یک سمفونی کلاسیک چند حرکت دارد؟ سمفونی. سمفونی در آثار آهنگسازان روسی

18.06.2019

سخنرانی

ژانرهای سمفونیک

تاریخچه تولد سمفونی به عنوان یک ژانر

تاریخچه سمفونی به عنوان یک ژانر حدود دو قرن و نیم است.

در اواخر قرون وسطی در ایتالیا، تلاشی برای احیای نمایش باستانی انجام شد. این شروع یک نوع کاملاً متفاوت از هنر موسیقی و تئاتر - اپرا بود.
در اوایل اپرای اروپا، گروه کر نقش مهمی به عنوان تک خوان با گروهی از نوازندگان ساز که آنها را همراهی می کردند، ایفا نمی کرد. غرفه ها و صحنه در ابتدا، این مکان شروع به نامیدن "ارکستر" و سپس خود نوازندگان کرد.

سمفونی(یونانی) - همخوانیدر دوره از قرن شانزدهم تا هجدهم. این مفهوم یعنی «ترکیبی موزون از صداها»، «آوازخوانی هماهنگ» و «یک قطعه موسیقی چندصدایی».

« سمفونی ها"تماس گرفت وقفه های ارکستری بین کنش های اپرا. « ارکسترها" (یونان باستان) نامیده می شد سکوهای مقابل صحنه تئاتر، جایی که گروه کر در ابتدا در آن قرار داشت.

فقط در دهه 30 و 40. در سالهای قرن 18، یک ژانر ارکستر مستقل شکل گرفت که شروع به نامگذاری سمفونی کرد.

ژانر جدید بود یک اثر متشکل از چندین بخش (چرخه) و قسمت اول که معنای اصلی اثر را در بر می گیرد، قطعاً باید با «فرم سونات» مطابقت داشته باشد.

زادگاه ارکستر سمفونیک شهر مانهایم است. در اینجا ، در نمازخانه انتخاب کننده محلی ، ارکستری تشکیل شد که هنر آن تأثیر زیادی بر خلاقیت ارکستر و در کل پیشرفت بعدی موسیقی سمفونیک داشت.
« این ارکستر خارق‌العاده فضا و وجوه کافی دارد- چارلز برنی مورخ مشهور موسیقی نوشت. در اینجا از افکت‌هایی که چنین انبوهی از صداها می‌توان تولید کرد استفاده شد: اینجا بود که «کرشندو» «دیمینوندو» متولد شد و «پیانو» که قبلاً عمدتاً به عنوان اکو استفاده می‌شد و معمولاً مترادف آن بود و « فورته" به عنوان رنگ های موزیکال شناخته می شدند که سایه های خود را دارند، مانند قرمز یا آبی در نقاشی ... ".

برخی از اولین آهنگسازانی که در ژانر سمفونی کار کردند عبارتند از:

ایتالیایی - جیووانی سامارتینی، فرانسوی - فرانسوا گوسک و آهنگساز چک - یان استامیتز.

اما همچنان جوزف هایدن را خالق ژانر سمفونی کلاسیک می دانند. او صاحب اولین نمونه های درخشان سونات کلاویه، سه زهی و کوارتت است. در کار هایدن بود که ژانر سمفونی متولد شد و شکل گرفت و آخرین، همانطور که اکنون می گوییم، خطوط کلاسیک را به خود گرفت.

I. Haydn و W. Mozart در خلاقیت سمفونیک بهترین چیزهایی را که موسیقی ارکسترال قبل از آنها غنی بود، خلاصه و خلق کردند. و در همان زمان، سمفونی های هایدن و موتزارت امکانات واقعاً پایان ناپذیر یک ژانر جدید را باز کردند. اولین سمفونی های این آهنگسازان برای یک ارکستر کوچک طراحی شد. اما متعاقبا، آی. هایدن ارکستر را نه تنها از نظر کمی، بلکه از طریق استفاده از بیان ترکیبات صوتی سازهایی که فقط با یک یا آن ایده او مطابقت دارد، گسترش می دهد.

این هنر سازسازی یا ارکستراسیون است.

تنظیم و ارکستراسیونیک عمل خلاق زنده، طراحی ایده های موسیقی آهنگساز است. ابزارسازی خلاقیت است - یکی از جنبه های روح خود ترکیب.

در طول دوره کار بتهوون، سرانجام ترکیب کلاسیک ارکستر شکل گرفت که شامل:

رشته های،

ترکیب جفت سازهای چوبی،

2 (گاهی اوقات 3-4) شاخ،

2 تیمپان. این ترکیب نامیده می شود کم اهمیت.

G. Berlioz و R. Wagner به دنبال افزایش مقیاس صدای ارکستر با افزایش آهنگسازی 3-4 برابر بودند.

اوج موسیقی سمفونیک شوروی آثار اس پروکوفیف و د. شوستاکوویچ بود.

سمفونی...با یک رمان و یک داستان، یک فیلم حماسی و یک درام، یک نقاشی دیواری زیبا مقایسه می شود. معنیهمه این قیاس ها قابل درک است. در این ژانر می توان چیزی مهم را بیان کرد، گاهی اوقات مهم ترین چیزی که هنر برای آن وجود دارد و انسان برای آن در دنیا زندگی می کند. - تلاش برای شادی، برای نور، عدالت و دوستی.

سمفونی یک قطعه موسیقی برای ارکستر سمفونیک است که به شکل سونات-دوره ای نوشته شده است.معمولاً از 4 قسمت تشکیل شده است که بیانگر افکار پیچیده هنری در مورد زندگی انسان، رنج و شادی انسان، آرزوها و انگیزه هاست. سمفونی هایی با حرکات بیشتر و کمتر، تا یک موومان وجود دارد.

برای تقویت جلوه های صوتی، گاهی اوقات سمفونی معرفی می شود گروه کر و آوازهای تک نفره.سمفونی هایی برای ارکسترهای زهی، مجلسی، مقدس و سایر ارکسترها، برای ارکستر با تک ساز، ارگ، گروه کر و آواز وجود دارد... . چهار قسمتسمفونی‌ها تضادهای معمول حالات زندگی را بیان می‌کنند: صحنه‌های مبارزه دراماتیک (مرکز اول)، قسمت‌های طنز یا رقص (مینوت یا اسکرزو)، تفکر عالی (حرکت آهسته) و یک پایان رسمی یا فولکلور.

موسیقی سمفونیک موسیقی است که توسط سمفونیک اجرا می شود
ارکستر؛مهم ترین و غنی ترین حوزه موسیقی دستگاهی،
همچنین شامل آثار بزرگ چند قسمتی، اشباع از پیچیده ایدئولوژیک و
محتوای احساسی و قطعات کوچک موسیقی موضوع اصلی موسیقی سمفونیک موضوع عشق و موضوع دشمنی است.

ارکستر سمفونی،
ترکیب انواع سازها، یک پالت غنی را ارائه می دهد
رنگ های صوتی، وسایل بیانی.

آثار سمفونیک هنوز هم بسیار محبوب هستند: سمفونی L. Beethoven شماره 3 ("قهرمانانه")، شماره 5، Egmont Overture;

P چایکوفسکی سمفونی شماره 4، شماره 6، اورتور "رومئو و ژولیت"، کنسرتو (فونو،

S. Prokofiev سمفونی شماره 7

I. Stravinsky گزیده هایی از باله "Petrushka"

جی گرشوین سمفو جاز "راپسودی به سبک بلوز"

موسیقی برای ارکستر در تعامل مداوم با انواع دیگر هنر موسیقی: موسیقی مجلسی، ارگ، کرال و اپرا توسعه یافت.

ژانرهای مشخصه قرن 17-18: سوئیت، کنسرت- گروه و ارکسترال اورتورمدل اپرا انواع سوئیت قرن هجدهم: دگرگونی، سرناد، شبگردی.

