم به دنیای درونی یک شخص حتی به ظاهر گذراترین نقاشی های او را معنادار می کند. مناظر، طرح های سربازان، صحنه های ژانر در برگه های او متناوب می شوند. نحوه طراحی با مداد ژوکوف، بدون هر گونه رنگی از خودنمایی بیرونی، منعکس کننده دل مشغولی این هنرمند به طبیعت، اندیشمندانه رویکرد او به آن است. آثار ژوکوف حتی قبل از جنگ، زمانی که او مجموعه ای از تصاویر را برای زندگی نامه ک. مارکس تکمیل کرد، به شهرت رسید. متعاقباً ، ژوکوف کار خود را در مورد این موضوع مسئول ترک نکرد. کار زیادی توسط او برای ایجاد یک سری نقاشی "V.I. Lenin" سرمایه گذاری شد. موفق ترین برگه های او در قالب طرحی سبک حل می شود و لحظه ای کوتاه را در زنجیره دیگران به شکل نوعی مطالعه پرتره تثبیت می کند. اما دقیقاً در هنگام ایجاد طرح های نظامی بود که توانایی مشاهده و مهارت هنرمند در یک طرح سریع تقویت شد که بعداً برای او مفید بود - هم در یک سری گسترده از نقاشی های اختصاص داده شده به کودکان و محبوب بین بینندگان و هم در پرتره ها. . بیشتر از همه، تجربه کار در زمان جنگ در تصاویر "داستان یک مرد واقعی" توسط B. Polevoy که توسط ژوکوف در مدت کوتاهی پس از جنگ ایجاد شد منعکس شد.

باید گفت که تجربه کار نظامی در تصویرسازی هنرمندان دیگر نقش داشته است. این تجربه به او کمک کرد تا او. مسیر A. P. Livanov از سریال "Partisans" ساخته شده توسط او در مدت کوتاهی پس از جنگ تا تصویرسازی "چاپایف" اثر D. A. Furmanov نیز منطقی بود.

یکی دیگر از ویژگی‌های گرافیکی سال‌های جنگ، جذابیت هنرمندان به شکل یک سریال، یعنی مجموعه‌ای از برگه‌ها بود که با یک مفهوم و شیوه اجرا متحد می‌شدند. می‌توانستیم ببینیم که این سریال‌ها قبلاً توسط هنرمندان ساخته شده بود، اما در طول سال‌های جنگ به پدیده پیشرو در گرافیک تبدیل شدند. یک سریال فقط زمانی خوب است که بیننده با هر یک از صفحات آن چیز جدیدی یاد بگیرد، وقتی هنرمند برداشت های خود را هدایت می کند، ورق ها را به روش خاصی متناوب می کند، یعنی ترکیب بندی واضحی به سریال می دهد. ما همیشه هنگام تجزیه و تحلیل یک اثر هنری جداگانه با مفهوم "ترکیب" روبرو می شویم. اما در واقعیت نیز ترکیبی از یک مجموعه گرافیکی کامل به عنوان یک نظم درونی تناوب ورق های آن وجود دارد که بین آنها ارتباطات مختلفی وجود دارد. با ساختن واضح ترکیب سریال، هنرمند در آن وسیله جدیدی برای بیان عالی پیدا می کند. نویسنده سریال اساساً اثری چند هجایی و چند وجهی را اجرا می کند که هر صفحه آن باید کامل و قوی به نظر برسد و در عین حال جزئی جدایی ناپذیر از کل باشد که گویی با یک نفس خلق شده است. البته این کار آسان نیست. و غالباً مجموع ورق‌هایی که هنرمند آن را یک سری می‌نامد، در اصل یک سری نیست.

ترکیب سریال متفاوت است. بنابراین، یک سری را می توان بر روی کنار هم قرار دادن متضاد صفحات، یا برعکس، بر اساس صدای یکسان و یکسان آنها ساخت. در حالتی دیگر، نویسنده ممکن است داستان سریال خود را آغاز کند، به تدریج بر تنش عاطفی آن افزوده، نوعی اوج کنش و احساسات را در یک یا چند برگه ایجاد کند و آن را با پایانی ببندد.

به عنوان مثال، چرخه بزرگ سنگ نگاره های A.F. Pahomov "لنینگراد در روزهای محاصره و آزادی" که با متن شاعر N.S. Tikhonov در سال 1946 منتشر شد، به این ترتیب تنظیم شد. این چرخه اولین اجرای بزرگ در گرافیک سه پایه توسط A. F. Pahomov (متولد 1900) استاد کتاب های کودکان بود که به خاطر تصویرسازی هایش برای کارهای N. A. Nekrasov و I. S. Turgenev مشهور است. سنگ نگاره های پاخوموف روایت های شاهدان عینی است و با نور همبستگی و شجاعت عظیم انسانی، ما را با حقیقت آنچه می بینیم لمس می کند.

این سریال با صفحه "دیدن شبه نظامیان خلق" آغاز می شود، بلافاصله ما را به فضایی از اضطراب، سردرگمی یک زندگی شاد پریشان می برد. علاوه بر این، رویدادها به سرعت توسعه می یابند، زندگی شهر تغییر می کند، گلوله باران و بمباران بخشی جدایی ناپذیر از آن می شود. اهالی لنینگراد در حال ساختن سنگرها در خیابان ها هستند و در هنگام زنگ خطر روی پشت بام ها مشغول انجام وظیفه هستند و مجروحان را از خانه های ویران شده نجات می دهند. همه اینها در سنگ نگاره ها نشان داده شده است، به سرعت جایگزین یکدیگر می شوند، با جزئیات، مانند یک داستان، اما پر از تنش درونی. در آنها زمان فشرده و اشباع شده است، مردم بدون اتلاف دقیقه عمل می کنند، شجاعانه با دشمن می جنگند.

صفحه بعدی آلبوم - "در نوا برای آب" (ill. 14) ما را از ریتم تند این قسمت ها خارج می کند. در اینجا زمان به آرامی می گذرد - این آج سنگین روزهای سرد و گرسنه محاصره لنینگراد است. دختری با یک سطل سنگین غیرقابل تحمل به آرامی از پله ها بالا می رود. این قهرمان پاخوموف یکی از قوی ترین تصاویر نه تنها سریال، بلکه از کل گرافیک نظامی است. نگاه بیننده اول از همه در چهره دختر متوقف می شود - ترکیب سنگ نگاره اینگونه ساخته می شود ، بیان استثنایی این چهره چنین حکم می کند. این هنرمند حالت های صورت خود را با جزئیات توسعه داد - چشمان تیره که خستگی عمیق را نشان می دهد در صورت لاغرتر به ویژه بزرگ به نظر می رسد ، ابروهای اخم شده با حرکتی تیز کنار هم قرار گرفته اند ، لب های بی خون دهان نیمه باز آنقدر رنگ پریده هستند که تقریباً برجسته نمی شوند. روی صورت و هنرمند با خط خود کمی کانتور را مشخص می کند. به نظر می رسد که تصویر این دختر تجسم خستگی و رنج خواهد بود. اما قابل توجه ترین نکته در او ترکیب این ویژگی های خستگی و فرسودگی جسمی با سختی روحی است.

استواری، نافرمانی قهرمان پاخوموف پیچیده ترین تلفیقی از بسیاری از جنبه های زندگی معنوی، ویژگی های درونی او است و در عین حال این ویژگی اصلی او است که بر همه چیزهای دیگر غالب است. در اینجا، همراه با سادگی معمول و وضوح بدیع تصویر پاخوموف، تطبیق پذیری و عمق آن متولد می شود. پاخوموف همیشه به ویژه به تصاویر کودکان نزدیک است. و در این سنگ نگاره، او توانست خیلی چیزها را بگوید و نشان دهد که چگونه یک دختر از کتری آب می ریزد. برای او، این موضوعی است که او کاملاً در آن جذب شده است - هم یک ضرورت و هم در عین حال یک بازی. در این ترکیب درد دردناکی وجود دارد، در آن زندگی محاصره ای واقعی با نت های تراژدی حادش در میان زندگی روزمره وجود دارد. وسعت برفی رودخانه، هوای شفاف یخبندان زمستانی به خوبی در سنگ نگاره ها نشان داده شده است. این ورق، و همچنین نقاشی بعدی "به بیمارستان" - قدرتمندترین، پر از احساس است. آنها، همانطور که بود، نقطه اوج سریال را تشکیل می دهند. علاوه بر این ، داستان این هنرمند با آرامش بیشتری انجام می شود و مطابق با سرعت وقایع ، ورق های او روشن تر و شادتر می شوند: "Krovelolitsy" ، "شب سال نو" و دیگران. این سریال به طور منطقی با تصویر آتش بازی در 27 ژانویه 1944 به افتخار شکست محاصره شهر توسط ارتش شوروی به پایان می رسد، آتش بازی ای که عمیقاً و با شادی مردم را به هیجان می آورد و مجموعه ای از خاطرات و امیدها را تداعی می کند. در زیر آتش بازی، مردم به طرق مختلف شادی می کنند: هم با سروصدا، هم تسلیم پیروزی درخشان این لحظه تا پایان، و هم متفکرانه، کمی دور شدن در خاطرات، و عمیقا، با تمام وجود، احساس امنیت فرزندانشان. هیجان و شادی آنها را به هم پیوند می دهد و ترکیب نزدیک ورق، به قولی، این استحکام را به چشم خود نمایان می کند.

لنینگراد نظامی به آثار بسیاری از هنرمندان دیگر اختصاص دارد. بیایید از آنها یک سری از لینوکات های S. B. Yudovin (1892 - 1954) نام ببریم. ما دیدیم که چگونه در مجموعه پاخوموف، تکنیک لیتوگرافی به هنرمند اجازه می‌دهد تا هر تصویری را که تصور کرده بود، با جزئیات ارائه کند، و در جزئیات، ظرافت خطی آن‌ها را با زیبایی گستره‌های در حال ذوب منظره زمستانی ترکیب کند. سریال یودوین به صورت لینوکات ساخته شده است. یودووین با تشدید احساسات مشخص می شود ، نت های غم انگیز در برگه های او با اقتدار صدا می کنند. و کل ساختار فیگوراتیو برگه های او و نحوه اجرا تابع این حس تراژدی آن چیزی است که اتفاق می افتد. رنگ سیاه سنگین و درخشش سرد برف در حکاکی های او حکمفرماست. در سکوت یخبندان شهر، مردم به سختی راه می‌روند، زیر سنگینی بار خم می‌شوند، زیر بار مشکلات محاصره. فیگورهای آنها که معمولاً از بالا دیده می شوند، به شدت در برابر خیابان های برفی خودنمایی می کنند. الگوی زاویه‌دار، نوری بی‌رحم که سیناها را از تاریکی بیرون می‌کشد. زندگی که به قاب تراژدی تبدیل شد - اینها حکاکی های یودوین هستند. بیهوده است که هنرمند را به دلیل صداقت خشن و عدم خوش بینی سرزنش کنیم. ماهیت استعداد یودوین به او اجازه داد تا با حساسیت خاصی جنبه های غم انگیز مبارزه لنینگرادها با دشمن را بیان کند.

اما گرافیک به عنوان یک کل با نمای روشن تر از جهان مشخص می شد، حتی زمانی که آزمایش هایی را که برای مردم شوروی پیش آمد به تصویر می کشید. این را قبلاً می‌توانستیم در سریال پاخوموف ببینیم و با آشنایی با مجموعه‌ای از نقاشی‌های D. A. Shmarinov "فراموش نمی‌کنیم، نمی‌بخشیم!" شمارینوف (متولد 1907) یکی از آن هنرمندانی است که تلاش های او تصویرگری کتاب شوروی را در دهه 1930 به موفقیت بزرگی رساند. او آموزش حرفه ای خوبی را در استودیوهای هنری پراخوف در کیف و کاردوفسکی در مسکو دریافت کرد. استعداد یک روانشناس و فرهنگ درونی عالی آثار کتاب او را متمایز می کند. در طول سال های جنگ، شمارینوف پوسترها و نقاشی های سه پایه را خلق کرد. سریال "فراموش نمی کنیم، نمی بخشیم!" در سال 1942 در مدت کوتاهی توسط او اعدام شد، اما ایده آن در تمام سال اول جنگ شکل گرفت.

