هنرمندان آمریکایی بسیار متنوع هستند. برخی به وضوح جهان وطنی بودند، مانند سارجنت. اصالتاً آمریکایی بود، اما تقریباً تمام دوران بزرگسالی خود را در لندن و پاریس گذراند.
در میان آنها آمریکایی های معتبری نیز وجود دارند که مانند راکول، فقط زندگی هموطنان خود را به تصویر می کشیدند.
و همچنین هنرمندانی هستند که از این دنیا نیستند، مانند پولاک. یا کسانی که هنرشان محصول جامعه مصرفی شده است. این البته در مورد وارهول است.
با این حال، همه آنها آمریکایی هستند. آزادی خواه، جسور، روشن. هفت مورد از آنها را در زیر بخوانید.
1. جیمز ویسلر (1834-1903)
جیمز ویسلر. سلف پرتره. 1872 موسسه هنر در دیترویت، ایالات متحده. به سختی می توان ویستلر را یک آمریکایی واقعی نامید. او که بزرگ شد در اروپا زندگی کرد. و دوران کودکی خود را در روسیه گذراند. پدرش در سن پترزبورگ راه آهن ساخت.
در آنجا بود که جیمز پسر عاشق هنر شد و به لطف ارتباطات پدرش از ارمیتاژ و پیترهوف بازدید کرد (در آن زمان این قصرها هنوز به روی عموم بسته بودند).
ویسلر به چه دلیل معروف است؟ او به هر سبکی که بنویسد، از رئالیسم تا تونالیسم*، تقریباً بلافاصله با دو ویژگی قابل تشخیص است. رنگ های غیر معمول و نام های موسیقی.
برخی از پرتره های او تقلید از استادان قدیمی است. برای مثال، پرتره معروف او "مادر هنرمند".
جیمز ویسلر. مادر هنرمند. چیدمان در رنگ های خاکستری و مشکی. 1871 این هنرمند با استفاده از رنگ‌هایی از خاکستری روشن تا خاکستری تیره، یک اثر شگفت‌انگیز خلق کرد. و کمی زرد.
اما این بدان معنا نیست که ویسلر عاشق چنین رنگ هایی بود. او یک فرد خارق العاده بود. او به راحتی می توانست با پوشیدن جوراب های زرد و در دست داشتن یک چتر روشن در جامعه ظاهر شود. و این زمانی بود که مردان منحصراً سیاه و خاکستری لباس می پوشیدند.
او همچنین آثار بسیار سبک تری نسبت به «مادر» دارد. به عنوان مثال، "سمفونی در سفید". این همان چیزی است که یکی از خبرنگاران حاضر در نمایشگاه این نقاشی را نامیده است. ویسلر از این ایده خوشش آمد. از آن زمان تاکنون، او تقریباً تمامی آثار خود را به صورت موسیقایی عنوان کرده است.
جیمز ویسلر. سمفونی در سفید شماره 1. 1862 گالری ملی واشنگتن، ایالات متحده اما پس از آن، در سال 1862، عموم مردم سمفونی را دوست نداشتند. باز هم به دلیل طرح های رنگی خاص ویسلر. مردم فکر می کردند عجیب است که یک زن را با لباس سفید روی زمینه سفید نقاشی کنند.
در تصویر معشوقه مو قرمز ویسلر را می بینیم. کاملاً با روحیه پیش رافائلیت. از این گذشته ، در آن زمان این هنرمند با یکی از بنیانگذاران اصلی پره رافائلیسم ، گابریل روستی دوست بود. زیبایی، نیلوفرها، عناصر غیر معمول (پوست گرگ). همه چیز همان است که باید باشد.
اما ویسلر به سرعت از پیش رافائلیسم دور شد. از آنجایی که برای او زیبایی ظاهری مهم نبود، بلکه خلق و خو و احساسات بود. و او یک جهت جدید ایجاد کرد - تونالیسم.
شب های منظره او به سبک تونالیسم واقعاً شبیه موسیقی است. تک رنگ، چسبناک.
خود ویسلر گفت که عناوین موسیقی به تمرکز روی خود نقاشی، خطوط و رنگ‌ها کمک می‌کنند. در عین حال بدون اینکه به مکان و افرادی که به تصویر کشیده شده اند فکر کنیم.
جیمز ویسلر. شبانه در آبی و نقره ای: چلسی. 1871 گالری تیت، لندن 
مری کاسات. بچه خواب. پاستل، کاغذ. 1910 موزه هنر دالاس، ایالات متحده آمریکا اما او تا آخر به سبک خود وفادار ماند. امپرسیونیسم پاستیل نرم. مادران با فرزندان.
