نقاشی های هنرمندان بلژیکی. هنرمندان معاصر بلژیکی اشتیاق نیازی به برچسب ندارد. پیتر سمینک

بلژیک هنرمندان بلژیک (هنرمندان بلژیکی)

پادشاهی بلژیک

«نقاشی معاصر بلژیک. هنرمندان بلژیک»

هنرمندان بلژیک و معاصر.

بلژیک!
بلژیک! کشور بلژیک!
بلژیک! ایالت بلژیک!
بلژیک! نام رسمی کشور بلژیک پادشاهی بلژیک است!

بلژیک! پادشاهی بلژیک ایالتی در شمال غربی اروپا است.
بلژیک! پادشاهی بلژیک یکی از اعضای اتحادیه اروپا (EU)، سازمان ملل متحد (سازمان ملل) و بلوک نظامی آتلانتیک شمالی (ناتو) است.
بلژیک! پادشاهی بلژیک 30528 کیلومتر مربع مساحت دارد.
بلژیک! پادشاهی بلژیک! امروزه بیش از 10 میلیون نفر در این کشور زندگی می کنند. اکثریت قریب به اتفاق جمعیت بلژیک شهری هستند - تقریباً 97٪ در سال 2004.
بلژیک! پادشاهی بلژیک! پایتخت پادشاهی بلژیک شهر بروکسل است.
بلژیک! پادشاهی بلژیک! بلژیک از شمال با هلند، از شرق با آلمان، از جنوب شرقی با لوکزامبورگ و از جنوب و غرب با فرانسه همسایه است. پادشاهی بلژیک در شمال غربی به دریای شمال دسترسی دارد.
بلژیک! پادشاهی بلژیک! شکل حکومت در بلژیک یک سلطنت پارلمانی مشروطه است، شکل ساختار اداری-سرزمینی یک فدراسیون است.

بلژیک تاریخ بلژیک
پیش از تاریخ بلژیک
بلژیک تاریخچه بلژیک قدیمی‌ترین آثار حضور انسان‌نماها در قلمرو بلژیک آینده در تپه آلمبه، در مجاورت کوه سن‌پیر (سن پترزبرگ) در استان لیژ یافت شد و قدمت آن به سال‌های قبل بازمی‌گردد. حدود 800 هزار سال پیش
بلژیک تاریخ بلژیک در دوره 250-35 هزار سال قبل از میلاد. ه. قلمرو بلژیک توسط نئاندرتال ها، عمدتاً در استان های لیژ و نامور سکونت داشت.
بلژیک تاریخ بلژیک در حدود 30000 سال قبل از میلاد. ه. نئاندرتال ها در حال ناپدید شدن هستند که توسط کرومانیون ها رانده شده اند. آخرین یخبندان در این منطقه حدود 10000 سال قبل از میلاد به پایان رسید. ه. در آن زمان سطح دریا در این مکان ها به طور قابل توجهی پایین تر از زمان حال بود، بنابراین یک ارتباط زمینی بین بلژیک و انگلستان مدرن وجود داشت که بعدها ناپدید شد.
بلژیک تاریخچه بلژیک در طول دوره نوسنگی، سیلیکون به طور فعال در بلژیک استخراج می شد، همانطور که معدن اسپین ماقبل تاریخ نشان می دهد.
بلژیک تاریخ بلژیک اولین نشانه های عصر برنز در بلژیک به حدود 1750 قبل از میلاد برمی گردد. ه.
بلژیک تاریخ بلژیک از قرن پنجم قبل از میلاد. ه. و قبل از آغاز ه. در بلژیک، فرهنگ La Tène Gallic شکوفا می شود و روابط تجاری و فرهنگی با دریای مدیترانه را حفظ می کند. از اینجا، قبایل گالی زبان به سمت شرق، تا آسیای صغیر گسترش یافتند. خود کلمه "بلژیک" از نام قبیله بلژیکی گالیک گرفته شده است که در آغاز عصر ما در این کشور ساکن بودند. از جمله قبایل ساکن در قلمرو بلژیک، Eburons، Aduatics، Nervii، Menaps از منابع تاریخی شناخته شده است.

بلژیک تاریخ بلژیک
دوره روم بلژیک
بلژیک تاریخ بلژیک در سال 54 قبل از میلاد. ه. قلمرو بلژیک مدرن توسط نیروهای امپراتور روم جولیوس سزار فتح شد و در استان روم گال گنجانده شد.
بلژیک تاریخ بلژیک پس از سقوط امپراتوری روم غربی، در قرن پنجم، استان روم گال توسط قبایل آلمانی فرانک ها فتح شد.

بلژیک تاریخ بلژیک
بلژیک تاریخ بلژیک قبل از استقلال
بلژیک تاریخ بلژیک در قرون وسطی، بلژیک بخشی از دوک نشین بورگوندی بود.
بلژیک تاریخ بلژیک 1477-1556 در این دوره، ازدواج خاندانی مریم بورگوندی، مالکیت بورگوندی را به امپراتوری روم مقدس آورد.
بلژیک تاریخ بلژیک 1556-1713 در این سالها قلمرو بلژیک مدرن تحت کنترل اسپانیا بود. جنگ سی ساله آغاز جدایی سرزمین های بلژیک از هلند پروتستان بود.
بلژیک تاریخ بلژیک 1713-1792 قلمرو بلژیک مدرن به عنوان هلند اتریش در امپراتوری روم مقدس گنجانده شد.
بلژیک تاریخ بلژیک 1792-1815 قلمرو بلژیک مدرن تحت کنترل فرانسه قرار گرفت.
بلژیک تاریخ بلژیک 1815-1830 قلمرو بلژیک مدرن، بر اساس تصمیم کنگره وین، به پادشاهی هلند تبدیل شد. با این حال، بسیاری در بلژیک از اتحاد اجباری با هلند ناراضی بودند (عمدتاً جمعیت فرانسوی زبان و روحانیون کاتولیک که به ترتیب از تقویت نقش زبان هلندی و اعترافات پروتستانی هراس داشتند).

بلژیک تاریخ بلژیک
بلژیک انقلاب بلژیک ایالت بلژیک
بلژیک تاریخ بلژیک در سال 1830، در نتیجه انقلاب بلژیک، بلژیک از پادشاهی هلند خارج شد. در سال 1830، پادشاهی اعلام شده بلژیک برای اولین بار وضعیت خود را به عنوان یک کشور مستقل دریافت کرد.
بلژیک تاریخ بلژیک پادشاهی بلژیک پس از به دست آوردن استقلال شروع به توسعه شدید اقتصاد خود کرد. به عنوان مثال، بلژیک به اولین کشور در قاره اروپا تبدیل شد، جایی که راه آهن مکلن-بروکسل در سال 1835 ساخته شد.
بلژیک تاریخ بلژیک بلژیک در طول جنگ جهانی اول آسیب زیادی دید. بلژیکی ها هنوز این جنگ را "جنگ بزرگ" می نامند. اگرچه بیشتر بلژیک اشغال شده بود، در طول جنگ، نیروهای بلژیکی و بریتانیایی بخش کوچکی از کشور را که بین دریای شمال و رودخانه یسر قرار داشت، در اختیار داشتند.
بلژیک تاریخ بلژیک تاریخ شهر بلژیک Ypres به ویژه غم انگیز است - در طول جنگ تقریباً به طور کامل ویران شد. اینجا در نزدیکی شهر یپرس برای اولین بار در تاریخ جنگ ها از گاز سمی (کلر) استفاده شد. و گاز خردل دو ماه بعد به نام این شهر نامگذاری شد.
بلژیک تاریخچه بلژیک در 3 آوریل 1925، قراردادی بین بلژیک و هلند برای تجدید نظر در معاهده 1839 منعقد شد. لغو بی طرفی طولانی مدت بلژیک و غیرنظامی سازی بندر آنتورپ.
بلژیک تاریخ جنگ جهانی دوم بلژیک (1940-1944). در طول جنگ جهانی دوم، آلمانی ها بلژیک را اشغال کردند. دولت بلژیک به انگلستان فرار کرد و پادشاه لئوپولد سوم به آلمان تبعید شد، زیرا او در 28 مه 1940 قانون تسلیم را امضا کرد. در طول مدت اشغال آلمان در بلژیک، رژیم اداره نظامی آلمان به فرماندهی ژنرال فون فالکنهاوزن معرفی شد.
بلژیک تاریخچه بلژیک آزادسازی بلژیک از دست نیروهای آلمانی در 3 سپتامبر 1944 با ورود نیروهای بریتانیایی به بروکسل آغاز شد. 11 فوریه 1945 بلژیک دولت خود را آغاز کرد.

بلژیک تاریخ بلژیک
بلژیک پادشاهی بلژیک تاریخ مدرن بلژیک
بلژیک تاریخچه بلژیک 4 آوریل 1949 پادشاهی بلژیک به ناتو می‌پیوندد.
بلژیک تاریخچه بلژیک در سال 1957، پادشاهی بلژیک به جامعه اقتصادی اروپا (EEC) پیوست.

بلژیک فرهنگ بلژیک

بلژیک فرهنگ بلژیک یکی از ویژگی های زندگی فرهنگی بلژیک عدم وجود یک حوزه فرهنگی واحد است.
بلژیک فرهنگ بلژیک در واقع، زندگی فرهنگی در پادشاهی بلژیک در جوامع زبانی متمرکز است. در بلژیک تلویزیون، روزنامه یا رسانه های دیگر در سراسر کشور وجود ندارد.

بلژیک فرهنگ بلژیک هنر بلژیک
بلژیک هنر بلژیکی
بلژیک پیش از این در رنسانس، فلاندر به دلیل نقاشی خود (اولیه های فلاندری) مشهور شد.
بلژیک بعدها، هنرمند مشهور روبنس در فلاندر زندگی و کار کرد (در بلژیک، شهر آنتورپ هنوز اغلب شهر روبنس نامیده می شود). با این حال، در نیمه دوم قرن هفدهم، هنر فلاندری به تدریج افول کرد.
بلژیک ظهور جدید هنر تصویری در بلژیک به دوره‌های رمانتیسم، اکسپرسیونیسم و ​​سوررئالیسم تعلق دارد. هنرمندان مشهور بلژیکی جهان: جیمز انسور (اکسپرسیونیسم و ​​سوررئالیسم)، کنستانت پرمکه (اکسپرسیونیسم)، لئون اسپیلیارت (سمبولیسم).
بلژیک مشهورترین هنرمند بلژیک بدون شک رنه ماگریت است که به عنوان یکی از مهم ترین نمایندگان سوررئالیسم شناخته می شود.
بلژیک در 2 ژوئن 2009 در بروکسل در مجموعه موزه های سلطنتی هنرهای زیبا موزه جدیدی از هنرمند سوررئالیست بلژیکی رنه ماگریت (1898-1967) را افتتاح کرد. این نمایشگاه شامل حدود 250 اثر است. موزه جدید به بزرگترین نمایشگاه نقاشی رنه ماگریت در جهان تبدیل شده است.

بلژیک فرهنگ بلژیک هنر بلژیک
بلژیک هنر بلژیک هنرمندان بلژیک نقاشی بلژیکی
بلژیک! هنرمندان بلژیک (نقاشان و مجسمه سازان بلژیکی)، نقاشان بلژیکی (استادان بلژیکی نقاشی) در سراسر جهان شناخته شده هستند و تصاویر زیبایی خلق می کنند. آثار هنرمندان بلژیکی بسیار متنوع است. هنرمندان بلژیکی (نقاشان بلژیکی) اغلب آثار خود را در نمایشگاه های بین المللی در سراسر جهان از جمله روسیه به نمایش می گذارند.

بلژیک! هنرمندان بلژیک (هنرمندان بلژیکی) به اندازه کافی از سنت های تاریخی مکتب نقاشی بلژیک حمایت می کنند.
بلژیک! Artists of Belgium (هنرمندان بلژیکی) گالری ما آثار هنرمندان جالب و با استعداد ساکن بلژیک را ارائه می دهد.

بلژیک! هنرمندان بلژیک (هنرمندان بلژیکی) هنرمندان بلژیک و آثارشان سزاوار توجه جدی هنردوستان واقعی هستند.
بلژیک! هنرمندان بلژیک (هنرمندان بلژیکی) هنرمندان بلژیکی به دلیل استعداد، اصالت سبک و حرفه ای بودنشان ارزشمند هستند.
بلژیک! هنرمندان بلژیک (هنرمندان بلژیکی مدرن) نقاشی‌های هنرمندان بلژیکی در تمام کشورهای جهان مورد علاقه و خرید قرار می‌گیرند.

بلژیک! هنرمندان بلژیک (هنرمندان بلژیکی مدرن) در گالری ما می توانید آثار زیبا و جالب بهترین هنرمندان بلژیکی و بهترین مجسمه سازان بلژیکی را بیابید و سفارش دهید!

فرهنگ

هنرمندان بلژیکی

اوج شکوفایی نقاشی در بلژیک به دوره حکومت بورگوندی ها در قرن پانزدهم می رسد. در دوران رنسانس، هنرمندان پرتره هایی را با جزئیات پیچیده نقاشی می کردند. اینها نقاشی های حیاتی و غیر ایده آلی بودند که در آن هنرمندان سعی می کردند به حداکثر رئالیسم و ​​وضوح دست یابند. این سبک نقاشی با تأثیر مکتب جدید هلندی توضیح داده می شود.

برای نقاشی بلژیکی، قرن بیستم دومین عصر طلایی بود. اما هنرمندان پیش از این از اصول رئالیسم در نقاشی عقب نشینی کرده و به سوررئالیسم روی آورده اند. یکی از این هنرمندان رنه ماگریت بود.

نقاشی بلژیکی یک سنت قدیمی دارد که بلژیکی ها به حق به آن افتخار می کنند. موزه خانه روبنس در آنتورپ و موزه سلطنتی هنرهای زیبا در بروکسل واقع شده است. آنها مظهر احترام عمیق بلژیکی ها به هنرمندان و سنت های قدیمی خود در نقاشی شدند.

بدوی های فلاندری

حتی در اواخر قرون وسطی در اروپا، در فلاندر و بروکسل به نقاشی توجه شد. یان ون ایک (حدود 1400-1441) هنر فلاندری را متحول کرد. او اولین کسی بود که از روغن برای ساختن رنگ های بادوام و ترکیب رنگ ها روی بوم یا چوب استفاده کرد. این نوآوری ها باعث شد که نقاشی ها برای مدت طولانی تری نگهداری شوند. در دوران رنسانس، نقاشی تابلویی شروع به گسترش کرد.

یان ون ایک بنیانگذار مکتب بدوی گرایی فلاندری شد و زندگی را با رنگ های روشن و در حرکت روی بوم ها به تصویر می کشید. در کلیسای جامع گنت یک محراب-پلیپتیخ "ستایش بره" وجود دارد که توسط هنرمند مشهور و برادرش ساخته شده است.

بدوی گرایی فلاندری در نقاشی با پرتره های به ویژه واقع گرایانه، وضوح نور و به تصویر کشیدن دقیق لباس ها و بافت پارچه ها متمایز می شود. یکی از بهترین هنرمندانی که در این راستا کار کرد Rogierde la Pasture (Rogier van der Weyden) (حدود 1400-1464) بود. یکی از نقاشی های معروف روگیرد لا پاسچر، هبوط از صلیب است. این هنرمند قدرت احساسات مذهبی و واقع گرایی را در هم آمیخت. نقاشی های Rogierde la Pasture الهام بخش بسیاری از هنرمندان بلژیکی بود که این تکنیک جدید را به ارث برده بودند.

امکانات فناوری جدید توسط دیرک بوتس (1415-1475) گسترش یافت.

هانس مملینگ (حدود 1433-1494) آخرین بدوی فلاندری به شمار می رود که نقاشی هایش بروژ قرن 15 را به تصویر می کشد. اولین نقاشی هایی که شهرهای صنعتی اروپا را به تصویر می کشند توسط یواخیم پاتینیر (حدود 1475-1524) کشیده شد.

سلسله بروگل

هنر بلژیک در اوایل قرن شانزدهم بسیار تحت تأثیر ایتالیا قرار گرفت. نقاش Jan Gossaert (حدود 1478-1533) در رم تحصیل کرد. او برای ترسیم تصاویری برای سلسله حاکم دوک های برابانت، موضوعات اساطیری را انتخاب کرد.

در قرن 16-17. خانواده بروگل بیشترین تأثیر را بر هنر فلاندری داشتند. یکی از بهترین نقاشان مکتب فلاندری پیتر بروگل بزرگ (حدود 1525-1569) بود. او در سال 1563 به بروکسل آمد. معروف ترین آثار او بوم هایی است که چهره های کمیک دهقانان را به تصویر می کشد. آنها فرصتی را برای فرو رفتن در دنیای قرون وسطی فراهم می کنند. یکی از نقاشی های معروف پیتر بروگل جوان (1564-1638) که بوم هایی با موضوعات مذهبی می کشید، سرشماری در بیت لحم (1610) است. یان بروگل بزرگ (1568-1625) که به نام بروگل مخملی نیز شناخته می شود، طبیعت های بی جان پیچیده ای را نقاشی می کرد که گل ها را در پس زمینه پارچه های مخملی به تصویر می کشید. یان بروگل جوان (1601-1678) مناظر باشکوهی نقاشی می کرد و نقاش دربار بود.

هنرمندان آنتورپ

مرکز نقاشی بلژیکی در قرن 17 از بروکسل به آنتورپ - مرکز فلاندر منتقل شد. این تا حد زیادی تحت تأثیر این واقعیت بود که یکی از اولین هنرمندان مشهور فلاندری، پیتر پل روبنس (1577-1640) در آنتورپ زندگی می کرد. روبنس مناظر باشکوه، نقاشی هایی با طرح اسطوره ای می کشید و نقاش درباری بود. اما مشهورترین آنها بوم های نقاشی او است که زنان پف کرده را به تصویر می کشد. محبوبیت روبنس به قدری زیاد بود که بافندگان فلاندری مجموعه بزرگی از ملیله ها را ایجاد کردند که نقاشی های باشکوه او را به تصویر می کشید.

شاگرد روبنس، نقاش پرتره دربار، آنتونی ون دایک (1599-1641)، دومین نقاش آنتورپ شد که به شهرت جهانی دست یافت.

یان بروگل بزرگ در آنتورپ ساکن شد و دامادش دیوید تنیرز دوم (1610-1690) آکادمی هنرهای زیبا را در سال 1665 در آنتورپ تأسیس کرد.

نفوذ اروپا

در قرن 18، تأثیر روبنس بر هنر همچنان باقی بود، بنابراین هیچ تغییر قابل توجهی در توسعه هنر فلاندری رخ نداد.

از آغاز قرن نوزدهم، تأثیر شدید سایر مکاتب اروپایی بر هنر بلژیک احساس شد. فرانسوا ژوزف ناوز (1787-1869) نئوکلاسیک را به نقاشی فلاندری اضافه کرد. کنستانتین مونیر (1831-1905) رئالیسم را ترجیح داد. گیوم ووگلز (1836-1896) به سبک امپرسیونیست نقاشی می کرد. حامی گرایش رمانتیک در نقاشی، هنرمند بروکسلی Antoine Wirtz (1806-1865) بود.

نقاشی‌های آزاردهنده، تحریف‌شده و تار آنتوان ویرتس، مانند اثر «بی‌رحمی عجولانه» که در حدود سال ۱۸۳۰ اجرا شد، آغاز سوررئالیسم در هنر است. فرناند خنوف (1858-1921) که به خاطر پرتره های ترسناکش از زنان مشکوک شهرت دارد، یکی از اولین نمایندگان مکتب نمادگرایی بلژیکی به شمار می رود. آثار او تحت تأثیر گوستاو کلیمت، رمانتیک آلمانی بود.

جیمز انسور (1860-1949) هنرمند دیگری بود که آثارش از رئالیسم به سوررئالیسم رسید. اسکلت های مرموز و خزنده اغلب بر روی بوم های او به تصویر کشیده شده است. انجمن هنرمندان "LesVingt" (LesXX) در 1884-1894. نمایشگاهی از آثار هنرمندان مشهور آوانگارد خارجی در بروکسل برپا کرد و بدین وسیله به زندگی فرهنگی در شهر جان بخشید.

سوررئالیسم

از آغاز قرن بیستم، تأثیر سزان در هنر بلژیک محسوس بوده است. در این دوره، Fauves در بلژیک ظاهر شد و مناظر درخشان غرق در خورشید را به تصویر می‌کشید. یکی از نمایندگان برجسته فوویسم مجسمه ساز و هنرمند ریک واترز (1882-1916) بود.

سوررئالیسم در اواسط دهه بیست قرن بیستم در بروکسل ظاهر شد. رنه ماگریت (1898-1967) نماینده برجسته این گرایش در هنر شد. سوررئالیسم در قرن شانزدهم شروع به توسعه کرد. نقاشی های فانتاسماگوریک توسط پیتر بروگل بزرگتر و بوش به این سبک نقاشی شده اند. در بوم های ماگریت هیچ نقطه عطفی وجود ندارد؛ او سبک سوررئالیستی خود را «بازگشت از آشنا به بیگانه» تعریف کرد.

پل دلوو (1897-1989) هنرمندی تکان دهنده و احساسی تر بود، بوم های نقاشی او فضاهای داخلی عجیب و ظریف را با چهره های مه آلود به تصویر می کشد.