داستان این هنرمند نه به تدریج، از ابتدا آغاز می شود - او بلافاصله ما را با تراژدی بالای نقاشی "اعدام" شوکه می کند. تصاویر محاکمه و مصیبت های جنگ یکی پس از دیگری دنبال می شود، اما مضمون روشن شجاعت مردم شوروی که از صفحه اول این مجموعه برخاسته بود، حتی در تلخ ترین صفحات خود پیروز می شود. یکی از بهترین نقشه های این چرخه، برگه «بازگشت» (ill. 15) است. هزاران کشاورز جمعی شوروی در زندگی با موقعیتی که زنی که توسط این هنرمند به تصویر کشیده شده است آشنا بودند. شمارینوف او را در لحظه ای نقاشی کرد که منظره خانه ویران و ویران شده بومی برای اولین بار در چشمانش گشوده شد و او را مجبور کرد در نوعی گیجی از تأمل غم انگیز و خشمگین متوقف شود. آشفتگی عمیق او تقریباً از نظر ظاهری در هیچ چیز آشکار نمی شود. این مهار یک فرد قوی است که به خود اجازه انفجار احساسات، لحظات ناامیدی را نمی دهد. و منظره اینجا چقدر به بیننده می گوید! خلوص شفاف هوا، روشنایی انعکاس های خورشید و سایه هایی که بر روی زمین ذوب شده سر می زنند - این تصویر زیبا از اوایل بهار شادی را به زیرمتن پیچیده صحنه می آورد. ورق شروع به شنیدن یک داستان غنایی می کند و این بسیار مشخصه استعداد شمارینوف است. نقاشی های شمارینوف که با زغال و آبرنگ مشکی اجرا شده اند، مراحل بسیاری را در روند کار طی می کنند. اما آنها با خوشحالی از کامل بودن خشک بیرونی اجتناب می کنند و سرزندگی لرزان ضربات را حفظ می کنند، گویی که آنها به تازگی توسط هنرمند گذاشته شده اند.

فقط در دو برگه آخر سریال - "بازگشت" و "ملاقات" - هیچ تصویری از نازی ها وجود ندارد و اگرچه شادی هنوز بسیار دور است ، فضا سبک تر می شود ، قهرمانان راحت تر نفس می کشند. زندگی سخت سال اول جنگ، که وقایع آن توسط هنرمند خلاصه شد، ترکیب سریال را به او پیشنهاد کرد - تنش غم انگیز بی امان بیشتر صفحات آن و یادداشت های روشن آخرین نقاشی ها.

در طول سال های جنگ، V. A. Favorsky (متولد 1886)، یکی از قدیمی ترین هنرمندان شوروی، استاد بزرگ حکاکی روی چوب، نیز به گرافیک سه پایه روی آورد. در طول زندگی حرفه ای او، تصویرگری کتاب تا حد زیادی توجه او را به خود جلب کرد. و اکنون بینندگان شوروی و خارجی، اول از همه، دنیای حماسی هماهنگ حکاکی های او برای "داستان مبارزات ایگور"، تراژدی و عمق تصویرسازی "بوریس گودونوف"، چند هجایی، پر از تعمیم های فلسفی و گاه خشن را تحسین می کنند. ، گاه سایه های زندگی فریبنده، مجموعه ای از حکاکی ها برای "تراژدی های کوچک" توسط پوشکین. اما در اواخر دهه 1920، فاورسکی همچنین یک پرتره زیبا از F. M. Dostoevsky ایجاد کرد - کاملاً مستقل، اگرچه، البته، نزدیک به کتاب های نویسنده. نور و سایه در این برگ مزاحم با هم مخالفند. با احترام، به شدت تصویر مردی را که طوفانی از افکار دردناک غرق شده بود، ساخت. ما در اینجا با یک زندگی معنوی با شدت استثنایی تماس می گیریم، دنیای درونی پر از تضاد و مبارزه را حدس می زنیم. در انواع ضربه های آزاد، در استفاده عاقلانه از رنگ، مهارت زیادی احساس می شود.

در دهه 1940، فاورسکی ورق های "مینین و پوژارسکی"، "کوتوزوف" را ایجاد کرد. هنرمند در جذابیت خلاقانه خود به صفحات باشکوه تاریخ میهن ما تنها نبود. طبیعتاً در سال های جنگ مورد توجه ویژه نقاشان و گرافیست ها قرار گرفتند. در مجموعه سمرقندی از لینوکات‌های نازک ریتمیک که همزمان اجرا می‌شوند، سیر زندگی روزمره با ظرافت و لکونیسم بی‌شتاب به تصویر کشیده شده است. پس زمینه سفید، که نقش مهمی در تمام صفحات او دارد، بر ظرافت سیلوئت ها، موزیکال بودن ترکیب بندی های ساده اما متفکرانه تأکید می کند.

این هنرمند و بعداً بیش از یک بار به گرافیک سه پایه اشاره می کند (برگ "پرندگان پرواز"، 1959؛ پیشانی را ببینید، و غیره)، اما تصویرسازی کتاب او را تا حد بسیار زیادی مشغول می کند.

جایگاه برجسته ای در گرافیک زمان جنگ متعلق به آثار L. V. Soyfertis (متولد 1911) است. سویفرتیس قبلا در زمینه گرافیک مجلات طنز کار می کرد و اکنون اغلب در صفحات مجله کروکودیل ظاهر می شود. در طول سال های جنگ، او در نبردهای سواستوپل، نووروسیسک، اودسا شرکت کرد. سویفرتیس این شانس را داشت که چیزهای سخت زیادی را در جنگ ببیند، بیش از یک بار مرگ در کنار او بود، اما استعداد درخشان و سبک او از این صحنه های جنگ خشمگین استخراج می شد، نه تراژدی و مرگ، بلکه لبخند زندگی که حتی زیر بمباران خود باقی می ماند. تیزبینی عجیب و غریب، سرگرمی موقعیت های به تصویر کشیده شده توسط او را متمایز می کند. ملوانی با عجله به سمت خط مقدم در سواستوپل محاصره شده می رود و پسرها - برای سرعت در کنار هم - با پشتکار کفش های او را جلا می دهند. "یک بار" نام این برگه است. یک نبرد هوایی بر سر شهر در آسمان آفتابی وجود دارد، زنان در حال تماشای آن هستند و پیرزن با آرامش چیزی می دوزد و همان جا روی صندلی در دروازه نشسته است. ملوانان در پنجره روزنامه آخرین اخبار را می خوانند، در یک گروه نزدیک ایستاده اند، با سرنیزه های تفنگ (بیماری 16)، یک ملوان و یک عکاس در قیف بمب قرار دارند - یک عکس برای سند مهمانی لازم است. . بدیهی است که همه اینها را می توان اپیزودهای روزمره نامید، اما این زندگی است که در یک قدمی خط مقدم تثبیت شده است و بی تکلف ترین و حتی خنده دار ترین صحنه ها در نگاه اول در اینجا با جسارت و جسارت فراوان به تصویر کشیده می شود. قهرمانی لطف واقعی نقاشی های سویفرتیس را متمایز می کند. و اگر در «سریال سمرقند» فاوورسکی، خطوط و شبح‌های مشمع‌مطبوعات برازنده بود، خطوط برازنده و زیبای سویفرتیس، سبک، شکننده و گویی خطوط درهم‌رفته طراحی کانتور و پر آبرنگ شفاف، زنده، نفس‌گیر و کمی رنگ‌آمیزی است.

سویفرتیس در نقاشی های دهه 1950 خود هنرمندی با لبخندی زودگذر و همدردی زیادی با مردم است. سریال او "مترو" - مجموعه ای از صحنه های ژانر، که در شلوغی کاخ های زیرزمینی مسکو مورد توجه قرار گرفته است، و نقاشی ها و حکاکی هایی که به کودکان اختصاص داده شده است، هنوز به طرز شگفت انگیزی با هوشیاری دیده می شوند، که هنوز هم با علاقه شدید به یک شخص روشن می شوند. این برگه‌ها گاهی لمس‌کننده و خنده‌دار، گاهی تمسخرآمیز و حتی کمی ترسناک، که در مقایسه‌ها تیزتر می‌شوند، همیشه برخی از ویژگی‌های جدید زندگی را برای ما آشکار می‌کنند، چیزی جدید در جریان معمول زندگی روزمره.

مطالب انباشته شده در طول سال های جنگ به راحتی در آرشیو هنرمندان جای نمی گرفت. بسیاری از آنها پس از پایان جنگ به کار بر روی موضوعات نظامی ادامه دادند. به خصوص بسیاری از نقاشی ها و حکاکی های مربوط به جنگ در نمایشگاه های اولین سال های صلح آمیز به نمایش درآمد. در عین حال، کار نمودارها طبیعتاً مسیر تعمیم دانش و برداشت های بصری آنها را طی کرد، از یک طرح و یک طرح به یک صفحه سه پایه و یک مجموعه گرافیکی کامل. بنابراین، چندین سری از سنگ نگاره ها بر اساس مواد طرح های نظامی او در سال 1946 - 1950 توسط هنرمند V.V. Bogatkin (متولد 1922) اجرا شد. در طول سال های جنگ، بوگاتکین تازه کار خلاقانه خود را آغاز می کرد. او زیاد نقاشی می کرد. یکی از نقاشی های او که سرباز جوانی را در ساحل تیزا به تصویر می کشد (1945) شهرت قابل توجهی به دست آورد. اما حوزه اصلی کار او منظره بود. سکوت خیابان‌های متروکه لنینگراد محاصره شده، مسکو تاریک، برلین در روزهای فروپاشی فاشیسم، کوه‌های تجهیزات شکسته در خیابان‌های آن، تانک‌های شوروی در دروازه براندنبورگ توسط بوگاتکین در سنگ نگاره‌هایش به تصویر کشیده شده است. با گذشت سالها، دقت آنچه که در این برگه ها مشاهده کردیم، که در تعقیب داغ جنگ ایجاد شد، بیش از پیش مورد قدردانی ما قرار می گیرد.

در اواخر دهه 1940 و اوایل دهه 1950، تصویر توسعه گرافیک سه پایه پیچیده و از بسیاری جهات متناقض بود. هنرمندان موفق شدند به جنبه های بسیار مهم زندگی ما توجه کرده و به آنها منتقل کنند و مهمتر از همه، به مردی که جنگ را پشت سر گذاشته، شادی بازگشت به کار، عطش پرشور خلقت را نشان دهند. این امر به ویژه در برخی از آثار اختصاص یافته به کار مزرعه جمعی مشهود بود. زیبایی مزارع آرام سرزمین مادری ما به عنوان یک ملک تازه به دست آمده و فتح شده در آنها احساس می شد. در همان زمان، در جریان نقاشی هایی که مردم شوروی و کار آنها را به تصویر می کشند، ویژگی های تصویرسازی، فقر افکار و احساسات به وضوح منعکس می شد. مستند نثر باعث شد بسیاری از هنرمندان این آثار به سطح تعمیم شاعرانه زندگی ما برسند. نقاشی‌ها و حکاکی‌های زیادی با موضوعات تاریخی و انقلابی ظاهر شد، هنرمندان قدرت و استعداد خود را به خلقت خود بخشیدند، اما تأثیر کیش شخصیت به ویژه بر آنها سخت بود. این امر هنرمندان را از خلق آثاری با غنای ایدئولوژیک بسیار باز داشت و در برخی از آثار منجر به پوشش نادرست نقش مردم به عنوان خالق تاریخ شد.

