کلاسیک به عنوان یک روند هنری قرن هفدهم. تجمل و سختگیری کلاسیک گرایی کلاسیک گرایی در هنر اروپای غربی قرن هفدهم

کلاسیک گرایی یک جنبش هنری در هنر و ادبیات قرن 17 و 18 است. این جهت با ویژگی هایی مانند رعایت دقیق هنجارها و قوانین و موضوعات بالای مدنی مشخص می شود. خاستگاه کلاسیک گرایی به دلیل مبارزه با باروک عالی بود.

کلاسیک گرایی در قرن هفدهم در فرانسه به اوج خود رسید: در شعر به لطف لافونتن، در دراماتورژی - به راسین، مولیر و کورنیل، و در نقاشی به دلیل آثار پوسن. این جهت از هنر ادبی با استفاده از اصل طبقه برای ژانرهای مختلف مشخص می شود.

تجاوز به زنان سابین. نیکلاس پوسین

شعر کلاسیک تمام ژانرها را به "کم" (افسانه، کمدی، طنز و غیره) و "بالا" (قصیده، تراژدی، حماسی) "شکست" داد. علاوه بر این ، او آنها را بر اساس طبقه بندی متمایز کرد: فقط افراد عادی وارد ژانر پایین می شدند و فقط شاهزادگان ، پادشاهان ، ژنرال ها و درباریان می توانستند در ژانر عالی شرکت کنند. قهرمانان کمدی فقط قرار بود تماشاگر را بخندانند، در حالی که قهرمانان تراژدی حق داشتند آنها را لمس کنند. علاوه بر این، تقسیم طبقاتی ژانرها نیز در تفاوت سبک و زبان بیان شد. بنابراین، تراژدی لزوماً به سبکی شاعرانه و بلند نوشته شده بود و کاملاً از مفاهیم معمولی روزمره و حتی کلمات خالی بود. تراژدی فرانسوی قرن هفدهم تراژدی کنش قهرمانانه است؛ غنایی، خارق العاده و معجزه آسا را ​​نمی پذیرد.

ویژگی اصلی کلاسیک گرایی هنجاری و پایبندی دقیق به تمام قواعد دکترین کلاسیک نامیده می شود. هنجارگرایی را باید نتیجه فقدان اتکای مطلق به عقل و تفکر تاریخی در کلاسیک گرایی دانست. کلاسیک گرایان آن زمان بر این باور بودند که قوانین عقل، تغییر ناپذیر و ابدی، مشترک برای کل جامعه، "سلیقه خوبی" را در زمینه هنر ایجاد می کند.

در تمام آثار به سبک کلاسیک، همه چیز باید بر اساس عقل باشد و با عقل سلیم توجیه شود. احساسات بلند و نجیب شخصیت ها در مونولوگ های طولانی به نمایش گذاشته شد.

ژاک لوئیس دیوید. "سوگند هوراتی ها" (1784)

اصول اصلی کلاسیک گرایی:

• وظیفه اصلی تشکیل و تقویت سلطنت مطلقه است;
• فقط چیزی که معقول باشد زیبا تلقی می شود. ذهن اساس همه چیز است.
• موضوع اصلی تضاد منافع مدنی و شخصی و همچنین احساسات و وظایف است.
• بالاترین شأن و منزلت یک شخص، خدمت بی چون و چرا به ایده دولتی است.
• دوران باستان - به عنوان الگوی وراثت؛
• تقلید از طبیعت "آرایش یافته"؛
• زیبایی شخصیت اصلی است.

مدت، اصطلاح کلاسیک گرایی معمولاً دلالت بر ارتباط مستقیم با هنر باستانی دارد. با این حال، در همان کلمهکلاسیک گرایی تلفیقی از اصطلاح تاریخی و قضاوت ارزشی وجود دارد. زیرکلاسیک بهترین، مثال زدنی ترین ویژگی های هر ژانر، هر مرحله از تاریخ هنر را درک کنید.

کلاسیک گرایی، به عنوان یک سبک هنری معطوف به دوران باستان، او را به عنوان یک الگوی ایده آل می دید. منشاء آن در فرانسه درXVIIقرن، یعنی در زمانی که باروک در کشورهای دیگر حاکم بود. کلاسیک گرایی اولیه فرانسه خود را به وضوح در معماری و دراماتورژی، و همچنین در نقاشی (Poussin)، موسیقی (Lully) نشان داد.

مانند هنر رنسانس، کلاسیک گرایی با ایمان در ذهن انسان آغشته است. مبنای فلسفی آن بودعقل گرایی دکارت - فلسفه ای که ذهن انسان را به عنوان ابزار اصلی شناخت حقیقت تأیید می کند.

هنرمندان این جریان در پی انتقال واقعیت پیرامون خود نبودند، بلکه دنیایی شاعرانه اصیل خلق کردند که در آن آرمان های نیکی، عدالت و اخلاق والا حکمفرماست.

کلاسیک به کارکرد اجتماعی و آموزشی هنر اهمیت زیادی می داد. او قهرمان جدیدی را مطرح کرد: قوی و شجاع در برابر آزمایشات زندگی، استوارانه در برابر ضربات سرنوشت متحمل می شود، قادر است منافع شخصی را تابع منافع جامعه کند. نکته اصلی در کلاسیک گرایش به یک شروع عقلانی است، زیرا این ذهن است که به فرد دستور می دهد تا وظیفه خود را انجام دهد., و مقوله وظیفه در زیبایی شناسی کلاسیک از شادی شخصی مهمتر است.

معماری کلاسیک نزدیک به عتیقه، که خود را نشان داد:

در کاربرد سیستم سفارش؛

در منطق، وضوح برنامه ریزی؛

در معقول بودن نسبت ها، هندسه اشکال؛

در صورت عدم وجود اضافی تزئینی، سهولت طراحی؛

در ایجاد مجموعه های کاخ و پارک.

به طور کلی، ساختمان های کلاسیک با عظمت و آرامش شدید خود متمایز می شوند. معروف ترین بنای معماری کلاسیک -نمای شرقی موزه لوور (دهه 60 XVIIقرن). معمار کلود پررو، که ساختمان را تکمیل کرد، دوباره در آن ساخته شدشانزدهمقرن. ستون کورنتی با سه برجستگی به شکل رواق (در مرکز و گوشه های نما) راه اندازی شده است.

در خاستگاه کلاسیک گرایی نقاشی بودنیکلاس پوسین (1594-1665)، که خود را وقف مطالعه دوران باستان کرد. او روی موضوعات اساطیری برگرفته از اووید، تورکواتو تاسو نقاشی می‌کرد، مضامین مرتبط با موضوعات کتاب مقدس و تاریخی را توسعه می‌داد، و اغلب به منظره روی می‌آورد. در منظره، پوسین به بیانی از سادگی و آرامش با شکوه دست یافت.

محبوب ترین نویسنده «منظره ایده آل» بودکلود لورن (1604-1682). تصاویر نقاشی های او اغلب از کتاب مقدس، شعر ویرژیل، اووید یا حماسه قرون وسطی الهام گرفته شده است، اما در واقع آنها به یک موضوع اصلی اختصاص داده شده اند - انعکاس هماهنگی درونی طبیعت ("آسکانیو و گوزن") .

به زبان فرانسه دراماتورژی کلاسیک به تیتان هایی مانندکورنیل، راسین، مولیر. کورنیل و راسین بهترین نمونه های تراژدی کلاسیک جدید را خلق کردند و مولیر - کمدی.

در وسط هجدهمقرن، اصول کلاسیک گرایی در روح زیبایی شناسی روشنگری دگرگون شد. اپرای قهرمانانه گلوک در موسیقی کلاسیک است و در نقاشی، بوم های دیوید تجسم کلاسیک گرایی شد.

خانه ملکه (خانه ملکه - خانه ملکه، 1616-1636) در گرینویچ. معمار اینیگو جونز (اینیگو جونز)

زمان فرا رسیده است و عرفان عالی گوتیک با گذراندن آزمایشات رنسانس، جای خود را به ایده های جدید مبتنی بر سنت های دموکراسی های باستانی می دهد. میل به عظمت امپراتوری و آرمان های دموکراتیک به مروری بر تقلید از پیشینیان تبدیل شد - اینگونه بود که کلاسیک گرایی در اروپا ظاهر شد.

در آغاز قرن هفدهم، بسیاری از کشورهای اروپایی تبدیل به امپراتوری های تجاری شدند، طبقه متوسط ​​ظاهر شد، دگرگونی های دموکراتیک روی داد. مذهب به طور فزاینده ای تابع قدرت سکولار شد. دوباره خدایان زیادی وجود داشتند و سلسله مراتب باستانی قدرت الهی و دنیوی به کار آمد. بدون شک این امر نمی تواند بر روند معماری تأثیر بگذارد.

در قرن هفدهم، در فرانسه و انگلستان، سبک جدیدی، کلاسیک، تقریباً مستقل متولد شد. درست مانند باروک معاصر خود، نتیجه طبیعی توسعه معماری رنسانس و دگرگونی آن در شرایط مختلف فرهنگی، تاریخی و جغرافیایی شد.

کلاسیک گرایی(classicisme فرانسوی، از لاتین classicus - نمونه) - سبک هنری و روند زیبایی شناختی در هنر اروپایی اواخر قرن 17 - اوایل قرن 19.

کلاسیک گرایی مبتنی بر ایده است عقل گراییبرآمده از فلسفه دکارت. یک اثر هنری، از دیدگاه کلاسیک گرایی، باید بر اساس قوانین سختگیرانه ساخته شود و از این طریق هماهنگی و منطق خود جهان را آشکار کند. علاقه به کلاسیک گرایی فقط ابدی و تغییرناپذیر است - در هر پدیده، او به دنبال شناخت تنها ویژگی های اساسی و گونه شناختی است و علائم فردی تصادفی را کنار می گذارد. زیبایی شناسی کلاسیک به کارکرد اجتماعی و آموزشی هنر اهمیت زیادی می دهد. کلاسیک قواعد و قوانین بسیاری را از هنر باستانی (ارسطو، افلاطون، هوراس...) گرفته است.

باروکارتباط نزدیکی با کلیسای کاتولیک داشت. کلاسیکیسم یا اشکال محدود باروک در کشورهای پروتستانی مانند انگلستان، هلند، آلمان شمالی و همچنین در فرانسه کاتولیک، جایی که معنای پادشاه بسیار بیشتر از پاپ بود، قابل قبول تر بود. قلمرو یک پادشاه ایده آل باید دارای معماری ایده آل باشد و بر عظمت واقعی پادشاه و قدرت واقعی او تأکید کند. لویی چهاردهم اعلام کرد: «فرانسه من هستم».

در معماری، کلاسیک به عنوان یک سبک معماری رایج در اروپا در قرن 18 - اوایل قرن 19 درک می شود، که ویژگی اصلی آن جذابیت به اشکال معماری باستانی به عنوان معیار هماهنگی، سادگی، دقت، وضوح منطقی، یادبودی و اعتبار فضای پر کردن معماری کلاسیک به طور کلی با نظم برنامه ریزی و وضوح فرم حجمی مشخص می شود. اساس زبان معماری کلاسیک نظم، در نسبت ها و فرم های نزدیک به دوران باستان، ترکیب بندی های متقارن- محوری، مهار تزئینات تزئینی، و سیستم برنامه ریزی شهری منظم بود.

معمولا به اشتراک گذاشته می شود دو دوره در توسعه کلاسیک گرایی. کلاسیک گرایی در قرن هفدهم در فرانسه شکل گرفت و منعکس کننده ظهور مطلق گرایی بود. قرن هجدهم مرحله جدیدی در توسعه آن تلقی می شود، زیرا در آن زمان دیگر آرمان های مدنی مبتنی بر ایده های عقل گرایی فلسفی روشنگری را منعکس می کرد. هر دو دوره با ایده قوانین عقلانی جهان، طبیعت زیبا و اصیل، میل به بیان محتوای اجتماعی عالی، آرمان های والای قهرمانانه و اخلاقی متحد شده اند.

معماری کلاسیک با سختی فرم، وضوح راه حل های فضایی، هندسه فضای داخلی، لطافت رنگ ها و لاکونیسم دکوراسیون بیرونی و داخلی ساختمان ها مشخص می شود. بر خلاف ساختمان های باروک، استادان کلاسیک هرگز توهمات فضایی ایجاد نکردند که نسبت های ساختمان را مخدوش کند. و در معماری پارک به اصطلاح سبک منظمکه در آن همه چمن ها و تخت های گل شکل صحیحی دارند و فضاهای سبز کاملاً در یک خط مستقیم قرار می گیرند و با دقت تزئین می شوند. ( مجموعه باغ و پارک ورسای)

کلاسیک در قرن هفدهم معمول است. برای کشورهایی که در آنها روند فعال تشکیل دولت های ملی وجود داشت و قدرت توسعه سرمایه داری در حال افزایش بود (هلند، انگلستان، فرانسه). کلاسیک گرایی در این کشورها ویژگی های جدیدی از ایدئولوژی بورژوازی در حال ظهور را به همراه داشت و مبارزه برای یک بازار باثبات و گسترش نیروهای مولد را که علاقه مند به تمرکز و اتحاد ملی دولت ها بودند رهبری می کرد. به عنوان مخالف نابرابری های طبقاتی که به منافع بورژوازی تجاوز می کند، ایدئولوگ های آن نظریه یک دولت سازمان یافته عقلانی را بر اساس تبعیت کردن منافع املاک به آن مطرح کردند. به رسمیت شناختن عقل به‌عنوان مبنای سازمان‌دهی زندگی دولتی و اجتماعی با استدلال‌های پیشرفت علمی پشتیبانی می‌شود، که به هر طریق توسط بورژوازی ترویج می‌شود. این رویکرد خردگرایانه برای ارزیابی واقعیت به حوزه هنر نیز منتقل شد، جایی که آرمان شهروندی و پیروزی عقل بر نیروهای عنصری به موضوع مهمی تبدیل شد. ایدئولوژی مذهبی به طور فزاینده ای تابع قدرت سکولار است و در تعدادی از کشورها در حال اصلاح است. طرفداران کلاسیک گرایی نمونه ای از ساختار اجتماعی هماهنگ را در دنیای باستان می دیدند و از این رو برای بیان آرمان های اجتماعی، اخلاقی و زیبایی شناختی خود به نمونه هایی از کلاسیک های باستانی روی آوردند (از این رو اصطلاح کلاسیک را به خود اختصاص دادند). در حال توسعه سنت ها رنسانس، کلاسیک چیزهای زیادی از میراث گرفت باروک.

کلاسیک گرایی معماری قرن هفدهم در دو جهت اصلی توسعه یافت:

• اولین مورد مبتنی بر توسعه سنت های مکتب کلاسیک اواخر رنسانس (انگلیس، هلند) بود.
• دوم - احیای سنت های کلاسیک، تا حد زیادی سنت های رومی باروک (فرانسه) را توسعه داد.

کلاسیک گرایی انگلیسی

میراث خلاق و نظری پالادیو، که میراث باستانی را با تمام وسعت و تمامیت تکتونیکی آن احیا کرد، به ویژه برای کلاسیک ها جذاب بود. در معماری کشورهایی که زودتر از سایرین مسیر را طی کردند، تأثیر زیادی داشت. عقل گرایی معماری. از نیمه اول قرن هفدهم. در معماری انگلستان و هلند که تحت تأثیر نسبتاً ضعیفی از باروک بودند، ویژگی‌های جدیدی تحت تأثیر مشخص شد. کلاسیک گرایی پالادی. معمار انگلیسی نقش مهمی در توسعه سبک جدید ایفا کرد. اینیگو جونز (اینیگو جونز) (1573-1652) - اولین شخصیت خلاق درخشان و اولین پدیده واقعاً جدید در معماری انگلیسی قرن هفدهم. او صاحب برجسته ترین آثار کلاسیک انگلیسی قرن هفدهم است.

در سال 1613 جونز به ایتالیا سفر کرد. در طول مسیر، او به فرانسه سفر کرد و در آنجا موفق شد بسیاری از مهمترین ساختمان ها را ببیند. ظاهراً این سفر انگیزه تعیین کننده در حرکت معمار جونز در جهتی بود که پالادیو نشان داد. در این زمان بود که یادداشت‌های او در حاشیه رساله پالادیو و در آلبوم به آن تاریخ بازمی‌گردد.