جنبش CoBrA در سال 1948 برای هنر انتزاعی مبارزه کرد. انتزاع گرایی جای خود را به هنر مفهومی داد که در رأس آن مارسل بروتارز (1924-1976)، استاد اینستالیشن قرار داشت. Broodtaers اشیاء آشنا را به تصویر می کشید، مانند قابلمه ای پر از صدف.

ملیله و توری

ملیله ها و توری های بلژیکی بیش از ششصد سال است که لوکس محسوب می شوند. در قرن دوازدهم، ملیله‌های دست‌ساز در فلاندر شروع به ساخت کردند، بعداً در بروکسل، تورنای، اودنارد و مچلن ساخته شدند.

از آغاز قرن شانزدهم، هنر توری سازی در بلژیک شروع به توسعه کرد. توری در همه استان‌ها بافته می‌شد، اما توری از بروکسل و بروژ بیشترین ارزش را داشت. غالباً ماهرترین توری‌سازها مورد حمایت اشراف بودند. برای اشراف، ملیله های زیبا و توری های نفیس نشانه ای از موقعیت آنها در نظر گرفته می شد. در قرن 15-18. توری و ملیله عمده ترین صادرات بود. و امروزه بلژیک را زادگاه بهترین ملیله ها و توری ها می دانند.

شهرهای فلاندری Tournai و Arras (امروزه در فرانسه واقع شده است) در آغاز قرن سیزدهم به مراکز معروف بافندگی اروپا تبدیل شدند. صنایع دستی و تجارت توسعه یافت. این تکنیک امکان ساخت کارهای ظریف و گران‌تر را فراهم کرد؛ رشته‌هایی از نقره و طلای واقعی به پشم اضافه شد که قیمت تمام شده محصولات را بیش از پیش افزایش داد.

انقلاب در ساخت ملیله ها توسط برنارد ون اورلی (1492-1542) انجام شد که رئالیسم فلاندری و ایده آلیسم ایتالیایی را در طراحی ها ترکیب کرد. بعدها، استادان فلاندری به اروپا جذب شدند و در پایان قرن هجدهم، تمام شکوه ملیله های فلاندری به کارخانه پاریس رسید.

بلژیک در تمام طول سال

آب و هوای بلژیک معمولی شمال اروپا است. به همین دلیل است که می توان جشن ها را هم در خیابان و هم در خانه برگزار کرد. شرایط آب و هوایی کاملاً به هنرمندان پایتخت این امکان را می دهد که هم در استادیوم ها و هم در ساختمان های باستانی اجرا کنند. ساکنان بلژیک می دانند چگونه از تغییر فصل استفاده کنند. به عنوان مثال، در تابستان، جشنواره گل در پایتخت افتتاح می شود. Grand Place هر ثانیه از ماه اوت با میلیون ها گل پوشیده می شود. افتتاحیه فصل رقص، فیلم و تئاتر در ژانویه برگزار می شود. در اینجا، اولین نمایش از "سینماهای ماشین" تا صومعه های قدیمی در انتظار تماشاگران است.

در بروکسل می توانید در تمام طول سال شاهد گذر جشنواره های مختلف باشید. در اینجا می توانید موکب های تاریخی مجلل و پر از زندگی را ببینید. آنها از قرون وسطی هر سال برگزار می شدند. آخرین هنرهای تجربی اروپا در اینجا نشان داده شده است.

تعطیلات

• سال نو - 1 ژانویه
• عید پاک - تاریخ شناور
• دوشنبه پاک - تاریخ شناور
• روز کارگر - 1 مه
• معراج - تاریخ شناور
• روز تثلیث - تاریخ شناور
• ارواح دوشنبه - تاریخ شناور
• روز ملی بلژیک - 21 ژوئیه
• خوابگاه - 15 اوت
• روز همه مقدسین - 1 نوامبر
• آتش بس - 11 نوامبر
• کریسمس - 25 دسامبر

بهار

با طولانی شدن روزهای بهار در بلژیک، زندگی فرهنگی دوباره احیا می شود. گردشگران شروع به آمدن به اینجا می کنند. جشنواره های موسیقی درست در خیابان برگزار می شود. وقتی پارک‌های شهر شکوفا می‌شوند، گلخانه‌های استوایی لایکن که در سراسر جهان شناخته شده‌اند، برای بازدیدکنندگان باز می‌شوند. شکلات سازان بلژیکی مشغول تهیه انواع شیرینی برای تعطیلات مهم عید پاک هستند.

• جشنواره بین المللی فیلم فانتزی (هفته سوم و چهارم). علاقه مندان به معجزه و عجیب و غریب منتظر فیلم های جدید در سینماهای سراسر پایتخت هستند.
• Ars Music (اواسط اسفند - اواسط فروردین). این تعطیلات یکی از بهترین جشنواره های اروپایی است. مجریان معروف به آن می آیند. اغلب کنسرت ها در موزه استادان قدیمی برگزار می شود. در این جشنواره تمامی علاقه مندان به موسیقی حضور دارند.
• یوروآنتیک (هفته گذشته). استادیوم هیسل مملو از بازدیدکنندگان و فروشندگانی است که به دنبال خرید یا فروش عتیقه هستند.
• عید پاک (یکشنبه عید پاک). این باور وجود دارد که قبل از عید پاک، ناقوس های کلیسا به رم پرواز می کنند. پس از بازگشت، تخم‌مرغ‌های عید پاک را در مزارع و جنگل‌ها به‌ویژه برای کودکان می‌گذارند. بنابراین، هر ساله بیش از 1000 تخم مرغ رنگ شده توسط بزرگسالان در پارک سلطنتی پنهان می شود و بچه ها از سراسر شهر برای جستجوی آنها جمع می شوند.

آوریل

• باروک بهاری در سابلون (هفته سوم). میدان معروف Place de la Grande Sablon استعدادهای جوان بلژیکی را جمع می کند. آنها موسیقی قرن هفدهم می نوازند.
• گلخانه های سلطنتی در لایکن (12 روز، تاریخ ها متفاوت است). هنگامی که کاکتوس ها و همچنین انواع گیاهان عجیب و غریب شروع به شکوفه دادن می کنند، گلخانه های شخصی خانواده سلطنتی بلژیک به ویژه برای عموم باز می شود. اتاق ها از شیشه ساخته شده و با آهن ساخته شده اند. تعداد زیادی از گیاهان کمیاب مختلف در اینجا از آب و هوای بد نگهداری می شود.
• جشنواره در فلاندر (اواسط آوریل - اکتبر) این جشنواره یک جشن موسیقی است که انواع سبک ها و گرایش ها را در هم می آمیزد. بیش از 120 ارکستر و گروه کر معروف در اینجا اجرا می کنند.
• "صحنه های صفحه نمایش". (هفته سوم - پایان). به خصوص برای مخاطبان، روزانه فیلم های جدید اروپایی ارائه می شود.

• جشن روز اروپا (7-9 مه). با توجه به اینکه بروکسل پایتخت اروپا است، بار دیگر در این جشن بر این موضوع تاکید شد. به عنوان مثال، حتی مانکن پیس نیز کت و شلوار آبی پوشیده است که با ستاره های زرد تزئین شده است.
• Kunstin-Festival of Arts (9-31 مه). در این جشنواره بازیگران و رقصندگان جوان تئاتر حضور دارند.
• مسابقه ملکه الیزابت (مه - اواسط ژوئن). این مسابقه موسیقی طرفداران کلاسیک را جمع می کند. این مسابقه بیش از چهل سال است که ادامه دارد. نوازندگان پیانو، ویولن و خوانندگان جوان در آنجا به اجرای برنامه می پردازند. رهبران ارکستر و تکنوازان مشهور از بین آنها شایسته ترین مجریان را انتخاب می کنند.
• مسابقه 20 کیلومتری در بروکسل (یکشنبه گذشته). دویدن در پایتخت که بیش از 20000 دونده آماتور و حرفه ای در آن شرکت فعال دارند.
• رالی جاز (آخرین روز تعطیل). گروه‌های کوچک جاز در رستوران‌ها و کافه‌ها اجرا می‌کنند.

تابستان

در ماه جولای، فصل شکوه دادگاه در Ommengang باز می شود. این یک رسم نسبتا قدیمی است. یک صفوف عظیم در امتداد میدان بزرگ و خیابان های اطراف حرکت می کند. در این زمان فوق العاده از سال، می توانید موسیقی در جهت های مختلف را بشنوید. نوازندگان می توانند در مکان های مختلف مانند استادیوم بزرگ King Baudouin در IJsel یا در کافه بارهای کوچک موسیقی بنوازند. در روز استقلال، همه بلژیکی ها به نمایشگاه میدی می آیند. در میدانی که سینی ها نصب شده و مسیرهایی در حال ساخت است، اتفاق می افتد.

• جشنواره تابستانی بروکسل (اوایل ژوئن - سپتامبر). برنامه های کنسرت در بناهای معروف باستانی برگزار می شود.
• جشنواره در والونیا (ژوئن - اکتبر). برگزاری یک سری کنسرت های گالا در بروکسل و فلاندر این امکان را فراهم می کند تا بااستعدادترین تکنوازان و نوازندگان ارکستر جوان بلژیکی به مخاطبان ارائه شود.
• کافه جشنواره "کولر" (هفته گذشته). به مدت سه روز، یک برنامه بسیار شیک در انبار بازسازی شده تور تاکسی برگزار می شود. درامرهای آفریقایی، سالسا، موسیقی قومی و اسید جاز مورد انتظار مخاطبان است.
• جشنواره موسیقی (آخرین روز تعطیل). فواید و کنسرت ها به مدت دو هفته متوالی در تالارهای شهر و موزه های اختصاص یافته به موسیقی جهانی برگزار می شود.

جولای

• Ommegang (اخر هفته اول ژوئیه). گردشگران از سراسر جهان برای تماشای این اقدام می آیند. این جشنواره از سال 1549 در بروکسل برگزار می شود. این راهپیمایی (یا همانطور که به آن «بیراهه» می‌گویند) در اطراف Grand Place، تمام خیابان‌های مجاور آن، می‌چرخد و به صورت دایره‌ای حرکت می‌کند. بیش از 2000 شرکت کننده در اینجا شرکت می کنند. به لطف لباس، آنها به ساکنان شهر رنسانس تبدیل می شوند. رژه از کنار مقامات بلندپایه بلژیکی می گذرد. بلیط باید از قبل سفارش داده شود.
• جشنواره جاز فولک "بروسلا" (دومین روز تعطیل). این جشنواره در پارک اسقم برگزار می شود. تمام نوازندگان مشهور اروپا را به خود جذب می کند.
• جشنواره تابستانی در بروکسل (ژوئیه - آگوست). در این زمان از سال، نوازندگان قطعات کلاسیک را در شهرهای پایین و بالا می نوازند.
• نمایشگاه میدی (اواسط ژوئیه - اواسط مرداد). برگزاری نمایشگاه در ایستگاه معروف بروکسل Gardu-Midi. این رویداد یک ماه کامل ادامه دارد. در بین کودکان بسیار محبوب است. این نمایشگاه بزرگترین نمایشگاه در اروپا محسوب می شود.

• روز بلژیک (21 ژوئیه). برگزاری رژه نظامی به افتخار روز استقلال که از سال 1831 جشن گرفته می شود و پس از آن آتش بازی در پارک بروکسل به راه می افتد.
• روزهای باز در کاخ سلطنتی (هفته آخر جولای - هفته دوم سپتامبر). درهای کاخ سلطنتی به روی بازدیدکنندگان باز است. این رویداد به مدت شش هفته متوالی برگزار می شود.

اوت

• Maypole (Meiboom) (9 اوت). این جشن در سال 1213 آغاز شد. شرکت کنندگان در این اقدام در لباس های بزرگ - عروسک ها لباس می پوشند. راهپیمایی از شهر پایین می گذرد. در Grand Place متوقف می شود، سپس Maypole در آنجا قرار می گیرد.
• فرش گل (اواسط مرداد هر 2 سال یکبار). این تعطیلات یک سال در میان برگزار می شود. این ادای احترام به پرورش گل در بروکسل است. کل Grand Place با گل های تازه پوشیده شده است. مساحت کل چنین فرشی تقریباً 2000 متر مربع است.

فصل پاييز

در پاییز، سرگرمی های بلژیکی زیر سقف حرکت می کند - به کافه ها یا مراکز فرهنگی که در آن می توانید به موسیقی مدرن گوش دهید. در «روزهای میراث»، عموم مردم این فرصت را دارند که با بازدید از خانه‌های شخصی که در زمان‌های دیگر به روی عموم بسته می‌شوند و از مجموعه‌های واقع در آنجا لذت ببرند.

سپتامبر

• تولد مانکن پیس (آخرین روز تعطیل).
• مجسمه معروف یک پسر خشمگین با کت و شلوار دیگری که توسط یک مهمان بلندپایه خارجی اهدا شده است.

• جشنواره "شهر شاد" (روز اول تعطیل).
• در این زمان، حدود 60 کنسرت در سه دوجین از بهترین کافه های بروکسل برگزار می شود.
• شب های گیاه شناسی (هفته گذشته).
• مرکز فرهنگی فرانسوی "Les Botaniques" که در گلخانه های سابق باغ گیاه شناسی واقع شده است، میزبان یک سری کنسرت است که همه خبره های موسیقی جاز را به وجد خواهد آورد.
• روزهای میراث (روز دوم یا سوم تعطیل).
• برای چند روز، بسیاری از ساختمان‌های حفاظت‌شده و خانه‌های شخصی و همچنین مجموعه‌های هنری بسته درهای خود را به روی بازدیدکنندگان باز می‌کنند.

اکتبر

• جشنواره جاز آئودی (اواسط اکتبر - اواسط نوامبر).
• در سراسر کشور، صداهای جاز به گوش می رسد که کسالت پاییزی را کمرنگ می کند. اجراکنندگان محلی می نوازند، اما برخی از ستاره های اروپایی اغلب در کاخ هنرهای زیبا در بروکسل اجرا می کنند.

زمستان

در زمستان معمولاً در بلژیک باران و برف می بارد، بنابراین تقریباً تمام رویدادها در این دوره به داخل خانه منتقل می شوند. گالری‌های هنری میزبان نمایشگاه‌های در سطح جهانی هستند و جشنواره فیلم بروکسل میزبان آثار استادان و استعدادهای جوان است. قبل از تعطیلات کریسمس، شهر پایین با نور روشن روشن می شود و در کریسمس میزهای بلژیکی ها با غذاهای سنتی تزئین می شود.

• «شب نشینی سابلون» (آخرین روز تعطیل). تمام مغازه ها و موزه های Grande Sablon تا اواخر شب بسته نیستند. کالسکه‌هایی با اسب‌های مهار شده در اطراف نمایشگاه حرکت می‌کنند و مشتریان را حمل می‌کنند و در میدان اصلی همه می‌توانند شراب مولد واقعی را بچشند.

دسامبر

• روز سنت نیکلاس (6 دسامبر).
• طبق افسانه، در این روز قدیس حامی بابانوئل کریسمس به شهر می آید و همه کودکان بلژیکی شیرینی، شکلات و هدایای دیگر دریافت می کنند.
• کریسمس (24-25 دسامبر).
• همانند سایر کشورهای کاتولیک، کریسمس در بلژیک نیز در شب 24 دسامبر جشن گرفته می شود. بلژیکی ها هدایایی رد و بدل می کنند و روز بعد به دیدار والدین خود می روند. انواع صفات کریسمس تا 15 دی ماه خیابان های پایتخت را می آراید.

ژانویه

• روز پادشاه (6 ژانویه).
• در این روز "کیک های سلطنتی" بادام ویژه ای تهیه می شود و هرکسی که می خواهد به دنبال نخود پنهان شده در آنجا باشد. کسی که آن را پیدا کند برای تمام شب جشن پادشاه اعلام می شود.
• جشنواره فیلم بروکسل (اواسط تا پایان ژانویه).
• اکران فیلم های جدید با حضور ستارگان سینمای اروپا.

فوریه

• نمایشگاه عتیقه جات (هفته دوم و سوم).
• کاخ هنرهای زیبا فروشندگان عتیقه را از سراسر جهان گرد هم می آورد.
• جشنواره بین المللی طنز (هفته دوم و سوم).
• نویسندگان و هنرمندان کتاب های مصور به شهری می آیند که تأثیر زیادی بر هنر طراحی کتاب های مصور داشته است تا تجربیات خود را به اشتراک بگذارند و کارهای جدید را به نمایش بگذارند.

متنوع تر و رنگارنگ تر از معماری و مجسمه سازی فلاندری، نقاشی فلاندری قرن هفدهم در شکوفایی باشکوه خود آشکار می شود. حتی واضح‌تر از این هنرها، فلاندری جاودانه در اینجا از آمیزه‌ای از پایه‌های شمالی و جنوبی به‌عنوان یک گنجینه ملی نابود نشدنی پدیدار می‌شود. نقاشی معاصر در هیچ کشور دیگری چنین منطقه غنی و رنگارنگی از موضوعات را به خود اختصاص نداد. در معابد جدید یا بازسازی شده، صدها محراب غول پیکر به سبک باروک در انتظار تصاویری از قدیسان بودند که روی بوم های بزرگ نقاشی شده بودند. در کاخ‌ها و خانه‌ها، دیوارهای وسیع مشتاق نقاشی‌های اسطوره‌ای، تمثیلی و سبک سه‌قلبی بودند. بله، و پرتره، که در قرن شانزدهم به یک پرتره در اندازه واقعی تبدیل شد، یک هنر بزرگ به معنای کامل کلمه باقی ماند و طبیعی بودن فریبنده را با اصالت بیان ترکیب کرد.

در کنار این تابلوی بزرگ، که بلژیک با ایتالیا و فرانسه مشترک بود، در اینجا رونق گرفت و سنت‌های قدیمی را ادامه داد، نقاشی‌های اصیل کابینت، عمدتاً بر روی تخته‌های کوچک چوبی یا مسی، به‌طور غیرمعمول غنی، همه چیز به تصویر کشیده شده را در بر می‌گرفت و از موضوعات مذهبی، اسطوره‌ای یا تمثیلی غافل نمی‌شد. ترجیح دادن زندگی روزمره همه طبقات مردم، به ویژه دهقانان، رانندگان تاکسی، سربازان، شکارچیان و ملوانان در تمام جلوه های آن. منظره یا پس زمینه اتاق طراحی شده این تابلوهای کوچک به تابلوهای منظره و معماری مستقل در دست برخی از استادان تبدیل شد. این مجموعه با تصاویر گل ها، میوه ها و حیوانات تکمیل می شود. تجارت خارج از کشور برای مهدکودک ها و پرورشگاه های شاه دوک های حاکم در بروکسل، شگفتی های گیاهی و جانوری را به ارمغان آورد. غنای فرم ها و رنگ های آنها را هنرمندانی که بر همه چیز تسلط داشتند نمی توان نادیده گرفت.

با همه اینها، در بلژیک دیگر هیچ زمینه ای برای نقاشی دیواری به یاد ماندنی وجود نداشت. به استثنای نقاشی‌های روبنس در کلیسای یسوعی آنتورپ و چند سری مناظر کلیسایی، استادان بزرگ بلژیک نقاشی‌های بزرگ خود را بر روی بوم، نقاشی‌های دیوار و سقف برای حاکمان خارجی خلق کردند، و همچنین رو به زوال تکنیک ملیله بروکسل بود. که مشارکت روبنس فقط باعث افزایش موقتی شد، شرکت را بیهوده کرد.دیگر استادان بلژیکی، مانند جردن و تنیر. اما استادان بلژیکی در توسعه بیشتر حکاکی و حکاکی مشارکت شناخته شده، اگرچه نه به عمق هلندی ها داشتند. هلندی‌ها در اصل قبل از روبنس بهترین حکاکی‌ها بودند و مشارکت بزرگ‌ترین نقاشان بلژیکی: روبنس، جردنس، ون دایک، بروورز و تنیر در «نقاشی حکاکی» - قلم‌زنی، تا حدی فقط یک امر جانبی و تا حدودی حتی مشکوک است.

آنتورپ، شهر تجاری ثروتمند آلمان پایین در شلدت، اکنون بیش از هر زمان دیگری پایتخت نقاشی هلند پایین است. نقاشی بروکسل، شاید فقط در منظره ای که به دنبال مسیرهای مستقل است، به شاخه ای از هنر آنتورپ تبدیل شد. حتی نقاشی مراکز هنری قدیمی فلاندری، بروژ، گنت و مچلن، در ابتدا تنها با ارتباط آن با کارگاه های آنتورپ زندگی می کرد. اما در بخش والونی بلژیک، یعنی در لوتیچ، می توان جاذبه مستقلی را به ایتالیایی ها و فرانسوی ها ردیابی کرد.

برای تاریخ کلی نقاشی فلاندری قرن هفدهم، علاوه بر مجموعه‌های منابع ادبی ون مندر، گوبراکن، دی بی، ون گول و وایرمن، واژگان ایمرسل، کرام و وورزباخ، کتاب‌های تلفیقی، فقط تا حدی منسوخ شده‌اند. توسط Michiels، Waagen، Waters، Rigel و Philippi مهم هستند. با توجه به اهمیت غالب هنر شلد، می توان به تاریخچه هنر آنتورپ اثر ون دن براندن و روزز نیز اشاره کرد که البته نیازمند اضافات و تغییراتی است. فصل مربوط به نویسنده این کتاب در تاریخ نقاشی او و وولتمن قبلاً با جزئیات منسوخ شده است.