ظهور قدرتمند موسیقی سمفونیک با پیشرفت سمفونیک، توسعه آن به عنوان یک فرم سونات چرخه ای و بهبود نوع کلاسیک ارکستر سمفونیک همراه است. در سمفونی و انواع دیگر موسیقی سمفونیک، آنها اغلب شروع به معرفی کردند گروه کر و آوازهای تک نفره. شروع سمفونیک در آهنگسازی های آوازی و ارکستری، اپرا و باله تقویت شد. ژانرهای موسیقی سمفونیک نیز شامل سمفونیتا، واریاسیون های سمفونیک، فانتزی، راپسودی، افسانه، کاپریچیو، شرزو، ترکیبی، مارش، رقص های مختلف، انواع مینیاتور و غیره.رپرتوار سمفونی کنسرت نیز شامل قطعات ارکسترال را از اپرا، باله، درام، نمایشنامه، فیلم جدا کنید.

موسیقی سمفونیک قرن نوزدهم تجسم دنیای عظیمی از ایده ها و احساسات. این منعکس کننده مضامین طنین اجتماعی گسترده، عمیق ترین احساسات، تصاویر طبیعت، زندگی روزمره و فانتزی، شخصیت های ملی، تصاویر هنرهای فضایی، شعر، فولکلور است.

ارکستر انواع مختلفی دارد:

گروه موسیقی (متشکل از سازهای بادی - برنجی و چوبی)

ارکستر زهی:.

ارکستر سمفونیک از نظر آهنگسازی بزرگ‌ترین و از نظر توانایی‌ها غنی‌ترین ارکستر است. برای اجرای کنسرت موسیقی ارکسترال در نظر گرفته شده است. ارکستر سمفونیک در شکل مدرن خود بلافاصله شکل نگرفت، بلکه در نتیجه یک روند طولانی تاریخی شکل گرفت.

یک ارکستر سمفونیک کنسرت، برخلاف ارکستر اپرا، درست روی صحنه قرار دارد و دائماً در میدان دید مخاطب قرار دارد.

به دلیل سنت‌های تاریخی، ارکسترهای سمفونیک کنسرت و اپرا مدت‌هاست که از نظر ترکیب متفاوت بوده‌اند، اما امروزه این تمایز تقریباً از بین رفته است.

تعداد کل نوازندگان در یک ارکستر سمفونیک ثابت نیست: می تواند بین 60-120 (و حتی بیشتر) نفر متفاوت باشد. چنین ترکیب بزرگی از شرکت کنندگان برای یک بازی هماهنگ نیاز به رهبری ماهرانه دارد. این نقش متعلق به هادی است.

تا اوایل قرن نوزدهم، رهبر ارکستر خود در حین اجرا سازهایی را می نواخت - به عنوان مثال، ویولن. با این حال، با گذشت زمان، محتوای موسیقی سمفونیک پیچیده تر شد و این واقعیت به تدریج رهبران ارکستر را مجبور به ترک چنین ترکیبی کرد.

Tannhäuser: من بخش جدیدی را در مورد فرم ها و ژانرهای موسیقی باز می کنم. و صفحه اول، سمت راست، با "SYMPHONY" باز می شود ... من پرتره های آهنگسازان بزرگ و سایر تصاویر را به متن اضافه خواهم کرد. من همه موارد را اضافه نکردم. اسامی سمفونیست هایی که برای من شناخته شده است. اما در ادامه با شما آشنا می شوم من با نام های فراموش شده "جدید" خواهم بود. پست را با کلیپ های صوتی و تصویری اضافه نمی کنم ... شما می توانید بدون نگرانی آنها را پیدا کنید ... و در دفتر خاطرات من شما را در این بخش می بینیم.

سمفونی(از یونانی "همصدا") - اثری برای ارکستر، متشکل از چندین بخش. سمفونی موزیکال ترین شکل در میان موسیقی ارکسترال کنسرت است.

ساختمان کلاسیک

به دلیل شباهت نسبی ساختار با سونات، سمفونی را می توان سونات بزرگ برای ارکستر نامید. سونات و سمفونی، و همچنین کنسرتو، سه‌گانه، کوارتت و غیره متعلق به "چرخه سونات-سمفونی" هستند - یک فرم موسیقی دوره‌ای یک اثر که در آن مرسوم است حداقل یکی از بخش‌ها ارائه شود (معمولاً). اول) به شکل سونات. چرخه سونات-سمفونیک بزرگترین فرم چرخه ای در بین فرم های صرفاً دستگاهی است.

همانند سونات، سمفونی کلاسیک دارای چهار موومان است:
- قسمت اول، با سرعتی سریع، به صورت سونات نوشته شده است.
- قسمت دوم، در حرکت آهسته، به شکل روندو، کمتر به صورت سونات یا فرم متغیر نوشته شده است.
- موومان سوم، اسکرو یا مینوئت به صورت سه قسمتی.
- قسمت چهارم، با سرعت سریع، به صورت سونات یا به صورت روندو، روندو-سوناتا.
اگر موومان اول با سرعت متوسط نوشته شود، برعکس، می توان موومان دوم سریع و موومان سوم کند را دنبال کرد (مثلاً سمفونی نهم بتهوون).

با توجه به اینکه سمفونی برای قدرت های بزرگ ارکستر طراحی شده است، هر بخش در آن به شیوه ای گسترده تر و دقیق تر از مثلاً در یک سونات معمولی پیانو نوشته شده است، زیرا غنای ابزار بیانی یک ارکستر سمفونیک فراهم می کند. برای ارائه دقیق اندیشه موسیقی

تاریخچه سمفونی

اصطلاح سمفونی در یونان باستان، قرون وسطی و رنسانس عمدتاً برای توصیف سازهای مختلف، به ویژه سازهایی که قادر به تولید بیش از یک صدا در یک زمان بودند، استفاده می شد. بنابراین در آلمان، تا اواسط قرن هجدهم، سمفونی یک اصطلاح عمومی برای انواع هارپسیکورد - اسپینتس و ویرجینل بود، در فرانسه به آن اندام های بشکه ای، هارپسیکورد، طبل های دو سر و غیره می گفتند.

کلمه سمفونی برای "هم صدا کردن" قطعات موسیقی در عناوین برخی از آثار دوران باروک قرن شانزدهم و هفدهم توسط آهنگسازانی مانند جیووانی گابریلی (Sacrae symphoniae، 1597، و Symphoniae sacrae 1615)، آدریانو بانکیری (Adriano Bankieri) ظاهر شد. Eclesiastiche Sinfonie، 1607)، Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali، 1610) و هاینریش شوتز (Symphoniae sacrae، 1629).

نمونه اولیه این سمفونی را می توان اورتور ایتالیایی در نظر گرفت که تحت رهبری دومنیکو اسکارلاتی در پایان قرن هفدهم توسعه یافت. این فرم قبلاً سمفونی نامیده می شد و از سه بخش متضاد تشکیل می شد: آلگرو، آندانته و آلگرو که در یک قسمت ادغام شدند. این فرم است که اغلب به عنوان پیشرو مستقیم سمفونی ارکستر در نظر گرفته می شود. اصطلاحات "اورتور" و "سمفونی" در بیشتر قرن هجدهم به جای یکدیگر استفاده می شدند.

دیگر مولدهای مهم این سمفونی، سوئیت ارکسترال بود که شامل چندین بخش به ساده‌ترین شکل‌ها و بیشتر در یک کلید بود، و کنسرتو ریپینو (ریپینو کنسرتو) - فرمی یادآور کنسرتو برای زهی و زهی، اما بدون تک‌نواز. سازها آثار جوزپه تورلی و آنتونیو ویوالدی به این شکل خلق شدند، شاید مشهورترین کنسرتو ریپینو "کنسرتو شماره 3 براندنبورگ" یوهان سباستین باخ باشد.

جوزف هایدن را بنیانگذار مدل سمفونی کلاسیک می دانند. در سمفونی کلاسیک فقط قسمت اول و آخر کلید یکسان است و قسمت میانی با کلیدهای مربوط به اصلی نوشته می شود که کلید کل سمفونی را مشخص می کند. نمایندگان برجسته سمفونی کلاسیک ولفگانگ آمادئوس موتزارت و لودویگ ون بتهوون هستند. بتهوون به طور چشمگیری سمفونی را گسترش داد. سمفونی شماره 3 او ("قهرمانانه") که دارای مقیاس و دامنه احساسی است که از همه آثار قبلی فراتر می رود، سمفونی شماره 5 او شاید مشهورترین سمفونی است که تا کنون نوشته شده است. سمفونی شماره 9 او با گنجاندن قطعاتی برای تکنوازان و گروه کر در موومان آخر به یکی از اولین "سمفونی های کر" تبدیل می شود.