مشخص است که تنها قضاوت کلی در میان آنها در مورد معماری به انتقاد مستدل از روندهای خاص در معماری اواخر رنسانس ایتالیا اختصاص دارد: جونز سرزنش می کند. میکل آنژو پیروان او از این جهت که پایه و اساس استفاده بیش از حد از دکورهای پیچیده را بنا نهادند و مدعی است که معماری بنای تاریخی، ج. برخلاف صحنه‌نگاری و ساختمان‌های سبک با عمر کوتاه، باید جدی، عاری از تأثیرگذاری و مبتنی بر قوانین باشد.

در سال 1615، جونز به میهن خود بازگشت. او به عنوان بازرس کل وزارت آثار شاه منصوب شد. سال بعد، او شروع به ساخت یکی از بهترین آثار خود می کند. خانه ملکه (خانه ملکه - خانه ملکه، 1616-1636) در گرینویچ.

در کوئینز هاوس، معمار به طور پیوسته اصول پالادی وضوح و وضوح کلاسیک مفصل بندی نظم، ساختار قابل مشاهده فرم ها و تعادل سیستم تناسبی را توسعه می دهد. ترکیبات کلی و فرم های منفرد ساختمان به طور کلاسیک هندسی و منطقی هستند. این ترکیب تحت سلطه یک دیوار آرام و برش متریک است که مطابق با نظمی متناسب با مقیاس یک فرد ساخته شده است. همه چیز تحت سلطه تعادل و هماهنگی است. در پلان، همان وضوح تقسیم فضای داخلی به فضاهای متعادل ساده محوطه مشاهده می شود.

این اولین سازه جونز که به دست ما رسیده است، هیچ سابقه‌ای برای سخت‌گیری و سادگی برهنه‌اش نداشت و همچنین به شدت با ساختمان‌های قبلی تضاد داشت. با این حال، ساختمان نباید (همانطور که اغلب انجام می شود) بر اساس وضعیت فعلی آن قضاوت شود. بنا به میل مشتری (ملکه آن، همسر جیمز اول استوارت)، خانه درست در جاده قدیمی دوور ساخته شد (موقعیت آن اکنون با ستون های بلند مجاور ساختمان در دو طرف مشخص شده است) و در ابتدا از دو ساختمان تشکیل شده بود. با یک جاده جدا شده و بالای آن توسط یک پل سرپوشیده به هم متصل شده است. پیچیدگی ترکیب زمانی به ساختمان یک شخصیت زیباتر و «انگلیسی» می بخشید که توسط دودکش های عمودی که در بسته های سنتی مونتاژ شده بودند، تأکید می کرد. پیش از این پس از مرگ استاد، در سال 1662، شکاف بین ساختمان ها ایجاد شد. بنابراین معلوم شد که در پلان مربع، فشرده و در معماری خشک است، با یک ایوان تزئین شده با ستون هایی از سمت گرینویچ هیل، با یک تراس و یک پلکان منتهی به یک سالن دو ارتفاع - از سمت تیمز.

همه اینها به سختی مقایسه گسترده کوئینزهاوس را با ویلای مربعی و مرکزی در Poggio a Caiano نزدیک فلورانس که توسط جولیانو دا سانگالو بزرگ ساخته شده است را توجیه می کند، اگرچه شباهت در طراحی پلان نهایی غیرقابل انکار است. خود جونز فقط از ویلا مولینی که توسط اسکاموزی در نزدیکی پادوآ ساخته شده است، به عنوان نمونه اولیه نما از کنار رودخانه یاد می کند. تناسب - برابری عرض رسالیت ها و ایوان، ارتفاع زیاد طبقه دوم نسبت به طبقه اول، روستایی بودن بدون شکستن سنگ های جداگانه، نرده بالای قرنیز و راه پله دوتایی منحنی در ورودی - نیست. در ماهیت پالادیو، و کمی شبیه به شیوه گرایی ایتالیایی، و در عین حال ترکیب بندی های منطقی کلاسیک گرایی است.

معروف خانه ضیافت در لندن (خانه ضیافت - تالار ضیافت، 1619-1622)از نظر ظاهری بسیار به نمونه های اولیه پالادی نزدیکتر است. از نظر وقار نجیب و ساختار نظمی که به طور مداوم در سرتاسر ترکیب اجرا می شد، او هیچ پیشینی در انگلستان نداشت. در عین حال، از نظر محتوای اجتماعی، این یک نوع ساختار اولیه است که از قرن یازدهم در معماری انگلیسی می گذرد. در پشت نمای دو طبقه (زیر - یونی، بالا - کامپوزیت) یک سالن تک دو ارتفاع وجود دارد که در امتداد محیط آن یک بالکن وجود دارد که ارتباط منطقی بین بیرون و داخل را فراهم می کند. علیرغم نزدیکی به نماهای پالادی، تفاوت های قابل توجهی در اینجا وجود دارد: هر دو طبقه از نظر ارتفاع یکسان هستند، که هرگز در استاد ویسنتین یافت نمی شود، و منطقه بزرگ لعاب با عمق کمی از پنجره ها (پژواک نیمه محلی محلی). ساخت و ساز چوبی) دیوار را از شکل پذیری ذاتی نمونه های اولیه ایتالیایی محروم می کند و به وضوح ویژگی های انگلیسی ملی را به آن می بخشد. سقف مجلل سالن با کاسه های عمیق ( بعدها توسط روبنس نقاشی شد، تفاوت قابل توجهی با سقف های مسطح کاخ های انگلیسی آن زمان دارد که با نقش برجسته های سبک پانل های تزئینی تزئین شده بودند.

با نام اینیگو جونز، که از سال 1618 عضو کمیسیون سلطنتی ساختمان بوده است، مهم ترین رویداد برنامه ریزی شهری برای قرن هفدهم مرتبط است - پیشگامی برای اولین میدان لندن که طبق یک طرح منظم ایجاد شد. قبلاً نام رایج آن - پیازا کاونت گاردن- در مورد ریشه ایتالیایی این ایده صحبت می کند. کلیسای سنت پل (1631) که در امتداد محور ضلع غربی میدان قرار گرفته است، با رواق بلند و رواق توسکانی دو ستون در آنتا، تقلیدی آشکار و ساده لوحانه از معبد اتروسکی است. تصویر سرلیو طاق‌های باز در طبقات اول ساختمان‌های سه طبقه که میدان را از شمال و جنوب قاب می‌کردند، احتمالاً پژواک میدان در لیورنو است. اما در عین حال، چیدمان یکنواخت و کلاسیک فضای شهری نیز می تواند از میدان ووس در پاریس الهام گرفته شود که فقط سی سال قبل ساخته شده است.

کلیسای جامع سنت پلدر میدان کوونت گاردن (کاونت گاردناولین کلیسای خط به خط در لندن پس از اصلاحات، در سادگی خود نه تنها تمایل مشتری، دوک بدفورد، برای انجام تعهدات ارزان به اعضای محله خود را نشان می دهد، بلکه الزامات اساسی را نیز منعکس می کند. مذهب پروتستان. جونز به مشتری قول داد «زیباترین انبار در انگلستان» را بسازد. با این وجود، نمای کلیسا که پس از آتش سوزی سال 1795 بازسازی شد، علیرغم اندازه کوچک، بزرگ، با شکوه است و بی شک سادگی آن جذابیت خاصی دارد. عجیب است که سردر بلند زیر رواق کاذب است، زیرا محراب در این سمت کلیسا قرار دارد.

گروه جونز، متأسفانه، کاملاً از بین رفته است، فضای میدان ساخته شده است، ساختمان ها ویران می شوند، فقط بعداً در سال 1878 در گوشه شمال غربی ساختمان، می توان در مورد مقیاس و ماهیت طرح اولیه قضاوت کرد. .

اگر اولین آثار جونز با سختگیری نسبتاً خشک گناه می کنند، ساختمان های عمارت متأخر او کمتر توسط پیوندهای فرمالیسم کلاسیک محدود می شوند. آنها با آزادی و انعطاف پذیری خود، تا حدی پالادیانیسم انگلیسی قرن هجدهم را پیش بینی می کنند. چنین است، برای مثال، خانه ویلتون (خانه ویلتون، ویلتشایر) در سال 1647 سوخت و بازسازی شد جان وب، دستیار قدیمی جونز.

ایده های I. Jones در پروژه های بعدی ادامه یافت که پروژه بازسازی لندن توسط معمار باید برجسته شود. کریستوفر رن (کریستوفر رن) (1632-1723) پس از رم اولین پروژه بزرگ برای بازسازی یک شهر قرون وسطایی (1666) است که تقریباً دو قرن جلوتر از بازسازی باشکوه پاریس بود. این طرح اجرا نشد، اما معمار به روند کلی ظهور و ساخت گره های فردی شهر کمک کرد و به ویژه گروهی را که توسط اینیگو جونز طراحی شده بود تکمیل کرد. بیمارستان در گرینویچ(1698-1729). ساختمان اصلی دیگر رن است کلیسای جامع خیابان پل در لندن- کلیسای جامع کلیسای انگلیکن لندن. کلیسای جامع St. پاول لهجه اصلی شهرسازی در منطقه شهر بازسازی شده است. از زمان تقدیس اولین اسقف لندن، سنت. آگوستین (604) در این مکان، طبق منابع، چندین کلیسای مسیحی برپا شده است. سلف بلافصل کلیسای جامع فعلی، سنت قدیمی. پل که در سال 1240 تقدیس شد، 175 متر طول داشت که 7 متر بیشتر از کلیسای جامع وینچستر بود. در سال های 1633-1642، اینیگو جونز تعمیرات گسترده ای را در کلیسای جامع قدیمی انجام داد و یک نمای غربی کلاسیک پالادیایی را به آن اضافه کرد. با این حال، این کلیسای جامع قدیمی در جریان آتش سوزی بزرگ لندن در سال 1666 به طور کامل ویران شد. ساختمان فعلی توسط کریستوفر رن در سال های 1675-1710 ساخته شده است. اولین مراسم در کلیسای ناتمام در دسامبر 1697 برگزار شد.

از دیدگاه معماری، St. پل - یکی از بزرگترین ساختمانهای گنبدی جهان مسیحی که همتراز با کلیسای جامع فلورانسی، کلیساهای سنت. سوفیا در قسطنطنیه و سنت. پیتر در رم کلیسای جامع به شکل یک صلیب لاتین است، طول آن 157 متر، عرض آن 31 متر است. طول عرضی 75 متر; مساحت کل 155000 متر مربع متر در چهارراه در ارتفاع 30 متری پایه گنبدی به قطر 34 متر گذاشته شد که ارتفاع آن به 111 متر می رسد.رن هنگام طراحی گنبد راه حل منحصر به فردی را اعمال کرد. او دقیقاً بالای چهارراه، اولین گنبد آجری را با دهانه 6 متری گرد در بالا (اکولوس)، کاملاً متناسب با تناسب فضای داخلی، برپا کرد. بالای گنبد اول، معمار یک مخروط آجری ساخت که به عنوان تکیه گاه برای یک فانوس سنگی عظیم عمل می کند که وزن آن به 700 تن می رسد، و بالای مخروط، گنبد دوم پوشیده شده با ورقه های سربی روی یک قاب چوبی، به نسبت همبستگی دارد. با احجام خارجی ساختمان یک زنجیره آهنی در پایه مخروط گذاشته شده است که نیروی رانش جانبی را به خود می گیرد. گنبد کمی نوک تیز که بر روی یک ستون دایره ای عظیم قرار گرفته است بر ظاهر کلیسای جامع تسلط دارد.

فضای داخلی بیشتر از سنگ مرمر پوشیده شده است و از آنجایی که رنگ کمی در آن وجود دارد، به نظر سخت می رسد. مقبره های متعددی از ژنرال های معروف و فرماندهان نیروی دریایی در کنار دیوارها قرار دارد. موزاییک های شیشه ای طاق ها و دیوارهای گروه کر در سال 1897 تکمیل شد.

پس از آتش سوزی لندن در سال 1666، دامنه وسیعی برای فعالیت های ساختمانی باز شد. معمار خود را ارائه کرد. طرح توسعه مجدد شهرو دستور مرمت 52 کلیسای محلی را دریافت کرد. رن راه حل های فضایی مختلفی را پیشنهاد کرد. برخی از ساختمان ها با شکوه واقعی باروک ساخته شده اند (برای مثال، کلیسای سنت استفان در والبروک). گلدسته های آنها به همراه برج های St. پل پانورامای تماشایی از شهر را تشکیل می دهد. در میان آنها باید به کلیساهای مسیح در خیابان نیوگیت، سنت عروس در خیابان فلیت، سنت جیمز در گارلیک هیل و سنت وداست در فاستر لین اشاره کرد. اگر شرایط خاصی ایجاب می کرد، مانند ساخت کالج سنت مری آلدرمری یا کریست چرچ کالج، آکسفورد (برج تام)، رن می توانست از عناصر گوتیک متاخر استفاده کند، اگرچه، به قول خودش، دوست نداشت «از بهترین سبک منحرف شود. ".

رن علاوه بر ساختن کلیساها، سفارش های خصوصی نیز انجام داد که یکی از آنها ایجاد یک کتابخانه جدید بود. کالج ترینیتی(1676-1684) در کمبریج. در سال 1669 او به عنوان سرپرست ساختمان های سلطنتی منصوب شد. او در این سمت دستورات مهم دولتی مانند ساخت بیمارستان در مناطق چلسی و گرینویچ را دریافت کرد. بیمارستان گرینویچ) و چندین ساختمان شامل مجموعه های کاخ کنزینگتونو کاخ همپتون کورت.

رن در طول عمر طولانی خود در خدمت پنج پادشاه متوالی بر تاج و تخت انگلستان بود و تنها در سال 1718 موقعیت خود را ترک کرد. رن در 26 فوریه 1723 در دادگاه همپتون درگذشت و در کلیسای جامع سنت دفن شد. پل. ایده های او به ویژه توسط نسل بعدی معماران مورد استفاده قرار گرفت و توسعه یافت N. Hawksmore و J. Gibbs. او تأثیر بسزایی در توسعه معماری کلیسا در اروپا و ایالات متحده داشت.

در میان اشراف انگلیسی، یک مد واقعی برای عمارت های پالادی به وجود آمد، که مصادف با فلسفه روشنگری اولیه در انگلستان بود، که ایده آل های عقلانیت و نظم را تبلیغ می کرد، که به طور کامل در هنر باستان بیان شده بود.

ویلای انگلیسی پالادیناین یک حجم فشرده بود، اغلب سه طبقه. اولی با روستایی برخورد شد، اصلی ترین آن جلو بود، طبقه دوم بود، در نما با نظم بزرگی با سومی - طبقه مسکونی ترکیب شد. سادگی و وضوح ساختمان‌های پالادی، سهولت بازتولید فرم‌های آن‌ها، ساختمان‌های مشابه را هم در معماری خصوصی حومه شهر و هم در معماری ساختمان‌های عمومی و مسکونی شهری بسیار رایج کرده است.

Palladians انگلیسی سهم بزرگی در توسعه هنر پارک داشتند. برای جایگزینی شیک، از نظر هندسی صحیح " منظم"باغ ها آمدند" پارک های منظرهبعدها "انگلیسی" نامیده شد. نخلستان های زیبا با شاخ و برگ های سایه های مختلف متناوب با چمنزارها، مخازن طبیعی و جزایر است. مسیرهای پارک ها چشم اندازی باز ارائه نمی دهند و پشت هر پیچ منظره ای غیرمنتظره را آماده می کنند. مجسمه ها، آلاچیق ها و ویرانه ها در سایه درختان پنهان می شوند. خالق اصلی آنها در نیمه اول قرن هجدهم بود ویلیام کنت

پارک‌های چشم‌انداز یا منظر به‌عنوان زیبایی طبیعت طبیعی به‌طور هوشمندانه تصحیح می‌شدند، اما قرار نبود این اصلاحات قابل توجه باشد.

کلاسیک گرایی فرانسوی

کلاسیک گرایی در فرانسهدر شرایط پیچیده تر و متناقضی شکل گرفت، سنت های محلی و نفوذ باروک قوی تر بود. خاستگاه کلاسیک گرایی فرانسوی در نیمه اول قرن هفدهم. در برابر پس‌زمینه نوعی انکسار در معماری فرم‌های رنسانس، سنت‌ها و تکنیک‌های گوتیک متأخر که از باروک نوظهور ایتالیایی وام گرفته شده بود. این روند با تغییرات گونه‌شناختی همراه بود: تغییر تأکید از ساخت قلعه برون شهری اعیان فئودال به ساخت مسکن شهری و حومه‌ای برای اشراف بوروکرات.

