هنرمندان مشهور رنسانس و نقاشی های آنها. نقاشی های رنسانس. خلاقیت هنرمندان ایتالیایی رنسانس. نقاشی رنسانس: مختصری درباره دوره اولیه

رنسانس - زمان شکوفایی فکری در ایتالیا، که بر توسعه بشر تأثیر گذاشت. این زمان شگفت انگیز در قرن چهاردهم آغاز شد و در قرن شانزدهم شروع به افول کرد. یافتن یک منطقه واحد از فعالیت های انسانی که تحت تأثیر رنسانس قرار نگرفته باشد غیرممکن است. شکوفایی فرهنگ، خلاقیت، هنر، علوم انسانی. سیاست، فلسفه، ادبیات، معماری، نقاشی - همه اینها نفس جدیدی به دست آورده و با سرعت غیرمعمول سریع شروع به توسعه کرده است. اکثر بزرگ‌ترین هنرمندانی که در آثارشان خاطره‌ای جاودانه از خود به یادگار گذاشتند و بیشتر اصول و قوانین نقاشی را توسعه دادند، در این زمان خاص زندگی و کار کردند. رنسانس برای مردم یک نفس تازه و شروع یک زندگی جدید، یک انقلاب فرهنگی واقعی شد. اصول زندگی قرون وسطی سقوط کرد و شخص شروع به تلاش برای اوج کرد ، گویی سرنوشت واقعی خود را در زمین درک می کند - ایجاد و توسعه.

تولد دوباره به معنای بازگشت به ارزش های گذشته نیست. ارزش های گذشته از جمله ایمان و عشق خالصانه به هنر، آفرینش، آفرینش، بازاندیشی شد. آگاهی انسان در هستی: انسان به عنوان تاج طبیعت، تاج خلقت الهی که خود خالق است.

مشهورترین هنرمندان رنسانس آلبرتی، میکل آنژ، رافائل، آلبرشت دورر و بسیاری دیگر هستند. آنها با کارشان مفهوم کلی جهان هستی، مفهوم پیدایش انسان را که بر اساس دین و اسطوره ها بود، بیان کردند. می توان گفت که در آن زمان بود که تمایل هنرمندان برای یادگیری نحوه ایجاد تصویری واقع گرایانه از یک شخص، طبیعت، اشیا و همچنین پدیده های ناملموس - احساسات، عواطف، حالات و غیره ظاهر شد. در ابتدا فلورانس مرکز رنسانس در نظر گرفته می شد، اما در قرن شانزدهم ونیز را تصرف کرد. در ونیز بود که مهمترین خیرین یا حامیان رنسانس مانند مدیچی ها، پاپ ها و دیگران قرار داشتند.

شکی نیست که رنسانس بر روند تکامل همه بشریت به تمام معنا تأثیر گذاشته است. آثار هنری آن زمان هنوز جزو گران قیمت ترین ها هستند و نویسندگان آنها نام خود را برای همیشه در تاریخ به یادگار گذاشته اند. نقاشی ها و مجسمه های دوره رنسانس شاهکارهای گرانبهایی به حساب می آیند و هنوز هم راهنما و نمونه ای برای هر هنرمندی هستند. این هنر منحصر به فرد با زیبایی و عمق نیت خود تحت تأثیر قرار می دهد. هر فردی باید از این زمان خارق العاده ای که در تاریخ گذشته ما بوده، بداند که بدون میراث آن تصور حال و آینده ما مطلقاً غیرممکن است.

لئوناردو داوینچی - مونالیزا (La Gioconda)

رافائل سانتی - مدونا

دستاورد بدون شک رنسانس طراحی هندسی درست تصویر بود. این هنرمند با استفاده از تکنیک هایی که توسعه داده بود، تصویر را ساخت. نکته اصلی برای نقاشان آن زمان رعایت تناسب اشیا بود. حتی طبیعت تحت روش های ریاضی محاسبه تناسب تصویر با سایر اشیاء در تصویر قرار گرفت.

به عبارت دیگر، هنرمندان در دوره رنسانس به دنبال ارائه تصویری دقیق، به عنوان مثال، از یک فرد در پس زمینه طبیعت بودند. اگر با روش های مدرن بازسازی یک تصویر دیده شده بر روی نوعی بوم مقایسه شود، به احتمال زیاد، یک عکس با تنظیم بعدی به درک آنچه هنرمندان رنسانس در تلاش بودند کمک می کند.

نقاشان دوره رنسانس بر این باور بودند که حق دارند عیوب طبیعت را اصلاح کنند، یعنی اگر فردی چهره زشتی داشت، هنرمندان آن را به گونه ای اصلاح می کردند که صورت شیرین و جذاب می شد.

لئوناردو داوینچی

رنسانس به لطف بسیاری از شخصیت های خلاقی که در آن زمان زندگی می کردند چنین شد. لئوناردو داوینچی مشهور جهانی (1452 - 1519) تعداد زیادی شاهکار خلق کرد که هزینه آنها میلیون ها دلار تخمین زده می شود و خبره های هنر او آماده هستند تا برای مدت طولانی به نقاشی های او فکر کنند.

لئوناردو تحصیلات خود را در فلورانس آغاز کرد. اولین بوم نقاشی او که در حدود سال 1478 کشیده شد، بنوا مدونا است. سپس آثاری مانند «مدونا در غار»، «مونالیزا»، «شام آخر» که در بالا ذکر شد و مجموعه‌ای از شاهکارهای دیگر که توسط یک تایتان رنسانس نوشته شده‌اند، وجود داشت.

شدت تناسبات هندسی و بازتولید دقیق ساختار تشریحی یک فرد - این همان چیزی است که نقاشی لئونارد داوینچی با آن مشخص می شود. بر اساس اعتقادات او، هنر به تصویر کشیدن برخی از تصاویر روی بوم یک علم است و نه فقط نوعی سرگرمی.

رافائل سانتی

رافائل سانتی (1483 - 1520) که در دنیای هنر با نام رافائل شناخته می شود، آثار خود را در ایتالیا خلق کرد. نقاشی های او سرشار از غزل و لطافت است. رافائل نماینده رنسانس است که مردی را به تصویر می کشد و وجود او روی زمین را به تصویر می کشد و دوست داشت دیوارهای کلیساهای واتیکان را نقاشی کند.

نقاشی ها به وحدت چهره ها، مطابقت های متناسب فضا و تصاویر، شادی رنگ ها خیانت می کردند. پاکی ویرجین اساس بسیاری از نقاشی های رافائل بود. اولین تصویر او از مادر خدا مدونای سیستین است که توسط یک هنرمند مشهور در سال 1513 کشیده شد. پرتره هایی که توسط رافائل خلق شد، تصویر ایده آل انسان را منعکس می کرد.

ساندرو بوتیچلی

ساندرو بوتیچلی (1445 - 1510) نیز نقاش دوره رنسانس است. یکی از اولین کارهای او تابلوی "ستایش مجوس" بود. شعر لطیف و رویاپردازی از آداب اصیل او در زمینه انتقال تصاویر هنری بود.

در اوایل دهه 80 قرن پانزدهم، این هنرمند بزرگ دیوارهای کلیسای واتیکان را نقاشی کرد. نقاشی های دیواری ساخته شده توسط او هنوز شگفت انگیز است.

با گذشت زمان، نقاشی های او با آرامش ساختمان های دوران باستان، سرزندگی شخصیت های به تصویر کشیده شده، هماهنگی تصاویر مشخص شد. علاوه بر این، شیفتگی بوتیچلی به نقاشی برای آثار ادبی مشهور شناخته شده است، که همچنین تنها شکوهی به آثار او اضافه کرد.

میکل آنژ بووناروتی

میکل آنژ بووناروتی (1475-1564) نقاش ایتالیایی بود که در دوران رنسانس نیز کار می کرد. کاری که فقط این شخص که بسیاری از ما می شناسیم انجام نداده است. و مجسمه سازی، و نقاشی، و معماری، و همچنین شعر. میکل آنژ مانند رافائل و بوتیچلی دیوارهای معابد واتیکان را نقاشی کرد. از این گذشته ، فقط با استعدادترین نقاشان آن زمان در کارهای مسئولانه ای مانند کشیدن تصاویر روی دیوارهای کلیساهای کاتولیک مشغول بودند. او مجبور شد بیش از 600 متر مربع از کلیسای سیستین را با نقاشی های دیواری که صحنه های مختلف کتاب مقدس را به تصویر می کشد بپوشاند. معروف ترین اثر در این سبک برای ما با نام آخرین داوری شناخته می شود. معنای داستان کتاب مقدس به طور کامل و واضح بیان شده است. چنین دقتی در انتقال تصاویر مشخصه کل کار میکل آنژ است.

در زمان های دشوار برای ایتالیا، "عصر طلایی" کوتاه رنسانس ایتالیا آغاز می شود - به اصطلاح رنسانس عالی، بالاترین نقطه شکوفایی هنر ایتالیایی. بنابراین رنسانس عالی مصادف با دوره مبارزه شدید شهرهای ایتالیا برای استقلال بود. هنر این زمان سرشار از انسان گرایی بود، ایمان به قوای خلاق انسان، به نامحدود بودن امکانات او، به چینش عقلانی جهان، به پیروزی پیشرفت. در هنر، مشکلات وظیفه مدنی، ویژگی های اخلاقی بالا، شاهکار، تصویر یک مرد قهرمان زیبا، هماهنگ توسعه یافته، قوی در روح و بدن که موفق شد از سطح زندگی روزمره بالاتر برود، به منصه ظهور رسید. جست‌وجوی چنین ایده‌آلی، هنر را به سنتز، تعمیم، به افشای الگوهای کلی پدیده‌ها، به شناسایی پیوند منطقی آنها سوق داد. هنر رنسانس عالی از جزییات، جزییات جزئی به نام تصویری تعمیم یافته، به نام تلاش برای ترکیبی هماهنگ از جنبه های زیبای زندگی چشم پوشی می کند. این یکی از تفاوت های اصلی بین رنسانس عالی و اوایل است.