کاسات به خاطر نقاشی، مادری را رها کرد. اما جنبه زنانه او به طور فزاینده ای خود را در آثار ظریفی مانند "کودک خواب" نشان داد. حیف است که جامعه محافظه کار زمانی او را با چنین انتخابی مواجه کرد.
3. جان سارجنت (1856-1925)
جان سارجنت. سلف پرتره. 1892 موزه هنر متروپولیتن، نیویورک جان سارجنت مطمئن بود که تمام عمرش یک نقاش پرتره خواهد بود. حرفه ام خوب پیش می رفت. اشراف برای سفارش به او صف کشیدند.
اما یک روز به گفته جامعه، این هنرمند از مرز گذشت. اکنون برای ما دشوار است که بفهمیم چه چیزی در فیلم «مادام ایکس» تا این حد غیرقابل قبول است.
درست است، در نسخه اصلی قهرمان یکی از تسمه های خود را پایین آورده بود. سارجنت او را "بزرگ" کرد، اما این کمکی نکرد. سفارشات خشک شده است.
جان سارجنت. مادام اچ. 1878 موزه متروپولیتن، نیویورک مردم چه چیز زشتی دیدند؟ و این واقعیت که سارجنت مدل را در ژستی بیش از حد با اعتماد به نفس به تصویر کشیده است. علاوه بر این، پوست شفاف و گوش صورتی بسیار گویا هستند.
به نظر می رسد تصویر می گوید که این زن با تمایلات جنسی افزایش یافته از پذیرش پیشرفت های مردان دیگر مخالف نیست. علاوه بر این، متاهل بودن.
متأسفانه معاصران شاهکار این رسوایی را ندیدند. یک لباس تیره، پوست روشن، یک ژست پویا - یک ترکیب ساده که فقط با استعدادترین صنعتگران می توانند پیدا کنند.
اما هر ابری یک پوشش نقره ای دارد. سارجنت در ازای آزادی خود را دریافت کرد. من شروع به آزمایش بیشتر با امپرسیونیسم کردم. در موقعیت های فوری برای کودکان بنویسید. اینگونه بود که اثر "میخک، لیلی، لیلی، رز" ظاهر شد.
سارجنت می خواست لحظه ای خاص از گرگ و میش را ثبت کند. بنابراین من فقط 2 دقیقه در روز کار می کردم که نور مناسب بود. تابستان و پاییز کار کرد. و زمانی که گلها پژمرده شدند، آنها را با گلهای مصنوعی جایگزین کردم.
جان سارجنت. میخک، زنبق، سوسن، گل رز. 1885-1886 گالری تیت، لندن در دهه‌های اخیر، سارجنت چنان ذوق آزادی پیدا کرد که شروع به کنار گذاشتن پرتره‌ها کرد. اگرچه شهرت او قبلاً ترمیم شده است. او حتی با بی ادبی یکی از مشتری ها را اخراج کرد و گفت که از رنگ کردن دروازه او بیشتر خوشحال می شود تا صورت او.
جان سارجنت. کشتی های سفید 1908 موزه بروکلین، ایالات متحده معاصران با سارجنت با کنایه برخورد می کردند. منسوخ دانستن آن در عصر مدرنیسم. اما زمان همه چیز را سر جای خودش قرار داده است.
اکنون ارزش آثار او کمتر از آثار مشهورترین مدرنیست ها نیست. خوب، چیزی برای گفتن در مورد عشق مردم وجود ندارد. نمایشگاه با آثار او همیشه فروخته می شود.
4. نورمن راکول (1894-1978)
نورمن راکول. سلف پرتره. تصویری برای شماره 13 فوریه 1960 شنبه عصر پست. تصور هنرمند محبوب‌تر از نورمن راکول در طول زندگی‌اش دشوار است. چندین نسل از آمریکایی ها با تصاویر او بزرگ شدند. با تمام وجودم آنها را دوست دارم.
از این گذشته، راکول آمریکایی های معمولی را به تصویر می کشید. اما در عین حال زندگی خود را از مثبت ترین جنبه نشان می دهند. راکول نمی خواست نه پدران شرور و نه مادران بی تفاوت را نشان دهد. و هیچ بچه ناراضی را با او نخواهید دید.