در فرانسه اصول و ایده آل های کلاسیک پایه ریزی شد. می توان گفت که همه چیز برگرفته از سخنان دو فرد مشهور، پادشاه خورشید (یعنی لویی چهاردهم) بود که می گفت: دولت من هستم!»و فیلسوف معروف رنه دکارت که گفت: من فکر میکنم پس هستم"(علاوه بر گفته افلاطون و موازنه با آن -" من وجود دارم، پس فکر می کنم"). در این عبارات است که ایده های اصلی کلاسیک گرایی پنهان است: وفاداری به پادشاه، یعنی. سرزمین پدری و پیروزی عقل بر احساس.

فلسفه جدید بیان خود را نه تنها در زبان پادشاه و آثار فلسفی، بلکه در هنرهای قابل دسترس برای جامعه می طلبید. ما به تصاویر قهرمانانه با هدف القای میهن پرستی و یک اصل منطقی در تفکر شهروندان نیاز داشتیم. بدین ترتیب اصلاح همه جنبه های فرهنگ آغاز شد. معماری فرم های کاملاً متقارن ایجاد کرد و نه تنها فضا، بلکه خود طبیعت را نیز تابع کرد و سعی کرد حداقل کمی به آنچه ایجاد شده است نزدیک شود. کلود لدوکسآرمان شهر ایده آل آینده که، به هر حال، به طور انحصاری در نقشه های معمار باقی مانده است (شایان ذکر است که این پروژه به قدری قابل توجه بود که انگیزه های آن هنوز در گرایش های مختلف معماری استفاده می شود).

برجسته ترین چهره در معماری کلاسیک اولیه فرانسه بود نیکلاس فرانسوا مانسارت(نیکلاس فرانسوا منصارت) (1598-1666) - یکی از بنیانگذاران کلاسیک گرایی فرانسوی. شایستگی او، علاوه بر ساخت مستقیم ساختمان ها، توسعه نوع جدیدی از مسکن شهری اشراف - یک "هتل" - با چیدمانی دنج و راحت، از جمله یک هشتی، یک راه پله بزرگ، تعدادی محفظه است. اتاق ها، اغلب در اطراف یک پاسیو بسته می شوند. بخش‌های عمودی نماها به سبک گوتیک دارای پنجره‌های مستطیلی بزرگ، تقسیم بندی واضح به طبقات و انعطاف‌پذیری بالایی هستند. یکی از ویژگی های هتل های Mansart سقف های بلند است که در زیر آن یک فضای زندگی اضافی ترتیب داده شده است - یک اتاق زیر شیروانی که به نام خالق آن نامگذاری شده است. یک نمونه خوب از چنین سقفی یک قصر است. Maisons-Laffitte(Maisons-Laffitte, 1642-1651). از دیگر آثار منصارت می توان به ... هتل دو تولوز، هتل مازارین و کلیسای جامع پاریس وال دی گریس(Val-de-Grace) طراحی خود را تکمیل کرد لمرسو Le Muet.

اوج شکوفایی دوره اول کلاسیک به نیمه دوم قرن هفدهم تعلق دارد. مفاهیم عقل گرایی فلسفی و کلاسیک مطرح شده توسط ایدئولوژی بورژوایی، مطلق گرایی در مواجهه با لویی چهاردهمبه عنوان دکترین رسمی دولتی در نظر گرفته می شود. این مفاهیم کاملاً تابع اراده پادشاه هستند و به عنوان وسیله ای برای تجلیل از او به عنوان عالی ترین شخصیت ملت ، متحد شده بر اساس خودکامگی معقول عمل می کنند. در معماری، این بیان دوگانه دارد: از یک سو، میل به ترکیب‌بندی‌های نظم عقلانی، از نظر تکتونیکی واضح و تاریخی، رها از «چند تاریکی» کسری دوره قبل. از سوی دیگر، گرایش روزافزون به یک اصل ارادی واحد در ترکیب بندی، به سمت تسلط محوری که ساختمان و فضاهای مجاور را مطیع می کند، به تبعیت اراده انسان نه تنها از اصول سازمان دهی فضاهای شهری، بلکه به خود طبیعت که بر اساس قوانین عقل، هندسه، زیبایی "ایده آل" دگرگون شده است. هر دو روند با دو رویداد عمده در زندگی معماری فرانسه در نیمه دوم قرن هفدهم نشان داده شده است: اول - طراحی و ساخت نمای شرقی کاخ سلطنتی در پاریس - لوور (لوور) دوم - ایجاد اقامتگاه جدید لویی چهاردهم - باشکوه ترین مجموعه باغبانی معماری و منظره در ورسای.

نمای شرقی موزه لوور در نتیجه مقایسه دو پروژه ایجاد شده است - یکی که از ایتالیا به پاریس آمده است. لورنزو برنینی(جیان لورنزو برنینی) (1598-1680) و فرانسوی کلود پرو(کلود پررو) (1613-1688). اولویت به پروژه پررو (که در سال 1667 انجام شد) داده شد، جایی که برخلاف بی قراری باروک و دوگانگی تکتونیکی پروژه برنینی، نمای گسترده (طول 170.5 متر) دارای ساختاری منظم با یک گالری دو طبقه عظیم است که قطع شده است. در مرکز و در طرفین توسط برآمدگی های متقارن. ستون‌های جفتی از راسته کورنت (ارتفاع 12.32 متر) دارای یک گلدسته بزرگ با طراحی کلاسیک هستند که با یک اتاق زیر شیروانی و یک نرده تکمیل شده است. فونداسیون به عنوان یک زیرزمین صاف تعبیر می شود که در توسعه آن، مانند عناصر نظم، بر عملکردهای سازنده تکیه گاه باربر اصلی ساختمان تأکید شده است. یک ساختار واضح، ریتمیک و متناسب بر اساس روابط ساده و مدولار است و قطر پایین ستون ها به عنوان مقدار اولیه (ماژول) مانند قوانین کلاسیک در نظر گرفته می شود. ابعاد ساختمان در ارتفاع (27.7 متر) و مقیاس بزرگ کلی ترکیب، طراحی شده برای ایجاد یک مربع جلویی در مقابل نما، به ساختمان عظمت و نمایندگی لازم برای کاخ سلطنتی می بخشد. در عین حال، کل ساختار ترکیب با منطق معماری، هندسه و عقل گرایی هنری متمایز می شود.

گروه ورسای(Château de Versailles, 1661-1708) - اوج فعالیت معماری زمان لویی چهاردهم. میل به ترکیب جنبه های جذاب زندگی شهری و زندگی در آغوش طبیعت منجر به ایجاد مجموعه ای باشکوه از جمله کاخ سلطنتی با ساختمان هایی برای خانواده سلطنتی و دولت، پارک بزرگ و شهر مجاور کاخ شد. . کاخ یک نقطه کانونی است که در آن محور پارک - از یک طرف و از طرف دیگر - سه پرتو بزرگراه های شهر که یکی از آنها مرکزی به عنوان جاده ای است که ورسای را به لوور متصل می کند، همگرا می شود. کاخی که طول آن از سمت پارک بیش از نیم کیلومتر (580 متر) است، قسمت میانی آن به شدت به جلو رانده شده است و از نظر ارتفاع به زیرزمین، طبقه اصلی و اتاق زیر شیروانی تقسیم می شود. . در پس زمینه ستون های راسته، رواق های یونی نقش لهجه های ریتمیک را ایفا می کنند که نماها را در یک ترکیب محوری یکپارچه متحد می کند.

محور کاخ به عنوان عامل اصلی انضباطی در دگرگونی منظر عمل می کند. نمادی از اراده نامحدود مالک حاکم کشور است، عناصری از طبیعت هندسی را تحت الشعاع قرار می دهد و به ترتیبی دقیق با عناصر معماری تعیین پارک: پله ها، استخرها، فواره ها، اشکال مختلف معماری کوچک تغییر می کند.

اصل فضای محوری ذاتی در باروک و روم باستان در اینجا در پرسپکتیو محوری باشکوه پارترهای سبز و کوچه‌هایی که در تراس‌ها پایین می‌آیند تحقق می‌یابد و نگاه ناظر را به اعماق کانال هدایت می‌کند که در دوردست، پلان صلیبی شکل و بیشتر به سمت کانال قرار دارد. بی نهایت. بوته ها و درختان هرمی شکل بر عمق خطی و مصنوعی بودن چشم انداز ایجاد شده تأکید داشتند و فقط فراتر از چشم انداز اصلی به طبیعی تبدیل می شوند.

اندیشه " طبیعت متحول شده” مطابق با روش جدید زندگی پادشاه و اشراف بود. همچنین منجر به طرح های جدید شهرسازی شد - خروج از شهر پر هرج و مرج قرون وسطایی، و در نهایت به دگرگونی قاطع شهر بر اساس اصول منظم بودن و ورود عناصر منظر به آن. نتیجه گسترش اصول و تکنیک های توسعه یافته در برنامه ریزی ورسای برای کار بر روی بازسازی شهرها، در درجه اول پاریس بود.

آندره لنوترو(André Le Nôtre) (1613-1700) - خالق مجموعه باغ و پارک ورسای- متعلق به ایده تنظیم چیدمان منطقه مرکزی پاریس است که از غرب و شرق به کاخ های لوور و تویلری مجاور است. Axis Louvre - Tuileries، مصادف با مسیر جاده به ورسای، معنای معروف را مشخص کرد. قطر پاریسی» که بعدها به گذرگاه اصلی پایتخت تبدیل شد. در این محور باغ تویلری و بخشی از خیابان - کوچه های شانزلیزه چیده شد. در نیمه دوم قرن هجدهم، میدان کنکورد ایجاد شد که تویلری را با خیابان شانزه لیزه متحد کرد و در نیمه اول قرن نوزدهم. طاق یادبود ستاره که در انتهای خیابان شانزلیزه در مرکز میدان گرد قرار گرفته است، تشکیل مجموعه را تکمیل کرد که طول آن حدود 3 کیلومتر است. نویسنده کاخ ورسای ژول هاردون-مانسارت(Jules Hardouin-Mansart) (1646-1708) همچنین در اواخر قرن 17 و اوایل قرن 18 تعدادی گروه برجسته را در پاریس ایجاد کرد. اینها شامل گرد است میدان پیروزی(Place des Victoires)، مستطیل شکل مکان وندوم(مکان وندوم)، مجموعه بیمارستان معلولین با کلیسای جامع گنبدی. کلاسیکیسم فرانسوی نیمه دوم قرن هفدهم. دستاوردهای شهری رنسانس و به ویژه باروک را پذیرفت و آنها را در مقیاس بزرگتری توسعه داد و به کار برد.

در قرن 18، در دوران سلطنت لویی پانزدهم (1715-1774)، در معماری فرانسه، مانند سایر اشکال هنر، سبک روکوکو توسعه یافت که ادامه رسمی روندهای تصویری باروک بود. اصالت این سبک، نزدیک به باروک و در اشکال آن پرمدعا، خود را عمدتاً در دکوراسیون داخلی که مطابق با زندگی مجلل و بیهوده دربار سلطنتی بود، نشان داد. سالن های تشریفات شخصیت راحت تر و در عین حال پرمدعاتری پیدا کردند. در دکوراسیون معماری محوطه از تزئینات آینه کاری و گچبری ساخته شده از خطوط منحنی پیچیده، گلدسته ها، صدف ها و ... استفاده زیادی می شد که این سبک در مبلمان نیز بازتاب گسترده ای داشت. با این حال، در اواسط قرن هجدهم، حرکتی از اشکال پرمدعا روکوکو به سمت دقت، سادگی و وضوح بیشتر صورت گرفت. این دوره در فرانسه مصادف است با یک جنبش اجتماعی گسترده علیه نظام سیاسی-اجتماعی سلطنتی که در انقلاب بورژوایی فرانسه در سال 1789 حل و فصل شد. نیمه دوم قرن هجدهم و ثلث اول قرن نوزدهم در فرانسه مرحله جدیدی را در توسعه کلاسیک گرایی و توزیع گسترده آن در کشورهای اروپایی نشان می دهد.

کلاسیکیسم نیمه دوم هجدهمقرن تا حد زیادی اصول معماری قرن قبل را توسعه داد. با این حال، آرمان‌های بورژوازی-خردگرای جدید - سادگی و وضوح کلاسیک اشکال - اکنون به عنوان نمادی از دموکراسی‌سازی معین هنر که در چارچوب روشنگری بورژوازی ترویج می‌شود، درک می‌شوند. رابطه معماری و طبیعت در حال تغییر است. تقارن و محور که اصول اساسی ترکیب باقی می مانند، دیگر اهمیت سابق خود را در سازماندهی منظر طبیعی ندارند. پارک معمولی فرانسه به طور فزاینده ای جای خود را به پارک به اصطلاح انگلیسی با ترکیب منظره زیبا و تقلید از منظره طبیعی می دهد.

معماری ساختمان‌ها تا حدودی انسانی‌تر و منطقی‌تر می‌شود، اگرچه مقیاس عظیم شهری هنوز رویکرد مجموعه گسترده‌ای را برای وظایف معماری تعیین می‌کند. این شهر با تمام بناهای قرون وسطایی خود به طور کلی به عنوان یک موضوع تأثیر معماری محسوب می شود. ایده هایی برای یک طرح معماری برای کل شهر ارائه می شود. در همان زمان، منافع حمل و نقل، مسائل مربوط به بهبود بهداشتی، قرار دادن اشیاء تجارت و فعالیت های تولیدی و سایر مسائل اقتصادی شروع به اشغال می کنند. در کار بر روی انواع جدید ساختمان های شهری، توجه زیادی به ساختمان های مسکونی چند طبقه شده است. علیرغم اینکه اجرای عملی این ایده های شهرسازی بسیار محدود بود، افزایش علاقه به مشکلات شهر بر شکل گیری مجموعه ها تأثیر گذاشت. در شرایط یک شهر بزرگ، مجموعه‌های جدید سعی می‌کنند فضاهای بزرگ را در «حوزه نفوذ» خود بگنجانند، که اغلب به پایان باز تبدیل می‌شوند.

بزرگترین و مشخص ترین مجموعه معماری کلاسیک فرانسه قرن هجدهم - میدان کنکورد در پاریسایجاد شده توسط پروژه آنژ ژاک گابریل (آنژ ژاک گابریل(1698 - 1782) در دهه 50-60 قرن هجدهم، و تکمیل نهایی خود را در نیمه دوم قرن هجدهم - نیمه اول قرن نوزدهم دریافت کرد. این میدان وسیع به عنوان فضای توزیع در کرانه های رود سن بین باغ تویلری در مجاورت لوور و بلوارهای عریض شانزلیزه عمل می کند. خندق های خشک قبلی به عنوان مرز یک منطقه مستطیل شکل (ابعاد 245×140 متر) عمل می کردند. طرح "گرافیک" منطقه با کمک خندق های خشک، نرده ها، گروه های مجسمه سازی مهر طرح مسطح پارک ورسای را دارد. برخلاف میادین بسته پاریس در قرن هفدهم. (Place Vendôme و غیره)، میدان کنکورد نمونه ای از یک میدان باز است که فقط از یک طرف توسط دو ساختمان متقارن ساخته شده توسط گابریل محدود شده است که یک محور عرضی را تشکیل می دهند که از میدان عبور می کند و خیابان رویال توسط آنها تشکیل شده است. . محور با دو فواره بر روی میدان ثابت شده است و در تقاطع محورهای اصلی بنای یادبودی از پادشاه لویی پانزدهم و بعداً یک ابلیسک بلند ساخته شده است. شانزلیزه، باغ تویلری، فضای رود سن و خاکریزهای آن، همان طور که گفته شد، ادامه این مجموعه معماری است که در گستره وسیع خود در جهتی عمود بر محور عرضی قرار دارد.

بازسازی نسبی مراکز با چیدمان «میادین سلطنتی» منظم سایر شهرهای فرانسه (رن، ریمز، روئن و غیره) را نیز در بر می گیرد. به ویژه میدان سلطنتی در نانسی برجسته است (Place Royalle de Nancy، 1722-1755). تئوری برنامه ریزی شهری در حال توسعه است. به طور خاص، باید به کار نظری معمار پت در مورد میادین شهری توجه کرد، که نتایج یک مسابقه برای مکان لویی پانزدهم در پاریس را که در اواسط قرن هجدهم برگزار شد، پردازش و منتشر کرد.

