کنسرت معمولاً از 3 قسمت تشکیل شده است (قسمت های بیرونی در حرکت سریع هستند). در قرن هجدهم، سمفونی که در آن بسیاری از سازها به صورت تکنواز در مکان‌ها می‌نواختند کنسرتو گروسو نامیده میشود. بعدها، سمفونی‌ای که در آن یک ساز در مقایسه با سایر سازها اهمیت مستقل‌تری پیدا کرد، شروع به نام‌گذاری سمفونیک کنسرتانت، کنسرتیرند سینفونی کرد.
کلمه کنسرتو به عنوان نام یک آهنگ موسیقی در اواخر قرن شانزدهم در ایتالیا ظاهر شد. این کنسرت در سه بخش در پایان قرن هفدهم ظاهر شد. Corelli ایتالیایی (q.v.) بنیانگذار این شکل از کیهان در نظر گرفته می شود، که آنها در قرن 18 و 19 از آن شکل گرفتند. K. برای سازهای مختلف. محبوب ترین سازها سازهای ویولن، ویولن سل و پیانو هستند. بعداً ک. توسط باخ، موتسارت، بتهوون، شومان، مندلسون، چایکوفسکی، داویدوف، روبینشتاین، ویوتی، پاگانینی، ویتانگ، بروخ، وینیوسکی، ارنست، سرویس، لیتولف و غیره نوشته شد. کنسرتو کوچکی که در آن قطعات با هم ادغام شده اند. نامیده میشود کنسرتینا
کنسرت کلاسیک نیز یک جلسه عمومی در سالن هایی با آکوستیک صوتی خاص است که در آن تعدادی از آثار آوازی یا ساز اجرا می شود. بسته به برنامه، کنسرت نامی را دریافت می کند: سمفونیک (که در آن عمدتاً آثار ارکستر اجرا می شود)، معنوی، تاریخی (متشکل از آثار دوره های مختلف). به کنسرت زمانی آکادمی نیز می گویند که اجراکنندگان، چه تک نفره و چه در ارکستر، هنرمندان درجه یک باشند.
پیوندها
- چندین اثر کنسرت برای گروه برنجی
در کنسرتو 2 قسمت "رقابتی" بین سولیست و ارکستر وجود دارد که می توان آن را مسابقه نامید.
بنیاد ویکی مدیا 2010.
ببینید "کنسرت ساز" در فرهنگ های دیگر چیست:
کنسرتی تنها با آلات موسیقی، بدون آواز. فرهنگ لغات کلمات خارجی موجود در زبان روسی. پاولنکوف اف.، 1907 ... فرهنگ لغت کلمات خارجی زبان روسی
کنسرت (آلمانی Konzert، از ایتالیایی کنسرتو ≈ کنسرت، هارمونی، توافق، از لاتین کنسرت ≈ رقابت)، اثری موسیقایی که در آن اقلیتی از سازها یا صداهای شرکت کننده با اکثریت یا کل گروه مخالفت می کنند،... ...
وسیله- اوه، اوه instrumental adj.، آلمانی وسیله. رابطه به فیکسچر ابزار Sl. 18. استادان ساز در فرهنگستان علوم یافت می شوند. MAN 2 59. هنر ابزاری. لومون. ACC 9 340. | موسیقی هنرمند باشکوه آقای هارتمن،... ... فرهنگ لغت تاریخی گالیسم های زبان روسی
کنسرتو (آلمانی Konzert، از ایتالیایی کنسرتو کنسرت، هارمونی، توافق، از لاتین کنسرتو رقابت) اثری موسیقایی که در آن اقلیتی از سازها یا صداهای شرکت کننده با اکثریت یا کل گروه مخالفت می کنند،... ... دایره المعارف بزرگ شوروی
1. اجرای عمومی موسیقی در ابتدا کلمه کنسرت (همسر) به معنای ترکیبی از اجراکنندگان (مثلاً همسر ویولز) بود تا فرآیند اجرا و به این معنا تا قرن هفدهم استفاده می شد. تا اون موقع موسیقی جدی... دایره المعارف کولیر
کنسرت- الف، م 1) اجرای عمومی توسط هنرمندان طبق برنامه مشخص و از پیش تدوین شده. یک کنسرت ترتیب دهید. برای رفتن به کنسرت کنسرت سمفونیک. 2) یک قطعه موسیقی برای یک یا چند ساز انفرادی و ارکستر. کنسرت…… فرهنگ لغت محبوب زبان روسیفرهنگ لغت موسیقی ریمان
کارخانه ابزار Sestroretsk کارخانه ابزار به نام. کارخانه اسلحه S.P. Voskova Sestroretsk ... ویکی پدیا
تاریخچه پیدایش و توسعه ژانرکنسرت.
عصر بخیر، دوستان عزیز، دوستداران موسیقی! به شما به جلسه بعدی اتاق نشیمن موسیقی ما خوش آمد می گویم! امروز در مورد ژانر موسیقی صحبت خواهیم کرد.
همه شما کلمه کنسرت را به خوبی می شناسید. این اصطلاح به چه معناست؟ (پاسخ شنوندگان). کنسرت ها متفاوت است. بیایید آنها را فهرست کنیم. (شرکت کنندگان در جلسه یادداشت هایی را که انواع کنسرت ها را فهرست می کند بیرون می آورند:
کنسرت سمفونیک
کنسرت ستارگان پاپ روسیه
کنسرت موسیقی کلاسیک
کنسرت موسیقی محلی روسیه
کنسرت موسیقی بادی
کنسرت موسیقی اولیه
کنسرت ارکستر فرمانداری سازهای عامیانه روسیه "
کنسرت تکنوازان تئاتر بولشوی
کنسرت انفرادی هنرمند
اجرای سودمند (نمایش یا اجرا در تئاتر که عواید حاصل از آن به یکی از هنرمندان شرکت کننده یا کل گروه، به عنوان مثال، یک گروه کر، ارکستر) تعلق می گیرد.
اما معنای دیگری از این کلمه وجود دارد. کنسرت یک سبک موسیقی است. این همان چیزی است که داستان امروز درباره آن خواهد بود. شما به طور خلاصه با تاریخچه پیدایش و توسعه این ژانر آشنا خواهید شد و قطعاتی از کنسرت هایی را خواهید شنید که توسط اساتید بزرگ در دوره های مختلف تاریخی ایجاد شده است.
