قرن هفدهم: کلاسیک و باروک، رامبراند و روبنس
بار اوه ککو- روندهای اصلی هنر و ادبیات قرن هفدهم که با استقرار مطلق گرایی در فرانسه و اسپانیا، ضد اصلاحات و جنگ سی ساله در آلمان، اولین انقلاب های بورژوایی در هلند و انگلیس مشخص شد. این رویدادها در نمایشنامه و شعر، در نثر و هنرهای تجسمی منعکس شد. با این حال، نویسندگان و شاعران قرن هفدهم نسبتاً به ندرت زندگی سیاسی عصر خود را به تصویر کشیدند و ترجیح دادند از مدرنیته صحبت کنند و به انجمن های تاریخی و اشارات اساطیری متوسل شوند.
کلاسیک گرایی و باروک در اعماق رنسانس پدید آمدند. کلاسیکوس نمونه و شایسته مطالعه کلاسی است. در قرن هفدهم آثار نویسندگان باستان، به ویژه ویرژیل و هوراس که اکتاویان آگوستوس را تجلیل می کردند، کلاسیک به حساب می آمدند. در رابطه با آثار قرن هفدهم که مطابق با قوانین کلاسیک خلق شده اند، از تعریف "کلاسیک" یا "کلاسیک" استفاده می شود.
با تقلید از هنرمندان و شاعران باستان، قهرمانان کلاسیک، بر خلاف اومانیست های رنسانس، از میراث دوران باستان نه به اندازه اصول هنری، که کاملاً رسمی درک می شد، مطالب را وام گرفتند. بنابراین، بر اساس این واقعیت که در تراژدی های باستانی وقایع در مقابل کاخ از طلوع تا غروب خورشید رخ می دهد و تمام خطوط طرح به هم پیوسته بودند، شرط معروف سه وحدت مطرح می شود: وحدت مکان، زمان و عمل، که نمایشنامه نویس موظف به اطاعت بود.
کلاسیک گرایی کامل ترین تجسم خود را در هنر فرانسه یافت که با ایده خدمت به حاکمیت و دولت بسیار همخوانی داشت. در فرانسه در لوئی سیزدهم (1610-1643) حاکم واقعی کشور کاردینال ریشلیو بود که موفق شد فروند را شکست دهد - اعتراضات اشراف علیه قدرت متمرکز که بعداً در رمان های تاریخی الکساندر دوما منعکس شد. در عین حال، اخلاق بر اساس تبعیت از منافع خصوصی به منافع دولتی شکل می گیرد و بر این اساس به جای احساسات اولویت به وظیفه داده می شود. قهرمان کلاسیک ها موظف بود احساسات خود را با نیروی عقل تسخیر کند که در قصیده معروف دکارت منعکس شد: "من فکر می کنم، پس وجود دارم". بیایید یک اصل معروف دیگر را به یاد بیاوریم. پادشاه لوئی چهاردهم (1643-1715) اعلام کرد: "من دولت هستم." پادشاه خورشید به شیوه خود حق داشت، زیرا پادشاه نماد ملت در حال تحکیم شد؛ خدمت به پادشاه به معنای انجام یک وظیفه ملی بود.
تمرکز سیاسی بر هنر تأثیر گذاشت: کاخ ها و پارک ها ساختاری متقارن داشتند، نگاه بیننده به مرکز معطوف شد. در یک تراژدی پنج پرده، پرده سوم همیشه نقطه اوج بود. در اقامتگاه سلطنتی در ورسای، یک پارک معمولی ساخته شد که با فواره‌ها و کپی‌هایی از مجسمه‌های باستانی تزئین شده بود. تاج درختان به شکل مخروط و توپ کوتاه شد که این نیز تصادفی نبود. به گفته معماران باغ و پارک، طبیعت نیاز به دگرگونی داشت، باید شکل درستی به آن داده شود.
جامعه فرانسه مبتنی بر اصول طبقاتی بود که به حوزه هنری که به دو دسته بالا و پایین تقسیم می شد منتقل شد.
بالاترین ژانرها - حماسی، قصیده، تراژدی - تجسم سرنوشت پادشاهان و اطرافیان آنها بود. ژانرهای پایین - کمدی، طنز، افسانه - منعکس کننده زندگی روزمره مردم عادی بود.
اصول اصلی هنر کلاسیک توسط آکادمی فرانسه که توسط ریشلیو ایجاد شد تعیین شد. اعضای آکادمی که «جاودانه» نامیده می‌شوند، یا به‌طور صحیح‌تر باید دائمی نامیده شوند، باید اطمینان حاصل می‌کردند که همه نویسندگان وحدت را حفظ می‌کردند و ژانرها را به تراژیک و کمیک تقسیم می‌کردند. مرتدین به شدت تنبیه شدند و از یارانه هایی که همه خالقان مؤمن دریافت می کردند محروم شدند.
زیبایی شناسی کلاسیک سرانجام در این رساله شکل گرفت نیکلاس بولو (1636-1711)"هنر شاعرانه". فرزند یکی از مقامات قضایی در آغاز کار خلاقانه خود به عنوان طنزپرداز فعالیت می کرد. او که به شاه معرفی شد، به زودی تاریخ نگار دربار شد. او در «هنر شاعرانه» (1674) که به صورت منظوم نوشته شده است، دکترین رسمی هنر کلاسیک را تدوین می کند و این کار را با استعداد انجام می دهد و متقاعد شده است که اصولی که او از آن دفاع می کند همیشه وجود داشته و برای همیشه باقی خواهد ماند.
«هنر شاعرانه» بویلئو یک نظام زیباشناختی کل نگر است که اهداف هنر - تجلیل از سلطنت - و ابزار شاعرانه دستیابی به اثر مطلوب را مشخص می کند. اولین نظریه پرداز ادبی دوران مدرن، عقلانیت، مصلحت و معقول بودن را که با تقلید بیگانه است، در راس آن قرار می دهد. با این حال، برای ایجاد یک اثر هنری واقعی، این کافی نیست، شما همچنین به ذوق و استعداد نیاز دارید:
به پارناسوس که نگاه می کند، بیهوده قافیه می کند
در هنر شعر انسان رسیدن به اوج را تصور می کند،
اگر از آسمان با نوری نامرئی روشن نشده باشد،
وقتی او شاعر برج فلکی به دنیا نمی آید:
او به دلیل کمبود استعداد محدود است هرساعت،
فیبوس به او توجه نمی کند، پگاسوس مخالفت می کند.
N. Boileau که خود شاعر است، ویژگی های بیانی را به ژانرهای غنایی می بخشد: ایدیل، سرود، قصیده، نصیحت، صحبت در مورد منشأ تراژدی و کمدی از سرودهای دیونیزیایی، استعداد شاعران رنسانس C. Marot و P. Ronsard را تحسین می کند.
سالی که بویلئو متولد شد، سالی بود که بزرگترین تراژدی تئاتر فرانسه خلق شد. «سید» توسط یک وکیل ناشناس اهل روئن، پیر کورنیل (1606-1684) نوشته شده است. درست است، «سید» اولین کار کورنیل نبود؛ او قبلاً نویسنده تراژدی «ملیتا» و «توهم کمیک» بود. با این حال ، "سید" موفقیت را به ارمغان آورد و در همان زمان باعث رسوایی شد. طرح تراژدی نه از تاریخ باستان، بلکه از وقایع قرون وسطایی اسپانیایی Reconquista گرفته شده است. این قبلاً یک چالش بود، زیرا حاکمان فرانسه روابط پرتنشی با اسپانیا داشتند. قهرمان تراژدی رودریگو دیاز دی بیوار است که حماسه قهرمانی قرون وسطایی اسپانیایی "آواز سید" به او تقدیم شده است. در همان زمان، پی کورنیل به جوانی سید، زمانی که جوان بود و عاشقانه عاشق دونا جیمنا بود، روی آورد. هیچ چیز مانع خوشبختی آینده عاشقان نمی شود، اما نزاع پدران آنها هماهنگی را از بین می برد. سید با عشق به جیمنا، پدرش را به یک دوئل دعوت می کند که به پیرمرد محترم - پدر سید - توهین کرد. رودریگو در یک دوئل پدر محبوبش را کشت. برای سید، این شور و شوق نیست، بلکه افتخار و وظیفه است. او با انتقام گرفتن به وظیفه فرزندی خود عمل کرد. اما اکنون دونا جیمنا، که هنوز عاشق سید است، به دنبال انتقام و مرگ او است - این وظیفه فرزندی اوست.
نمایشنامه P. Corneille ساختار بسیار واضحی دارد. سید در ابتدا وظایف اخلاقی شخصی خود را انجام داد، اما مهمتر از آن این است که با اطاعت از خواست شاه، به جنگ با مورها می رود و کفار را شکست می دهد. به گفته پی کورنیل، پادشاه به عنوان داور عالی ترین عدالت عمل می کند. او به آنها دستور می دهد که دعوای پیش آمده را فراموش کنند، عاشقان را متحد می کند.
پیر کورنیل بسیاری از الزامات کلاسیک گرایی را که او که یک استانی بود، حتی در مورد آن نشنیده بود، زیر پا گذاشت. این ممکن است درست باشد، اما مثال کورنیل ما را متقاعد می کند که نبوغ همیشه فراتر از قوانین است. نویسنده "سید" به دلیل نقض سه وحدت مورد سرزنش قرار گرفت، به دلیل پایان خوش تراژدی خود محکوم شد و به سرقت ادبی متهم شد. همه این تلقینات از آکادمی فرانسه و الهام گرفته از کاردینال ریشلیو بود که خود نمایشنامه می نوشت و به موفقیت پی کورنیل حسادت می کرد. تولید «سید» با پیروزی همراه بود؛ جامعه اشرافی فرانسه ایده آل خود را در قهرمان دید که می خواست از آن تقلید کند. نیکلاس بویلئو متعاقباً به موفقیت «سید» با این جمله پاسخ داد: «بیهوده است وزیر لیگی علیه «سید» تشکیل می‌دهد، تمام پاریس از چشم رودریگو به ژیمنا نگاه می‌کند.
نمایشنامه‌نویس شهرت خود را با تراژدی‌هایی که پس از «سید» به وقوع پیوست، تأیید کرد: «هوراس» (1639)، «سینا، یا رحمت آگوستوس» (1640)، «نیکومدس» (1651)، که در آن خدمات میهن‌پرستانه را به مردم تجلیل کرد. میهن، مهم نیست که چه فداکاری هایی را می طلبد. با این حال، کاهش استعداد در طول سال ها بیشتر و بیشتر محسوس شد. در پایان دهه شصت دو تراژدی با نام و طرح مشابه ظاهر شد. تماشاگران فرانسوی بدون قید و شرط نخل را به رقیب جوان پیر کورنیل دادند؛ در رقابتی غیرمنتظره «برنیس» ساخته جی راسین برنده شد و در آن با مهارتی بی نظیر نشان داد که چگونه عشق و وظیفه در روح قهرمانان مبارزه می کند.
ژان راسین (1639-1699) - دومین نمایشنامه نویس بزرگ صحنه کلاسیک فرانسوی، "خواننده زنان و پادشاهان عاشق"، همانطور که A.S در مورد او گفت. پوشکین. در آثار راسین، کیفیت جدیدی وارد دراماتورژی فرانسوی می شود - روانشناسی. کورنیل به انگیزه های روانی رفتار شخصیت ها اهمیت چندانی نمی داد. تمرکز راسین روی به تصویر کشیدن زندگی درونی قهرمانانی است که در خود غوطه ور هستند و اصلاً روی دسیسه های مخالفان خود متمرکز نیستند. راسین به استادی بی نظیر در به تصویر کشیدن احساسات انسانی تبدیل شد. در اولین شاهکار جی راسین، آندروماش، بیوه هکتور و مادر پسرش در محاصره دشمنانی قرار می گیرند که می ترسند آستیناکس بالغ انتقام مرگ پدرش را بگیرد.
آندروماش بر این تمرکز دارد که چگونه وظیفه مادری خود را به بهترین نحو انجام دهد. شور و شوق در اطراف او می جوشد. پیرهوس پادشاه اپیروس که او را اسیر کرد، اسیر قلب او شد، نامزد پیرهوس هرمیون توسط او طرد شد، اورست ناامیدانه عاشق هرمیون است... احساسات مهلک ویرانگر هستند، همه قهرمانان می میرند، آندروماش پیروز می شود، به خود اجازه نمی دهد. در ناامیدکننده ترین موقعیت ها مات شدن از احساسات و منطقی عمل کردن.
سرنوشت Phaedra در تراژدی به همین نام (1677) متفاوت است. همسر تسئوس، پادشاه آتن، شور و شوق ویرانگری را برای پسرخوانده‌اش هیپولیتوس تجربه می‌کند. مناقشه در ابتدا غیرقابل حل است. بیماری فایدرا باعث رنج می شود. اعتراف ملکه که توسط خدمتکار پاره شده است، درگیری غم انگیز را تشدید می کند. هیپولیت که از خدمتکار در مورد جاذبه شرم آور نامادری خود به او آموخته است، شور و شوق را به عنوان یک توهین درک می کند. سپس فدرا به فکر انتقام از پسر خوانده اش می افتد که به صداقت احساسات نامادری خود اعتقادی ندارد و گمان می کند که دسیسه ها و فریبکاری ها در پس اشتیاق دروغین او نهفته است. تهمت زده، می میرد. فدرا نیز می میرد، اما مرگ او با شکوه است؛ قهرمان راسین به دلیل شور و ترسی که تجربه کرد، و توبه ای که در پایان تراژدی به سراغش آمد، بالا می رود.