توسعه برنامه ریزی فضایی ساختمان های کلاسیک فرانسوی قرن هجدهم جدا از مجموعه شهری تصور نمی شود. موتیف پیشرو همچنان یک نظم بزرگ است که به خوبی با فضاهای شهری مجاور همبستگی دارد. یک تابع سازنده به سفارش برگردانده می شود. بیشتر به صورت رواق و گالری استفاده می شود، مقیاس آن بزرگ شده است و ارتفاع کل حجم اصلی ساختمان را پوشش می دهد. نظریه پرداز کلاسیک گرایی فرانسوی M. A. Laugier (Laugier M.A)اساساً ستون کلاسیک را رد می کند که در آن واقعاً باری را حمل نمی کند، و از قرار دادن یک سفارش بر روی دیگری انتقاد می کند، اگر واقعاً می توان با یک پشتیبانی از آن عبور کرد. عقل گرایی عملی توجیه نظری گسترده ای دریافت می کند.

توسعه تئوری از قرن هفدهم، از زمان تأسیس آکادمی فرانسه (1634)، تشکیل آکادمی سلطنتی نقاشی و مجسمه سازی (1648) و آکادمی معماری (1671) به یک پدیده معمولی در هنر فرانسه تبدیل شده است. ). توجه ویژه ای در تئوری به دستورات و نسبت ها داده می شود. توسعه دکترین نسبت ها ژاک فرانسوا بلوندل(1705-1774) - نظریه پرداز فرانسوی نیمه دوم قرن هفدهم، لوژیه بر اساس اصل معنادار عقلانی کمال مطلق آنها، یک سیستم کامل از نسبت های منطقی موجه ایجاد می کند. در همان زمان، در نسبت ها، مانند در معماری به عنوان یک کل، عنصر عقلانیت، بر اساس قواعد ریاضی ترکیب بندی مشتق شده به صورت نظری، تقویت می شود. علاقه فزاینده ای به میراث باستان و رنسانس وجود دارد و در نمونه های خاصی از این دوران، آنها به دنبال تأیید منطقی اصول مطرح شده هستند. پانتئون رومی اغلب به عنوان یک نمونه ایده آل از وحدت کارکردهای فایده گرایانه و هنری ذکر می شود، و ساختمان های پالادیو و برامانته، به ویژه تمپیتو، محبوب ترین نمونه های کلاسیک رنسانس در نظر گرفته می شوند. این نمونه‌ها نه تنها به دقت مورد مطالعه قرار می‌گیرند، بلکه اغلب به‌عنوان نمونه‌های اولیه مستقیم ساختمان‌هایی که در حال احداث هستند، عمل می‌کنند.

طبق پروژه در سال های 1750-1780 ساخته شده است ژاک ژرمن سوفلو(Jacques-Germain Soufflot) (1713 - 1780) St. Genevieve در پاریس، که بعدها به پانتئون ملی فرانسه تبدیل شد، می توان بازگشت به آرمان هنری دوران باستان و بالغ ترین نمونه های رنسانس ذاتی در این زمان را مشاهده کرد. ترکیب، در پلان صلیبی، با منطق طرح کلی، تعادل بخش های معماری، وضوح و وضوح ساخت متمایز می شود. رواق در اشکال خود به رومی برمی گردد پانتئون، طبل با گنبد (دهانه 21.5 متر) شبیه یک ترکیب است تمپیتو. نمای اصلی نمای یک خیابان کوتاه و مستقیم را تکمیل می کند و به عنوان یکی از قابل مشاهده ترین نشانه های معماری در پاریس عمل می کند.

یک مطلب جالب که توسعه تفکر معماری را در نیمه دوم قرن 18 - اوایل قرن 19 نشان می دهد، انتشار پروژه های دانشگاهی رقابتی در پاریس است که بالاترین جایزه (جایزه بزرگ) را دریافت کرده اند. نخ قرمزی که در تمام این پروژه ها می گذرد تحسین دوران باستان است. ستون‌های بی‌پایان، گنبدهای عظیم، رواق‌های مکرر و غیره، از یک سو، از گسستن با زنانگی اشرافی روکوکو، از سوی دیگر، از شکوفایی نوعی عاشقانه‌ی معماری سخن می‌گویند که برای تحقق آن، با این حال، هیچ زمینه ای در واقعیت اجتماعی وجود نداشت.

آستانه انقلاب فرانسه (1789-1794) باعث تلاش برای سادگی خشن در معماری، جستجوی جسورانه برای هندسه تاریخی، معماری جدید و بی نظم شد (K. N. Ledoux، E. L. Bulle، J. J. Lekeux). این جست‌وجوها (همچنین تحت تأثیر حکاکی‌های معماری G. B. Piranesi مورد توجه قرار گرفت) به عنوان نقطه شروع برای مرحله اواخر کلاسیک - امپراتوری بود.

در سال های انقلاب تقریبا هیچ ساخت و سازی انجام نشد، اما تعداد زیادی پروژه متولد شد. تمایل عمومی برای غلبه بر اشکال متعارف و طرح‌های کلاسیک سنتی مشخص می‌شود.

اندیشه فرهنگی با پشت سر گذاشتن دور بعدی در همان مکان به پایان رسید. نقاشی جهت انقلابی کلاسیک فرانسه با درام شجاعانه تصاویر تاریخی و پرتره J. L. David نشان داده می شود. در طول سال های امپراتوری ناپلئون اول، بازنمایی باشکوه در معماری رشد می کند (Ch. Percier, L. Fontaine, J. F. Chalgrin)

رم به مرکز بین المللی کلاسیک گرایی قرن هجدهم تبدیل شد - آغاز قرن نوزدهم، جایی که سنت آکادمیک در هنر غالب شد، با ترکیبی از اشراف فرم ها و ایده آل سازی سرد و انتزاعی، که برای آکادمیک گرایی غیر معمول نیست (نقاش آلمانی A. R. منگز، نقاش منظره اتریشی J. A. Koch، مجسمه سازان - ایتالیایی A. Canova، Dane B. Thorvaldsen).

در قرن 17 و اوایل قرن 18، کلاسیک گرایی شکل گرفت در معماری هلندی- معمار یاکوب ون کامپن(ژاکوب ون کامپن، 165-1595)، که باعث ایجاد نسخه ای خاص از آن شد، پیوندهای متقابل با کلاسیک گرایی فرانسوی و هلندی، و همچنین با باروک اولیه، بر دوران اوج کوتاه کوتاه تأثیر گذاشت. کلاسیک در معماری سوئداواخر 17 - اوایل قرن 18 - معمار نیکودیموس تسین جوان(نیکودموس تسین یونگر 1654-1728).

در اواسط قرن 18، اصول کلاسیک گرایی در روح زیبایی شناسی روشنگری دگرگون شد. در معماری، توسل به "طبیعی بودن" الزامی برای توجیه سازنده عناصر نظم ترکیب، در فضای داخلی - توسعه یک چیدمان انعطاف پذیر از یک ساختمان مسکونی راحت را مطرح می کند. محیط چشم انداز پارک «انگلیسی» به محیطی ایده آل برای خانه تبدیل شد. توسعه سریع دانش باستان شناسی در مورد دوران باستان یونان و روم (کاوش های هرکولانیوم، پمپئی و غیره) تأثیر زیادی بر کلاسیک گرایی قرن 18 داشت. آثار I. I. Winkelmann، J. V. Goethe و F. Militsiya سهم خود را در تئوری کلاسیک گرایی داشتند. در کلاسیکیسم فرانسوی قرن هجدهم، انواع معماری جدید تعریف شد: یک عمارت بسیار صمیمی، یک ساختمان عمومی جلویی، یک میدان شهر باز.

در روسیهکلاسیک گرایی مراحل مختلفی را در توسعه خود طی کرد و در زمان سلطنت کاترین دوم که خود را "سلطان روشنفکر" می دانست، در مکاتبه با ولتر بود و از ایده های روشنگری فرانسه حمایت می کرد، به ابعاد بی سابقه ای رسید.

معماری کلاسیک سنت پترزبورگ نزدیک به ایده های اهمیت، عظمت، ترحم قدرتمند بود.

از کلاسیک لاتین - نمونه. سبک یا گرایشی در ادبیات و هنر قرن هفدهم - اوایل قرن نوزدهم که به میراث باستانی به عنوان یک هنجار و الگوی ایده آل تبدیل شد. کلاسیکیسم در قرن هفدهم شکل گرفت. در فرانسه. در قرن 18 کلاسیک گرایی با روشنگری همراه بود. او بر اساس ایده های عقل گرایی فلسفی، بر اساس ایده هایی در مورد قوانین عقلانی جهان، در مورد طبیعت زیبای اصیل، تلاش کرد تا محتوای اجتماعی عالی، آرمان های والای قهرمانانه و اخلاقی را به سازماندهی دقیق تصاویر منطقی، روشن و هماهنگ بیان کند. . با توجه به ایده های عالی اخلاقی، برنامه آموزشی هنر، زیبایی شناسی کلاسیک سلسله مراتبی از ژانرها را ایجاد کرد - "بالا" (تراژدی، حماسی، قصیده؛ نقاشی تاریخی، اساطیری، مذهبی و غیره) و "کم" (کمدی، طنز، افسانه، ژانر نقاشی و غیره). در ادبیات (تراژدی های پی. کورنیل، جی. راسین، ولتر، کمدی های مولیر، شعر «هنر شاعرانه» و طنزهای ن. بولو، افسانه های ژ. لافونتن، نثر اف. لاروشفوکو. ، J. La Bruyère در فرانسه ، اثر دوره وایمار I.V. .Goethe و F. Schiller در آلمان ، قصیده های M.V. Lomonosov و G.R. Derzhavin ، تراژدی های A.P.Sumarokov و Ya.B.Knyazhnin در روسیه) قابل توجه است. تصادمات اخلاقی، تصاویر هنجاری نمونه نقش اصلی را ایفا می کنند. برای هنر تئاتر [Mondory, T. Duparc, M. Chanmelet, A.L. Leken, F.J. Talma, Rachel in France, F.K. Neuber در آلمان، F.G. ولکوف، I.A. دیمیتروفسکی در روسیه] با ساختاری موقر و ایستا از اجراها، خواندن سنجیده شعر مشخص می شود. در تئاتر موزیکال، قهرمانی، شور سبک، وضوح منطقی دراماتورژی، غلبه خوانندگی (اپراهای جی بی لولی در فرانسه) یا فضیلت آوازی در آریاها (سریال اپرای ایتالیایی)، سادگی و تعالی نجیب (K.V. Gluck در اپراهای رفرمیستی اتریش) . کلاسیک گرایی در معماری (J. Hardouin - mansart، J.A. Gabriel، K.N. Ledoux در فرانسه، K. Ren در انگلستان، V.I. Bazhenov، M.F. Kazakov، A.N. Voronikhin، A.D. . Zakharov، K.I. Rossi در روسیه) با وضوح و فرم سنجی مشخص می شوند. ، وضوح منطقی برنامه ریزی ، ترکیبی از یک دیوار صاف با ضمانت و دکور محدود. هنرهای زیبا (نقاشان N. Poussin، C. Lorrain، J. L. David، J. O. D. Ingres، مجسمه‌سازان J. B. Pigalle، E. M. Falcone در فرانسه، I. G. Shadov در آلمان، B Thorvaldsen در دانمارک، A. Canova در ایتالیا، نقاشان A.P.I. Losenkoyu. مجسمه سازان M.P. Matros در روسیه) با باز شدن منطقی طرح، تعادل دقیق ترکیب، شفافیت پلاستیکی فرم ها، هماهنگی واضح ریتم های خطی متمایز می شود.

هنر.

در قرن 18، سبک هنری جدید، کلاسیک، در فرانسه متولد شد. نام "کلاسیک" را می توان به معنای واقعی کلمه "بر اساس کلاسیک"، "نمونه" ترجمه کرد. ظهور آن با تغییراتی در زندگی سیاسی و اندیشه فلسفی همراه است.

شکل خاصی از حکومت - مطلق گرایی، که با نام پادشاه لوئیس 14 همراه است، به طور قصور و به طور کامل در یک فرمول سلطنتی بیان می شود: "دولت من هستم."

یک جهت فلسفی جدید - عقل گرایی - اولویت ذهن انسان را اعلام کرد. قوانین زیبایی کاملاً منطقی قابل درک هستند، به این معنی که هنر باید بر اساس قوانین خاصی باشد. وظیفه هنر تجسم نظم آرمانی است.

دوران باستان ایده آل نامیده می شد، اما کلاسیک گرایی که خواستار تحقق سنت های هنر کلاسیک بود، در واقع از جهان هلنی تأیید کننده زندگی بسیار دور بود. نزدیکتر از همه به کسانی که می گفتند: «به جلو - به گذشته!»، شاید فلسفه رواقیون رومی بود که خواستار حفظ صلابت تزلزل ناپذیر در میان هرج و مرج عمومی بودند.

کلاسیک گرایی اولیه بیش از حد درست، بیش از حد حدس و گمان و انتزاعی بود. نویسندگان آن زمان - قبل از هر چیز، نمایشنامه نویسان کورنیل، راسین، مولیر - نظریه کلاسیک را توسعه دادند و آن را در عمل پیاده کردند. رذایل و فضائل در درام کلاسیک به وضوح توزیع می شود، هیچ لحن و نیمه لحنی در شخصیت ها وجود ندارد: اگر قهرمان صد در صد باشد، اگر رذل دویست درصد باشد. تضاد اصلی تراژدی کلاسیک تضاد بین احساس و وظیفه است و این وظیفه است که پیروز می شود. به طرز شگفت انگیزی، تئوری و عمل کلاسیک در هنر باغبانی منظره ترکیب شده است. بنابراین، پارک در اقامتگاه سلطنتی در ورسای طبق قوانین سختگیرانه برنامه ریزی شد: استخرهایی با شکل هندسی واضح، کوچه های مستقیم، خطوط افقی تمیز. تخت گل ها شبیه پارکت های رنگی عالی هستند و حتی بوته ها و درختان هم هیچ گونه آزادی ندارند: تاج های آنها به شکل مخروطی و کروی با کمک قیچی و هرس داده می شود. برنامه ریزی منظم دقیق استاد باغ ها و پارک ها Le Nôtre تجسم روح خردگرایانه کلاسیک است.

اوج نئوکلاسیک در عصر انقلاب کبیر فرانسه (1789 - 1794) بود. حالات اپیکوری و هوی و هوس های عاشقانه روکوکو با سادگی فرم، ترحم وظیفه مدنی، ایدئولوژیک و درستی مخالف بود.

در نقاشی، کلاسیک به وضوح توسط آثار نیکولا پوسین، ژان باپتیست شاردن، آگوست دومینیک اینگر نشان داده می شود. ثابت ترین نماینده نئوکلاسیک، خواننده انقلاب، ژاک لوئیس دیوید بود.

رویاها. در فرانسه، متفکران عصر روشنگری، که پیشگامان معنوی انقلاب بودند، با پشتکار، گرایش به طرد روکوکوی ظهور یافته در نقاشی را پرورش دادند. این چرخش فکر، در ابتدا بیشتر درباره محتوا تا سبک، ناشی از محبوبیت ناگهانی ژان باپتیست گروز (1735-1850) در دهه شصت قرن هجدهم بود. «عروس کشور» او مانند دیگر نقاشی‌های او در آن سال‌ها صحنه زندگی طبقه فرودست آن‌ها را به تصویر می‌کشد. از ژانرهای قبلی بوم ها، با تئاتری بودن ترکیب بندی که از "صحنه های خاموش" هوگارث وام گرفته شده است متمایز می شود. اما در آثار گرز نه تمسخر دیده می شود و نه طعنه. تصویر اخلاقی او به عنوان تصویری از موعظه های اجتماعی ژان ژاک روسو عمل می کند: فقرا، بر خلاف اشراف غیراخلاقی، در فضایل «طبیعی» و اصالت احساسات ذاتی هستند. همه چیز در تصویر قصد دارد این را به ما یادآوری کند، از حرکات رقت انگیز و حالات چهره شخصیت های به تصویر کشیده شده تا بی اهمیت ترین جزئیات - مرغی با جوجه هایی که در پیش زمینه می بینیم. یکی از جوجه ها برادران و خواهرانش را رها کرد و روی لبه یک کاسه آب نشست، بنابراین عروس در آستانه ترک خانواده است. «عروس دهکده» به عنوان یک شاهکار شناخته شد و دنیس دیدرو، این حواری عقل و طبیعت، او را بلندتر از همه ستایش کرد. او گفت در نهایت هنرمندی ظاهر شده است که یک رسالت اجتماعی را انجام می‌دهد، به حس اخلاقی بیننده متوسل می‌شود و مانند هنرمندان بی‌اهمیت دوره روکوکو، صرفاً برای راضی کردن تلاش نمی‌کند! دیدرو در اولین انفجار شادی، طرح نقاشی گرس را بر اساس فرمول پوسین به عنوان «عملی نجیب و جدی یک شخص» ارزیابی کرد.