نقاشی فلاندری قرن هفدهم به آزادی کامل در چیدمان و اجرای تصویری، وحدت درونی طراحی و رنگ‌ها، صاف‌ترین وسعت و قدرت در دستان خلاق استاد بزرگ خود پیتر پل روبنس دست یافت که آنتورپ را به مکان مرکزی برای صادرات تبدیل کرد. نقاشی برای تمام اروپا با این حال، استادانی که در گذار بین مسیرهای قدیمی و جدید ایستاده بودند، کم نبود.

در بخش‌های واقع‌گرایانه ملی، با ارقام کوچک در پس‌زمینه یک چشم‌انداز توسعه‌یافته، تنها پژواک‌هایی از عظمت و بی‌واسطگی پیتر بروگل بزرگ هنوز زنده بود. رندر منظره در دوران انتقالی در "سبک صحنه" ایجاد شده توسط گیلیس ون کونینکسلو، با شاخ و برگ درخت پرزدار خود و دور زدن دشواری های پرسپکتیو هوایی و خطی با ایجاد رنگ های جداگانه، متناوب یکی پس از دیگری، با رنگ های متفاوت باقی می ماند. بنیانگذاران نقاشی منظره کنونی، برادران آنتورپ ماتئوس و پل بریل (1550-1584 و 1554-1626)، نیز از این سبک مشروط، که تقریباً هیچ چیز در مورد توسعه آن معلوم نیست، ادامه دادند. ماتئوس بریل به طور ناگهانی به عنوان نقاش نقاشی های دیواری در واتیکان در رم ظاهر شد. پس از مرگ زودهنگام او، پل بریل، دوست برادرش در واتیکان، سبک منظره جدید هلندی را توسعه داد. چند نقاشی معتبر از ماتئوس باقی مانده است. بیشتر از پولس آمده است، که مناظر کلیسایی و کاخ او در واتیکان، در لاتران، و در کاخ روسپیلیوسی در سانتا سیسیلیا و سانتا ماریا ماگیوره در رم، در جاهای دیگر گزارش کرده ام. تنها به تدریج آنها تحت تأثیر آزادترها، با وحدت بیشتر مناظر اجرا شده توسط آنیبال کاراکی، به سبک انتقالی متعادلی که در بالا نشان داده شد، می روند. توسعه بیشتر بریل، که بخشی از تاریخ کلی نقاشی منظره است، در مناظر کوچک متعدد او که تا حدی با سالها مشخص شده روی تابلوها منعکس شده است (1598 در پارما، 1600 در درسدن، 1601 در مونیخ، 1608 و 1624 در درسدن). ، 1609، 1620 و 1624 - در موزه لوور، 1626 - در سنت پترزبورگ)، معمولا در درختان فراوان، به ندرت سعی در انتقال یک منطقه خاص دارد. در هر صورت، پل بریل متعلق به بنیانگذاران سبک منظره است که هنر کلود لورن از آن رشد کرد.

در هلند، Antwerp Josse de Momper (1564 - 1644)، که به بهترین شکل در درسدن نمایش داده شد، سبک صحنه Koninxloo را در مناظر کوهستانی با رنگ آمیزی هوشمندانه، نه به ویژه درختان غنی، که بر روی آنها "سه پس زمینه"، گاهی اوقات با اضافه کردن یک چهارمین نور خورشید، معمولاً در تمام زیبایی قهوه ای-سبز-خاکستری-آبی خود ظاهر می شود.

تأثیر نقاشی‌های قدیمی‌تر بریل در پسر دوم پیتر بروگل بزرگ، یان بروگل بزرگ (1568 - 1625)، قبل از بازگشت او به آنتورپ، در سال 1596، که در رم و میلان کار می‌کرد، منعکس شده است. کریولی و میشل آثار جداگانه ای را به او تقدیم کردند. او اغلب تصاویر کوچک و گاهی مینیاتوری می‌کشید که حتی زمانی که مضامین انجیلی، تمثیلی یا ژانری را نشان می‌دهند، تصور یک منظره را می‌دهند. این آنها هستند که محکم به سبک Coninksloo با شاخ و برگ های پرزدار پایبند هستند، اگرچه آنها انتقال متقابل سه پس زمینه را با ظرافت بیشتری منتقل می کنند. ویژگی تطبیق پذیری یان بروگل این است که او پس زمینه های منظره را برای نقاشان فیگور مانند بالین، فیگورهایی برای نقاشان منظره مانند مومپر، تاج های گل برای استادانی مانند روبنس نقاشی می کرد. او به خاطر «سقوط» موزه لاهه که به تازگی و با ظرافت اجرا شده، که در آن روبنس آدم و حوا، و جان بروگل مناظر و حیوانات را نقاشی کرده است، شناخته شده است. مناظر خود او، که به وفور مجهز به یک زندگی عامیانه متنوع است، هنوز هم در انتقال آسمان با ابرهایش به طور خاص بیان نمی شود، مناطق عمدتاً تپه ای است که توسط رودخانه ها آبیاری می شود، دشت هایی با آسیاب های بادی، خیابان های روستا با مناظر میخانه ها، کانال هایی با کرانه های جنگلی، جاده های شلوغ روستایی. در ارتفاعات جنگلی و جاده های جنگلی با هیزم شکن ها و شکارچیان، واضح و صادقانه مشاهده می شود. نقاشی های اولیه او را می توان در Ambrosiana میلان دید. این بهترین در مادرید، به خوبی در مونیخ، درسدن، سن پترزبورگ و پاریس است. از اهمیت ویژه ای در جستجوی راه های جدید، نقاشی او از گل ها بود که به طور متقاعدکننده ای نه تنها زیبایی فرم ها و درخشندگی رنگ های رنگ های کمیاب، بلکه ترکیب آنها را نیز نشان می داد. تصاویری از رنگ های قلم مو او در مادرید، وین و برلین است.

از همکاران او، نباید از هندریک ون بالن (1575 - 1632) غافل شد که معلم او را معلم دوم روبنس، آدام ون نورت می دانند. نقاشی های محراب او (مثلاً در کلیسای یعقوب در آنتورپ) غیرقابل تحمل است. او به خاطر نقاشی‌های کوچک، صاف و شیرین خود روی تخته‌ها با محتوایی عمدتاً از افسانه‌های باستانی، به عنوان مثال، جشن خدایان در لوور، آریادنه در درسدن، جمع‌آوری ماننا در برانسویک مشهور شد، اما نقاشی‌های او از این نوع نیز فاقد هستند. طراوت و فوریت هنری

با این حال، سبک منظره انتقالی که در بالا توضیح داده شد، در بین مقلدان ضعیف تا آغاز قرن 18 ادامه یافت. در اینجا فقط می توان به قوی ترین استادان این جهت اشاره کرد که آن را به هلند منتقل کردند، دیوید وینکبونز از مچلن (1578 - 1629)، که از آنتورپ به آمستردام نقل مکان کرد، صحنه های جنگلی و روستایی تازه را نقاشی کرد، گاهی اوقات قسمت های کتاب مقدس را در یک منظره نقاشی کرد. تنظیمات، اما با کمال میل تعطیلات معبد در مقابل میخانه های روستا. بهترین نقاشی‌های او در آگسبورگ، هامبورگ، براونشوایگ، مونیخ، سنت پترزبورگ کاملاً مستقیماً مشاهده شده و با رنگ‌های گلدار نقاشی می‌شوند، نه بدون زور. Rellant Savery of Courtrai (1576 - 1639)، که کورت اراسموس یک مطالعه کتبی عاشقانه را به او اختصاص داد، کوه‌های جنگلی آلمان را در خدمت رودلف دوم مطالعه کرد و پس از آن ابتدا در آمستردام و سپس در اوترخت به عنوان نقاش و قلم‌زنی ساکن شد. او پر از نور و به تدریج سه هواپیما را با هم ادغام می کند، اما در اجرا تا حدودی خشک می شود، مناظر کوهستانی، صخره ای و جنگلی که به خوبی در وین و درسدن دیده می شود، او به گروه های زنده حیوانات وحشی و رام در صحنه های شکار مجهز شد، در تصاویری از بهشت و اورفئوس او همچنین متعلق به اولین نقاشان مستقل گل است. آدام ویلارتز از آنتورپ (1577، درگذشت پس از 1649)، که در سال 1611 به اوترخت نقل مکان کرد، نماینده منظره دریایی این سبک انتقالی بود. مناظر ساحلی و دریایی او (به عنوان مثال، در درسدن، در وبر در هامبورگ، در گالری لیختن اشتاین) هنوز در الگوی امواج خشک است، هنوز در به تصویر کشیدن زندگی کشتی ها بی ادبانه است، اما با صداقت رابطه آنها با طبیعت مجذوب کننده است. سرانجام، الکساندر کرینکس از آنتورپ (1600 - 1652)، که هنر منظره فلاندری خود را به آمستردام منتقل کرد، همچنان از Coninxloe در نقاشی ها با امضای خود پیروی می کند، اما در نقاشی های بعدی برانزویک و درسدن، آشکارا تحت تأثیر لحن هلندی قهوه ای ون گوین است. نقاشی . . بنابراین، او به استادان انتقالی به معنای کامل کلمه تعلق دارد.

از استادان آنتورپ از این نوع که در خانه ماندند، سباستین ورانکس (1573 - 1647) موفقیت بدون شک به عنوان یک نقاش منظره و نقاش اسب را نشان می دهد. او همچنین شاخ و برگ ها را به شکل دسته هایی به تصویر می کشد که اغلب مانند توس آویزان شده اند، اما به آن ارتباط طبیعی تری می بخشد، وضوح جدیدی به لحن مطبوع می بخشد و می داند چگونه یک شخصیت حیاتی را به اقدامات نوشته شده با اطمینان و منسجم منتقل کند. اسب‌ها و سواران صحنه‌های نبرد و دزدی او را می‌توان دید، مثلاً در براونشوایگ، آشافنبورگ، روتردام و وبر در هامبورگ.

سرانجام، در نقاشی معماری در اوایل قرن شانزدهم، او به دنبال مسیرهای Steenwick The Elder، یک سبک انتقالی ایجاد کرد که شامل جایگزینی تدریجی حروف پیروی از طبیعت با جذابیت هنری، پسرش Gendrik Steenwick the Younger (1580 - 1649) بود. )، که به لندن نقل مکان کرد، و در کنار او، اصلی بنابراین، پیتر نیفز بزرگ (1578 - 1656)، که نماهای داخلی کلیساها را می توان در درسدن، مادرید، پاریس و سنت پترزبورگ یافت.

به طور کلی، نقاشی فلاندری آشکارا در مسیر بسیار درست بازگشت به هنر کوچک قرار داشت، زمانی که هنر بزرگ روبنس مانند خورشید بر فراز آن قد علم کرد و آن را با خود به قلمرو نور و آزادی برد.

پیتر پل روبنس (1577 - 1640) - خورشیدی که تمام هنرهای بلژیکی قرن هفدهم دور آن می چرخد، اما در عین حال یکی از مشاهیر بزرگ هنر پان اروپایی این دوره است. برخلاف تمام نقاشان باروک ایتالیایی، او نماینده اصلی باروک در نقاشی است. پر بودن فرم ها، آزادی حرکت، تسلط بر توده ها، که به سبک معماری باروک زیبایی می بخشد، در نقاشی های روبنس از سنگینی سنگ چشم پوشی می کنند و با تجمل مست کننده رنگ ها، حق مستقل و جدیدی دریافت می کنند. خارج شدن. با قدرت فرم های فردی، عظمت ترکیب، شکوفایی پری نور و رنگ، شور زندگی در انتقال اعمال ناگهانی، نیرو و آتش در مهیج زندگی جسمانی و معنوی نر و ماده گوشتی خود، چهره های لباس پوشیده و بدون لباس، او از همه استادان پیشی می گیرد. اندام مجلل زنان مو روشن او با گونه های پر، لب های پر و لبخندی شاد از سفیدی می درخشد. در اثر آفتاب سوخته، پوست قهرمانان مرد او می درخشد، و پیشانی محدب جسورشان با قوس ابروهای قدرتمندی جان می گیرد. پرتره‌های او تازه‌ترین و سالم‌ترین پرتره‌ها هستند، نه فردی‌ترین و صمیمی‌ترین برای زمان خود. هیچ کس نمی دانست که چگونه حیوانات وحشی و اهلی را مانند او تکثیر کند، اگرچه به دلیل کمبود وقت، در بیشتر موارد دستیاران خود را ترک می کرد تا آنها را در نقاشی هایش به تصویر بکشند. در منظره ای که اجرای آن را نیز به دستیاران سپرد، اول از همه تأثیر کلی را به دلیل زندگی جوی دید، اما خودش حتی در سنین پیری مناظر شگفت انگیزی را نقاشی کرد. هنر او تمام دنیای پدیده های روحی و جسمی، کل پیچیدگی گذشته و حال را در بر می گرفت. نقاشی های محراب و دوباره نقاشی های محراب که او برای کلیسا کشید. او پرتره و پرتره را عمدتاً برای خود و دوستانش می کشید. تصاویر اساطیری، تمثیلی، تاریخی و صحنه های شکار برای بزرگان این جهان خلق کرد. نقاشی های منظره و ژانر کارهای فرعی گاه و بیگاه بودند.

دستورات بر روبنس بارید. حداقل دو هزار تابلو از آتلیه او بیرون آمد. تقاضای زیاد برای هنر او باعث تکرار مکرر نقاشی های کامل یا تک تک قطعات توسط دست شاگردان و دستیاران او شد. او در اوج زندگی خود معمولاً نقاشی های دستی را برای دستیارانش می گذاشت. بین آثار دست‌نویس خودش و نقاشی‌های آتلیه که فقط طرح‌هایی برای آن‌ها ارائه می‌کرد، همه جابه‌جایی وجود دارد. با تمام شباهت‌های شکل‌های اولیه و حالت‌های اولیه، نقاشی‌های خودش تغییرات قابل توجهی را در سبک نشان می‌دهد، مانند بسیاری از هم‌عصرانش، از مدل‌سازی پلاستیک سخت و نوشته‌های ضخیم و سنگین گرفته تا اجرای سبک‌تر، آزادتر و روشن‌تر. طرح‌های پر جنب و جوش‌تر، تا مدل‌سازی‌های ملایم‌تر، مطبوع‌تر و پر از روحیه، که با رنگ‌های گلدار نقاشی‌های تونال روشن می‌شوند.

در رأس آخرین ادبیات در مورد روبنس، اثر انباشته ماکس روزز قرار دارد: آثار روبنس (1887-1892). بهترین و مهم‌ترین آثار بیوگرافی روزز و میشل هستند. آثار گردآوری شده، پس از واگن، توسط یاکوب بورچارد، رابرت فیشر، آدولف روزنبرگ و ویلهلم بود نیز منتشر شد. سوالات جداگانه ای در مورد روبنس توسط رولنز، ولتمن، ریگل، گلر فون راونسبورگ، گروسمن، ریمان و دیگران تجزیه و تحلیل شد. روبنس، به عنوان یک حکاکی، در Gimans و Voorthelm-Schnevogt مشغول بود.

روبنس در زیگن، در نزدیکی کلن، از آنتورپ مورد احترام به دنیا آمد و اولین آموزش هنری خود را در شهر پدرانش نزد توبیاس ورهگت (1561 - 1631)، نقاش منظره متوسط ​​سبک انتقالی دریافت کرد، سپس به مدت چهار سال نزد آدام وان تحصیل کرد. نورت (1562 - 1641)، یکی از استادان متوسط ​​ایتالیایی گرایی منسجم، همانطور که اکنون شناخته شده است، و سپس برای چهار سال دیگر با اتو ون ون، داستانی غنی، خالی در قالب یک کلاسیک دروغین، کار کرد. ابتدا از نزدیک به آن پیوست و در سال 1598 استاد صنفی شد. در سال 1908، هابرتزویل مقالات مفصلی را به سه معلم روبنس اختصاص داد. نمی توان با قطعیت تصویر واحدی از اوایل دوره روبنس آنتورپ ایجاد کرد. از سال 1600 تا 1608 در ایتالیا زندگی می کرد. ابتدا در ونیز، سپس عمدتاً در خدمت وینچنزو گونزاگا در مانتوا. اما قبلاً در سال 1601، در رم، برای سه محراب کلیسای سانتا کروچه در Gerusalemme، او «یافتن صلیب»، «تاج گذاری با خار» و «تعالی صلیب» را نقاشی کرد. این سه نقاشی که اکنون متعلق به کلیسای کوچک بیمارستانی در گراس، در جنوب فرانسه است، سبک اولین دوره ایتالیایی او را نشان می‌دهد، که هنوز در جستجوی خود است، هنوز تحت تأثیر کپی‌هایی از Tintoretto، Titian و Correggio، اما در حال حاضر پر از تلاش مستقل است. برای قدرت و حرکت در سال 1603، استاد جوان با دستور شاهزاده خود به اسپانیا رفت. از نقاشی‌هایی که او در آنجا کشید، چهره‌های فیلسوفان هراکلیتوس، دموکریتوس و ارشمیدس در موزه مادرید، فرم‌های پرشور و وابسته را نشان می‌دهند، اما همچنین تأثیری قوی بر عمق روان‌شناختی دارند. در بازگشت به مانتوآ، روبنس یک محراب بزرگ سه قسمتی را نقاشی کرد که تصویر میانی آن با ادای احترام خانواده گونزاگا به سنت سنت. ترینیتی، در دو بخش در کتابخانه مانتو نگهداری می‌شد و از نقاشی‌های جانبی گسترده و فراوان، که قدرت روزافزون اشکال و اعمال توده‌ها را نشان می‌داد، غسل تعمید مسیح در موزه آنتورپ و تغییر شکل در موزه نانسی سپس در سال 1606، استاد بار دیگر در رم برای Chiesa Nuova یک نقاشی باشکوه و پر از قدرت روبنسی در چهره‌های پر نور خود، محراب عروج سنت سنت. گریگوری»، که اکنون متعلق به موزه گرنوبل است، و در رم در سال 1608 با سه نقاشی دیگر که اصلاً بهترین نقاشی از همان استاد نبودند، جایگزین شد. به وضوح بیشتر یادآور سبک کاراواجو، «ختنه مسیح» در سال 1607 در سنت آمبروجیو در جنوا است. با این حال، محققانی مانند روزز و روزنبرگ استاد را به دوره ایتالیایی نسبت می‌دهند، زمانی که او از آثار تیتیان، تینتورتو، کورجو، کاراواجو، لئوناردو، میکل آنژ و رافائل و تعدادی از نقاشی‌ها با قلم مو کپی‌برداری کرد، اما ظاهراً نوشته شده بود. بعد. تمثیل های بزرگی از نمایش و فضیلت در درسدن که از مانتوا سرچشمه می گیرند، از نظر شکل و رنگ قوی، اگر همانطور که میشل با ما فکر می کند، در حدود سال 1608 در مانتوا نوشته نشده باشند، پس ما به همراه بود اعتراف می کنیم که آنها بر اساس بازگشت روبنس به وطن خود به جای رورزز، که آنها قبل از سفر ایتالیایی او به آنتورپ نوشته شده بودند. تصویری که با اعتماد به نفس کشیده شده و به شکل پلاستیکی از جروم در درسدن طراحی شده است، شیوه ای خاص روبنسی را نشان می دهد، شاید حتی برای دوره ایتالیایی او بسیار توسعه یافته باشد، که اکنون این تصویر را به آن نسبت می دهیم. پس از بازگشت روبنس در سال 1608 به آنتورپ، در سال 1609 او به عنوان نقاش درباری آلبرشت و ایزابلا منصوب شد و سبک او که قبلاً مستقل بود، به سرعت به قدرت و عظمت بزرگی رسید.

پرستش مجوس (1609-1610) او در مادرید، با ترکیب بندی درهم، طرح کلی بی قرار، در جلوه های نوری ناهموار است، اما با یک حرکت قدرتمند مشخص شده است. پر از زندگی و شور، قدرتمند در مدل سازی عضلانی بدن، تصویر سه قسمتی معروف او "تعالی صلیب" در کلیسای جامع آنتورپ. خاطرات قوی‌تر ایتالیایی در تصاویر اساطیری همزمان، مانند زهره، کوپید، باکوس و سرس در کاسل، و پرومتئوس تنومند و زنجیر شده در اولدنبورگ احساس می‌شود. نمونه‌های مشخص از پرتره‌های بزرگ مقیاس این دوران، پرتره‌های منظره آلبرشت و ایزابلا در مادرید و تصویر باشکوه مونیخ است که نشان دهنده خود استاد به همراه همسر جوانش، ایزابلا برانت، در سال 1609 به میهن خود آورده شده است. ، تصویری بی نظیر از عشق شادی ناب آرام.

هنر روبنس پرواز بیشتری را بین سالهای 1611 و 1614 کشف کرد. تابلوی عظیم "نزول از صلیب" با شکوه "بازدید از مری الیزابت" و "ورودی به معبد" بر روی بالها، در کلیسای جامع آنتورپ، اولین اثری است که استاد انواع و شیوه نگارش خود را در آن آورده است. به توسعه کامل نشاط پرشور حرکات فردی شگفت انگیز است، حتی شگفت انگیزتر از آن قدرت نافذ اجرای تصویری است. نقاشی های اساطیری مانند «رومولوس و رموس» در گالری کاپیتولین، «فاون و فاون» در گالری شونبورن وین نیز متعلق به این سال هاست.