در تلاش برای محافظت از قهرمان خود، ژان راسین استدلال کرد: "در واقع، فدرا نه کاملاً جنایتکار است و نه کاملاً بی گناه. سرنوشت و خشم شور گناه آلودی را در او برانگیخت که اول از همه خودش را می ترساند. او تمام تلاش خود را می کند تا بر این اشتیاق غلبه کند. او ترجیح می دهد بمیرد تا اینکه راز خود را فاش کند. و هنگامی که او مجبور می شود حرفش را باز کند، دچار سردرگمی می شود که به وضوح نشان می دهد که گناه او یک مجازات الهی است، یک عمل به خواست خودش.»
ژان باپتیست مولیر 
(1622-1673)
، که کار خود را به عنوان بازیگر آغاز کرد، تراژدی هایی از پی کورنیل و جی راسین را روی صحنه برد. با این حال، با گذشت زمان، او رپرتوار تراژیک را رها کرد و خود را وقف ژانر کمدی کرد. 
, 
نام اصلی او پوکلین بود، نمایشنامه نویس پسر یک روکش روکش سلطنتی ارجمند بود و تحصیلات خوبی را در کالج کلرمونت دریافت کرد. پدر بدش نمی آمد که پسرش با رها کردن شغل ارثی، وکیل شود، اما ژان باپتیست رویای صحنه را در سر می پروراند. در سال 1643 ، او به همراه دوستانش - خانواده بژارت - گروه "تئاتر درخشان" را سازماندهی کرد که اولین اجراهای آن یک شکست درخشان بود. مولیر و دوستانش چاره ای جز رفتن به سفری نداشتند که سیزده سال به طول انجامید. مولیر و گروهش به سراسر فرانسه سفر کردند.
در استان‌های جنوبی، بازیگران ایتالیایی اغلب همزمان با گروه مولیر اجرا می‌کردند و کمدی ماسک‌ها را اجرا می‌کردند. متن اجرا بداهه بود، شخصیت‌ها دارای یک ویژگی شخصیتی اما درخشان بودند. از ایتالیایی ها و خودش شروع به آهنگسازی کمدی کرد و خسیس ها، حسودها و شارلاتان ها را به صحنه آورد.
در سال 1658 مولیر و دوستانش در پاریس ظاهر شدند. به او اجازه داده شد تراژدی پی کورنیل «نیکومد» را در موزه لوور بازی کند. اجرا موفقیت متوسطی داشت. سپس مولیر ریسک کرد: او به اعلیحضرت سلطنتی پیشنهاد داد که طرح کمیک «دکتر عاشق» را نشان دهد. این مسخره او را به شهرت رساند و خود مولیر سرانجام به فراخوان او پی برد: او یک کمدین و نویسنده کمدی است.
مولیر در طول عمر کوتاه خود حدود سی کمدی نوشت. علیرغم این واقعیت که محتوای آنها در مقایسه با تراژدی ها به واقعیت نزدیکتر است، نویسنده اساساً به هنجارهای کلاسیک وفادار می ماند. او کمدی شاعرانه را ترجیح می دهد، تقریباً همیشه سه وحدت را رعایت می کند و شخصیت ها - بخیل و ولخرج، لاف زن، دروغگو و شیاد، انسان دوست و منافق - به یک علاقه اختصاص داده شده اند که باعث تمسخر دیگران و خنده مخاطبان می شود.
اولین کمدی های او نسبتاً بی ضرر، اما هدفمند هستند. بنابراین ، در کمدی "پامچال های خنده دار" ، او سالن مادام رامبویه را مسخره کرد ، جایی که خبره های ادبیات به اصطلاح دقیق (فرانسوی گرانبها) گرد هم می آمدند. در اتاق نشیمن آبی او، خانم‌ها و آقایان برای تبادل تعارفات نفیس، آهنگسازی و گوش دادن به مادریگال‌ها ملاقات کردند، در یک کلام، رفتاری کردند که قهرمانان پالایش شده رمان مادلین اسکودری «کلیا یا تاریخ روم» رفتار کردند. اینگونه است که M.A شاهکار دقت را مشخص می کند. بولگاکف: «رمان تا حد عالی شجاعانه، دروغین و پرشکوه بود. پاریسی ها غرق در آن بودند و برای خانم ها این کتاب به سادگی تبدیل به یک کتاب مرجع شد، به خصوص که جلد اول آن با لذتی مانند نقشه تمثیلی لطافت همراه بود که رودخانه تمایل، دریاچه بی تفاوتی را به تصویر می کشید. دهکده های نامه های عاشقانه و غیره.»
در کمدی "پامچال های خنده دار" (1659)، مولیر دو دختر جوان را که می کوشند از مد اشرافی تقلید کنند، مسخره کرد. آنها با رد خواستگاران شایسته، تقریباً برای ازدواج با خدمتکاران خود بیرون پریدند، فقط به این دلیل که آنها لباس شیک پوش می پوشیدند و مانند سالن مادام رامبویه با شکوه و ادب صحبت می کردند. نیازی به گفتن نیست که «گرانبها» خود را در کارتون شناختند، کینه ای در دل داشتند و حقه های کثیفی را با کمدینی که آنها را آزرده کرده بود انجام دادند.
در آثار مولیر، طنز با تعلیم ترکیب شده است. در کمدی‌های بعدی «مدرسه برای شوهران» (1661)، «مدرسه زنان» (1662)، و «زنان آموخته» (1662)، نمایشنامه‌نویس تلاش می‌کند تا دستورالعمل‌های مفیدی را در مورد روابط خانوادگی ارائه دهد.
حتی یک کمدی مولیر این همه رنج را برای او به ارمغان نیاورد، بلکه موفقیتی ماندگار مانند تارتوف را نیز به همراه داشت. 
(1664-1669). به مدت پنج سال، نمایشنامه نویس برای تولید آن مبارزه کرد، متن را اصلاح کرد، تمرکز انتقادی کمدی را نرم کرد. مولیر حمله خود را به سازمان مذهبی مخفی "جامعه هدایای مقدس" هدایت کرد که درگیر نظارت بر همشهریان بد نیت و مرتد بود. او با حذف کنایه‌های خاص به فعالیت‌های انجمن مقدس، با نشان دادن اینکه چگونه تعصب مذهبی روح مؤمنان را فلج می‌کند، به دستاوردهای بیشتری دست یافت. «تارتوف» در نهایت به تمثیلی تبدیل شد که چگونه تقوای پرشور انسان را از عقل سلیم می‌گیرد. قبل از ملاقات با تارتوف، اورگون پدر دلسوز خانواده بود، اما متعصب و منافق او را با زهد ظاهری هیپنوتیزم کرد به طوری که نجیب نجیب حاضر بود هر چیزی را که داشت به شیاد بدهد. اورگون که خود را در وضعیت ناخوشایندی می بیند، توسط پادشاه که همه چیز را می بیند، می داند و به رفاه رعایایش اهمیت می دهد نجات می یابد. تارتوف نتوانست به اموال اورگون دست یابد، اما بیننده نگران بود زیرا اورگون که تسلیم جذابیت های قدیس خیالی شده بود، تقریباً به زندان رفت و وقتی افسر پلیس در پایان گزارش داد که پادشاه دستور داده است، خوشحال شد. دستگیری کلاهبردار
اما برای اینکه این کمدی به بیننده برسد، مولیر باید پنج سال با مقامات قدرتمند کلیسا می جنگید. ممنوعیت تارتوف ضربه ای به کارنامه مولیر وارد کرد. نمایشنامه نویس با عجله کمدی دون خوان (1665) را به نثر می سازد، قوانین کلاسیک را نادیده می گیرد و شاهکاری خلق می کند.
نجیب زاده سویل دون خوان دا تنوریو که در قرن چهاردهم زندگی می کرد قهرمان یک افسانه محبوب شد که توسط نمایشنامه نویس اسپانیایی تیرسو دو مولینا در نمایشنامه "شیطان سویا یا مهمان سنگی" ترجمه و پردازش شد. 1630). دون خوان (یا دون خوان - در مولیر، در پوشکین - دون گوان) به دنبال لذت های نفسانی وسواس دارد. فریب زن، با تمسخر شوهر یکی از قربانیان خود، سنگ قبری را به شام دعوت می کند - مجسمه فرمانده. این دعوت به مرگ قهرمان تبدیل شد؛ آزادی توسط نیروهای بهشت ربوده شد.
تصادفی نبود که مولیر به افسانه دون خوان روی آورد. او آشکارا طرح را از بازی کمدین های ایتالیایی ترسیم کرد و به آن معنای عمیق و چند ارزشی داد. طنز نویس قبل از هر چیز انحراف اشراف را از بین می برد؛ قهرمانش به دنبال هر بانویی می کشد و نه آنقدر میل او را برآورده می کند که غرور او را برآورده می کند. اما در عین حال، قهرمان مولیر فردی شجاع و آزاداندیش است. او با هر نوع دینداری بیگانه است. اما فقدان ایمان او را به سمت از دست دادن اخلاق سوق می دهد و این خود باعث ناامیدی در ارزش های زندگی می شود که در نهایت به نابودی فرد می انجامد. خسته از زندگی از پیروزی های بی شمار، داوطلبانه به سوی قصاص می شتابد.
مولیر در این کمدی بسیار فراتر از مرزهای زیبایی شناسی کلاسیک است.
یکی از ژانرهای مورد علاقه مردم اشراف کمدی-باله بود. عمل ساده با پانتومیم و رقص در هم آمیخته بود. مولیر در حین خلق یک اجرای سرگرم کننده می دانست که چگونه آن را با یک ایده جدی پر کند. در کمدی "بورژوا در اشراف" که موسیقی آن توسط آهنگساز معروف لولی نوشته شده بود، مولیر بورژوای ثروتمند ژوردین را به تصویر کشید که آرزوی عنوانی اشرافی را در سر داشت. یک داستان کاملاً روزمره پیچیدگی روانی پیدا می کند. تلاش برای بیرون آمدن از مرزهای موجودیت طبقاتی مملو از زیان های بسیاری بود. هم معلمی که به او اخلاق نیکو و علم می آموزد و هم سرکشان نجیب که برای وعده های بسیار مبهم از او پول می گیرند، از میل اشراف شدن سود می برند. جوردین با از دست دادن شیوه زندگی طبقاتی خود، عقل سلیم خود را نیز از دست می دهد. خود مولیر به‌عنوان مرشد مقام سوم عمل می‌کند، به شکلی کمیک این ایده را القا می‌کند که باید به طبقات و کرامت انسانی خود افتخار کرد؛ تکبر اشرافی قهرمان او به خیر منتهی نمی‌شود.
آخرین اجرای مولیر باطل خیالی بود. او که خودش بیمار لاعلاج بود، با بازی مردی که از بیماری هایی که خودش اختراع کرده بود، تماشاگران را سرگرم کرد. چی بود؟ تلاش برای فریب بیماری؟ خود را مجبور کند باور کند که بر بیماری خود غلبه خواهد کرد؟ مولیر پس از اجرای نمایشنامه «معمول خیالی» درگذشت. بیماری دامن خود را گرفت، سپس نوبت به کلیسا رسید. این نویسنده بزرگ از دفن مناسب مسیحی محروم شد. فقط شفاعت پادشاه به محبوب او کمک کرد تا طبق آیین مسیحی آرامش پیدا کند.
مفهوم کلاسیک تمام حوزه های هنری در فرانسه از جمله معماری و نقاشی را پوشش می دهد.
نیکلاس پوسین (1594-1665)- بزرگترین نقاش کلاسیک در مقیاس تمام هنر اروپا. عنوان علوم دقیق و آشنایی با آثار باستانی به او اجازه داد تا به وضوح ایده های هنری روشن هماهنگ را تدوین و به اجرا درآورد. نیکلاس پوسین می گوید: «هنرمند باید نه تنها توانایی فرمول بندی محتوا، بلکه همچنین قدرت تفکر برای درک آن را نشان دهد.
پوسین سال ها در ایتالیا زندگی کرد. این هنرمند به خوبی با سبک رنسانس اسلاف خود لئوناردو و رافائل آشنا بود، او شیفتگی عمومی به هنر باروک را از جووانی لورنزو برنینی (1598-1689) معاصر خود مشاهده کرد، که ساخت کلیسای جامع سنت پیتر در واتیکان و تکمیل شد. آن را با تزئینات مجسمه ای باشکوه تزئین کرد. پوسین نسبت به دستاوردهای باروک بی تفاوت ماند و به کلاسیک های سخت گیرانه وفادار ماند. او با توسل به عقل و احساس، بوم‌هایی مانند «رینالدو و آرمیدا» را بر اساس طرح یکی از قسمت‌های شعر تورکواتو تاسو «اورشلیم آزاد شده» و «تانکرد و ارمینیا» خلق می‌کند که طرح آن نیز از تاسو به عاریت گرفته شده است. . پوسین به عنوان استاد بی‌نظیر منظره حماسی در تاریخ هنر ثبت شد. در نقاشی های "منظره با پولیفموس" و "منظره با هرکول" طبیعت در مقیاس بزرگ و باشکوه است و در عین حال با انتظار انجام یک کار قهرمانانه که در پس زمینه منظره ای باشکوه اتفاق می افتد تکمیل می شود. نقاشی های متاخر پوسین "چهار فصل" (1660-1665) چهار عصر زندگی بشر را منعکس می کند.