دیوید بعدها، زمانی که هنرمندی با استعدادتر در صحنه ظاهر شد، "نئوپوسنیست" سخت گیر ژان لوئیس دیوید (1748 - 1825)، دیدرو دیدگاه خود را تغییر داد. با قضاوت در مورد نقاشی "مرگ سقراط" که در سال 1787 نوشته شد، دیوید بیشتر از خود پوسین "پوسین" است. ترکیب، مانند نقش برجسته، به موازات صفحه تصویر آشکار می شود، و چهره ها مانند مجسمه ها، به یاد ماندنی و بی حرکت هستند. دیوید جزئیات غیرمنتظره ای را به تصویر آورده است - نورپردازی، به شدت متمرکز است و سایه های واضحی ایجاد می کند. او این تکنیک کاملا واقع گرایانه را از کاراواجو به عاریت گرفت. بنابراین، نقاشی‌ها به زندگی نزدیک‌تر می‌شوند، که در چنین تجسم آموزه‌ای از سبک ایده‌آل جدید تا حدودی شگفت‌انگیز است. او با در نظر گرفتن قدمت به عنوان نمونه شهروندی و عشق به آزادی، بنیانگذار به اصطلاح شد. کلاسیک انقلابی اواخر قرن هجدهم، او آثاری با صدای عمومی عالی، از نظر آهنگسازی و ریتم سخت (سوگند هوراتی، 1784)، پرتره (دکتر A. Levois، 1783) اجرا کرد. در طول سال های انقلاب فرانسه، سازمان دهنده زندگی هنری، خالق پرتره ها، نقاشی های تاریخی، از جمله. اختصاص به رویدادهای جاری ("مرگ مارات"، 1793). از سال 1804، "نخستین هنرمند" ناپلئون اول، ترکیبات تشریفاتی تماشایی را نقاشی کرد ("تاج گذاری ژوزفین"، 1805 - 1807). در سال 1816 به بلژیک مهاجرت کرد.

ادبیات جهان.

کلاسیک گرایان به دنبال تقلید از الگوهای هنر باستانی بودند و از هنجارهایی که توسط نظریه پردازان هنر باستان (ارسطو و هوراس) ارائه شده بود پیروی می کردند. کلاسیک به شهروندی، مقیاس، وقار، هماهنگی اشکال ضربه می زند.

کلاسیک گرایان هدف هنر را در شناخت حقیقت می دانستند که به عنوان آرمان زیبایی عمل می کند. کلاسیک ها روشی را برای دستیابی به آن بر اساس سه دسته اصلی زیبایی شناسی خود ارائه می دهند: دلیل، مدل، سلیقه. همه این مقولات مقوله های عینی هنر محسوب می شدند. از دیدگاه کلاسیک گرایان، آثار بزرگ نه ثمره استعداد، نه الهام، نه خیال پردازی غیر هنری، بلکه مطالعه مداوم دستورات عقل، مطالعه آثار کلاسیک دوران باستان و آگاهی از قواعد سلیقه است. بنابراین کلاسیک گرایان فعالیت هنری را به فعالیت علمی نزدیک می کنند. به همین دلیل است که روش عقل گرایانه فلسفی فیلسوف فرانسوی رنه دکارت (1596 - 1650) که مبنای دانش هنری کلاسیک شد، برای آنها قابل قبول بود.

دومین مقوله مهم زیبایی شناسی کلاسیک الگو است. کلاسیک‌ها معتقد بودند که آرمان زیبایی‌شناختی ابدی و در همه زمان‌ها یکسان است، اما تنها در دوران باستان با بیشترین کمال در هنر تجسم یافت. بنابراین برای بازتولید دوباره آرمان باید به هنر کهن روی آورد و قوانین آن را به دقت مطالعه کرد. به همین دلیل است که تقلید از مدل ها توسط کلاسیک ها بالاتر از اثر اصلی ارزش گذاری شد. با عطف به دوران باستان، کلاسیک گرایان بدین وسیله تقلید از مدل های مسیحی را کنار گذاشتند و به مبارزه اومانیست های رنسانس برای هنر فارغ از جزمات مذهبی ادامه دادند.

کیش عقل مستلزم تجدید ساختار اساسی در محتوا و شکل آثار، اصول تیپ سازی و نظام ژانرها بود. کلاسیک گرایان اصل تقلید از طبیعت را اعلام کردند و حق هنرمند را به فانتزی به شدت محدود کردند. هنر به زندگی سیاسی نزدیک شد و مهمترین وظیفه آن تربیت شهروند واقعی کشورش بود. بنابراین، در مرکز آثار کلاسیک، مشکلات منافع ملی قرار دارد.

در هنر کلاسیک توجه نه به خاص، فردی، تصادفی، بلکه به کلی، معمولی است. بنابراین، شخصیت قهرمان در ادبیات دارای ویژگی های فردی نیست و به عنوان تعمیم یک نوع کلی از مردم عمل می کند. اصل تایپ کلاسیک منجر به تقسیم شدید قهرمانان به مثبت و منفی، جدی و خنده دار می شود. در عین حال، خنده بیشتر و بیشتر به طنز تبدیل می شود، زیرا عمدتاً دقیقاً متوجه شخصیت های منفی است.

به نظر می رسد که مقوله عقل در شکل گیری نوع جدیدی از تعارض هنری که توسط کلاسیک گرایی کشف شده است مرکزی است: تضاد بین عقل، وظیفه در قبال دولت - و احساسات، نیازهای شخصی، احساسات. نویسندگان با کشف دو موجود - یک دولت و یک شخص خصوصی - در یک شخص ، به دنبال راه هایی برای هماهنگ کردن عقل و احساسات بودند ، آنها به پیروزی نهایی هماهنگی اعتقاد داشتند. این یکی از منابع اصلی خوش بینی در ادبیات کلاسیک است.

کلاسیک ها تأثیر زیادی بر نظریه این ژانر گذاشتند. آنها با اصول سلسله مراتب هدایت شدند، ژانرهای اصلی و غیر اصلی وجود دارد. در اواسط قرن هفدهم ، این عقیده ایجاد شد که مهمترین ژانر ادبی تراژدی است (در معماری - کاخ ، در نقاشی - پرتره تشریفاتی و غیره). نثر از شعر، به‌ویژه داستان، پست‌تر تلقی می‌شد. بنابراین، ژانرهای منثور مانند خطبه ها، نامه ها، خاطرات، که به طور معمول برای درک زیبایی شناختی طراحی نشده اند، رواج یافته اند؛ داستان، به ویژه رمان، فراموش می شود. اصل سلسله مراتب ژانرها را به «بالا» و «کم» تقسیم می کند و حوزه های هنری خاصی به ژانرها اختصاص می یابد. بنابراین، ژانرهای "بالا" (تراژدی، قصیده و غیره) مشکلات سراسری داشتند، آنها فقط می توانستند در مورد پادشاهان، ژنرال ها، بالاترین اشراف صحبت کنند، زبان این آثار شخصیتی شاد و موقر بود ("آرامش بالا" ). در ژانرهای "کم" (کمدی، افسانه، طنز، و غیره)، فقط می توان به مشکلات خاص یا رذایل انتزاعی (خساست، ریا، غرور و غیره) دست زد که به عنوان ویژگی های خصوصی مطلق شخصیت انسانی عمل می کرد. قهرمانان در ژانرهای "پایین" می توانند نمایندگان طبقات پایین جامعه باشند، در حالی که حذف افراد نجیب فقط در موارد استثنایی مجاز بود (بالاتر می توان از شجاعت مولیر قدردانی کرد که تصویر مارکیز را به یک کمیک دائمی تبدیل کرد. شکل). در زبان این گونه آثار، بی ادبی، اشارات مبهم و بازی با کلمات («آرامش کم») مجاز بود، استفاده از کلمات «آرامش بالا» در اینجا، قاعدتاً خصلت تقلیدی داشت. طبق اصول عقل گرایی، کلاسیک گرایان خواستار خلوص ژانرها شدند. ژانرهای ترکیبی، مانند تراژیک کمدی، در حال حذف شدن هستند. این به توانایی یک ژانر خاص برای انعکاس جامع واقعیت ضربه می زند. از این پس، تنها کل سیستم ژانرها قادر به بیان تنوع زندگی است.

کلاسیک به عنوان یک سبک، سیستمی از وسایل تصویری و بیانی است که واقعیت را از طریق منشور نمونه های عتیقه نشان می دهد، که به عنوان ایده آل هارمونی، سادگی، عدم ابهام و تقارن منظم درک می شود. بنابراین، این سبک تنها پوسته بیرونی نظم یافته عقلانی فرهنگ باستانی را بازتولید می کند، بدون اینکه جوهر بت پرستی، پیچیده و تجزیه ناپذیر آن را منتقل کند. جوهر سبک کلاسیک در لباس عتیقه نیست، بلکه در بیان دیدگاه جهان یک مرد عصر مطلق نهفته است. با وضوح، به یاد ماندنی، میل به حذف همه چیز اضافی (اصل صرفه جویی در هزینه)، ایجاد یک تصور واحد و یکپارچه متمایز می شود. کلاسیک گرایی به عنوان یک گرایش به طور متفاوتی در کشورهای اروپایی توسعه یافت. بنابراین، در فرانسه، در دهه 1590 شکل گرفت، در اواسط قرن 17 به روند غالب تبدیل شد، در دهه 60 و 70 به اوج خود رسید، سپس بحرانی را تجربه کرد. از سوی دیگر در انگلستان تأثیر او تا پایان قرن مشخص نمی شود.

آثار بزرگترین شاعر انگلیسی قرن هفدهم، جان میلتون (1608 - 1674) را می توان نمونه ای از کلاسیک گرایی انگلیسی (به ویژه اشعار بعدی او) دانست. میلتون در لندن متولد شد، در خانواده یک دفتر اسناد رسمی، به عنوان فردی تحت تأثیر پیوریتان ها (در خانواده، در مدرسه سنت پل، در دانشگاه کمبریج) تشکیل شد. پس از فارغ التحصیلی از دانشگاه در سال 1632، میلتون در شهر هورتون ساکن شد و در آنجا فعالیت ادبی خود را آغاز کرد. در اینجا او دو خط "L'allegro" (شاد) و "Il penseroso" (متفکر) را نقاشی کرد، جایی که او هماهنگی احساسات و عقل را ترسیم کرد و کف را به عقل داد. در 1638 - 1640. میلتون به دور اروپا سفر می کند، در ایتالیا به عنوان شاعر و دانشمند بزرگ پذیرفته می شود. اما خبر تشکیل پارلمان در انگلستان، اوایل انقلاب، او را به میهن خود باز می‌گرداند و فعالانه به مبارزه برای نوسازی جامعه می‌پیوندد.

دوره دوم در کار میلتون (1640 - 1660) در درجه اول با مشارکت او در انقلاب بورژوازی انگلیس و فعالیت های تبلیغاتی مرتبط است.

میلتون شاعر فوق العاده ای بود. در شعرهای او تأثیر زیبایی شناسی کلاسیک احساس می شود. بنابراین، در شعر "شکسپیر" میلتون تصویر "یادبود" هوراس را تکرار می کند: شکسپیر بنای یادبودی برای خود بلندتر و قوی تر از اهرام برپا کرد. شاعر آثار شکسپیر را با ادبیات مدرن مقایسه می‌کند که با غم از آن می‌گوید: «چه چیزی را می‌توان با آهنگ آزاد تو مقایسه کرد؟ // و این روزها هنر فقط خیال می کند // آزاد بودن.

آخرین دوره کار میلتون 1660 - 1674 را در بر می گیرد. با شکست انقلاب و آغاز بازسازی استوارت ها، روزگار سیاهی برای شاعر فرا می رسد. او به سختی از اعدام و زندان فرار می کند. در آگوست 1660، با فرمان پادشاه، کتاب‌های تبلیغاتی میلتون به نام Iconoclast و دفاع از مردم انگلیس در ملاء عام سوزانده شد. در این دوره مشهورترین آثار نویسنده نوشته شد - شعر "بهشت گمشده! (1658 - 1667) و "بهشت بازگشته" (1671)، تراژدی "سامسون کشتی گیر" (1671).

نئوکلاسیک در مقابل رمانتیسم

تاریخچه این دو جریان، تقریباً یک قرن کامل، از حدود 1750 تا 1850 را در بر می گیرد. به طور متناقض، نئوکلاسیسم از یک سو صرفاً جنبه ای از رمانتیسیسم تلقی می شود و از سوی دیگر جریانی است مخالف آن. دشواری در این واقعیت نهفته است که این دو اصطلاح به همان اندازه که مثلاً «چهارپا» و «گوشت‌خوار» با یکدیگر سازگار نیستند. نئوکلاسیک نمایانگر احیای جدید دوران باستان کلاسیک است، نسبت به روندهای کلاسیک سابق سازگارتر است و حداقل در ابتدا با ایده های روشنگری همراه بود. برعکس، رمانتیسم به هیچ سبک خاصی اشاره نمی کند، بلکه به معنای شیوه ای از تفکر است که می تواند به هر شکلی از جمله در روح کلاسیک بیان شود. بنابراین رمانتیسم مفهومی بسیار گسترده‌تر است و بنابراین یافتن تعریفی برای آن بسیار دشوارتر است. این پیچیدگی بیشتر با این واقعیت عمیق تر می شود که نئوکلاسیک ها و رمانتیک ها در یک زمان زندگی می کردند و خود را در دوران اوج سبک روکوکو اعلام کردند. بنابراین، به عنوان مثال، گویا و دیوید تنها با فاصله چند سال از یکدیگر متولد شدند، و در انگلستان نمایندگان برجسته روکوکو، نئوکلاسیک و رمانتیسیسم - رینولدز، وست و فوزلی - از بسیاری جهات عقاید یکدیگر را به اشتراک گذاشتند، اگرچه در همان زمان. آنها به طور قاطع در موقعیت و سبک خود متفاوت بودند.

عصر روشنگری.

اگر در نظر بگیریم که دوران مدرن در طول انقلاب آمریکا در سال 1776 و انقلاب فرانسه در سال 1789 متولد شد، باید به خاطر داشته باشیم که این فجایع پیش از انقلابی در ذهن ها رخ داده است که نیم قرن قبل از آن آغاز شده است. پرچمداران آن متفکران روشنگری در انگلستان، فرانسه و آلمان - دیوید هیوم، فرانسوا ماری ولتر، ژان ژاک روسو، هاینریش هاینه و دیگران بودند - همه آنها اعلام کردند که مردم در رفتار خود باید با عقل و میل هدایت شوند. برای منافع عمومی، و نه توسط سنت ها و مقامات شناخته شده. در هنر، مانند زندگی، این جریان خردگرا علیه سبک غالب آن زمان - روکوکوی تصفیه شده و اشرافی - هدایت می شد. در اواسط قرن هجدهم، دعوت به بازگشت به عقل سلیم، به طبیعت، به اخلاق، برای هنر به معنای بازگشت به دوران باستان بود - بالاخره، آیا فیلسوفان کلاسیک کیش عقل را آغاز نکردند؟ این دیدگاه اولین بار توسط یوهان یواخیم وینکلمان، مورخ و نظریه‌پرداز هنر آلمانی صورت‌بندی شد که بیانیه معروف در مورد «سادگی نجیب و عظمت آرام» هنر یونانی را اعلام کرد (در اثر خود «اندیشه‌هایی درباره تقلید از آثار یونانی در نقاشی» و فرهنگ» نوشته شده در سال 1755). با این حال، اکثر نقاشان اطلاعات کمی در مورد هنر دوران باستان داشتند، برای آنها بازگشت به کلاسیک به معنای پیروی از سبک و نظریه "آکادمیک" پوسین، همراه با حداکثر استفاده از جزئیات مجسمه های باستانی، کشف شده در طول کاوش های باستان شناسی در هرکالونوم بود. و پمپئی

معماری.