گرافیک این سال ها از نظر فنی یک طرفه توسعه یافت. بسیاری از تکنیک های گرافیکی به سختی مورد استفاده قرار می گرفتند، طراحی با جوهر، زغال چوب و آبرنگ سیاه غالب بود. فقط در قلمرو منظره نقاشی واقعی با آبرنگ و برخی از انواع حکاکی بسیار رایج بود. اما تنوع تکنیک ها اغلب در منظره با انفعال درونی اشیا همراه بود.

از طرفی در این سال ها آثاری با شایستگی هنری نیز خلق شد. بنابراین، در این دوره، استعداد اصیل و قوی B. I. Prorokov که اکنون یکی از استادان برجسته گرافیک شوروی است، شکل گرفت. کار پروروکوف به طور حیاتی با سال های جنگ، با آنچه هنرمند در آن زمان دیده و تجربه کرده است، مرتبط است. اما پروروکوف نه تنها در تمام این سالها با خاطره دل به جنگ بازگشت، بلکه توانست با هنر خود ضروری ترین کلمات را در مورد جهان بگوید.

B. I. Prorokov در سال 1911 در Ivanovo-Voznesensk متولد شد. استعداد او برای طراحی در اوایل دبیرستان خود را نشان داد. نقاشی های مدرسه او که به مسابقه روزنامه Komsomolskaya Pravda ارسال شده بود، جایزه اول را دریافت کرد. این امر به نویسنده حق دریافت بلیت مؤسسه عالی هنری و فنی (وخوتین) را داد. با این حال، تحصیل در آنجا به پروروکوف کمک چندانی نکرد و کمتر از دو سال به طول انجامید. فقط توصیه بزرگترین استاد گرافیک سیاسی D. S. Moor که لیتوگرافی تدریس می کرد برای پروروکوف بسیار ارزشمند بود. پروروکوف پس از دریافت آموزش ویژه، یک مدرسه خوب - سیاسی و هنری - را در محل کار در Komsomolskaya Pravda و بعداً در مجله Krokodil گذراند. در تکالیف روزنامه، او سفرهای زیادی به سراسر کشور کرد، به عنوان روزنامه‌نگار، او یاد گرفت که یک منبع بزرگ از طرح‌ها را برای استفاده در آینده بسازد تا به سرعت هر کاری را انجام دهد. بیشتر آثار پروروکوف قبل از جنگ کاریکاتورهایی با موضوعات داخلی و بین المللی است. پوسترهای جداگانه‌ای که توسط او نیز اجرا شده بود، و به‌ویژه برگه‌ای که ماهیت حیوانی ضدانسان‌گرایانه فاشیسم را افشا می‌کرد، از قبل شدت، اشتیاق و تیزبینی روزنامه‌نگاری آثار آینده او را نشان می‌داد.

پروروکوف از ماههای اول جنگ در روزنامه پادگان شبه جزیره هانکو کار می کرد که قهرمانانه در برابر محاصره دشمن ایستادگی کرد.

نوشته است: «گاهی خجالت می‌کشیم در مورد شاهکار یک فرد هنری به همان اندازه درباره شاهکار یک سرباز یا فرمانده صحبت کنیم، تا اینکه نویسنده یا هنرمندی در جنگ جایگزین فرمانده کشته شده می‌شود و دفاع از ارتفاع را رهبری می‌کند.» یکی از شرکت کنندگان در دفاع از هانکو، که در مورد آن در داستان "Ganguttsy" Vl. Rudny گفت - و من نمی توانم مبارزه سرسختانه ملوانان گانگوت را تصور کنم * ( * شبه جزیره گانگوت هانکو در زمان پیتر اول نامیده می شد) در چهل و یکمین سال بدون خنده و طنز نبوی، بدون فیلتون های تصویری روزانه، حکاکی ها، پرتره ها، حکاکی شده به دلیل کمبود روی برای کلیشه های مشمع کف اتاق، کنده شده از کف خانه های جنگ زده. "هنرمند هانکو را ترک کرد. با آخرین گروهان "ملوانان". کرونشتات و لنینگراد در محاصره، مالایا زملیا در نزدیکی نووروسیسک، برلین و پورت آرتور - اینها نقاط عطف مسیر نظامی او هستند. و در همه جا، حتی در سخت ترین شرایط و درست در خط مقدم، هنرمند بسیار نقاشی می کرد.

اولین سریال پس از جنگ پروروکوف، "در کومینتانگ چین" توسط او بر اساس آنچه در خاور دور بلافاصله پس از شکست نظامیان ژاپنی دیده بود ساخته شد. با حجم کم، فقط برخی از ویژگی های زندگی مردم چین را که هنوز ستم استعماری را تجربه می کنند و برای آزادی ملی خود می جنگند، ترسیم می کند. اما شور و شوق نگرش نویسنده به زندگی در اینجا کاملاً منعکس شده است. با همدردی، این هنرمند یک پارتیزان چینی را ترسیم می کند - یک جوان ساده، متواضع و شجاع، با نفرت و تمسخر - آمریکایی های ظریفی که مسابقه های غیرانسانی ریکشا را برگزار می کردند. به نظر ما، او هم در دیوانگی یک خطیب دیوانه در یک گردهمایی و هم خستگی شدید یک ریکشا که زیر آفتاب سوزان کالسکه خمیده بود، به اشتراک می گذارد. در کارهای بعدی پروروکوف، همانطور که بود، صدای نویسنده او، خشم یا عشق همیشه داغ او را احساس خواهیم کرد و بنابراین آثار او ما را با نیروی خاصی تسخیر خواهند کرد.

در چرخه های بعدی نقاشی "اینجاست، آمریکا!" و "برای صلح!" صدای پروروکوف تبلیغاتی قوی تر شد. زندگی در برگه های او قدرت خشمگین افشای سیاسی امپریالیسم را به دست می آورد. در نقاشی "تانک های متجاوز تا پایین"، هنرمند در تصویری رقت انگیز، اراده کارگران برای صلح، قدرت همبستگی آنها را نشان می دهد. طوفانی از خشم نیروهای زنجیر را رها کرد، گروهی یکپارچه از مردم را گرد هم آوردند که یک مخزن را در آب می ریزند. ورق از نظر ترکیب لاکونیک است، مملو از رقت انگیز مبارزه است. به راحتی افزایش زیادی را تحمل می کند و بیش از یک بار طرفداران صلح در خارج از کشور ما آن را به عنوان پوستر در تظاهرات حمل کردند. سریال "اینجاست، آمریکا!" توسط پروروکوف به عنوان تصویری برای کتابی از جزوات و مقالات درباره آمریکا اجرا شد. اما اساساً به یک چرخه سه پایه تبدیل شده است - محتوای برگه های آن بسیار مستقل، قابل درک و بدون متن است. به همین ترتیب، تصاویر بعدی پروروکوف برای کتاب "مایاکوفسکی در آمریکا" ویژگی های سه پایه را به دست آورد. جذابیت مایاکوفسکی در آثار پروروکوف عمیقاً منطقی بود. هنرمند به فشار پرشور اشعار مایاکوفسکی و تناوب مشخص خشم و کنایه و تصاویر تمثیلی جسورانه و ارزیابی سیاسی اجباری پدیده ها نزدیک است.

پروروکوف در تمام آثارش که پس از جنگ اجرا می‌شود، برای صلح می‌جنگد، امپریالیسم، غیرانسانی بودن سیاست استعماری و طرح‌های نظامی‌گرایانه‌اش را افشا می‌کند. اما قدرتمندترین سخنرانی این هنرمند برای جهان، سریال «نباید دوباره اتفاق بیفتد!» بود که در آن برای اولین بار پس از نبردهایی که خاموش شده بودند، به دیدگاه‌های نظامی دست زد که از دل بیرون نرفته بودند.

دو صفحه خلق و خوی مخالف در سریال او برجسته شده است: در یکی - "هیروشیما" - چهره ای محکوم به فنا که هنوز از جهنم انفجار اتمی به ما نگاه می کند ، از سوی دیگر - یک مادر جوان با سلاحی در دستانش که از او محافظت می کند. کودکی که از یک زندگی روشن روی زمین دفاع می کند. بین این دو ورق، مانند یک قاب، رشته ای از تصاویر جنگ قرار دارد. در آنها مردم با مرگی که فاشیسم به ارمغان می آورد مبارزه می کنند. و در ساعت مرگ دشمن را تحقیر می کنند، همچنان که زن جوانی جلادان را که در چشمانش خونین بابی یار است (بیماری 17). هیچ جزئیاتی که تنش بزرگ را از بین ببرد، هر ورق احساسی است که در بالاترین لحظه خود گرفته شده است، دردی است که هنوز قرار نیست متوقف شود. یک شبح تیز و یک نمای نزدیک در اینجا به عنوان تکنیک های هنری اجباری انتخاب شده است. فقط یک هنرمند با شجاعت زیاد و ایمان پرشور به مردم می تواند حقیقت بی رحمانه جنگ گذشته را با چنین قدرت شگفت انگیزی برای ما تکرار کند. صفحات او پر از درد، خشم و رنج هیچ کس را بی تفاوت نمی گذارد. وصیت نامه جی فوچیک کمونیست چک "مردم هوشیار باشید!" در این سریال توسط یک هنرمند شوروی برای ما طنین انداز است.

در میان آثار اختصاص داده شده به V. I. Lenin، نقاشی های بزرگترین استاد تصویرگری کتاب E. A. Kibrik (متولد 1906) برجسته است. در برگه های جداگانه این مجموعه، این هنرمند که به دقت مطالب مربوط به فعالیت های لنین در سال انقلاب را مطالعه کرد، نه تنها به اولین حقیقت شباهت بیرونی تسلط یافت، بلکه به اعماق شخصیت پردازی داخلی نیز پیش رفت.

ورق "V. I. Lenin in the underground" (ill. 18) روزهای ژوئیه 1917 را بازتولید می کند، زمانی که لنین، ساکن پتروگراد، مجبور شد از شکارهای حکومت موقت پنهان شود. خود هنرمند طرح این نقاشی را چگونه تصور می کرد؟ به گفته او، در اینجا او می خواست لنین نظریه پرداز، دانشمند، متفکری را نشان دهد که در آن روزها هر روز با مقالاتی ظاهر می شد که حزب را در مبارزه اش برای دیکتاتوری پرولتاریا مسلح می کرد. لحظه خاصی که باید به تصویر کشیده شود، این هنرمند اینگونه توصیف کرد: «... لنین، همانطور که طبیعتش بود، در اتاق قدم می زد و در مورد مطالب عظیمی که زندگی هر روز ارائه می کرد و باید مهم ترین چیزها را در آن می گرفت، فکر می کرد. چیزی که لازم است مهمانی را با مقاله دیگری در پراودا هدف قرار دهیم. او با یافتن این چیز اصلی، به سرعت پشت میز نشست و بلافاصله همه چیز را در جهان فراموش کرد و در کار فرو رفت. مشخصاً کیبریک تصویری را در حال حرکت تصور می کند و با ترسیم لحظه ای در زنجیره دیگران، لحظه قبل را نیز در نظر می گیرد. سکوت یک اتاق انفرادی کوچک پر از تنش کار بزرگ است. این هنرمند می‌توانست مشغله و مشغله‌ی لوین را با بیان متمرکز چهره‌اش، حالت فردی که سریع می‌نویسد، به او منتقل کند.

تصویر "V. I. Lenin in the Razliv" از نظر خلق و خوی متفاوت است: دارای یک تحریک، یک انگیزه مهار شده است. جریان افکار لنین از اطراف دور است و وسعت چشم انداز کنار دریاچه نیز، همانطور که بود، دامنه ورق را گسترش می دهد. در کتاب ذکر شده در بالا، کیبریک روند کار خود را بر روی این ترکیب بندی ها شرح می دهد و هر کسی که با نقاشی های او آشنا باشد، علاقه مند به خواندن این صفحات خواهد بود.