بار اوه ککو(port. barrocco - مرواریدی با شکل نامنظم) - در تقابل با کلاسیک. باروک عقل گرایی کلاسیک را با افزایش احساسی بودن و شکوه و عظمت فرم ها در تقابل قرار داد. ویژگی هنرمندان باروک عرفان دینی است و واقعیت به نظر آنها توهمی است. در همین راستا، عنوان نمایشنامه‌نویس بزرگ دوران باروک، پدرو کالدرون اسپانیایی، «زندگی یک رویاست» (1634) است که در آن شاهزاده سگیسموندو توسط پدرش، باسیلیو، پادشاه لهستان، به زندان انداخته می‌شود. بسیار نشان دهنده وارث پادشاه نخواهد شد، زیرا پیش بینی شده بود: Segismundo یک حاکم ظالم و خونین خواهد بود. اما آیا حق پدر-پادشاهی است که به نام خیر رعایا، پسرش را محکوم به وجودی نیمه حیوانی کرده است؟ باسیلیو تصمیم می گیرد اشتباه را تصحیح کند، سگیسموندو به طور موقت حاکم کشور می شود. او با ظلم بیش از حد بر پادشاهی حکومت می کند و از نارضایتی های گذشته انتقام می گیرد. پس آیا پیشگویی به بیراهه رفت؟ Segismundo دوباره به زندان انداخته می شود. ذهنش تیره است، نمی تواند واقعیت و رویا را تشخیص دهد. پس از کنار آمدن با وجود خود، آرامش پیدا می کند. هنگامی که مردم یاغی او را به عنوان پادشاه اعلام کردند، او قدرت را پذیرفت و بر اساس قوانین عادلانه شروع به حکومت کرد.
سرنوشت Segismundo سهمی از وجود انسان است که توسط یک نمایشنامه نویس عمیقاً مذهبی تفسیر شده است. کالدرون معتقد است که اسرار الهی هستی برای ذهن انسان قابل درک نیست. زندگی انسان رویایی در ابدیت است. فقط ایمان نجات دهنده است، بالاترین پیروزی انسان پیروزی بر خود است، تواضع مؤمن را با کائنات آشتی می دهد. این ایده در درام های کالدرون «ستایش صلیب»، «شاهزاده استوار» و غیره بیان شده است.
هنرهای زیبای اسپانیا به طور قابل توجهی به سمت روندهای باروک گرایش پیدا کرد. نقاشان اسپانیایی تمایل زیادی به به تصویر کشیدن رنج قدیسان و همچنین مصائب مسیح بر روی صلیب دارند که با قدرت روح غلبه می کند. برای اسپانیای کاتولیک، که قرن ها با مورها جنگید، جایی که جنبش پروتستان با هیچ حمایتی مواجه نشد، اقتدار ایمان تزلزل ناپذیر باقی ماند و هنرمندان را برانگیخت تا این شاهکار را برای جلال مسیح تجلیل کنند.
بسیاری از نقاشی های این نقاش معروف جوزپه دی ریبرا (1588 یا 1591-1652)تقدیم به زندگی مقدسانی که تحت شکنجه قرار می گیرند و مشرکان آنها را تحت شکنجه قرار می دهند. اینها نقاشی های او "عذاب سنت بارتولومئو"، "سباستین و ایرنه"، "مرثیه"، "تثلیث"، نقاشی های متعددی است که شهادت سنت را به تصویر می کشد. سباستین، سنت. آلبرت، رسول بارتولمیو. ریبرا همیشه بر روی تضاد دراماتیک کار می کرد: هر چه رنج قدیس دردناک تر باشد، ایمان او به منجی قوی تر می شود.
یکی دیگر از طرح های باروک مربوط به یک معجزه است. یک معجزه در نتیجه ایمان واقعی ظاهر می شود. این یکی از معروف ترین نقاشی های او است، "St. اینسا" 
: «اینسا که به خاطر وفاداری اش به مسیحیت مورد آزار قرار گرفته است، روی زمین سنگی زانو می زند. برهنه، در مقابل جمعیتی که باید جلوی بوم باشد، در همان جایی که بیننده است، در معرض شرم قرار می گیرد. اما موهای بلند و بلند برهنگی او را پنهان کردند و فرشته که در گوشه سایه دار بالای تصویر به تصویر کشیده شده است، یک پتوی سفید آورد که در انتهای آن اینسا خودش را پیچید. دستانش برای دعا جمع شده، چشمانش با ابراز سپاس به سمت بالا معطوف شده است.»
در بسیاری از نقاشی‌های ریبرا می‌توان تئاتری بودن آنها را حس کرد: تضاد شدید، میزانسن رسا، روانشناسی برهنه. و طرح نقاشی های او اغلب به معجزه نزدیک است.
تأثیر ذهنیت و زیبایی شناسی باروک بر آثار بزرگترین هنرمند اسپانیایی قرن هفدهم چندان آشکار نبود. دیگو ولاسکز (1599-1660). اکثر آثار او که به شیوه رئالیستی رنسانس عالی اجرا شده اند، از زیبایی و کمال لذت می برند. پرتره های فرزندان او، مناظر ایتالیایی و بوم باشکوه "Las Meninas" (1657) از این قبیل است. در ابتدا بوم با ابعاد 318x276 سانتی متر "خانواده فیلیپ چهارم" نامیده می شد و سپس به "لاس منیناس" تغییر نام داد. 
- "بانوان دادگاه." بوم کارگاه هنرمند و خود او را به تصویر می کشد 
کار روی یک نقاشی علاوه بر این، یک آینه در اتاق آویزان است، همه اینها احساس انعکاس متقابل را ایجاد می کند، واقعیت چند برابر می شود. کل تصویر جان می دهد، اینفانتا توسط خانم های درباری زشت احاطه شده است. آداب با تمام جزئیات خاص ارائه می شود و در عین حال چیزی شبح وار و تقریباً عرفانی در انعکاسات تکرار آن در گرگ و میش سالن وجود دارد.
تنوع ژانری نقاشی های ولاسکوز شگفت انگیز است. او پرتره های تشریفاتی از پادشاهان، ملکه ها و نوزادان را می کشید. 
) از جمله پرتره های سوارکاری فیلیپ چهارم، همسر اول دونا ایزابلا و دومی - ماریانا از اتریش 
، کنت اولیواروس، شاهزاده بالتاسار کارلوس، پرورش اسب هایی که سوارکاران با اطمینان روی آن می نشینند، و همه اینها در پس زمینه منظره عمیق خاکستری نقره ای که گواه جوانی و قدرت گذرا است. و این نقاش پرتره را به ایده های باروک در مورد ضعیف بودن زندگی زمینی نزدیک می کند.
ولاسکوئز مانند هموطنان خود به تصاویر انجیلی روی آورد. در مادرید، در موزه پرادو، جایی که مهم‌ترین بخش میراث ولاسکوز نگهداری می‌شود، نقاشی مذهبی استاد با موضوعاتی مانند عروسی مادر خدا، ولادت مسیح و هدایای مغان و غم‌انگیز نمایش داده می‌شود. مصلوب شدن دردناک (نگاه کنید به 
, 
, 
). همانطور که برای هنرمندان باروک معمول بود، ولاسکوئز در تمام انواع کنجکاوی های طبیعت درنگ می کند و از به تصویر کشیدن زشت و ترسناک اهانت نمی کند. این گونه تصویرهای عجیب و غریب او از شوخی ها و کوتوله هاست.
اما، شاید، تابلوی بزرگ استاد "The Spinner" (1657) نزدیکترین به جهان بینی باروک باشد. در نگاه اول، این یک نقاشی ژانر معمولی است؛ بوم زنانی را به تصویر می کشد که مشغول کار طاقت فرسا هستند. اما دو صفحه روی بوم وجود دارد - واقعی و نمادین، که توسط ملیله در پس زمینه برجسته می شود. بدیهی است که این نتیجه زحمات طولانی آنهاست. تابلو فرش دنیایی پر از هماهنگی و کمال را به تصویر می کشد. چیزی که اسپینرها ایجاد کردند باعث می شود ما به زنان شاغل به ظاهر معمولی نگاه متفاوتی داشته باشیم. هر یک از آنها یک نخ در دستان خود دارد - نخ سرنوشت، نخ تاریخ، نخ آینده. دوک زمان در حال چرخش است، اما نخ روی آن چنان نازک و شکننده است که می تواند پاره شود و آنگاه روشن می شود: زندگی فقط یک رویاست، گاهی درخشان، اما غم انگیز.
ولاسکوز در مادرید با روبنس ملاقات کرد که تأثیر بسزایی در کار او داشت.
پل روبنس (1577-1640)- بزرگترین هنرمند دوران باروک. میراث او شامل بیش از هزار نقاشی است و علاوه بر آنها طرح ها، حکاکی ها، نقاشی های دیواری، محراب ها و ملیله های بی شماری که از طرح های او بافته شده است.
این هنرمند نظریه پرداز و دیپلمات برجسته هنر بود. والدین پروتستان او اصالتاً اهل آمستردام بودند، اما برای فرار از وحشت اسپانیایی دوک آلبا به آلمان نقل مکان کردند. روبنس در شهر کوچک سیگین آلمان به دنیا آمد. پس از مرگ همسرش، مادر به کاتولیک گروید و با پسرانش در آنتورپ ساکن شد، جایی که هنرمند آینده شروع به یادگیری نقاشی کرد. در سال 1600 به ایتالیا سفر کرد و هفت سال را در آنجا سپری کرد و آثار استادان رنسانس را مطالعه کرد. او سبک خاص خود را توسعه می دهد: عالی، موقر، تمثیلی. او بسیاری از پرتره‌های تشریفاتی را از معاصران خود خلق می‌کند، از جمله خودنگاره‌ها. پرتره یکی از شاهکارهای بی چون و چرا است 
خود هنرمند به همراه همسرش ایزابلا برانت (1609).
نقاشی های روبنس قبل از هر چیز با مقیاس تصاویر خود شگفت زده می شوند. آنها بسیار بزرگ هستند، آنها معمولاً طرحی را با مشارکت بسیاری از شخصیت ها به تصویر می کشند که به شدت یک رویداد آشفته را تجربه می کنند، که بیان خود را در پویایی یک ترکیب چند رقمی می یابد. روبنس، که مردی عمیقاً مذهبی بود، به موضوعات کتاب مقدس روی آورد و اغلب احساسی عرفانی را منتقل می کرد. با وجود درخشندگی و شکوه تصویر، بدون کیفیت وهم و خیالی نیست. این به ویژه در نقاشی های او "ارتفاع صلیب" قابل توجه است ( 
, 
) و «نزول از صلیب» ( 
, 
). روبنس در تاریخ هنر استادی بی‌نظیر در قسمت‌های نبرد و صحنه‌های شکار است. در فیلم سنت جورج با اژدها 
(1606-1610) او حرکت خشونت آمیز شخصیت های مخالف را منتقل می کند. یک اسب پرورش دهنده، یک موج دست مسلح، یک هیولای وحشت زده - همه چیز تابع حرکت سریع است، که با آرامش شاهزاده خانم، که به خاطر او جورج وارد نبرد شد، در تضاد است.
هیچ‌کس نمی‌دانست که چگونه حرکت هیجان‌انگیز مردم و حیوانات را در دعواهای وحشیانه منتقل کند. این توسط نقاشی های باشکوهی مانند "شکار ببرها و شیرها" و "شکار برای کرگدن" تأیید می شود که در آن استاد با انواع شگفتی های طبیعت و شدت احساسات انسانی شگفت زده می شود.
ایده های باروک در نقاشی تجسم یافت، اما نقاشی های هنرمندان باروک در مقایسه با آثار ادبی، به ویژه روبنس، چندان غم انگیز نیست. همچنین ببینید 
, 
, 
.
رامبراند هارمنس ون راین (1606-1669)سی سال از روبنس کوچکتر است و لیدن، جایی که رامبراند در آن متولد شد، چندان دور از بروکسل نیست، جایی که کارگاه روبنس در آن قرار داشت. اما سرنوشت این دو نابغه به قدری متفاوت است و خلاقیت های هنری آنها آنقدر متفاوت است که این توهم به وجود می آید که آنها به دوره های مختلف تعلق دارند.
رامبراند در خانواده آسیابان به دنیا آمد، برادر بزرگتر تجارت پدرش را به ارث برد، برادر وسطی کفاش شد، کوچکترین قرار بود هنرمند شود. پس از فارغ التحصیلی از مدرسه لاتین، او وارد دانشگاه لیدن شد، اما با احساس اشتیاق به نقاشی و ترک علوم انسانی، شاگرد نقاش تاریخی پیتر لستمن شد که در آمستردام کار می کرد.
رامبراند هجده ساله تحصیل خود را متوقف کرد و از رفتن به ایتالیا برای تکمیل تحصیل خودداری کرد. خالق "Danae" در طول زندگی خود هرگز هلند را ترک نکرد. در حالی که هیچ سفارشی وجود نداشت، او پرتره های والدینش و سلف پرتره کشید و بیش از شصت تصویر از خود از جوانی تا پیری به جای گذاشت.
از سال 1631، رامبراند در آمستردام زندگی می کند. در همان زمان، نقاشی "آناتومی دکتر تولپا" سفارش داده شد. 
، که در آن هنرمند جوان به عنوان یک رئالیست ظاهر می شود. بدن متوفی با دقت به تصویر کشیده شد و به مرکز ترکیب تبدیل شد. حالت خنثی صورت آسیب شناس که توضیحاتی را ارائه می دهد با چهره هفت شنونده ای که توضیحات را با دقت دنبال می کنند در تضاد است. علاوه بر این، واکنش هر کسی کاملاً فردی است. قبلاً در این اثر، رامبراند بازی شگفت انگیز خود را با کیاروسکورو نشان داد: هر چیزی که مهم نیست توسط تاریکی خاموش می شود، همه چیز ضروری برجسته می شود.