لئوناردو داوینچی (1452-1519) اولین هنرمندی بود که به لحاظ بصری این تفاوت را مجسم کرد. اولین معلم لئوناردو آندره آ وروکیو بود. شکل یک فرشته در تصویر معلم "تعمید" قبلاً به وضوح تفاوت درک جهان توسط هنرمند دوران گذشته و عصر جدید را نشان می دهد: بدون صافی جلویی Verrocchio، بهترین مدل سازی نور و سایه از حجم و معنویت فوق العاده تصویر. . در زمان خروج از کارگاه Verrocchio، محققان "مدونا با گل" ("Madonna Benois"، همانطور که قبلا به نام صاحبان نامیده می شد) را نسبت می دهند. در این دوره، لئوناردو بدون شک برای مدتی تحت تأثیر بوتیچلی قرار گرفت. از دهه 80 قرن پانزدهم. دو تصنیف ناتمام از لئوناردو حفظ شده است: "ستایش مجوس" و "St. جروم." احتمالاً در اواسط دهه 80 ، مدونا لیتا نیز با تکنیک قدیمی تمپر ساخته شد که در تصویر آن نوع زیبایی زن لئونارد بیان شد: پلک های نیمه افتاده سنگین و لبخندی به سختی قابل درک به چهره مدونا معنویت خاصی می بخشد. .

لئوناردو با ترکیب اصول علمی و خلاقانه، داشتن تفکر منطقی و هنری، در تمام زندگی خود در کنار هنرهای زیبا به تحقیقات علمی مشغول بود. حواسش پرت شده بود، کند به نظر می رسید و آثار هنری کمی از خود به جای گذاشت. در دربار میلان، لئوناردو به عنوان یک هنرمند، یک تکنسین علمی، یک مخترع، به عنوان یک ریاضیدان و یک آناتومیست کار می کرد. اولین کار مهمی که او در میلان اجرا کرد، مدونای صخره ها (یا مدونا در غار) بود. این اولین محراب به یاد ماندنی رنسانس عالی است که همچنین جالب است زیرا ویژگی های سبک نوشتن لئونارد را به طور کامل بیان می کند.

بزرگترین کار لئوناردو در میلان، بالاترین دستاورد هنر او، نقاشی دیوار سفره خانه صومعه سانتا ماریا دلا گرازیه در طرح شام آخر (1495-1498) بود. مسیح برای آخرین بار در شام با شاگردانش ملاقات می کند تا خیانت یکی از آنها را به آنها اعلام کند. برای لئوناردو، هنر و علم به طور جدانشدنی وجود داشتند. او که به هنر مشغول بود، تحقیقات علمی، آزمایش‌ها، مشاهدات انجام داد، او از طریق دیدگاه به حوزه اپتیک و فیزیک، از طریق مسائل تناسبات - به آناتومی و ریاضیات و غیره رفت. شام آخر یک مرحله کامل را در این هنرمند تکمیل می‌کند. تحقیق علمی. همچنین مرحله جدیدی در هنر است.

لئوناردو از مطالعه آناتومی، هندسه، استحکامات، بهبود، زبان‌شناسی، شعرخوانی، موسیقی جدا شد و روی "اسب" کار کرد - بنای یادبود سوارکاری فرانچسکو اسفورزا، که برای آن ابتدا به میلان آمد و آن را در اندازه کامل اجرا کرد. در اوایل دهه 90 در خاک رس. قرار نبود این بنای تاریخی در برنز تجسم یابد: در سال 1499 فرانسوی ها به میلان حمله کردند و تیراندازان گاسکونی بنای یادبود سوارکاری را ساقط کردند. از سال 1499، سالهای سرگردانی لئوناردو آغاز شد: مانتوا، ونیز و در نهایت، زادگاه هنرمند - فلورانس، جایی که او مقوای "St. آنا با مریم روی زانوهایش»، بر اساس آن او یک نقاشی رنگ روغن در میلان (جایی که در سال 1506 بازگشت) خلق می کند.

در فلورانس، لئوناردو کار نقاشی دیگری را آغاز کرد: پرتره همسر تاجر دل جوکوندو مونالیزا، که به یکی از مشهورترین نقاشی های جهان تبدیل شد.

پرتره مونالیزا جوکوندا گامی تعیین کننده در توسعه هنر رنسانس است

برای اولین بار ژانر پرتره با تصنیف هایی در موضوعات مذهبی و اساطیری در یک سطح قرار گرفت. با تمام شباهت‌های فیزیکی غیرقابل انکار، پرتره‌های کواتروسنتو، اگر نه با محدودیت بیرونی، بلکه با محدودیت داخلی متمایز شدند. شکوه و عظمت مونه لیزا قبلاً با یک مقایسه از او به شدت پیشرفته تا لبه بوم، چهره‌ای سه‌بعدی تأکید شده با منظره‌ای با صخره‌ها و جویبارها که گویی از دور قابل رویت هستند، ذوب، جذاب، گریزان و بنابراین، با همه‌چیز قابل مشاهده است. واقعیت انگیزه، فوق العاده است.

لئوناردو در سال 1515 به پیشنهاد پادشاه فرانسه فرانسیس اول برای همیشه عازم فرانسه می شود.

لئوناردو بزرگترین هنرمند زمان خود بود، نابغه ای که افق های جدیدی از هنر را گشود. او آثار کمی از خود به جای گذاشت، اما هر کدام مرحله ای از تاریخ فرهنگ بودند. لئوناردو همچنین به عنوان یک دانشمند همه کاره شناخته می شود. اکتشافات علمی او، به عنوان مثال، تحقیقات او در زمینه هواپیما، در عصر فضانوردی ما مورد توجه است. هزاران صفحه از دست نوشته های لئوناردو که به معنای واقعی کلمه همه حوزه های دانش را در بر می گیرد، گواه جهانی بودن نبوغ اوست.

ایده های هنر یادبود رنسانس که در آن سنت های دوران باستان و روح مسیحیت در هم آمیختند، واضح ترین بیان خود را در کار رافائل (1483-1520) یافتند. در هنر او، دو کار اصلی راه حلی بالغ یافتند: کمال پلاستیکی بدن انسان، بیان هماهنگی درونی یک شخصیت کاملاً توسعه یافته، که در آن رافائل از دوران باستان پیروی می کرد، و یک ترکیب پیچیده چند پیکره که تمام تنوع را منتقل می کند. جهان رافائل این امکانات را غنی کرد و به آزادی شگفت انگیزی در به تصویر کشیدن فضا و حرکت یک انسان در آن دست یافت، هماهنگی بی عیب و نقص بین محیط و انسان.

هیچ یک از استادان رنسانس جوهر بت پرستی دوران باستان را به اندازه رافائل عمیقا و طبیعی درک نکردند. جای تعجب نیست که او به عنوان هنرمندی در نظر گرفته می شود که سنت های باستانی را به طور کامل با هنر اروپای غربی عصر جدید پیوند می دهد.

رافائل سانتی در سال 1483 در شهر اوربینو، یکی از مراکز فرهنگ هنری ایتالیا، در دربار دوک اوربینو، در خانواده یک نقاش و شاعر دربار، که اولین معلم استاد آینده بود، به دنیا آمد.

دوره اولیه کار رافائل کاملاً با یک نقاشی کوچک در قالب یک توندو "Madonna Conestabile" با سادگی و لکونیسم جزئیات کاملاً انتخاب شده (با همه ترسو بودن ترکیب) و خاص بودن ذاتی تمام آثار رافائل مشخص می شود. آثار، غزلیات لطیف و حس آرامش. در سال 1500، رافائل اوربینو را به مقصد پروجا ترک کرد تا در استودیوی هنرمند مشهور اومبریایی پروجینو، که تحت تأثیر او نامزدی مریم (1504) نوشته شد، تحصیل کند. حس ریتم، تناسب توده های پلاستیکی، فواصل مکانی، نسبت شکل ها و پس زمینه، هماهنگی صداهای اصلی (در "نامزدی" اینها طلایی، قرمز و سبز در ترکیب با پس زمینه آبی کم رنگ آسمان هستند. ) و هارمونی را ایجاد می کند که قبلاً در آثار اولیه رافائل ظاهر می شود و او را از هنرمندان دوره قبل متمایز می کند.

رافائل در طول زندگی خود به دنبال این تصویر در مدونا است، آثار متعدد او، تفسیر تصویر مدونا، شهرت جهانی را برای او به ارمغان آورده است. شایستگی این هنرمند، اول از همه، این است که او موفق شد تمام ظریف ترین سایه های احساسات را در ایده مادری مجسم کند، غزل و احساسات عمیق را با عظمت یادگاری ترکیب کند. این را می‌توان در تمام مدون‌های او مشاهده کرد، که از مدونای ترسو جوانی Conestabile شروع می‌شود: در مدونا در سبز، مدونا با فنچ طلایی، مدونا روی صندلی، و به ویژه در اوج روحیه و مهارت رافائل - در سیستین مدونا.

"مدونا سیستین" از نظر زبان یکی از کامل ترین آثار رافائل است: شکل مریم با کودک، که به شدت در برابر آسمان قرار دارد، با یک ریتم حرکت مشترک با پیکره های سنت سنت متحد شده است. بربرها و پاپ سیکستوس دوم، که ژست‌هایش به مدونا معطوف است، و همچنین دیدگاه‌های دو فرشته (بیشتر شبیه پوتی، که بسیار مشخصه رنسانس است)، در انتهای ترکیب قرار دارند. چهره ها با یک رنگ طلایی مشترک متحد می شوند، گویی که تجسم درخشندگی الهی هستند. اما نکته اصلی نوع چهره مدونا است که تلفیق آرمان باستانی زیبایی با معنویت ایده آل مسیحی را در بر می گیرد که بسیار مشخصه جهان بینی رنسانس عالی است.

مدونای سیستین اثر متأخر رافائل است.

در آغاز قرن شانزدهم. رم به مرکز فرهنگی اصلی ایتالیا تبدیل می شود. هنر رنسانس عالی در این شهر به اوج خود می رسد، جایی که به خواست پاپ های حامی جولیوس دوم و لئو ایکس، هنرمندانی مانند برامانته، میکل آنژ و رافائل به طور همزمان کار می کنند.

رافائل دو بیت اول را نقاشی می کند. او در Stanza della Senyatura (اتاق امضاها، مهرها)، چهار نقاشی دیواری تمثیلی از حوزه های اصلی فعالیت معنوی انسان: فلسفه، شعر، الهیات و فقه را ترسیم کرد. رافائل در اتاق دوم به نام "بند الیودور" نقاشی های دیواری را روی موضوعات تاریخی و افسانه ای در تجلیل از پاپ های روم کشید: "اخراج الیودور"

برای هنر قرون وسطی و اوایل رنسانس، به تصویر کشیدن علوم و هنرها در قالب چهره های تمثیلی منفرد رایج بود. رافائل این مضامین را در قالب ترکیب‌بندی‌های چند پیکره حل می‌کرد، که گاهی اوقات پرتره‌های گروهی واقعی را نشان می‌داد، که هم به دلیل شخصی‌سازی و هم به‌خاطر معمولی بودن آنها جالب بود.