در اواسط دهه 1950، چیزهای زیبایی در مورد دوران مدرن ما در گرافیک ظاهر می شود. هنرمند Yu.I. Pimenov، نقاش، گرافیست و دکوراتور تئاتر، با سریال بزرگ خود "منطقه مسکو" یک دنیای بزرگ پر از شادی روشن زندگی را برای ما باز کرد. پیمنوف هدیه نادری از زندگی روزمره شاعرانه دارد، توانایی دیدن زیبایی های زندگی روزمره. و زیبایی که در حالت عادی مورد توجه قرار می گیرد، همیشه مسیرهای نزدیک خود را به قلب بیننده می یابد. هوای گرم یک روز گرم در حومه شهر و چهره دختری در پیاده‌روی، کارگران پرشور در محل ساخت خانه‌های جدید و تابش باران در میدان حومه مسکو - اینها طرح‌های ساده نقاشی‌ها و آبرنگ‌های پیمنوف هستند. . او نوشت: «به نظر من برای یک نقاش ژانر، گرانبهاترین یافته‌ها همان قطعات اصیل زندگی است که در آن در موارد عادی، غیرقابل تصور و واقعی هر روز، حقیقت بزرگ کشور آشکار می‌شود.» ریتم کاری پر شتاب زمان ما، زیبایی خاص، پرانرژی و تجاری آن در آثار این هنرمند زنده است (به جلد مراجعه کنید). شاید جذابیت اصلی تصاویر پیمنوف و به ویژه قهرمانان ثابت او - زنانی که در یک سایت ساختمانی کار می کنند، آپارتمان ها را بازسازی می کنند، خیاطی ها، کارهای خانه را در فعالیت، فعالیت نهفته است. رنگ روشن و روشن آبرنگ های او حتی به ظاهر معمولی ترین صحنه ها و چیزها شادی می بخشد. این هنرمند همچنین زیبایی زیادی به تکنیک آبرنگ سیاه و زغال می دهد. با درجه بندی رنگ سیاه، او قادر است عمق سایه هایی را که از درختان روی آب می ریزد و سرمای شفاف اوایل بهار و طراوت باران روی سکوی ایستگاه و راحتی صمغی جاده جنگلی را منتقل کند. . پیمنوف یک هنرمند بسیار جدایی ناپذیر است. دیدگاه او نسبت به جهان، طیف موضوعات مورد علاقه اش در مجموعه ای از نقاشی های دهه 1940 - 1950 - صحنه های ژانر، طبیعت های بی جان، که به همین سادگی و شاعرانه از یک معاصر حکایت می کند و در گرافیک او، و حتی در نثر - در کتابی در مورد منطقه مسکو که با اشتیاق شدید، سریع، برازنده و آسان، با دیدی کاملاً هنری از زندگی در ظاهر واقعاً زیبا و چند رنگ آن نوشته شده است.

زندگی در حرکت، جدید و شاد، که هر روز به دنیا می آید، عجله دارد تا پیمنوف را در سریال بعدی خود "محله های جدید" بگیرد.

پیمنوف که بیش از یک بار در دهه 1950 به خارج از کشور سفر کرده بود، مجموعه ای کامل از بوم ها و طرح های کوچک را بر اساس برداشت های این سفرها یا مستقیماً در طول سفر خود ایجاد کرد. در اینجا نیز نگاه او در درجه اول نگاه فردی عاشق زیبایی باقی می ماند؛ روزنامه نگاری برای او خاص نیست. اما اشعار پر از غم و اندوه برخی از آثار خارجی او بی اختیار مانند تضاد با شادی پرآوازه برگه هایش است که به روزها و امور عادی زندگی ما اختصاص دارد.

کارهای خارجی پیمنوف در برنامه ما تنها نبود. در دهه 1950 به بعد که روابط فرهنگی بین المللی کشورمان گسترش یافت و هنرمندان زیادی به کشورهای مختلف جهان سفر کردند، مجموعه ای از سریال ها بر اساس برداشت های این سفرها ظاهر شد. آنها معمولاً شامل صحنه هایی از زندگی خیابانی، مناظر، ورق های پرتره فردی بودند. هنرمندان در مورد آنچه دیدند صحبت کردند و گوشه‌های زیبای طبیعت، بناهای معروف معماری و مجسمه‌سازی، ویژگی‌های زندگی، مردمی که در سفرها با آن‌ها مواجه می‌شوند را به نمایش گذاشتند. تسلط اجباری مشخصه بیشتر این آثار بود. اما در نتیجه سفرها، سریال های تکمیل شده نیز ایجاد شد که در آنها گزارش، طرح و نگار با تعمیم هنری واقعی جایگزین شد. از آشنایی با چنین چرخه هایی، بیننده نه تنها زنجیره ای از برداشت های واضح توریستی، بلکه دانش جدیدی از یک کشور خاص و لذت زیبایی شناختی را نیز دریافت کرد.

یکی از این چیزها سریال N. A. Ponomarev (متولد 1918) "Northern Vietnam" بود که در سال 1957 ساخته شد. تصویری از این کشور که توسط هنرمند دیده می‌شود پر از جذابیت است: آسمان بلند خاکستری مایل به آبی، گستره‌ای از آب‌های آرام، مزارع برنج و زنجیره‌ای از سنگ‌های یاسی در افق، یا به وضوح قابل مشاهده هستند، یا در مه مرواریدی ذوب می‌شوند. . شعر آرام و کمی متفکر زندگی روزمره در این ورق ها زندگی می کند. مردم با همدردی عمیق به تصویر کشیده شده اند - مردم سخت کوش ویتنام - ماهیگیران، معدنچیان، زنانی که به بازار می روند (بیماری 19) و منتظر عبور از خلیج هستند. رنگ آمیزی ظریف و ظریف به نقاشی ها بیان می دهد. سریال ویتنامی از بسیاری جهات نقطه عطفی برای نویسنده آن بود. این هنرمند کار خود را با نقاشی های زغال چوب و گواش سیاه که به معدنچیان دونباس (1949-1950) اختصاص یافته بود آغاز کرد. آنها وظیفه شناسی و کار زیادی داشتند و الهامات خلاقانه کمتری داشتند. این هنرمند با ترسیم ویتنام، در آثار خود نه تنها نت های شاعرانه جدید، بلکه توانایی یک رنگارنگ را نیز کشف کرد که می تواند هارمونی و تزئینی تکنیک ترکیبی گواش و پاستل را ببیند.

از مجموعه‌های بر اساس برداشت‌های خارجی، آثار O. G. Vereisky (متولد 1915) نیز جالب توجه بود. O. Vereisky که اکنون تصویرگر برجسته کتاب های نویسندگان شوروی و یک گرافیست سه پایه است، اولین دانش خود را از هنر مدیون پدرش G. S. Vereisky است. او همچنین در آکادمی هنر لنینگراد تحصیل کرد. با آزادی برابر، O. Vereisky هم بر زیبایی ملایم نقاشی با آبرنگ یا جوهر سیاه و هم بر تضادهای روشن یک تکنیک واضح و مشخص طراحی با خودکار تسلط دارد. اخیراً این هنرمند به تکنیک های حکاکی علاقه مند شد و برخی از نقاشی های خود را که در نتیجه سفر به مصر، سوریه و لبنان اجرا شده بود، به صورت چاپی تکرار کرد. یکی از بهترین آنها ملحفه ای است به نام "در راه استراحت. سوریه" (ill. 20). او از نظر رنگ و ترکیب لاکونیک زیباست، اما جذابیت اصلی او در تصویر یک زن است. زیبایی خالص و اندوه اندک چهره، لطافت محدود ژست و ظرافت طبیعی زن توسط هنرمند با لذت زیبایی شناختی واقعی بازتولید می شود. برگه های "سریال آمریکایی" O. Vereisky نیز مملو از مشاهدات دقیق است و او نه تنها تشریفات، بلکه ویژگی های سایه دار و روزمره زندگی آمریکایی را نیز می دید.

دانش ما در مورد این کشور نیز با طرح‌های برازنده خطی آن، توسط V. Goryaev، هنرمندی با شیوه‌ای تیز و تا حدودی طعنه‌آمیز، تصویرگر مارک تواین، که همکار دائمی مجله کروکودیل است، پر شده است.

گرافیک پس از جنگ با موفقیت های بزرگ هنرمندان جمهوری های اتحادیه مشخص می شود. اکنون قوی ترین تیم های گرافیست ها در اوکراین، استونی، لیتوانی و لتونی تشکیل شده اند. هر دو طراحی و آبرنگ هنرمندان بزرگ خود را در این جمهوری ها دارند و هنر چاپ در اینجا و پس از آن توسعه یافت، زمانی که در اواخر دهه 1940 و اوایل دهه 1950 در RSFSR رو به افول بود.

به عنوان نمونه ای از گرافیک سه پایه اوکراینی، می توان به مجموعه "افکار و آهنگ های عامیانه اوکراین" اثر M. Deregus اشاره کرد. این چرخه به طور کلی، شامل ورق هایی با حالات و مضامین مختلف، بلوغ گرافیک اوکراینی را مشخص می کند، اگرچه در آثار خود درگوس - یک نقاش منظره و تصویرگر عالی - تا حدودی از هم جدا است. غم و امید ورق "اندیشه ماروس بوگوسلاوکا" و تراژدی تنهایی ، ایمان فریب خورده به مردم در ورق "اندیشه سه برادر آزوف" با شعر شجاعانه روزهای ما در ترکیب جایگزین شده است. اندیشه پارتیزان ها» با تصویر مرکزی کوپاک. هنرمندان جوان اوکراینی، V. Panfilov، که حکاکی های خود را به کارگران فولاد اختصاص داده است، و I. Selivanov، که ورق هایی با موضوعات تاریخی و انقلابی خلق کرده است، با موفقیت در چاپ کار می کنند. یک ژانر معمولی برای گرافیک اوکراینی یک منظره صنعتی است که معمولاً در تکنیک های حکاکی اجرا می شود. استادان آن V. Mironenko، A. Pashchenko، N. Rodzin و دیگران هستند.

در جمهوری های بالتیک، گرافیک منظره بسیار متنوع است. یک جریان قوی از منظره غنایی مجلسی، احساسی، با جذابیت زیاد وجود دارد. خالقان آن هنرمندان استونیایی، استادان حکاکی R. Kaljo، A. Keerend، L. Ennosaar، آبرنگ K. Burman (جوان)، گرافیست های لتونی - A. Junker، لیتوانیایی - N. Kuzminskis و دیگران هستند. در آثار آنها تأملات غنایی و ارتباط نزدیک با طبیعت وجود دارد که روح را غنی می کند و هر بار زیبایی مزارع بومی آنها، تالین زیبای باستانی و غیره به گونه ای جدید درک می شود.

در آثار قدیمی‌ترین طراح استونیایی G. Reindorf، تصاویر منظره رنگ‌آمیزی فلسفی بیشتری پیدا می‌کنند. اکنون تصور کامل مسیر خلاقانه این هنرمند برای ما دشوار است، زیرا تقریباً تمام آثار قبل از جنگ وی در طول جنگ بزرگ میهنی از بین رفت. اما دوران فعالیت او پس از جنگ نیز پربار بود. رایندورف در سال 1889 در سن پترزبورگ به دنیا آمد. وی پس از فارغ التحصیلی با موفقیت از دانشکده طراحی فنی استیگلیتز، حق سفر کاری به خارج از کشور را دریافت کرد و عازم فرانسه شد. دوره کوتاه بازنشستگان خارجی با جنگ جهانی اول قطع شد. رایندورف با بازگشت به وطن خود در زمینه گرافیک کاربردی و منظره فعالیت می کند و به فعالیت های آموزشی مشغول است. علایق اصلی خلاقانه او در دهه 1940 - 1950 جذب چشم انداز و تا حدودی تصویرگری کتاب شد. او کارهایش را در این سال ها عمدتاً به صورت طراحی انجام می دهد. پیش از این، این هنرمند همچنین ورق های حکاکی رسا ایجاد کرد. میل به دقت عینی تصویر گاهی به ضرر غنای عاطفی رایندورف در برگه هایش می رود، اما در بهترین آثار او این دو اصل با هم ترکیب شده اند. مشخص ترین ورق های او در این زمینه «در روزهای گرم اوت» (1955) است. نوعی هارمونی هر چیزی را که در این منظره روستایی زندگی می‌کند متحد می‌کند، و تکنیک خلاقانه طراحی با مداد گرافیتی به ورق‌ها غنای رنگی و اجرای فیلیگرانی خاصی می‌دهد.