نورمن راکول. تمام خانواده در تعطیلات و از تعطیلات. تصویر در مجله پست شنبه شب، 30 اوت 1947. موزه نورمن راکول در استاکبریج، ماساچوست، ایالات متحده آمریکا آثار او سرشار از طنز، رنگ های غنی و حالات چهره بسیار ماهرانه از زندگی است.
اما این یک توهم است که کار برای راکول آسان بود. برای خلق یک نقاشی، ممکن است ابتدا تا صد عکس از سوژه هایش بگیرد تا ژست های مناسب را ثبت کند.
آثار راکول تأثیر شگرفی بر ذهن میلیون ها آمریکایی گذاشت. از این گذشته، او اغلب از طریق نقاشی های خود صحبت می کرد.
در طول جنگ جهانی دوم، او تصمیم گرفت نشان دهد که سربازان کشورش برای چه می جنگند. همچنین نقاشی "آزادی از خواسته" را خلق کرده است. در قالب جشن شکرگزاری، جایی که همه اعضای خانواده، سیر و راضی، در تعطیلات خانوادگی شادی می کنند.
نورمن راکول. رهایی از نیاز. 1943 موزه نورمن راکول در استاکبریج، ماساچوست، ایالات متحده آمریکا راکول پس از 50 سال در شنبه ایونینگ پست به مجله نگاه دموکراتیک تر رفت و در آنجا توانست نظرات خود را در مورد مسائل اجتماعی بیان کند.
برجسته‌ترین اثر آن سال‌ها «مشکلی که با آن زندگی می‌کنیم» است.
نورمن راکول. مشکلی که ما با آن زندگی می کنیم. 1964 موزه نورمن راکول، استاکبریج، ایالات متحده آمریکا این داستان واقعی یک دختر سیاهپوست است که به مدرسه سفیدپوستان رفته است. از زمانی که قانونی تصویب شد که مردم (و در نتیجه موسسات آموزشی) دیگر نباید بر اساس نژاد از هم جدا شوند.
اما هیچ محدودیتی برای خشم مردم شهر وجود نداشت. در راه مدرسه، دختر توسط پلیس محافظت می شد. این لحظه "روتین" است که راکول نشان داد.
اگر می‌خواهید زندگی آمریکایی‌ها را در نور کمی آراسته بشناسید (همانطور که خودشان می‌خواستند ببینند)، حتماً نقاشی‌های راکول را تماشا کنید.
شاید از میان تمام نقاشان ارائه شده در این مقاله، راکول آمریکایی ترین هنرمند باشد.
5. اندرو وایت (1917-2009)
اندرو وایت سلف پرتره. 1945 آکادمی ملی طراحی، نیویورک برخلاف راکول، وایت چندان مثبت نبود. او ذاتاً گوشه گیر بود و سعی نمی کرد چیزی را تزئین کند. برعکس، او معمولی ترین مناظر و چیزهای غیرقابل توجه را به تصویر می کشید. فقط یک گندم زار، فقط یک خانه چوبی. اما او حتی موفق شد چیزی جادویی را در آنها ببیند.
معروف ترین اثر او «دنیای کریستینا» است. وایت سرنوشت یک زن، همسایه اش را نشان داد. او که از کودکی فلج شده بود، در اطراف مزرعه خود خزیده بود.
بنابراین هیچ چیز عاشقانه ای در این تصویر وجود ندارد، همانطور که در ابتدا ممکن است به نظر برسد. اگر دقت کنید، زن به طرز دردناکی لاغر شده است. و با دانستن اینکه پاهای قهرمان فلج است ، با اندوه می فهمید که او هنوز چقدر از خانه فاصله دارد.
وایت در نگاه اول معمولی ترین چیز را نوشت. اینجا یک پنجره قدیمی از یک خانه قدیمی است. پرده ای کهنه که قبلاً شروع به تکه تکه شدن کرده است. جنگل بیرون از پنجره تاریک است.
اما در همه اینها رمز و رازی وجود دارد. یه نگاه دیگه
اندرو وایت باد از دریا. 1947 گالری ملی واشنگتن، ایالات متحده آمریکا اینگونه است که کودکان می دانند چگونه با دید باز به دنیا نگاه کنند. وایات به همین شکل به نظر می رسد. و ما با او هستیم.
تمام امور وایت توسط همسرش اداره می شد. او سازمان دهنده خوبی بود. این او بود که با موزه ها و مجموعه داران تماس گرفت.