سمفونی رمانتیک ترکیبی از فرم کلاسیک با بیان رمانتیک شد. روند برنامه نویسی نیز در حال توسعه است. لایتموتیف ها ظاهر می شوند. وجه تمایز اصلی رمانتیسم رشد فرم، ترکیب ارکستر و تراکم صدا بود. از برجسته ترین نویسندگان سمفونی های این دوره می توان به فرانتس شوبرت، رابرت شومان، فلیکس مندلسون، هکتور برلیوز، یوهانس برامس، پی آی چایکوفسکی، آ. بروکنر و گوستاو مالر اشاره کرد.

از نیمه دوم قرن نوزدهم و به ویژه در قرن بیستم، دگرگونی بیشتری در سمفونی رخ داد. ساختار چهار موومانی اختیاری شده است: سمفونی ها می توانند شامل یک موومان (سمفونی هفتم یان سیبلیوس) تا یازده (سمفونی چهاردهم اثر دی. شوستاکوویچ) یا بیشتر باشند. بسیاری از آهنگسازان اندازه سمفونی ها را آزمایش کردند، بنابراین گوستاو مالر هشتمین سمفونی خود را به نام "سمفونی هزار شرکت کننده" (به دلیل قدرت ارکستر و گروه های کر برای اجرای آن) ایجاد کرد. استفاده از فرم سونات اختیاری می شود.
پس از سمفونی نهم ال. بتهوون، آهنگسازان اغلب شروع به معرفی قطعات آوازی به سمفونی کردند. با این حال، مقیاس و محتوای مواد موسیقی ثابت باقی می ماند.

جوزف هایدن - 108 سمفونی

ولفگانگ آمادئوس موتزارت - 41 (56) سمفونی

لودویگ ون بتهوون - 9 سمفونی

فرانتس شوبرت - 9 سمفونی

رابرت شومان - 4 سمفونی

فلیکس مندلسون - 5 سمفونی

هکتور برلیوز - چندین سمفونی برنامه

آنتونین دووراک - 9 سمفونی

یوهانس برامس - 4 سمفونی

پیوتر چایکوفسکی - 6 سمفونی (همچنین سمفونی "مانفرد")

آنتون بروکنر - 10 سمفونی

گوستاو مالر - 10 سمفونی

یان سیبلیوس - 7 سمفونی

سرگئی راخمانینوف - 3 سمفونی

ایگور استراوینسکی - 5 سمفونی

سرگئی پروکوفیف - 7 سمفونی

دیمیتری شوستاکوویچ - 15 سمفونی (همچنین چندین سمفونی مجلسی)

آلفرد اشنیتکه - 9 سمفونی

سمفونی(از یونانی "همصدا") - اثری برای ارکستر، متشکل از چندین بخش. سمفونی موزیکال ترین شکل در میان موسیقی ارکسترال کنسرت است.

ساختمان کلاسیک

به دلیل شباهت نسبی ساختار با سونات، سمفونی را می توان سونات بزرگ برای ارکستر نامید. سونات و سمفونی و همچنین سه گانه، کوارتت و غیره متعلق به "چرخه سونات-سمفونی" هستند - یک فرم موسیقی چرخه ای از یک اثر که در آن مرسوم است حداقل یکی از قسمت ها (معمولاً اولین) ارائه شود. فرم سونات چرخه سونات-سمفونیک بزرگترین فرم چرخه ای در بین فرم های صرفاً دستگاهی است.

تاریخچه سمفونی

واژه سمفونی در یونان باستان، در قرون وسطی، و به طور کلی برای توصیف سازهای مختلف، به ویژه سازهایی که قادر به تولید بیش از یک صدا در یک زمان بودند، استفاده می شد. بنابراین در آلمان، تا اواسط قرن هجدهم، سمفونی یک اصطلاح عمومی برای انواع هارپسیکورد - اسپینتس و ویرجینل بود، در فرانسه به آن اندام های بشکه ای، هارپسیکورد، طبل های دو سر و غیره می گفتند.

کلمه سمفونی برای "هم صدا کردن" قطعات موسیقی در عناوین برخی از آثار قرن شانزدهم و هفدهم ظاهر شد، آهنگسازانی مانند جووانی گابریلی (Sacrae symphoniae، 1597، و Symphoniae sacrae 1615)، آدریانو Banchieri (Eclesianiestiche Sinfo). 1607)، Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali، 1610) و هاینریش شوتز (Symphoniae sacrae، 1629).

نمونه اولیه این سمفونی را می توان در نظر گرفت که تحت رهبری دومنیکو اسکارلاتی در پایان قرن هفدهم توسعه یافت. این فرم قبلاً سمفونی نامیده می شد و از سه بخش متضاد تشکیل می شد: آلگرو، آندانته و آلگرو که در یک قسمت ادغام شدند. این فرم است که اغلب به عنوان پیشرو مستقیم سمفونی ارکستر در نظر گرفته می شود. اصطلاحات "اورتور" و "سمفونی" در بیشتر قرن هجدهم به جای یکدیگر استفاده می شدند.

دیگر مولدهای مهم این سمفونی، سوئیت ارکسترال بود که شامل چندین بخش به ساده‌ترین شکل‌ها و بیشتر در یک کلید بود، و کنسرتو ریپینو (ریپینو کنسرتو) - فرمی یادآور کنسرتو برای زهی و زهی، اما بدون تک‌نواز. سازها آثار جوزپه تورلی به این شکل خلق شدند و شاید معروف ترین کنسرتو ریپینو کنسرتو شماره 3 براندنبورگ یوهان سباستین باخ باشد.

بنیانگذار مدل کلاسیک این سمفونی به شمار می رود. در سمفونی کلاسیک فقط قسمت اول و آخر کلید یکسان است و قسمت میانی با کلیدهای مربوط به اصلی نوشته می شود که کلید کل سمفونی را مشخص می کند. نمایندگان برجسته سمفونی کلاسیک ولفگانگ آمادئوس موتزارت و لودویگ ون بتهوون هستند. بتهوون به طور چشمگیری سمفونی را گسترش داد. سمفونی شماره 3 او ("قهرمانانه") که دارای مقیاس و دامنه احساسی است که از همه آثار قبلی فراتر می رود، سمفونی شماره 5 او شاید مشهورترین سمفونی است که تا کنون نوشته شده است. سمفونی شماره 9 او با گنجاندن قطعاتی برای تکنوازان و گروه کر در موومان آخر به یکی از اولین "سمفونی های کر" تبدیل می شود.

سمفونی رمانتیک ترکیبی از فرم کلاسیک با بیان رمانتیک شد. روند برنامه نویسی نیز در حال توسعه است. به نظر می رسد. وجه تمایز اصلی رمانتیسم رشد فرم، ترکیب ارکستر و تراکم صدا بود. از برجسته ترین نویسندگان سمفونی های این دوره می توان به فرانتس شوبرت، رابرت شومان، فلیکس مندلسون، هکتور برلیوز، یوهانس برامس، پی آی چایکوفسکی، آ. بروکنر و گوستاو مالر اشاره کرد.

از نیمه دوم قرن نوزدهم و به ویژه در قرن بیستم، دگرگونی بیشتری در سمفونی رخ داد. ساختار چهار موومانی اختیاری شده است: سمفونی ها می توانند از یک (سمفونی هفتم) تا یازده (سمفونی چهاردهم اثر دی. شوستاکوویچ) یا بیشتر باشند. بسیاری از آهنگسازان اندازه سمفونی ها را آزمایش کردند، بنابراین گوستاو مالر هشتمین سمفونی خود را به نام "سمفونی هزار شرکت کننده" (به دلیل قدرت ارکستر و گروه های کر برای اجرای آن) ایجاد کرد. استفاده از فرم سونات اختیاری می شود.
پس از سمفونی نهم ال. بتهوون، آهنگسازان اغلب شروع به معرفی قطعات آوازی به سمفونی کردند. با این حال، مقیاس و محتوای مواد موسیقی ثابت باقی می ماند.