نقاشی‌های روبنس در سال‌های 1613 و 1614، با اعتماد به ترکیب، با فرم‌ها و رنگ‌های مشخص، برخی از نقاشی‌هایی هستند که با نام و سال اجرای او به عنوان استثنا مشخص شده‌اند. نقاشی‌های «مشتری و کالیستو» (1613)، پر از نور جادویی «پرواز به مصر» در کاسل، «زهره یخ‌زده» (1614) در آنتورپ، «ناهید» رقت‌انگیز (1614) از این قبیل هستند. وین و «سوسانا» (1614) در استکهلم، که بدون شک بدنش دلپذیرتر و بهتر از بدن بسیار مجلل سوزانای قبلی اش در مادرید است. از نظر نقاشی، تصاویر نمادین قدرتمندی از مسیح مصلوب تنها در پس زمینه آسمان تاریک در مونیخ و آنتورپ در مجاورت این نقاشی ها هستند.

از آن زمان به بعد، سفارشات در استودیوی روبنس به حدی انباشته شد که او به دستیارانش مشارکت آشکارتری در اجرای نقاشی هایش داد. قدیمی ترین، علاوه بر یان بروگل، متعلق به نقاش برجسته حیوانات و میوه ها، فرانس اسنایدر (1579 - 1657) است، به گفته خود روبنس، که عقاب را در نقاشی اولدنبورگ با پرومتئوس ذکر شده در بالا کشیده است، و نقاش منظره پر جنب و جوش یان ویلدنز ( 1586 - 1653)، که از سال 1618 برای روبنس کار می کرد. قابل توجه ترین همکار آنتون ون دایک (1599 - 1641) بود که بعدها به یک چهره مستقل تبدیل شد. در هر صورت، او که در سال 1618 استاد شد، تا سال 1620 دست راست روبنس بود. نقاشی‌های خود روبنس در این سال‌ها معمولاً نیم سایه آبی بدن را با یک نقطه نوری زرد متمایل به قرمز تضاد می‌کنند، در حالی که نقاشی‌ها با همکاری آشکار ون دایک با یک کیاروسکورو گرم و یکنواخت و انتقال تصویری عصبی‌تر متمایز می‌شوند. در میان آنها شش تصویر بزرگ و پرشور نقاشی شده از زندگی کنسول روم دسیوس موسی، در کاخ لیختن اشتاین در وین، مقواهایی که روبنس برای فرشهای بافته شده در سال 1618 ساخته است (نسخه های باقیمانده در مادرید هستند) و نقاشی های بزرگ تزئینی پلافون وجود دارد. (فقط طرح هایی در مجموعه های مختلف حفظ شده است)، و برخی از آثار دیدنی در ترکیب بندی، با بسیاری از چهره های محراب این کلیسا، «معجزه سنت. خاویر» و «معجزه سنت. ایگناتیوس» که توسط موزه دادگاه وین ذخیره شده است. همکاری ون دایک در مصلوب عظیم در آنتورپ نیز غیرقابل انکار است، که در آن لونگینوس، سوار بر اسب، پهلوی ناجی را با نیزه سوراخ می کند، در مدونا با گناهکاران توبه کننده در کاسل، و به گفته بود، همچنین در روز تثلیث مونیخ و در لازار برلین، به گفته روزز، همچنین در شکار دراماتیک شیر و در ربودن نه کمتر دراماتیک، پرشور و سریع دختران لوسیپوس در مونیخ. همه این تابلوها نه تنها با قدرت جسورانه ترکیب بندی روبنس، بلکه با ظرافت نافذ احساس نقاشی ون دایک می درخشند. در میان نقاشی‌های دستی که در بخش‌های اصلی توسط خود روبنس بین سال‌های 1615 تا 1620 کشیده شده است، بهترین نقاشی‌های مذهبی نیز وجود دارد - مملو از جنبش‌های توده‌ای پرشور و آشفته «آخرین قضاوت» در مونیخ و پر از انیمیشن درونی «فرض بانوی ما» در بروکسل و در وین، و همچنین نقاشی‌های اساطیری استادانه، «باکانالیا» مجلل و تصاویر «تیازوس» در مونیخ، برلین، سن پترزبورگ و درسدن، که در آن‌ها قدرت لذت نفسانی سرشار از زندگی ترجمه شده است. از رومی به فلاندری، ظاهراً برای اولین بار به بیان کامل می رسد. «نبرد آمازون‌ها» در مونیخ (حدود 1620)، اثری غیرقابل دسترس به معنای انتقال زیباترین درگیری و نبرد، اگرچه در اندازه کوچک نوشته شده است، اما به اینجا نزدیک است. سپس کودکان برهنه در اندازه واقعی، مانند پوتی عالی با گلدسته میوه در مونیخ، سپس صحنه های شکار خشونت آمیز، شکار شیر، که بهترین آنها در مونیخ است، و شکار گراز، که بهترین آنها در درسدن آویزان است. پس از آن اولین نقاشی‌های منظره با اضافات اساطیری، برای مثال، حال و هوای کامل کشتی غرق شده آئنیاس در برلین، یا با محیط طبیعی، مانند منظره درخشان رومی با ویرانه‌های لوور (حدود 1615) و مناظر پر زندگی "تابستان" و "زمستان (حدود 1620) در ویندزور. آنها که با شکوه و عظمت منتقل شده اند، به طور گسترده و صادقانه نوشته شده اند، بدون اشاره ای به آداب و رسوم قدیمی، که با نور انواع مظاهر آسمانی روشن شده اند، مانند نقاط عطفی در تاریخ نقاشی منظره ایستاده اند.

پرتره های روبنس در این دوره پنج ساله، به وضوح، با شکوه و قدرت، سرانجام ظاهر می شوند. یک کار استادانه از سلف پرتره او در اوفیزی، گروه پرتره او "چهار فیلسوف" در کاخ پیتی باشکوه است. در اوج زیبایی همسرش ایزابلا در پرتره های نجیب برلین و لاهه است. در حدود سال 1620، پرتره ای شگفت انگیز از سوزانا فورمن در کلاهی با پر، که با ظریف ترین کیاروسکورو پنکه شده بود، نیز در گالری ملی لندن نقاشی شد. پرتره های مرد معروف استاد این سال ها را می توان در مونیخ و در گالری لیختن اشتاین مشاهده کرد. روبنس با چه شور و اشتیاق اپیزودهایی از تاریخ جهان مقدس، صحنه های شکار و حتی مناظر را به تصویر می کشید، او چهره های پرتره خود را به همان آرامی ترسیم می کرد، قادر بود پوسته بدن آنها را با قدرت و حقیقت فوق العاده منتقل کند، اما بدون تلاش برای معنوی سازی درونی، فقط به طور کلی درک می شود. ، ویزگی های چهره.

ون دایک در سال 1620 روبنس را ترک کرد و همسرش ایزابلا برانت در سال 1626 درگذشت. انگیزه جدید برای هنر او ازدواج مجدد او با هلنا فورمن جوان زیبا در سال 1630 بود. با این حال، سفرهای هنری و دیپلماتیک او به پاریس نیز انگیزه ای بود (1622، 1623، 1625)، مادرید (1628، 1629) و لندن (1629، 1630). از دو مجموعه تاریخی بزرگ با تمثیل، 21 تابلوی نقاشی عظیم از زندگی ماری دو مدیچی (داستان توسط گروسمن نوشته شده است) اکنون متعلق به بهترین تزئینات موزه لوور است. این نقاشی های تاریخی که توسط دست استادانه روبنس ترسیم شده، توسط شاگردانش نقاشی شده، توسط خود او به پایان رسیده است، مملو از پرتره های مدرن و چهره های اساطیری تمثیلی در روح باروک مدرن است و چنان توده ای از زیبایی های فردی و چنان هماهنگی هنری را ارائه می کند که آنها برای همیشه بهترین آثار نقاشی قرن هفدهم باقی خواهند ماند. از مجموعه‌ای از نقاشی‌های زندگی هنری چهارم فرانسوی، دو نقاشی نیمه تمام به اوفیزی ختم شد. طرح هایی برای دیگران در مجموعه های مختلف نگهداری می شود. نه تابلوی ستایش جیمز اول انگلستان که چند سال بعد روبنس مزارع تالار اصلی در وایت هال سیاه شده از دوده لندن را با آنها تزئین کرد، غیرقابل تشخیص هستند، اما خود به موفق ترین آثار استاد تعلق ندارند. .

از میان نقاشی‌های مذهبی نقاشی شده توسط روبنس در دهه بیست، «ستایش مجوس» در آنتورپ که در سال 1625 تکمیل شد، دوباره نقطه عطفی در رشد هنری او با قلم مو آزادتر و گسترده‌تر، زبان سبک‌تر فرم‌ها و طلایی‌تر نشان می‌دهد. , رنگبندی مطبوع . . "تعالی مریم" نور و هوای کلیسای جامع آنتورپ در سال 1626 تکمیل شد. پس از آن "تعداد مجوس" زیبا و رایگان در موزه لوور و "آموزش مریم باکره" در آنتورپ به پایان رسید. در مادرید، جایی که استاد دوباره تیتیان را مطالعه کرد، رنگ آمیزی او غنی تر و "گلدار" شد. «مدونا» با قدیسانی که او را در کلیسای آگوستینیان در آنتورپ می‌پرستند، تکرار باروک‌تری از مدونای فراری تیتیان است. بخشی از "پیروزی سزار" توسط مانتگنا که در سال 1629 در لندن (اکنون در گالری ملی) واقع شده است، با قضاوت بر اساس نامه او نیز می تواند پس از این زمان ظاهر شود. این دهه به ویژه در پرتره های بزرگ استاد غنی است. ایزابلا برانت در پرتره ای زیبا از ارمیتاژ، پیرتر، اما همچنان پر از ظاهر زیبا است. ویژگی‌های واضح‌تر از قبل با پرتره در Uffizi نشان داده می‌شوند. یکی از بهترین و رنگارنگ ترین ها، پرتره دوگانه پسرانش در گالری لیختن اشتاین است. پرتره رسا کاسپار ژوارت روی میزش در آنتورپ مشهور است. و خود استاد سالخورده با یک لبخند دیپلماتیک نازک بر لبانش در پرتره زیبای نیم تنه آرمبرگ در بروکسل در برابر ما ظاهر می شود.

دهه آخری که به قرعه روبنس افتاد (1631 - 1640) زیر ستاره همسر دوم محبوبش، النا فورمن، قرار داشت که او او را به هر شکلی نقاشی کرد و به عنوان طبیعت برای نقاشی های مذهبی و اسطوره ای به او خدمت کرد. بهترین پرتره های او توسط روبنس متعلق به زیباترین پرتره های زنانه در جهان است: نیم قد، ​​در لباسی غنی، با کلاه با پر. اندازه واقعی، نشسته، در یک لباس مجلل باز در سینه؛ به شکلی کوچک، در کنار همسرش برای قدم زدن در باغ - او در پیناکوتک مونیخ است. برهنه، فقط تا حدی با یک مانتوی خز پوشیده شده است - در موزه دادگاه وین. در کت و شلوار برای قدم زدن در مزرعه - در ارمیتاژ. با فرزند اولش روی ارسی ها، بازو در بازو با شوهرش، و همچنین در خیابان، همراه با یک صفحه - در بارون آلفونس روچیلد در پاریس.

مهم‌ترین آثار کلیسایی این دوران شکوفا و درخشان اواخر استاد، ترکیبی باشکوه و آرام است که با تمام رنگ‌های رنگین کمان می‌درخشد، محراب سنت. ایلدفون با چهره‌های قدرتمند اهداکنندگان بر درهای موزه دادگاه وین و یک محراب باشکوه در کلیسای تدفین خود روبنس در کلیسای یعقوب در آنتورپ، با قدیسین شهر که از چهره‌های نزدیک به استاد نقاشی شده‌اند. کارهای ساده تر، مانند: St. Cecilia در برلین و Bathsheba باشکوه در درسدن از نظر لحن و رنگ از آنها چیزی کم ندارند. از جمله تصاویر گرانبهای اساطیری این دوره می توان به احکام پر زرق و برق پاریس در لندن و مادرید اشاره کرد. و چه نشاط پرشوری در شکار دیانا در برلین نفس می کشد، جشن زهره در وین چقدر مجلل است، چه نور جادویی اورفئوس و اوریدیک را در مادرید روشن می کند!

مقدمات این نوع نقاشی ها برخی از تصاویر ژانر استاد است. بنابراین، شخصیت ژانر اسطوره‌ای، «ساعت تاریخ» را در مونیخ به تصویر می‌کشد.

نمونه اولیه تمام صحنه‌های سکولار واتو، نقاشی‌هایی به نام «باغ‌های عشق»، با خدایان عشق در پرواز، با گروه‌هایی از زوج‌های شیک پوش عاشق در جشنواره‌ای در باغ هستند. یکی از بهترین آثار از این دست متعلق به بارون روچیلد در پاریس است و دیگری در موزه مادرید است. مهم‌ترین نقاشی‌های ژانر با چهره‌های کوچک زندگی عامیانه، که توسط روبنس کشیده شده است، رقص دهقانی با شکوه و حیاتی، کاملاً روبنسی در مادرید، مسابقات نیمه منظره جلوی خندق قلعه، در موزه لوور و نمایشگاه است. در همین مجموعه که انگیزه های آن قبلاً یادآور تنیر است.

بسیاری از مناظر واقعی روبنس نیز متعلق به آخرین سال های زندگی او هستند: مانند منظره درخشان با اودیسه در کاخ پیتی، مانند مناظر جدید در طراحی، توضیح هنرمندانه، با تصویری ساده و گسترده از محیط اطراف. ، منطقه مسطحی که ویلا روبنس در آن قرار داشت و با شکوه و آسمان انتقال خلق و خوی تغییر می کند. زیباترین آنها غروب آتشین در لندن و مناظر با رنگین کمان در مونیخ و سنت پترزبورگ است.

هر کاری که روبنس انجام داد، همه چیز را به طلای درخشان تبدیل کرد. و هر کس به عنوان همکار یا پیرو با هنر او در تماس باشد، دیگر نمی تواند از دور باطل او خارج شود.

از بین مردمک های متعدد روبنس، تنها آنتون ون دایک (1599 - 1641) - که البته نور او مانند نور قمری خورشید به نور روبنس اشاره دارد - با سر روشن شده از درخشش به آسمان هنر می رسد. اگرچه بالن معلم واقعی او به حساب می آید، اما خود روبنس او ​​را شاگرد خود می خواند. در هر صورت، رشد جوانی او، تا آنجا که می دانیم، تحت تأثیر روبنس بوده است، که او هرگز به طور کامل از آن منحرف نمی شود، بلکه مطابق با خلق و خوی تأثیرپذیرتر خود، به شیوه ای عصبی، ملایم و ظریف تر در نقاشی دوباره کار می کند. و در طراحی قوی تر است. . اقامت طولانی در ایتالیا سرانجام او را به یک نقاش و استاد رنگ تبدیل کرد. اختراع و تشدید چشمگیر اکشن زنده کار او نبود، اما او می دانست که چگونه چهره ها را در نقاشی های تاریخی خود در روابط کاملاً فکر شده با یکدیگر قرار دهد و ویژگی های ظریف موقعیت اجتماعی را به پرتره های خود منتقل کند، که به نقاش مورد علاقه تبدیل شد. از بزرگان زمان خود

آخرین آثار خلاصه شده درباره ون دایک توسط میشل، گیفری، کوست و شفر هستند. صفحات جداگانه ای از زندگی و هنر او توسط ویبیرال، بود، هیمنز، روزز، لاو، منوتی و نویسنده این کتاب توضیح داده شد. حتی در حال حاضر آنها در مورد تمایز بین دوره های مختلف زندگی، که عمدتاً با سفر مرتبط بودند، بحث می کنند. طبق آخرین تحقیقات، او تا سال 1620 در آنتورپ، در 1620 - 1621 در لندن، در 1621 - 1627 در ایتالیا، عمدتاً در جنوا، با وقفه ای از 1622 تا 1623 کار کرد، همانطور که روزز نشان داد، احتمالاً در خانه، در 1627 - 1628 در هلند، سپس دوباره در آنتورپ، و از 1632 به عنوان نقاش دربار چارلز اول در لندن، جایی که در سال 1641 درگذشت، و در این دوره، در 1634 - 1635 در بروکسل، در سال های 1640 و 1641 در آنتورپ بود. و پاریس

تقریباً هیچ اثر اولیه ای از ون دایک وجود ندارد که تأثیر روبنس در آنها قابل توجه نباشد. حتی سریال های اوایل حواری او قبلاً رگه هایی از شیوه روبنسی را نشان می دهد. از این تعداد، برخی از سرهای اصلی در درسدن و برخی دیگر در آلتورپ نگهداری می شوند. از میان نقاشی‌های مذهبی که ون دایک بر اساس طرح خود، با خطر و خطر خود، از سال 1618 تا 1620، زمانی که در خدمت روبنس بود، به «شهادت سنت. سباستین، با ترکیب قدیمی بیش از حد "مرثیه مسیح" و "حمام کردن سوزانا" در مونیخ. «توماس در سن پترزبورگ»، «مار مسی» در مادرید. هیچ یک از این نقاشی ها نمی توانند از ترکیب بندی عالی ببالند، اما به خوبی رنگ آمیزی شده اند و رنگ های گلدار دارند. "جروم" درسدن زیبا است و عمیقاً در روح احساس می شود و تضاد واضحی را با جروم روبنس آرام تر و تقریباً نوشته شده همسایه نشان می دهد.

سپس دنبال کنید: مسخره کردن مسیح در برلین، قوی ترین و گویاترین این نقاشی های نیمه روبنس، و زیبا در ترکیب، بدون شک توسط روبنس، سنت. مارتین» در ویندزور، روی اسبی نشسته و شنل را به سوی گدا دراز کرده است. تکرار ساده‌تر و ضعیف‌تر این مارتین در کلیسای ساون‌هام به شیوه متأخر استاد نزدیک‌تر است.

ون دایک در این دوره روبنس هنرمند بزرگی است، به خصوص در پرتره هایش. برخی از آنها، ترکیبی از مزایای شناخته شده هر دو استاد، به روبنس در قرن نوزدهم نسبت داده شد، تا زمانی که بود آنها را به ون دایک بازگرداند. آنها در ویژگی های فردی فردی تر، در بیان عصبی تر، در نوشتن نرم تر و عمیق تر از پرتره های همزمان روبنس هستند. قدیمی‌ترین این پرتره‌های نیمه روبنس اثر ون دایک، هر دو پرتره‌های نیم تنه یک زوج مسن در درسدن در سال 1618 هستند، زیباترین آن‌ها نیم‌پیکره‌های دو زوج متاهل در گالری لیختن‌اشتاین هستند: زنی با بند طلایی روی سینه‌اش. آقایی که دستکش می‌کشد و در درسدن جلوی خانمی با پرده قرمز با کودکی روی پاهایش می‌نشیند. ایزابلا برانت باشکوه ارمیتاژ متعلق به او است و از لوور یک پرتره دوتایی از ژان گروست ریچاردو و پسرش که در کنار او ایستاده اند. از میان پرتره های دوتایی، همسرانی که در کنار یکدیگر ایستاده اند شناخته شده اند - پرتره فرانس اسنایدر و همسرش با ژست های بسیار اجباری، یان د وائل و همسرش در مونیخ، زیباترین است. سرانجام، در سلف پرتره های جوانی استاد، با نگاهی متفکرانه و با اعتماد به نفس، در سن پترزبورگ، مونیخ و لندن، همین سن او، یعنی حدود بیست سالگی، حکایت از دوران اولیه دارد.

از نقاشی های مذهبی نقاشی شده توسط ون دایک بین 1621 - 1627. در ایتالیا، در جنوب، صحنه زیبایی با الهام از تیتیان، با «سکه پیتر» و «مریم با کودک» در هاله ای آتشین، در کاخ بیانکو، یادآور روبنس، «صلیب» در کاخ سلطنتی در جنوا، که با لحنی زیبا و معنوی احساس می شود، مقبره گالری بورگزه در رم، سر بی حال مریم در کاخ پیتی، خانواده باشکوه و درخشان در پیناکوتک تورین، و افراد قدرتمند، اما با ادب محراب مدونا دل روزاریو در پالرمو با پیکره های کشیده. از میان نقاشی‌های سکولار، ما در اینجا فقط به نقاشی زیبا، به روح جورجیونه، نقاشی سه دوره زندگی در موزه شهر در وینچنزا و نقاشی ساده، اما آتشین «دیانا و اندیمون» در مادرید اشاره می‌کنیم.