دانش‌آموزان همچنین به رافائل در نقاشی لژهای واتیکان در مجاورت اتاق‌های پاپ، که بر اساس طرح‌های او و زیر نظر او با نقوشی از زیور آلات عتیقه نقاشی می‌شد، کمک کردند، که عمدتاً از غارهای باستانی تازه کشف‌شده (از این رو نام "گروتسک" نامیده می‌شود). .

رافائل آثاری در ژانرهای مختلف اجرا کرد. استعداد او به‌عنوان دکوراتور، و همچنین کارگردانی، داستان‌نویس، به‌طور کامل در مجموعه‌ای از هشت تابلوی مقوایی برای کلیسای سیستین در صحنه‌هایی از زندگی رسولان پیتر و پولس («صید معجزه‌آسا ماهی» برای کلیسای سیستین آشکار شد. مثال). این نقاشی ها در طول قرن های شانزدهم تا هجدهم. به عنوان نوعی استاندارد برای کلاسیک گرایان عمل کرد.

رافائل همچنین بزرگترین نقاش پرتره عصر خود بود. ("پاپ جولیوس دوم"، "لئو ایکس"، دوست هنرمند نویسنده کاستیلیونه، زیبا "دونا ولاتا" و غیره). و در تصاویر پرتره او معمولاً تعادل و هماهنگی درونی غالب است.

رافائل در پایان عمر خود با انواع و اقسام آثار و دستورات سنگینی می کرد. حتی تصور اینکه همه اینها توسط یک نفر انجام شود سخت است. او یک شخصیت اصلی در زندگی هنری رم بود، پس از مرگ برامانت (1514) او معمار اصلی کلیسای جامع سنت سنت شد. پیتر، مسئول کاوش های باستان شناسی در رم و اطراف آن و حفاظت از آثار باستانی بود.

رافائل در سال 1520 درگذشت. مرگ زودرس او برای هم عصرانش غیرمنتظره بود. خاکستر او در پانتئون دفن شده است.

سومین استاد بزرگ رنسانس - میکل آنژ - بسیار بیشتر از لئوناردو و رافائل زندگی کرد. نیمه اول زندگی حرفه ای او در اوج هنر رنسانس عالی است و نیمه دوم - در زمان ضد اصلاحات و آغاز شکل گیری هنر باروک. از میان صورت فلکی درخشان هنرمندان رنسانس عالی، میکل آنژ با غنای تصاویر، ترحم مدنی و حساسیت به تغییرات خلق و خوی عمومی از همه آنها پیشی گرفت. از این رو تجسم خلاقانه فروپاشی ایده های رنسانس است.

میکل آنژ بووناروتی (1475-1564) در سال 1488 در فلورانس شروع به مطالعه دقیق پلاستیک باستانی کرد. نقش برجسته او "نبرد قنطورس" در حال حاضر از نظر هماهنگی درونی محصول رنسانس عالی است. در سال 1496، این هنرمند جوان به رم می رود، جایی که اولین آثار خود را که برای او شهرت به ارمغان آورد، خلق می کند: "باکوس" و "پیتا". به معنای واقعی کلمه توسط تصاویر دوران باستان گرفته شده است. "پیتا" - تعدادی از آثار استاد را در این زمینه باز می کند و او را در زمره اولین مجسمه سازان ایتالیا قرار می دهد.

در بازگشت به فلورانس در سال 1501، میکل آنژ به نمایندگی از سیگنوریا، مجسمه داوود را از یک بلوک مرمری که توسط یک مجسمه‌ساز بدشانس پیش او خراب شده بود، انجام داد. در سال 1504، میکل آنژ مجسمه معروفی را که فلورانسی ها آن را "غول" می نامیدند، تکمیل کرد و آنها را در مقابل کاخ وکیا، تالار شهر قرار دادند. افتتاح این بنای تاریخی به یک جشن ملی تبدیل شد. تصویر دیوید الهام بخش بسیاری از هنرمندان کواتروسنتو بود. اما میکل آنژ او را نه به عنوان یک پسر، مانند دوناتلو و وروکیو، بلکه به عنوان یک مرد جوان در اوج زندگی، و نه پس از نبرد، با سر غول زیر پایش، بلکه قبل از نبرد، در لحظه به تصویر می کشد. از بالاترین تنش مجسمه ساز در تصویر زیبای دیوید، در چهره خشن خود، قدرت غول پیکر شور، اراده انعطاف ناپذیر، شجاعت مدنی و قدرت بی حد و حصر یک انسان آزاد را منتقل می کند.

در سال 1504، میکل آنژ (همانطور که قبلاً در ارتباط با لئوناردو ذکر شد) شروع به کار بر روی نقاشی "تالار پانصد" در Palazzo Signoria می کند.

در سال 1505، پاپ ژولیوس دوم میکل آنژ را به رم دعوت کرد تا مقبره خود را بسازد، اما پس از آن دستور را رد کرد و دستور داد تا سقف کلیسای سیستین در کاخ واتیکان نقاشی نه چندان باشکوهی انجام شود.

میکل آنژ از سال 1508 تا 1512 به تنهایی روی نقاشی سقف کلیسای سیستین کار کرد و مساحتی در حدود 600 متر مربع را نقاشی کرد. متر (48x13 متر) در ارتفاع 18 متر.

میکل آنژ قسمت مرکزی سقف را به صحنه های تاریخ مقدس اختصاص داد که از زمان خلقت جهان شروع شد. این ترکیبات توسط قرنیز که به همان شکل نقاشی شده اما توهم معماری را ایجاد می کند قاب می شود و همچنین با میله های زیبا از هم جدا می شود. مستطیل های زیبا بر معماری واقعی سقف تأکید می کنند و آن را غنی می کنند. میکل آنژ در زیر قرنیز زیبا، پیامبران و سیبیل ها را نقاشی کرد (هر شکل حدوداً سه متر است)، در لونت ها (طاق های بالای پنجره ها) قسمت هایی از کتاب مقدس و اجداد مسیح را به عنوان مردم عادی مشغول به امور روزمره به تصویر کشید.

نه ترکیب اصلی، وقایع نخستین روزهای خلقت، داستان آدم و حوا، سیل جهانی را باز می کند و همه این صحنه ها در واقع سرود انسان است که در وجود او نهفته است. ژولیوس دوم اندکی پس از اتمام کار در سیستین درگذشت و وارثان او به ایده سنگ قبر بازگشتند. در 1513-1516. میکل آنژ برای این سنگ قبر نقش موسی و بردگان (اسیر) را اجرا می کند. تصویر موسی یکی از قوی ترین ها در کار یک استاد بالغ است. او رویای یک رهبر خردمند، شجاع، سرشار از قدرت، بیان، اراده و ویژگی‌های غول‌پیکر را در او سرمایه‌گذاری کرد، که برای اتحاد میهنش ضروری است. چهره بردگان در نسخه نهایی مقبره گنجانده نشده است.

از سال 1520 تا 1534، میکل آنژ در حال کار بر روی یکی از مهم ترین و غم انگیزترین آثار مجسمه سازی - بر روی مقبره مدیچی ها (کلیسای فلورانسی سن لورنزو) است که تمام تجربیاتی را که در این دوره به دست استاد افتاد، بیان می کند. خودش و زادگاهش و کل کشور در کل. از اواخر دهه 1920، ایتالیا به معنای واقعی کلمه توسط دشمنان خارجی و داخلی از هم پاشیده شده است. در سال 1527 سربازان اجیر شده رم را غارت کردند، پروتستان ها زیارتگاه های کاتولیک شهر ابدی را غارت کردند. بورژوازی فلورانس مدیچی ها را که از سال 1510 دوباره حکومت کردند، سرنگون می کند.

میکل آنژ در حال بدبینی شدید، در حالت دینداری عمیق فزاینده، روی مقبره مدیچی ها کار می کند. او خود امتدادی به کلیسای فلورانسی سان لورنزو می‌سازد - اتاقی کوچک اما بسیار مرتفع که با گنبدی پوشیده شده است و دو دیوار زیارتگاه (داخل آن) را با سنگ قبرهای مجسمه‌سازی تزئین می‌کند. یک دیوار با شکل لورنزو تزئین شده است، طرف مقابل - جولیانو، و در پایین در پای آنها تابوتها تزئین شده با تصاویر مجسمه ای تمثیلی - نمادهای زمان زودگذر: "صبح" و "عصر" - در سنگ قبر لورنزو، "شب و" روز "- در سنگ قبر جولیانو.

هر دو تصویر - لورنزو و جولیانو - شباهت پرتره ای ندارند، که تفاوت آنها با تصمیمات سنتی قرن پانزدهم است.

بلافاصله پس از انتخاب، پل سوم شروع به درخواست اصرار از میکل آنژ برای تحقق این طرح کرد و در سال 1534، با قطع کار روی مقبره که تنها در سال 1545 به پایان رسید، میکل آنژ به رم رفت و در آنجا دومین کار خود را در سیستین آغاز کرد. نمازخانه - به نقاشی "آخرین داوری" (1535-1541) - یک خلاقیت باشکوه که بیانگر تراژدی نژاد بشر است. ویژگی های نظام هنری جدید در این اثر میکل آنژ به وضوح خود را نشان داد. داوری خلاق، مسیح مجازات کننده، در مرکز ترکیب قرار می گیرد و در اطراف آن، در یک حرکت دورانی، گناهکاران در حال سقوط به جهنم، صعود صالحان به بهشت، برخاستن مردگان از قبرهای خود برای قضاوت خداوند به تصویر کشیده می شوند. همه چیز پر از وحشت، ناامیدی، خشم، سردرگمی است.

نقاش، مجسمه ساز، شاعر، میکل آنژ نیز معمار درخشانی بود. او پله های کتابخانه فلورانسی Laurenziana را اجرا کرد، میدان کاپیتول در رم را قاب کرد، دروازه های پیوس (پورتا پیا) را برپا کرد، از سال 1546 او روی کلیسای جامع سنت کار می کرد. پیتر، توسط برامانته آغاز شد. میکل آنژ مالک طراحی و ترسیم گنبد است که پس از مرگ استاد اجرا شد و هنوز هم یکی از مسلطان اصلی در پانورامای شهر است.