فهرست سمفونی نویسان برجسته
جوزف هایدن - 108 سمفونی
ولفگانگ آمادئوس موتزارت - 41 (56) سمفونی
لودویگ ون بتهوون - 9 سمفونی
فرانتس شوبرت - 9 سمفونی
رابرت شومان - 4 سمفونی
فلیکس مندلسون - 5 سمفونی
هکتور برلیوز - چندین سمفونی برنامه
آنتونین دووراک - 9 سمفونی
یوهانس برامس - 4 سمفونی
پیوتر چایکوفسکی - 6 سمفونی (همچنین سمفونی "مانفرد")
آنتون بروکنر - 10 سمفونی
گوستاو مالر - 10 سمفونی
- 7 سمفونی
سرگئی راخمانینوف - 3 سمفونی
ایگور استراوینسکی - 5 سمفونی
سرگئی پروکوفیف - 7 سمفونی
دیمیتری شوستاکوویچ - 15 سمفونی (همچنین چندین سمفونی مجلسی)
آلفرد اشنیتکه - 9 سمفونی

در دنیای موسیقی، آثار منحصر به فرد و نمادینی وجود دارد که با صداهای آنها وقایع زندگی موسیقایی نوشته شده است. برخی از این تصنیف ها نمایانگر تحولی انقلابی در هنر هستند، برخی دیگر با مفهومی پیچیده و عمیق متمایز می شوند، برخی دیگر با تاریخ خارق العاده آفرینش شگفت زده می شوند، چهارمی نوعی ارائه سبک آهنگساز است و پنجمین ... زیبا در موسیقی که نمی توان به آنها اشاره نکرد. به اعتبار هنر موسیقی، چنین آثار زیادی وجود دارد، و به عنوان مثال، اجازه دهید در مورد پنج سمفونی منتخب روسی صحبت کنیم که منحصر به فرد بودن آنها دشوار است.

♫♪ ♫♪ ♫♪

سمفونی دوم (بوگاتیر) الکساندر بورودین (بی تخت مینور، 1869–1876)

در روسیه، در نیمه دوم قرن نوزدهم، ایده اصلاح در میان آهنگسازان به بلوغ رسیده بود: زمان آن رسیده بود که سمفونی روسی خود را ایجاد کنند. در آن زمان، سمفونی صدمین سالگرد خود را در اروپا جشن گرفته بود و تمام مراحل زنجیره تکاملی را پشت سر گذاشته بود: از اورتور اپرا که صحنه را ترک کرد و جدا از اپرا اجرا شد، تا آثار بزرگی مانند سمفونی شماره 9 بتهوون. 1824) یا سمفونی خارق العاده برلیوز (1830). در روسیه، مد این ژانر ریشه نگرفت: آنها یک بار، دو بار آن را امتحان کردند (دیمیتری بورتنیانسکی - سمفونی کنسرت، 1790؛ الکساندر آلیابیف - سمفونی در مینور، ماژور مسطح) - و آنها این ایده را برای بازگشت رها کردند. دهه‌ها بعد در آثار آنتون روبینشتاین، میلی بالاکیرف، نیکولای ریمسکی-کورساکوف، الکساندر بورودین و دیگران به آن رسید.

آهنگسازان نامبرده کاملاً درست قضاوت کردند و متوجه شدند که تنها چیزی که یک سمفونی روسی در پس زمینه فراوانی اروپایی می تواند به آن ببالد رنگ ملی آن است. و بورودین در این مورد برابری ندارد. موسیقی او از وسعت دشت های بی پایان، شجاعت شوالیه های روسی، صداقت ترانه های عامیانه با نت های تکان دهنده و تأثیرگذار آنها تنفس می کند. نماد سمفونی موضوع اصلی موومان اول بود، پس از شنیدن آن، دوست و مربی آهنگساز، ولادیمیر استاسوف، موسیقی شناس، دو عنوان را پیشنهاد کرد: اول "شیر زن" و سپس - مناسب تر با ایده: "Bogatyrskaya".

بر خلاف بوم های سمفونیک همان بتهوون یا برلیوز، بر اساس احساسات و تجربیات انسانی، سمفونی بوگاتیر درباره زمان، تاریخ و مردم می گوید. هیچ درام در موسیقی وجود ندارد، هیچ تضاد مشخصی وجود ندارد: شبیه مجموعه‌ای از تصاویری است که به آرامی در حال تغییر هستند. و این به طور ریشه ای در ساختار سمفونی منعکس شده است، جایی که حرکت آهسته، معمولاً در رتبه دوم، و اسکرزوی پر جنب و جوش (به طور سنتی پس از آن) جای خود را تغییر می دهند، و فینال به شکل کلی ایده های موومان اول را تکرار می کند. بورودین از این طریق توانست به حداکثر کنتراست در تصویرسازی موسیقایی حماسه ملی دست یابد و مدل ساختاری بوگاتیرسکایا متعاقباً به عنوان الگویی برای سمفونی های حماسی گلازونف، میاسکوفسکی و پروکوفیف عمل کرد.

آی. آلگرو (00:00)
II. Scherzo: Prestissimo - Trio: Allegretto (07:50)
III. آندانته (13:07)
IV. فینال: آلگرو (23:42)

♫♪ ♫♪ ♫♪

سمفونی ششم (غم انگیز) پیتر چایکوفسکی (بی مینور، 1893)

شهادت ها، تفسیرها، تلاش ها برای توضیح محتوای آن بسیار زیاد است که کل شخصیت پردازی این اثر می تواند شامل نقل قول باشد. در اینجا یکی از آنها، از نامه ای از چایکوفسکی به برادرزاده اش ولادیمیر داویدوف، که سمفونی به او تقدیم شده است، آمده است: «در طول سفر، ایده سمفونی دیگری را داشتم، این بار یک برنامه، اما با چنین برنامه ای که برای همه یک راز باقی خواهد ماند این برنامه بیشتر از همه با ذهنیت آغشته شده است و اغلب در حین سرگردانی و ساختن ذهنی آن، بسیار گریه کردم. این برنامه چیه؟ چایکوفسکی این را به پسر عمویش آنا مرکلینگ اعتراف می کند که پیشنهاد کرد در این سمفونی زندگی خود را شرح دهد. آهنگساز تایید کرد: "بله، درست حدس زدید."

در اوایل دهه 1890، ایده نوشتن خاطرات بارها و بارها به سراغ چایکوفسکی رفت. در این زمان، طرح هایی از سمفونی ناتمام او به نام "زندگی" تعلق داشت. با قضاوت بر اساس پیش نویس های باقی مانده، آهنگساز قصد داشت برخی از مراحل انتزاعی زندگی را به تصویر بکشد: جوانی، عطش فعالیت، عشق، ناامیدی، مرگ. با این حال، طرح عینی چایکوفسکی کافی نبود و کار قطع شد، اما در سمفونی ششم او قبلاً توسط تجربیات منحصرا شخصی هدایت می شود. چقدر روح آهنگساز باید زجر کشیده باشد تا موسیقی با چنین قدرت تأثیر باورنکردنی و شگفت انگیزی متولد شود!

موومان اول و پایانی غنایی-تراژیک با تصویر مرگ پیوند ناگسستنی دارد (در توسعه موومان اول، مضمون سرود معنوی "با قدیسان در آرامش بخوابید" ذکر شده است) ، همانطور که خود چایکوفسکی با اشاره به آن شهادت داد. این سمفونی در پاسخ به پیشنهاد دوک بزرگ کنستانتین رومانوف برای نوشتن "رکوئیم". به همین دلیل است که اینترمتزوی غنایی روشن (یک والس پنج ضربی در قسمت دوم) و شرتزو پیروزمندانه بسیار شدید درک می شوند. در مورد نقش دومی در مقاله بحث های زیادی وجود دارد. به نظر می رسد که چایکوفسکی سعی کرده بیهودگی شکوه و سعادت زمینی را در برابر فقدان اجتناب ناپذیر نشان دهد و از این طریق سخن بزرگ سلیمان را تأیید کند: «همه چیز می گذرد. این هم خواهد گذشت.»