سفارش اول اولین موفقیت بزرگ است و بعد از آن سفارشات جدید. این دوره شادی در زندگی رامبراند بود که می توان آن را با سلف پرتره معروف با ساسکیا در دامان او قضاوت کرد. 
(1634): او با استعداد، ثروتمند، محبوب است. ساسکیا ون اویلنبرگ یک وارث صاحب خانه ثروتمند است که اخیراً یتیم شده است. یک زوج جوان خانه ای بزرگ می خرند، هنرمند فرش ها، پارچه ها و ظروف شرقی را جمع آوری می کند و سپس آنها را در بوم های نقاشی شده بر اساس نقوش کتاب مقدس بازسازی می کند. رامبراند بارها به تصویر منجی اشاره می کند. محققان کار او خاطرنشان می کنند که از طریق آثار هلندی معروف می توان کل سفر زمینی سی و سه ساله مسیح را از تولد تا گلگوتا ردیابی کرد. 
).
رامبراند اغلب به موضوعات عهد عتیق روی می آورد. نقاشی ارمیتاژ "دیوید و اوریا" یک قسمت دراماتیک را بازسازی می کند: دیوید که عاشق بتشبا همسر اوریا شده بود، رهبر نظامی خود را به مرگ حتمی می فرستد. دیوید از وجدان خود عذاب می دهد، اما اشتیاق پیروز می شود - که اتفاقاً در آثار کلاسیک غیرممکن است. هرمیتاژ همچنین شاهکارهای دیگری از رامبراند را به نمایش می گذارد: "فلورا"، "دیوید و جاناتان"، "خانواده مقدس" 
"بازگشت پسر ولگرد" 
، چندین پرتره از افراد مسن و در نهایت "دانایی" (1636) که اخیراً بازسازی شده است. طرح تصویر از یک اسطوره باستانی گرفته شده است. دانائه دختر آکریسیوس پادشاه آرگیو است. پادشاه پیش بینی شده بود که به دست نوه اش خواهد مرد. برای اینکه دختر زیبایش را ازدواج نکند، او را در سیاهچال پنهان کرد. اما زئوس که توسط او اغوا شده بود، به شکل دوش طلایی وارد سیاهچال شد و پس از آن دانایی پرسئوس را به دنیا آورد که به طور تصادفی پدربزرگش را هنگام پرتاب دیسک کشت. پیش بینی خدایان به حقیقت پیوست.
این موضوع قبل از رامبراند توسط تیتیان مطرح شد 
، تینتورتو، تیپولو، پوسین، و غیره تصویر رامبراند از دانایی با انتظار شادی روشن می شود. او به اندازه پیشینیانش جوان و زیبا نیست. اما «دانائه» رامبراند وحدت نادری از جسم و روح را منتقل می کند. این نقاشی به‌ویژه با انعکاس نور طلایی روی روتختی، پرده‌ها و رومیزی و از همه مهمتر، چهره قهرمان که با موهای طلایی قاب شده است، اصلاح شده است.
دوران شادی در زندگی رامبراند زیاد طول نکشید. در سال 1642، ساسکیا درگذشت و یک پسر نه ماهه به نام تیتوس را در آغوش پدرش گذاشت. مادرش مادرش بود و زن پدرش با خدمتکار سابق هندریکه استوفلز جایگزین شد. او بارها در مورد خانواده جدیدش می نویسد ( 
, 
) اما فقر به خانه می آید و بعد فقر. هیچ سفارشی وجود ندارد. "نگهبان شب. گروه کاپیتان فرانس بانینگ کاک و ستوان ویلم ون رویتنبرخ» (1642) رسوایی ایجاد کرد. مشتریان از نحوه رنگ آمیزی استاد ناراضی بودند: او کاملاً نادیده می گرفت که چه کسی چقدر پرداخت کرده است، و با غیبت کسانی را که هزینه زیادی پرداخت می کردند در پس زمینه ترسیم می کرد.
او مقدر شده بود که پسر و همسر دوم خود را بیشتر زنده کند. تراژدی جهان بینی او تشدید شد. در آخرین سلف پرتره، چهره پیرمرد به سختی در تاریکی دیده می‌شود، لبخند گیج‌آمیز و سوال ساکتش: «چرا سرنوشت و معاصران این‌قدر نسبت به نبوغ من بی‌رحم بودند؟»
نقاش زبردست دیگری در زمان حیاتش شناخته نشد یان ورمیر از دلفت (1632-1675). در پایان دهه پنجاه، ورمیر منظره «نمای دلفت» را نقاشی کرد، سپس در تصویری دیگر خیابانی آرام از شهری را که در آن متولد و در آن زندگی می‌کرد، ترسیم کرد و هرگز آن را ترک نکرد. او به عنوان نویسنده زندگی روزمره یک شهر بورگ وارد تاریخ هنر شد. در هلند، ساکنان شهر سخت کوش اولین کسانی بودند که فرهنگ بورژوایی خود را با ارزش های تغییر ناپذیر آن ایجاد کردند: خانواده، خانه ای دنج، کار روزمره که شادی و رفاه را به ارمغان می آورد. در هنر هلندی علاقه زیادی به فرهنگ مادی وجود دارد. از این رو جزئیات دقیق دکوراسیون خانه، رومیزی های فرش قرمز-قهوه ای، فایانس آبی دلفت، هندسه دقیق کاشی هایی که به طور مرتب روی زمین چیده شده اند.
میراث ورمیر کوچک است - فقط سی و پنج نقاشی. تاکنون هیچ کس نتوانسته شاهکارهای ناشناخته استاد دلفت را کشف کند و هر بار ظاهر شدن نقاشی های او در بازار عتیقه منجر به افشای تقلبی ها می شد.
ورمیر گامی به ظاهر نامحسوس، اما اساساً انقلابی در تاریخ هنر برداشت. قبلاً نقاشی هایی برای کاخ ها و معابد کشیده می شد. ورمیر یکی از اولین کسانی بود که نقاشی هایی برای خانه و خانواده خلق کرد. او زندگی خصوصی نامحسوسی را روی بوم‌هایی برای مشتریان خصوصی نقاشی می‌کرد، که ظاهراً شخصیت‌های نقاشی‌هایش را تحت تأثیر قرار نمی‌دادند، بلکه فعالیت‌ها و علایقشان را به اشتراک می‌گذاشتند.
نقاشی های ورمیر معمولاً اندازه کوچکی دارند، اما ترکیب آنها از نظر ریاضی تأیید می شود.
شاهکارهای زیبای ورمیر از نظر طرح ساده هستند. او اغلب به خانم هایی می نوشت که نامه می نویسند یا می خوانند، موسیقی می نوازند، نقاشی می کشند، کار دستی انجام می دهند. 
, 
, 
, 
). او روشنفکران بورگر را نقاشی کرد - یک جغرافیدان، موسیقیدان، هنرمند، ستاره شناس نه تنها به عنوان استاد صنعت خود عمل می کرد، بلکه حرفه آنها را نیز شخصیت می داد.
یکی از ویژگی های اساسی نقاشی های ورمیر این است که به عنوان نقاشی های ژانر، معنای اسرارآمیزی دارند.
به عنوان مثال، در نقاشی «زنی که ترازو در دست دارد»، زنی با لباسی غنی در خانه در حال وزن کردن طلا یا مروارید است. دقیقاً چه چیزی مشخص نیست. یک عمل ساده معنایی نمادین پیدا می کند، زیرا مروارید نشان دهنده خلوص و باکرگی است و بانو، با توجه به برش لباسش، باردار است. این صحنه به دلیل این واقعیت که یک نقاشی که آخرین قضاوت را به تصویر می کشد به دیوار آویزان شده است، معنای بیشتری پیدا می کند. همه این جزئیات زمینه را برای تفسیرهای گسترده ای از صحنه روزمره فراهم می کند. اما این اصالت هنری نقاشی ورمیر است که می‌دانست چگونه حقیقت را به مفهومی فلسفی از زندگی تبدیل کند.
روندهای پیشرو باروک در هنر و ادبیات قرن هفدهم. با این حال، در این قرن، که از نظر استعداد بسیار غنی بود، هنرمندانی بودند که جلوتر از دوران خود بودند، توسط معاصران خود قدردانی نشدند و ظهور روندهای جدید در فرهنگ قرن های بعدی را پیش بینی کردند. اما اجازه دهید به ادبیات باروک بازگردیم که به وضوح در آلمان خود را نشان داد.
شاعران باروک از این فرض سرچشمه می گیرند که وجود انسان نوری در تاریکی است، جهان وادی رنج است و تنها ایمان به خداوند متعال نجات بخش است. این ایده‌ها نمونه‌ای از غزل‌سرایان آلمانی بود که در طول جنگ سی ساله 1618-1648، نبردی بی‌پایان بین کاتولیک‌ها و هوگنوت‌ها، که مردم جمهوری چک، سیلسیا، سوئد، دانمارک و آلمان به آن کشیده شدند، نوشتند. مارتین اوپیتز، بزرگترین شاعر آلمانی دوران جنگ سی ساله، شعر «کلامی از تسلی در میان بلایای جنگ» را می سراید. او با دیدن ویرانی ها و ویرانی های گسترده، زوال اخلاق و خشونت فزاینده، از چه راهی برای یافتن پشتیبان در زندگی تلاش می کند؟ فقط در دین.
او توسط شاعر معاصر دیگر، کریستین فون هافمان والداو، تکرار می شود، که برای او جهان، غرق در آتش جنگ، مانند یک شبح فریبنده به نظر می رسد:
این دنیا و زمزمه شایعات بالدار چیست؟
این دنیا و این همه زیبایی چیست؟
پرتو اشتباه، فشرده شده توسط یک دره کور،
برای لحظه ای، غار در تاریکی برق زد.
عسل شکفته، در هم تنیده با خار،
خانه ای زیبا که ناله ای غم انگیز را پنهان می کند
پناهگاه برده ای که به روی همه به طور یکسان باز است،
پوسیدگی قبر که با سنگ مرمر پوشیده شده است -
این مبنای اشتباهی برای امور ماست،
بتی که گوشت به آن عادت کرده است.
و تو ای جان برای دایره باریک زمینی
همیشه سعی کنید بدون ترس نگاه کنید.
(ترجمه B.I. Purishev)
هانس یاکوب کریستوف فون گریملشاوزن بزرگترین نثر نویس جنبش باروک نه تنها در آلمان، بلکه در سراسر فرهنگ اروپایی است. رمان او در مورد شرکت کنندگان در جنگ سی ساله، "The Intricate Simplicissimus" (1669)، با فانتزی بیش از حد، تصاویر افسانه ای افسانه ای از تبهکاران، و غیرقابل قبول بودن شخصیت های خوش اخلاق مشخص می شود.
هانس گریملشاوزن به عنوان خالق یکی از اولین رمان های آموزشی وارد تاریخ ادبیات آلمان و جهان شد. Simplicissimus با آگاهی کاملاً بدون ابر وارد زندگی می شود. ذهن او یک جدول واقعی است، اما جامعه روی یک لوح خالی قوانین، قواعد و هنجارهای خود را می نویسد که یک فرد طبیعی به تدریج به رعایت آنها عادت می کند.
خود Simplicissimus به عنوان یک راوی عمل می کند. او هنگام نوشتن زندگینامه خود از تأکید بر خاستگاه اشرافی خود کوتاهی نکرد. می گویند پدرم با دست خودش قصری ساخته بود. مهم نیست که با کاه پوشیده شده باشد، اما آن را سیاه کردند. کلبه دارای زرادخانه کامل سلاح بود که از بیل و بیل تشکیل شده بود. Simplicissimus درجه چوپانی را می پذیرد و از خوک ها و بزهای پدرش از کودکی مراقبت می کند. خوب، این هم یک شغل کاملاً شرافتمندانه است که قهرمانان اسطوره ها و افسانه ها از آن ابایی نداشتند.
جریان صلح آمیز زندگی روستایی با هجوم Landsknechts، که مردم فقیر را به طور کامل غارت کردند و خانه را به آتش کشیدند، قطع می شود. به این ترتیب Simplicissimus برای اولین بار فهمید که جنگ چیست. او به طور معجزه آسایی موفق به فرار شد.
گریملشاوزن، در سرگردانی بی وقفه Simplicissimus، پوچی و جنون جهانی غرق در خونریزی، طمع و رذایل را آشکار می کند.
حرکت شخصیت به صورت مارپیچی اتفاق می افتد. Simplicissimus به طور دوره ای نزد او می آید، که از آنجا خارج شد، که به طرز شیوا بر بیهودگی تلاش های انسان تأکید می کند.
تصویر شخصیت اصلی رمان دستخوش تحول می شود. از ساده لوح، Simplicissimus به یک حیله گر تبدیل می شود. او ساده لوحی را به عنوان یک نقاب حفظ می کند، اما در درون او هوش فوق العاده ای را پنهان می کند.
در طول عملیات نظامی، Simplicissimus شش فرمانده را تغییر داد، چندین موقعیت را انجام داد، ارتش را با علوفه و آذوقه تامین کرد و بیش از یک بار در آستانه مرگ قرار گرفت، اما سالم و سلامت باقی ماند.
حیله گری ساده لوح دیروز تنها یک قدم به سطح بعدی آگاهی است. تحت تأثیر همه چیزهایی که تجربه کرده است، Simplicissimus عقل سلیم را به دست می آورد، که به او اجازه می دهد تا به آنچه در حال رخ دادن است تا حدودی از بیرون نگاه کند، و در درجه اول به رفاه خود اهمیت می دهد.
Simplicissimus از یک دزدیده شده به یک دزد تبدیل می شود. از دهقانان اطراف گاو دزدید، از بیت المال دزدی کرد، شانس با او بود.