میکل آنژ در ۸۹ سالگی در رم درگذشت. جسد او را شبانه به فلورانس بردند و در قدیمی ترین کلیسای شهر زادگاهش سانتا کروچه به خاک سپردند. اهمیت تاریخی هنر میکل آنژ، تأثیر آن بر معاصران و دوره های پس از آن به سختی قابل ارزیابی است. برخی از محققان خارجی از او به عنوان اولین هنرمند و معمار باروک تعبیر می کنند. اما بیش از همه، او به عنوان حامل سنت های واقع گرایانه بزرگ رنسانس جالب توجه است.

جورج باربارلی دا کاستلفرانکو، ملقب به جورجیونه (1477-1510)، پیرو مستقیم معلم خود و یک هنرمند معمولی رنسانس عالی است. او اولین کسی بود که در خاک ونیزی به موضوعات ادبی و موضوعات اساطیری روی آورد. منظره، طبیعت و بدن زیبای برهنه انسان برای او تبدیل به موضوعی هنری و عبادتی شد.

قبلاً در اولین اثر شناخته شده "Madonna of Castelfranco" (حدود 1505)، جورجیونه به عنوان یک هنرمند کاملاً شناخته شده ظاهر می شود. تصویر مدونا مملو از شعر است، رویاپردازی متفکرانه، پر از آن حال و هوای غمگینی است که مشخصه تمام تصاویر زنانه جورجیونه است. این هنرمند در پنج سال آخر زندگی خود بهترین آثار خود را با تکنیک روغن اجرا کرد که اصلی ترین آنها در مدرسه ونیزی در آن زمان بود. . جورجیونه در نقاشی 1506 "رعد و برق" انسان را به عنوان بخشی از طبیعت به تصویر می کشد. زنی که به یک کودک غذا می‌دهد، مرد جوانی با عصا (که می‌توان او را با یک جنگجو با هالبرد اشتباه گرفت) با هیچ عملی متحد نمی‌شوند، اما در این منظره باشکوه با خلق و خوی مشترک، یک حالت ذهنی مشترک متحد می‌شوند. معنویت و شعر در تصویر "زهره خفته" (حدود 1508-1510) نفوذ می کند. بدن او به راحتی، آزادانه، با ظرافت نوشته شده است و بیهوده نیست که محققان در مورد "موسیقی بودن" ریتم های جورجیونه صحبت می کنند. خالی از جذابیت نفسانی نیست. کنسرت کانتری (1508-1510)

Titian Vecellio (1477؟-1576) - بزرگترین هنرمند رنسانس ونیزی. او آثاری را هم در موضوعات اساطیری و هم مسیحی خلق کرد، در ژانر پرتره کار کرد، استعداد رنگارنگی او استثنایی است، نبوغ ترکیب‌بندی‌اش پایان‌ناپذیر است و طول عمر شادش به او اجازه داد میراث خلاقانه‌ای غنی از خود به جای بگذارد که تأثیر زیادی بر آیندگان داشت.

قبلاً در سال 1516 ، او اولین نقاش جمهوری ، از دهه 20 - مشهورترین هنرمند ونیز شد.

در حوالی سال 1520، دوک فرارا مجموعه‌ای از نقاشی‌ها را به او سفارش داد که در آن تیتین به‌عنوان خواننده دوران باستان ظاهر می‌شود که توانست روح بت‌پرستی را احساس کند و مهم‌تر از همه، تجسم روحیه بت‌پرستی (باکانال، جشن ونوس، باکوس و آریادنه) باشد.

پاتریسیون‌های ثروتمند ونیزی، محراب‌های تیتیانی را سفارش می‌دهند، و او نمادهای بزرگی را خلق می‌کند: "عراج مریم"، "مدونا پسارو"

"ورود مریم به معبد" (حدود 1538)، "زهره" (حدود 1538)

(پرتره گروهی پاپ پل سوم با برادرزاده های اوتاویو و الکساندر فارنزه، 1545-1546)

او هنوز هم درباره موضوعات باستانی ("زهره و آدونیس"، "شوپان و پوره"، "دیانا و آکتائون"، "مشتری و آنتیوپ") می نویسد، اما بیشتر و بیشتر به مضامین مسیحی روی می آورد و به صحنه هایی از شهادت، که در آن شادی بت پرستان، هماهنگی عتیقه با یک جهان بینی غم انگیز جایگزین می شود ("تاژک زدن مسیح"، "مریم مجدلیه توبه کننده"، "سنت سباستین"، "مرثیه")،

اما در پایان قرن، ویژگی های یک دوره جدید قریب الوقوع در هنر، یک جهت هنری جدید، در اینجا آشکار است. این را می توان در کارهای دو هنرمند بزرگ نیمه دوم این قرن مشاهده کرد - پائولو ورونزه و یاکوپو تینتورتو.

پائولو کالیاری، ملقب به ورونز (او اهل ورونا، 1528-1588 بود)، قرار بود آخرین خواننده جشن و شادی ونیز قرن شانزدهم شود.

: "عید در خانه لاوی" "ازدواج در قنای گالیله" برای سفره خانه صومعه سن جورج ماگیور

یاکوپو روبوستی، که در هنر به عنوان Tintoretto (1518-1594) شناخته می شود (رنگرز "تینتورتو": پدر هنرمند یک رنگرز ابریشم بود). "معجزه سنت مارک" (1548)

("نجات آرسینو"، 1555)، "ورودی به معبد" (1555)،

آندره آ پالادیو (1508-1580، ویلا کورنارو در پیومبینو، ویلا روتوندا در ویچنزا، پس از مرگ او توسط دانش آموزان طبق پروژه او، ساختمان های بسیاری در ویچنزا تکمیل شد). حاصل مطالعه او درباره دوران باستان، کتاب «عتیقه‌های رومی» (1554)، «چهار کتاب در معماری» (1570-1581) بود، اما بر اساس مشاهده منصفانه محقق، دوران باستان برای او یک «جاندار زنده» بود.

رنسانس هلند در نقاشی با "محراب گنت" برادران هوبرت (متوفی 1426) و یان (حدود 1390-1441) ون ایک آغاز می شود که توسط یان ون ایک در سال 1432 تکمیل شد. درخشندگی، عمق، غنای جهان عینی، جذابیت توجه هنرمندان هلندی، صدای رنگارنگ آن.

از مدونای متعدد یان ون ایک، مشهورترین آنها مدونای صدراعظم رولین (حدود 1435) است.

("مردی با میخک"؛ "مردی در عمامه"، 1433؛ پرتره همسر هنرمند مارگاریتا ون ایک، 1439

در حل چنین مسائلی، هنر هلندی مدیون Rogier van der Weyden (1400?-1464) است. فرود از صلیب یک اثر معمولی از Weyden است.

در نیمه دوم قرن پانزدهم. اثر استاد استعداد استثنایی هوگو ون در گوس (حدود 1435-1482) "مرگ مریم").

هیرونیموس بوش (1450-1516)، خالق رؤیاهای غم انگیز عرفانی، که در آن به تمثیل قرون وسطایی، "باغ لذت ها" نیز اشاره می کند.

اوج رنسانس هلندی بدون شک اثر پیتر بروگل بزرگ، ملقب به موژیتسکی (1525 / 30-1569) ("آشپزخانه لاغرها"، "آشپزخانه افراد چاق")، "منظره زمستانی" از چرخه " فصل ها" (عنوان دیگر - "شکارچیان در برف"، 1565)، "نبرد کارناوال و روزه" (1559).

آلبرشت دورر (1471-1528).

"جشن تسبیح" (نام دیگر "مدونا با تسبیح"، 1506)، "سوار، مرگ و شیطان"، 1513; "سنت جروم" و "مالیخولیا"،

هانس هولبین جوان (1497-1543)، "پیروزی مرگ" ("رقص مرگ") پرتره جین سیمور، 1536

آلبرشت آلتدوفر (1480-1538)

لوکاس کراناخ رنسانس (1472-1553)،

ژان فوکه (حدود 1420-1481)، پرتره چارلز هفتم

ژان کلوئه (حدود 1485/88-1541)، پسر فرانسوا کلوئه (حدود 1516-1572) مهمترین نقاش فرانسوی قرن شانزدهم است. پرتره الیزابت اتریشی، در حدود 1571، (پرتره هنری دوم، مری استوارت، و غیره)

برای اروپاییان، دوره قرون وسطی تاریک و به دنبال آن رنسانس به پایان رسید. این اجازه داد تا میراث تقریباً ناپدید شده دوران باستان را احیا کند و آثار هنری بزرگی خلق کند. دانشمندان رنسانس نقش مهمی در توسعه بشر داشتند.

الگو

بحران و ویرانی بیزانس منجر به ظهور هزاران مهاجر مسیحی در اروپا شد که با خود کتاب آوردند. در این دست نوشته ها، دانش دوره باستان، نیمه فراموش شده در غرب قاره جمع آوری شده است. آنها اساس اومانیسم شدند که انسان، عقاید او و آزادیخواهی را سرلوحه خود قرار دادند. با گذشت زمان، در شهرهایی که نقش بانکداران، صنعتگران، بازرگانان و پیشه وران افزایش یافت، مراکز علمی و آموزشی سکولار به وجود آمدند که نه تنها تحت حاکمیت کلیسای کاتولیک نبودند، بلکه اغلب با دستورات آن مبارزه می کردند.

نقاشی از جوتو (رنسانس)

هنرمندان در قرون وسطی آثاری با محتوای عمدتا مذهبی خلق کردند. به ویژه، برای مدت طولانی ژانر اصلی نقاشی، نقاشی نماد بود. اولین کسی که تصمیم گرفت مردم عادی را به بوم های نقاشی خود بیاورد و همچنین شیوه متعارف نوشتن را که در مکتب بیزانسی نهفته بود کنار بگذارد، جوتو دی بوندون بود که پیشگام رنسانس اولیه به حساب می آید. در نقاشی های دیواری کلیسای سان فرانچسکو، واقع در شهر آسیزی، او از بازی کیاروسکورو استفاده کرد و از ساختار ترکیبی پذیرفته شده به طور کلی دور شد. با این حال، شاهکار اصلی جوتو، نقاشی نمازخانه آرنا در پادوآ بود. جالب اینجاست که بلافاصله پس از این دستور، این هنرمند برای تزئین تالار شهر فراخوانده شد. در کار بر روی یکی از نقاشی ها، برای دستیابی به بیشترین قابلیت اطمینان در تصویر "نشانه آسمانی"، جوتو با ستاره شناس پیترو دآبانو مشورت کرد. بنابراین، به لطف این هنرمند، نقاشی از به تصویر کشیدن افراد، اشیاء و پدیده های طبیعی بر اساس قوانین خاصی باز ماند و واقعی تر شد.