1. Adagio - Allegro non troppo 00:00
2. Allegro con grace 18:20
3. Allegro molto vivace 25:20
4. فینال. Adagio lamentoso 33:44

♫♪ ♫♪ ♫♪

سمفونی سوم («شعر الهی») اثر الکساندر اسکریابین (C مینور، 1904)

اگر در یک غروب تاریک پاییزی به طور اتفاقی از خانه-موزه الکساندر اسکریابین در مسکو دیدن کنید، مطمئناً آن فضای وهم آلود و اسرارآمیز را که در طول زندگی آهنگساز احاطه کرده بود، احساس خواهید کرد. ساخت و ساز عجیب لامپ های رنگی روی میز اتاق نشیمن، حجم های پر از فلسفه و غیبت پشت شیشه ابری در قفسه کتاب، و در نهایت، اتاق خواب زاهدانه، جایی که اسکریابین که از مرگ می ترسید. مسمومیت خون تمام زندگی خود، درگذشت سپسیس. مکانی تاریک و مرموز که جهان بینی آهنگساز را به خوبی نشان می دهد.

کمتر نشان دهنده ویژگی های تفکر اسکریابین، سمفونی سوم اوست که به اصطلاح دوره میانی خلاقیت را باز می کند. در این زمان، اسکریابین به تدریج دیدگاه های فلسفی خود را تدوین می کند که ماهیت آن این است که تمام جهان حاصل خلاقیت و اندیشه خود او (سولیسیسم در مرحله افراطی) و ایجاد جهان و آفرینش هنر است. در واقع فرآیندهای مشابهی هستند. این فرآیندها به شرح زیر است: از هرج و مرج اولیه کسالت خلاق، دو اصل متولد می شود - فعال و منفعل (مرد و زن). اولی حامل انرژی الهی است، دومی جهان مادی را با زیبایی های طبیعی اش به وجود می آورد. تعامل این اصول اروس کیهانی را ایجاد می کند که منجر به خلسه می شود - پیروزی آزاد روح.

مهم نیست که همه موارد فوق چقدر عجیب به نظر می رسد، اسکریابین صادقانه به این مدل از پیدایش اعتقاد داشت که بر اساس آن سمفونی سوم نوشته شد. قسمت اول آن «مبارزه» (مبارزه مرد-برده، مطیع فرمانروای عالی جهان و انسان-خدا) نام دارد، بخش دوم - «لذت‌ها» (شخصی تسلیم شادی‌های دنیای نفسانی می‌شود. ، در طبیعت حل می شود) و در نهایت سوم - "بازی الهی" (روح آزاد شده ، "که جهان را صرفاً با قدرت اراده خلاق خود می آفریند" ، "لذت عالی فعالیت آزاد" را درک می کند). اما فلسفه فلسفه است و خود موسیقی هم شگفت انگیز است و تمام امکانات صدای یک ارکستر سمفونیک را آشکار می کند.

I. لنتو
II. لوتس
III. Voluptes
IV. جو دیوین

♫♪ ♫♪ ♫♪

سمفونی اول (کلاسیک) اثر سرگئی پروکوفیف (دی ماژور، 1916–1917)

در صحن 1917، سال های سخت جنگ، انقلاب. به نظر می رسد که هنر باید به شدت اخم کند و از زخم بگوید. اما افکار غم انگیز برای موسیقی پروکوفیف نیست - آفتابی، درخشان، جذاب جوان. این اولین سمفونی اوست.

این آهنگساز حتی در دوران دانشجویی به آثار کلاسیک وینی علاقه مند بود. اکنون از قلم او مقاله ای لا هایدن بیرون آمده است. پروکوفیف در مورد فرزندانش اظهار داشت: "به نظرم می رسید که اگر هایدن تا به امروز زنده مانده بود، سبک نوشتن خود را حفظ می کرد و در عین حال چیزی از جدید را اتخاذ می کرد."

آهنگساز یک ترکیب متوسط از ارکستر را انتخاب کرد، دوباره با روح کلاسیک وین - بدون برنج سنگین. بافت و ارکستراسیون سبک، شفاف است، مقیاس کار بزرگ نیست، ترکیب با هماهنگی و منطق متمایز است. در یک کلام، بسیار یادآور یک اثر کلاسیک است که به اشتباه در قرن بیستم متولد شد. با این حال، نمادهای کاملاً پروکوفیف نیز وجود دارد، به عنوان مثال، ژانر مورد علاقه او گاووت در موومان سوم به جای اسکرزو (بعداً آهنگساز از این ماده موسیقی در باله رومئو و ژولیت استفاده می کند)، و همچنین هارمونی تند "فلفلی" و ورطه طنز موسیقی

0:33 آی. آلگرو
5:20 II. لارگتو
9:35 III. گاوتا (غیر troppo allegro)
11:17 چهارم. فینال (Molto vivace)

♫♪ ♫♪ ♫♪

سمفونی هفتم (لنینگراد) اثر دیمیتری شوستاکوویچ (سی ماژور، 1941)

در 2 ژوئیه 1942، یک خلبان بیست ساله، ستوان لیتوینوف، به طور معجزه آسایی از محاصره دشمن شکست، موفق شد داروها و چهار دفترچه موسیقی چاق را با موسیقی سمفونی هفتم توسط D.D. شوستاکوویچ، و روز بعد یادداشت کوتاهی در لنینگرادسکایا پراودا ظاهر شد: «پارتیتور سمفونی هفتم دیمیتری شوستاکوویچ با هواپیما به لنینگراد تحویل داده شد. اجرای عمومی آن در سالن بزرگ فیلارمونیک برگزار می شود.

رویدادی که در تاریخ موسیقی مشابهی نداشت: در شهر محاصره شده، نوازندگان بسیار خسته (همه کسانی که جان سالم به در برده بودند شرکت کردند) تحت رهبری رهبر ارکستر کارل الیاسبرگ، سمفونی جدید شوستاکوویچ را اجرا کردند. آهنگی که آهنگساز در هفته های اول محاصره آهنگسازی کرد تا اینکه او و خانواده اش به کویبیشف (سامارا) تخلیه شدند. در روز نمایش لنینگراد، 9 آگوست 1942، تالار بزرگ انجمن فیلارمونیک لنینگراد مملو از ساکنان خسته شهر با چهره‌های شفاف، اما در عین حال با لباس‌های هوشمند، و نظامیانی بود که مستقیماً وارد شدند. از خط مقدم از طریق بلندگوهای رادیو، سمفونی در خیابان ها پخش می شد. آن شب، تمام جهان، یخ زده، به شاهکار بی‌سابقه نوازندگان گوش دادند.

... قابل توجه است، اما تم معروف با روح "بولرو" راول، که اکنون معمولاً با ارتش فاشیستی در حال حرکت و نابود کردن همه چیز در مسیر خود است، شخصیت پردازی می شود، حتی قبل از شروع جنگ توسط شوستاکویچ نوشته شده است. با این حال، به طور کاملا طبیعی وارد قسمت اول سمفونی لنینگراد شد و جای به اصطلاح "اپیزود تهاجم" را گرفت. پایان تأیید کننده زندگی نیز نبوی به نظر می رسد و پیروزی مورد انتظار را پیش بینی می کند ، که او هنوز با چنین سه سال و نیم طولانی از آن جدا شده بود ...