مدل‌سازی ضربه‌ای مطمئن، محکم و در عین حال ملایم در کیاروسکورو تیره و رنگ‌آمیزی عمیق و غنی از سرهای ایتالیایی که برای وحدت خلق و خو تلاش می‌کنند نیز در پرتره‌های ایتالیایی، به‌ویژه جنوایی او متجلی است. پرتره سوارکاری آنتونیو جولیو بریگنوله سیل که در قصر روسی در جنوا واقع شده است به نشانه سلام و احوالپرسی در دست راست خود تکان می‌دهد، که تقریباً رو به تماشاگر نقاشی شده است، نشانگر واقعی مسیر جدید بود. نجیب، با ستون‌های باروک و پارچه‌هایی در پس‌زمینه، پرتره‌های سیگنورا جرونیمو برینوله سیل به همراه دخترش پائولا آدوریو در لباس ابریشمی آبی تیره با گلدوزی‌های طلایی و مردی جوان در لباس یک فرد نجیب، از همان مجموعه، ایستاده است. در اوج هنر پرتره مطلق. به آنها پرتره هایی از Marchesa Durazzo در لباس داماس ابریشمی زرد روشن، با کودکان، در مقابل پرده قرمز، پرتره گروهی پر جنب و جوش از سه کودک با یک سگ و پرتره نجیب پسری با لباس سفید، با یک طوطی که در Palazzo Durazzo Pallavicini نگهداری می شود. در رم، گالری کاپیتولین دارای یک پرتره دوگانه بسیار حیاتی از لوکا و کورنلیس دو وائل است؛ در فلورانس، در کاخ پیتی، یک پرتره معنوی از کاردینال جولیو بنتیوگلیو وجود دارد. پرتره های دیگری از دوره ایتالیایی ون دایک راه خود را در خارج از کشور پیدا کردند. یکی از بهترین ها متعلق به پیرپونت مورگان در نیویورک است، اما آنها را می توان در لندن، برلین، درسدن و مونیخ نیز یافت.

دوره پنج ساله (1627 - 1632) که استاد پس از بازگشت از ایتالیا در موطن خود سپری کرد بسیار پربار بود. محراب‌های بزرگ و پر از حرکت، صلیب‌های قدرتمند در کلیسای St. ژن در دندرموند، در کلیسای مایکل در گنت، و در کلیسای رومالد در مهلن، و مجاور "تعالی صلیب" در کلیسای سنت. Gens in Courtrai او را به اندازه آثار سرشار از زندگی درونی نشان نمی دهد، که ما شامل مصلوب شدن در موزه لیل، «آرامش در طول پرواز» در مونیخ و مصلوب های فردی پر از احساس در آنتورپ، وین و مونیخ این نقاشی ها تصاویر روبنس را از زبان قهرمانی به زبان احساس ترجمه می کنند. زیباترین نقاشی‌های این دوره شامل مدونا با زن و شوهر زانو زده اهداکنندگان و فرشتگان در حال ریختن گل در موزه لوور، مدونا با کودک مسیح در مونیخ ایستاده و حال و هوای کامل "مرثیه بر مسیح" در آنتورپ، مونیخ، برلین و پاریس. مدونا و به طور کلی مرثیه سرایی از موضوعات مورد علاقه ون دایک بود. او به ندرت از خدایان بت پرست تصویر می کرد، اگرچه هرکول او در چهارراه در اوفیزی، تصاویر زهره، ولکان، وین و پاریس نشان می دهد که او تا حدودی توانسته با آنها مقابله کند. او عمدتاً یک نقاش پرتره باقی ماند. از این دوره پنج ساله حدود 150 پرتره از قلم مو او حفظ شده است. ویژگی‌های صورت آنها حتی واضح‌تر است، در دست‌های معمولی برازنده و غیرفعال، حتی بیان کمتری نسبت به نقاشی‌های ایتالیایی از او وجود دارد. آرامش تا حدودی اشرافی‌تر به وضعیت بدن آنها اضافه شد و حالت عمومی ظریف‌تری در رنگ‌آمیزی سردتر ظاهر شد. لباس ها معمولاً به راحتی و آزادانه می ریزند اما از نظر مادی. از جمله زیباترین آنها که در اندازه کامل نقاشی شده اند، می توان به پرتره های مشخصه حاکم ایزابلا در تورین، در موزه لوور و در گالری لیختن اشتاین، فیلیپ دو روی و همسرش در مجموعه والاس در لندن، پرتره های دوتایی یک جنتلمن اشاره کرد. و یک خانم با یک کودک در آغوش در موزه لوور و در موزه گوتیک و چند پرتره دیگر از آقایان و خانم ها در مونیخ. در میان رساترین پرتره های کمری و نسلی، ما شامل پرتره های اسقف مولدروس و مارتین پپین در آنتورپ، آدریان استیونز و همسرش در سن پترزبورگ، کنت ون دن برگ در مادرید، و کانن آنتونیو د تاسیس در گالری لیختن اشتاین هستیم. لیبرتی، ارگ‌نواز، بی‌حال به نظر می‌رسد، مجسمه‌ساز کالین دو نوله، همسرش و دخترشان در گروه پرتره در مونیخ خسته‌کننده به نظر می‌رسند. پرتره های یک آقا و یک خانم در درسدن و ماری لوئیز دو تاسیس در گالری لیختن اشتاین با حالتی نجیب و زیبا متمایز می شوند. تأثیر ون دایک بر تمام پرتره های زمان خود، به ویژه انگلیسی و فرانسوی، بسیار زیاد بود. با این حال، در ویژگی های طبیعی و حقیقت درونی، پرتره های او را نمی توان با پرتره های معاصرش ولاسکز و فرانس هالس مقایسه کرد، و از دیگران نام برد.

با این حال، گاهی اوقات، ون دایک نیز سوزن حکاکی را به دست می گرفت. شناخته شده برای 24 به راحتی و با معنی عالی اجرا ورق از کار خود را. از سوی دیگر، او به دیگر حکاکی‌ها مأموریت داد که مجموعه‌ای از پرتره‌های کوچک از معاصران مشهور را که توسط او کشیده شده بود، با یک رنگ خاکستری بازتولید کنند. در مجموعه کامل، این "نماد نگاری ون دایک" در صد ورق تنها پس از مرگ او ظاهر شد.

ون دایک به عنوان نقاش دربار چارلز اول، در هشت سال آخر عمر خود، نقاشی های مذهبی و اساطیری کمی کشید. با این وجود، چندین مورد از بهترین نقاشی‌هایی که در طول اقامت کوتاه او در هلند نوشته شده متعلق به همین اواخر استاد است. این آخرین و زیباترین تصویر "استراحت در پرواز به مصر" بود، با رقصی گرد از فرشتگان و کبک های پرواز، که اکنون در ارمیتاژ، بالغ ترین و زیباترین "مرثیه مسیح" در موزه آنتورپ است. نه تنها در ترکیب شفاف، آرام و لمس‌کننده، بلکه بیان غم واقعی، بلکه در رنگ‌ها، با آکوردهای زیبای آبی، سفید و طلایی تیره، نمایانگر اثری استادانه و مسحورکننده است. سپس پرتره های بسیار متعدد دوره انگلیسی را دنبال کنید. درست است، تحت تأثیر نوع دادگاه لندن، سرهای او بیشتر و بیشتر شبیه ماسک می شوند، دستانش کمتر و کمتر بیان می شوند. اما لباس‌ها از نظر نوشتاری ظریف‌تر و متریال‌تر هستند، رنگ‌هایی که رنگ نقره‌ای آن‌ها به تدریج کم‌رنگ می‌شود، جذابیت‌های لطیف‌تری را به دست می‌آورند. البته ون دایک کارگاهی را نیز در لندن با تولید در مقیاس بزرگ راه اندازی کرد که دانشجویان متعددی در آن مشغول بودند. پرتره خانوادگی در ویندزور که زوج سلطنتی نشسته را با دو فرزند و یک سگ نشان می دهد، نمایش نسبتا ضعیفی است. پرتره سوارکاری پادشاه در همان مکان روبروی طاق پیروزی با ذوق و سلیقه نقاشی شده است، پرتره سوارکاری او در گالری ملی حتی زیباتر است، پرتره دلنشین پادشاه با لباس شکار در موزه لوور واقعاً زیبا است. . از میان پرتره‌های ملکه هنریتا ماریا توسط ون دایک، تصویری که متعلق به لرد نورثبروک در لندن است و ملکه را با کوتوله‌هایش در تراس باغ به تصویر می‌کشد، یکی از تازه‌ترین و قدیمی‌ترین پرتره‌ها است، و یکی در گالری درسدن، با همه اشرافش. یکی از ضعیف ترین و جدیدترین است. پرتره های مختلفی از فرزندان پادشاه انگلیس معروف است که متعلق به جذاب ترین شاهکارهای ون دایک است. تورین و ویندزور بهترین پرتره های سه فرزند سلطنتی را دارند. اما مجلل ترین و زیباترین پرتره ویندزور با پنج فرزند پادشاه با یک سگ بزرگ و یک سگ کوچک است. از دیگر پرتره های متعدد ون دایک در ویندزور، پرتره لیدی ونیز دیگبی، با الحاقات تمثیلی خود در قالب کبوترها و خدایان عشق، نوید دهنده عصر جدیدی است و پرتره دوگانه توماس کیلیگرو و توماس کارو با روابط زندگی به تصویر کشیده شده است که برای استاد ما غیرمعمول است. پرتره جیمز استوارت، با سگ بزرگی که به او چسبیده است، در موزه متروپولیتن نیویورک، با ظرافت خاصی متمایز است، پرتره ای از نامزد، فرزندان ویلیام دوم اورنج و هنریتا ماریا استوارت، در موزه شهر در آمستردام لذت بخش است. حدود صد پرتره از دوره انگلیسی استاد حفظ شده است.

ون دایک در جوانی درگذشت. به عنوان یک هنرمند، ظاهراً همه صحبت کرد. او از تطبیق پذیری، کامل بودن و قدرت معلم بزرگ خود بی بهره است، اما در ظرافت خلق و خوی صرفاً تصویری از همه هم عصران فلاندری خود پیشی گرفت.

دیگر نقاشان مهم، همکاران و شاگردان روبنس در آنتورپ، قبل و بعد از ون دایک، فقط پژواک هنر روبنس هستند، حتی آبراهام دیپبک (1596 - 1675)، کورنلیس شوت (1597 - 1655)، تئودور ون تولدن (1606 - 1676) اراسموس کولینوس (1607 - 1678)، برادر مجسمه‌ساز بزرگ، و نوه‌اش یان اراسموس کولینوس (1674 - 1715) چندان قابل توجه نیستند که در مورد آنها صحبت کنیم. نمایندگان بخش های مختلف واقع بینانه کارگاه روبنس از اهمیت مستقل تری برخوردارند. فرانس اسنایدرز (1579 - 1657) با طبیعتی مرده شروع کرد، که دوست داشت آن را در اندازه واقعی، به طور گسترده، واقع گرایانه و با همه اینها، تزئینی اجرا کند. او در تمام زندگی خود تصاویر بزرگ و پر از مشاهده سالم از لوازم و میوه های آشپزخانه نقاشی کرد، مانند آنچه در بروکسل، مونیخ و درسدن موجود است. در کارگاه روبنس، او همچنین یاد گرفت که تقریباً با قدرت و درخشندگی معلمش، حیواناتی با اندازه واقعی، زنده و جذاب را در صحنه های شکار به تصویر بکشد. نقاشی های شکار بزرگ او در درسدن، مونیخ، وین، پاریس، کاسل و مادرید در راه خود کلاسیک هستند. گاهی اوقات با اسنایدر، برادر شوهرش پل دو ووس (1590 - 1678)، که نقاشی‌های بزرگ او از حیوانات نمی‌تواند با طراوت و گرمای نقاشی‌های اسنایدر برابری کند، می‌شود. سبک منظره جدید که تحت تأثیر روبنس توسعه یافته بود، که تقریباً به طور کامل پس‌زمینه‌های سه رنگ قدیمی و شاخ و برگ درختان تافت‌مانند سنتی را از بین برد، در نقاشی‌ها و حکاکی‌های لوکاس ون اودنز (1595-1595) به وضوح پیش روی ما ظاهر می‌شود. 1672)، دستیار در اواخر دوره استاد در منظر. نقاشی های منظره متعدد اما عمدتاً کوچک او، که 9 تای آنها در درسدن، سه در سن پترزبورگ، دو در مونیخ آویزان شده اند، تصاویری ساده و به طور طبیعی از مناظر جذاب مرزی محلی بین منطقه تپه ای برابانت و دشت فلاندری هستند. عملکرد گسترده و دقیق است. رنگ‌های او نه‌تنها تصور طبیعی درختان و چمن‌زارهای سبز، زمین قهوه‌ای مایل به آبی و فاصله‌های تپه‌ای مایل به آبی را نشان می‌دهند، بلکه یک آسمان کمی ابری و روشن را نیز نشان می‌دهند. کناره های آفتابی ابرها و درختان آن معمولاً با لکه های زرد نور چشمک می زند و تحت تأثیر روبنس، گاهی ابرهای بارانی و رنگین کمان نیز ظاهر می شوند.

هنر روبنس باعث انقلابی در قلم زنی روی مس هلندی شد. تعداد زیادی حکاکی که آثارشان را بررسی کرد در خدمت او بودند. قدیمی ترین آنها، کورنلیس گال آنتورپ (1576 - 1656) و ژاکوب ماتام هلندی (1571 - 1631) و یان مولر، هنوز سبک او را به زبان قدیمی تر ترجمه کردند، اما حکاکی های مکتب روبنس، تعدادی که توسط پیتر ساوتمن از هارلم (1580 - 1643) افتتاح شد و همچنان با نام هایی مانند لوکاس فورسترمن (متولد 1584)، پل پونتیوس (1603 - 1658)، بوئتیوس و شلته به درخشش خود ادامه می دهد. Bolswerth، Pieter de Jode جوانتر، و بالاتر از همه چیاروسکورو حکاکی بزرگ Jan Wittdöck (متولد 1604) موفق شدند ورق های خود را با نیروی و حرکت روبنسی آغشته کنند. روش جدید مزوتنت، که سطح صفحه را با استفاده از کلنگ زبر می کرد تا طرحی را روی آن به صورت توده های نرم خراش دهد، اگر اختراع نشده بود، برای اولین بار توسط Vallerand Vaillant از لیل (1623) به طور گسترده استفاده شد. - 1677)، شاگردی از شاگرد روبنس، اراسموس کولینوس، نقاش برجسته پرتره معروف و نقاش اصلی طبیعت مرده. با این حال، از آنجایی که ویلانت این هنر را نه در بلژیک، بلکه در آمستردام، جایی که نقل مکان کرد، مطالعه کرد، تاریخ هنر فلاندری فقط می تواند از او یاد کند.

برخی از استادان مهم آنتورپ در این دوره که ارتباط مستقیمی با روبنس یا شاگردانش که به کاراواجو در رم پیوستند نداشتند، گروهی رومی تشکیل دادند. طرح‌های واضح، مدل‌سازی پلاستیک، سایه‌های سنگین کاراواجو تنها در نقاشی‌های بعدی‌شان از یک نقاشی آزادتر، گرم‌تر و وسیع‌تر که از تأثیر روبنس صحبت می‌کرد، نرم می‌شوند. در رأس این گروه، آبراهام یانسنس ون نوسن (1576 - 1632) قرار دارد که شاگردش جرارد زگرز (1591 - 1651) در نقاشی‌های بعدی‌اش بدون شک به مسیر روبنس نقل مکان کرد و تئودور رومبوتس (1597 - 1637) تأثیر آن را آشکار می‌کند. کاراواجو در ژانر خود، در اندازه واقعی، با رنگ های درخشان متالیک و سایه های سیاه، نقاشی در آنتورپ، گنت، سنت پترزبورگ، مادرید و مونیخ.

قدیمی ترین نقاشان فلاندری آن زمان که در ایتالیا نبود، کاسپار دو کرایر (1582 - 1669)، به بروکسل نقل مکان کرد، جایی که در رقابت با روبنس، از التقاط فراتر نرفت. آنها توسط Jacob Jordaens آنتورپ (1583 - 1678) رهبری می شوند که همچنین دانش آموز و داماد آدام ون نورت، رئیس رئالیست های واقعی بلژیکی آن دوره، یکی از برجسته ترین نقاشان برجسته فلاندری قرن هفدهم، در کنار روبنس و ون دایک. روزز نیز کار گسترده ای را به او تقدیم کرد. خشن تر از روبنس، او مستقیم تر و بدیع تر از او است. بدن او حتی از بدن روبنس حجیم تر و گوشتی تر است، سرهایش گردتر و معمولی تر است. ترکیب‌بندی‌های او، که معمولاً تکرار می‌شوند، با تغییرات جزئی برای نقاشی‌های مختلف، اغلب بی‌هنر هستند و اغلب بیش از حد کار می‌کنند، قلم‌مو، با تمام مهارت‌اش، خشک‌تر، صاف‌تر، و گاهی متراکم‌تر است. با همه اینها، او یک رنگارنگ فوق العاده و اصلی است. در ابتدا او تازه و سریع می نویسد، با مدل سازی ضعیف در رنگ های محلی اشباع شده. پس از سال 1631، که تحت تأثیر جذابیت های روبنس قرار گرفته بود، به سراغ کیاروسکوروهای ظریف تر، رنگ های متوسط ​​تر و رنگ قهوه ای مایل به نقاشی می رود، که از آن رنگ های پایه عمیق و شاداب به طور مؤثری می درخشد. او همچنین همه چیز را به تصویر کشیده است. او بهترین موفقیت خود را مدیون نقاشی های تمثیلی و ژانر در اندازه واقعی است که در بیشتر موارد با مضمون ضرب المثل های عامیانه است.

اولین نقاشی شناخته شده توسط جوردن "صلیبیون" در سال 1617 در کلیسای St. پل در آنتورپ تأثیر روبنس را آشکار می کند. جوردن در سال 1618 در "ستایش شبانان" در استکهلم و در تصویری مشابه در براونشوایگ، و به ویژه در تصاویر اولیه از یک ساتر در حال بازدید از دهقانی که داستانی باورنکردنی را برای او تعریف می کند، کاملاً خودش است. اولین نقاشی از این نوع متعلق به آقای سلست در بروکسل است. به دنبال آن نسخه هایی در بوداپست، مونیخ و کاسل منتشر شد. نقاشی های مذهبی اولیه همچنین شامل تصاویر رسا از انجیلیان در لوور و شاگردان مقبره منجی در درسدن است. از نقاشی‌های اساطیری اولیه، مِلیگر و آتلانتا در آنتورپ شایسته ذکر است. اولین ساخته های زنده او از گروه های پرتره خانوادگی (حدود 1622) متعلق به موزه مادرید است.

تأثیر روبنس دوباره در نقاشی‌های جوردن که پس از سال 1631 نوشته شده است مشهود است. تصویرهای معروف او از "شاه لوبیا"، که کاسل دارای اولین نسخه از آن است - بقیه در لوور و بروکسل هستند - و همچنین تصاویر بیشمار او از ضرب المثل "پیرمردها چه می خوانند، کوچولوها جیغ می کشند"، آنتورپ. نسخه ای از آن به تاریخ 1638 می رسد. حتی رنگ های تازه تر از درسدن، که در 1641 نوشته شده است - بقیه در لوور و برلین - در حال حاضر به شیوه نرم تر و نرم تر استاد تعلق دارند.

قبل از سال 1642، نقاشی‌های اسطوره‌ای خشن «پرسه باکوس» در کاسل و «آریادنه» در درسدن، پرتره‌های عالی زنده‌انگیز یان ویرث و همسرش در کلن نیز کشیده شده بودند. سپس، تا سال 1652، نقاشی‌ها به‌رغم خطوط آرام‌تر، مانند St. ایوو در بروکسل (1645)، یک پرتره خانوادگی عالی در کاسل و یک "شاه لوبیا" پر جنب و جوش در وین.

در سال 1652، استاد با دعوت به لاهه برای شرکت در تزئین "قلعه جنگلی" که "الهی شدن شاهزاده فردریش هاینریش" و "پیروزی مرگ بر حسادت" توسط جوردن به آن می‌دهند، به طور کامل حضور داشت. اثر او و در سال 1661 دعوت به آمستردام، جایی که او نقاشی های باقی مانده اما اکنون تقریباً غیرقابل تشخیص را برای تالار شهر جدید کشید.

زیباترین و مذهبی ترین نقاشی سالهای آخر عمر، عیسی در میان کاتبان (1663) در ماینتس است. «ورودی معبد» در درسدن و «شام آخر» پر از نور در آنتورپ با رنگ‌های بسیار عالی.

اگر جوردن خیلی خشن و ناهموار است که نمی‌تواند در زمره بزرگ‌ترین بزرگان قرار گیرد، با این وجود، به‌عنوان یک نقاش برگر آنتورپ و نقاش بورگرها، جایگاه افتخاری را در کنار روبنس، شاهزاده نقاشان و نقاش شاهزاده‌ها، اشغال می‌کند. اما دقیقاً به دلیل اصالت خود، شاگردان یا پیروان قابل توجهی نیافرید.

کورنلیس دو ووس (1585 - 1651) استادی بود، مانند جردن، که به طور مستقل به گذشته پیش از روبنسی هنر فلاندری پیوست، به ویژه به عنوان یک نقاش پرتره برجسته، تلاش می کرد برای حقیقت و صداقت بی هنر با سبک نقاشی آرام و نافذ، یک سبک نقاشی خاص. درخشندگی در چشمان چهره های او و پر از رنگ آمیزی روشن. بهترین پرتره-گروه خانوادگی، با ترکیب بندی آرام، متعلق به موزه بروکسل است و قوی ترین تک پرتره استاد صنفی Grapheus متعلق به آنتورپ است. پرتره های دوتایی او از زوج متاهل و دختران کوچکش در برلین نیز بسیار معمولی است.