همچنین خطی از منظره رمانتیک در گرافیک کشورهای بالتیک وجود دارد که از احساسات ناآرام انسانی طوفانی اشباع شده است. در حکاکی‌های هنرمندان لتونیایی P. Upitis، O. Abelite، در برگه‌های جداگانه توسط M. Ozoliņš، تصاویر طبیعت با احساساتی حاد، پر از تنش درونی رنگ‌آمیزی شده‌اند.

در حکاکی‌های ای. اندرسون ساکن ریگا، منظره به محیطی تبدیل می‌شود که در آن کنش باشکوه کار آشکار می‌شود.

بسیاری از هنرمندان بالتیک هم به عنوان نقاشان منظره و هم به عنوان نویسنده آثار موضوعی عمل می کنند و این فقط آثار آنها را غنی می کند. به عنوان مثال، در آثار همه کاره هنرمند استونیایی E. K. Okas (متولد 1915)، می توان صفحات منظره، پرتره ها و چیزهای موضوعی را یافت. اوکاس در تالین در یک خانواده کارگری متولد شد و در آنجا تحصیل کرد - ابتدا در مدرسه دولتی هنری و صنعتی و سپس در مدرسه عالی هنر دولتی. در طول جنگ بزرگ میهنی، او به عنوان یک هنرمند خط مقدم کار کرد. اوکاس هم نقاش است و هم استاد تصویرسازی کتاب. اما اگر تصاویری که او برای صفحات کتاب خلق می‌کند، گاهی با دهه‌ها و قرن‌ها از ما جدا می‌شود، قهرمانان آثار سه‌قلوی او همیشه در مدرنیته زندگی می‌کنند و فضای آرام آن را تنفس می‌کنند. احساس پیچیدگی دنیای مدرن با تضادهای اجتماعی شدید آن، برای مثال، برگه های سری هلندی و ایتالیایی طرح های سفر اوکاس را پر می کند، که اساساً توسط او در تکنیک های مختلف حکاکی اجرا شده است. این حکاکی ها که تیزبین و به شدت صادق هستند، شبیه روزنامه نگاری واقعی است. هنرمند لیتوانیایی V. Yurkunas (متولد 1910) همچنین در زمینه گرافیک کتاب و سه پایه کار می کند. او در سال 1935 از مدرسه هنر کاوناس فارغ التحصیل شد و دائماً مشغول تدریس است. در حکاکی های او به نظر می رسد که مردم به ویژه با طبیعت بومی خود، سرزمین مادری خود، ارتباط نزدیکی دارند. چنین هستند قهرمانان شعر میرونیس (1960؛ بیمار 21) که توسط او بازتولید شده است، چنین است کشاورز جمعی کوچکی که همدردی بسیاری از بینندگان را به خود جلب کرد - تصویر جوانی که در سرزمین زیبا راه می رود، بی هنرانه ساده و تحریک کننده، خیره کننده با یکپارچگی منحصر به فرد احساسات ("من یک شیرکار خواهم بود"، 1960). تکنیک لینوکات در صفحات توسط V. Yurkunas دارای اختصار و انعطاف پذیری است و به طور طبیعی به خلق تصاویر روشن و خوش بینانه او کمک می کند.

ترافیک بالتیک در زمینه پرتره با اشتیاق کار می کند، و اگر در میان آثار هنرمندان RSFSR ما اکنون علاوه بر اجراهای همیشه موفق، اما در حال حاضر نادر توسط G. S. Vereisky، فقط پرتره های برجسته حکاکی شده توسط M. Feigin داریم. ، در بالتیک ما از مهارت ظریف و متنوع تعدادی از نقاشان پرتره خوشحال خواهیم شد.

هنرمند استونیایی E. Einmann (متولد 1913) دستاوردهای زیادی در این ژانر به دست آورد. او در مدرسه دولتی هنرهای کاربردی و مدرسه عالی هنر در تالین تحصیل کرد.مسیر خلاقیت او در طول جنگ بزرگ میهنی آغاز شد. اکنون در یک سری طولانی از آثار او ویژگی های استعداد او به وضوح نمایان است. نگرش متفکرانه و دقیق هنرمند به دنیای درونی مدل های خود. احترام به شخص از ویژگی های کار اوست. همیشه خود را نشان می دهد، چه هنرمند یک ماهیگیر پیر نقاشی کند یا یک دانش آموز جوان مدرسه حرفه ای، یک پرستار یا یک بازیگر. در عین حال، تجربه مستقیم نویسنده، ارزیابی مدل، در جایی کنار می‌ماند، نکته اصلی داستانی محدود و عینی در مورد آن است. پرتره های اینمن با ظرافت شیوه گرافیکی، بیگانه با جلوه های خارجی، مجذوب خود می شود. این ظرافت ورق های او را که با گرافیت یا مداد ایتالیایی و آبرنگ و لیتوگرافی اجرا شده است متمایز می کند.

اثر پرتره هنرمند استونیایی A. Bach-Liimand احساسی و غنایی است که به ویژه در به تصویر کشیدن زنان و کودکان مهارت دارد. پرتره ها و خودنگاره هنرمند لیتوانیایی A. Makunaite که در لینوکات کار می کند پر از افکار جدی است. پرتره های زغالی که توسط طراح جوان لتونیایی F. Pauluk ایجاد شده است، رسا هستند.

گرافیک در اوکراین و کشورهای بالتیک دارای سنت طولانی است و بنابراین موفقیت آن تا حد زیادی طبیعی است. اما حتی در جمهوری‌هایی مانند قرقیزستان یا قزاقستان که هنر گرافیک کاملاً جوان است، قبلاً پیشرفت چشمگیری داشته است.

استاد برجسته گرافیک در قرقیزستان L. Ilyina (متولد 1915) شاگرد مؤسسه پلی گرافی مسکو است که سالها در شهر فرونزه کار کرده است. یادبود بودن، فرم های بزرگ، لاکونیسم از ویژگی های بارز لینوکات اوست. در سال‌های اخیر، ایلینا، تا حدودی از تصویرسازی کتاب فاصله گرفته، بسیاری از آثار سه‌قلوی، و به‌ویژه مجموعه منظره‌های حکاکی‌های چوبی «سرزمین بومی» (1957) و یک سری بزرگ از لینوکات‌های رنگی اختصاص داده شده به زن جمهوری خود را اجرا می‌کند. ویژگی های جدید که زندگی ما را متمایز می کند، شاید به ویژه در سرنوشت زنان نشان داده شده توسط هنرمند قرقیز قابل توجه باشد. کار اکنون زنان را خم نمی کند، بلکه فقط به وضعیت بدنی عظمت و اهمیت می بخشد. یک نگرش آزاد و بدون محدودیت، هم دختر چغندرکار (1956) و هم نمایندگان تین شان دوردست را متمایز می کند که با دقت به سخنران گوش می دهند (1960). لینوکات های L. Ilyina پلاستیکی هستند، حجم آزادانه در آنها با حرکتی پر جنب و جوش، خشن، لکه های رنگی بزرگ شکل می گیرد. در عین حال، جلوه تزئینی شبح ورق همیشه حفظ می شود (ill. 22).

در آذربایجان، هنرمند M.Rhman-zade (متولد 1916) که میدان های نفتی دریایی در دریای خزر را به تصویر می کشد، در زمینه لیتوگرافی رنگی کار جالبی می کند. او می‌داند که چگونه موتیف‌های مختلفی را وارد سریال‌های خود کند که به نظر شبیه هستند و در عین حال، هر بار چیز جدیدی را در چشم‌انداز صنعتی آشکار می‌کنند. ورق برروی کار او در سال 1957 به دلیل ترکیب باریک، ترکیبی پر صدا از آب زرد روشن و طرح‌های روباز مشکی متمایز است. برخی از دستاوردهای قلمزنان و نقشه نویسان جمهوری خواه از این قبیل است.

گرافیک امروزی با گرافیک دهه اول پس از جنگ بسیار متفاوت است. چه چیزی جدید است، بنابراین بر خلاف قبلی، در آن ظاهر شد؟ اگر مدرنیته پیش از آن با تعمیم شاعرانه اصیل فقط در چیزهای فردی اسیر می شد، اکنون ویژگی های زنده آن در بسیاری از آثار گرافیکی پراکنده است. چرخش انبوه هنرمندان به امروز نتایج خود را می دهد. مدرنیته در ویژگی‌های غیر بیرونی و عمیق‌اش جذب می‌شود؛ هنرمندان در حال کشف چهره جدیدی از کشور ما هستند، انسان شوروی. از بسیاری جهات، گرافیک سال های اخیر وجه اشتراکی با نقاشی دارد. هنرمندان این هنرها چهره خشن و پرتلاطم زمان را می بینند، فعالیت نگرش خاصی در آثارشان موج می زند. و اشتیاق به اشکال هنری جدید و آزمایش نشده نیز برای آنها رایج است. در گرافیک، همه اینها در درجه اول به چاپگری اشاره دارد. ظهور آن در اواسط دهه 1950 آغاز شد و اکنون می توان در مورد اوج واقعی آن صحبت کرد. این دوران اوج عمدتاً با هجوم نیروهای جوان جدید به حکاکی سه پایه همراه است. اما هنرمندان باتجربه نیز به آن کمک کردند. به عنوان مثال، در مناظر A. Vedernikov، لنینگراد، که با بسیاری از سنت های ترسیم آن سنگین شده است، ناگهان در ظاهر جدیدی ظاهر می شود، درخشان با رنگ های خالص، که به نظر می رسد برای اولین بار دیده می شود. تکنیک لیتوگرافی رنگی ودرنیکوف از نقاشی با مداد رنگی یا نقاشی دقیق آبرنگ تقلید نمی کند. هنرمند با فرم های تعمیم یافته، ترکیب های جسورانه از چندین تن ناب عمل می کند. جستجوی او برای تزیین در لیتوگرافی رنگی یکی از پرینت‌های مشخص امروزی است.

از جمله موفقیت‌های چاپ‌سازی، می‌توان به نقش‌های چوبی F. D. Konstantinov در مورد کارگران روستایی و به ویژه صفحه منظره او "بهار در مزرعه جمعی" (1957؛ ill. 23) و مناظر هنرمند ارمنی M. M. Abegyan-" نسبت داد. ساحل صخره ای زنگا، «در کوه های بجنی» (1959) و بسیاری آثار دیگر از هنرمندان نسل های قدیمی و میانی.

اما جدید، که چاپ مدرن را متمایز می کند، به ویژه در چیزهای جوان به وضوح احساس می شود. I. Golitsyn، A. Ushin، G. Zakharov، Ya. Manukhin، I. Resets، L. Tukachev، K. Nazarov، V. Popkov، D. Nodia، I. Nekrasov، V. Volkov - یک کهکشان کامل از جوانان که عملکرد درخشانی در چاپ داشت. ما مناظر معمولی حومه شهر را در «سوئیت روی سیم» آ. اوشین (متولد 1927)، فارغ التحصیل مدرسه هنر و آموزش لنینگراد (24) می بینیم. هیچ رویدادی در صفحات آن اتفاق نمی افتد، فقط قطارهای برقی در سکوت به سرعت حرکت می کنند، و در همان زمان، اتفاقات زیادی در اینجا رخ می دهد - خرپاهای فولادی برای حمایت از سیم ها برمی خیزند، نوارهای نور از پنجره قطار تاریکی غلیظ شب را پاره می کنند، رعد و برق سفید. باران از آن عبور می کند و ابرها به صورت توده ای خیره کننده در آسمان سیاه انباشته می شوند - زندگی در جریان است، بی نظیر، زنده، بسیار شدید، در فعال ترین و پرتنش ترین حالت خود. این درک تیز و فعال از زندگی در پویایی ثابت آن است که بسیاری از آثار جوان را متمایز می کند. آثار آنها را متحد می کند. اما، علاوه بر این، جوانان در کار خود بسیار فردی هستند. هر یک از این هنرمندان قبلاً چهره خود را در هنر، نظر خود در مورد زندگی، درک خاص خود از زبان حکاکی دارند.