کنسرت چیست؟ کلمه تشکیل می شود از جانب کنسرتو - هماهنگی، توافق و کنسرت - رقابت) - یک قطعه موسیقی، اغلب برای یک یا چند ساز انفرادی با یک ارکستر.در واقع، رابطه بین ساز انفرادی و ارکستر در یک کنسرت حاوی عناصری از "مشارکت" و "رقابت" است.. همچنین کنسرتوهایی برای یک ساز وجود دارد - بدون ارکستر (کنسرتو -انفرادی) ، کنسرتو برای ارکستر - بدون قطعات انفرادی کاملاً تعریف شده، کنسرت برای صدا (یا صداها) با ارکستر و کنسرت برای گروه کر . خالق چنین کنسرتی دیمیتری بورتنیانسکی آهنگساز روسی در نظر گرفته می شود.
زمینه.
این کنسرتو در اواخر قرن 16-17 در ایتالیا به عنوان یک اثر چند صدایی آوازی از موسیقی کلیسا (به اصطلاح کنسرت مقدس) ظاهر شد و از ترکیب گروه‌های کر که به طور گسترده توسط نمایندگان مکتب ونیزی استفاده می‌شد، توسعه یافت. آثاری از این دست را می‌توان هم کنسرت (concerti) و هم موتت (motetti) نامید. بعدها J. S. Bach کنسرت های کانتات های چندصدایی خود را نامید.
نمایندگان مکتب ونیزی به طور گسترده ای از همراهی ساز در کنسرت های معنوی استفاده می کردند.
کنسرت باروک
تا آغاز قرن 18. چندین نوع کنسرتو مورد استفاده قرار گرفت. در کنسرت‌های نوع اول، گروه کوچکی از سازها - کنسرتینو ("کنسرت کوچک") - با گروه بزرگ‌تری که مانند خود کار، کنسرتو گروسو ("کنسرت بزرگ") نامیده می‌شد، مخالف بودند. از جمله آثار معروف از این نوع می توان به 12 کنسرتو گروسو (op. 6) اثر Arcangelo Corelli اشاره کرد که در آن کنسرتینو با دو ویولن و یک ویولن سل و کنسرتو گروسو توسط گروه وسیع تری از سازهای زهی نمایش داده می شود. کنسرتینو و کنسرتو گروسو توسط باسو کنتینوئو ("بیس ثابت") به هم متصل می شوند که با یک همراهی موسیقی معمولی باروک از یک ساز کیبورد (اغلب هارپسیکورد) و یک ساز زهی باس نشان داده می شود. کنسرتوهای کورلی از چهار یا چند موومان تشکیل شده است.
قطعه ای از کنسرت A. Corelli به صدا در می آید
نوع دیگری از کنسرتو باروک برای یک ساز تکنوازی با گروهی به نام ریپینو ساخته شد. یا توتی چنین کنسرتی معمولاً از سه قسمت تشکیل می شد، بااولین تقریباً همیشه شکل یک روندو داشت: بخش مقدماتی ارکسترال (ریتورنلو) که در آن مواد اصلی موضوعی جنبش به نمایش گذاشته می شد، پس از هر بخش انفرادی به طور کامل یا تکه تکه تکرار می شد. بخش‌های انفرادی معمولاً به مجری این فرصت را می‌داد تا استعداد خود را به رخ بکشد. آنها اغلب مواد ریتورنلو را توسعه می‌دادند، اما اغلب فقط از معابر مقیاس‌مانند، آرپژ و توالی تشکیل می‌شدند. در پایان حرکت، ریتورنلو معمولاً به شکل اصلی خود ظاهر می شد.دومین ، بخش آهسته کنسرت ماهیت غزلی داشت و به صورت آزاد آهنگسازی شد. سریعقسمت پایانی اغلب از نوع رقص بود، و اغلب نویسنده به فرم روندو در آن بازگشت. یکی از مشهورترین و پرکارترین آهنگسازان باروک ایتالیایی، کنسرتوهای رسیتال متعددی نوشت، از جمله چهار کنسرتو ویولن معروف بهفصل ها .
پیشنهاد میکنم 3 ساعت گوش کنید. کنسرت "تابستان" که "طوفان رعد و برق" نام دارد
فینال کنسرتو در مینور برای ویولن و ارکستر ("مسکو ویرتئوزی")
ویوالدی همچنین دارای کنسرتوهایی برای دو یا چند ساز سولو است که عناصری از فرم‌های کنسرتو سولو، کنسرتو گروسو و حتی نوع سوم کنسرتو را ترکیب می‌کند - فقط برای ارکستر، که گاهی اوقات کنسرتو ریپینو نامیده میشود.
از جمله بهترین کنسرتوهای دوران باروک می توان به آثار هندل با 12 کنسرتو (op. 6) اشاره کرد که در سال 1740 منتشر شد و بر اساس الگوی کنسرتو گروسو کورلی نوشته شده بود که هندل در اولین اقامتش در ایتالیا با او آشنا شد.
کنسرت های I.S. باخ، شامل هفت کنسرتو برای کلاویر، دو کنسرتو برای ویولن و شش به اصطلاح. کنسرتوهای براندنبورگ، به طور کلی، نیز از مدل کنسرتوهای ویوالدی پیروی می کنند: باخ آنها را مانند آثار دیگر آهنگسازان ایتالیایی، بسیار مشتاقانه مطالعه کرد.
قطعه ای از کنسرتو براندنبورگ شماره 3 جی ماژور
کنسرت کلاسیک.
اگرچه پسران به ویژه کارل فیلیپ امانوئل و یوهان کریستین، نقش مهمی در توسعه کنسرت در نیمه دوم قرن هجدهم ایفا کردند؛ این آنها نبودند که این ژانر را به اوج جدیدی رساندند، بلکه . در کنسرتوهای متعدد ویولن، فلوت، کلارینت و سازهای دیگر، و به ویژه در 23 کنسرتو کیبورد، موتزارت که تخیلی پایان ناپذیر داشت، عناصر یک کنسرت سولو باروک را با مقیاس و منطق فرم یک سمفونی کلاسیک ترکیب کرد. در کنسرتوهای پیانوی متاخر موتزارت، ریتورنلو به یک نمایشگاه حاوی تعدادی ایده‌های موضوعی مستقل تبدیل میشود، ارکستر و تکنواز به‌عنوان شرکای برابر با هم در تعامل هستند و در بخش انفرادی هماهنگی بی‌سابقه‌ای بین مهارت و وظایف بیانی حاصل میشود. زوج که از نظر کیفی بسیاری از عناصر سنتی این ژانر را تغییر داد، به وضوح شیوه و روش کنسرتو موتزارت را ایده آل می دانست.