مکتب لوتیک والون که توسط ژلبیر مورد بررسی قرار گرفت، برخلاف سبک کاملاً فلاندری او، با لحن ایتالیایی، که با انحرافات کم و بیش توسط اکثریت قریب به اتفاق نقاشان بلژیکی قرن هفدهم برگزار شد، سبک رومی-بلژیکی را توسعه داد. روند پوسین به دنبال فرانسوی ها. در رأس این مکتب جرارد داف (1594 - 1660)، یک آکادمیک مبتکر، بسیار شیک، که در مونیخ شناخته شده است، قرار دارد. جرارد لرس (1641 - 1711)، شاگرد شاگردش Bartolet Flemalle یا Flemal (1614 - 1675)، مقلد تنبل پوسین، که قبلاً در سال 1667 به آمستردام نقل مکان کرد، این سبک آکادمیک فرانسوی را از لوتیک به هلند پیوند زد. او نه تنها به عنوان نقاش و چاپگر موضوعات اساطیری، بلکه با قلمی در کتابش که تأثیر بسزایی دارد، دنبال کرد. او یک ارتجاعی افراطی بود و بیش از همه در آغاز قرن به چرخش روند ملی سالم نقاشی هلندی به خیابان رومانسک کمک کرد. «سلوکوس و انطاکیه» در آمستردام و شورین، «پارناسوس» در درسدن، «خروج کلئوپاترا» در موزه لوور تصور کافی از او به دست می‌دهند.

لرس، سرانجام، ما را از نقاشی بزرگ بلژیکی به نقاشی کوچک بازمی گرداند. و این دومی، بدون شک، هنوز در نقاشی‌های کوچک با زمینه‌های منظره یا معماری، شکوفه ملی بالغ قرن هفدهم را تجربه می‌کرد، که مستقیماً از خاک آماده شده توسط استادان دوره انتقالی رشد کرد، اما به لطف این به آزادی کامل حرکت دست یافت. روبنس قادر مطلق، در برخی جاها نیز به لطف تأثیرات جدید فرانسوی و ایتالیایی، یا حتی تأثیر هنر جوان هلندی بر فلاندری.

یک تصویر ژانر واقعی، و اکنون، مانند گذشته، نقش اول را در فلاندر ایفا کرد. در عین حال، مرز نسبتاً تیز بین استادانی که زندگی طبقات بالا را در صحنه های سکولار یا پرتره های گروهی کوچک به تصویر می کشیدند و نقاشان زندگی عامیانه در میخانه ها، نمایشگاه ها و جاده های روستایی قابل توجه است. روبنس نمونه هایی از هر دو جنس را ایجاد کرد. نقاشان سکولار، به روح باغ عشق روبنس، خانم ها و آقایان را با لباس های ابریشمی و مخملی، ورق بازی، جشن گرفتن، نواختن موسیقی شاد یا رقصیدن به تصویر می کشند. یکی از اولین نقاشان کریستین ون در لامن (1615 - 1661) بود که برای نقاشی در مادرید، گوتا، به ویژه در لوکا شهرت داشت. موفق ترین شاگرد او ژروم یانسنس (1624 - 1693) "رقصنده" بود که صحنه های رقص او را می توان در براونگشوایگ دید. در بالای سر او به عنوان یک نقاش، گونزالس کوکوتس (1618 - 1684)، استاد پرتره های گروهی کوچک اشرافی که اعضای خانواده را در خانه در کاسل، درسدن، لندن، بوداپست و لاهه متحد کرده اند، ایستاده است. پرکارترین تصویرگران فلاندری از زندگی عامیانه طبقات پایین تنیرها بودند. دیوید تنیرز بزرگ (1582 - 1649) و پسرش دیوید تنیرز جوان (1610 - 1690) از خانواده بزرگ این هنرمندان برجسته هستند. بزرگ‌تر احتمالاً شاگرد روبنس بوده است، روبنس جوان‌تر احتمالاً نصیحت دوستانه کرده است. هر دو در منظره و ژانر به یک اندازه قوی هستند. اما نمی شد همه آثار بزرگتر را از نقاشی های جوانی کوچکتر جدا کرد. بدون شک، بزرگتر صاحب چهار منظره اساطیری موزه دادگاه وین است که هنوز مشغول انتقال "سه هواپیما"، "وسوسه سنت. آنتونی» در برلین، «قلعه کوه» در براونشوایگ و «دره کوه» در مونیخ.

از آنجایی که دیوید تنیرز جوان تحت تأثیر آدرین بروور بزرگ اودنارد (1606-1638) قرار داشت، ما به دومی اولویت می دهیم. Brouwer خالق و غیر روحانی مسیرهای جدید است. بود به طور کامل در مورد هنر و زندگی خود تحقیق کرد. او از بسیاری جهات بزرگترین نقاش هلندی زندگی عامیانه و در عین حال یکی از الهام‌بخش‌ترین نقاشان منظره بلژیکی و هلندی است. تأثیر نقاشی هلندی بر زبان فلاندری در قرن هفدهم برای اولین بار با او، شاگرد فرانس هالس در هارلم، قبل از سال 1623 دیده شد. پس از بازگشت از هلند، او در آنتورپ ساکن شد.

در عین حال، هنر او ثابت می کند که ساده ترین القاب از زندگی مردم عادی می توانند به لطف اجرای خود بالاترین ارزش هنری را کسب کنند. از هلندی ها، او بی واسطه بودن درک طبیعت، اجرای تصویری، به خودی خود هنری است. او به عنوان یک هلندی، خود را با انزوای شدید در انتقال لحظات مظاهر مختلف زندگی اعلام می کند، مانند یک هلندی، با شوخ طبعی گرانبها، صحنه هایی از سیگار کشیدن، دعوا، بازی با ورق و مهمانی های نوشیدنی در میخانه را برجسته می کند.

اولین نقاشی هایی که او در هلند کشید، دعواهای دهقانی، دعوا، در آمستردام، در شخصیت های خشن و فضول خود واکنش های هنر انتقالی فلاندری قدیم را آشکار می کند. شاهکارهای این زمان «کارت‌بازان» او در آنتورپ و صحنه‌های میخانه‌ای مؤسسه اشتادل در فرانکفورت هستند. توسعه بیشتر در «چاقو» و «حمام روستایی» پیناکوتک مونیخ به شدت نمایان می‌شود: در اینجا کنش از قبل بدون ارقام ثانویه اضافی به طرز چشمگیری قوی است. اجرا در تمام جزئیات به طرز چشمگیری در نظر گرفته شده است. از کیاروسکورو طلایی رنگ، رنگ های قرمز و زرد هنوز می درخشند. به دنبال آن دوره‌ی بلوغ اواخر استاد (1633 - 1636)، با چهره‌های فردی بیشتر، رنگ سردتر، که در آن رنگ‌های سبز و آبی برجسته می‌شوند، دنبال می‌شود. اینها شامل 12 نقاشی از هجده نقاشی مونیخ او و بهترین نقاشی از چهار نقاشی درسدن او می شود. اشمیت-دژنر تعدادی نقاشی از مجموعه های خصوصی در پاریس را به آنها متصل کرد، اما ظاهراً صحت آنها همیشه دقیقاً مشخص نیست. بهترین مناظر بروور که در آن ساده‌ترین نقوش طبیعت از اطراف آنتورپ با انتقال گرم و تابشی هوا و پدیده‌های نور پر شده است نیز متعلق به همین سال‌هاست. «تپه های شنی» در بروکسل، نقاشی با نام استاد، اصالت دیگران را ثابت می کند. آنها حس مدرن تری نسبت به دیگر مناظر فلاندری او دارند. از جمله بهترین ها می توان به مهتاب و چشم انداز شبانی در برلین، منظره تپه ای با سقف قرمز در گالری بریج واتر، و منظره غروب خورشید قدرتمند منسوب به روبنس در لندن اشاره کرد.

نقاشی‌های ژانر دو سال آخر زندگی استاد اندازه‌های بزرگ، نوشته‌های سبک، سایه‌دار و تبعیت واضح‌تر از رنگ‌های محلی را به لحن عمومی و خاکستری ترجیح می‌دهند. دهقانان آوازخوان، سربازانی که تاس بازی می کنند و زوج میزبان در نوشیدنی پیناکوتک مونیخ با نقاشی های قوی که عملیات در موسسه Staedel و موزه لوور "سیگاری" را به تصویر می کشد، ملحق می شوند. هنر اصیل بروور همیشه کاملاً مخالف تمام قراردادهای آکادمیک است.

دیوید تنیرز جوان، نقاش ژانر مورد علاقه جهان اصیل، که در سال 1651 توسط نقاش دربار و مدیر گالری آرشیدوک لئوپولد ویلهلم از آنتورپ به بروکسل، جایی که در سنین پیری درگذشت، دعوت شد، نمی تواند با بروور در کتاب مقایسه شود. بی واسطه بودن انتقال زندگی، در تجربه عاطفی طنز، اما به همین دلیل است که با ظرافت بیرونی و تلطیف شهری از زندگی عامیانه، از او پیشی می گیرد. او دوست داشت مردم شهر را با لباس های اشرافی در روابطشان با مردم روستا به تصویر بکشد، گاهی صحنه های سکولار از زندگی اشراف را ترسیم می کرد و حتی قسمت های مذهبی را به سبک نقاشی های سبک خود در داخل اتاق هایی با تزئینات عالی و یا در میان واقعیات مشاهده می کرد. اما مناظر تزئینی وسوسه سنت. آنتونی (در درسدن، برلین، سن پترزبورگ، پاریس، مادرید، بروکسل) به موضوعات مورد علاقه او تعلق دارد. او همچنین بیش از یک بار سیاه چال را با تصویر پیتر در پس زمینه (درزدن، برلین) نقاشی کرد. از مضامین اساطیری در سبک نقاشی های ژانر او، "نپتون و آمفیتریت" در برلین، تابلوی تمثیلی "پنج حس" در بروکسل، آثار شاعرانه - دوازده نقاشی از "اورشلیم آزاد شده" در مادرید را نام خواهیم برد. نقاشی‌های او که به نمایندگی از کیمیاگران (درزدن، برلین، مادرید) هستند را نیز می‌توان به عنوان یک ژانر جامعه بالا طبقه‌بندی کرد. اکثریت قریب به اتفاق نقاشی های او که 50 نقاشی در مادرید، 40 در سنت پترزبورگ، 30 در پاریس، 28 در مونیخ، 24 در درسدن وجود دارد، محیطی را به تصویر می کشد که روستائیان در حال تفریح ​​در اوقات فراغت خود هستند. او آنها را در حال جشن گرفتن، نوشیدن، رقصیدن، سیگار کشیدن، ورق بازی یا تاس، در یک مهمانی، در یک میخانه یا در خیابان به تصویر می کشد. سبک و آزاد او در زبان طبیعی فرم ها، نوشتاری فراگیر و در عین حال ملایم، تنها در رنگ تغییراتی را تجربه کرد. لحن "ضیافت معبد در نیمه نور" او در سال 1641 در درسدن سنگین، اما عمیق و سرد است. سپس به لحن قهوه‌ای سال‌های اولیه بازمی‌گردد، که به سرعت به رنگ طلایی آتشین در نقاشی‌هایی مانند سیاه چال 1642 در سن پترزبورگ، "آبجو خانه انجمن" در 1643 در مونیخ و "پسر ولگرد" در 1644 در لوور، در «رقص» 1645 در مونیخ و «تاس‌بازان» 1646 در درسدن شعله‌ورتر می‌شود، سپس، همانطور که «سیگاری‌ها» 1650 در مونیخ نشان می‌دهد، به تدریج خاکستری‌تر می‌شود و در نهایت، در سال 1651، در "عروسی دهقانی" در مونیخ، به رنگ نقره ای ظریف تبدیل می شود و با نوشته های سبک و سیال فزاینده ای همراه است که نقاشی های تنیر در دهه 50 را متمایز می کند، مانند "نگهبان" او در سال 1657 در کاخ باکینگهام. سرانجام پس از سال 1660م برس او اعتماد به نفس کمتری پیدا می کند، رنگ آمیزی دوباره قهوه ای تر، خشک و کدر می شود. مونیخ صاحب تابلویی به نمایندگی از یک کیمیاگر است که ویژگی‌های نقاشی استاد سالخورده‌ای متعلق به سال 1680 را دارد.

در میان شاگردان بروور، جوس ون کریزبیک (1606 - 1654) برجسته است، که در نقاشی های او گاهی اوقات دعوا به طرز غم انگیزی پایان می یابد. گیلیس ون تیلبورخ (حدود 1625 - 1678) از دانش آموزان تنیرس جوان شناخته شده است که پرتره های گروهی خانوادگی را نیز به سبک کوکوس می کشید. در کنار آنها اعضای خانواده نقاشان ریکاورت نیز حضور دارند که به ویژه دیوید ریکارت سوم (1612 - 1661) به وسعت خاصی از استقلال رسید.

در کنار نقاشی ملی فلاندری با فیگور کوچک، روند ایتالیایی‌سازی هم‌زمان، البته نه معادل، وجود دارد که استادان آن به طور موقت در ایتالیا کار کردند و زندگی ایتالیایی را در تمام جلوه‌های آن به تصویر کشیدند. با این حال، بزرگترین این اعضای "جامعه" هلندی در رم، که توسط رافائل یا میکل آنژ برده شد، هلندی ها بودند که در ادامه به آنها باز خواهیم گشت. پیتر ون لر از گارلم (1582 - 1642) بنیانگذار واقعی این جریان است که هم ایتالیایی‌های نوع چرکووزی و هم بلژیکی‌های نوع یان میلز (1599 - 1668) را به یک اندازه تحت تأثیر قرار داد. آنتون گوباو (1616 - 1698) که ویرانه‌های رومی را با زندگی رنگارنگ پر کرد و پیتر ون بلمن ملقب به استانداردارد (1657 - 1720) که نمایشگاه‌های اسب ایتالیایی، جنگ‌های سواره نظام و صحنه‌های اردو را ترجیح می‌داد، کمتر مستقل هستند. زندگی عامیانه ایتالیایی از زمان این استادان منطقه ای باقی مانده است که سالانه انبوهی از نقاشان شمالی را به خود جذب می کند.

برعکس، نقاشی منظره با روح ملی فلاندری، با مضامین جنگ و دزد، در مجاورت سباستین ورانکس، که شاگردش پیتر اسنایرز (1592 - 1667) از آنتورپ به بروکسل نقل مکان کرد، توسعه یافت. نقاشی های اولیه اسنیرز، مانند نقاشی های درسدن، او را در مسیری کاملاً زیبا نشان می دهد. بعدها، به عنوان نقاش نبرد خانه هابسبورگ، او بر وفاداری توپوگرافی و استراتژیک بیش از وفاداری نقاشی تأکید کرد، همانطور که نقاشی های بزرگ او در بروکسل، وین و مادرید نشان می دهد. بهترین شاگرد او آدام فرانس ون در مولن (1631 - 1690)، نقاش جنگی لویی چهاردهم و استاد آکادمی پاریس بود که سبک اسنایرز را که توسط او در پرسپکتیو هوایی و نوری اصلاح شده بود، به پاریس پیوند زد. او در کاخ ورسای و هتل دز اینوالیدز در پاریس، مجموعه‌های بزرگی از نقاشی‌های دیواری را به تصویر کشید که اشکالی مطمئن و بی‌عیب و نقص از منظره‌ای زیبا داشتند. نقاشی های او در درسدن، وین، مادرید و بروکسل با مبارزات انتخاباتی، محاصره شهرها، اردوگاه ها، ورود پیروزمندانه پادشاه بزرگ نیز به دلیل ظرافت تصویری درخشان آنها قابل توجه است. این نقاشی نبرد جدید هلندی توسط کورنلیس دی وائل (1592-1662) که در جنوا ساکن شد به ایتالیا منتقل شد و با به دست آوردن قلم مو و رنگ گرم تر در اینجا به زودی به تصویر کشیدن زندگی عامیانه ایتالیایی پرداخت.

در نقاشی منظره بلژیکی، که نویسنده این کتاب با جزئیات بیشتری در تاریخ نقاشی (خود و وولتمن) توضیح داده است، می توان به وضوح روند اصلی، بومی را که فقط اندکی تحت تأثیر تأثیرات جنوبی قرار گرفته، از شبه کلاسیک تشخیص داد. روندی که به پوسین در ایتالیا پیوست. نقاشی منظره ملی بلژیک، در مقایسه با هلندی‌ها، با کنار گذاشتن روبنس و بروور، ویژگی‌های تزئینی خارجی را حفظ کرد. با این ویژگی، او در تزئین کاخ ها و کلیساها با مجموعه ای از نقاشی های تزئینی به وفور ظاهر شد. پل بریل آنتورپینی این نوع نقاشی را در رم القا کرد. فرانسوا میله و فیلیپ دو شامپاین، بلژیکی های فرانسوی فرانسوی شده، کلیساهای پاریس را با نقاشی های منظره تزئین کردند. نویسنده این کتاب مقاله جداگانه ای در مورد مناظر کلیسا در سال 1890 نوشت.

از استادان آنتورپ، ابتدا باید به کاسپار دو ویت (1624 - 1681)، سپس پیتر اسپرینکس (1635 - 1711) اشاره کرد که صاحب مناظر کلیسا است که به اشتباه به پیتر ریسبرک (1655 - 1719) در گروه کر آگوستینیان نسبت داده شده است. کلیسایی در آنتورپ، و به ویژه در یان فرانس ون بلومن (1662 - 1748)، ملقب به "Horizonte" به دلیل وضوح فاصله های کوه آبی موفق او، که به شدت یادآور نقاشی های Duguet، اما خشن و سرد است.

نقاشی منظره ملی بلژیک در این دوره عمدتاً در بروکسل شکوفا شد. جد آن دنیس ون آلسلوت (حدود 1570 - 1626) بود که بر اساس سبک انتقالی، قدرت، استحکام و وضوح نقاشی را در نقاشی های نیمه روستایی و نیمه شهری خود توسعه داد. شاگرد بزرگ او لوکاس آچشلینکس (1626 - 1699)، تحت تأثیر ژاک d'Artois، در تزئین کلیساهای بلژیکی با مناظر کتاب مقدس با درختان سبز تیره سرسبز و فواصل تپه ای آبی، به شیوه ای گسترده، آزاد و تا حدودی فراگیر شرکت کرد. ژاک d'Artois (1613 - 1683)، بهترین نقاش منظره بروکسل، شاگرد یان مرتنس تقریباً ناشناخته، کلیساها و صومعه ها را نیز با مناظر بزرگ تزئین می کرد که صحنه های کتاب مقدس آنها توسط دوستانش، نقاشان تاریخی نقاشی شده است. مناظر او از کلیسای سنت. نویسنده این کتاب همسران کلیسای جامع بروکسل را در زیارتگاه این کلیسا دیده است. مناظر کلیسا، در هر صورت، نقاشی های بزرگ او از موزه دادگاه و گالری لیختن اشتاین در وین نیز بودند. با نقاشی‌های اتاق کوچک او که طبیعت جنگلی سرسبز اطراف بروکسل را به نمایش می‌گذارد، با درختان سبز غول‌پیکر، جاده‌های شنی زرد، فاصله‌های تپه‌ای آبی، رودخانه‌ها و برکه‌های درخشان، می‌توانید مادرید و بروکسل و همچنین در درسدن را به بهترین شکل بشناسید. ، مونیخ و دارمشتات. با یک ترکیب مجلل بسته، عمیق، اشباع شده با رنگ های روشن، با هوای شفاف با ابرها، که با طرف های روشن طلایی-زرد مشخص می شود، آنها کاملاً کلی، اما هنوز هم فقط ویژگی کلی منطقه را منتقل می کنند. طلایی‌تر، گرم‌تر، تزئین‌تر، اگر بخواهید، رنگ ونیزی‌تر از d'Artois، بهترین شاگرد او Cornelis Huysmans (1648 - 1727)، که بهترین منظره کلیسای او "مسیح در اماوس" از کلیسای سنت همسران در مچلن است. .

در شهر ساحلی آنتورپ، یک مارینا نیز به طور طبیعی توسعه یافته است. میل به آزادی و طبیعی بودن قرن هفدهم در اینجا در نقاشی هایی که نشان دهنده نبردهای ساحلی و دریایی آندریس آرتولت یا ون ارتولت (1590 - 1652)، بوونونتورا پیترز (1614 - 1652) و هندریک میندرگوت (1632 - 1696) بودند، تحقق یافت. که، با این حال، نمی تواند با بهترین صنعتگران هلندی در همان صنعت برسد.