I. آلگرتو 00:00
II. Moderato (poco allegretto) 26:25
III. Adagio 37:00
IV. Allegro non troppo 53:40

♫♪ ♫♪ ♫♪

از یونانی سمپونیا - همخوانی

یک قطعه موسیقی برای ارکستر، اغلب سمفونیک، به طور معمول، به شکل سونات-حلقه ای. معمولا از 4 قسمت تشکیل شده است. S. با قطعات بیشتر و کمتر، تا یک قسمت وجود دارد. گاهی در اس. علاوه بر ارکستر، گروه کر و تکنوازی معرفی می شود. صداها (از این رو مسیر S.-cantata). اجراهایی برای ارکسترهای زهی، مجلسی، بادی و سایر ارکسترها، برای ارکستر با ساز تکنواز (S. کنسرتو)، ارگ، گروه کر (اجرای کر) و ووک وجود دارد. گروه (vok. C). کنسرت سمفونی - S. با سازهای کنسرت (تک نوازی) (از 2 تا 9)، در ساختار مربوط به کنسرتو است. S. اغلب به ژانرهای دیگر نزدیک می شود: S. سوئیت، S. راپسودی، S. فانتزی، S. تصنیف، S. افسانه، S. شعر، S. cantata، S. requiem، S.-ballet، S.-درام (نوع کانتاتا)، تئاتر. S. (جنس Onera). از نظر ماهیت S. را می توان به تراژدی، درام، غزل نیز تشبیه کرد. شعر، قهرمانانه حماسه، برای نزدیک شدن به چرخه موسیقی ژانر. نمایشنامه، مجموعه ای از تصاویر. موسیقی نقاشی ها در یک معمولی او در نمونه های خود، کنتراست قطعات را با یکپارچگی طراحی، کثرت تصاویر متنوع با یکپارچگی موزها ترکیب می کند. دراماتورژی S. در موسیقی جایگاهی مشابه درام یا رمان در ادبیات دارد. به عنوان بالاترین نوع instr. موسیقی، با گسترده ترین امکانات تجسم از همه انواع دیگر خود پیشی می گیرد. ایده ها و غنای حالات عاطفی.

در ابتدا، در Dr. یونان، کلمه "S." به معنای ترکیبی هماهنگ از صداها (کوارت، پنجم، اکتاو)، و همچنین آواز مشترک (گروه، گروه کر) به صورت هماهنگ. بعداً در Dr. رم، آن را به نام instr. گروه، ارکستر روز چهارشنبه. قرن ها تحت S. درک instr سکولار. موسیقی (از این نظر این اصطلاح در فرانسه در اوایل قرن 18 استفاده می شد)، گاهی اوقات موسیقی به طور کلی. علاوه بر این، برخی از موزها به این نام خوانده می شدند. ابزارها (به عنوان مثال، یک هوردی-گوردی). در قرن شانزدهم این کلمه در مجموعه‌های متت (1538)، مادریگال‌ها (1585)، wok-instr. آهنگسازی ("Sacrae symphoniae" - "Scred Symphonies" اثر G. Gabrieli، 1597، 1615) و سپس instr. چند صدایی نمایشنامه ها (اوایل قرن هفدهم). برای چند ضلعی ثابت شده است. اپیزودهای (اغلب مبتنی بر آکورد) مانند مقدمه های wok یا interlude. و instr. تولیدات، به ویژه برای معرفی (اورتور) سوئیت، کانتاتا و اپرا. در میان اپرای S. (اورتور)، دو نوع مشخص شد: ونیزی - از دو بخش (آهسته، موقر و سریع، فوگ)، که بعداً به زبان فرانسوی توسعه یافت. اورتور، و ناپلی - از سه بخش (سریع - آهسته - سریع)، معرفی شده در سال 1681 توسط A. Scarlatti، که، با این حال، استفاده از ترکیب دیگر از قطعات. سونات چرخه ای. فرم به تدریج در S. مسلط می شود و توسعه چندوجهی خاصی در آن دریافت می کند.

حل شد خوب 1730 از اپرا، جایی که اورک. مقدمه در قالب یک اورتور حفظ شد، S. مستقل شد. نوعی اورک موسیقی در قرن 18 آن را به عنوان پایه و اساس انجام دهد. ترکیب زهی بودند. ابزار، ابوا و بوق. توسعه S. تحت تاثیر decomp قرار گرفت. انواع اورک و موسیقی مجلسی - یک کنسرتو، یک سوئیت، یک سونات سه گانه، یک سونات و غیره، و همچنین یک اپرا با گروه ها، گروه های کر و آریاهای آن، که تأثیر آنها بر ملودی، هارمونی، ساختار و ساختار فیگوراتیو S. بسیار قابل توجه است چقدر خاص ژانر S. با جدا شدن از سایر ژانرهای موسیقی، به ویژه تئاتر، به استقلال در محتوا، فرم، توسعه مضامین، ایجاد آن روش آهنگسازی که بعداً به عنوان سمفونی شناخته شد و به نوبه خود تأثیر زیادی داشت، به بلوغ رسید. در بسیاری از مناطق موسیقی خلاقیت

ساختار S. تکامل یافته است. اساس S. یک چرخه 3 قسمتی از نوع ناپل بود. اغلب، به دنبال نمونه ونیزی و فرانسوی. اورتور در S. شامل مقدمه ای آهسته برای موومان 1 بود. بعداً، مینوئت وارد S. شد - ابتدا به عنوان پایانی یک چرخه 3 قسمتی، سپس یکی از قسمت های (معمولاً 3) یک چرخه 4 قسمتی، که در فینال آن، به طور معمول، شکل یک روندو است. یا سوناتای روندو استفاده شد. از زمان ال. بتهوون، مینوئت با اسکرو (بخش سوم، گاهی اوقات دوم)، از زمان جی. برلیوز - و والس جایگزین شد. مهم ترین فرم سونات برای S. عمدتاً در قسمت اول و گاهی در قسمت های آهسته و آخر استفاده می شود. در قرن 18 ج بسیاری را کشت. کارشناسی ارشد. از جمله ایتالیایی J. B. Sammartini (85 S.، حدود 1730-70، که 7 مورد از بین رفته است)، آهنگسازان مکتب مانهایم، که در آن چک ها موقعیت پیشرو را اشغال کردند (F. K. Richter، J. Stamitz، و غیره). .)، نمایندگان به اصطلاح. مکتب وین پیش کلاسیک (یا اوایل) (M. Monn، G. K. Wagenseil و غیره)، F. J. Gossec بلژیکی، که در پاریس کار می کرد، بنیانگذار فرانسوی ها بود. S. (29 S.، 1754-1809، از جمله "شکار"، 1766؛ علاوه بر این، 3 S. برای روح. ارکستر). کلاسیک نوع S توسط اتریشی ایجاد شد. مقایسه جی. هایدن و دبلیو آ. موتسارت. در کار «پدر سمفونی» هایدن (104 ص، 1759-1759) شکل گیری سمفونی به پایان رسید و از ژانر موسیقی سرگرم کننده روزمره به نوع غالب موسیقی جدی تبدیل شد. موسیقی تایید شده و اصلی. ویژگی های ساختار آن S. به عنوان دنباله ای از اجزای متضاد درونی و هدفمند توسعه یافته است که توسط یک ایده مشترک متحد شده اند. موتزارت درام به اس. تنش و غزل پرشور، عظمت و ظرافت، وحدت سبکی حتی بزرگتری به آن بخشید (حدود 50 C، 1764/65-1788). آخرین S. او - Es-dur، g-moll و C-dur ("مشتری") - بالاترین دستاورد سمفونی. کت و شلوار قرن 18 تجربه خلاقانه موتزارت در آثار بعدی منعکس شد. هایدن. نقش ال. بتهوون، تکمیل مکتب کلاسیک وین (9 س.، 1800-24)، به ویژه در تاریخ اس. سومین («قهرمانانه»، 1804)، پنجمین (1808) و نهم (با کوارتت آواز و گروه کر در فینال، 1824) اس. نمونه هایی از قهرمانی هستند. سمفونی خطاب به توده ها، تجسم انقلابی. پاتوس نار. مبارزه کردن. ششمین S. او ("Pastoral"، 1808) نمونه ای از سمفونیزم برنامه است (به موسیقی برنامه مراجعه کنید)، و هفتمین S. او (1812)، به قول R. Wagner، "آپوتئوزیس رقص" است. بتهوون مقیاس سکولاریسم را گسترش داد، دراماتورژی آن را پویا کرد و دیالکتیک موضوعی را تعمیق بخشید. توسعه، داخلی را غنی کرد ساختار و معنای ایدئولوژیک S.