کنسرتو موتزارت برای 3 پیانو و ارکستر
کنسرتو بتهوون برای ویولن و ارکستر
موومان دوم و سوم در کنسرتو بتهوون با یک گذر کوتاه و به دنبال آن یک کادنزا به هم متصل می شوند و چنین ارتباطی تضاد فیگوراتیو قوی بین این موومان را به وضوح بیشتر نشان می دهد. حرکت آهسته بر اساس یک ملودی موقر و تقریباً سرودنی ساخته شده است که فرصت کافی را برای توسعه غزلی ماهرانه خود در بخش انفرادی فراهم می کند. پایان کنسرت به شکل یک روندو نوشته شده است - این یک بخش متحرک و "بازیگوش" است که در آن یک ملودی ساده با ریتم "خرد شده" آن که یادآور آهنگ های ویولن محلی است با مضامین دیگر آمیخته شده است ، اگرچه در تضاد هستند. با رفرین روندو، اما ساختار کلی رقص را حفظ کنید.
قرن نوزدهم.
برخی از آهنگسازان این دوره (مثلاً شوپن یا پاگانینی) فرم کلاسیک کنسرتو را کاملاً حفظ کردند. با این حال، آنها همچنین نوآوری‌هایی را که بتهوون در کنسرتو معرفی کرده بود، مانند مقدمه تکنوازی در آغاز و ادغام آهنگ در فرم حرکت، پذیرفتند. ویژگی بسیار مهم کنسرت در قرن نوزدهم. لغو نمایش دوگانه (ارکسترال و انفرادی) در بخش اول بود: اکنون ارکستر و سولیست با هم در نمایشگاه اجرا می کردند. چنین نوآوری هایی از ویژگی های کنسرتوهای پیانوی بزرگ شومان، برامس، گریگ، چایکوفسکی و راخمانینوف، کنسرتوهای ویولن مندلسون، برامس، بروخ و چایکوفسکی و کنسرتوهای ویولن سل الگار و دووراک است. نوع دیگری از نوآوری در کنسرتوهای پیانوی لیست و در برخی از آثار نویسندگان دیگر وجود دارد - برای مثال، در سمفونی برلیوز برای ویولا و ارکستر هارولد در ایتالیا، در کنسرتو پیانو بوسونی، که در آن یک گروه کر مردانه معرفی شده است. در اصل، شکل، محتوا و تکنیک های معمول این ژانر در طول قرن 19 بسیار اندک تغییر کرد. این کنسرتو در رقابت با موسیقی برنامه‌ای که تأثیر زیادی بر بسیاری از ژانرهای ساز در نیمه دوم این قرن داشته است، خود را برگزار کرده است.استراوینسکی و ، از اصول اولیه کنسرتو کلاسیک (اگر اصلا) دور نشوید. برای قرن بیستم با احیای ژانر کنسرتو گروسو (در آثار استراوینسکی، وان ویلیامز، بلوخ و ) و پرورش کنسرتو برای ارکستر (بارتوک، کدالی، ). در نیمه دوم قرن، محبوبیت و سرزندگی ژانر کنسرتو ادامه یافت و وضعیت "گذشته در مدرن" در آثاری به تنوع کنسرتوهای جان کیج (برای پیانوی آماده شده) معمول است. (برای ویولن)، لو هریسون (برای پیانو)، فیلیپ گلس (برای ویولن)، جان کوریلیانو (برای فلوت) و گیورگی لیگتی (برای ویولن سل).
کنسرت ساز
خود این کلمه البته برای شما آشناست، به خصوص در معنای اولش. فرهنگ لغت موسیقی می گوید: "کنسرت اجرای عمومی آثار بر اساس یک برنامه از پیش تدوین شده است."
اما واقعیت این است که این کلمه معنای دیگری دارد: این نام آهنگی است برای یک آلت موسیقی (یا صدای) همراه با ارکستر. اما چرا به آن می گویند؟ و چرا شرکت کنندگان مسابقه باید کنسرت را اجرا می کردند؟
این کلمه را می توان به عنوان "رقابت" ترجمه کرد، بنابراین "کنسرتو برای پیانو و ارکستر" رقابتی بین یک پیانیست و یک ارکستر سمفونیک است.
چه زمانی به تماشای یک رویداد ورزشی علاقه دارید؟ وقتی "حریفان" از نظر قدرت و مهارت برابر هستند، درست است؟ زیرا اگر یک تیم ضعیف و قوی یا یک استاد ورزش با یک مبتدی آماتور رقابت کند، از قبل مشخص است که چه کسی برنده خواهد شد. و این اصلا جالب نیست.
این کنسرت شامل رقابتی بین برخی آلات موسیقی و... یک ارکستر سمفونیک است. خودشه! آیا واقعاً ممکن است هر فلوت کوچک یا ویولن شکننده و برازنده ای برنده شود یا حداقل، به زبان ورزشی، با چنین حجمی «قرعه کشی» کند؟ این چه نوع رقابتی است؟
با شکوه، دوستان من، رقابت فوق العاده! از آنجایی که قدرت، قدرت و درخشش یک ارکستر سمفونیک با استعداد نوازنده تکنواز در تضاد است، مهارت او در طول سال‌ها و سال‌ها تلاش سخت به دست آمده است. من رازی را به شما می گویم که تقریباً همیشه برنده کسی است که در نگاه اول ضعیف ترین به نظر می رسد. سولیست ارکستر را مطیع خود می کند. البته، فقط اگر او یک نوازنده واقعی، یک مجری با استعداد باشد، زیرا برای او این یک آزمایش بسیار جدی است. و وقتی هیچ مهارت و استعدادی وجود نداشته باشد، ارکستر برنده می شود. اما این چه پیروزی غم انگیزی است. پیروزی وجود دارد، اما موسیقی وجود ندارد.
موسیقی کنسرت. هیچ مشکلی در آن پیدا نخواهید کرد! گذرگاه هایی که تا حد گیج کننده پیچیده هستند، آکوردهای قوی، ترازوهای سریع می چرخند... اینها به اصطلاح مشکلات فنی هستند، تست روانی انگشتان، قدرت ضربه - در یک کلام، مهارت های اجرا کننده. نوازنده. و آهنگساز هنگام خلق کنسرت همیشه به این فکر می کند که چگونه نوازنده می تواند تمام مهارت های خود را در این کار نشان دهد.
با این حال، اگر آهنگساز فقط به این فکر می کرد، اگر کنسرت فقط از وظایف و پازل های مبتکرانه تشکیل می شد، نمی توان آن را یک اثر هنری واقعی نامید. چنین کاری فاقد مهمترین چیز است - فکر، محتوا.
چایکوفسکی در مورد کنسرت می نویسد: "در اینجا دو نیروی مساوی وجود دارد، یعنی یک ارکستر قدرتمند، به طور پایان ناپذیری از رنگ ها، که با آن می جنگد و برنده می شود (با توجه به استعداد اجرا کننده) یک ارکستر کوچک و غیرقابل توصیف، اما حریف با اراده در این مبارزه شعر بسیار است و ورطه ترکیب هایی که برای آهنگساز وسوسه انگیز است.»