مناظر وسیع و صحنه‌های تغزلی از جی. زاخاروف با ریتم تاکید شده‌اش از سکته‌ها و لکه‌های سیاه و سفید بزرگ به نظر بی‌نظیر می‌آیند. رمان‌های منظره متفکرانه و کمی کنایه‌آمیز اثر I. Golitsyn به تفصیل شرح داده شده‌اند، که در آن هر خانه داستان کاملی درباره زندگی یک شهر بزرگ است، و تقاطع خیابانی برای ما در یک دید آنی و تا حدی بدبینانه طوماری از زندگی روزمره انسان‌ها آشکار می‌شود. تکنیک حکاکی نقره انعطاف پذیر گلیتسین تا حد زیادی تحت تأثیر فاورسکی شکل گرفت. ظرافت حکاکی‌های چوبی، غنای رنگی آن، چنان تابع فاوورسکی است که گویی افق‌های گولیتسین، هنرمند یک تکنیک بزرگ‌تر و شجاعانه‌تر لینوکت را گسترش می‌دهد (تصویر 25)،

اندکی خشن، قابل توجه، و در معمولی ترین جلوه های آن، زندگی جریان دارد 24. A. A. U Shin. باران. 1960 از یک شهر بزرگ در حکاکی های V. Volkov از لنینگراد. فارغ از هیاهو و شلوغی چیزهای بی اهمیت، ورق های او واقعیت را به یادگار می گذارد، گویی ریتم باشکوه شجاعانه آن را در جریان زندگی روزمره آشکار می کند. و مردم توسط هنرمند در یک جنبه، اما مهم نشان داده می شوند - اینها افراد خشن و لاکونیک کار هستند.

هنرمند گرجستانی D. Nodia فعالانه چشم انداز صنعتی و صحنه های کارگری را در پویایی می بیند. دنیای شفاف جوانی، تلفیقی شگفت‌انگیز از وضوح کودکانه روح و ظرافت بزرگسالانه حرکات معنوی، توسط Y. Manukhin در تصویر شکننده‌ای از علف‌های علف محبوبش آشکار می‌شود.

همین هنرمند در حکاکی که به مبارزه برای صلح اختصاص دارد، به بیان خاصی از تصویری دست می یابد که خشم و درد هیروشیما را در خود جای داده است. در عین حال، منوخین از نزدیکی ورق سهل خود به هنر پوستر چیزهای زیادی آموخت (تصویر 26).

V. Popkov (بیماری 27) به طور مفصل در مورد کار کارگران حمل و نقل در مجموعه ای از حکاکی ها و گواش ها صحبت می کند که در سال های اخیر به عنوان یک نقاش نیز به طرز جالبی عمل کرده است. در تمام این آثار، هنرمندان جوان وجوه متفاوتی از مدرنیته ما را به ما نشان می دهند که به شیوه خود و بسیار تازه دیده می شود.

البته، همه در چاپگری اکنون فقط موفق نیستند. همچنین نوشتار کوچک روزمره، مصورسازی وجود دارد. ما اغلب با آنها در مجموعه های اختصاص داده شده به کار، و همچنین با پروتکل خسته کننده در چشم انداز صنعتی مواجه می شویم. چیزهایی نیز وجود دارد که تمام معنای آنها با تزئینات بیرونی آنها تمام شده است. از سوی دیگر، آنچه در چاپ سال‌های اخیر تازه بود، در طراحی زاده شد، اگرچه چنین جدایی قدرتمند از جوانان در اینجا ظاهر نشد. در این زمینه راه خلاق V. E. Tsigal (متولد 1916) است. در اولین سالهای پس از جنگ با مجموعه ای از نقاشی های جوهر و آبرنگ شروع شد، که در آن زندگی و کار مردم شوروی به طور واقعی و اغلب به صورت غنایی و گرم، اما هنوز بدون اکتشافات هنری بزرگ نشان داده شد. تسیگال تا حدی به دلیل فعالیت بیش از حد او، تمایل به پوشش با هنر خود طیف وسیعی از پدیده های زندگی را مختل کرد. تسیگال به سرعت کار کرد، مجموعه های بزرگی از ورق های او تقریباً در تمام نمایشگاه های بزرگ ظاهر شد. اما تمرکز خلاقانه واقعی تنها زمانی به او دست یافت که با شروع به سفر و مطالعه زندگی دهقانان در روستاهای کوهستانی داغستان، برای مدت نسبتاً طولانی به این موضوع علاقه مند شد که البته از این موضوع بسیار سپاسگزار بود. هنرمند اینگونه بود که سریال داغستان او (1959 - 1961) ظاهر شد که گام بزرگی برای تسیگال بود. در این چرخه جذابیت تمام نشدنی تازگی زندگی کوهستانی ها نیز وجود دارد که برای هنرمند آشکار شد و برخی ویژگی های بسیار پنهانی و روزمره که با نگاهی دوستانه و احساس هماهنگی خاص بین انسان و طبیعت به چشم می خورد. ورقه های آن بر کنار هم قرار گرفتن ظریفی از نقوش رایج در داغستان ساخته شده است، اما به طور ناگهانی هم ویژگی های شیوه زندگی و هم روابط مردم، جاودانه و در عین حال ظریفانه مدرن را برای ما آشکار می کند (تصویر 28).

در ظهور فعلی گرافیک سه پایه، هنر پیچیده / ظریف آبرنگ جای خود را پیدا کرده است. در آبرنگ، چشم مطمئن و دستی سریع و دقیق به ویژه مورد نیاز است. اصلاحات در آن تقریبا غیرممکن است و حرکت قلم مو با رنگ و آب به طرز فریبنده ای آسان است و نیاز به نظم و انضباط سخت هنرمند دارد. اما امکانات رنگ آمیزی آبرنگ ها غنی است و شفافیت کاغذ در زیر لایه شفاف رنگ، سبکی و لطافت بی نظیری به آن می بخشد. یکی از بزرگترین خبره‌ها زمانی می‌نویسد: "آبرنگ نقاشی است که پنهانی دوست دارد گرافیک شود. آبرنگ گرافیکی است که مودبانه و با ظرافت به نقاشی تبدیل می‌شود و دستاوردهای خود را نه بر روی کاغذ کشتن، بلکه بر روی آشکار کردن عجیب و غریب سطح کشسان و ناپایدارش می‌سازد." گرافیک شوروی A. A. Sidorov. اکنون نیز مانند دهه 1930، نقاشان منظره در کشور ما استاد آبرنگ هستند. آثار S. Boym، N. Volkov، G. Khrapak، S. Semenov، V. Alfeevsky، D. Genin، A. Mogilevsky و بسیاری دیگر، زندگی یک شهر مدرن، طبیعت را در غنای رنگ های آن نشان می دهد. تنوع فوق العاده آن و کمتر و کمتر توصیف انفعالی پناهگاه خود را در منظر می یابد.

اینها برخی از ویژگی های گرافیک مدرن شوروی است. با این حال، تصویر او به قدری پیچیده و غنی است که البته شایسته توضیح جداگانه است. هدف ما فقط آشنایی با آثار مشهورترین استادان گرافیک سه پایه و لحظاتی از تاریخ آن بود.

هنرمند Yu.I. Pimenov که نقاشی های او در بالا مورد بحث قرار گرفت، نوشت: "مسیر هنرمند مسیر طلسم زندگی و مسیر بیان آن پر از ناامیدی و شکست است. اما در هر چیز صادقانه یک دانه وجود دارد. ، یک ریز ذره مورد نظر، سپس یک پژواک، در جایی موجی از این احساس دریافت می شود و شکوفا می شود. به خاطر این «دانه ی مطلوب»، به خاطر موج احساس متقابلی که برای هنرمند کاملاً ضروری است، همه کار سخت و شادی آور او انجام می شود.

اگر فکر می کنید که همه هنرمندان بزرگ در گذشته هستند، پس نمی دانید چقدر در اشتباه هستید. در این مقاله با مشهورترین و با استعدادترین هنرمندان زمان ما آشنا خواهید شد. و، باور کنید، آثار آنها کمتر از آثار استاد از دوران گذشته در حافظه شما خواهد ماند.

وویچ بابسکی

وویچ بابسکی هنرمند معاصر لهستانی است. او از مؤسسه پلی تکنیک سیلزی فارغ التحصیل شد، اما خود را با. اخیراً بیشتر زنان را نقاشی می کند. بر تجلی احساسات تمرکز می کند، به دنبال به دست آوردن بیشترین تأثیر ممکن با وسایل ساده است.

عاشق رنگ است، اما اغلب از سایه های سیاه و خاکستری برای رسیدن به بهترین تاثیر استفاده می کند. از آزمایش تکنیک های جدید نمی ترسید. اخیراً او در خارج از کشور محبوبیت بیشتری پیدا کرده است، عمدتاً در بریتانیا، جایی که او با موفقیت آثار خود را که در حال حاضر در بسیاری از مجموعه های خصوصی یافت می شود، به فروش می رساند. او علاوه بر هنر به کیهان شناسی و فلسفه نیز علاقه دارد. به موسیقی جاز گوش می دهد. در حال حاضر در کاتوویتس زندگی و کار می کند.

وارن چانگ

وارن چانگ هنرمند معاصر آمریکایی است. او در سال 1957 متولد شد و در مونتری، کالیفرنیا بزرگ شد و در سال 1981 با مدرک لیسانس هنرهای زیبا در هنرهای زیبا از دانشکده طراحی مرکز هنر در پاسادنا فارغ التحصیل شد. برای دو دهه بعد، او قبل از شروع کار خود به عنوان یک هنرمند حرفه ای در سال 2009، به عنوان تصویرگر برای شرکت های مختلف در کالیفرنیا و نیویورک کار کرد.

نقاشی های واقع گرایانه او را می توان به دو دسته اصلی تقسیم کرد: نقاشی های داخلی زندگی نامه ای و نقاشی هایی که افراد کارگر را به تصویر می کشند. علاقه او به این سبک نقاشی ریشه در آثار نقاش قرن شانزدهم یان ورمیر دارد و به اشیاء، پرتره های شخصی، پرتره اعضای خانواده، دوستان، دانش آموزان، استودیو، کلاس درس و فضای داخلی خانه گسترش می یابد. هدف او ایجاد روحیه و احساس در نقاشی های رئالیستی خود از طریق دستکاری نور و استفاده از رنگ های خاموش است.

چانگ پس از گذار به هنرهای تجسمی سنتی به شهرت رسید. در طول 12 سال گذشته، او جوایز و افتخارات متعددی را به دست آورده است، که معتبرترین آنها امضای استاد از انجمن نقاشان روغن آمریکا، بزرگترین انجمن نقاشی رنگ روغن در ایالات متحده است. از 50 نفر فقط یک نفر مفتخر به دریافت این جایزه می شود. در حال حاضر، وارن در مونتری زندگی می کند و در استودیوی خود کار می کند، او همچنین در آکادمی هنر سانفرانسیسکو تدریس می کند (معروف به عنوان یک معلم با استعداد).

اورلیو برونی

اورلیو برونی هنرمند ایتالیایی است. متولد 15 اکتبر 1955 در بلر. فارغ التحصیل رشته صحنه نگاری از موسسه هنر در اسپولتو. به عنوان یک هنرمند، او خودآموخته است، زیرا او به طور مستقل "خانه دانش" را بر روی پایه ای که در مدرسه گذاشته شده بود، بنا کرد. او نقاشی با رنگ روغن را از 19 سالگی آغاز کرد. در حال حاضر در آمبریا زندگی و کار می کند.