احیای علاقه به پالادیو.

انگلستان مهد نئوکلاسیک در معماری شد. اولین شواهد نئوکلاسیک بازگشت به سبک پالادی در سالهای دوازدهم قرن هجدهم بود که توسط معمار آماتور ثروتمند لرد برلینگتون تسهیل شد. خانه چیزویک که توسط او به سبک ویلا روتوندا ساخته شده است، ساختمانی ساده، فشرده و از نظر هندسی سخت است - دقیقاً برعکس ابهت باروک. تفاوت نئوکلاسیک با سبک های کلاسیک قبلی نه چندان در تظاهرات بیرونی اش، بلکه در انگیزه هایی که منجر به جذابیت آن شد. نئوکلاسیک ها به تلاش برای اثبات برتری معماری باستان اکتفا نکردند، آنها سعی کردند ساختمان ها را متناسب با مقتضیات هدف خود بسازند و بنابراین "طبیعی"تر از ساختمان های باروک به نظر می رسیدند. چنین رویکرد منطقی ظاهر سرد و ترکیبی واضح خانه چیزویک را توضیح می دهد: سطوح مسطح و دست نخورده، دکور ضعیف، رواق معبدی که به شدت از بدنه ساختمان بیرون زده است، که شبیه یک ساختار بلوکی است.

SUFFLO. (1713 - 1780)، معمار فرانسوی. نماینده کلاسیک گرایی کلیسای Sainte-Genevieve در پاریس (1755 - 1789، از 1791 پانتئون) با گنبدی باشکوه، با وضوح تقسیمات، یادبودی دقیق و جسارت راه حل های سازنده متمایز است.

نئوکلاسیک و دوران باستان.

رویدادهای بزرگ در اواسط قرن هجدهم، احیای علاقه به هنر یونانی، به عنوان منبع واقعی سبک کلاسیک، و کاوش‌های هرکالونوم و پمپئی بود که برای اولین بار امکان آشنایی با زندگی را فراهم کرد. از پیشینیان و تصویری کامل از هنر و صنایع دستی آن زمان بدست آورید. در انگلستان و فرانسه، کتاب‌های مصور غنی در مورد آکروپولیس و آتن، معبد Paestum و یافته‌های حفاری‌های Hercalonum و Pompeii شروع به انتشار کردند. باستان شناسی به دست گرفته است.

آدام. همه اینها منجر به ظهور سبک جدیدی در دکوراسیون داخلی شد که بهترین نمونه های آن را در کار رابرت آدام انگلیسی (1728 - 1792) به ویژه در دکوراسیون اتاق نشیمن جلویی در خانه خانه می بینیم. دکوراسیون در ظرافت خود بازتاب فضای داخلی تزئین شده به سبک روکوکو است، اما با تاکید بر سطوح صاف مشخصه نئوکلاسیک و رعایت تقارن و دقت هندسی.

جفرسون در همان زمان، پالادینیسم که توسط لرد برلینگتون احیا شد، فراتر از دنیای قدیم در مستعمرات آمریکا گسترش یافت، جایی که آن را سبک گرجی نامیدند. شاخص ترین نمونه این سبک، مانور توماس جفرسون "مونتیچلو" بود. ساخته شده از آجر، تزئین شده با چوب، به سختی خانه چیویک نیست. جفرسون (1743 - 1826) به جای استفاده از نظم کورنتی، نظم دوریک رومی را انتخاب کرد، اگرچه نظم یونانی سختگیرانه تر دوریک در اواخر قرن 18 ترجیح داده شد. انگلستان برای اولین بار به مرحله بعدی نئوکلاسیک ادای احترام کرد - احیای معماری یونان باستان، اما در مقیاس کوچک. پس از انگلستان، این سبک به سرعت در همه جا مورد استفاده قرار گرفت، زیرا در نظر گرفته شد که منعکس کننده "سادگی نجیب و عظمت آرام" هنر کلاسیک یونانی تا حد زیادی نسبت به دستورات کمتر "مردانه" بعدی است. نظم دوریک یونانی چندان انعطاف‌پذیر نیست، و سازگاری با کاربردهای مدرن را دشوار می‌کند، حتی زمانی که با عناصر رومی یا رنسانس ترکیب شود. فقط گاهی اوقات به عنوان یک مدل مستقیم برای ساختارهای معماری نئوکلاسیک عمل می کند.

موسیقی اروپایی

از آغاز قرن هجدهم در کشورهای اروپای غربی، سرانجام تسلط عمومی در موسیقی سکولار مشخص شد. از نیمه دوم قرن، خلاقیت آهنگساز تحت تأثیر ایده های کلاسیک گرایی روشنگری توسعه یافت.

آهنگسازان ایتالیایی قرن 18 بر اپرا تمرکز کردند. خوانندگان عمدتاً در هنرستان ها آموزش دیدند که در طول "بیمارستان" افتتاح شد. موسیقیدانان مشهور ایتالیایی در آنجا تدریس می کردند. یک معلم برجسته آواز، نیکولا پورپورا (1686-1768)، یکی از آهنگسازان پرکارتر اپرا در مکتب نئو پالینتو بود.

حتی در زمان حیات رئیس این مکتب، آ. اسکارلاتی، خالق سریال اپرا، تناقضات هنری نهفته در آن آشکار شد که باعث سخنرانی های انتقادی تند علیه آن شد. در اواسط قرن هجدهم، تمایلی برای تعیین کلیشه های سریال اپرا، به ارتباط نزدیک تر بین موسیقی و دراماتورژی وجود داشت. این به وضوح در آثار M. Yomelli و T. Traetta، آهنگسازان مکتب نیو ناپل، J. Sarti، P. Guglielmi و دیگران بیان شد. A. Sacchini و A. Salieri از طرفداران سرسخت جدید بودند.

شدیدترین مخالفت با سریال اپرای قهرمانانه مشروط، ژانر دموکراتیک جدید اپرا بوفا (اپرای کمیک) بود. اپرای آهنگساز جووانی باتیستا پرگولسی (1710 - 1736) "خدمتکار معشوقه" (1733) اولین نمونه کلاسیک آن در نظر گرفته می شود.

در دهه 1760 در اپرا - بوفا، گرایش های غنایی-احساس گرایانه ظاهر شد که در کار نیکولو پیچینی (1728 - 1800) منعکس شد. در سال 1776 در پاریس، ن. مخالفان اصلاحات اپرایی گلوک به دنبال مخالفت با موسیقی اپرایی پیچینی در مقابل هنر او بودند. در رقابت، آهنگسازان بر روی طرح اپرای Iphigenia در Tauris کار کردند. در نتیجه گلوک برنده شد.

آخرین مرحله در توسعه اپرا بوفا شامل کارهای جیوانی پائیسیلو (1740 - 1816) و دومنیکو چیموروسا (1749 - 1801) است. هر دو آهنگساز در زمان های مختلف در دربار در سن پترزبورگ کار کردند.

آهنگسازان ایتالیایی سهم قابل توجهی در موسیقی دستگاهی داشتند. هنر ویولن مدیون بزرگ ترین استاد در این زمینه، جوزپه تارتینی (1692 – 1770)، ویولن، آهنگساز و نظریه پرداز موسیقی ایتالیایی است. رئیس مدرسه ویولن پادوآ. ژانر کنسرتو برای ویولن و ارکستر (مجموع 125)، سونات ویولن (مجموع 175)، از جمله. "تریل شیطان"، سه سونات; رساله هایی در مورد موسیقی او آکادمی موسیقی را در پادوآ (1727) تأسیس کرد.

در موسیقی ویولن سل، لوئیژه بوکرینی (1743 - 1805)، آهنگساز و نوازنده ویولن سل ایتالیایی، برجسته بود. کمک به توسعه ژانرهای کلاسیک مجلسی-ساز و سمفونی. از اواخر دهه 60. در مادرید زندگی می کرد. کنسرتو برای ویولن سل و ارکستر، حدود. 30 سمفونی، سونات ساز، گروه‌ها و غیره. آهنگ‌های او عناصر سبک گالانت (روکوکو) را با زیبایی‌شناسی پیشا رمانتیک ترکیب می‌کردند.

دومنیکو اسکارلاتی (1685-1775)، آهنگساز ایتالیایی و شربت‌فروش کلاس، یک مبتکر واقعی در موسیقی کلاویه بود. پسر A. Scarlatti. در لیسبون و مادرید کار کرد. یک سبک عالی برای نواختن هارپسیکورد ایجاد کرد. در سونات های او برای هارپسیکورد (سنت 550، تحت نام «تمرین»)، یک سونات آلگرو شکل گرفت. اپرا، کانتات و... سونات های هارپسیکورد او به نوعی دایره المعارف هنر کلاویه تبدیل شده است.

نقش مهمی در توسعه ژانرهای ساز توسط بزرگترین آهنگساز ایتالیایی آنتونیو ویوالدی (1678 - 1741) ویولونیست برجسته ایفا کرد. خالق ژانرهای کنسرتو تکنوازی (228 برای ویولن) و (به همراه A. Corelli) کنسرتو گروسو (در مجموع 49). چرخه او "فصول" (1725) یکی از اولین نمونه های برنامه نویسی در موسیقی است. 40 اپرا، اوراتوریو، کانتاتاهای سنت. کنسرت های ساز از آهنگ های مختلف (465)، و غیره در سیهنا - موسسه ایتالیایی به نام A. Vivaldi. آثار او حاوی ویژگی‌هایی از اواخر باروک بود.

موسیقی فرانسوی قرن هجدهم اولویت به ژانرهای موسیقی و تئاتر داده شد. در دهه 1730 - 1760. موقعیت پیشرو در اپرای دربار - "آکادمی سلطنتی موسیقی" - توسط بزرگترین آهنگساز فرانسوی ژان فیلیپ رامو (1683 - 1764)، یک نظریه پرداز موسیقی به دست آمد. او با استفاده از دستاوردهای فرهنگ موسیقی فرانسه و ایتالیا، سبک اپرای کلاسیک را به طور قابل توجهی تغییر داد، اصلاحات اپرا K. V. Gluck را آماده کرد. تراژدی های غنایی هیپولیتوس و آریسیا (1733)، کاستور و پولوکس (1737)، اپرای باله گالانت هند (1735)، قطعات هارپسیکورد و غیره. آثار نظری او مرحله مهمی در توسعه دکترین هارمونی است.

تا پایان دهه 1740. در اطراف آثار صحنه ای او، کشمکش میان «رامیست ها» و «لالیست ها» فروکش نکرد. دومی موسیقی رامو را بسیار آموخته و «طرفدار ایتالیا» می دانست. در واقع، آهنگساز با نشان دادن علاقه خلاقانه به ایتالیایی، احترام زیادی برای سنت های J. B. Lully قائل بود. رامو با خلق نمونه‌های واضح تراژدی‌های غنایی و باله‌های اپرا، وسایل موسیقایی و بیانی ژانر اپرا را به روز کرد و سبک آوازی و دکلمه‌ای اپرای فرانسوی را با اشکال آریوز ایتالیایی غنی کرد.

تا اواسط قرن هجدهم اپراهای قهرمانانه-اسطوره ای. لیولی، رامو و دیگر آهنگسازان دیگر پاسخگوی نیازهای زیبایی شناختی مخاطب نیستند. ذائقه او بیشتر با اجراهای منصفانه شدیداً طنزآمیز (که در پایان قرن هفدهم پدیدار شد.) راضی بود. ورود یک گروه اپرای ایتالیایی به پاریس در سال 1752 که چندین اپرا بوفا (از جمله سرکار خانم پرگولسی) را روی صحنه بردند، به تقویت موقعیت او کمک کرد. Egilio Duni (1709-1795) و فرانسوا آندره فیلیدور (1726-1795) از اولین نویسندگان اپرای کمیک فرانسوی بودند. فیلیدور (نام واقعی Danikan Philidor)، آهنگساز فرانسوی. یکی از سازندگان ژانر اپرای کمیک فرانسوی (توطئه هایی از زندگی مردم عادی): "سادونیک و استادش" (1761)، " آهنگر" (1761). او قوی ترین شطرنج باز اروپا در نیمه دوم قرن هجدهم بود. کار "تحلیل یک بازی شطرنج".

در نیمه دوم قرن هجدهم، کمدین اپرا به «کمدی جدی» نزدیک شد. پیر الکساندر مونسینی (1729 - 1813)، آهنگساز فرانسوی، نماینده مشخص این جریان شد. یکی از خالقان اپرای کمیک فرانسوی، آن را به یک درام احساساتی نزدیک کرد (بیابان، 1769 و غیره).

این کمدین به طور قابل توجهی حوزه فیگوراتیو و هنری اپرا توسط آندره گرتری (1741 - 1787) آهنگساز فرانسوی را گسترش داد. بلژیکی در اصل. استاد ژانر اپرا (از کمدی احساساتی تا اپرای رمانتیک). اپراهای «لوسیل» (1769)، «ریچارد شیردل» (1784) و... او آثار عمیقی در زمینه اندیشه موسیقیایی و زیبایی شناختی از خود به جای گذاشت.

ایده های روشنگری فرانسه در مورد بازگرداندن وحدت هنرهایی که در تئاتر باستانی وجود داشت، اساس اصلاحات اپرایی آهنگساز بزرگ کریستوفر ویلیبالد گلوک (1714-1787) را تشکیل داد. اثر گلوک (آلمانی زاده شده) "انقلاب رادیکال" مورد انتظار در اپرا بود. توسط او در دهه 1760 ایجاد شد. در وین، اپراهای "اورفیوس و اوریدیک"، "آلسست" و دیگران در دهه 1770، در شرایط قبل از انقلاب در پاریس. آرمیدا، ایفیگنیا در تائوریدا و دیگران سبک اپرا جدیدی را - درام موسیقی کلاسیک - زنده کردند. دستاورد اصلی آهنگساز تبعیت تمام ابزارهای بیان اجرا به یک ایده دراماتیک واحد بود.

تحت تأثیر اندیشه های انقلاب فرانسه، هنر موسیقی ملی خصلت مدنی-دمکراتیک پیدا کرد. بارزترین نمونه ترانه انقلابی La Marseillaise اثر کلود ژوزف روژه د لیل (1760-1836) است که توسط او در سال 1792 سروده شد. او مهندس نظامی، شاعر و آهنگساز فرانسوی بود. او سرودها، ترانه ها، عاشقانه ها می نوشت.

ظهور مضامین قهرمانانه در موسیقی به هنر کلاسیک گرایی انقلابی جان بخشید. بزرگترین آهنگسازان آن زمان F.J. Gossec، E. Megül، J.F. Lesueur، L. Cherubini بودند. فرانسوا ژوزف گوسک (1734-1829) بنیانگذار سمفونی فرانسوی بود. لوئیجی کروبینی (1760 - 1842)، آهنگساز ایتالیایی که در فرانسه زندگی می کرد، یکی از خالقان ژانر "اپرای نجات" است.

هنر موسیقی آلمان در نیمه اول قرن 18 با شکوفایی آثار آهنگساز بزرگ آلمانی یوهان سباستین باخ (1685 - 1750) مشخص شد. در موسیقی او تقریباً تمام گرایش های موسیقی قبلی یک قرن و نیم تعمیم و تکمیل شد. برای 50 سال خلاقیت، تنها در پنج سال از آنها علایق باخ بر موسیقی سکولار متمرکز بود. بیشتر عمرش در کلیسا کار می کرد. این آهنگساز که تقریباً به تمام زمینه های هنر موسیقی ادای احترام کرد ، ژانر پیشرو زمان خود - اپرا را دور زد. باخ، به دور از هر چیز سطحی و سرگرم کننده، با اپرای دربار بیگانه بود. تلاش خلاقانه او که از نزدیک با سنت لوتری مرتبط بود، با فضای کلیسای جامع مطابقت داشت. با این حال، مهمترین دستاوردهای هنری درام موسیقی عمیقاً در آثار او نفوذ کرد و موسیقی خشن لوتری را نرم کرد.