اشراف به دست آمده از طریق حمایت تبدیل به نمادی از موفقیت های Simplicissimus می شود؛ او یک شجره نامه برای خود می سازد و با یک نشان از سلاح می آید. بنابراین، ثروت دزدیده شده، ولگرد صادق دیروز را به یک نجیب تبدیل می کند.
با این حال، بر روی تاج موفقیت، هر بار فاجعه در انتظار قهرمان است؛ این بار او به طور تصادفی اسیر شد.
سپس از فرانسه، مجارستان و حتی روسیه دیدن می کند، جزیره اتوپیایی خود را ایجاد می کند و سپس به کشف سرزمین های جدید می رود. داستان سرایی باروک با تداوم مشخص می شود؛ نویسنده پرحرف نمی تواند متوقف شود، چه رسد به اینکه از قهرمان جدا شود.
شعر و نثر جنگ سی ساله در آلمان در طول مبارزه با فاشیسم بسیار مناسب بود.
آرتامونوف S.D. تاریخ ادبیات خارجی قرن 17-18. - م.، 1978.
Whipper Yu.B. شعر باروک و کلاسیک // Vipper Yu.B. سرنوشت و تاریخ خلاق. - م.، 1990.
گلنیشچف-کوتوزوف I.N. ادبیات اسپانیا و ایتالیا در دوران باروک // Golenishchev-Kutuzov I.N. ادبیات عاشقانه م.، 1975.
Oblomievsky D.D. کلاسیک گرایی فرانسوی م.، 1968.
سیلوناس ویداس. سبک زندگی و سبک های هنری. تئاتر سبک و باروک اسپانیایی. سن پترزبورگ، 2000.
Morozov A. "روش گرایی" و "باروک" به عنوان اصطلاحات نقد ادبی // ادبیات روسیه. - 1966. - شماره 3.
Ortega y Gasset J. Velazquez. گویا. - م.، 1997.
دانشگاه آکادمی آموزش روسیه
ویژگی های باروک و کلاسیک.
سبک های اصلی در هنر قرن هفدهم.
تکمیل شده توسط: دانشجوی سال دوم
بخش تمام وقت
مطالعات فرهنگی ویژه
یاکوبوا K.N.
معلم: Mareeva N.S.
مسکو 2010
مقدمه………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………….
1. ویژگی های فرهنگ قرن هفدهم……………………………………………………………………
2. باروک به عنوان یک جنبش هنری قرن هفدهم ……………………………………..۵
2.1. پیش نیازها و ویژگی های باروک……………………………………………...5
2.2. باروک در معماری………………………………………………………….6
2.3. باروک در ادبیات…………………………………………………………………………………………………….
2.4. باروک در نقاشی و مجسمه سازی……………………………………………..9
3. کلاسیک گرایی به عنوان یک جنبش هنری قرن هفدهم…………………………..10
3.1. پیش نیازها و ویژگی های کلاسیک گرایی……………………………………….10
3.2. کلاسیک گرایی در ادبیات………………………………………………………………………………………………………………………
3.3. کلاسیک گرایی در معماری و نقاشی……………………………………………………………………………………
3.4. کلاسیک گرایی در مجسمه سازی…………………………………………….13
نتیجه………………………………………………………………………………….14
مراجع………………………………………………………………………………………………………………………………………………….
معرفی
موضوع آزمون من "کلاسیک و باروک در فرهنگ اروپایی قرن هفدهم: ایده ها و اجراها" است. این موضوع به چند دلیل انتخاب شده است:
اولاً، باروک و کلاسیکیسم دو جنبش هنری بسیار گسترده و تأثیرگذار عصر مورد بحث هستند.
ثانیاً این حوزه ها ماهیت پیچیده و دوگانه ای دارند که این موضوع را به یکی از مبرم ترین موضوعات در دانش فرهنگی تبدیل می کند.
ثالثاً، باروک و کلاسیک نشان دهنده سهم برجسته ای در خزانه جهانی هنر هستند که علاقه بیشتری به دانش آنها برمی انگیزد.
هدف از کار من مطالعه گرایش هایی در هنر قرن هفدهم مانند کلاسیک و باروک است.
برای رسیدن به این هدف باید تعدادی از مشکلات را حل کنم:
· الگوهای کلی توسعه فرهنگ اروپایی قرن هفدهم را در نظر بگیرید.
کاوش در ویژگی های باروک و کلاسیک به عنوان جنبش های هنری اصلی این دوره.
1. ویژگی های فرهنگ قرن هفدهم
قرن هفدهم قرن دکارت و پورت رویال، پاسکال و اسپینوزا، رامبراند و میلتون، قرن دریانوردان شجاع، مهاجرت به کشورهای ماوراء بحار، تجارت جسورانه، شکوفایی علوم طبیعی، اخلاقی کردن ادبیات - و ... قرن است. کلاه گیس، که در دهه 60 به بزرگترین شکوه خود رسید، کلاه گیس هایی که همه از پادشاه، دریاسالار گرفته تا بازرگان پوشیده بودند.
تصادفی نیست که قرن هفدهم دوره زمان جدید را باز می کند: واقعاً قرن یک انسان جدید، یک علم جدید، یک هنر جدید بود.
در اروپا، عصر جدید خود را در شکل‌گیری و تقویت گرایش‌های سرمایه‌داری نشان می‌دهد، و در انگلستان سرمایه‌داری به وضوح در واقعیت تثبیت شده است. این همان زمان، دوره اولین انقلاب بورژوایی است که فاجعه و غیرانسانی بودن تغییرات خشونت آمیز در جامعه و ظلم سازمان دهندگان آن را آشکار کرد.
رویکرد عقل گرایانه به واقعیت ظهور و تقویت شده است؛ عقل شروع به ایفای نقش اصلی در جهان می کند. این قبل از هر چیز در شکل گیری یک علم جدید اعم از تجربی و نظری بیان شد. دستاوردهای علمی قرن هفدهم پیش نیازهای توسعه بیشتر علوم بنیادی را تا به امروز ایجاد کرده و پایه های یک نگاه فلسفی جدید به جهان را تشکیل می دهد.
قرن هفدهم دوره اولیه شکل گیری شیوه تولید بورژوایی است. این دوران بسیار دشوار و متناقض در زندگی کشورهای اروپایی است. دوران انقلاب‌های اولیه بورژوایی و ظهور سلطنت‌های مطلقه. زمان انقلاب علمی و مرحله نهایی ضد اصلاحات؛ دوران کلاسیک گرایی با شکوه، گویا و خشک و منطقی.
2. باروک به عنوان یک جنبش هنری قرن هفدهم
2.1. پیشینه و ویژگی های باروک
باروک (به ایتالیایی: Barosso - عجیب، عجیب و غریب) یکی از گرایش های سبک اصلی در هنر اروپای اواخر قرن شانزدهم - اواسط قرن هجدهم است. منشا آن ایتالیا بوده و در اکثر کشورهای اروپایی گسترش یافته است. باروک با تجسم ایده های جدید در مورد تنوع ابدی جهان، به سمت مناظر تماشایی، تضادهای قوی، ترکیبی از توهم و واقعیت، و تلفیقی از هنرها (شهر و کاخ و مجموعه پارک، اپرا، موسیقی مذهبی، اوراتوریو) می کشد. در همان زمان - تمایل به استقلال ژانرهای فردی (کنسرتو گروسو، سونات، سوئیت در موسیقی دستگاهی).
سبک باروک عمدتاً در کشورهای کاتولیک متاثر از فرآیندهای ضد اصلاحات رایج شد. کلیسای پروتستان که در دوران اصلاحات پدیدار شد، در مورد جنبه سرگرمی خارجی فرقه بسیار نامطلوب بود. سرگرمی به جاذبه اصلی کاتولیک تبدیل شد و خود تقوای مذهبی قربانی آن شد. سبک باروک با ظرافت، بیان گاهی اغراق‌آمیز، رقت‌انگیز بودن، توجه به اصل نفسانی و بدنی، که حتی در هنگام به تصویر کشیدن معجزات، رؤیاها و وجد‌های مذهبی به وضوح ظاهر می‌شود، کاملاً با اهداف بازگرداندن گله به آغوش مردم مطابقت داشت. کلیسای کاتولیک.
اما جوهر باروک گسترده تر از ذائقه کلیسای کاتولیک و اشراف فئودالی است که می خواستند از تأثیرات عظمت و خیره کننده ویژگی باروک برای تجلیل از قدرت، شکوه و شکوه دولت و دولت استفاده کنند. زیستگاه افراد نزدیک به تاج و تخت.
سبک باروک بحران انسان گرایی، احساس ناهماهنگی در زندگی، انگیزه های بی هدف به سوی ناشناخته ها را با شدت خاصی بیان می کند. در اصل، او جهانی را در حالت صیرورت آشکار می کند، و جهان شدن در آن زمان دنیای بورژوازی بود. و در این دنیایی که در حال کشف است، بورژوا به دنبال ثبات و نظم است. برای او تجمل و ثروت مترادف با ثبات جایگاه او در جهان است. به نظر می رسد که سبک باروک ناسازگاری را با هم ترکیب می کند: یادگاری با پویایی، درخشش تئاتر با استحکام، عرفان، فانتزی، غیرمنطقی بودن با متانت و عقلانیت، واقعا کارآمدی برگر.
مرکز توسعه هنر باروک در اواخر قرن 16-17. رم بود مجموعه‌های پارک و کاخ، معماری مذهبی، نقاشی و مجسمه‌سازی تزئینی، پرتره‌های تشریفاتی، و بعداً طبیعت بی‌جان و مناظر به انواع و ژانرهای اصلی هنر باروک تبدیل شدند.
2.2. باروک در معماری
معماری باروک (L. Bernini، F. Borromini در ایتالیا، B.F. Rastrelli در روسیه) با گستره فضایی، وحدت و سیال بودن اشکال پیچیده و معمولاً منحنی مشخص می شود. غالباً ستون‌های در مقیاس بزرگ، مجسمه‌های فراوان در نماها و فضای داخلی، پیچ‌ها، تعداد زیادی مهاربند، نماهای قوسی با مهاربندی در وسط، ستون‌های روستایی و ستونها وجود دارد. گنبدها شکل‌های پیچیده‌ای به خود می‌گیرند که اغلب چند لایه هستند، مانند گنبدهای کلیسای جامع سنت پیتر در رم. جزئیات مشخصه باروک - تلامون (اطلس)، کاریاتید، ماسکارون.
در معماری ایتالیایی، برجسته ترین نماینده هنر باروک کارلو مادرنا (1556-1629) بود که با منریسم شکست و سبک خاص خود را ایجاد کرد. ساخته اصلی او نمای کلیسای رومی سانتا سوزانا (1603) است. چهره اصلی در توسعه مجسمه سازی باروک لورنزو برنینی بود که اولین شاهکارهای او به سبک جدید به حدود سال 1620 برمی گردد. برنینی همچنین یک معمار است. او مسئول طراحی میدان کلیسای سنت پیتر در رم و فضاهای داخلی و همچنین ساختمان های دیگر است. کمک های قابل توجهی توسط D. Fontana، R. Rainaldi، G. Guarini، B. Longhena، L. Vanvitelli، P. da Cortona انجام شد. در سیسیل، پس از یک زلزله بزرگ در سال 1693، سبک جدیدی از باروک اواخر باروک سیسیلی ظاهر شد.
اصل باروک، تلفیقی چشمگیر از نقاشی، مجسمه سازی و معماری، کلیسای کوچک کورانارو در کلیسای سانتا ماریا دلا ویتوریا (1645-1652) در نظر گرفته می شود.
سبک باروک در اسپانیا، آلمان، بلژیک (در آن زمان فلاندر)، هلند، روسیه و فرانسه گسترده شد. باروک اسپانیایی یا به زبان محلی Churrigueresco (به افتخار معمار Churriguera) که به آمریکای لاتین نیز گسترش یافت. محبوب ترین بنای یادبود او کلیسای جامع در سانتیاگو د کامپوستلا است که همچنین یکی از مورد احترام ترین کلیساهای اسپانیا است. در آمریکای لاتین، باروک آمیخته با سنت های معماری محلی، این پیچیده ترین نسخه آن است و به آن فوق باروک می گویند.
در فرانسه، سبک باروک نسبت به سایر کشورها متواضعانه تر بیان می شود. قبلاً اعتقاد بر این بود که این سبک به هیچ وجه در اینجا توسعه نیافته است و بناهای تاریخی باروک بناهای کلاسیک تلقی می شوند. اصطلاح "کلاسیکیسم باروک" گاهی اوقات در رابطه با نسخه های فرانسوی و انگلیسی باروک استفاده می شود. در حال حاضر کاخ ورسای به همراه پارک معمولی، کاخ لوکزامبورگ، ساختمان آکادمی فرانسه در پاریس و آثار دیگر از سبک باروک فرانسوی محسوب می‌شوند. آنها دارای برخی ویژگی های کلاسیک هستند. ویژگی بارز سبک باروک سبک منظم در باغبانی منظر است که نمونه ای از آن پارک ورسای است.
2.3. باروک در ادبیات
نویسندگان و شاعران در دوره باروک دنیای واقعی را به عنوان یک توهم و یک رویا درک می کردند. توصیف های واقع گرایانه اغلب با تصویر تمثیلی آنها ترکیب می شد. نمادها، استعاره‌ها، تکنیک‌های نمایشی، تصاویر گرافیکی (مجموعه‌های شعری یک تصویر را تشکیل می‌دهند)، غنای فیگورهای بلاغی، آنتی‌تزها، توازی‌ها، درجه‌بندی‌ها و اکسی‌مورون‌ها به‌طور گسترده مورد استفاده قرار می‌گیرند. نگرش هجوآمیز-بورلسکی نسبت به واقعیت وجود دارد.