نقاشی اولیه برونی ریشه در سوررئالیسم دارد، اما با گذشت زمان او شروع به تمرکز بر نزدیکی رمانتیسیسم غنایی و نمادگرایی می کند و این ترکیب را با پیچیدگی و خلوص شخصیت هایش تقویت می کند. اشیاء جاندار و بی جان از کرامت یکسانی برخوردارند و تقریباً بیش از حد واقع گرایانه به نظر می رسند، اما در عین حال، آنها پشت پرده پنهان نمی شوند، بلکه به شما اجازه می دهند جوهر روح خود را ببینید. تطبیق پذیری و پیچیدگی، احساسی بودن و تنهایی، اندیشیدن و ثمربخشی روح اورلیو برونی است که از شکوه هنر و هارمونی موسیقی تغذیه می شود.

الکساندر بالوس

آلکاساندر بالوس هنرمند معاصر لهستانی متخصص در نقاشی رنگ روغن است. در سال 1970 در گلیویس لهستان متولد شد، اما از سال 1989 در ایالات متحده آمریکا در شهر شستا در کالیفرنیا زندگی و کار می کند.

او در کودکی زیر نظر پدرش جان، هنرمند و مجسمه ساز خودآموخته هنر آموخت، بنابراین از همان دوران کودکی، فعالیت هنری مورد حمایت کامل پدر و مادر قرار گرفت. در سال 1989، در سن هجده سالگی، بالوس لهستان را به مقصد ایالات متحده ترک کرد، جایی که معلم مدرسه و هنرمند پاره وقت او، کتی گاگلیاردی، آلکاساندر را تشویق کرد تا در مدرسه هنر ثبت نام کند. بالوس سپس یک بورسیه تحصیلی کامل برای دانشگاه میلواکی ویسکانسین دریافت کرد و در آنجا نزد استاد فلسفه هری روزین نقاشی خواند.

پس از اتمام تحصیلات خود در سال 1995 با مدرک لیسانس، بالوس به شیکاگو نقل مکان کرد تا در دانشکده هنرهای زیبا تحصیل کند که روش های آن بر اساس کارهای ژاک لوئیس دیوید است. رئالیسم فیگوراتیو و پرتره بخش عمده ای از آثار بالوس را در دهه 90 و اوایل دهه 2000 تشکیل می دادند. امروزه بالوس بدون ارائه راه حلی از شخصیت انسان برای برجسته کردن ویژگی ها و کاستی های وجودی انسان استفاده می کند.

ترکیبات طرح نقاشی های او قرار است به طور مستقل توسط بیننده تفسیر شود، تنها در این صورت بوم ها معنای زمانی و ذهنی واقعی خود را به دست خواهند آورد. در سال 2005، این هنرمند به شمال کالیفرنیا نقل مکان کرد، از آن زمان دامنه کار او به طور قابل توجهی گسترش یافته است و اکنون شامل روش های آزادتر نقاشی، از جمله انتزاع و سبک های چند رسانه ای مختلف است که به بیان ایده ها و ایده آل های بودن از طریق نقاشی کمک می کند.

آلیسا راهبان

آلیسا مونک یک هنرمند معاصر آمریکایی است. او در سال 1977 در ریج وود، نیوجرسی به دنیا آمد. او از کودکی به نقاشی علاقه مند شد. او در New School در نیویورک و دانشگاه ایالتی مونتکلیر تحصیل کرد و در سال 1999 از کالج بوستون با مدرک لیسانس فارغ التحصیل شد. همزمان در آکادمی لورنزو مدیچی در فلورانس نقاشی خواند.

سپس تحصیلات خود را در مقطع کارشناسی ارشد در آکادمی هنر نیویورک در بخش هنرهای تجسمی ادامه داد و در سال 2001 فارغ التحصیل شد. او در سال 2006 از کالج فولرتون فارغ التحصیل شد. او به طور مختصر در دانشگاه ها و مؤسسات آموزشی سراسر کشور سخنرانی کرد و در آکادمی هنر نیویورک و همچنین دانشگاه ایالتی مونتکلر و کالج هنر آکادمی لایم به تدریس نقاشی پرداخت.

با استفاده از فیلترهایی مانند شیشه، وینیل، آب و بخار، بدن انسان را مخدوش می کنم. این فیلترها به شما این امکان را می دهند که مناطق بزرگی از طراحی انتزاعی را ایجاد کنید، جزایری از رنگ که از آنها - قسمت هایی از بدن انسان - به چشم می خورند.

نقاشی‌های من نگاه مدرن به ژست‌ها و ژست‌های سنتی و سنتی زنان در حال حمام را تغییر می‌دهد. آن‌ها می‌توانستند درباره‌ی چیزهای به ظاهر بدیهی مانند فواید شنا، رقص و غیره، به بیننده‌ای توجه کنند. شخصیت‌های من به شیشه‌ی پنجره کابین دوش فشار می‌آورند و بدن خودشان را مخدوش می‌کنند و متوجه می‌شوند که از این طریق بر نگاه بدنام مرد به یک زن برهنه تأثیر می‌گذارند. لایه های ضخیم رنگ با هم مخلوط می شوند تا شیشه، بخار، آب و گوشت را از دور تقلید کنند. با این حال، از نزدیک، خواص فیزیکی شگفت انگیز رنگ روغن آشکار می شود. با آزمایش لایه‌های رنگ و رنگ، لحظه‌ای را می‌بینم که ضربه‌های انتزاعی به چیز دیگری تبدیل می‌شوند.

هنگامی که برای اولین بار نقاشی بدن انسان را شروع کردم، بلافاصله مجذوب و حتی وسواس آن شدم و احساس کردم که باید نقاشی هایم را تا حد امکان واقعی کنم. من رئالیسم را تا زمانی که شروع به بازگشایی و ساختارشکنی کرد، «اظهار» کردم. اکنون در حال بررسی امکانات و پتانسیل سبکی از نقاشی هستم که در آن نقاشی بازنمایی و انتزاع با هم تلاقی می‌کنند - اگر هر دو سبک بتوانند در یک لحظه در زمان همزیستی داشته باشند، این کار را انجام خواهم داد.

آنتونیو فینیلی

هنرمند ایتالیایی - ناظر زمان– آنتونیو فینیلی در 23 فوریه 1985 به دنیا آمد. در حال حاضر در ایتالیا بین رم و کامپوباسو زندگی و کار می کند. آثار او در چندین گالری در ایتالیا و خارج از کشور به نمایش گذاشته شده است: رم، فلورانس، نوارا، جنوا، پالرمو، استانبول، آنکارا، نیویورک، و همچنین می توان آنها را در مجموعه های خصوصی و عمومی یافت.

نقاشی های مداد " ناظر زمانآنتونیو فینیلی ما را به سفری ابدی در دنیای درونی موقتی انسان و تحلیل دقیق این جهان مرتبط با آن می فرستد که عنصر اصلی آن گذر زمان و ردپایی است که بر روی پوست می گذارد.

فینیلی پرتره هایی از افراد با هر سن، جنسیت و ملیت می کشد که حالات چهره آنها نشان دهنده گذر زمان است و هنرمند همچنین امیدوار است شواهدی از بی رحمی زمان بر روی بدن شخصیت هایش بیابد. آنتونیو آثار خود را با یک عنوان کلی تعریف می کند: «خودنگاری»، زیرا او در طراحی های مداد خود نه تنها یک شخص را به تصویر می کشد، بلکه به بیننده اجازه می دهد تا به نتایج واقعی گذر زمان در درون یک شخص فکر کند.

فلامینیا کارلونی

فلامینیا کارلونی هنرمند 37 ساله ایتالیایی، دختر یک دیپلمات است. او سه فرزند دارد. دوازده سال در رم، سه سال در انگلستان و فرانسه زندگی کرد. مدرک تاریخ هنر را از دانشکده هنر BD دریافت کرد. سپس دیپلم در ترمیم تخصصی آثار هنری دریافت کرد. قبل از اینکه او را بیابد و کاملاً خود را وقف نقاشی کند، به عنوان روزنامه‌نگار، رنگ‌نویس، طراح و بازیگر کار می‌کرد.

اشتیاق فلامینیا به نقاشی در کودکی به وجود آمد. رسانه اصلی او روغن است، زیرا او عاشق "coiffer la pate" است و همچنین با مواد بازی می کند. او تکنیک مشابهی را در آثار هنرمند پاسکال توروآ آموخت. فلامینیا از استادان بزرگ نقاشی مانند بالتوس، هاپر و فرانسوا لگراند و همچنین جنبش های هنری مختلف الهام گرفته شده است: هنر خیابانی، رئالیسم چینی، سوررئالیسم و ​​رئالیسم رنسانس. هنرمند مورد علاقه او کاراواجو است. رویای او کشف قدرت درمانی هنر است.

دنیس چرنوف

دنیس چرنوف یک هنرمند با استعداد اوکراینی است که در سال 1978 در سامبیر، منطقه لویو، اوکراین به دنیا آمد. پس از فارغ التحصیلی از کالج هنر خارکف در سال 1998، در خارکف ماند و در حال حاضر در آنجا زندگی و کار می کند. او همچنین در آکادمی دولتی طراحی و هنر خارکف، گروه گرافیک تحصیل کرد و در سال 2004 فارغ التحصیل شد.

او به طور منظم در نمایشگاه های هنری شرکت می کند، در حال حاضر بیش از شصت مورد از آنها چه در اوکراین و چه در خارج از کشور وجود داشته است. بیشتر آثار دنیس چرنوف در مجموعه های خصوصی در اوکراین، روسیه، ایتالیا، انگلیس، اسپانیا، یونان، فرانسه، ایالات متحده آمریکا، کانادا و ژاپن نگهداری می شود. برخی از آثار در حراج کریستی فروخته شد.

دنیس در طیف گسترده ای از تکنیک های گرافیک و نقاشی کار می کند. طراحی با مداد یکی از روش های نقاشی مورد علاقه اوست، فهرست موضوعات طراحی های مداد او نیز بسیار متنوع است، او مناظر، پرتره، برهنه، ترکیب بندی ژانر، تصویرسازی کتاب، بازسازی های ادبی و تاریخی و فانتزی ها را نقاشی می کند.

گرافیک نوعی هنر زیباست.

اصطلاح "گرافیک" از کلمه یونانی "grapho" گرفته شده است - من می نویسم. ابزار بصری اصلی گرافیک عبارتند از: خط، ضربه، نقطه و نقطه. رنگ اصلی مشکی است، البته از رنگ های دیگر می توان به عنوان رنگ کمکی استفاده کرد.

M. Vrubel. تصویرسازی تراژدی توسط A.S. پوشکین "موتسارت و سالیری"
پس زمینه کاغذ در گرافیک نقش فضا را ایفا می کند که برای طراحی گرافیکی مهم است.
گرافیک، با وجود زبان خسیس تر در مقایسه با نقاشی، با امکانات بیشتری برای به تصویر کشیدن و انتقال احساسات متمایز می شود. فقط باید نقاشی های هنرمند جوان نادیا روشوا را به خاطر بسپارید. آنها با سبکی، دقت و عمق تصاویر مجذوب می شوند. می توانید در مورد این هنرمند بخوانید.

N. Rusheva "پوشکین و پوشچین"
بسیاری از هنرمندان مشهور از امکانات گرافیک استفاده کردند: بیلیبین، بروگل، ون گوگ، واتو، وروبل، گویا، کوارنگگا، لئوناردو داوینچی، آلفونس موچا، رامبراند، تیتیان، سوموف، هوکوسای و دیگران.