اگر صفحات کتاب می توانستند بعد از این کلمات به صدا درآیند، بلافاصله آکوردهای روشن و پر صدای ارکستر را می شنویم - آغاز اولین کنسرتو پیانو. با اولین صداهای این موسیقی، انگار خود شادی به سالن می‌پیچد. پیانیستی که پشت پیانو نشسته چقدر کوچک و ضعیف به نظر می رسد. صدای قدرتمند ارکستر به نظر می رسید که آن را از سالن با دیوار ضخیم جدا کرده است.
و صدایی جدید در این توده ی شادی از صداها مانند یک ناقوس قدرتمند ریخت. "گوش بده! - به نظر می رسد که آکوردهای سنجیده و جدی به ما می گویند - گوش کنید! نمی توانی حرفم را نشنوی." و ما صدای بلند و قوی پیانو را می شنویم، کاملاً می شنویم. ویولن‌ها به ملودی گسترده‌ای رسیدند و با رام کردن شادی افسارگسیخته‌شان، ارکستر به تدریج ساکت شد.
اکنون فقط صدای پیانو می آید... آکوردها و قطعات استادانه جایگزین یکدیگر می شوند و ملودی را به لباسی درخشان و غنی می پوشانند. اما ارکستر هنوز با آن کنار نیامده است. به این راحتی تسلیم نمی شود، بدون مبارزه تسلیم نمی شود. یک مشاجره پرشور شروع می شود. تم اصلی یا در ارکستر شنیده می شود یا در قسمت پیانو... بله، البته این اول از همه موسیقی فوق العاده است. موسیقی واقعی، نه فقط گیج کننده، ترفندهای جذاب.
معمولاً موسیقی کنسرت روشن، شاد و ظریف است. باید به شما بگویم که کلمه "کنسرت" نه تنها به عنوان "رقابت"، بلکه به عنوان "توافق" نیز ترجمه شده است. این بدان معناست که رقابت همیشه دوستانه است.
اما مطمئناً هنگام گوش دادن به کنسرت، گاهی اوقات غمگین می شوید و رویا می بینید و به چیزی فکر می کنید. گاهی اوقات موسیقی می تواند بسیار تاریک، حتی غم انگیز باشد. به عنوان مثال، در کنسرتو ویولن شوستاکوویچ یا در کنسرتو سوم پیانو که بعداً در مورد آن صحبت خواهیم کرد. با این حال، این اتفاق بسیار کمتر رخ می دهد.
رنگ موسیقایی ظریف و رسا کنسرتو ویولن فلیکس مندلسون در اینجا با سختی فرم ترکیب شده است. آهنگساز در اینجا به آن درام عالی دست یافت که به ما امکان می دهد در مورد ارتباط او با سنت های سمفونیک بتهوون صحبت کنیم. در عین حال، کنسرت مملو از روح رمانتیسم است - از اول تا آخرین نت. برجسته ترین ویژگی های کار مندلسون - غزل، آواز، ظرافت، حس زیبایی و هماهنگی دنیای اطراف را متمرکز کرد.
کنسرتو یک اثر بزرگ و چند حرکتی است (البته کنسرت های تک موومانی هم وجود دارد). به طور معمول سه بخش وجود دارد. اولین مورد مؤثرترین، "منطقه اصلی مبارزه" است. دومی آهسته، غنایی است. تصاویر او اغلب با طبیعت مرتبط است. قسمت سوم پایانی است. موسیقی پایانی اغلب به ویژه شاد، سریع و درخشان است.
این ساختار شبیه چه چیزی است؟ خوب، البته، یک سمفونی! یک سمفونی کوچک فقط با یک شخصیت جدید - یک نوازنده.
برخلاف یک سمفونی، یک کنسرت به اصطلاح کادنزا دارد - یک قسمت بزرگ که سولیست بدون ارکستر اجرا می کند. جالب است که در زمان های قدیم، زمانی که فرم کنسرت تازه شروع به ظهور می کرد، کادنزا را نه آهنگساز، بلکه توسط خود اجرا کننده می ساخت. آهنگساز فقط جایی را که باید باشد (معمولاً در موومان اول) مشخص کرد. سپس کادنزا مانند یک عدد درج بود که در آن تکنواز تمام مهارت های خود را نشان می داد و توانایی های آلت موسیقی را نشان می داد. حدس زدن اینکه شایستگی های موسیقایی چنین کادنزای در بیشتر موارد بسیار زیاد نبود و نقش زیادی در محتوای اثر نداشت دشوار نیست.
او اولین کسی بود که در چهارمین کنسرتو پیانو خود برای یک پیانیست کادنزا نوشت. از آن زمان این به قانون تبدیل شده است. کادنزاها در موسیقی عمومی کنسرت از "بیگانه" بودن خودداری کرده اند، اگرچه تا به امروز آنها فضیلت و درخشندگی را حفظ کرده اند و هنوز فرصتی را برای اجرا کننده فراهم می کنند تا مهارت واقعی خود را نشان دهد تا تمام قابلیت های یک ساز موسیقی را نشان دهد. پیانو یا فلوت، ویولن یا ترومبون.
ما می گوییم کنسرت یک مسابقه است، اما اول از همه، البته برای تک نواز یک آزمون بسیار جدی است، یک آزمون جدی برای عنوان یک نوازنده مجری واقعی.
حالا احتمالا متوجه شده اید که چرا اجرای کنسرت همیشه در برنامه مسابقه گنجانده شده است.
و اگر سولیست یک نوازنده واقعی و با استعداد باشد، پس...
متن از گالینا لواشوا.
ارائه
مشمول:
1. ارائه - 10 اسلاید، ppsx.
2. صداهای موسیقی:
چایکوفسکی کنسرتو برای پیانو و ارکستر شماره 1. I. Allegro non troppo e molto maestoso (قطعه)، mp3;
راخمانینوف کنسرتو برای پیانو و ارکستر شماره 3. I. Allegro (قطعه)، mp3;
مندلسون. کنسرتو برای ویولن و ارکستر. I. Allegro molto appassionato (قطعه)، mp3;
بتهوون کنسرتو برای پیانو و ارکستر شماره 4. I. آلگرو مودراتو. آهنگ آهنگ، mp3;
3. مقاله همراه، docx.
شکل ابزاری کنسرتو را می‌توان بخشی واقعی از باروک در نظر گرفت که ایده‌آل‌های زیبایی‌شناختی دورانی را که با تغییرات ناگهانی، اضطراب و انتظارات پرتنش مشخص می‌شد، تجسم می‌داد. کنسرت نوعی بازی موسیقایی نور و سایه است، نوعی ساخت که هر یک از اجزای آن در تقابل با قسمت های دیگر قرار می گیرد. با ظهور کنسرت، گرایش به داستان سرایی موسیقایی، به سمت توسعه ملودی به عنوان نوعی زبان که قادر به انتقال اعماق احساسات انسانی است، متولد می شود. در واقع ریشه شناسی کلمه "concertare" از کلمات "رقابت کردن"، "جنگیدن" می آید، اگرچه درک معنای این فرم موسیقی با "consertus" یا "conserere" که به معنی "است" نیز مرتبط است. هماهنگ کردن، "به نظم بخشیدن"، "متحد کردن" . معانی ریشه شناختی به خوبی با هدف آهنگسازان مطابقت دارد که از طریق فرم جدید به پیشرفت شگفت انگیز زبان موسیقی آن دوره کمک کردند.