ویژگی ادبیات باروک میل به تنوع، جمع‌بندی دانش درباره جهان، فراگیری، دایره‌المعارفی است که گاه به آشفتگی و جمع‌آوری کنجکاوی تبدیل می‌شود، میل به مطالعه هستی در تضادهای آن (روح و جسم، تاریکی و نور، زمان و ابدیت). اخلاق باروک با اشتیاق به نمادگرایی شب، مضمون ضعف و ناپایداری، زندگی به مثابه یک رویا مشخص شده است (F. de Quevedo, P. Calderon). نمایشنامه کالدرون "زندگی یک رویا است" مشهور است. ژانرهایی مانند رمان شجاعانه-قهرمانی (J. de Scudéry، M. de Scudéry) و رمان روزمره و طنز (Furetière، C. Sorel، P. Scarron) نیز در حال توسعه هستند. در چارچوب سبک باروک، انواع و جهات آن متولد می شود: مارینیسم، گونگوریسم (کلترانیسم)، مفهوم گرایی (ایتالیا، اسپانیا)، مکتب متافیزیکی و سرخوشی (انگلیس).
کنش رمان‌ها اغلب به دنیای خیالی دوران باستان منتقل می‌شود، به یونان، آقایان و خانم‌های درباری به‌عنوان چوپان‌ها و شبان‌ها به تصویر کشیده می‌شوند که به آن شبان می‌گویند (Honoré d’Urfe، "Astraea"). خودنمایی و استفاده از استعاره های پیچیده در شعر شکوفا می شود. فرم های رایج عبارتند از غزل، روندو، کانکتی (شعر کوتاهی که برخی از اندیشه های شوخ را بیان می کند) و مادریگال.
در غرب، در زمینه رمان، نماینده برجسته G. Grimmelshausen (رمان Simplicissimus)، در زمینه نمایش، P. Calderon (اسپانیا) است. در شعر V. Voiture (فرانسه)، D. Marino (ایتالیا) و Don Luis de Gongora y Argote (اسپانیا) مشهور شدند. در روسیه، ادبیات باروک شامل S. Polotsky، F. Prokopovich و M. Lomonosov اولیه است. در فرانسه در این دوره، "ادبیات گرانبها" شکوفا شد. سپس عمدتاً در سالن مادام دو رامبویه، یکی از سالن‌های اشرافی پاریس، شیک‌ترین و مشهورترین، کشت می‌شد.
قرن هفدهم به طرز شگفت آوری برای توسعه مطلوب بود فرهنگ هنریاین نه تنها یک قرن علم، بلکه یک قرن هنر نیز شد. درست است، با در نظر گرفتن این واقعیت که شکوفایی علم تازه آغاز شده بود، در حالی که هنر قبلاً به اوج خود رسیده بود. با این وجود، آسمان بالای او هنوز صاف و بدون ابر است. اعتبار او در جامعه به طور غیرعادی بالاست. از نظر تعداد هنرمندان بزرگ قرن هفدهم، ظاهراً از همه هنرمندان دیگر از جمله رنسانس پیشی گرفته است. علاوه بر این، اگر در دوران رنسانس ایتالیا در زمینه هنر برابری نداشت، در قرن هفدهم. هنر در تمام کشورهای اروپایی در حال افزایش است و فرانسه اکنون ارجح به نظر می رسد.
هنر نیز مانند سایر حوزه های فرهنگ، تأثیرات تمایز را تجربه کرده است. انزوای آن بیشتر و بیشتر برجسته و متمایز می شود. حتی ارتباط با دین نیز به طرز محسوسی ضعیف شده است. در نتیجه موضوعات دینی و اساطیری از شرارت مفرط خلاص می شوند و سرشار از نشاط و طبیعی بودن عمیق می شوند.
یکی دیگر از پیامدهای تمایز این است که در میان هنرمندان شخصیت جهانی مشخصه آن دوران ناپدید می شود. نه تنها هنرمندی درخشان، بلکه دانشمند، متفکر و مخترع بزرگی بود. اگر چه به میزان کمتر، همین را می توان در مورد L. Alberti، F. Brunelleschi نیز گفت. Piero della Francesche، F. Rabelais و دیگران. اکنون چنین چهره هایی در مقیاس بزرگ نادر می شوند. در عین حال، اصل ذهنی در هنر افزایش می یابد. این خود را در تعداد فزاینده ای از افراد باهوش، در آزادی خلاق و شجاعت بیشتر، و در یک دید گسترده تر از چیزها نشان می دهد.
در هنر نیز روندی از تمایز وجود دارد، ژانرهای موجود در حال تغییر هستند و ژانرهای جدید در حال ظهور هستند. که در رنگ آمیزیمنظره و پرتره به ژانرهای کاملاً مستقلی تبدیل می شوند که در آنها روانشناسی تقویت می شود. طبیعت بی جان و تصاویری از حیوانات ظاهر می شود. اهمیت محلول های ترکیبی اصلی، رنگ، زیبایی و طعم در حال افزایش است.
که در موسیقیاپرا متولد می شود خالق این ژانر آهنگساز ایتالیایی است سی. مونتوردی (1567-1643)،اپرای "اورفیوس" را نوشت که در آن به صحنه رفت 1607 و به یک شاهکار واقعی هنر اپرا تبدیل شد. برای اولین بار، موسیقی در آن نه تنها شعر را تکمیل می کند، بلکه شخصیت اصلی است و معنای هر چیزی را که روی صحنه می افتد بیان می کند. علاوه بر اپرا، کانتات ها و اوراتوریوها نیز در موسیقی ظاهر می شوند.
سبک های اصلی در هنر قرن هفدهم. باروک و کلاسیک ظاهر می شود. برخی از مورخان هنر معتقدند که در همان زمان رئالیسم به عنوان سبکی خاص در هنر پدیدار شد، اما این دیدگاه مورد مناقشه است، اگرچه وجود گرایش رئالیستی به رسمیت شناخته شده است.
باروک
باروکدر پایان قرن 16 ظاهر می شود. در ایتالیا. خود کلمه "باروک" به معنای "عجیب"، "عجیب" است. سبک باروک با تصاویر پویا، تنش، روشنایی، ظرافت، کنتراست، میل به عظمت، شکوه و شکوه، ترکیبی از هنرها، ترکیبی از واقعیت و توهم، افزایش عاطفه و احساسات مشخص می شود. باروک سبک نخبگان اشرافی جامعه فئودالی در حال خروج، سبک فرهنگ کاتولیک بود.
نماینده برجسته باروک ایتالیایی معمار، مجسمه ساز و نقاش رومی است L. Bernini (1598-1680).کار او تمام ویژگی های بارز سبک را - هم قوی و هم ضعیف - مجسم می کرد. بسیاری از آثار او در بنای تاریخی اصلی رم کاتولیک - کلیسای جامع St. پترا در زیر گنبد آن که توسط میکل آنژ بزرگ ساخته شده است، یک بنای تاریخی و تزئینی باشکوه - یک سایبان سی متری - و در محراب یک منبر مرمری به همان اندازه باشکوه از پیتر وجود دارد که با طلا تزئین شده و چهره هایی که فرشتگان و کوپیدها، پدران کلیسا را به تصویر می کشند. و مقدسین
خلقت باشکوه‌تر برنینی، ستون بزرگ متشکل از 284 ستون بود که در چهار ردیف قرار گرفته بودند و مربع بزرگی را در مقابل کلیسای جامع سنت قاب‌بندی می‌کردند. پترا مهم‌ترین آثار مجسمه‌سازی برنینی را می‌توان «آپولو و دافنه» و «خلسه سنت سنت» نام برد. ترزا."
مشهورترین چهره باروک اروپایی هنرمند فلاندری است پی روبنس (1577-1640).او را به حق می توان یک شخصیت جهانی نامید که از نظر مقیاس نسبت به تیتان های رنسانس پایین تر نیست. او به اومانیست ها نزدیک بود و به کلاسیک های دوران باستان - پلوتارک - علاقه داشت. سنکا، هوراس، شش زبان از جمله لاتین را می دانست. روبنس دانشمند یا مخترع نبود، اما او مشکلات نجوم و باستان شناسی را درک می کرد، به ساعت های بدون مکانیسم علاقه نشان می داد، به ایده حرکت دائمی، پیشرفت های جدید در فلسفه را دنبال می کرد، چیزهای زیادی در مورد سیاست می فهمید و فعالانه در آن شرکت می کرد. آی تی. او بیش از همه خود زندگی انسان را دوست داشت.
روبنس تعهد خود به انسان گرایی را در آثارش مجسم کرد. او شاعر بزرگ زندگی پر از شادی، لذت و غزل شد. او یک خواننده بی نظیر از گوشت انسان - مرد و به خصوص زن، زیبایی نفسانی بدن انسان است. فقط روبنس می توانست با چنین شهامت و عشق زیبایی خود گوشت، گرمای ملایم و انعطاف پذیری نرم آن را منتقل کند. او توانست نشان دهد که گوشت بدون داشتن فرم زیبا می تواند زیبا باشد.
یکی از موضوعات محوری آثار او زن، عشق و کودک به عنوان میوه طبیعی و زیبای عشق است. این سمت از کار او را می‌توان در فیلم‌هایی چون «زهره و آدونیس» دید و احساس کرد. "جونو و آرگوس"، "پرسئوس و آندرومدا"، "بثشبا".
زمانی که روبنس در ایتالیا بود، در یک مدرسه هنری خوب شرکت کرد. با این حال، خلق و خوی فلاندری او همه چیز را از بزرگان ایتالیایی نگرفت. مشخص است که استادان ایتالیایی تعادل، آرامش و هارمونی را ترجیح می دهند که به آنها امکان ایجاد زیبایی ابدی را می دهد. روبنس همه اینها را به نفع حرکت می شکند. پیکره های انسانی که او به تصویر می کشد اغلب شبیه یک فنر فشرده است که آماده باز شدن فوری است. از این نظر، او نزدیک ترین فرد به میکل آنژ است که مجسمه هایش پر از تنش و حرکت درونی است. آثار او نیز پر از پویایی شدید است. اینها به ویژه نقاشی های "نبرد آمازون ها"، "ربودن دختران لوسیپوس"، "شکار شیر"، "شکار گراز" هستند.
در آثار روبنس، رنگ و زیبایی بر طراحی غالب است. در اینجا تیتیان به عنوان نمونه او عمل می کند. روبنس خطوط خیلی واضح را دوست ندارد. به نظر می رسد ماده را از صورت جدا می کند و آن را آزاد، زنده و جسمانی می کند. در مورد رنگ، هنرمند رنگ های روشن، تمیز و غنی را ترجیح می دهد که با نشاط سالم پر شده است. او نه برای هارمونی آنها که برای ارکستراسیون، برای ایجاد یک سمفونی رنگی تلاش می کند. روبنس را به درستی آهنگساز بزرگ رنگ می نامند.
کلاسیک گرایی
میهن کلاسیک گراییفرانسه شد. اگر باروک به احساسات ارجحیت می دهد، کلاسیک بر عقل استوار است. بالاترین هنجار و نمونه ایده آل برای او هنر باستانی است. اصول اصلی آن وضوح، نظم، ثبات منطقی، هماهنگی و هماهنگی است.
از نظر کلاسیک، موضوع هنر باید متعالی و زیبا، قهرمانانه و نجیب باشد. هنر قرار است بیانگر آرمان های عالی اخلاقی باشد، زیبایی و ثروت معنوی انسان را تجلیل کند، پیروزی وظیفه آگاهانه را بر عنصر احساسات تجلیل کند. داور هنر فقط ذوق نیست، عقل هم هست.
کلاسیک اصول اساسی عقل گرایی و بالاتر از همه، ایده ساختار عقلانی جهان را به اشتراک می گذارد. اما در درک رابطه انسان و طبیعت با او متفاوت است و خط اومانیسم رنسانس را ادامه می دهد و معتقد است که این روابط باید بر اساس اصول رضایت و هماهنگی بنا شود نه سلطه و تسلیم. این امر به ویژه در مورد هنر صادق است که یکی از وظایف آن تجلیل از هماهنگی انسان با طبیعت زیبا است.
بنیانگذار و شخصیت اصلی کلاسیک در رنگ آمیزییک هنرمند فرانسوی است N. Poussin (1594-1665).او در کار خود کاملاً بر عقل گرایی آر. دکارت تکیه می کند و معتقد است که احساس همیشه جزئی و یک طرفه است و تنها عقل می تواند موضوع را به طور جامع و با تمام پیچیدگی آن درک کند. پس عقل باید همه چیز را قضاوت کند.
پوسین تقریباً تمام زندگی خود را در ایتالیا گذراند، اما این مانع از تبدیل شدن او به یک هنرمند واقعی فرانسوی نشد که یکی از حرکات چشم در هنر را ایجاد کرد که تا به امروز وجود دارد. از میان استادان ایتالیایی، رافائل بیشترین تأثیر را بر او داشت. آثار او نمونه های ایده آلی از کمال کامل هستند، و همچنین تیتیان، که همه هنرمندان بعدی از او درس زیبایی ناب را می گیرند.
اگرچه پوسن عقل را ترجیح می دهد، اما هنر او را نمی توان خشک، سرد و منطقی نامید. او خود خاطرنشان می کند که هدف از هنر لذت است، تمام تلاش هنرمند برای ارائه لذت زیبایی شناختی به بیننده است. آثار او در حال حاضر حاوی دو عنصر اصلی هنری است، زمانی که به یک پدیده کاملا مستقل و خودکفا تبدیل می شود.