لئوناردو داوینچی

بسیاری از چهره های رنسانس استعداد همه کاره داشتند. با این حال، هیچ یک از آنها را نمی توان از نظر تطبیق پذیری با لئوناردو داوینچی مقایسه کرد. او خود را به عنوان یک نقاش، معمار، مجسمه ساز، آناتومیست، طبیعت شناس و مهندس برجسته متمایز کرد.

در سال 1466 لئوناردو داوینچی برای تحصیل به فلورانس رفت و در آنجا علاوه بر نقاشی، شیمی و طراحی را فرا گرفت و در کار با فلز، چرم و گچ نیز مهارت کسب کرد.

قبلاً اولین بوم های زیبای این هنرمند او را در بین رفقای خود در مغازه متمایز می کرد. لئوناردو داوینچی در طول زندگی طولانی و 68 ساله خود شاهکارهایی مانند مونالیزا، جان باپتیست، بانوی ارمینه، شام آخر و غیره را خلق کرد.

این هنرمند مانند دیگر چهره های برجسته رنسانس به علم و مهندسی علاقه داشت. به طور خاص، مشخص است که قفل تپانچه چرخدار اختراع شده توسط او تا قرن 19 مورد استفاده قرار می گرفت. علاوه بر این، لئوناردو داوینچی نقاشی هایی از یک چتر نجات، یک هواپیما، یک نورافکن، یک محدوده نقطه گذاری با دو لنز و غیره ایجاد کرد.

میکل آنژ

هنگامی که این سؤال مطرح می شود که چهره های رنسانس چه چیزی به جهان داده اند، فهرست دستاوردهای آنها لزوماً شامل آثار این معمار، هنرمند و مجسمه ساز برجسته است.

از مشهورترین ساخته های میکل آنژ بووناروتی می توان به نقاشی های دیواری سقف کلیسای سیستین، مجسمه داوود، مجسمه باکوس، مجسمه مرمری مدونای بروژ، نقاشی "عذاب سنت آنتونی" و بسیاری از آثار اشاره کرد. دیگر شاهکارهای هنر جهان

رافائل سانتی

این هنرمند در سال 1483 متولد شد و تنها 37 سال زندگی کرد. با این حال، میراث بزرگ رافائل سانتی، او را در ردیف اول هر رتبه نمادین "شخصیت های برجسته رنسانس" قرار می دهد.

از شاهکارهای این هنرمند می توان به "تاج گذاری مریم" برای محراب اودی، "پرتره پیترو بمبو"، "بانوی تک شاخ"، نقاشی های دیواری متعدد سفارش شده برای Stanza della Senyatura و غیره اشاره کرد.

اوج کار رافائل "مدونا سیستین" است که برای محراب معبد صومعه سنت سنت ساخته شده است. سیکستوس در پیاچنزا این تصویر بر هر کسی که آن را می بیند تأثیر فراموش نشدنی می گذارد، زیرا مریم در آن به شکلی نامفهوم به تصویر کشیده شده است که جوهر زمینی و آسمانی مادر خدا را با هم ترکیب می کند.

آلبرشت دورر

چهره های مشهور رنسانس فقط ایتالیایی نبودند. از جمله نقاش و حکاکی آلمانی آلبرشت دورر است که در سال 1471 در نورنبرگ به دنیا آمد. مهم‌ترین آثار او «لانداور محراب»، یک سلف‌پرتره (1500)، نقاشی «جشن تاج‌های گل سرخ»، سه «حکاکی استاد» هستند. دومی شاهکارهای هنر گرافیک همه زمان ها و مردمان به حساب می آیند.

تیتیان

چهره های بزرگ رنسانس در زمینه نقاشی، تصاویری از مشهورترین هم عصران خود را برای ما به یادگار گذاشته اند. یکی از پرتره نگاران برجسته این دوره از هنر اروپا، تیتیان بود که از خانواده معروف Vecellio بود. او فدریکو گونزاگا، چارلز پنجم، کلاریسا استروزی، پیترو آرتینو، معمار جولیو رومانو و بسیاری دیگر را روی بوم جاودانه کرد. علاوه بر این، قلم‌های او متعلق به بوم‌های موضوعاتی از اساطیر باستان است. این واقعیت که یک بار قلم مویی که از دست تیتیان افتاد برای بلند کردن امپراطور چارلز پنجم عجله داشت که این هنرمند چقدر توسط معاصران ارزش زیادی داشت نشان می دهد. پادشاه عمل خود را اینگونه توضیح داد که خدمت به چنین استادی افتخاری است برای او. هر کسی.

ساندرو بوتیچلی

این هنرمند در سال 1445 به دنیا آمد. در ابتدا قرار بود جواهرساز شود، اما سپس وارد کارگاه آندره آ وروکیو شد که زمانی لئوناردو داوینچی از او تحصیل کرد. این هنرمند در کنار آثاری با موضوعات مذهبی، چندین نقاشی با محتوای سکولار خلق کرد. از شاهکارهای بوتیچلی می توان به نقاشی های "تولد زهره"، "بهار"، "پالاس و قنطورس" و بسیاری دیگر اشاره کرد.

دانته آلیگیری

بزرگان دوره رنسانس آثار محو نشدنی خود را در ادبیات جهان به جا گذاشتند. یکی از برجسته ترین شاعران این دوره دانته آلیگیری است که در سال 1265 در فلورانس به دنیا آمد. او در 37 سالگی به دلیل عقاید سیاسی از زادگاهش اخراج شد و تا آخرین سال های عمرش سرگردان بود.

دانته در کودکی عاشق همسال خود بئاتریس پورتیناری شد. وقتی بزرگ شد، این دختر با دیگری ازدواج کرد و در سن 24 سالگی درگذشت. بئاتریس موز شاعر شد و آثارش از جمله داستان "زندگی جدید" را به او تقدیم کرد. در سال 1306 دانته شروع به خلق «کمدی الهی» می کند که تقریباً 15 سال روی آن کار می کند. او در آن، رذیلت های جامعه ایتالیا، جنایات پاپ ها و کاردینال ها را افشا می کند و بئاتریس خود را در «بهشت» قرار می دهد.

ویلیام شکسپیر

اگرچه ایده های رنسانس با کمی تأخیر به جزایر بریتانیا رسید، اما آثار هنری برجسته ای نیز در آنجا خلق شد.

به ویژه یکی از مشهورترین نمایشنامه نویسان تاریخ بشر، ویلیام شکسپیر، در انگلستان کار می کرد. بیش از 500 سال است که نمایشنامه های او از صحنه تئاتر در گوشه و کنار جهان خارج نشده است. قلم او متعلق به تراژدی «اتللو»، «رومئو و ژولیت»، «هملت»، «مکبث» و همچنین کمدی «شب دوازدهم»، «هیاهوی زیاد درباره هیچ» و بسیاری دیگر است. علاوه بر این، شکسپیر برای غزل هایش که به بانوی اسرارآمیز Swarthy اختصاص داده شده است، شناخته شده است.

لئون باتیستا آلبرتی

رنسانس همچنین به تغییر در ظاهر شهرهای اروپایی کمک کرد. در این دوره، شاهکارهای بزرگ معماری، از جمله کلیسای جامع رومی سنت. پیتر، پله های لورنتین، کلیسای جامع فلورانس و... در کنار میکل آنژ، دانشمند معروف لئون باتیستا آلبرتی از معماران مشهور رنسانس است. او سهم بزرگی در معماری، نظریه هنر و ادبیات داشت. حوزه علایق او نیز شامل مسائل تربیتی و اخلاقی، ریاضیات و نقشه کشی بود. او یکی از اولین آثار علمی معماری را با عنوان «ده کتاب در معماری» خلق کرد. این کار تأثیر زیادی بر نسل های بعدی همکارانش گذاشت.

اکنون شما مشهورترین چهره های فرهنگی رنسانس را می شناسید که به لطف آنها تمدن بشری وارد دور جدیدی از توسعه خود شد.

رنسانس باعث تغییرات عمیقی در تمام زمینه های فرهنگ - فلسفه، علم و هنر شد. یکی از آنها است. که روز به روز مستقل‌تر از دین می‌شود، «کنیز الهیات» نیست، اگرچه هنوز با استقلال کامل فاصله دارد. مانند سایر حوزه های فرهنگ، آموزه های متفکران باستان در فلسفه، در درجه اول افلاطون و ارسطو، در حال احیاء هستند. مارسیلو فیچینو آکادمی افلاطونی را در فلورانس تأسیس کرد و آثار یونانی بزرگ را به لاتین ترجمه کرد. ایده های ارسطو حتی قبل از رنسانس به اروپا بازگشت. در دوران رنسانس، به گفته لوتر، این او و نه مسیح است که «در دانشگاه‌های اروپایی حکومت می‌کند».

در کنار آموزه های باستانی، فلسفه طبیعی، یا فلسفه طبیعت. این توسط فیلسوفانی مانند B. Telesio، T. Campanella، D. Bruno موعظه می شود. در آثار آنها این تفکر مطرح می شود که فلسفه نباید خدای ماوراء الطبیعه را مطالعه کند، بلکه باید خود طبیعت را مطالعه کند، که طبیعت از قوانین درونی خود تبعیت می کند، که اساس دانش تجربه و مشاهده است و نه وحی الهی، که انسان جزئی از طبیعت است. .

گسترش دیدگاه های فلسفی طبیعی توسط علمیاکتشافات رئیس در میان آنها بود نظریه هلیوسنتریک N. Copernicus که انقلابی واقعی در ایده های جهان ایجاد کرد.

اما باید توجه داشت که دیدگاه های علمی و فلسفی آن زمان هنوز تحت تأثیر محسوس دین و کلام است. چنین دیدگاه هایی اغلب شکل می گیرند پانتئیسمکه در آن وجود خدا انکار نمی شود، بلکه او در طبیعت حلول است و با آن یکی می شود. به این امر باید تأثیر علوم به اصطلاح غیبی - طالع بینی، کیمیاگری، عرفان، جادو و غیره را نیز اضافه کنیم. همه اینها حتی در فیلسوفی مانند دی. برونو نیز اتفاق می افتد.