مورخان تولد کنسرتو گروسو ساز را دهه 70 قرن هفدهم می دانند و اصل و نسب آن را یا به کنسرتو آوازی- ساز و ارگ و کانزون ارکستر قرن 16 تا 17 می دانند که از بسیاری جهات به آن نزدیک است. آن، یا به مجموعه سونات، که در قرن 17 توسعه یافت. این ژانرها، همراه با اپرا، ویژگی های اصلی سبک موسیقی جدید - باروک را در خود جای دادند.
L. Viadana، در مقدمه مجموعه کنسرت های خود (فرانکفورت، 1613)، تأکید کرد که ملودی در کنسرت بسیار واضح تر از موتت به نظر می رسد، کلمات توسط کنترپوان مبهم نیستند و هارمونی توسط باس عمومی ارگ، بی اندازه غنی تر و کامل تر است. در واقع، همین پدیده در سال 1558 توسط G. Zarlino شرح داده شد: "این اتفاق می افتد که برخی از مزامیر به شیوه choros pezzato نوشته می شود (به معنای اجرای "گروه کر تقسیم شده و پاره شده" - N. 3.). چنین گروه های کر غالباً در ونیز در هنگام عشاء و در ساعات رسمی دیگر خوانده می شوند و به دو یا سه گروه کر تقسیم می شوند که در هر کدام چهار صدا وجود دارد.
گروه های کر متناوب و گاهی با هم آواز می خوانند که به ویژه در پایان خوب است. و از آنجایی که چنین گروه های کر بسیار دور از یکدیگر قرار دارند، آهنگساز برای جلوگیری از ناهماهنگی بین صداهای فردی، باید به گونه ای بنویسد که هر گروه کر جداگانه صدای خوبی داشته باشد... باس های گروه های کر مختلف همیشه باید به صورت هماهنگ حرکت کنند یا یک اکتاو، گاهی در یک سوم، اما هرگز در یک پنجم." حرکت باس گروه های کر مختلف به صورت هماهنگ نشان دهنده شکل گیری تدریجی هم آوایی است. به موازات، تقلید مداوم از چند صدایی قدیمی با اصل پژواک های پویا جایگزین می شود. ، مربوط به آن است، اما در حال حاضر منجر به عصر جدید - یکی از اولین اصول غیر چند صدایی شکل گیری است.
با این حال، تقلید همچنان نقش مهمی در پیشرفت موسیقی ایفا می کرد - اغلب به شکل استرتا، مانند سبک قدیمی. اصول اولیه فرم هایی که مشخصه کنسرتو گروسوی آینده خواهد شد قابل توجه است. نمایش دوگانه به ویژه در کنسرتوهای مبتنی بر مضامین رقص رایج است، و در حالی که در کورلی اولین نمایشگاه معمولاً انفرادی است، در کنسرتوی بعدی، افتتاحیه توتی محبوب‌تر است. به طور کلی، نوردهی دوگانه برای کنسرتو گروسو طبیعی است: از این گذشته، شنونده باید از همان ابتدا هر دو توده صدا را تصور کند. ساده ترین راه توسعه بدیهی است - فراخوانی دو توده. و نتیجه "مشاهده کنسرت" را باید توتی نهایی خلاصه کرد: با پرتوریوس چنین بود، باخ، هندل، ویوالدی نیز چنین خواهد بود. نمونه ای از مراسم توده Benevoli پیش بینی کنسرتو، یا ritornello، فرمی است که در نیمه اول قرن 18 بر موسیقی غالب بود. هنوز در مورد منشأ این شکل اتفاق نظر وجود ندارد.
کاشف آن X. Riemann آن را با فوگ مرتبط کرد و ریتورنلو را به یک موضوع تشبیه کرد و توسعه انفرادی را به یک میان‌آهنگ تشبیه کرد. برعکس، شرینگ، با استناد به شهادت A. Scheibe (1747)، رابطه فرم کنسرت با فوگ را مورد مناقشه قرار داد و مستقیماً آن را از آریا با ریتورنلو مشتق کرد. A. Hutchings به نوبه خود با این موضوع مخالف است: او منبع این فرم را سونات برای ترومپت با ارکستر زهی می داند که در پایان قرن هفدهم در بولونیا وجود داشت و به نظر او تأثیر مستقیم داشت. در رسیتال Hutchings تأکید می کند که تنها پس از توزیع کنسرت، آریای اپرایی با ریتورنلو شکل تمام شده ای پیدا کرد.
فقط یک چیز غیرقابل انکار است: در نیمه اول قرن هجدهم، فرم کنسرت تقریباً در همه ژانرها یافت می شد و تصادفی نیست که محققان آن را شکل اصلی زمان خود می دانند (مانند فرم سونات در نیمه دوم قرن 18). فرم کنسرت که "تشکیل مستقلی بین تک موضوعی و ثنویت موضوعی کلاسیک" است، هم وحدت موضوعی و هم درجه تضاد لازم را فراهم می کند و همچنین به اجراکننده این فرصت را می دهد تا مهارت خود را در قطعات انفرادی نشان دهد. و با این حال، با همه تازگی خود، نمونه های تجزیه و تحلیل شده مستقیماً از موسیقی قرن شانزدهم، عمدتاً از کانزون - جد تقریباً تمام ژانرهای سازهای بعدی، پیروی می کنند. در کانزون ساز (کانزونادا سونار) بود که چرخه سونات آینده متولد شد، فرم هایی مانند فوگ یا تکرار سه قسمتی از نوع قاب شروع به متبلور شدن کردند (بسیاری از کانزون ها با یک موضوع اولیه به پایان رسیدند). کانزون ها اولین آثار دستگاهی بودند که منتشر شدند و در نهایت، در اینجا برای اولین بار گروه های ارکسترال خالص بدون مشارکت صدا شروع به مقایسه کردند.