برای اتریشی و آلمانی آهنگسازان رمانتیک نیمه اول. قرن 19 ژانرهای غنایی (سمفونی ناتمام شوبرت، 1822) و حماسی (سمفونی هشتم شوبرت) S.، و همچنین منظره - روزمره S. با رنگارنگ. رنگ آمیزی ("ایتالیایی"، 1833، و "اسکاتلندی"، 1830-42، مندلسون-بارتلدی). افزایش یافته و روانی. ثروت S. (4 سمفونی از R. Schumann، 1841-1851، که در آنها حرکات آهسته و اسکرزوها گویاتر هستند). روندی که حتی در میان کلاسیک ها ظاهر شده است، فوری است. انتقال از بخشی به قسمت دیگر و ایجاد موضوعی. ارتباط بین قطعات (مثلاً در سمفونی پنجم بتهوون) در بین رمانتیک ها تشدید شد، C نیز ظاهر شد، که در آن قسمت ها بدون مکث یکی پس از دیگری دنبال می شوند (سمفونی "اسکاتلندی" اثر مندلسون-بارتلدی، سمفونی چهارم از شومان).

ظهور فرانسوی ها S. به 1830-40 اشاره می کند، زمانی که تولیدات نوآورانه به وجود می آیند. جی برلیوز، خالق رمانتیک. نرم افزار C بر اساس lit. طرح (5 قسمتی "فانتستیک" C، 1830)، کنسرتو C. ("هارولد در ایتالیا"، برای ویولا و ارکستر، پس از جی بایرون، 1834)، C. oratorio ("رومئو و ژولیت"، درام. S. در 6 بخش، با تکنوازان و گروه کر، به گفته دبلیو. شکسپیر، 1839)، "سمفونی تشییع جنازه و پیروزی" (راهپیمایی تشییع جنازه، تک نوازی ترومبون "سخنرانی" و آپوتئوز - برای روح. ارکستر یا ارکستر سمفونیک، اختیاری - و گروه کر، 1840 ). برلیوز با مقیاس عظیم تولید، ترکیب عظیم ارکستر، سازهای رنگارنگ با تفاوت های ظریف مشخص می شود. فلسفی و اخلاقی. این مشکل در سمفونی های F. List منعکس شد ("سمفونی فاوست"، اما J. W. Goethe، 1854، با گروه کر نهایی، 1857؛ "S. به کمدی الهی دانته"، 1856). به عنوان پادپوست برای کارگردانی برنامه برلیوز و لیست، آلمانی بود. کومی. I. Brahms که در وین کار می کرد. در 4 S. (1876-1885)، توسعه سنت های بتهوون و رمانتیک. سمفونیزم، ترکیبی از کلاسیک. هماهنگی و تنوع حالات عاطفی شبیه به سبک. آرزوها و در عین حال فرانسوی فردی. S. همان دوره - سوم S. (با اندام) توسط K. Saint-Saens (1887) و S. d-moll S. Frank (1888). در "از دنیای جدید" اثر A. Dvořák (آخرین، به ترتیب زمانی نهم، 1893)، نه تنها موسیقی چک، بلکه همچنین موسیقی سیاهپوستان و هندی شکسته شد. عناصر. مفاهیم ایدئولوژیک مهم اتریشی. سمفونیست های A. Bruckner و G. Mahler. محصول به یاد ماندنی بروکنر (8 S.، 1865-1894، نهم تکمیل نشده، 1896) با اشباع چند صدایی مشخص می شود. پارچه ها (تأثیر هنر ارگ، و همچنین احتمالاً درام های موزیکال توسط R. Wagner)، مدت زمان و قدرت ایجاد احساس. برای سمفونی مالر (9 S.، 1838-1909، 4 مورد از آنها با آواز، از جمله 8 - "سمفونی هزار شرکت کننده"، 1907؛ دهم تمام نشده است، D. Cook تلاش کرد تا آن را مطابق طرح ها تکمیل کند. در سال 1960؛ S.-cantata "Song of the Earth" با 2 خواننده-تک نواز، 1908) با شدت درگیری ها، تراژدی عالی و تراژدی مشخص می شود، تازگی را بیان خواهد کرد. منابع مالی. کما اینکه در تقابل با آهنگسازی های بزرگشان، با استفاده از یک مجری ثروتمند. دستگاه، یک سمفونی مجلسی و یک سمفونیتا ظاهر می شود.

برجسته ترین نویسندگان قرن 20م. در فرانسه - A. Roussel (4 S.، 1906-34)، A. Honegger (سوئیسی بر اساس ملیت، 5 S.، 1930-50، از جمله سوم - "Liturgical"، 1946، 5 - S. "three re" , 1950), D. Millau (12 S., 1939-1961), O. Messiaen ("Turangalila"، در 10 قسمت، 1948); در آلمان - R. Strauss ("خانه"، 1903، "Alpine"، 1915)، P. Hindempt (4 S.، 1934-58، از جمله 1st - "Artist Mathis"، 1934، 3- I - "Harmony of جهان»، 1951)، K. A. Hartman (8 S.، 1940-62)، و غیره. کمک به توسعه S. توسط X. Huber سوئیس انجام شد (8 S.، 1881-1920، شامل 7th - "سوئیس"، 1917)، نروژی ها K. Sinding (4 S.، 1890-1936)، X. Severud (9 S.، 1920-1961، از جمله ضد فاشیست با طراحی 5-7- I، 1941-1945)، K. Egg (5 S.، 1942-69)، Dane K. Nielsen (6 S.، 1891-1925)، Finn J. Sibelius (7 S.، 1899-1924)، رومانیایی J Enescu (3 S.، 1905 -19)، هلندی B. Peiper (3 S.، 1917-27) و H. Badings (10 S.، 1930-1961)، H. Rusenberg سوئدی (7 S.، 1919-69، و S. برای سازهای بادی و کوبه ای، 1968)، J. F. Malipiero ایتالیایی (11 S.، 1933-69)، بریتانیایی R. Vaughan Williams (9 S.، 1909-58)، B. Britten (S.-requiem، 1940، "Spring" S. برای خوانندگان انفرادی، گروه کر مختلط، گروه کر پسران و ارکستر سمفونیک، 1949)، آمریکایی ها C. Ives (5 S.، 1898-1913)، W. Piston (8 S.، 1937-65) و R. Harris ( 12 S.، 1933-69)، برزیلی E. Vila Lobos (12 S.، 1916-58) و دیگران. به دلیل کثرت خلاقیت جهت ها، ملی مدارس، ارتباطات فولکلور نوین S. همچنین از نظر ساختار، فرم و شخصیت متفاوت هستند: آنها به سمت صمیمیت و برعکس به سمت یادبودی می کشند. به قطعات تقسیم نشده و از تعداد زیادی تشکیل شده است. قطعات؛ سنتی انبار و ترکیب رایگان؛ برای نماد معمولی ارکستر و برای آهنگ های غیر معمول و غیره. یکی از گرایش های موسیقی قرن بیستم. مرتبط با اصلاح موسیقی های باستانی - پیش کلاسیک و کلاسیک اولیه -. ژانرها و فرم ها S. S. Prokofiev در "سمفونی کلاسیک" (1907) و توسط I. F. Stravinsky در سمفونی در C و "سمفونی در سه موومان" (1940-45) به او ادای احترام کردند. در تعدادی از S. 20 قرن. انحراف از هنجارهای قدیمی تحت تأثیر آتونالیسم، آتماتیسم و دیگر اصول جدید ترکیب وجود دارد. A. Webern S. (1928) را بر روی یک سریال 12 تنی ساخت. نمایندگان "آوانگارد" S. آواره decomp. ژانرها و فرم های جدید تجربی