یکی از آنها با پلاستیسیته مرتبط است که با ابزارهای صرفاً هنری و تصویری، ترکیبی از خطوط و رنگ ها ایجاد شده است که منبع لذت زیبایی شناختی خاص است. دوم با بیان، بیان همراه است، که به کمک آن هنرمند بیننده را تحت تأثیر قرار می دهد و حالت ذهنی را که خود تجربه کرده است در او برمی انگیزد.
وجود این دو اصل به پوسین اجازه می دهد تا عقل و احساس را با هم ترکیب کند. تقدم عقل با عشق او به جسم و نفسانی همراه است. این را نقاشی های او "زهره و آدونیس"، "زهره خواب"، "باکانالیا" و دیگران نشان می دهد، جایی که ما یک فرد را از نظر جسم و روح کامل می بینیم.
در دوره اولیه خلاقیت پوسین، بوم‌هایی با موضوعات تاریخی و مذهبی-اسطوره‌ای غالب بود. آثاری مانند «تجاوز به زنان سابین»، «تسخیر
اورشلیم، "چوپانان آرکادی". سپس موضوع هماهنگی بین انسان و طبیعت مطرح می شود. در نقاشی های "پیروزی فلورا"، "منظره با پولیفموس"، "منظره با اورفئوس و اوریدیک" و غیره نمایش داده شده است. طبیعت فقط مکانی برای ماندن یک فرد نیست. یک توافق حسی عمیق بین آنها برقرار می شود، یک اجتماع معین از ارواح، آنها یک کل واحد را تشکیل می دهند. پوسین سمفونی های واقعی انسان و طبیعت را خلق کرد.
این هنرمند در آخرین سال های زندگی خود تمام توجه خود را صرف ستایش طبیعت کرد. او مجموعه شعر «فصل ها» را می آفریند.
کلاسیک گرایی در معماریتجسم ایده آل خود را در کاخ ورسای که به اراده پادشاه فرانسه لوئی چهاردهم ساخته شده بود، یافت. این مجموعه باشکوه شامل سه کاخ باشکوه و یک پارک بزرگ با استخر، فواره و مجسمه است. این گروه با چیدمان دقیق، کوچه های پارک هندسی، مجسمه های باشکوه، درختان و بوته های تزئین شده متمایز است.
واقع گرایی
روند واقع بینانهدر هنر قرن هفدهم. در درجه اول توسط هنرمند هلندی نمایندگی می شود رامبراند(1606-1669). خاستگاه این روند در آثار نقاش ایتالیایی کاراواجو (1573-1610) است که تأثیر زیادی بر بسیاری از هنرمندان داشت.
هنر رامبراند به نوعی بین باروک و کلاسیک جایگاه متوسطی دارد. در آثار او می توان ویژگی های این دو سبک را یافت، اما بدون افراط و تفریط در هر یک از آنها. به طور خاص، "دانای" معروف او بسیار شهوانی و نفسانی به نظر می رسد، اما نه در حدی که روبنس آن را اجرا می کرد. در مورد کلاسیکیسم هم همینطور است. برخی از ویژگی های آن در آثار رامبراند وجود دارد، اما هیچ زیبایی خالص و ایده آلی در آنها وجود ندارد، هیچ چیز باشکوه و قهرمانانه ای وجود ندارد. بدون ترحم و غیره در آنها همه چیز به زمین نزدیک تر به نظر می رسد، همه چیز بسیار ساده تر، طبیعی تر، صادق تر، واقعی تر است.
با این حال، اصالت اصلی هنر رامبراند در جای دیگری نهفته است. این در این واقعیت نهفته است که به لطف او جهت جدیدی در نقاشی اروپایی پدید آمد - روانشناسیرامبراند اولین کسی بود که به طور جدی به ندای معروف سقراط پاسخ داد: «خودت را بشناس». نگاهش را به درون چرخاند و دنیای درونی عظیم و ناشناخته ای متناسب با جهان بیکران بر او آشکار شد. موضوع هنر او ثروت پایان ناپذیر زندگی معنوی انسان است.
به نظر می رسد رامبراند به سرریزهای بی پایان حالات روانی، جلوه های پایان ناپذیر شخصیت فردی انسان نگاه می کند و گوش می دهد. از این رو، نه تنها پرتره‌ها، بلکه خودنگاره‌هایی نیز وجود دارد که در آن او خود را در دوره‌های مختلف زندگی‌اش - در جوانی و پیری، در حالات مختلف - پر از سرزندگی و پس از بیماری به تصویر می‌کشد. در آثار او پرتره نه تنها به یک ژانر مستقل تبدیل می شود، بلکه به ارتفاعات بی سابقه ای می رسد. همه کارهای او را می توان هنر نامید پرتره.
این چرخش تا حد زیادی با این واقعیت توضیح داده می شود که رامبراند - برخلاف روبنس و پوسین کاتولیک ها - یک پروتستان بود. قبل از ظهور پروتستان، انسان آگاهانه به دنبال جدایی خود از دیگران نبود. برعکس، او خود را خارج از جامعه جمعی نمی دانست. در دوران باستان، چنین جامعه ای توسط هنجارهای سیاسی و اخلاقی حمایت می شد. در قرون وسطی، مسیحیت پایه های قبلی خود را با یک جامعه ایمانی تقویت کرد.
پروتستانتیسم این سنت را نقض کرد و مسئولیت اصلی سرنوشت یک فرد را بر عهده خود قرار داد. اکنون موضوع رستگاری قبل از هر چیز به یک موضوع شخصی برای هر فردی تبدیل شد. تغییر عمیقی در آگاهی انسان غربی رخ داد و رامبراند اولین کسی بود که تغییرات در حال وقوع را عمیقاً احساس کرد و آنها را در هنر خود بیان کرد.
بسیاری از آثار دوران اولیه کار رامبراند، و بالاتر از همه خودنگاره های او، از توجه دقیق به رازهای زندگی درونی، از جستجوی حقیقت شخصی خود صحبت می کنند. این را نیز نقاشی‌های او مانند «پل رسول در زندان»، «مسیح در امائوس» و غیره نشان می‌دهد که تجربیات روان‌شناختی و تأملات درباره معنای زندگی و هستی به منصه ظهور می‌رسد. در دوره بلوغ و به ویژه پس از معروف "نگهبان شب"این روندها حتی قوی تر می شوند. آنها به ویژه در نقاشی های "پرتره یک پیرمرد قرمز پوش" و "پرتره یک بانوی پیر" به وضوح ظاهر می شوند. نقاشی "سندیکس" به اوج هنر پرتره گروهی تبدیل می شود.
رامبراند در آخرین دوره کار خود بیش از پیش در اعماق آگاهی انسان فرو رفت. او به یک مشکل کاملاً جدید برای هنر اروپایی حمله می کند - مشکل تنهایی انسان. نمونه ای از آن نقاشی های «فیلسوف» و «بازگشت پسر ولگرد» اوست.
قرن هفدهم زمان شکل گیری مطلق گرایی در فرانسه بود که به الگوی سیاسی کشورداری برای بسیاری از کشورهای اروپایی تبدیل شد. پس از چندین قرن جنگ و ناآرامی که مصادف با پایان قرون وسطی بود، سلطنت مطلقه اساس ثبات و نظم اجتماعی و تضمین تمامیت ارضی و ملی کشور بود و توسط معاصران به عنوان نمادی تلقی نمی شد. فقط از قدرت دولتی، بلکه از عظمت ملت، فرهنگ منحصر به فرد آن. زندگی سلطنت مطلقه تحت سلطه روح شکوه نمایشی مراسم دربار و آداب اجباری سختگیرانه بود که تبعیت شدید همه لایه های جامعه را تعیین می کرد. دربار سلطنتی و خود پادشاه نه تنها مرکز، "خورشید" بود که اطراف آن همه نهادهای دولتی و محیط اشراف وفادار به شاه شکل گرفتند، بلکه بسیاری از پدیده های فرهنگی مهم نیز شکل گرفتند. در مبارزه با گرایش های مختلف، سنت های محلی و پاناروپایی در قرن هفدهم، یک مکتب ملی نقاشی در فرانسه شکل گرفت که قرار بود در قرون بعدی هنرمندان را در سراسر اروپا رهبری کند. شکوه باروک هنر دربار، سنت‌های کارواگیسم اروپایی و گرایش‌های واقع‌گرایانه «مدرسه واقعیت» فرانسوی، و در نهایت، اصول هنر رسمی آکادمیک ایده‌ای از پیچیدگی زندگی هنری کشور می‌دهد. با این حال، کلاسیک گرایی، که مستقیماً با فلسفه عقل گرایی و پیشرفته ترین ایده های اجتماعی آن زمان در ارتباط بود، به سبک تعیین کننده ملی تبدیل شد.
کلاسیک گرایی، سبکی هنری در هنر اروپایی قرن هفدهم تا اوایل قرن نوزدهم، که یکی از مهم ترین ویژگی های آن جذابیت به اشکال هنر باستانی به عنوان معیار زیبایی شناختی و اخلاقی ایده آل بود. کلاسیک گرایی که در تعامل شدید جدلی با باروک توسعه یافت، در فرهنگ هنری فرانسه در قرن هفدهم به یک سیستم سبک یکپارچه تبدیل شد. اصول فلسفه خردگرای زیربنای کلاسیک گرایی دیدگاه نظریه پردازان و دست اندرکاران سبک کلاسیک را در مورد یک اثر هنری به عنوان ثمره عقل و منطق تعیین می کند که بر هرج و مرج و سیال زندگی حسی پیروز می شود. جهت گیری به سمت یک شروع معقول، به سمت الگوهای پایدار. هنجارگرایی محکم الزامات اخلاقی (تبعیت شخصی به کلی، احساسات - عقل، وظیفه، قوانین جهان) و درخواست های زیبایی شناختی کلاسیک، تنظیم قوانین هنری را تعیین کرد. تحکیم آموزه های نظری کلاسیک با فعالیت آکادمی های سلطنتی تأسیس شده در پاریس - نقاشی و مجسمه سازی (1648) و معماری (1671) تسهیل شد. در نقاشی کلاسیک، خط و کیاروسکورو به عناصر اصلی مدل سازی فرم تبدیل شدند؛ رنگ محلی به وضوح شکل پذیری فیگورها و اشیاء را آشکار می کند و نقشه های فضایی نقاشی را از هم جدا می کند. با شکوه محتوای فلسفی و اخلاقی، هماهنگی کلی آثار پوسین نیکولا، بنیانگذار کلاسیک گرایی و بزرگترین استاد کلاسیک گرایی قرن هفدهم، در نقاشی های خود، عمدتاً در موضوعات دوران باستان و اساطیر، مشخص شده است. نمونه های بی نظیری از ترکیب هندسی دقیق و همبستگی متفکرانه گروه های رنگی ارائه کرد.
"نبرد بنی اسرائیل با اموریان"(حدود 1625-1626، همراه با نقاشی "نبرد بنی اسرائیل با عمالقه" از ارمیتاژ).
"رینالدو و آرمیدا". که بر روی طرح شعر تورکواتو تاسو "اورشلیم آزاد شد" نوشته شده است، آن لحظه را در افسانه عاشقانه به تصویر می کشد که جادوگر موذی آرمیدا قصد داشت شوالیه صلیبی جوان رینالدو را بکشد، "اما یخ قلبش در پرتوهای عشق آب شد. " نقشه شوالیه
سرد عقلانی هنجارگراییپوسین تاییدیه دریافت کرد ورسایدربار و توسط هنرمندان درباری مانند لبرونکه در نقاشی کلاسیک زبان هنری ایده آل برای ستایش را می دید دولت مطلقه « پادشاه خورشید" اگرچه مشتریان خصوصی گزینه های مختلفی را ترجیح می دهند باروکو روکوکو، سلطنت فرانسه کلاسیک گرایی را با تأمین مالی مؤسسات آکادمیک مانند دانشکده هنرهای زیبا. جایزه رماین فرصت را برای مستعدترین دانش آموزان فراهم کرد تا برای آشنایی مستقیم با آثار بزرگ دوران باستان از رم بازدید کنند.
"مناظر ایده آل" (نقاش لورین کلود). در عتیقه های خود مناظر طبیعیدر مجاورت «شهر ابدی» با هماهنگ کردن آنها با نور غروب خورشید و معرفی مناظر معماری عجیب، تصاویر طبیعت را سامان داد.
خاطرات و رویاها، دنیای روح انسان، حالات و خیالات زودگذر آن بیش از خود واقعیت به ارزش های واقعی برای نقاشی، تئاتر و موسیقی تبدیل می شوند. این ویژگی های جهان بینی عصر بالاترین تجلی خود را در طنز مالیخولیایی نقاشی های هنرمند فرانسوی آنتوان واتو و احساسات محترمانه موسیقی موتزارت - دو نابغه فرهنگ اروپایی قرن هجدهم - یافت. مجموعه موزه شامل دو اثر اولیه آنتوان واتو (1684-1721) است - "بیواک"و "طنز در مورد پزشکان". در هنر شاعرانه و رویایی او، در سپیده دم قرن جدید، می توان پیچیدگی ظریف تصاویر تئاتر و موسیقی را حس کرد که عالی ترین دستاوردهای فرهنگ اروپایی قرن هجدهم را تعیین کرد. "طنز در مورد پزشکان" (دهه 1710) به عنوان یک تصویر مستقیم از کمدی مولیر "معتبر خیالی" تلقی می شود. این نقاشی ظاهرا زمانی خلق شده است که واتو در کارگاه معلم خود، دکوراتور تئاتر کلود ژیلو کار می کرد. در یک میزانسن با کارگردانی خوب، شخصیت‌های ماسک فردی به وضوح متمایز می‌شوند، نزدیک به شخصیت‌های کمدیا دل آرته. دکتر با لباس قرمز با یقه الاغ دور گردنش کاملا از خود راضی است. بیمار هراسان با وسایل پزشکی خود، شبیه ابزار شکنجه، به سرعت از دست پزشکان بی امان فرار می کند. اما در شخصیت‌های شاد تصویر، با قراردادن نقاب نمایشی، جذابیت شخصیت‌های زنده، سرزنده و حیله‌گر یا سرشار از تفکر مالیخولیایی نمایان است. آنچه در حرکات بازیگران را به خود جلب می کند، لطف جوانی برخی است که سستی سنگین برخی دیگر را برمی انگیزد. در رنگ های لباس های نیمه فوق العاده، ظرافت ترکیب رنگ های صورتی و آبی، یاسی و سبز زیتونی مسحور کننده است.