در نقاشی معماری، که با کمال میل داخل کلیساهای گوتیک را به تصویر می کشید، استادان فلاندری، مانند پیتر نیفس کوچکتر (1620 - 1675)، که به سختی از یک سبک انتقالی خشن فراتر می رفت، فاقد جذابیت داخلی، پر نور و منظره هلندی بودند. تصاویری از کلیساها

بلژیکی ها هر چه جسارت و درخشندگی بیشتری به تصاویر حیوانات، میوه ها، طبیعت مرده و گل ها می دادند. با این حال، حتی جان فیت (1611 - 1661)، نقاش لوازم و میوه های آشپزخانه، فراتر از اسنایدرز که با دقت تمام جزئیات را اجرا کرده و به صورت تزئینی ادغام کرد، پیشی نگرفت. نقاشی گل نیز در آنتورپ، حداقل به تنهایی، فراتر از یان بروگل بزرگتر نبود. حتی شاگرد بروگل در این زمینه، دانیل سگرز (1590 - 1661)، تنها در وسعت و تجمل چیدمان تزئینی از او پیشی گرفت، اما نه در درک جذابیت فرم ها و رنگ های کمانی رنگ های فردی. در هر صورت، تاج گل های سگرس بر روی مدونای نقاشان بزرگ و تصاویر کمیاب و مستقل او از گل ها، مانند گلدانی نقره ای در درسدن، نور سرد روشن اعدامی بی نظیر را نشان می دهد. آنتورپ در قرن هفدهم مکان اصلی نقاشی هلندی از گل ها و میوه ها است، اما این را مدیون استادان محلی نیست که مدیون بزرگ اوترشتی یان داویدز د گی (1606 - 1684) است که به آنتورپ نقل مکان کرد و خود را بزرگ کرد. پسر کورنلیس، که در لیدن دی گی (1631 - 1695) به دنیا آمد، بعدها نیز استاد آنتورپ بود. اما این آنها، بزرگترین نقاشان گل و میوه، هستند که با عشق بی‌پایان خود به تکمیل جزئیات و قدرت نقاشی متمایز می‌شوند و می‌توانند مانند استادان هلندی و نه بلژیکی، این جزئیات را در درون خود ادغام کنند.

ما شاهد بودیم که بین نقاشی فلاندری و هنر هلندی، ایتالیایی و فرانسوی ارتباطات قابل توجهی وجود داشت. فلاندی ها توانستند درک مستقیم و صمیمی هلندی ها، ظرافت رقت انگیز فرانسوی ها، تجمل تزئینی شکل ها و رنگ های ایتالیایی ها را قدردانی کنند، اما با کنار گذاشتن فراریان و پدیده های منزوی، آنها همیشه تنها یک چهارم باقی می ماندند. خود در هنر خود، برای یک چهارم دیگر آنها هلندی‌های درونی و ظاهراً ژرمنی بودند، که می‌توانستند طبیعت و زندگی را با اشتیاق شدید و تند و به معنای تزئینی با خلق و خوی درک و بازتولید کنند.

N. Stepanlin (هنرهای زیبا); او. شویدکوفسکی، اس. خان ماگومدوف (معماری)

قبلاً در دهه آخر قرن نوزدهم. در هنر بلژیک، اولین نشانه‌های انحراف از پایه‌های دموکراتیک و مردمی که کار بزرگ‌ترین هنرمند بلژیکی کنستانتین مونیر را شکل داد، ظاهر می‌شود. سرزندگی و عظمت تصاویر مونیر برای معاصران جوان او غیرقابل دسترس بود. در آینده، سرنوشت هنر بلژیک از بسیاری جهات متناقض و دراماتیک می شود.

روند واقع گرایانه ای که در نقاشی بلژیکی در قرن نوزدهم بوجود آمد توسط استادانی مانند لئون فردریک (1856-1940)، یوجین لارمانه (1864-1940) و دیگران توسعه یافت. مردم عادی، زندگی روزمره آنها - این موضوع آثار این استادان است، اما در تفسیر آن از یادبود قهرمانانه، فعالیت و یکپارچگی، که مشخصه مجسمه سازی و نقاشی سی. مونیر است، فاصله می گیرند. افراد روی بوم های ال. فردریک به شیوه ای بسیار معمولی تر و روزمره ظاهر می شوند. گرایش های عرفانی در هنر بلژیک با عناصر طبیعت گرایی، دقت عکاسی در انتقال منظره، نوع، با ناامیدی خاص ترکیب می شود و بیننده را به فکر جاودانگی ناامیدی غم انگیز نظم جهانی می برد. حتی چنین اثری در مضمون خود مانند "عصر اعتصاب" اثر E. Larmans (1894) ، بدون توجه به نقاشی "مرگ" (1904؛ هر دو - بروکسل ، موزه هنر مدرن) با حال و هوا متمایز می شود. از ناامیدی و بی هدفی عمل

مهمترین ویژگی پیشرفت هنر بلژیک، کار جیمز انسور (1860-1949) است. از ژانر نقاشی های رئالیستی، انسور به تدریج به نمادگرایی می رسد. تصاویر خارق‌العاده و وهم‌آور این هنرمند، اشتیاق او به تمثیل‌ها، به تصویر کشیدن ماسک‌ها و اسکلت‌ها، برای رنگ‌آمیزی روشن و تقریباً پر سر و صدا، بی‌شک نوعی اعتراض به تنگ نظری و ابتذال خرده‌بورژوایی جهان بورژوازی بود. با این حال، طنز انسور عاری از محتوای اجتماعی ملموس است، به نظر می رسد طنزی است بر نوع بشر، و در این ویژگی های هنر او نمی توان جوانه انحرافات فرمالیستی بیشتر را در هنر بلژیک مشاهده نکرد.

جی انسور در گرافیک بلژیک جایگاه ویژه ای دارد. حکاکی های اصلی و پر از انرژی عصبی او بسیار گویا هستند، آنها فضایی از هیجان و اضطراب درونی را منتقل می کنند. مناظر «منظره ماریاکرکه» (1887) و «کلیسای جامع» (1886؛ هر دو در اتاق حکاکی کتابخانه سلطنتی در بروکسل) که بر اساس تضاد شدید و متناقض بین خلقت باشکوه انسان و جمعیت ساخته شده‌اند، به‌ویژه دراماتیک هستند. در پای معبد گوتیک مانند یک لانه مورچه نگران ازدحام می کنند. ترکیب طنز با فانتزی - سنت ملی هنر بلژیک، که به I. Bosch برمی گردد - در اینجا انکساری جدید و شدید پیدا می کند.

نمادگرایی ادبی مرتبط با نام موریس مترلینک، ظهور پدیده‌های سبکی جدید مرتبط با روند هنر نو (معمار A. van de Velde و دیگران) در معمار و هنر کاربردی بلژیک، نقش مهمی در هنرهای زیبا ایفا کرد. از بلژیک تحت نفوذ آنها در 1898-1899. "گروه اول لاتم" تشکیل شد (به نام محلی که هنرمندان در آن ساکن شدند، روستای لاتم-سنت-مارتین در نزدیکی گنت). این گروه توسط مجسمه ساز J. Minnet رهبری می شد که شامل G. van de Wusteine، V. de Sadeler و دیگران بود. کار آنها بر اساس ایده اولویت جهان معنوی "بالاتر" بر واقعیت بود. با غلبه بر روندهای امپرسیونیستی، این استادان سعی کردند "از سطح پدیده ها" دور شوند، "زیبایی معنوی اشیاء را بیان کنند." لاتمیایی ها به سنت های تصویری ملی، به اصول اولیه هلندی قرن های 14-16 روی آوردند، اما در آثار خود، که به طور کامل ایده های نمادگرایی را بیان می کردند و سپس تحت نشانه اکسپرسیونیسم قوی تر رشد می کردند، در اصل، بسیار بودند. به دور از سنت هایی که به آن اشاره می کردند. دوم در مناظر دقیق و زیبای والریوس دو سادلر (1867-1914) و در آثار آغشته به عرفان عضو جوانتر گروه - گوستاو ون د ووستاین (1881-1947) - جایی برای تصویر وجود ندارد. از یک شخص

در آغاز قرن، پوینتیلیسم نیز توسعه نسبتاً قوی یافت، که درخشان ترین نماینده آن در بلژیک تئو ون رایزلبرگه (1862-1926) بود.

در اوایل دهه 20. "گروه دوم لاتم" ایجاد شد که تحت تأثیر اکسپرسیونیسم کار می کرد ، اگرچه خود اکسپرسیونیسم در بلژیک که با حوادث غم انگیز جنگ جهانی اول همراه است ، رنگ خاصی به خود می گیرد. رئیس این جهت کنستانت پرمکه (1886-1952) بود. در بوم‌های بزرگ و پر رنگ این استاد، موضوعات آشنا به هنر بلژیک - زمین، دریا، تصاویر دهقانان - با رنگ‌هایی از تراژدی و سردرگمی عمیق معنوی نقاشی شده‌اند. در میان تمام تغییر شکل های عمدی، تأکید بر محدودیت های معنوی و بی ادبی تصاویر دهقانی پرمکه، همدردی و همدردی او با افرادی که به هنرمند اجازه ایجاد تصاویر احساسی تأثیرگذار را می دادند، رخنه می کند. رنگ‌آمیزی تیره و کسل‌کننده، نامشخص بودن کنش، بی‌تحرکی شخصیت‌های انسانی، حال و هوای پیش‌گویی‌های غم‌انگیز و ناامیدی را منتقل می‌کند ("نامزد"، 1923؛ بروکسل، موزه هنرهای مدرن).

گوستاو دو اسمت (1877-1943)، ژان بروکسلمانز (1884-1953) اصول اکسپرسیونیسم را به روش خود بازنگری کردند، اولی با ساده سازی فرم ها، اهمیت زیادی به هارمونی ترکیبی نقاشی های خود، دومی با افزایش و آوردن. سیستم رنگی مناظر خود را به قدرتی نافذ می رساند. علاقه به رنگ به عنوان حامل تأثیر عاطفی در نقاشی، بروکسلمن ها را با گروه فوویست های برابانت، که شامل R. Woutsrs، E. Taitgat، و F. Cox بودند، پیوند داد. هنر Rick Wouters (1882-1916) از ارزش خاصی برخوردار است. اشتیاق به ترکیب رنگ های تزیینی روشن، ویژگی های روانی مدل هایش را برای این هنرمند پنهان نمی کند. برخلاف فوویست‌های فرانسوی، واترز به دنبال انعطاف‌پذیری، حجم چیزها است - از جمله «درس» او (1912؛ بروکسل، موزه هنرهای زیبا)، «سلف‌پرتره با باند سیاه» (1915؛ آنتورپ) اواخر. ، مجموعه L. van Bogart)، "Nele in red" (1915؛ مجموعه خصوصی).

از دهه 30. سوررئالیسم در بلژیک توسعه می یابد که دو نماینده آن به طور گسترده شناخته می شوند - اینها R. Magritte (متولد 1898) و P. Delvaux (متولد 1897). این استادان با ترکیبی از زیبایی صرفاً سالن با یک فانتزی بیمار در ترکیب بخش‌های جداگانه ترکیب، ایده‌های وسواس‌آمیز یک نقشه اروتیک و غیره مشخص می‌شوند. 1951)، ژاک ماس (متولد 1905) با آنها کار کرد. ) که خلاقیت آنها را محدود به نقاشی با منظره و ژانر صمیمی کردند. نقاشان L. van Lint (متولد 1909) و R. Slabbink (متولد 1914) برای اولین بار با "Intimists" مرتبط بودند که به دوران پس از جنگ و به ویژه در دهه 1950 نقل مکان کردند. به نقاشی انتزاعی که به طور گسترده در بلژیک گسترش یافت و به رسمیت شناخته شد.

تعداد کمی از استادان نقاشی بلژیکی در قرن بیستم باقی مانده اند. در مواضع واقع بینانه مهم‌ترین آنها ایزیدور اپسومر (متولد 1878)، نویسنده پرتره‌های روان‌شناختی تیز، حیاتی و بیانگر است («پرتره K. Huysmans»، 1927؛ آنتورپ، موزه سلطنتی هنرهای زیبا). Opsomer تعدادی طبیعت بی جان، بسیار زیبا، تازه و روشن خلق کرد.

مضامین اجتماعی، مضامین مبارزه مردم بلژیک برای حقوق خود در آثار پیر پولوس (متولد 1881) و کورت پیزر (1887-1962) و به ویژه هنرمند پیشرو جوان راجر سامویل (متولد 1923) شنیده می شود. ، که در زمینه نقاشی یادبود، ویترای و هنر فرش نیز فعالیت می کند. نقاشی های موضوعی بزرگ با مضامین مبارزه مردم بلژیک توسط E. Dubrenfo، L. Deltour، R. Saumville ایجاد شده است، این هنرمندان در تماس نزدیک با معماران کار می کنند.

مکتب گرافیک مدرن بلژیک با بیانی جسورانه از مضامین جدید و مشکلات سبکی جدید مشخص می شود. ژول دو بروکر (1870-1945) علاوه بر دی. انسور که قبلاً نام داشت، بزرگ‌ترین قلمزن بلژیک بود. برگه های او به زندگی زاغه های شهری، تضادهای اجتماعی دنیای سرمایه داری مدرن اختصاص دارد. نگاه نافذ بریکر جنبه تراژیکیک زندگی را می بیند و علیرغم ماهیت تحلیلی کارش، با شفقت عمیقی نسبت به مردم تسخیر می شود. از این نظر، بسیاری از ورق های بریکر ("مرگ بر فراز فلاندرز اوج می گیرد"، 1916) با سنت های عامیانه هنر بلژیکی مرتبط است.

برجسته ترین نماینده گرافیک مدرن بلژیکی فرانس مازرل (متولد 1889) است که در زمینه نقاشی یادبود و سه پایه نیز فعالیت می کرد. فعالیت خلاق مازرل با منافع محافل پیشرفته نه تنها بلژیک، بلکه همچنین روشنفکران فرانسوی و آلمانی پیوند ناگسستنی دارد. با شروع از جنگ جهانی اول، زمانی که مازرل با مجموعه ای از نقاشی های تند روزنامه های ضد میلیتاریستی بیرون آمد، خود را به عنوان استادی معرفی کرد که تمام کار خود را وقف مبارزه بشر برای آرمان های عالی اومانیستی کرد. در این دوره، مازرل از نزدیک با روزنامه نگاران و هنرمندان برجسته ارتباط داشت و با رومن رولان دوست بود. در همان زمان، کار او به عنوان تصویرگر آغاز شد، اولین مجموعه های چوبی ساخته شد ("راه صلیب یک مرد"، 1918؛ "کتاب ساعات من"، 1919، و غیره) - در این مجموعه ها، به عنوان در یک وقایع نگاری خاموش، مسیر زندگی انسان مدرن، مبارزه او، رشد آگاهی، شادی ها و غم هایش می گذرد. وضوح تضادها، ایجاز و رسا بودن وسایل بصری اغلب حکاکی های مازرل را به پوستر نزدیک می کند.

اف. مازرل همراه با بزرگ‌ترین استادان فرهنگ مدرن اروپایی، برای توسعه ارگانیک سنت‌های فرهنگ دموکراتیک قرن نوزدهم، سنت‌های رئالیسم و ​​اومانیسم، و انسان‌دوستی عالی و مؤثر تلاش می‌کند. در عین حال، مازرل در عین حل مشکلات اساسی اجتماعی زمان ما در هنر، دائماً در تلاش بود تا ابزار هنر واقع گرایانه را گسترش دهد، تا یک زبان تصویری واقع گرایانه جدید، همخوان با جهان بینی مدرن ایجاد کند.

زبان حکاکی های مازرل با ایجاز، صمیمیت، اشباع از تداعی های استعاری عمیق مشخص می شود. برگه های مازرل یک زیرمتن دارد؛ با همه جذابیت بیانی که دارد، محتوای خود را به تدریج باز می کند. عمق نیت نویسنده نه تنها در هر برگه، بلکه در نسبت برگه های هر مجموعه موضوعی، به ترتیب، در طرح و تفاوت عاطفی و وحدت ایدئولوژیک و هنری نهفته است. زبان تضاد، مشخصه حکاکی، در دست مازرل به سلاحی انعطاف‌پذیر برای شخصیت‌پردازی اجتماعی تبدیل می‌شود، در خدمت انتقال ظریف‌ترین تجارب غنایی و جذابیت مستقیم تحریک‌آمیز است.

مجموعه ای از حکاکی های اختصاص داده شده به شهر مدرن ("شهر"، 1925) باشکوه است. رسا بودن نقاشی و کل ترکیب هرگز به تغییر شکل بیش از حد تبدیل نمی شود، زبان مازرل قابل درک است. حتی با توسل به نمادگرایی (سیرن، 1932)، هنرمند از انضمام تصویری منحرف نمی شود، او آگاهانه برای وضوح تلاش می کند، تا فرصتی برای صحبت با مردم با هنر خود داشته باشد. نت های خوش بینی به ویژه در آخرین آثار مازرل، مجموعه های او "از سیاه تا سفید" (1939)، "جوانی" (1948)، در نقاشی های این هنرمند قوی است. مازرل با افشای رذیلت های جامعه مدرن بورژوایی، هرگز معیار اجتماعی روشنی را از دست نمی دهد، او به نیروهای مترقی معتقد است، به پیروزی نهایی و عظمت انسان معتقد است. مازرل عمیقاً هنر عامیانه با ایده مبارزه برای صلح آغشته است، مازرل نمونه ای از یک هنرمند مبارز است که با هنر خود به آرمان های عالی عدالت خدمت می کند. مازرل گفت: «من آنقدر زیبا نیستم که فقط یک هنرمند باشم.

L. Spilliart (1881-1946) که تقریباً تأثیر اکسپرسیونیسم را تجربه نکرده بود، در گرافیک بلژیکی تا حدودی متمایز است، استاد غنایی، در آبرنگ های رنگی خوددار ("یک تند باد"، 1904، "لباس سفید" ، 1912).

مهم‌ترین شخصیت مجسمه‌سازی بلژیکی قرن بیستم، ژرژ مینه (1866-1941) است. مینه که شاگرد رودن بود، ارتباط چندانی با اصول خلاقانه معلمش نداشت، دوستی او با مترلینک تأثیر بسیار بیشتری در شکل گیری شخصیت او داشت. مینه بر اساس ایده های انتزاعی و کلی، معنویت تا حدودی انتزاعی به کارش می دهد. این استاد انتقال ظریف و دقیق ژست است. میل مداوم به بیان مفاهیم، ​​به جای تظاهرات خاص احساسات انسانی، مجسمه ساز را به سمت برخی تصاویر دور از ذهن سوق می دهد، تحریف فرم پلاستیکی. از جمله «مادر در سوگ فرزندش» (1886، برنز؛ بروکسل، موزه هنرهای مدرن)، «مرد جوان روی زانو» (1898، سنگ مرمر؛ اسن، موزه فولکوانگ). در 1908-1912. مینه به زمان حال روی می آورد، پرتره های او از کارگران بلژیکی بر اساس مشاهده دقیق طبیعت است و سنت مجسمه سازی قرن 19 را ادامه می دهد. در اواخر عمر او در نقاشی هایی با موضوعات مذهبی، ویژگی های نمادین و عرفانی مشخصه آثار مینه دوباره نمایان می شود.

به‌طور کلی، مجسمه‌سازی مدرن بلژیکی تحت نشانه‌های جستجوهای ناتورالیستی و فرمالیستی در حال توسعه است، به استثنای آثار Ch. 1887)، استادی که عمداً از بدوی سیاهپوستان تقلید می کند.

هنر مدال، سنتی برای این کشور، در بلژیک به شدت در حال توسعه است. سرامیک های تزئینی مدرن بلژیکی (کارگاه در Dura)، مجسمه های تزئینی (استاد P. Kay؛ متولد 1912)، ظروف تزئینی نقاشی شده با میل به درخشندگی تزئینی، طبیعی بودن فرم ها و دکور، ارتباط ارگانیک با معماری داخلی مدرن.

در پایان قرن نوزدهم - آغاز قرن بیستم. در بلژیک رشد سریع شهرهای صنعتی و تجاری بر اساس توسعه فشرده منابع طبیعی این کشور (سنگ آهن و زغال سنگ) و بهره برداری غارتگرانه از مستعمرات وسیع آفریقا وجود دارد. موقعیت خود به خودی صنعت، مالکیت خصوصی زمین و استقلال اداری حومه ها (کمون ها) مشخصه بلژیک مانع از توسعه و رشد عادی شهرهای بزرگ شد، کارهای بازسازی که عمدتاً به بهبود مرکز و توسعه محدود می شد. حمل و نقل شهری تشدید بحران مسکن باعث شکل‌های مختلف ساخت مسکن ساختمان‌های مسکونی «ارزان» برای کارگران شد: انجمن‌های سهامی، تعاونی و خیریه.

در این دوره، ساخت و سازهای گسترده ای از انواع جدید ساختمان های صنعتی، تجاری و عمومی در شهرهای بلژیک آغاز شد که منعکس کننده توسعه اقتصاد و ظهور یک مشتری جدید، به ویژه، مانند طبقه کارگر سازمان یافته در اتحادیه های کارگری بود. - ساخت به اصطلاح خانه های مردمی به صورت تعاونی (به عنوان مثال، در بروکسل، طراحی شده توسط معمار V. Horta در 1896-1899)، که در آن مکان های تجاری، فرهنگی، آموزشی و اداری در یک ساختمان ترکیب شدند.

در اوایل دهه 1890 بلژیک به یکی از مراکز اصلی (در معماری اروپایی) مبارزه با قوانین کلاسیک گرایی و التقاط گرایی (از جمله به اصطلاح رمانتیسیسم ملی) تبدیل می شود. معماران بلژیکی A. van de Velde، V. Horta، P. Ankar، که کار آنها در این دوره با رد التقاط سبک معماری قرن نوزدهم مشخص شد، در خاستگاه ظهور "سبک" جدید بودند. ” - هنر نو اروپا. و تلاش پیگیر برای یافتن سبکی مدرن بر اساس استفاده از امکانات مصالح جدید، طرح ها و در نظر گرفتن الزامات عملکردی جدید برای ساختمان ها.