ف. تولستوی "زیر بازی کوپید" کاغذ رنگی، مداد، قهوه ای، سفید رنگ

ژانرهای گرافیک اساساً با ژانرهای نقاشی یکی هستند. اما در اینجا ژانر پرتره و منظره بیشتر رایج است، تا حدی کمتر - ژانرهای تاریخی، روزمره و سایر ژانرها.

M. Demidov "پرتره S. Rachmaninoff"

V. Favorsky "میخائیل کوتوزوف" (1945). از سریال "ژنرال های بزرگ روسی"

V. Favorsky "دانشجوی لیسه پوشکین" (1935)

منظره در یک نقاشی گرافیکی با رنگ ها بازی نمی کند، اما با ظرافت احساسات شگفت زده می شود و تخیل را تشویق می کند.

S. Nikireev "قاصدک ها"

کارهای گرافیکی هنرمندان مشهور جهان

هنر گرافیک متنوع است و هنرمندان را با توانایی انتقال احساسات و افکار تنها با یک مداد یا خودکار جذب می کند. این امکان نه تنها گرافیست خالق اثر هنری، بلکه بیننده را نیز مجذوب خود می کند.

A. Durer "Self Portrait" (1500). Alte Pinakothek (مونیخ)
هنرمند بزرگ اروپایی آلبرشت دورر(1471-1528)، میراث بزرگی از نقاشی ها - حدود هزار نفر: مناظر، پرتره ها، طرح های مردم، حیوانات و گیاهان را به جا گذاشت. این هنرمند به طور کامل دقیقاً در نقاشی گرافیکی آشکار شد، زیرا. در نقاشی ها، او همیشه از خودسری مشتریان رها نبود.
دورر دائماً در چیدمان، تعمیم، ساخت فضا تمرین می کرد. نقاشی های حیوانی و گیاه شناسی او با مهارت و مشاهده بالا متمایز است. بیشتر نقاشی های او با دقت ساخته شده است. او در حکاکی ها و نقاشی های خود بارها نقوش کارهای گرافیکی را تکرار می کرد.

A. Dürer "Praying Hands" (حدود 1508)

کاتسوشیکا هوکوسای "خود پرتره"
کاتسوشیکا هوکوسای(1760-1849) - هنرمند بزرگ ژاپنی ukiyo-e (تصاویر جهان در حال تغییر)، تصویرگر، حکاکی. او نویسنده بسیاری از نقشه ها و حکاکی های گرافیکی است.

کاتسوشیکا هوکوسای "موج بزرگ کاناگاوا" (1823-1831)

ولادیمیر آندریویچ فاورسکی(1886-1964) - گرافیست روسی و شوروی، استاد پرتره، حکاکی روی چوب و گرافیک کتاب، منتقد هنری، طراح صحنه، نقاشی دیواری، معلم و نظریه پرداز هنرهای زیبا، استاد.

به خاطر چرخه های گرافیک و حکاکی و همچنین تصویرسازی آثار A.S. پوشکین، به «داستان کارزار ایگور»، ترجمه‌های مارشاک، داستان‌های پریشوین و تولستوی و غیره.
فاورسکی در بینش پلاستیکی خود به موزائیک نویسان بیزانسی، به میکل آنژ، وروبل نزدیک است.

V. Favorsky. تصویرسازی برای "تراژدی های کوچک" اثر A.S. پوشکین
لئوناردو داوینچی(1452-1519). "مرد جهانی": هنرمند و دانشمند ایتالیایی، مخترع، نویسنده، موسیقی دان، یکی از بزرگترین نمایندگان هنر رنسانس عالی.

خود پرتره ادعایی لئوناردو داوینچی
این هنرمند به طور مداوم نتایج مشاهدات خود از دنیای اطراف خود را در طرح ها ثبت می کرد، طرح هایی که با تکنیک های مختلف (مداد ایتالیایی، مداد نقره ای، سانگوئین، خودکار و غیره) ساخته شده بود، در انتقال حالات چهره، ویژگی های فیزیکی و حرکات به وضوح می رسید. بدن انسان، همه چیز را به کمال می رساند، مطابق با فضای معنوی ترکیب او.

لئوناردو داوینچی. طرحی از سر یک دختر جوان (سر یک فرشته برای نقاشی "مدونا در صخره ها")

لئوناردو داوینچی "مرد ویترویی" (1490). گالری آکادمی ونیز (ایتالیا)
این نقاشی برای تعیین نسبت های بدن انسان (مرد) ایجاد شده است، همانطور که در رساله معمار رومی باستان ویترویوس "درباره معماری" توضیح داده شده است.
مرد ویترویی- شکل یک مرد برهنه در دو حالت روی هم قرار گرفته است: با دستها و پاها از هم باز، حک شده در یک دایره. با دست‌ها و پاهای باز به هم نزدیک شده و به شکل مربع حک شده است. این شکل و توضیحات آن را گاهی «نسبت های متعارف» می نامند.
طراحی با قلم، جوهر و آبرنگ با مداد فلزی انجام شده است، ابعاد طرح 34.3 × 24.5 سانتی متر است.
این نقاشی هم یک اثر علمی و هم یک اثر هنری است، این نشان دهنده علاقه لئوناردو به تناسبات است.

کاریکاتور

یک ژانر گرافیکی خاص کاریکاتور است (طراحی طنز، کارتون).
کاریکاتور یکی از قدیمی ترین انواع نقاشی است. منعکس کننده مشکلات جامعه است و از زمان های اولیه به عنوان روش خاصی برای ابراز وجود بر مجرم عمل می کرد. پس دشمنان را مسخره کردند، پس مردم حاکمان یا بردگان خود را مسخره کردند. معمولاً این یک نقاشی با تحریف های فاحش از ویژگی های مجرمان یا اضافه کردن شاخ، دم و غیره بود. منشا کاریکاتور در روسیه در قرن هفدهم رخ داد. از چاپ های عامیانه
کاریکاتور در قالب طنز یا طنز و در حال حاضر هر گونه پدیده اجتماعی، سیاسی اجتماعی، روزمره، چهره واقعی یا تیپ های مشخص از مردم را به تصویر می کشد.
کاریکاتور مدرن یک نقاشی طنز یا طنز است، یک حکایت همسان. با توجه به موضوع کارتون های سیاسی، اجتماعی، روزمره و ... متمایز می شوند.ژانر کاریکاتور در سراسر جهان در حال توسعه است.

سرمایه داری از نگاه هرلوف بیدستراپ، کاریکاتوریست دانمارکی (1912-1988)
کاریکاتوریست های معروف داخلی: چرمنیخ، روتوف، سمیونوف، برودات، دنیس، کوکرینیکسی، افیموف.

کوکرینیکسی (از چپ به راست: پورفیری کریلوف، میخائیل کوپریانوف، نیکولای سوکولوف)

کاریکاتور کوکرینیکسی
کاریکاتور(fr. charge) - نوعی کاریکاتور; تصویری طنز یا خوش اخلاق و طنز (معمولاً پرتره) که در آن شباهت بیرونی مشاهده می شود، اما مشخصه ترین ویژگی های مدل برجسته شده است. کارتون ها می توانند افراد، حیوانات و اشیاء مختلف را به تصویر بکشند. برخلاف کاریکاتورها، کارتون ها کاستی های قهرمان را به سخره نمی گیرند، آنها خوش اخلاق هستند، مردم را لبخند می زنند، اما به شخصیت های به تصویر کشیده نمی خندند.

کاریکاتور ماکسیم گالکین
نوع دیگر کاریکاتور گروتسک است.
گروتسک(گروتسک فرانسوی، به معنای واقعی کلمه - "عجیب"، "کمیک" - نوعی فعالیت هنری است که به طور کمدی یا تراژیکیک داستان زندگی را از طریق ترکیبی از واقعی و خارق العاده تعمیم و تیز می کند. نقاشی، موسیقی در واقع گروتسک در ذات یک تفکر هنری خاص است، نوعی هدیه است. آریستوفان، F. Rabelais، E. T. A. Hoffmann، N. V. Gogol، M. Twain، F. Kafka، M. A. Bulgakov، M. E. Saltykov-Shchedrin در ژانر گروتسک نوشتند.اما در این مقاله فقط گروتسک در هنرهای تجسمی را در نظر می گیریم.

گروتسک غنایی

بچه ها ما روحمون رو گذاشتیم تو سایت برای آن متشکرم
برای کشف این زیبایی با تشکر از الهام بخشیدن و الهام گرفتن
به ما بپیوندید در فیس بوکو در تماس با

نقاط روشن، پاشش نور، هوای درخشان - این هنرمندان جهان را به‌گونه‌ای لمس‌کننده زیبا و رنگارنگ می‌بینند.
سایت اینترنتیپیشنهاد می کند به دنیا از چشم این جادوگران نگاه کند. منتخبی از نقاشی‌های امپرسیونیست‌های مدرن که به طرز ماهرانه‌ای رنگ و نور دارند، به شما توجه می‌کنند.

آثار هنرمند بلغاری Tsviatko Kinchev در سبک امپرسیونیسم، نقاشی های دیجیتالی هستند: آنها بر روی کامپیوتر، در فتوشاپ ساخته شده اند. خلاقیت های فوق العاده آبدار هنرمند بر زیبایی و روشنایی دنیای اطراف تأکید دارد.

هنرمند هلندی ویلیام هنریتس در آبرنگ، اکریلیک و پاستل کار می کند. خلقت او لطافت شگفت انگیزی است، هوای زنگی که رنگ هایش تنفس می کند، خطوط برازنده اش. آثار ویلیام به صورت پوستر و چاپ سنگی با کیفیت در سراسر جهان شناخته شده است.

یوری پترنکو در سوچی به دنیا آمد. حدود 20 سال به طور حرفه ای به نقاشی مشغول است. رنگ های شاداب، خانه های زیبا، کشتی ها و دریا. از نقاشی های او خورشید داغ و نسیم شور نفس می کشد. آثار او تقریباً در تمام کشورهای جهان در مجموعه های خصوصی موجود است.

هوویک زهرابیان هنرمند ارمنی در خانواده هنرمند و مجسمه ساز مشهور نیکوغوس زهرابیان متولد شد. در پشت لمس های مشخصه امپرسیونیسم، سبک منحصر به فرد خود هنرمند ظاهر می شود. شهرهای رنگارنگ دنج آن، خانه های روشن پر از آفتاب و شادی هستند.

لیندا وایلدر یک هنرمند کانادایی است. لیندا عاشق نقاشی مناظر است و چاقوی پالت یکی از ابزارهای مورد علاقه اوست. خطوط روشن و دقیق، سایه‌ها و خطوط ظریف - نقاشی‌های لیندا در مجموعه‌های شرکتی و خصوصی در کانادا و سراسر جهان هستند.

کن هونگ لونگ هنرمند چینی-آمریکایی حس ظریف رنگی دارد و قادر است جادوی صلح را منتقل کند. دهکده های ماهیگیری و مناظر خط ساحلی آن تبدیل به حسی در محافل هنری هنگ کنگ شده است. کن را یکی از بهترین نقاشان نئو امپرسیونیست جهان می دانند. او را استاد مناظر مسحور، حالات رویایی و بازتاب های جادویی نور و رنگ می نامند.

یوهان مسلی در بلژیک زندگی و کار می کند. نقاشی های او منعکس کننده دنیای دنج حیاط های سایه دار استانی، دروازه های قدیمی و پنجره های مهربان است. یوهان می داند چگونه آرامش و شادی آرام را با ضربات بی دقت منتقل کند. این هنرمند با رنگ روغن و پاستل کار می کند.

جیل چاروک هنرمند معاصر کانادایی است. او بیست سال است که در صنعت پوشاک و داخلی کار می کند. او عاشق اغراق در رنگ ها، افزایش کنتراست ها است. نقاشی های پر جنب و جوش او مورد تحسین بین المللی قرار گرفته اند و در مجموعه های هنر معاصر در آمریکای شمالی، مکزیک و اروپا قرار دارند. جیل عمدتاً با روغن و اکریلیک رنگ می کند.