اعتقاد بر این است که این گام به سوی یک کنسرتو گروسو جدید توسط جی. گابریلی، نوازنده ارگ کلیسای جامع St. مارک در ونیز (از 1584 تا 1612). به تدریج، در کانزون ها و سونات های او، نه تنها تعداد سازها و گروه های کر افزایش می یابد، بلکه یک تضاد موضوعی نیز به وجود می آید: به عنوان مثال، آکوردهای رسمی توتی با ساخت تقلیدی یکی از گروه های کر در تقابل قرار می گیرند. بر اساس این تضاد است که بسیاری از فرم‌های باروک اولیه و میانی ساخته می‌شوند: چرخه‌های دستگاهی کامل از آن بیرون می‌آیند، و در برخی قسمت‌ها چنین تضادهایی، که مشخصه کانزون است، تا دوران کورلی و حتی بعد از آن ادامه خواهد داشت.
از طریق کانزون، تکنیک فرم سازی مشخصه موته - زهی قسمت هایی با موضوعات مختلف - به موسیقی دستگاهی باروک نفوذ کرد.
به طور کلی، ملودی باروک - چه "موزاییک" یک کانزون و یک سونات اولیه باشد و چه "نغمه بی پایان" باخ و معاصرانش - همیشه از یک انگیزه خاص دارای ویژگی پیشرفت است. انرژی مختلف تکانه، مدت زمان متفاوتی از رشد را تعیین می کند، اما وقتی اینرسی تمام شد، آهنگ باید آغاز شود، همانطور که در کانزون قرن هفدهم یا در مینیاتورهای چندصدایی باروک بالغ اتفاق افتاد. B.V. Asafiev این الگو را در فرمول معروف i:m:t منعکس کرد. استقرار کنسرت بر بسته بودن این فرمول غلبه کرد، آهنگ را بازاندیشی کرد، آن را به انگیزه یک استقرار جدید تبدیل کرد یا با کمک تکانه‌ها و مدولاسیون‌های محلی همیشه جدید در سطح ساختارهای انگیزشی (مدولاسیون‌های ساختاری - اصطلاح A. Milka) آن را به تأخیر بی‌پایان رساند. ).
در موارد کمتر، کنتراست ناگهانی مورد استفاده قرار گرفت و توسعه را به سطح دیگری منتقل کرد. بنابراین، در حال حاضر در سونات مارینی، "تکنیک انتقال تدریجی" مشخصه باروک شروع به شکل گیری می کند: توسعه بعدی مستقیماً از سونات قبلی پیروی می کند، حتی اگر حاوی عناصر متضاد باشد. باروک اولیه به‌عنوان میراثی از موسیقی رنسانس، اصل دیگری از شکل‌گیری را نیز به ارث برد: تکیه بر فرمول‌های ریتمیک و لحنی رقص‌های رایج در موسیقی روزمره رنسانس.
همچنین باید به سونات های "حفظه ای" و "کلیسا" اشاره کرد. به گفته مورخان، هر دو ژانر سرانجام در نیمه دوم قرن هفدهم، زمانی که لگرنزی کار می کرد، شکل گرفت. نام ژانرها با نظریه "سبک ها" همراه است (از این پس اصطلاح "سبک" در درک قرن 18 در گیومه آورده شده است) که به نوبه خود بخشی از زیبایی شناسی "عقل گرایی بلاغی" بود. مشترک تمام هنرهای باروک است. (این اصطلاح توسط A. Morozov در مقاله "مشکلات باروک اروپایی" پیشنهاد شده است).
بلاغت در عمل سخنوری یونان باستان توسعه یافت و در رساله های ارسطو و سپس سیسرو به طور کلی بیان شد. جایگاه مهمی در بلاغت، اولاً به "locitopici" - "مکان های متداول" داده شد که به گوینده کمک کرد تا موضوعی را بیابد، توسعه دهد و آن را به وضوح و متقاعد کننده، آموزنده، دلپذیر و لمس کننده ارائه دهد و ثانیاً به "نظریه های مربوط به سبک‌ها» که براساس آن ماهیت گفتار بسته به مکان، موضوع، ترکیب مخاطب و غیره تغییر می‌کرد. برای نوازندگان باروک، لوسیتوپیسی به مجموعه‌ای از ابزارهای بیانی هنرشان تبدیل شد، راهی برای عینیت بخشیدن به یک احساس فردی. شناخته شده و معمولی و مقوله "سبک" به درک تنوع ژانرها و اشکال دوران مدرن کمک کرد، معیارهای تاریخ گرایی را وارد زیبایی شناسی موسیقی کرد (اغلب تحت عنوان "مد")، تفاوت بین موسیقی ملل مختلف را توضیح داد. ویژگی های فردی را در آثار بزرگترین آهنگسازان آن دوران برجسته کرد و شکل گیری مدارس نمایش را منعکس کرد.
در پایان قرن هفدهم، اصطلاحات سوناتا دا دوربین، داچیسا نه تنها به معنای مکان اجرا بود، بلکه به معنای ماهیت چرخه بود، که در سال 1703 توسط دو بروسارد، نویسنده یکی از اولین آثار موزیکال ضبط شد. لغت نامه ها چهل و هشت چرخه کورلی، که در چهار اثر ترکیب شده‌اند، تا حد زیادی با توصیف بروسارد مطابقت دارند: op. 1 و 3 - سونات های کلیسا، op. 2 و 4 - اتاقک.<...>اصل اساسی ساخت برای هر دو نوع چرخه، کنتراست سرعت و اغلب متریک است. با این حال، در یک سونات کلیسا، قطعات آهسته معمولا کمتر مستقل هستند: آنها به عنوان مقدمه و اتصال به سونات های سریع عمل می کنند، بنابراین پلان های آهنگ آنها اغلب باز است.
این قطعات آهسته تنها از چند میله تشکیل شده اند یا به یک آریوسوی ساز نزدیک می شوند، بر روی ضربان مداوم آکوردهای پیانو، با تأخیرهای بیانی یا تقلید ساخته شده اند، حتی گاهی اوقات شامل چندین بخش مستقل هستند که با سزارها از هم جدا شده اند. بخش‌های سریع یک سونات کلیسا معمولاً فوگ‌ها یا کنسرت‌های آزادتر با عناصر تقلید هستند؛ بعداً در چنین آلگرو می‌توان فرم فوگ و کنسرت را با هم ترکیب کرد. در یک سونات مجلسی، مانند یک سوئیت ارکسترال یا کلاویه، بخش ها عمدتاً از نظر تونایی بسته و از نظر ساختاری کامل هستند؛ در فرم های آنها می توان پیشرفت بیشتر ساختار ابتدایی دو و سه قسمتی را دنبال کرد.
مضمون زنگ‌ها، و به‌ویژه سارابندها و گاووت‌ها، معمولاً هم‌فونیک و اغلب متقارن است. مقدمات فرم سونات قابل توجه است. برعکس، آلماندها و گیگ‌ها اغلب بدون توقف یا تکرار حرکت می‌کنند؛ عناصر چندصدایی در آلماندها رایج هستند؛ گیگ اغلب با روح یک کنسرت آغشته است. سونات داچیسا و داکامرا با یک طرح ترکیبی دقیق به هم مرتبط نیستند.