رنسانس مهم ترین تغییرات را به وجود آورد فرهنگ هنری، هنردر این منطقه بود که جدایی از قرون وسطی عمیق ترین و رادیکال ترین بود.

در قرون وسطی، هنر تا حد زیادی در طبیعت اعمال می شد، در خود زندگی بافته می شد و قرار بود آن را تزئین کند. در رنسانس، هنر برای اولین بار ارزش ذاتی پیدا می کند، به یک منطقه مستقل از زیبایی تبدیل می شود. در عین حال، برای اولین بار، یک احساس صرفا هنری و زیبایی شناختی در بیننده درک کننده شکل می گیرد، برای اولین بار عشق به هنر به خاطر خود بیدار می شود، نه به خاطر هدفی که در خدمت آن است.

هرگز هنر تا این حد از افتخار و احترام برخوردار نبوده است. حتی در یونان باستان، کار یک هنرمند از نظر اهمیت اجتماعی به طور قابل توجهی پایین تر از فعالیت های یک سیاستمدار و یک شهروند بود. این هنرمند در روم باستان مکان ساده تری را اشغال کرده بود.

اکنون جایگاه و نقش هنرمنددر جامعه بی اندازه رشد می کنند. او برای اولین بار به عنوان یک متخصص، دانشمند و متفکر مستقل و قابل احترام، فردی منحصر به فرد در نظر گرفته می شود. در رنسانس، هنر به عنوان یکی از قدرتمندترین ابزارهای دانش تلقی می شود و از این نظر با علم برابری می شود. لئوناردو داوینچی علم و هنر را دو روش کاملاً مساوی برای مطالعه طبیعت می داند. او می نویسد: نقاشی علم و دختر مشروع طبیعت است.

هنوز هنر به عنوان خلاقیت بسیار ارزشمند است. از نظر توانایی های خلاقانه، هنرمند رنسانس با خدای خالق یکسان است. این توضیح می دهد که چرا رافائل اضافه شده "Divine" را به نام خود دریافت کرد. به همین دلایل کمدی دانته را "الهی" نیز می نامیدند.

هنر خود دستخوش تغییرات عمیقی است.چرخشی تعیین کننده از یک نماد و نشانه قرون وسطایی به یک تصویر واقعی و یک تصویر قابل اعتماد ایجاد می کند. وسایل بیان هنری در حال جدید شدن هستند. آنها اکنون بر اساس پرسپکتیو خطی و هوایی، سه بعدی بودن حجم و دکترین تناسبات هستند. هنر در همه چیز می کوشد تا به واقعیت وفادار باشد، به عینیت، اصالت و سرزندگی دست یابد.

رنسانس در درجه اول ایتالیایی بود. بنابراین، جای تعجب نیست که در ایتالیا بود که هنر در این دوره به بالاترین رشد و شکوفایی خود رسید. اینجاست که ده ها نام از تایتان ها، نابغه ها، هنرمندان بزرگ و ساده وجود دارد. در کشورهای دیگر نیز نام های بزرگی وجود دارد، اما ایتالیا فراتر از رقابت است.

در رنسانس ایتالیا، معمولاً چندین مرحله متمایز می شود:

• پروتو رنسانس: نیمه دوم قرن سیزدهم. - قرن چهاردهم.
• رنسانس اولیه: تقریباً تمام قرن پانزدهم.
• رنسانس عالی: اواخر قرن پانزدهم - ثلث اول قرن شانزدهم
• اواخر رنسانس: دو سوم آخر قرن شانزدهم.

چهره‌های اصلی رنسانس اولیه دانته آلیگیری (1265-1321) و نقاش جوتو (1266/67-1337) هستند.

سرنوشت دانته را با آزمایشات بسیاری روبرو کرد. او به دلیل شرکت در مبارزات سیاسی تحت تعقیب قرار گرفت، او سرگردان شد، در سرزمینی بیگانه، در راونا درگذشت. سهم او در فرهنگ فراتر از شعر است. او نه تنها اشعار عاشقانه، بلکه رساله های فلسفی و سیاسی نیز نوشت. دانته خالق زبان ادبی ایتالیایی است. گاهی او را آخرین شاعر قرون وسطی و اولین شاعر عصر مدرن می نامند. این دو آغاز - قدیم و جدید - در آثار او واقعاً در هم تنیده شده اند.

اولین آثار دانته - "زندگی جدید" و "عید" - اشعار غنایی با محتوای عاشقانه است که به معشوقش بئاتریس تقدیم شده است که یک بار در فلورانس با او ملاقات کرد و هفت سال پس از ملاقات آنها درگذشت. شاعر عشق خود را به زندگی حفظ کرد. غزلیات دانته از نظر ژانر با شعر درباری قرون وسطی همخوانی دارد، جایی که هدف از خواندن تصویر «بانوی زیبا» است. با این حال، احساسات ابراز شده توسط شاعر در حال حاضر متعلق به رنسانس است. آنها ناشی از جلسات و رویدادهای واقعی هستند، پر از گرمای صمیمانه، که با فردیت منحصر به فرد مشخص شده است.

اوج کار دانته بود "کمدی الهی» که در تاریخ فرهنگ جهان جایگاه ویژه ای به خود اختصاص داده است. این شعر در ساخت خود نیز با سنت های قرون وسطی مطابقت دارد. ماجراهای مردی را روایت می کند که وارد عالم اموات شده است. این شعر دارای سه بخش جهنم، برزخ و بهشت ​​است که هر کدام دارای 33 ترانه است که در بیت های سه بیتی سروده شده اند.

عدد مکرر "سه" مستقیماً آموزه مسیحی تثلیث را منعکس می کند. در طول داستان، دانته به شدت از بسیاری از الزامات مسیحیت پیروی می کند. به ویژه، او همراه خود در حلقه های نه گانه جهنم و برزخ - شاعر رومی ویرژیل - را به بهشت ​​راه نمی دهد، زیرا بت پرست از چنین حقی محروم است. در اینجا شاعر با معشوق مرحومش بئاتریس همراه است.

با این حال، در افکار و قضاوت هایش، در نگرش به شخصیت های به تصویر کشیده شده و گناهان آنها. دانته اغلب و به طور قابل توجهی با آموزه های مسیحی مخالف است. بنابراین. او به جای محکوم کردن عشق نفسانی به عنوان گناه توسط مسیحیان، از "قانون عشق" صحبت می کند که بر اساس آن عشق نفسانی در ماهیت خود زندگی گنجانده شده است. دانته با عشق فرانچسکا و پائولو با درک و همدردی رفتار می کند. اگرچه عشق آنها به خیانت فرانچسکا به شوهرش مرتبط است. روح رنسانس در دانته در موارد دیگر نیز پیروز می شود.

از جمله شاعران برجسته ایتالیایی نیز می باشد فرانچسکو پترارکدر فرهنگ جهانی، او در درجه اول برای خود شناخته شده است غزل هااو در عین حال متفکر، فیلسوف و مورخ گسترده ای بود. او به حق بنیانگذار کل فرهنگ رنسانس در نظر گرفته می شود.

آثار پترارک نیز تا حدی در چارچوب اشعار درباری قرون وسطایی است. او مانند دانته معشوقی به نام لورا داشت که «کتاب ترانه‌هایش» را به او تقدیم کرد. در عین حال، پترارک با قاطعیت بیشتری پیوندها را با فرهنگ قرون وسطی قطع می کند. در آثار او، احساسات ابراز شده - عشق، درد، ناامیدی، اشتیاق - بسیار تیزتر و برهنه تر به نظر می رسد. آنها تماس شخصی قوی تری دارند.

یکی دیگر از نمایندگان برجسته ادبیات بود جیووانی بوکاچیو(1313-1375). نویسنده مشهور جهان دکامرون".بوکاچیو اصل ساخت مجموعه داستان های کوتاه و طرح کلی داستان را از قرون وسطی وام گرفته است. هر چیز دیگری با روح رنسانس آغشته است.

شخصیت های اصلی رمان ها افراد عادی و معمولی هستند. آنها با زبانی شگفت انگیز روشن، زنده و محاوره ای نوشته شده اند. آنها حاوی اخلاقیات خسته کننده نیستند، برعکس، بسیاری از داستان های کوتاه به معنای واقعی کلمه با عشق به زندگی و سرگرمی می درخشند. پلان های برخی از آنها شخصیت عاشقانه و اروتیک دارد. بوکاچیو علاوه بر دکامرون، داستان فیامتتا را نیز نوشت که اولین رمان روان‌شناختی در ادبیات غرب محسوب می‌شود.

جوتو دی بوندونهبرجسته ترین نماینده رنسانس ایتالیایی در هنرهای تجسمی است. ژانر اصلی او نقاشی های دیواری بود. همه آنها در موضوعات کتاب مقدس و اساطیری نوشته شده اند، صحنه هایی از زندگی خانواده مقدس، مبشران، مقدسین را به تصویر می کشند. با این حال، تفسیر این توطئه ها به وضوح تحت تسلط آغاز رنسانس است. جوتو در آثارش قراردادهای قرون وسطایی را کنار می گذارد و به واقع گرایی و معقول بودن روی می آورد. برای او است که شایستگی احیای نقاشی به عنوان یک ارزش هنری به خودی خود شناخته می شود.

در آثار او، مناظر طبیعی کاملاً واقع گرایانه به تصویر کشیده شده است که درختان، صخره ها و معابد به وضوح روی آن دیده می شوند. همه شخصیت‌های شرکت‌کننده، از جمله خود مقدسین، به‌عنوان انسان‌های زنده ظاهر می‌شوند که دارای گوشت جسمانی، احساسات و احساسات انسانی هستند. لباس های آن ها فرم های طبیعی بدنشان را مشخص می کند. آثار جوتو با رنگ‌آمیزی روشن و زیبایی، انعطاف پذیری خوب مشخص می‌شوند.

خلقت اصلی جوتو، نقاشی نمازخانه دل آرنا در پادوآ است که در مورد وقایع زندگی خانواده مقدس می گوید. قوی ترین تاثیر را چرخه دیوار ایجاد می کند که شامل صحنه های "پرواز به مصر"، "بوسه یهودا"، "مرثیه مسیح" است.

تمام شخصیت های به تصویر کشیده شده در نقاشی ها طبیعی و معتبر به نظر می رسند. موقعیت بدن، حرکات، حالت عاطفی، نماها، چهره آنها - همه اینها با متقاعدسازی روانشناختی نادر نشان داده می شود. در عین حال، رفتار هر یک دقیقاً مطابق با نقشی است که به او اختصاص داده شده است. هر صحنه فضای منحصر به فردی دارد.