اولین در بین روس ها آهنگسازان به ژانر موسیقی روی آوردند (به استثنای D. S. Bortnyansky که سمفونی کنسرت او در سال 1790 برای یک گروه مجلسی نوشته شد) Mikh. Yu. Vielgorsky (دومین دوره او در سال 1825 اجرا کرد) و A. A. Alyabiev (تک موومان او C. e-moll، 1830، و بدون تاریخ 3 قسمتی C. Es-dur از نوع سوئیت، با 4 بوق کنسرت) حفظ شده) ، بعداً A. G. Rubinshtein (6 S. ، 1850-86 ، از جمله دوم - "اقیانوس" ، 1854 ، چهارم - "دراماتیک" ، 1874). M. I. Glinka، نویسنده اورتور S. ناتمام در پایین روسی. مضامین (1834، تکمیل شده در سال 1937 توسط V. Ya. Shebalin)، تأثیر تعیین کننده ای در شکل گیری سبک شناسی داشت. روس لعنتی اس با تمام سمفونی هایش. خلاقیت، که در آن ترکیبات ژانرهای دیگر غالب است. در S. Rus. نویسندگان nat را تلفظ کردند. شخصیت، تصاویر افراد گرفته می شود. زندگی، تاریخی رویدادها منعکس کننده نقوش شعر هستند. در میان آهنگسازان مشتی توانا، N. A. Rimsky-Korsakov (ص 3، 1865-1874) اولین کسی بود که S.. را نوشت. خالق روسی حماسه A. P. Borodin (2 S.، 1867-76؛ سوم ناتمام، 1887، تا حدی از حافظه ضبط شده توسط A. K. Glazunov) در S. بورودین در کار خود، به ویژه در "Bogatyrskaya" (دوم) S.، تصاویر یک تخته غول پیکر را مجسم کرد. استحکام - قدرت. در میان بالاترین فتوحات سمفونی جهان - تولید. P. I. Tchaikovsky (6 S.، 1800-93، و برنامه S. "Manfred"، پس از J. Byron، 1885). 4، 5، و به خصوص ششم («رقت انگیز»، با پایانی آهسته) س. با شخصیت غنایی-دراماتیک، به نیرویی تراژیک در بیان برخوردهای زندگی می رسد. آنها عمیقا روانی هستند. به طور نافذ طیفی غنی از تجربیات انسانی را منتقل می کند. خط حماسی. С. ، 2 C. نوشت M. A. Balakirev (1898 ، 1908) ، 3 C - R. M. Glier (1900-11 ، 3 - "Ilya Muromets"). اشعار صمیمانه شما را به سمفونی جذب می کند. S. Kalinnikova (2 S.، 1895، 1897)، تمرکز عمیق فکر - S. c-moll S. I. Taneeva (اول، در واقع چهارم، 1898)، درام. پاتوس - سمفونی های S. V. Rachmaninov (3 S.، 1895، 1907، 1936) و A. N. Scriabin، خالق 6 قسمت اول (1900)، 5 قسمت دوم (1902) و 3 قسمت 3 (The Divineem) "، 1904)، که با دراماتورژی خاصی متمایز می شود. یکپارچگی و قدرت بیان

S. جایگاه مهمی در جغدها دارد. موسیقی در کار جغدها. آهنگسازان پیشرفت ویژه ای غنی و واضح از سنت های عالی کلاسیک دریافت کردند. سمفونی S. توسط جغدها خطاب می شود. آهنگسازان همه نسل ها، از استادان قدیمی تر - N. Ya. Myaskovsky، خالق 27 S. (1908-50، از جمله نوزدهم - برای ارکستر بادی، 1939)، و S. S. Prokofiev، نویسنده 7 S. (1917) - 1952)، و با آهنگسازان جوان با استعداد به پایان می رسد. چهره پیشرو در زمینه جغدها. S. - D. D. شوستاکوویچ. در 15 S. (1925-1971) او اعماق آگاهی انسان و ثبات اخلاق آشکار می شود. نیروهای (5 - 1937، 8 - 1943، 15 - 1971)، مضامین هیجان انگیز مدرنیته (هفتم - به اصطلاح Leningradskaya، 1941) و تاریخ (11th - "1905"، 1957؛ 12th - "1917"، 1961)، انسانی بالا ایده آل ها با تصاویر تیره و تار خشونت و شر تضاد می شوند (5 قسمت سیزدهم، به اشعار E. A. Yevtushenko، برای باس، گروه کر و ارکستر، 1962). توسعه سنت و مدرن انواع ساختار S.، آهنگساز، همراه با یک چرخه سونات آزادانه تفسیر شده (برای تعدادی از S. او، دنباله مشخص است: آهسته - سریع - آهسته - سریع)، از ساختارهای دیگری استفاده می کند (به عنوان مثال، در یازدهم). - "1905")، صدای انسان را جذب می کند (تک نوازان، گروه کر). در 11 قسمت 14th S. (1969)، که در آن مضمون زندگی و مرگ در برابر یک پس زمینه اجتماعی گسترده آشکار می شود، دو صدای آواز به صورت انفرادی با زه پشتیبانی می شوند. و دمیدن ابزار.

در منطقه S.، نمایندگان بسیاری از مردم به طور مولد کار می کنند. nat. شاخه های جغد موسیقی در میان آنها استادان برجسته جغدها هستند. موسیقی، مانند A. I. Khachaturian - بزرگترین بازو. سمفونیست، نویسنده S. رنگارنگ و خوش خلق (1 - 1935، 2 - "S. با زنگ"، 1943، 3 - S.-شعر، با یک ارگ و 15 لوله اضافی، 1947); در آذربایجان - K. Karaev (سومین S. او، 1965 برجسته است)، در لتونی - Y. Ivanov (15 S.، 1933-1972) و غیره. موسیقی شوروی را ببینید.

ادبیات:گلبوف ایگور (Asafiev B.V.)، ساخت یک سمفونی مدرن، "موسیقی معاصر"، 1925، شماره 8; Asafiev B.V.، سمفونی، در کتاب: مقالاتی در مورد خلاقیت موسیقی شوروی، جلد 1، M.-L.، 1947; 55 سمفونی شوروی، L.، 1961; Popova T., Symphony, M.-L., 1951; یاروستوفسکی بی.، سمفونی هایی درباره جنگ و صلح، م.، 1966; سمفونی شوروی به مدت 50 سال، (کامپیوتر)، otv. ویرایش G. G. Tigranov. L.، 1967; Konen V.، تئاتر و سمفونی ...، M.، 1968، 1975; تیگرانوف جی، در مورد ملی و بین المللی در سمفونی شوروی، در کتاب: موسیقی در جامعه سوسیالیستی، جلد. 1, L., 1969; Rytsarev S., Symphony in France before Berlioz, M., 1977. Brenet M., Histoire de la symphonie a orchester depuis ses origines jusqu "a Beethoven, P., 1882; Weingartner F., Die Symphonie nach Beethoven, V. Lpz.، 1926؛ خودش، Ratschläge fur Auffuhrungen klassischer Symphonien، Bd 1-3، Lpz.، 1906-23، "Bd 1، 1958 (ترجمه روسی - Weingartner P., Performance of Classical Advanced Consphonies. 1، م.، 1965)؛ Goldschmidt H., Zur Geschichte der Arien- und Symphonie-Formen, "Monatshefte für Musikgeschichte"، 1901، Jahrg. 33, No 4-5, Heuss A., Die venetianischen Opern-Sinfonien, "SIMG", 1902/03, Bd 4; Torrefranca F.، Le origini della synfonia، "RMI"، 1913، v. 20، ص. 291-346، 1914، ج. 21، ص. 97-121، 278-312، 1915، ج 22، ص. 431-446 Bekker P., Die Sinfonie von Beethoven bis Mahler, V., (1918) (ترجمه روسی - Becker P., Symphony from Beethoven to Mahler, ed. and introduction articles by I. Glebov, L., 1926); Nef K., Geschichte der Sinfonie und Suite, Lpz., 1921, 1945, Sondheimer R., Die formale Entwicklung der vorklassischen Sinfonie, "AfMw", 1922, Jahrg. 4، H. 1، همان، Die Theorie der Sinfonie und die Beurteilung einzelner Sinfoniekomponisten bei den Musikschriftstellern des 18 Jahrhunderts، Lpz.، 1925، Tutenberg Fr. 1927 ، جهرگ. 8، شماره 4; his, Die Durchführungsfrage in der vorneuklassischen Sinfonie, "ZfMw", 1926/27, Jahrg 9, S. 90-94; Mahling Fr., Die deutsche vorklassische Sinfonie, B., (1940), Walin S., Beiträge zur Geschichte der schwedischen Sinfonik, Stockh., (1941), Carse A., سمفونی های قرن XVIII, L., 1951; Borrel E., La symphonie, P., (1954), Brook B. S., La symphonie française dans la seconde moitié du XVIII sícle, v. 1-3، ص، 1962; Kloiber R., Handbuch der klassischen und romantischen Symphonie, Wiesbaden, 1964.

B. S. Steinpress