همه کنسرت‌های مجلسی با یک پیش درآمد شروع می‌شوند و پس از آن قطعات رقص، فقط گاهی با مقدمه‌های آهسته یا کنسرت آلگرو «جایگزین» می‌شوند. کنسرت‌های کلیسا جدی‌تر و جدی‌تر هستند، اما ریتم‌های یک گیگ، گاووت یا مینوئت را می‌توان هرازگاهی در مضامین آنها شنید. سردرگمی قابل توجهی در تقسیم بندی ژانر در اوایل قرن هجدهم توسط کنسرت به اصطلاح مجلسی ایجاد شد که هیچ شباهتی با سوئیت مانند داکامرا نداشت و به گفته محققان، نه در موسیقی مجلسی، بلکه در موسیقی کلیسا سرچشمه گرفت. از مدرسه بولونی
ما در مورد یک معاصر و "دوقلو" از به اصطلاح اورتور ایتالیایی صحبت می کنیم - کنسرتوی سه قسمتی از تورلی، آلبینونی و ویوالدی، که شرح کتاب درسی آن توسط I.-I برای ما باقی مانده است. کوانتز. قسمت اول «کنسرت مجلسی» معمولاً در چهار ضرب و به صورت کنسرت سروده می شد. ریتورنلو او باید با شکوه و غنای چند صدایی اش متمایز می شد. در آینده، تضاد دائمی اپیزودهای درخشان و قهرمانانه با اپیزودهای غنایی مورد نیاز بود. قسمت دوم، آهسته، برای برانگیختن و آرام کردن احساسات در نظر گرفته شده بود، در تضاد با اولی در متر و کلید (صغیر به همین نام، کلیدهای درجه اول خویشاوندی، صغیر غالب در ماژور) و به مقدار معینی اجازه می داد. تزیین در بخش تکنوازی که همه صداهای دیگر تابع آن بودند.
در نهایت، حرکت سوم دوباره سریع است، اما کاملاً متفاوت از اولین حرکت است: بسیار کمتر جدی است، اغلب شبیه به رقص، در متر سه ضربه. ریتورنلو او کوتاه و پر از آتش است، اما نه بدون عشوه گری، شخصیت کلی سرزنده و بازیگوش است. به جای توسعه چند صدایی جامد موومان اول، یک همراهی هموفونیک سبک وجود دارد. کوانتز حتی مدت زمان بهینه چنین کنسرتی را نام می برد: قسمت اول 5 دقیقه، دوم 5-6 دقیقه، سوم 3-4 دقیقه است. از میان تمام چرخه های موسیقی باروک، چرخه سه قسمتی پایدارترین و به لحاظ فیگوراتیو بسته ترین شکل بود. با این حال، حتی "پدر" این فرم، ویوالدی، اغلب انواع ژانر بخش های جداگانه را تغییر می دهد. بنابراین، به عنوان مثال، در کنسرتو دو شاخ "درزدن" در لا ماژور (در مجموعه آثار ویوالدی ویرایش شده توسط F. Malipiero - جلد XII، شماره 48)، او اولین بخش از چرخه سه قسمتی را باز می کند. افزودن یک قاب آهسته در شخصیت یک اورتور فرانسوی به آلگرو. و در هشتمین کنسرتو از جلد یازدهم مجموعه مالیپیرو، موومان سوم، برخلاف توصیف کوانتز، یک فوگ است.
باخ گاهی اوقات به شیوه ای مشابه عمل می کند: در کنسرتو شماره 2 براندنبورگ، شکل چرخه از سه قسمت به چهار قسمت "تبدیل" می شود، کلیسا که توسط یک فوگ بسته شده است. اغلب، قطعات قرض گرفته شده از سوئیت، سونات کلیسا یا اورتور اپرا به یک چرخه سه قسمتی اضافه می شود. در کنسرتو شماره 1 براندنبورگ یک مینوئت و یک پولونز است. و در کنسرتو ویولن در فا ماژور اثر G. F. Telemann، فرم ریتورنلو موومان اول با یک ادامه معمولی مجموعه دنبال میشود: کورسیکانا، آلگرزا ("شادی")، اسکرو، روندو، پولوناز و مینوئت. مدولاسیون در سطح چرخه از طریق یک پیوند مشترک انجام می شود - Corsicana: در زمان 3/2، Unpocograve است، اما با غرابت ملودیک و زاویه دار بودن آن از نوع ژانر سنتی بخش آهسته کنسرت دور می شود. بنابراین، می توان به اهمیت افزایش یافته "بداهه" اشاره کرد.
در این میان، کوانتز مانند دیگر نظریه پردازان آن زمان، یکی از مهم ترین ویژگی های کنسرتو گروسو را «آمیختگی هوشمندانه از تقلید در صدای کنسرت» می دانست، به طوری که گوش توسط این یا آن ساز جذب می شود، اما در عین حال. زمانی که همه نوازندگان برابر باشند. در نتیجه، در زمان کورلی، کنسرتو گروسو در معرض تأثیر برادران خود - کنسرت‌های تکنوازی و ریپی (بدون تکنواز) قرار گرفت. به نوبه خود، در یک رسیتال، گاهی اوقات تکنوازان اضافی از ارکستر برجسته می شوند، به عنوان مثال در قسمت اول کنسرت "بهار" اپ. 8 ویوالدی در اپیزود اول که آواز پرندگان را به تصویر می‌کشد، دو ویولن دیگر از ارکستر به ویولن سولو می‌پیوندند و در پایان کنسرت، ویولن سولو دوم بدون هیچ‌گونه قصد تصویری - برای غنی‌سازی بافت، معرفی میشود.
این ژانر با ترکیبی از سازهای کنسرت مختلف مشخص می شود که تعداد آنها از دو تا هشت یا حتی بیشتر است. هموطن کوانتز، متسون، تعداد قطعات یک کنسرتو گروسو را بیش از حد دانست و این گونه کنسرت ها را به میزی تشبیه کرد که نه برای رفع گرسنگی، بلکه به خاطر شکوه و تاثیرگذاری. متسون متفکرانه می افزاید: «همه می توانند حدس بزنند که در چنین اختلافی بین سازها... هیچ کمبودی در تصاویر حسادت و کینه توزی، حسادت و نفرت ساختگی وجود ندارد.» کوانتز و ماتسون هر دو از سنت کنسرتوگرسو آلمانی آمده اند. شرینگ عشق آلمانی ها به آهنگ های ترکیبی در این ژانر را با سنت های اجرای سازهای بادی مرتبط می کند: در آلمان قرون وسطی انجمنی از Stadtpfeifer (نوازندگان شهر) وجود داشت که در کلیساها، در مراسم ها، در عروسی ها می نواختند و همچنین سیگنال های مختلفی می دادند. از برج های قلعه یا تالار شهر .