بنابراین، در صحنه «پرواز به مصر» لحن احساسی مهارشده و به طور کلی آرام حاکم است. «بوسه یهودا» مملو از پویایی طوفانی، اقدامات تند و قاطع شخصیت هایی است که به معنای واقعی کلمه با یکدیگر دست و پنجه نرم می کنند. و فقط دو شرکت کننده اصلی - یهودا و مسیح - بدون حرکت یخ زدند و با چشمان خود مبارزه کردند.

صحنه «مرثیه مسیح» با درام خاصی مشخص شده است. مملو از ناامیدی غم انگیز، درد و رنج غیرقابل تحمل، اندوه و اندوه تسلی ناپذیر است.

اوایل رنسانس بالاخره تایید شد اصول جدید زیبایی شناسی و هنری هنر.در عین حال، داستان های کتاب مقدس هنوز هم بسیار محبوب هستند. با این حال ، تفسیر آنها کاملاً متفاوت می شود ، کمی از قرون وسطی در آن باقی نمانده است.

سرزمین مادری رنسانس اولیهفلورانس شد و "پدران رنسانس" معمار هستند فیلیپ برونلسکی(1377-1446)، مجسمه ساز دوناتلو(1386-1466). نقاش ماساچیو (1401 -1428).

برونلسکی سهم بزرگی در توسعه معماری داشت. او پایه های معماری رنسانس را پایه گذاری کرد، اشکال جدیدی را کشف کرد که برای قرن ها وجود داشت. او کارهای زیادی برای توسعه قوانین دیدگاه انجام داد.

مهم ترین کار برونلسکی برپا کردن گنبدی بر روی ساختار تمام شده کلیسای جامع سانتا ماریا دل فیوره در فلورانس بود. او با کار بسیار دشواری روبرو شد، زیرا گنبد مورد نیاز باید اندازه بسیار زیادی داشته باشد - قطر حدود 50 متر. با کمک طرح اصلی، او به طرز درخشانی از یک موقعیت دشوار خارج می شود. با تشکر از راه حل یافت شده، نه تنها خود گنبد به طرز شگفت انگیزی سبک و به طور شگفت انگیزی بر روی شهر معلق بود، بلکه کل ساختمان کلیسای جامع هماهنگی و شکوه را به دست آورد.

کار زیبای برونلسکی کلیسای معروف پازی بود که در حیاط کلیسای سانتا کروچه در فلورانس ساخته شد. این بنای کوچک مستطیل شکل است که در مرکز آن با گنبدی پوشیده شده است. داخل آن با سنگ مرمر سفید پوشیده شده است. مانند دیگر ساختمان های برونلسکی، کلیسای کوچک با سادگی و وضوح، ظرافت و ظرافت متمایز است.

کار برونلسکی به این دلیل قابل توجه است که او فراتر از مکان های عبادت است و ساختمان های باشکوهی از معماری سکولار ایجاد می کند. یک نمونه عالی از چنین معماری، یتیم خانه است، که به شکل حرف "P" ساخته شده است، با یک گالری سرپوشیده-ایالات.

مجسمه ساز فلورانسی دوناتلو یکی از برجسته ترین خالقان رنسانس اولیه است. او در ژانرهای مختلف کار کرد و در همه جا نوآوری واقعی را نشان داد. دوناتلو در کار خود از میراث باستانی با تکیه بر مطالعه عمیق طبیعت استفاده می کند و با شجاعت وسایل بیان هنری را به روز می کند.

او در توسعه نظریه پرسپکتیو خطی شرکت می کند، پرتره مجسمه و تصویر یک بدن برهنه را احیا می کند و اولین بنای برنزی را می سازد. تصاویری که او خلق کرد تجسم ایده آل انسان گرایانه یک شخصیت هماهنگ توسعه یافته است. دوناتلو با کار خود تأثیر زیادی در پیشرفت بعدی مجسمه سازی اروپایی داشت.

میل دوناتلو برای ایده آل کردن شخص به تصویر کشیده شده به وضوح در آن آشکار شد مجسمه داوود جواندر این اثر، دیوید به عنوان یک جوان جوان، زیبا، سرشار از قدرت ذهنی و جسمی ظاهر می شود. زیبایی بدن برهنه او توسط یک نیم تنه منحنی برازنده تاکید شده است. چهره جوان بیانگر متفکر و اندوه است. این مجسمه با مجموعه ای کامل از چهره های برهنه در مجسمه سازی رنسانس دنبال شد.

اصل قهرمانی در آن قوی و متمایز است مجسمه سنت جورج،که به یکی از قله های کار دوناتلو تبدیل شد. در اینجا او کاملاً موفق شد ایده یک شخصیت قوی را مجسم کند. پیش روی ما یک جنگجوی بلند قد، لاغر اندام، شجاع، آرام و با اعتماد به نفس است. در این کار، استاد خلاقانه بهترین سنت های مجسمه سازی باستانی را توسعه می دهد.

یک اثر کلاسیک دوناتلو مجسمه برنزی فرمانده گاتاملاتا است - اولین بنای یادبود سوارکاری در هنر رنسانس. در اینجا مجسمه ساز بزرگ به سطح نهایی تعمیم هنری و فلسفی می رسد که این اثر را به دوران باستان نزدیک می کند.

در همان زمان، دوناتلو پرتره ای از یک شخصیت خاص و منحصر به فرد خلق کرد. فرمانده به عنوان یک قهرمان واقعی رنسانس، فردی شجاع، آرام، با اعتماد به نفس ظاهر می شود. این مجسمه با فرم های لاکونیک، شکل پذیری واضح و دقیق، وضعیت طبیعی سوار و اسب متمایز می شود. به لطف این، این بنای تاریخی به یک شاهکار واقعی مجسمه های یادبود تبدیل شده است.

در آخرین دوره خلاقیت، دوناتلو یک گروه برنزی "جودیت و هولوفرنس" را ایجاد می کند. این اثر مملو از پویایی و درام است: جودیت در لحظه ای به تصویر کشیده می شود که شمشیر خود را بر روی هولوفرنس زخمی شده بالا می برد. تا او را تمام کند

ماساچیوبه درستی یکی از چهره های اصلی رنسانس اولیه محسوب می شود. او روندهای حاصل از Giotto را ادامه می دهد و توسعه می دهد. ماساچیو تنها 27 سال زندگی کرد و نتوانست انجام دهد. با این حال، نقاشی های دیواری که او خلق کرد به یک مدرسه واقعی نقاشی برای هنرمندان ایتالیایی بعدی تبدیل شد. به گفته وازاری، معاصر رنسانس عالی و منتقد معتبر، «هیچ استادی به اندازه ماساچیو به استادان مدرن نزدیک نشد».

مخلوق اصلی ماساچیو نقاشی های دیواری در کلیسای برانکاچی کلیسای سانتا ماریا دل کارمین در فلورانس است که در مورد قسمت هایی از افسانه های St.

اگرچه نقاشی های دیواری از معجزات انجام شده توسط St. پیتر، هیچ چیز ماوراء طبیعی و عرفانی در آنها وجود ندارد. مسیح، پطرس، حواریون و سایر شرکت کنندگان در این رویدادها به نظر می رسد افرادی کاملاً زمینی هستند. آنها دارای ویژگی های فردی هستند و کاملاً طبیعی و انسانی رفتار می کنند. به ویژه، در صحنه «تعمید» یک مرد جوان برهنه که از سرما می‌لرزد، به طرز شگفت‌آوری واقعی نشان داده می‌شود. ماساچیو ترکیب خود را نه تنها با استفاده از پرسپکتیو خطی، بلکه با استفاده از پرسپکتیو هوایی نیز می سازد.

از کل چرخه، شایسته ذکر ویژه است نقاشی دیواری "اخراج از بهشت".او یک شاهکار واقعی نقاشی است. نقاشی دیواری بسیار لاکونیک است، هیچ چیز اضافی در آن وجود ندارد. در پس زمینه منظره ای مبهم، چهره های آدم و حوا که دروازه های بهشت ​​را ترک کرده اند به وضوح قابل مشاهده است که فرشته ای با شمشیر بر فراز آنها شناور است. تمام توجهات معطوف به مامان و ایوا است.

ماساچیو اولین کسی در تاریخ نقاشی بود که توانست بدنی برهنه را چنان متقاعدکننده و قابل اعتماد نقاشی کند، نسبت های طبیعی آن را منتقل کند، به آن ثبات و حرکت بدهد. حالت درونی شخصیت ها به همان اندازه متقاعدکننده و واضح بیان می شود. آدم که گام های بلندی برمی داشت از شرم سرش را پایین انداخت و صورتش را با دستانش پوشاند. حوا با هق هق سرش را با ناامیدی با دهان باز به عقب پرت کرد. این نقاشی دیواری دوران جدیدی را در هنر باز می کند.

کاری که ماساچیو انجام داد توسط هنرمندانی مانند آندره آ مانتنیا(1431 -1506) و ساندرو بوتیچلی(1455-1510). اولین مورد عمدتاً به خاطر نقاشی های دیواری خود مشهور شد که در میان آنها نقاشی های دیواری که در مورد آخرین قسمت های زندگی سنت سنت می گوید جایگاه ویژه ای را اشغال کرده است. جیمز - راهپیمایی به سوی اعدام و خود اعدام. بوتیچلی نقاشی سه پایه را ترجیح می داد. معروف ترین نقاشی های او بهار و تولد زهره است.

از پایان قرن پانزدهم، زمانی که هنر ایتالیایی به بالاترین اوج خود می رسد، رنسانس بالا.برای ایتالیا، این دوره بسیار سخت بود. تکه تکه و در نتیجه بی دفاع، به معنای واقعی کلمه ویران شد، غارت شد و در اثر تهاجمات فرانسه، اسپانیا، آلمان و ترکیه خشک شد. با این حال، هنر در این دوره، به اندازه کافی عجیب، شکوفایی بی سابقه ای را تجربه می کند. در این زمان بود که غول هایی مانند لئوناردو داوینچی خلق می کردند. رافائل میکل آنژ، تیتیان.

در معماری، آغاز رنسانس عالی با خلاقیت همراه است دوناتو برامانته(1444-1514). او بود که سبکی را ایجاد کرد که توسعه معماری این دوره را تعیین کرد.