شکوه، تزئینات، کلاسیک. آنها از روش ایتالیایی-هلندی عبور می کنند. روندها، سنت های واقع گرایانه مدرسه ملی. پرتره غالب است. هنر دادگاه:
Simon Vouet (1590-1649) - تحت تأثیر کاراواجو و نقاشان ونیزی. نزدیک به سنت های باروک، کار نقاش فرانسوی سیمون وو (1590-1649) بود. مانند بسیاری از بزرگترین نقاشان اروپایی این قرن، او در محیط هنری بین المللی رم از طریق مطالعه هنر باروک باستان، رنسانس و معاصر ایتالیا شکل گرفت.
« بشارت» (1632)- طرح انجیل به تعبیر Vue، شخصیت صحنه ای شجاعانه را به خود می گیرد، با نمایشی بودن ژست ها و حساسیت حالات چهره. ترکیب معجزه عرفانی و جزئیات عمدی روزمره، مانند سبدی با سوزن دوزی، مشخصه سبک باروک، در کار استاد دربار فرانسوی تابع ظرافت سرد و سرد است.
جلوه تزئینی نقاشی
در اواخر قرن 16 - 17، جهت کارواگیسم، که در ایتالیا شکل گرفت، تأثیر زیادی بر توسعه تمام مدارس هنری اصلی اروپا، و به ویژه فرانسه داشت. والنتین دو بولونی (1591-1632) - پیرو فرانسوی بنیانگذار رئالیسم اروپایی در نقاشی، میکل آنژ دا کاراواجو.
"انکار سنت پیتر" نوشته شده بر روی یک داستان انجیل
ژاک لوئیس دیوید. « سوگند هوراتی ها(1784).
سؤال 53. ترکیب آجر و سنگ.- در دوره هنری چهارم، جلوه‌های تزئینی اغلب با چنین تکنیک‌های سازنده‌ای به دست می‌آمد که در آن تضادهای رنگی، با هزینه‌ای اندک، ظاهری زنده و متنوع به نماها می‌بخشید. این ساخت دیوارها به شکل قاب سنگ های تراش خورده با سنگ تراشی خشن است. سطح پرکننده با گچ رنگی پوشانده شده است: طبق سنت های مربوط به اوایل رنسانس، قاب دهانه ها از طریق تمام طبقات به هم متصل می شوند. (شکل 437).نوارهای سفید بلندی را از پایه تا لوکارن تشکیل می دهد که در برابر پس زمینه قرمز دیوارها و در مقابل پس زمینه آبی سقف های تخته سنگی خودنمایی می کند. قدیمی ترین آثار این سبک عبارتند از کاخ ماین در خیابان سنت آنتوان. قدمت آن به دوران هنری سوم برمی گردد.
سپس دنبال کنید: تحت هنری چهارم کاخ کاردینال بوربون در صومعه سن ژرمن دس پرس. ساختمان ها در Place Dauphine و Place des Vosges (شکل 437);تحت لویی سیزدهم - هسته اصلی کاخ ورسای: یکی از آخرین نمونه های این سبک - کاخ مازارین(کتابخانه ملی)، ساخته شده توسط فرانسوا مانسارت در زمان اقلیت لویی چهاردهم. همین معماری متعلق است کاخ رامبویه.
تزیین با سفارشمعماری آجر و سنگ، که به وضوح با میل به اقتصاد آغشته شده است، به بهترین وجه برای ساختمان هایی مناسب است که چیزی بیش از سادگی برازنده از آنها لازم نیست. برای ساختمانهای تاریخی، آنها به تزئینات سفارشی متوسل می‌شوند و در فرانسه، مانند ایتالیا، بین دو تصمیم مردد هستند: آیا این تزئینات را مطابق با مقیاس کل نما انجام دهند یا فقط در مقیاس کفی که تزئین می‌کنند. از این رو، دو گرایش در معماری نظم وجود دارد. که در ادامه به دنبال آن خواهیم بود.
دکوراسیون مرتبط با مقیاس طبقات.- هنگامی که دکوراسیون به مقیاس طبقات مرتبط می شود، معمولاً ترتیبات مختلفی در هر طبقه قرار می گیرد. اینها ساختمانهای Tanlais (بخش Ionna) هستند که در پایان سلطنت هنری چهارم ساخته شده اند. در زمان لویی سیزدهم، سنت استفاده از سفارشات کوچک توسط S. de Brosses در ادامه یافت کاخ لوکزامبورگو در نما سنت جروایس.
سیستم سفارشات کوچک در آغاز قرن هفدهم کمترین موفقیت را داشت. در کاخ ثورپان، تلاشی برای یافتن راه‌حل مصالحه‌ای انجام شد: حفظ سنگر و تخریب ستونها یا جایگزینی آنها با ستونها.
در طول کل سلطنت هنری چهارم، ما تنها با یک کاربرد آشکار از سیستم سنتی روبرو هستیم - گالری لوور. طبقه پایین زودتر ساخته شده است (به دوران کاترین دو مدیچی برمی گردد) و لازم بود آن را با بال کاخ که قرنیز آن در سطح M قرار داشت هماهنگ کرد؛ این انتقال توسط نیم طبقه MN فراهم شده است. .
تزیین با نظمی عظیم.- در میان اولین ساختمان هایی که چندین طبقه در یک ردیف بزرگ از ستون ها ترکیب شدند، قبلاً بال نامیده می شد. قلعه شانتی. قدمت آن به دوران هنری دوم برمی گردد.
ما یک قطعه از نما را ارائه می کنیم که به وضوح مشکلات مربوط به این سیستم را نشان می دهد. به منظور حفظ تناسب با ستونها، اندازه گزاف می رسد. پنجره ها گم شده اند و به نظر می رسد محو شده اند. به‌خاطر گلدسته، به نسبت‌های کلاسیک امتیاز می‌دهند، اما برای اینکه اهمیت پنجره‌ها را از بین نبرند، بخشی از سقف را با آنها می‌گیرند و آنها را به نوعی لوکارن تبدیل می‌کنند. با نما یا سقف مرتبط نیست. حتی گاهی سعی می‌کنند پنجره‌های دو طبقه را با یک قاب بپوشانند، گویی یک دهانه مشترک را شبیه‌سازی می‌کنند.
به لطف همه این مصالحه ها، نظم عظیم به یکی از عناصر مشترک معماری فرانسوی تبدیل می شود. ما او را زیر نظر هنری سوم ملاقات می کنیم کاخ دایان دو فرانس(Rue Pave، در Marais)؛ در زمان هانری چهارم در گالری اتصال لوور به تویلری استفاده شد (شکل 440. L): در زمان لویی سیزدهم ساخته شد. کاخ دوشس ساوی(خیابان Garencière) نمونه‌ای از ستون‌های یونی را ارائه می‌دهد که به وضوح خارج از مقیاس هستند. ستون‌های دوریان با اندازه‌های ساده‌تر کاخ ورسای را زینت می‌دهند.
با آغاز سلطنت لویی چهاردهم، گرایش به سفارشات بزرگ بیش از پیش تعیین کننده شد. آنها عظمتی را در آنها می یابند که با ادعاهای جدید سلطنت پاسخ می دهد. ترک کردو دوربهآنها در نمای جنوبی قدیمی موزه لوور، در قلعه Vaud استفاده می شوند. در کالج چهار ملت (مؤسسه)؛ Lemuet از این فرم رسمی استفاده می کند کاخ دو آوو(خیابان معبد): Fr. Mansart از آن در نمای اصلی استفاده می کند صومعه حداقلدر Faubourg Saint-Antoine.
متعاقباً، پررو در سال 1670 این نظم عظیم را به عنوان موضوعی برای ستون لوور خود وام گرفت و در قرن هجدهم. گابریل این دستور را در کاخ های میدان کنکورد تکرار خواهد کرد.
پردازش روستایی- ما قبلاً به عواقب ناشی از استفاده از نظم عظیم اشاره کرده ایم: نیاز به قرنیزهای بزرگ و نیاز به بزرگ کردن بیش از حد دهانه ها. اگر ستون ها با تیغه های روستایی جایگزین شوند، می توان تا حدی عظمتی را که نظم برخاسته از بنیاد بنا به ترکیب معماری می بخشد حفظ کرد. در عین حال، هزینه ها کاهش می یابد، و در عین حال، از آنجایی که فرم های سفارش، همانطور که بود، فقط به صورت ضمنی تبدیل می شوند، الزامات نسبت ها کمتر ضروری می شود، که این امکان را فراهم می کند که هر دو معنای انبرها را محدود کنیم. و اندازه پنجره ها
تقسیم نماها با تیغه های روستایی به جای ستون ها توسط لمرسیه در زمان سلطنت لویی سیزدهم مورد استفاده قرار گرفت. قلعه ریشلیوو در کاخ کاردینال: در زمان لویی چهاردهم از این تکنیک ها استفاده می شد ال. بروانت- برای پردازش نما خانه های معلولین. Fr. منصار - برای وال دو گره. Perrault - برای تاقچه شمالی لوور.
دکوراسیون از طریق پانل ها.- معماری در این مسیر ساده سازی متوقف نمی شود. در پایان، این تیغه های روستایی نیز از بین می روند. گلدسته ای که تاج نما را می پوشاند بر روی دیوارهای خالی قرار دارد که به سختی با قاب هایی تزئین شده است که مرزهای پانل های میانی را مشخص می کند.
حیاط خانه معلولان نمونه ای عالی از این گونه نماهاست که از راسته ها فقط پروفیل قرنیزها و تیغه ها باقی مانده است. با همین روحیه، پررو رصدخانه را تزئین می کند. بلوند - دروازه سنت دنیس، گلوله - دروازه سنت مارتین.
کلاسیک گرایی یک جنبش هنری در هنر و ادبیات قرن 17 و 18 است. این جهت با ویژگی هایی مانند پایبندی دقیق به هنجارها و قوانین و مضامین بالای مدنی مشخص می شود. تولد کلاسیک به دلیل مبارزه با باروک عالی بود.
کلاسیک گرایی در قرن هفدهم در فرانسه به اوج خود رسید: در شعر به لطف لافونتن، در درام - راسین، مولیر و کورنیل، و در نقاشی از طریق آثار پوسن. این جهت از هنر ادبی با استفاده از اصل طبقه در ژانرهای مختلف مشخص می شود.
تجاوز به زنان سابین. نیکلاس پوسین
شعر کلاسیک تمام ژانرها را به "کم" (افسانه، کمدی، طنز و غیره) و "بالا" (قصیده، تراژدی، حماسی) "شکست" داد. علاوه بر این، او آنها را بر اساس طبقه بندی متمایز کرد: در ژانر پایین فقط افراد عادی وارد می شدند و در ژانر بالا فقط شاهزادگان، پادشاهان، ژنرال ها و درباریان می توانستند شرکت کنند. قهرمانان یک کمدی فقط قرار بود تماشاگر را بخندانند و قهرمانان یک تراژدی حق داشتند آنها را لمس کنند. علاوه بر این، تقسیم طبقاتی ژانرها نیز در تفاوت هجا و زبان بیان شد. بنابراین، تراژدی لزوماً به سبکی شاعرانه و بلند نوشته شده بود و مطلقاً عاری از مفاهیم معمولی روزمره و حتی کلمات بود. تراژدی فرانسوی قرن هفدهم تراژدی کنش قهرمانانه است؛ غنایی، خارق العاده و معجزه آسا را نمی پذیرد.
ویژگی اصلی کلاسیک هنجاری بودن و پایبندی دقیق به تمام قواعد دکترین کلاسیک است. هنجارگرایی را باید در نتیجه فقدان اتکای مطلق بر عقل و تفکر تاریخی در کلاسیک گرایی دانست. کلاسیک گرایان آن زمان بر این باور بودند که قوانین غیرقابل تغییر و ابدی عقل، مشترک در کل جامعه، "سلیقه خوبی" را در زمینه هنر ایجاد می کند.
در تمام آثار به سبک کلاسیک، همه چیز باید بر اساس عقل باشد و با عقل سلیم توجیه شود. احساسات عالی و نجیب قهرمانان در مونولوگ های طولانی منعکس شد.
ژاک لوئیس دیوید. "سوگند هوراتی ها" (1784)
اصول اصلی کلاسیک گرایی:
- وظیفه اصلی تشکیل و تقویت سلطنت مطلقه است;
- فقط چیزی که معقول باشد زیبا تلقی می شود. عقل اساس همه چیز است;
- موضوع اصلی تضاد بین منافع مدنی و شخصی و همچنین احساسات و وظیفه است.
- بالاترین شأن و منزلت یک شخص، خدمت بی چون و چرا به ایده دولتی است.
- دوران باستان - به عنوان الگوی وراثت؛
- تقلید از طبیعت "زیبا"؛
- زیبایی شخصیت اصلی است.