کنسرتینو بادی، به گفته شرینگ، خیلی زود، تقریباً همزمان با سیم‌ها ظاهر میشود. محبوب ترین مدل او نیز یک سه نفر از دو ابوا و فاگوت های هماهنگ "باس" بود. گاهی اوقات ابوا با فلوت جایگزین می شد. استفاده گسترده از چنین آهنگ‌هایی (به زودی دو ترومپت با "باس" تیمپانی نیز وجود خواهد داشت) نه تنها به شایستگی‌های آکوستیک و شباهت آنها به سه زهی، بلکه به اقتدار لولی نسبت داده میشود که در دهه 70 میلادی قرن هفدهم آنها را از گروه های نظامی فرانسوی به اپرا منتقل کرد. کنار هم قرار گرفتن سه و پنج صدا - صرفاً پویا و نه تامبر - به خوبی فرم های آن را سازماندهی و بیان می کند. در واقع، این پیشرفت بیشتر از تکنیک های کنسرتو چند کرال قدیمی است.
به دنبال نمونه لولی، گئورگ موفات از پژواک توده های بسته در قسمت های در حال توسعه کنسرتیگروسی خود استفاده خواهد کرد؛ این تکنیک مورد غفلت کورلی و پیروانش قرار نخواهد گرفت. با این حال، در قرن هجدهم، ویوالدی «درک قدیمی کنسرتینو را که نیاز به وحدت سبکی هر دو موضوع صوتی داشت، کنار گذاشت و یک مفهوم جدید، رنگارنگ و برنامه‌ریزی شده را که توسط روح زمان دیکته شده بود، مطرح کرد. این اصل خود قبلاً وجود داشت. تورلی و کورلی به تدریج آن را در کنسرت های شبانی خود توسعه دادند "ویوالدی آن را با شعر کنسرت های انفرادی ترکیب کرد." همانطور که اغلب در تاریخ موسیقی اتفاق افتاده است، تفسیر برنامه ای رنگارنگ ارکستر از سبک تئاتری وارد سبک سمفونیک شد. به نوبه خود، بسیاری از اورتورها به اپراها، اوراتوریوها و کانتاتاهای اوایل قرن 18 تبدیل به چرخه های کنسرتو گروسو می شوند. یکی از اولین "اورتورهای ایتالیایی" - به اپرای "Eraclea" (1700) اثر A. Scarlatti - یک چرخه سه قسمتی "ویوالدی".
اصل کنار هم قرار دادن توده های صوتی یکی از اصول اساسی ارکستر باروک بود و بی دلیل نبود که فرم ریتورنلو بر اساس این کنار هم قرار گرفتن در همه ژانرها به خوبی می گنجد. تأثیر آن را می‌توان در سمفونی‌های کلاسیک اولیه (نادر شدن بافت در بخش ثانویه، تهاجمات توتی - «ریتورنلو» و غیره)، در اپراهای گلوک، رامو و برادران گراون دنبال کرد. و سمفونی‌هایی برای دو ارکستر، که مقایسه‌های کنسرتینی‌های جدا شده از آنها به فراخوان اضافه شده بود، در نیمه دوم قرن هجدهم در ایتالیا نوشته شد. در موسیقی روزمره و برنامه ای، هایدن و موتزارت گاهی اوقات از پلی کوران استفاده می کردند.
چکیده با موضوع:
کنسرت (کار)
کنسرت(کنسرتو ایتالیایی از لات. کنسرتوس) - تصنیف موسیقایی که برای یک یا چند ساز با همراهی ارکستر نوشته شده است تا تکنوازان را قادر سازد تا در اجرا مهارت نشان دهند. کنسرتویی که برای 2 ساز نوشته می شود دوتایی و به 3 ساز سه گانه می گویند. در این گونه کنسرت ها، ارکستر در درجه دوم اهمیت قرار دارد و تنها در بازی کردن (توتی) اهمیت مستقلی پیدا می کند. کنسرتی که در آن ارکستر اهمیت سمفونیک زیادی داشته باشد سمفونیک نامیده می شود.
کنسرت معمولاً از 3 قسمت تشکیل شده است (قسمت های بیرونی در حرکت سریع هستند). در قرن هجدهم، سمفونی که در آن بسیاری از سازها به صورت تکنواز در مکان‌ها می‌نواختند کنسرتو گروسو نامیده میشود. بعداً، سمفونی‌ای که در آن یک ساز در مقایسه با سایر سازها اهمیت مستقل‌تری پیدا کرد، شروع به نامیدن سمفونیک کنسرتانت، کنسرتیرند سیمفونی کرد.
کلمه "کنسرت" به عنوان نام یک آهنگ موسیقی در اواخر قرن شانزدهم در ایتالیا ظاهر شد. این کنسرت در سه بخش در پایان قرن هفدهم ظاهر شد. آرکانجلو کورلی ایتالیایی را بنیانگذار این فرم کنسرتو می‌دانند که در قرن 18 و 19 از آن شکل گرفت. K. برای سازهای مختلف. محبوب ترین آنها کنسرتوهای ویولن، ویولن سل و پیانو هستند. بعدها کنسرتوها توسط باخ، موتسارت، بتهوون، شومان، مندلسون، چایکوفسکی، داویدوف، روبینشتاین، ویوتی، پاگانینی، ویتانگ، بروخ، وینیوسکی، ارنست، سرویس، لیتولف و دیگران نوشته شد.
کنسرتی در اندازه کوچک که در آن قطعات ادغام می شوند نامیده می شود کنسرتینا
کنسرت کلاسیک نیز یک جلسه عمومی در سالن هایی با آکوستیک صوتی خاص است که در آن تعدادی از آثار آوازی یا ساز اجرا می شود. بسته به برنامه، کنسرت نامی را دریافت می کند: سمفونیک (که در آن عمدتاً آثار ارکستر اجرا می شود)، معنوی، تاریخی (متشکل از آثار دوره های مختلف). به کنسرت زمانی آکادمی نیز می گویند که اجراکنندگان، چه تک نفره و چه در ارکستر، هنرمندان درجه یک باشند.
در کنسرتو 2 قسمت "رقابتی" بین سولیست و ارکستر وجود دارد که می توان آن را مسابقه نامید.
هنگام نوشتن این مقاله، مطالبی از فرهنگ لغت دایره المعارف بروکهاوس و افرون (1890-1907) استفاده شد.
دانلوداین چکیده بر اساس مقاله ای از ویکی پدیای روسی است. همگام سازی در 07/10/11 02:41:54 تکمیل شد
چکیده های مشابه: راک دستگاهی، هیپ هاپ دستگاهی، آمپلی فایر دستگاهی،