میراث گسترده باخ، شامل بیش از 1000 اثر در ژانرهای مختلف، سه حوزه - ارگ، آواز-دراماتیک و ساز را در بر می گیرد. در کار ارگ آهنگساز، قاعده مندی های چرخه چند صدایی کوچک شکل گرفت که در 48 پیش درآمد و فوگ "ترقوه خوش خلق" او ثابت شد. در میان ساخته های باخ، شش کنسرتو براندنبورگ برای ارکستر (کنسرتو گروسو) برجسته است. که در آن سنت های ویوالدی را ادامه داد.

آثار آوازی و نمایشی باخ شامل حدود 300 کانتاتا و اواتوریو معنوی است (مصائب به گفته جان، مصائب به روایت متی و دیگران.) کانتات های سکولار تفاوت کمی با کانتات های معنوی دارند. کانتاتای قهوه و کانتاتا دهقانی که اپرای کمیک آلمانی را پیش‌بینی می‌کردند، از جذابیت خاصی برخوردارند.

سرنوشت جورج فریدریک هندل (1685 - 1759) که در طول زندگی خود به رسمیت شناخته شد، متفاوت بود. تلاش او برای تأیید عمومی هنرش، برای مخاطبان دموکراتیک گسترده، برای نمایشی بودن ژانرهای سکولار، خاکی در آلمان پیدا نکرد. از 1717 او به طور دائم در انگلستان زندگی می کرد. در اینجا فعالیت او نقش زیادی در توسعه فرهنگ موسیقی انگلیسی داشت. هندل به راحتی با سلیقه و نیازهای هنری مردم انگلیسی سازگار شد و بیش از 40 اپرا به سبک ایتالیایی خلق کرد. او استاد بزرگی در اوراتوریوها شد که در آن سنت های ملی آلمان به طرز ماهرانه ای با ویژگی های ذاتی ژانرهای آوازی و ساز انگلیسی ترکیب می شد.

تغییرات قابل توجهی در هنر موسیقی اتریش رخ داده است. نمایندگان به اصطلاح مکتب وین قدیم به توسعه ژانرهای ساز (سونات، کنسرتو) کمک کردند و سعی کردند عنصر دراماتیک را وارد اپرا کنند.

در سال 1748، تولیدات اپرا در بورگتئاتر توسط K. V. Gluck کارگردانی شد. تحت او، تئاتر به یکی از مراکز زندگی موسیقی اروپا تبدیل شد. از سال 1754، باله به عنوان یک ژانر مستقل توسعه یافته است. باله گلوک دون خوان از بسیاری جهات پیشگویی اقدامات اصلاح طلبانه او در اپرا بود. در دهه 60، بین مخالفان و مدافعان کمدی عامیانه وین، که ریشه در قرن هفدهم داشت، مبارزه ای در گرفت. نیاز به یک اپرای ملی غالب شد و سینگ اشپیگل اتریشی خود را در صحنه تئاتر بورگ تثبیت کرد. با فرمان امپراتور در سال 1778، یک گروه اپرای داخلی ایجاد شد. در نیمه دوم قرن هجدهم مکتب کلاسیک وینی در اتریش شکل گرفت. یکی از بنیانگذاران آن جوزف هایدن (1732-1809) بود. او همراه با گلوک و موتزارت ویژگی های بارز مدرسه را تعریف کرد. هایدن بنیانگذار سمفونی کلاسیک وین و اصلاح طلب در زمینه موسیقی دستگاهی است. او که نویسنده 104 سمفونی است، چرخه سمفونیک چهار موومان را تأیید کرد و ترکیب دائمی، به اصطلاح کلاسیک، ارکستر سمفونیک را ثابت کرد.

کار آهنگساز بزرگ اتریشی ولفگانگ آمادئوس موتزارت (1756 - 1791) یکی از مهمترین مراحل توسعه جهانی اپرا، سمفونی، کنسرت و موسیقی مجلسی است. هنر موتزارت، نماینده مکتب کلاسیک وین، از نظر هماهنگی روشن و روشن، با کیش عقل و در عین حال احساسات گرایی، شبیه کلاسیسم روشنگری است.

میراث بزرگ آهنگساز. او حدود 50 سمفونی نوشت که در میان آنها سه سمفونی آخر جایگاه ویژه ای دارند. یک کیبورد و ویولونیست برجسته بودن. او بنیانگذار نوع جدیدی از سونات و کنسرتو شد. موتزارت گامی تعیین کننده در بازنگری اصول و سنت های تئاتر موزیکال برداشت. او اپرای کمیک و احساسی روزمره را دگرگون کرد و نوع جدیدی از اپرا واقع گرایانه را خلق کرد. موتزارت در ترکیب موسیقی و نمایش، برتری را به موسیقی واگذار کرد و سیستمی را برای اطاعت کامل خواننده لیبرت از آهنگساز ایجاد کرد. گفته او معروف است: شعر، دختر مطیع موسیقی است.

موتزارت بر اساس اپرای بوفا ایتالیا (و تا حدی سریال اپرا)، اپرای کمدی ازدواج فیگارو (1786) و اپرای درام دون جووانی (1787) را نوشت - بهترین آثار صحنه ای او. یکی از مهم‌ترین شایستگی‌های موتزارت به‌عنوان نمایشنامه‌نویس، خلق آهنگ ملی کلاسیک - ربوده شدن از سرالیو (1782) و فلوت جادویی (1791) است.

کار روی "Requiem" نیم سال قبل از مرگ آهنگساز آغاز شد. این مراسم تشییع جنازه برای یک گروه کر، یک کوارتت متشکل از تکنوازان و یک ارکستر بزرگ یکی از عمیق ترین در اندیشه و بیان آثار بدیع موتزارت است. رکوئیم که به طور ناشناس توسط کنت F. Walsegg-Stuppach دستور داده شد، ناتمام ماند (اعداد گمشده توسط شاگرد موتزارت، F. X. Süssmayr نوشته شده است).

موسیقی روسی.

قرن هجدهم عصر جدیدی را در توسعه موسیقی روسی گشود. پس از سالها انزوای هنر حرفه ای موسیقی و تبعیت آن از کلیسا، توسعه سریع ژانرهای سکولار آغاز شد. توسعه سریع دستاوردهای فرهنگ موسیقی اروپای غربی منجر به ایجاد سنت های ملی خود شد. در یک سوم پایانی قرن، مکتب آهنگسازان روسی شکل گرفت.

توسعه موسیقی روسی تا پایان دهه 1720. با اصلاحات پیتر اول همراه بود که راه را برای گسترش فرم های موسیقی اروپایی هموار کرد. گروه‌های موسیقی نظامی در جشن‌های عمومی، توپ‌های دادگاه و مجالس به صدا درآمدند.

تا اواسط قرن هجدهم، کنسرتو کرال پارتز به پیشرفت خود ادامه داد. از استادان این ژانر نیکولای کلاشینکف، نیکولای باویکین و فئودور ردنیکوف به شهرت رسیدند.

در قرن هجدهم، کانتینرهای پانژیریک، رومیزی، ملوانی شکل گرفت. محتوای عشق متولد شد. آن‌ها اغلب از ملودی‌های رقص‌های گالانت اروپایی استفاده می‌کردند، اغلب از مینوئت (کانت به مینووت).

در زمان امپراطور آنا یوآنونا، در سال 1734، اولین گروه اپرای ایتالیایی وارد سن پترزبورگ شد. کارنامه او عمدتاً شامل اینترلودها و کمدی ها به سبک دل آرته بود. با این حال، عظمت آیین کاخ بیشتر با سریال اپرای ایتالیایی مطابقت داشت. نقش مهمی در توسعه سریال اپرا در روسیه توسط گروه ایتالیایی به سرپرستی فرانچسکو آرایا ایفا شد.

اجرای اپرای آرایا "سفال و پروکریس" (1755) از اهمیت زیادی برخوردار بود که لیبرتو آن توسط A.P. سوماروکف این اولین اجرای اپرا بود که به زبان روسی اجرا شد و خوانندگان جوان روسی در قسمت های اصلی درخشیدند.

در اواخر دهه 1750، سریال اپرا با ژانر دموکراتیک تر - اپرا بوفا جایگزین شد. از سال 1757، شرکت های اپرای ایتالیایی در روسیه اجرا می کردند. سهم قابل توجهی در توسعه فرهنگ موسیقی روسیه توسط B. Galuppi، T. Traetta، J. Paisiello و D. Cimarosa انجام شد.

Galuppi Baldassare (1706-1785)، آهنگساز ایتالیایی. کارگردانی کلیسای جامع کلیسای جامع سن مارکو در ونیز. در 1765-1768 در روسیه کار کرد. نماینده مدرسه ونیزی، استاد اپرا بوفا (فیلسوف دهکده، 1754، و دیگران).

تراتا توماسو (1727-1779)، آهنگساز ایتالیایی. در 1768 - 1776 رهبر ارکستر دربار در سن پترزبورگ بود. او با تغییر و به روز رسانی سنت های سریال اپرا، اصلاحات اپرا گلوک را آماده کرد. اپرا (در مجموع بیش از 50): ایفیگنیا در توریس (1763)، آنتیگون (1772)، لوسیوس ور (1774) و دیگران. اوراتوریو، "شور"، دسته جمعی و سایر آثار کلیسا.

Cimarosa Domenico (1749 - 1801)، آهنگساز، نوازنده هارپسیکورد، ویولن، خواننده ایتالیایی. در 1787 - 1791 در سن پترزبورگ کار کرد. استاد اپرا بوفا (بیش از 70، از جمله بهترین - "ازدواج مخفی"، 1792). مجموعه اپرا "Horaces and Curations" (1796) و دیگران.

نقش به همان اندازه مهم در توسعه موسیقی روسی و به ویژه ژانر اپرا توسط کمدین اپرا فرانسوی ایفا شد. گروه اپرای فرانسوی، به دعوت کاترین دوم، دو نسخه از کمدین اپرا ارائه کرد: طنز روزمره (F. Philidor) و اپرای احساساتی (A. E. M. Grétry و P. A. Monsigny).

اپراهای فرانسوی با موفقیت در تئاترهای قلعه مسکو و سن پترزبورگ اجرا شدند. تئاتر قلعه N. P. Sheremetyev یکی از درخشان ترین مراکز موسیقی فرانسه بود.

مکتب آهنگسازی روسیه در یک سوم پایانی قرن هجدهم شکل گرفت. آهنگسازان روسی به دنبال ترکیب اصول و اشکال کلاسیک گرایی اولیه اروپایی با انبار ملودیک آوازهای محلی روسی بودند. اولین مجموعه آهنگ های روسی ظاهر شد - V. F. Trutovsky ، N. A. Lvov و I. Prach. در سال 1740 - 1760 "مجموعه کرشا دانیلوف" ظاهر شد که اساس آن ترانه های حماسی بود. ژانر اپرایی مهمترین جایگاه را در آثار آهنگسازان روسی به خود اختصاص داد. در ابتدا، اپرای داخلی سنت های تئاتر موسیقی فرانسه را ادامه داد. اولین نمونه از یک تئاتر اپرا، میلر-جادوگر، فریبکار و کبریت ساز (1779) اثر میخائیل ماتویویچ سوکولوفسکی بود. موسیقی اپرا عمدتاً از مجموعه تروتوفسکی وام گرفته شده است. در همان سال آهنگساز برجسته اپرای قرن 18 واسیلی آلکسیویچ پاشکویچ (1742 - 1797) "بدبختی از کالسکه" ظاهر شد. پاشکویچ به عنوان استاد گروه نویسی ("خسیس"، "چگونه زندگی می کنی، شناخته می شوی") شهرت یافت. اپراهایی که پاشکویچ به سفارش کاترین دوم بر روی لیبرتو او نوشته بود، موفقیت چندانی نداشت.

Evstigney Ipatovich Fomin (1761 - 1800) در آثار خود به سطح بزرگترین موسیقیدانان ایتالیایی ("مربیان در پایه" ، "Orpheus") ارتقا یافت. لطف ظریف و عنصر کمدی ذاتی در اپرای دیمیتری استپانوویچ بورتنیانسکی (1751 - 1825) - سوکولوف و پسر رقیب. او در ژانرهای مختلفی کار کرده است.

نوع جدیدی از آهنگ های مجلسی با همراهی - "آهنگ های روسی" - در اواسط قرن 18 ظاهر شد. در پایان قرن هجدهم، استادان ژانر آواز مجلسی - فئودور میخائیلوویچ دوبیانسکی (1796 - 1860) و اوسیپ آنتونوویچ کوزلوفسکی (1757 - 1831) - به میدان آمدند.

بزرگ ترین آهنگساز قرن هجدهم که عمدتاً موسیقی دستگاهی ساخته است، ایوان اوستراپویچ خاندوشکین (1747 - 1804) است. او نویسنده تغییرات متعددی برای تکنوازی ویولن یا دو ویولن با موضوع آهنگ‌های فولکلور روسی، سونات‌های ویولن سولو است. تغییرات پیانو توسط تروتوفسکی و کارائولوف نوشته شده است. فرم سونات از نوع کلاسیک اولیه توسط بورتنیانسکی ایجاد شد. عناصر سمفونیزم روسی در اورتورهای اپرا و تا حدی در موسیقی باله به بلوغ رسیدند.

استاد برجسته موسیقی کر - ماکسیم سوزوتوویچ برزوفسکی (1745 - 1777) در زمینه هارمونی و فرم موسیقی از باروک به کلاسیک گذر کرد. برزوفسکی و بورتنیانسکی مرحله جدیدی را در توسعه موسیقی کرال کلیسای روسیه تعیین کردند. کار این آهنگسازان با عمق بیان احساسات انسانی، وضوح کلاسیک و هماهنگی فرم متمایز می شود. آنها نوعی کنسرت کر را ایجاد کردند که از دستاوردهای اپرا، هنر پلی فونیک قرن هجدهم و ژانرهای کلاسیک موسیقی دستگاهی استفاده می کرد.

از تاریخ

*** در قرن هجدهم، حرفه موسیقی دان تقریباً برابر با یک پیشه و صنعت بود. برخلاف خلاقیت ادبی، کار یک موسیقیدان و همچنین یک نقاش برای افراد اصیل شرم آور بود. آهنگسازان روسی قرن هجدهم بیشتر مردم عادی بودند - رعیت (دگتیارف)، سربازان (فومین)، صنعتگران (خاندوشکین). در نردبان سلسله مراتبی اجتماعی، آنها در یک سطح با لاکی ها ایستادند. وظیفه آنها سرگرم کردن مردم بود.

***تئاتر بولشوی در مسکو از سال 1776 پیشتاز تاریخ خود بوده است. شاهزاده P. V. Urusov سپس امتیاز "صاحب تمام اجراهای تئاتری در مسکو ..." را دریافت کرد و به همراه کارآفرین M. E. Medoxon یک ساختمان ویژه تئاتر ("خانه پتروفسکی" یا "خانه اپرا") ساخت. این اولین تئاتر دائمی بود. در اینجا، همراه با اپرا، نمایش های باله و درام وجود داشت.

تولد تئاتر ماریینسکی به سال 1783 برمی گردد، زمانی که تئاتر سنگی (بولشوی) در سن پترزبورگ ساخته شد و گروهی با فرمان کاترین دوم سازماندهی شد "... نه تنها برای کمدی، بلکه برای اپرا ... "

بنابراین هنر روکوکو از کلیسا جدا شد و مضامین مذهبی را در پس‌زمینه قرار داد. از این پس، هم نقاشی و هم معماری باید سبک و دلپذیر باشند. جامعه شجاع قرن 18 از اخلاقی کردن و موعظه خسته شده بود، مردم می خواستند از زندگی لذت ببرند و از آن بیشترین بهره را ببرند. بزرگترین استاد روکوکو فرانسوا بوچر بود که نقاشی های خود را به تزئینات تبدیل کرد.

البته به شکلی ایده آل نبود. استادان هنر با تمام علاقه از اصول زیبایی شناسی خود دفاع کردند - آنها یک چیز را تأیید کردند، چیز دیگری را رد کردند. به طور کلی، ادبیات اروپای غربی قرن هفدهم تا هجدهم. بسیاری از استادان درجه یک را به عرصه جهانی آورد و به گنجینه آثار هنری جهان با ارزش هنری بالا کمک کرد. اگر منظورتان اصالت هنری است، پس...