هانری ون دی ولده (1863-1957) یکی از بزرگترین نمایندگان و ایدئولوگ های مدرنیته اروپایی بود. او با قوانین کلاسیک و "نما" مخالفت کرد، برای یک ترکیب سه بعدی، برای رویکردی جدید برای ایجاد فضای داخلی و وسایل خانگی مبارزه کرد. در همان زمان، او مخالف معرفی روش های صنعتی تولید انبوه در فرآیندهای ساختمان سازی و ساخت اقلام خانگی بود، از روش های صنایع دستی برای تولید محصولات خانگی دفاع می کرد و از فردیت هر پروژه دفاع می کرد.

دومین حامی بزرگ هنر نو، ویکتور هورتا (1861-1947)، معمار بود که نه تنها اصول خلاقانه هنر نو را برای اولین بار در عمل به کار برد (عمارت در خیابان تورن در بروکسل، 1892-1893)، بلکه همچنین تا حد زیادی جهت جستجوی دکور معماری این "سبک" را تعیین کرد. در اواخر دهه 1880-1890. او برای چندین سال درگیر جست‌وجوهای فشرده آزمایشگاهی رسمی-زیبایی‌شناختی برای یک دکور جدید بود و اولین کسی بود که از خط پیچ خورده الاستیک "ضربه با شلاق" (خط هورتا) استفاده کرد که سپس به یکی از ویژگی‌های بارز تمام تزئینات تبدیل شد. هنر نو و تقریباً در تمام کشورهای اروپایی در اواخر سال 1890 تا اوایل دهه 1900 گسترده تر شد.

در مورد توسعه جهت های خلاقانه معماری بلژیکی دهه 20-30. این واقعیت که قبل از جنگ بلژیک یکی از مراکز اصلی توسعه مدرنیته بود، نمی‌توانست تأثیری نداشته باشد و معماران بزرگی مانند ون دو ولده و هورتا در سال‌های پس از جنگ به شدت به کار خود ادامه دادند و اگرچه از آن دور شدند. مدرنیته ارتدکس، اما در کار خود از نوآوری رادیکال بسیار دور بودند. درست است، ون دو ولده در این دوره تلاش کرد تا جنبه های عقل گرایانه مدرنیته را توسعه دهد. با این حال، او در واقع مرحله‌ای را در کار خود تجربه کرد که در مجموع، پیش از این توسط گرایش‌های عقل‌گرایانه در معماری اروپا در سال‌های پیش از جنگ پشت سر گذاشته بود. هورتا تحت تأثیر معماری آمریکایی (او در سالهای 1916-1919 در ایالات متحده بود) سعی کرد نئوکلاسیک را در معماری بلژیکی با استفاده از نظمی ساده و عاری از عناصر تزئینی گسترش دهد (کاخ هنرهای زیبا در بروکسل، 1922-1928).

گرایش عقل گرایانه در معماری بلژیک در دهه 30-20. در درجه اول با کار معماران جوان همراه بود که زمینه اصلی فعالیت آنها ساخت و ساز به اصطلاح "اجتماعی" مسکن ارزان بود که توسط شهرداری ها و تعاونی ها با استفاده از وام های دولتی انجام می شد. این ساخت و ساز به دلیل بودجه بسیار محدودی که برای آن تخصیص داده شده است، معماران را ملزم به استفاده از مصالح و سازه های جدید موثر ساختمانی در پروژه های خود کرده تا طرحی منطقی از آپارتمان ها ایجاد کنند. ساخت خانه های ارزان در واقع همان آزمایشگاه خلاقانه ای بود که معماران در آن در شرایط ریاضت اقتصادی سعی در ایجاد مسکن نسبتاً راحت برای کارگران داشتند، سعی می کردند از اصول تیپ سازی و دستیابی به علوم کاربردی (مثلاً الزام الهام گرفتن) استفاده کنند. یعنی نورپردازی با نور مستقیم خورشید)، تجهیزات مدرن بهداشتی و فنی، گرمایش مرکزی، برق، سطل زباله و مبلمان توکار را وارد مسکن انبوه کرد و همچنین سعی کرد تصویر معماری ساختمان را با عملکردی و سازنده جدید آن پیوند دهد. اساس

یکی از اولین مجتمع های مسکونی مدرن نه تنها در بلژیک، بلکه در اروپا نیز توسط ویکتور بورژوا (1897-1962) در نزدیکی بروکسل در سال های 1922-1925 طراحی شد. روستای سیت مدرن (شهر مدرن). در اینجا، تکنیک های برنامه ریزی جدید برای آن سال ها به کار گرفته شد: مکان های منظره مخصوص برای تفریح ​​در محله ها فراهم شد، زمین های بازی برای کودکان ترتیب داده شد، و خانه ها با در نظر گرفتن سودمندترین جهت قرار گرفتند. علاوه بر این، بورژوا در پیگیری اصل سودمندترین جهت آپارتمان ها آنقدر سازگار بود که تعدادی خانه را طراحی کرد که به دلایل ترکیب کلی چیدمان روستا نمی توانستند در جهت شمال-جنوب قرار بگیرند (مثلاً: فضای بسته ای از میدان مرکزی را ایجاد کرد، او با تاقچه ها (دندانه اره ای در پلان) طراحی کرد. آپارتمان های خانه های روستا با تهویه متقاطع و با نور اجباری تمام اتاق ها با نور روز طراحی شده اند. نمای بیرونی خانه‌ها نمایانگر ویژگی‌های بتن مسلح مانند سقف مسطح، پنجره‌های گوشه‌ای و خوابیده و سایبان‌های سبک بر روی ورودی‌ها بود.

fig.page 166

fig.page 166

از نقطه نظر توسعه گرایش های خردگرایانه در معماری بلژیکی پس از جنگ، ساخت و ساز مدرسه است که در آن جستجوی راه حلی کاربردی برای طرح و ترکیب حجمی- فضایی ساختمان با در نظر گرفتن الزامات جدید فرآیند آموزشی، به همان شیوه ای که در ساخت مسکن ارزان قیمت، در شرایط سخت ترین صرفه جویی در هزینه انجام شد.

گرایش های جدید در عرصه معماری اگرچه به سختی راه خود را در ساخت بناهای عمومی منحصر به فرد باز کرد. نمایشگاه بین المللی 1935 در بروکسل به نوعی عرصه مبارزه گرایش های عقل گرایانه با نئوکلاسیک و التقاط گرایی تبدیل شد که ظاهر سنتی بسیاری از غرفه ها اساس سازنده مدرن خود را پنهان می کرد. به عنوان مثال، کاخ بزرگ قرن است که بر اساس طرح معمار ژان ون پیک ساخته شده است. طراحی جسورانه سقف تالار عظیم آن (طاق های سهموی بتن آرمه) در نمای بیرونی ساختمان که نمای آن ترکیبی پلکانی است که به روح نئوکلاسیک تلطیف شده است آشکار نمی شود. با این حال، در حال حاضر در این نمایشگاه، در تعدادی از غرفه ها (اگرچه نه اصلی) از مصالح و سازه های جدید (شیشه، بتن مسلح) برای ایجاد ظاهر یک ساختمان مدرن استفاده شده است.

ویرانی ناشی از جنگ جهانی دوم مستلزم کار بازسازی گسترده بود. علاوه بر این، بر خلاف ساخت و ساز مرمت پس از جنگ جهانی اول، زمانی که میل به بازسازی بیشتر به شکل سابق غالب شد، در شرایط جدید، مرمت با کار بازسازی ترکیب شد، به ویژه در مناطق قدیمی شهرها، جایی که برنامه ریزی پیچیده و خیابان های باریک باعث حمل و نقل می شد. مشکلات برنامه های شهری پخشی که در بلژیک پس از جنگ به تعداد زیاد ایجاد شد، در نهایت به اقدامات خاصی برای آزادسازی ترافیک در منطقه مرکزی بروکسل خلاصه شد که همزمان با سازماندهی نمایشگاه بین المللی 1958 در بروکسل بود. به منظور تخلیه شبکه حمل و نقل بخش مرکزی شهر از تردد ترانزیت مسافران بین دو ایستگاه راه آهن بن بست در بروکسل، یک تونل از طریق مسیرهای آنها را با یک ایستگاه زیرزمینی در مرکز شهر متصل کرد.

ساخت و ساز مسکن در بلژیک پس از جنگ از اهمیت قابل توجهی برخوردار است. در اینجا می توان به غلبه بر سنت های ساخت شهرها با خانه های تک خانواده با آپارتمان های "عمودی" اشاره کرد که مکان های فردی آنها در چندین طبقه قرار دارد و یک انتقال تعیین کننده به ساخت انواع مدرن ساختمان های آپارتمانی (بخشی، گالری) ، برج)، در مجتمع های مسکونی، از جمله تعدادی ساختمان عمومی (عمدتاً خانگی و تجاری) ترکیب شده است. چنین مجتمع های مسکونی معمولاً در مکان های توسعه نیافته قرار دارند: مجتمع های کیل در آنتورپ (معماران R. Brahm، R. Mas و V. Marmans، 1950-1955)، در میدان Manevrov در لیژ (پروژه توسط معماران گروه EGAU، 1956) و دیگران. مجتمع های مسکونی معمولاً با چندین نوع خانه ساخته می شوند و به منظور افزایش مساحت قلمرو توسعه نیافته ، بسیاری از خانه ها بر روی تکیه گاه هایی قرار می گیرند که اغلب به شکل V شکل هستند که ترکیب مجتمع های مسکونی جدید بلژیکی را به وجود می آورد. فضایی، وضوح و اصالت رسمی خاص.

fig.page 168

fig.page 168

در مناطق قدیمی شهرها که متراکم ساخته شده اند، جایی که خانه های دوره های مختلف با نماهای چند طبقه باریک در ردیف های پیوسته در امتداد خیابان ها قرار دارند، خانه های جدید باید در این "کیک لایه ای" ساخته شود. علاوه بر این، معماران بلژیکی در این موارد به دنبال تقلید از نمای بیرونی خانه‌های همسایه نیستند، بلکه با جسارت یک ساختمان مدرن ساخته شده از بتون و شیشه را وارد تعدادی از خانه‌های دوره‌های مختلف می‌کنند که طعم خاصی به کل ساختمان می‌دهد. این ساختمان‌های جدید معمولاً خانه‌های سودآوری هستند که معماران در طراحی آنها باید مهارت و نبوغ واقعاً حرفه‌ای را از خود نشان دهند، زیرا یک طرح باریک این امکان را فراهم می‌آورد که پنجره‌ها را فقط در قسمت‌های پاره‌شده خانه (به سمت خیابان و خیابان) مرتب کنند. داخل حیاط).

از نیمه دوم دهه 50. در معماری بلژیکی، تأثیر انواع کارکردگرایی آمریکایی، مکتب میس ون در روهه افزایش یافت. اول از همه، این امر در مورد ساخت ساختمان های اداری صدق می کند که یکی از آنها ساختمان تامین اجتماعی در بروکسل است که در سال 1958 طبق پروژه معمار Hugo van Cuijk ساخته شده است. این ساختمان که با موفقیت در یکی از نقاط مرتفع شهر قرار دارد، یک منشور شیشه ای تخت با پایه مستطیل شکل است که گویی از یک استایلوبات گسترده تر رشد می کند. این ساختمان چشم انداز یکی از گذرگاه های اصلی شهر را می بندد و مرکز ترکیب یک مجموعه پیچیده اما گویا است که شامل ساختمان های چند زمانی اطراف و یک میدان سایه دار با طراحی زیبا در جلوی ساختمان است که در آن مجسمه های متعددی از Msnier وجود دارد. در فضای باز قرار می گیرند. این مجسمه های واقع گرایانه به شدت با ظاهر مدرن ساختمان تضاد دارند، که ویژگی شهری آن بیشتر توسط جریان اتومبیل هایی که در امتداد بزرگراه مدرن حرکت می کنند، که به تونل نزدیک ساختمان منتهی می شود، تأکید می کند.

یکی از معروف ترین و بدون شک یکی از بهترین آثار معماری بلژیک در دوره پس از جنگ، ساختمان ترمینال هوایی جدید بروکسل است که در ارتباط با نمایشگاه سال 1958 توسط معمار M. Brunfo ساخته شده است. در برنامه ریزی و ترکیب فضایی این بنا، هم وظایف صرفاً سودمند و هم کارهای هنری با موفقیت حل می شود. فضای داخلی اتاق عمل اصلی بیشترین تاثیر را می گذارد. سالن با خرپاهای آلومینیومی کنسولی به طول 50 متر پوشیده شده است که بر روی تکیه گاه های ^ شکل قرار گرفته اند. یکی از دیوارهای طولی تالار به یک صفحه شیشه ای عظیم رو به میدان تابستانی تبدیل شده است.

fig.page 169

fig.page 169

یک رویداد مهم در زندگی معماری بلژیک، نمایشگاه بین المللی بروکسل در سال 1958 بود. معماران بلژیکی به طور مستقیم در ایجاد بسیاری از غرفه های نمایشگاه و ساختمان های دیگر که ساخت آنها با افتتاح آن همراه بود، مشارکت داشتند. در میان این ساختمان‌ها، می‌توان به سازه‌های عجیب و غریبی مانند Atomium (مهندس A. Waterkeyn، معماران A. و J. Polak) اشاره کرد که می‌توان آنها را به عنوان بناهای نمادین طبقه‌بندی کرد. غرفه "پیکان بتن مسلح" - با یک کنسول 80 متری (مهندس A. Paduard، معمار J. van Dorselaer)، که توانایی های سازنده بتن مسلح را نشان می دهد، و همچنین غرفه مرکز اطلاعات ساخته شده در مرکز بروکسل. که سقف آن یک پوسته زینی شکل است که بر روی دو تکیه گاه بتن آرمه به شکل پارابولوئید هذلولی ساخته شده است که از یک دال چوبی چسبانده شده سه لایه ساخته شده است (معماران L. J. Bochet، J. P. Blondel و O. F. Philippon، مهندس R. Sarge) .

یان ون ایک یکی از شخصیت های کلیدی رنسانس شمالی و بنیانگذار آن است.

ون ایک را مخترع رنگ های روغنی می دانستند، اگرچه در واقع فقط آنها را بهبود بخشید. با این حال، به لطف او، نفت به رسمیت شناخته شد.

به مدت 16 سال ، این هنرمند نقاش دربار دوک بورگوندی ، فیلیپ خوب بود ، ارباب و رعیت نیز با دوستی قوی به هم مرتبط بودند ، دوک در سرنوشت این هنرمند مشارکت فعال داشت و ون ایک واسطه شد. در ازدواج ارباب

یان ون ایک یک "شخصیت واقعی رنسانس" بود: او هندسه را به خوبی می دانست، دانش خاصی در شیمی داشت، به کیمیاگری علاقه داشت، به گیاه شناسی علاقه داشت و همچنین مأموریت های دیپلماتیک را با موفقیت انجام داد.

از کجا می توانم بخرم:گالری De Jonckheere، Gallery Oscar De Vos، Gallery Jos Jamar، Gallery Harold t'Kint de Roodenbeke، Gallery Francis Maere، Gallery Pierre Mahaux، Gallery Guy Pieters

رنه ماگریت (1898، لسین— 1967، بروکسل)

رنه ماگریت، جوکر و شیاد بزرگ، یک بار گفت: "ببین، من یک لوله می کشم، اما این یک لوله نیست." هنرمند با استفاده از ترکیبی پوچ از اشیاء معمولی، نقاشی‌های خود را با استعاره‌ها و معانی پنهانی پر می‌کند که آدمی را در مورد فریبکاری چیزهای مرئی و راز معمولی فکر می‌کند.

با این حال، ماگریت همیشه از بقیه سوررئالیست‌ها دوری می‌کرد، بلکه خود را رئالیست جادویی می‌دانست، به ویژه به این دلیل که، در کمال تعجب، نقش روانکاوی را تشخیص نمی‌داد.

مادر این هنرمند در 13 سالگی با پریدن از روی پل خودکشی کرد، برخی از محققان بر این باورند که تصویر "امضای" مردی مرموز با کت و کلاه کاسه‌دار تحت تأثیر این رویداد غم انگیز متولد شده است.

کجا نگاه کنیم:

در سال 2009، موزه سلطنتی هنرهای زیبا در بروکسل مجموعه این هنرمند را به یک موزه جداگانه اختصاص داد که به آثار او اختصاص داده شده است.

از کجا می توانم بخرم:گالری De Jonckheere، گالری Jos Jamar، گالری Harold t'Kint de Roodenbeke، Gallery Pierre Mahaux، Gallery Guy Pieters

پل دلوو (1897، آنته - 1994، ورن، فلاندر غربی)

دلوو یکی از موفق ترین هنرمندان سوررئالیست بود، علیرغم این واقعیت که هرگز به طور رسمی عضو این جنبش نبود.

در دنیای اسرارآمیز دلواکس، یک زن همیشه یک مکان مرکزی را اشغال می کند. سكوت عميق ويژه اي زنان را در نقاشي ها احاطه كرده، گويي منتظر مرداني هستند كه آنها را بيدار كنند.

سوژه کلاسیک در تصویر دلوو، یک شخصیت زن در پس زمینه یک منظر شهری یا روستایی است که در پرسپکتیو داده شده و توسط عناصر اسرارآمیز احاطه شده است.

نویسنده و شاعر آندره برتون حتی یک بار اظهار داشت که این هنرمند "دنیای ما را پادشاهی یک زن - معشوقه قلب ها" می کند.

دلوو در آکادمی سلطنتی هنرهای زیبا در بروکسل معماری خواند، اما سپس به نقاشی روی آورد. با این حال، معماری همیشه در نقاشی های او مشارکت فعال دارد.

از کجا می توانم بخرم:گالری Jos Jamar، گالری Harold t'Kint de Roodenbeke، گالری Lancz، گالری Guy Pieters

ویم دلوی (جنس 1965)

کار کاملاً مدرن، اغلب تحریک آمیز و کنایه آمیز ویم دلووی، اشیاء معمولی را در زمینه جدیدی برای آنها به نمایش می گذارد. این هنرمند موضوعات مدرن و کلاسیک را در ظریف ترین ارجاعات و موازی ها ترکیب می کند.

از جمله مشهورترین آثار این هنرمند می توان به "Cloaca" (2009-2010) - دستگاهی که عملکرد دستگاه گوارش انسان را تقلید می کند، و "مزرعه هنر" در نزدیکی پکن، جایی که دلویه تصاویر خالکوبی روی پشت خوک ها ایجاد می کند، اشاره کرد.

محبوب‌ترین آنها مجموعه‌ای از مجسمه‌های شبه گوتیک او است که حکاکی‌های روباز را با موضوعات مدرن ترکیب می‌کند. یکی از این مجسمه‌ها ("کامیون سیمان") در نزدیکی تئاتر KVS در بروکسل قرار دارد.

کجا نگاه کنیم:

در موزه سلطنتی هنرهای زیبا بروکسل، M HKA (آنتورپ)، در ماه ژانویه در Maison Particulière، ویم دلووی هنرمند مهمان در نمایشگاه جمعی "تابو" خواهد بود. همچنین، مجسمه "میکسر بتن" در مقابل تئاتر KVS (تئاتر سلطنتی فلاندری) در میدان بین خیابان های Hooikaai / Quai au Foin و Arduinkaai / Quai aux pierres de taille نصب شده است.

بیشتر آثار او دائماً در سراسر جهان سفر می کنند و در بهترین مکان های هنری به نمایش گذاشته می شوند.

از کجا می توانم بخرم:

یان فابر (متولد 1958، آنتورپ)

یان فابر چند استعدادی به خاطر اجراهای تحریک آمیزش شناخته می شود، او همچنین نویسنده، فیلسوف، مجسمه ساز، عکاس و هنرمند ویدئو است و یکی از رادیکال ترین طراحان رقص معاصر به حساب می آید.

این هنرمند نوه یک محقق خستگی ناپذیر پروانه ها، حشرات و عنکبوت ها است

ژان هانری فابر. شاید به همین دلیل است که دنیای حشرات در کنار بدن انسان و جنگ یکی از موضوعات کلیدی آثار اوست.

در سال 2002، فابر به سفارش ملکه پائولا بلژیک، سقف تالار آینه کاخ سلطنتی در بروکسل را با میلیون‌ها بال سوسک تزئین کرد. این آهنگ بهشت ​​لذت (2002) نام دارد.

با این حال، در پشت سطح رنگین کمانی، این هنرمند شرم وحشتناکی را به خانواده سلطنتی یادآوری می کند - تلفات عظیم جانی در میان جمعیت محلی کنگو در طول استعمار پادشاه لئوپولد دوم برای استخراج الماس و طلا.

به گفته این هنرمند، جامعه محافظه کار بلژیک، به بیان ملایم، این را دوست نداشت: "مرد معمولی اغلب از این ایده که کاخ سلطنتی توسط هنرمندی تزئین شده است که علناً خواستار عدم رای دادن به حق است، آزرده می شود."

کجا نگاه کنیم:

علاوه بر کاخ سلطنتی، آثار یان فابر را می توان در موزه سلطنتی هنرهای زیبای بروکسل مشاهده کرد، جایی که، از جمله، نصب او "نگاه آبی"، موزه هنرهای معاصر گنت (S.M.A.K.)، M HKA ( Antwerp)، مجموعه هنری Belfius (بروکسل)، Museum Ixelles (بروکسل)، و همچنین نمایشگاه‌های موقتی در Maison Particuliere، Villa Empain، مجموعه هنری Vanhaerents و دیگران.

از کجا می توانم بخرم:گالری جوس جمار، گالری گای پیترز