یکی از کارهای اولیه او کلیسای صومعه سانتا ماریا دلا گرازیه در میلان بود که لئوناردو داوینچی نقاشی دیواری معروف خود شام آخر را در سفره خانه آن نقاشی کرد. شکوه آن با یک کلیسای کوچک به نام آغاز می شود تمپتو(1502)، در رم ساخته شد و به نوعی "مانیفست" رنسانس عالی تبدیل شد. کلیسای کوچک شکل یک روتوندا دارد، با سادگی وسایل معماری، هماهنگی قطعات و بیان نادر متمایز می شود. این یک شاهکار کوچک واقعی است.

اوج کار برامانت بازسازی واتیکان و تبدیل ساختمان های آن به یک مجموعه واحد است. او همچنین صاحب طراحی کلیسای جامع St. پیتر، که در آن میکل آنژ تغییراتی ایجاد می کند و شروع به اجرا می کند.

همچنین ببینید: میکل آنژ بووناروتی

در هنر رنسانس ایتالیا، جایگاه ویژه ای را اشغال کرده است ونیزمدرسه ای که در اینجا توسعه یافت تفاوت قابل توجهی با مدارس فلورانس، رم، میلان یا بولونیا داشت. این دومی ها به سمت سنت های پایدار و تداوم گرایش داشتند، آنها تمایلی به تجدید رادیکال نداشتند. کلاسیک گرایی قرن هفدهم بر این مکاتب تکیه کرد. و نئوکلاسیک قرنهای بعد.

مکتب ونیزی به عنوان موازنه و ضد پایه اصلی آنها عمل کرد. روح نوآوری و نوسازی رادیکال و انقلابی در اینجا حاکم بود. از نمایندگان سایر مدارس ایتالیایی، لئوناردو به ونیز نزدیکتر بود. شاید در اینجا بود که اشتیاق او به تحقیق و آزمایش توانست درک و شناسایی مناسبی پیدا کند. در دعوای معروف بین هنرمندان «قدیم و جدید»، این دومی به نمونه ونیز تکیه کرد. از اینجا بود که روندهایی که به باروک و رمانتیسم منجر شد آغاز شد. و اگرچه رمانتیک ها رافائل را گرامی می داشتند، خدایان واقعی آنها تیتین و ورونز بودند. در ونیز، ال گرکو اتهام خلاقانه خود را دریافت کرد، که به او اجازه داد نقاشی اسپانیایی را شوکه کند. ولاسکوز از ونیز گذشت. همین را می توان در مورد هنرمندان فلاندری روبنس و ون دایک نیز گفت.

ونیز به عنوان یک شهر بندری، خود را در تقاطع مسیرهای اقتصادی و تجاری یافت. او تأثیر شمال آلمان، بیزانس و شرق را تجربه کرد. ونیز به زیارتگاه بسیاری از هنرمندان تبدیل شده است. A. Dürer دو بار اینجا بود - در پایان قرن 15. و اوایل قرن شانزدهم. گوته (1790) او را ملاقات کرد. واگنر در اینجا به آواز گوندولیرها (1857) گوش داد که تحت الهام آنها دومین کنش تریستان و ایزولد را نوشت. نیچه به آواز گوندولی ها نیز گوش می داد و آن را آواز روح می خواند.

نزدیکی دریا به جای ساختارهای هندسی شفاف، اشکال سیال و متحرک را برانگیخت. ونیز نه چندان به دلیل قواعد سختگیرانه اش، بلکه به احساساتی گرایش داشت که شعر شگفت انگیز هنر ونیزی از آن زاده شد. محور این شعر طبیعت بود - مادیات مشهود و محسوس آن، یک زن - زیبایی مهیج گوشتش، موسیقی - زاییده بازی رنگ ها و نور و از صداهای مسحور کننده طبیعت معنوی.

هنرمندان مکتب ونیزی نه فرم و نقش، بلکه رنگ، بازی نور و سایه را ترجیح می دادند. آنها با به تصویر کشیدن طبیعت، به دنبال انتقال تکانه ها و حرکت، تغییرپذیری و سیال بودن آن بودند. آنها زیبایی بدن زن را نه در هماهنگی فرم ها و تناسبات، که در زنده ترین و احساسی ترین گوشت می دیدند.

آنها به اندازه کافی واقعی و قابل اعتماد نبودند. آنها به دنبال آشکار کردن ثروت ذاتی در خود نقاشی بودند. این ونیز است که شایستگی کشف یک اصل زیبای ناب، یا زیبایی در خالص ترین شکل آن را دارد. هنرمندان ونیزی اولین کسانی بودند که امکان جداسازی زیبایی از اشیاء و فرم، امکان حل مشکلات نقاشی با کمک یک رنگ، صرفاً وسایل تصویری، امکان در نظر گرفتن منظره را به عنوان یک هدف در خود نشان دادند. تمام نقاشی های بعدی، بر اساس بیان و بیان، این مسیر را طی خواهند کرد. به عقیده برخی کارشناسان، می توان از تیتیان به روبنس و رامبراند، سپس به دلاکروا و از او به گوگن، ون گوگ، سزان و... رفت.

بنیانگذار مکتب ونیزی است جورجیونه(1476-1510). او در کار خود به عنوان یک مبتکر واقعی عمل کرد. آغاز سکولار سرانجام برای او پیروز می شود و به جای موضوعات کتاب مقدس، ترجیح می دهد با مضامین اساطیری و ادبی بنویسد. در کار او برپایی تابلوی سه‌قلویی اتفاق می‌افتد که دیگر شبیه شمایل یا تصویر محراب نیست.

جورجیون عصر جدیدی را در نقاشی باز می کند، اولین دوره ای که نقاشی را از طبیعت آغاز کرد. او با به تصویر کشیدن طبیعت، برای اولین بار تمرکز خود را به تحرک، تغییرپذیری و سیالیت معطوف می کند. یک نمونه عالی از این نقاشی او "طوفان رعد و برق" است. این جورجیونه بود که شروع به جستجوی راز نقاشی در نور و گذارهای آن در بازی نور و سایه کرد و به عنوان پیشرو کاراواجو و کاراواگیسم عمل کرد.

جورجیونه آثاری در ژانرها و مضامین مختلف خلق کرد - "کنسرت کشور" و "جودیت". معروف ترین کار او بود "زهره خفته"". این عکس عاری از هر طرحی است. او از زیبایی و جذابیت بدن برهنه زن آواز می خواند که نشان دهنده "برهنگی به خاطر خود برهنگی" است.

رئیس مدرسه ونیزی است تیتیان(حدود 1489-1576). آثار او - همراه با کارهای لئوناردو، رافائل و میکل آنژ - اوج هنر رنسانس است. بیشتر عمر طولانی او مربوط به اواخر رنسانس است.

در آثار تیتیان، هنر رنسانس به بالاترین رشد و شکوفایی خود می رسد. آثار او ترکیبی از جستجوی خلاقانه و نوآوری لئوناردو، زیبایی و کمال رافائل، عمق معنوی، درام و تراژدی میکل آنژ است. آنها حسی فوق العاده دارند که به لطف آن تأثیر قدرتمندی بر بیننده می گذارند. آثار تیتیان به طرز شگفت انگیزی موزیکال و ملودیک هستند.

همانطور که روبنس اشاره می کند، همراه با تیتین، نقاشی طعم خود را به دست آورد و به گفته دلاکروا و ون گوگ، موسیقی. بوم های او با قلم موی باز نقاشی شده است که هم سبک، هم آزاد و هم شفاف است. در آثار او است که رنگ، همان طور که بود، فرم را حل می کند و جذب می کند، و اصل تصویری برای اولین بار خودمختاری پیدا می کند، به شکل خالص خود ظاهر می شود. رئالیسم در خلقت او به غزلی جذاب و لطیف تبدیل می شود.

در آثار دوره اول، تیتیان لذت بی خیال زندگی، لذت بردن از کالاهای زمینی را تجلیل می کند. او از اصل نفسانی، گوشت انسان از سلامتی، زیبایی ابدی بدن، کمال جسمانی انسان می سراید. این موضوع بوم نقاشی های او مانند «عشق در زمین و آسمان»، «عید زهره»، «باکوس و آریادنه»، «دانایی»، «زهره و آدونیس» است.

شروع حسی در تصویر غالب است "مجدلیه توبه کننده"، اگرچه به موقعیت دراماتیک اختصاص دارد. اما در اینجا نیز گناهکار توبه‌کار دارای گوشتی نفسانی، بدنی گیرا و درخشان، لب‌های پر و نفسانی، گونه‌های گلگون و موهای طلایی است. بوم "پسر با سگ" پر از غزلیات نافذ است.

در آثار دوره دوم، اصل نفسانی حفظ می شود، اما با روانشناسی و نمایش رو به رشد تکمیل می شود. به طور کلی، تیتین یک گذار تدریجی از جسم و حس به معنوی و دراماتیک می کند. تغییرات مداوم در کار تیتیان هنگام تجسم مضامین و طرح هایی که این هنرمند بزرگ دو بار به آنها پرداخته است به وضوح قابل مشاهده است. نمونه بارز در این زمینه نقاشی "سنت سباستین" است. در نسخه اول، سرنوشت یک فرد رنجور تنها که توسط مردم رها شده است چندان غم انگیز به نظر نمی رسد. برعکس، قدیس تصویر شده دارای نشاط و زیبایی ظاهری است. در نسخه بعدی تصویر، واقع در هرمیتاژ، همان تصویر ویژگی های تراژدی را به دست می آورد.

نمونه برجسته تر، انواع نقاشی "تاج گذاری با خارها" است که به قسمتی از زندگی مسیح اختصاص دارد. در اولین آنها، در موزه لوور ذخیره می شود. مسیح به عنوان یک ورزشکار خوش تیپ و قوی ظاهر می شود که می تواند متجاوزان خود را دفع کند. در نسخه مونیخ که بیست سال بعد ساخته شد، همان قسمت بسیار عمیق تر، پیچیده تر و معنادارتر منتقل می شود. مسیح در شنل سفید تصویر شده است، چشمانش بسته است، او با آرامش ضرب و شتم و تحقیر را تحمل می کند. حالا مهم تاج گذاری و ضرب و شتم نیست، نه یک پدیده جسمانی، بلکه یک پدیده روانی و روحی است. این تصویر پر از تراژدی عمیق است ، بیانگر پیروزی روح ، اشراف معنوی بر قدرت بدنی است.

در آثار متأخر تیتیان صدای تراژیک بیش از پیش تشدید می شود. این را نقاشی "مرثیه مسیح" نشان می دهد.