بنابراین، بحث از معنای فلسفی طبیعت مستلزم تحلیل رابطه طبیعت و تولید، بلکه با در نظر گرفتن روابط و ارزیابی های زیبایی شناختی، اخلاقی و اجتماعی از طبیعت است. 2. فلسفه اروپا قرن هفدهم-هجدهم. فلسفه اروپایی قرن هفدهم به طور مشروط، فلسفه دوران مدرن نامیده می شود. این دوره با توسعه اجتماعی نابرابر مشخص می شود. ...

و با بازنگری در محتوای دروس کلاسیک و اول از همه رشته های ریاضی انجام شد. آموزش عالی. قرن 17 - 18 - زمان توسعه سریع آموزش عالی در اروپای غربی. مهمترین نکته در توسعه آموزش دانشگاهی این بود که اولاً علوم طبیعی به طور گسترده در محتوای آن گنجانده شده است و در نتیجه...

تعریف کلاسیک (از لاتین сlassicus - نمونه) یک سبک و جهت هنری در هنر اروپا در قرن 17 - 19 است. مبتنی بر اندیشه‌های عقل‌گرایی است که هدف اصلی آن آموزش عموم مردم بر اساس یک آرمان، مدل خاص است که شبیه به مدرنیسم است. فرهنگ دنیای باستان به عنوان چنین نمونه ای عمل کرد. قواعد، قوانین کلاسیک از اهمیت بالایی برخوردار بودند. همه هنرمندانی که در چارچوب این مسیر و سبک کار می‌کنند باید آنها را رعایت کنند.

تعریف کلاسیک

کلاسیک به عنوان یک سبک، جایگزین بیرونی سرسبز و باشکوه شده است. در پایان قرن هفدهم، جامعه اروپایی با ایده های روشنگری آغشته شد که در فرهنگ هنر منعکس شد. توجه معماران و مجسمه سازان به دلیل دقت، سادگی، وضوح و مختصر بودن فرهنگ باستان، به ویژه یونان باستان، جلب شد. ، معماری موضوع تقلید و استقراض شد.

کلاسیک به عنوان یک جهت، همه انواع هنر را در بر گرفت: نقاشی، موسیقی، ادبیات، معماری.

تاریخچه پیدایش سبک کلاسیک: از دوران باستان تا رنسانس

کلاسیک گرایی که هدف اصلی آن آموزش مردم بر اساس یک آرمان معین و انطباق با همه قوانین پذیرفته شده است، کاملاً مخالف است که همه قوانین را انکار می کرد و شورشی علیه هر سنت هنری در هر جهت بود.

کلاسیک گرایی استانی در روسیه

این جهت فقط برای معماری روسی مشخص است. بیشتر ساختمان های تاریخی سن پترزبورگ و مسکو، یاروسلاول، پسکوف در کلاسیک گرایی استانی ساخته شده اند. منشا آن به دوره عصر طلایی برمی گردد. نمایندگان کلاسیک سازه های معماری ساخته شده به سبک کلاسیک: کلیسای جامع کازان، کلیسای جامع قزاق نیکولسکی و غیره.

دوره ها: اوایل، میانه، دیر (بالا)

کلاسیک در توسعه خود 3 دوره را پشت سر گذاشت که می توان آنها را به شرح زیر برشمرد:

1. اوایل (دهه 1760 - اوایل دهه 1780) - دوران اوج جهت، پذیرش مفهوم سبک جدید، تعریف دلایل، و برای چه ویژگی هایی این سبک به طور خاص به کلاسیک تعلق خواهد داشت.
2. سخت یا متوسط ​​(دهه 1780 - 1790) - ریشه یابی سبک، توصیف در بسیاری از آثار ادبی و بصری، ساخت ساختمان ها.
3. متأخر یا بلند، به نام (30 سال اول قرن 19).

این عکس طاق پیروزی در پاریس را نشان می دهد - نمونه بارز کلاسیک.

ویژگی ها و ویژگی های سبک جهانی

ویژگی های کلاسیک در تمام زمینه های خلاقیت:

• اشکال هندسی واضح
• مواد با کیفیت بالا،
• پرداخت های نجیب و محدودیت

عظمت و هماهنگی، لطف و تجمل - اینها اصلی ترین ویژگی های متمایز کلاسیک هستند. این ویژگی ها بعداً در فضای داخلی به سبک نمایش داده شد.

ویژگی های بارز کلاسیک در فضای داخلی مدرن

ویژگی های سبک ضروری:

• دیوارهای صاف با نقوش گل نرم؛
• عناصر دوران باستان: کاخ ها و ستون ها.
• گچ بری
• پارکت نفیس؛
• کاغذ دیواری پارچه ای روی دیوار;
• مبلمان شیک و برازنده

اشکال مستطیلی آرام، طراحی تزئینی محتاطانه و در عین حال متنوع، تناسبات متعادل، ظاهر باوقار، هماهنگی و سلیقه از ویژگی های سبک کلاسیک روسی شد.

نمای بیرونی جهت کلاسیک: ساختمان ها

نشانه های بیرونی کلاسیک در معماری مشخص است، آنها را می توان در نگاه اول به ساختمان شناسایی کرد.

1. سازه ها: پایدار، عظیم، مستطیل شکل و قوسی شکل. ترکیبات به وضوح برنامه ریزی شده اند، تقارن دقیق مشاهده می شود.
2. اشکال: هندسه روشن، حجم و یادبود. مجسمه‌ها، ستون‌ها، طاقچه‌ها، روتوندا، نیم‌کره‌ها، پدیدمان‌ها، فریزها.
3. خطوط: سخت; سیستم برنامه ریزی منظم؛ نقش برجسته، مدال، الگوی روان.
4. مواد: سنگ، آجر، چوب، گچ.
5. سقف: پیچیده، شکل پیچیده.
6. رنگ های غالب: سفید پررنگ، سبز، صورتی، بنفش، آبی آسمانی، طلایی.
7. عناصر مشخصه: دکور محتاطانه، ستون ها، ستون ها، زیور آلات عتیقه، پله های مرمر، بالکن.
8. پنجره ها: نیم دایره، مستطیل، کشیده به سمت بالا، با تزئینات متوسط.
9. درها: مستطیل شکل، پانل بندی شده، اغلب با مجسمه (شیر، ابوالهول) تزئین شده است.
10. دکور: کنده کاری، تذهیب، برنز، مروارید، منبت.

داخلی: نشانه های کلاسیک و ژانرهای معماری

در فضای داخلی دوران کلاسیک نجابت، خویشتن داری و هماهنگی وجود دارد. با این وجود، همه اقلام داخلی مانند آثار موزه به نظر نمی رسند، بلکه فقط بر ذوق هنری ظریف و احترام صاحب آن تأکید می کنند.

اتاق شکل صحیحی دارد، پر از فضایی از اشراف، راحتی، گرما، تجمل نفیس. پر از جزئیات نیست

مکان مرکزی در دکوراسیون داخلی توسط مواد طبیعی، عمدتاً چوب های گرانبها، سنگ مرمر، سنگ، ابریشم اشغال شده است.

• سقف: نور بالا، اغلب چند سطح، با گچ بری، زیور آلات.
• دیوارها: تزئین شده با پارچه، سبک، اما نه روشن، ستون ها و ستون ها، گچ کاری یا نقاشی امکان پذیر است.
• پوشش کف: پارکت ساخته شده از گونه های چوبی با ارزش (مرباو، کامشی، ساج، جاتوبا) یا سنگ مرمر.
• روشنایی: لوسترهای ساخته شده از کریستال، سنگ یا شیشه گران قیمت؛ لوسترهای طلاکاری شده با پلافند به شکل شمع.
• ویژگی های اجباری داخلی: آینه ها، شومینه ها، صندلی های دنج دنج، میزهای چای کم، فرش های دستباف سبک، نقاشی هایی با مناظر عتیقه، کتاب ها، گلدان های کفی عظیم که به عنوان دوران باستان طراحی شده اند، پایه های گل سه پایه.

نقوش عتیقه اغلب در دکور اتاق استفاده می شود: پیچ و خم، فستون، حلقه گل لورل، رشته مروارید. برای تزئین از منسوجات گران قیمت از جمله ملیله، تافته و مخمل استفاده می شود.

مبلمان

مبلمان عصر کلاسیک با کیفیت خوب و احترام متمایز می شود و از مواد گران قیمت و عمدتاً از چوب با ارزش ساخته شده است. قابل توجه است که بافت چوب نه تنها به عنوان یک ماده، بلکه به عنوان یک عنصر تزئینی نیز عمل می کند. اثاثیه با دست ساخته می شود که با کنده کاری، تذهیب، خاتم کاری، سنگ های قیمتی و فلزات تزئین شده است. اما فرم ساده است: خطوط دقیق، نسبت های واضح. میز و صندلی های ناهارخوری با پایه های حک شده ظریف ساخته شده اند. ظروف - چینی، نازک، تقریبا شفاف، با الگو، طلاکاری. یکی از مهم ترین ویژگی های مبلمان منشی با بدنه مکعبی روی پاهای بلند در نظر گرفته می شد.

معماری: تئاترها، کلیساها و ساختمان های دیگر

کلاسیک به مبانی معماری باستانی روی آورد و نه تنها از عناصر و نقوش، بلکه از الگوهایی در ساخت و ساز استفاده کرد. اساس زبان معماری نظم با تقارن دقیق، تناسب ترکیب ایجاد شده، منظم بودن چیدمان و وضوح فرم سه بعدی است.

کلاسیک با پرمدعا و افراط های تزئینی کاملاً برعکس است.

کاخ‌های بدون استحکام، مجموعه‌های باغ و پارک ایجاد شد که با کوچه‌های صاف، چمن‌های تزئین شده به شکل مخروط‌ها و توپ‌ها، اساس باغ فرانسوی شد. جزئیات معمول کلاسیک عبارتند از پله های برجسته، دکوراسیون کلاسیک عتیقه، گنبد در ساختمان های عمومی.

کلاسیک متاخر (امپراتوری) نمادهای نظامی را به دست می آورد ("طاق پیروزی" در فرانسه). در روسیه، سنت پترزبورگ را می توان کانون سبک معماری کلاسیک نامید، در اروپا هلسینکی، ورشو، دوبلین، ادینبورگ است.

مجسمه سازی: ایده ها و توسعه

در دوران کلاسیک گرایی، بناهای تاریخی عمومی که مظهر قدرت نظامی و خرد دولتمردان بودند، رواج یافت. علاوه بر این، راه حل اصلی برای مجسمه سازان مدل به تصویر کشیدن چهره های معروف در قالب خدایان باستانی (به عنوان مثال، سووروف - به شکل مریخ) بود. سفارش دادن سنگ قبر به مجسمه سازان برای ماندگاری نام آنها در بین افراد خصوصی رایج شده است. به طور کلی، مجسمه های این دوره با آرامش، خویشتن داری در حرکات، بیان بی عاطفه و خلوص خطوط مشخص می شوند.

مد: لباس های اروپا و روسیه

علاقه به دوران باستان به لباس در دهه 80 قرن هجدهم خود را نشان داد. این امر به ویژه در لباس زنانه مشهود بود. ایده آل جدیدی از زیبایی در اروپا پدیدار شد که اشکال طبیعی و خطوط زیبای زنانه را جشن می گرفت. بهترین پارچه های صاف از رنگ های روشن، به ویژه سفید، به مد آمدند.

لباس‌های زنانه قاب‌ها، بالشتک‌ها و کت‌های خود را از دست دادند و به شکل تونیک‌های دراز و روکش‌دار درآمدند که در کناره‌ها بریده شده و با کمربند زیر نیم‌تنه قطع شده بود. جوراب شلواری همرنگ پوست می پوشیدند. صندل با روبان به عنوان کفش خدمت می کرد. مدل مو از دوران باستان کپی شده است. پودر هنوز در مد باقی مانده است که با آن صورت، دست ها و دکلته پوشانده می شد.

در میان اکسسوری ها یا عمامه کیسه ای تزئین شده با پر و یا روسری ترکی یا شال کشمیری استفاده می شد.

از آغاز قرن نوزدهم، دوخت لباس های تشریفاتی با قطار و یقه عمیق شروع شد. و در لباس های روزمره، یقه با یک روسری توری پوشانده شده بود. به تدریج مدل مو تغییر می کند و پودر از بین می رود. موهای کوتاه کوتاه، پیچ خورده به صورت فر، گره خورده با روبان طلایی یا تزئین شده با تاج گل، به مد می آید.

مد مردان تحت تأثیر بریتانیایی ها تکامل یافت. دمپایی پارچه‌ای انگلیسی، ردینگوت (لباس بیرونی شبیه کت روپوش)، ژاکت و سرآستین در حال محبوب شدن هستند. در عصر کلاسیک بود که کراوات مردانه مد شد.

هنر

نقاشی و هنرهای زیبا

در نقاشی، کلاسیک نیز با محدودیت و سختگیری مشخص می شود. عناصر اصلی فرم خط و کیاروسکورو هستند. رنگ محلی بر انعطاف پذیری اشیا و فیگورها تاکید می کند و پلان فضایی نقاشی را از هم جدا می کند. بزرگترین استاد قرن هفدهم. - لورن کلود، معروف به خاطر "مناظر عالی" خود. ترحم مدنی و غزل در "مناظر تزئینی" نقاش فرانسوی ژاک لویی دیوید (قرن هجدهم) ترکیب شده است. در میان هنرمندان روسی می توان کارل بریولوف را که کلاسیک گرایی را با (قرن 19) ترکیب کرد، مشخص کرد.

کلاسیک گرایی در موسیقی با نام های بزرگی مانند موتزارت، بتهوون و هایدن همراه است که توسعه بیشتر هنر موسیقی را تعیین کردند.

ادبیات: قهرمانان و شخصیت در آثار

ادبیات دوران کلاسیک گرایی ذهنی را که بر احساسات غلبه می کرد ترویج می کرد. تضاد بین وظیفه و اشتیاق اساس طرح یک اثر ادبی است که در آن شخص دائماً در تنش است و باید تصمیم بگیرد که چه تصمیمی بگیرد. زبان در بسیاری از کشورها اصلاح شد و پایه های هنر شعری گذاشته شد. نمایندگان پیشرو جهت - فرانسوا مالهرب، کورنیل، راسین. اصل ترکیب بندی اثر، وحدت زمان، مکان و کنش است.

در روسیه، کلاسیک گرایی زیر نظر روشنگری توسعه می یابد که ایده های اصلی آن برابری و عدالت بود. درخشان ترین نویسنده ادبیات عصر کلاسیک گرایی روسی م. ژانر اصلی کمدی و طنز بود. Fonvizin و Kantemir در این زمینه کار کردند.

"عصر طلایی" عصر کلاسیک برای هنر تئاتر در نظر گرفته می شود که بسیار پویا و بهبود یافته است. تئاتر کاملاً حرفه ای بود و بازیگر روی صحنه فقط بازی نکرد، بلکه زندگی کرد، تجربه کرد و در عین حال خودش باقی ماند. سبک نمایشی به عنوان هنر تلاوت اعلام شد.

• ژاک آنژ گابریل، پیرانسی، ژاک ژرمن سوفلوت، باژنوف، کارل روسی، آندری ورونیخین، (معماری)؛
• آنتونیو کانووا، توروالدسن، فدوت شوبین، بوریس اورلوفسکی، میخائیل کوزلوفسکی (مجسمه)؛
• نیکلاس پوسین، لبرون، اینگر (نقاشی)؛
• ولتر، ساموئل جانسون، درژاوین، سوماروکف، کمنیتزر (ادبیات).

ویدئو: سنت ها و فرهنگ، ویژگی های متمایز، موسیقی

نتیجه

ایده های دوران کلاسیک با موفقیت در طراحی مدرن استفاده می شود. نجابت و ظرافت، زیبایی و عظمت را حفظ می کند. ویژگی های اصلی نقاشی دیوار، پارچه فروشی، گچبری، مبلمان چوب طبیعی است. تزئینات کمی وجود دارد، اما همه آنها مجلل هستند: آینه، نقاشی، لوسترهای عظیم. به طور کلی، این سبک حتی در حال حاضر مالک را به عنوان فردی محترم و به دور از فقیر توصیف می کند.

بعداً ، هنوز هم ظاهر می شود ، که ورود یک دوره جدید را نشان می دهد - این. ترکیبی از چندین سبک مدرن بود که نه تنها کلاسیک، بلکه باروک (در نقاشی)، فرهنگ باستانی و رنسانس را نیز شامل می شود.