رابطه عاشقانه کمی در رابطه آنها وجود داشت. موز باید ظاهر می شد. و او تبدیل به یک هلگا ساده، اما با ظاهری خارق العاده شد. این دقیقاً همان چیزی است که در مشاغل متعدد می بینیم.
اندرو وایت قیطان (از سری "هلگا"). 1979 مجموعه خصوصی به نظر می رسد که ما فقط یک تصویر عکاسی از یک زن را می بینیم. اما به دلایلی سخت است که خود را از او جدا کنید. قیافه‌اش خیلی پیچیده است، شانه‌هایش منقبض است. انگار با او تنش درونی داریم. تلاش برای یافتن توضیحی برای این تنش.
وایت که واقعیت را با تمام جزئیات به تصویر می‌کشد، به طرز جادویی احساساتی را به آن بخشیده است که نمی‌تواند فرد را بی‌تفاوت بگذارد.
این هنرمند برای مدت طولانی شناخته نشد. با واقع گرایی خود، هرچند جادویی، در روندهای مدرنیستی قرن بیستم نمی گنجید.
هنگامی که کارگران موزه آثار او را خریدند، سعی کردند این کار را بی سر و صدا و بدون جلب توجه انجام دهند. نمایشگاه ها به ندرت برگزار می شد. اما به حسادت مدرنیست ها، آنها همیشه موفقیت چشمگیری داشتند. مردم دسته دسته آمدند. و هنوز هم می آیند.
6. جکسون پولاک (1912-1956)
جکسون پولاک عکس 1950 توسط هانس ناموت جکسون پولاک را نمی توان نادیده گرفت. او از خط خاصی در هنر عبور کرد که پس از آن نقاشی نمی‌توانست همان خط باشد. او نشان داد که در هنر به طور کلی می توان بدون مرز انجام داد. وقتی بوم را روی زمین گذاشتم و روی آن رنگ پاشیدم.
و این هنرمند آمریکایی کار خود را با هنر انتزاعی آغاز کرد که در آن هنوز هم می شد فیگوراتیو را ردیابی کرد. در اثر او در دهه 40، "شکل استنوگرافیک"، ما خطوط کلی صورت و دست ها را می بینیم. و حتی نمادهایی که به صورت ضربدر و صفر می فهمیم.
جکسون پولاک شکل کوتاه. موزه هنر مدرن 1942 در نیویورک (MOMA) کار او مورد تحسین قرار گرفت، اما مردم عجله ای برای خرید آن نداشتند. او مثل یک موش کلیسا فقیر بود. و بی شرمانه نوشید. با وجود ازدواج موفق همسرش استعداد او را تحسین می کرد و برای موفقیت همسرش هر کاری کرد.
اما پولاک در ابتدا شخصیتی شکسته بود. از همان دوران جوانی از اعمالش معلوم بود که مرگ زودهنگام سرنوشت اوست.
این شکست در نهایت منجر به مرگ او در 44 سالگی می شود. اما او زمان خواهد داشت تا در هنر انقلاب کند و مشهور شود.
جکسون پولاک ریتم پاییز (شماره 30). 1950 موزه هنر متروپولیتن در نیویورک، ایالات متحده آمریکا و این کار را در مدت دو سال هوشیاری انجام داد. او توانست در سالهای 1950-1952 مثمر ثمر کار کند. او مدت ها آزمایش کرد تا اینکه به تکنیک قطره ای رسید.
او در حالی که بوم بزرگی را روی کف انبارش گذاشته بود، در اطراف آن قدم زد، انگار که در خود نقاشی باشد. و رنگ پاشیده یا به سادگی ریخته می شود.
مردم با کمال میل شروع به خرید این نقاشی های غیر معمول از او به دلیل اصالت و تازگی باورنکردنی خود کردند.
جکسون پولاک ستون های آبی 1952 گالری ملی استرالیا، کانبرا پولاک غرق شهرت شد و در افسردگی فرو رفت و نمی دانست کجا باید حرکت کند. ترکیب مرگبار الکل و افسردگی برای او هیچ شانسی برای زنده ماندن باقی نگذاشت. یک روز خیلی مست پشت فرمان نشست. آخرین بار.
7. اندی وارهول (1928-1987)
اندی وارهول. 1979 عکس آرتور ترس تنها در کشوری با چنین کیش مصرفی مانند آمریکا می‌توان هنر پاپ متولد شد. و آغازگر اصلی آن البته اندی وارهول بود.
او با گرفتن معمولی ترین چیزها و تبدیل آنها به یک اثر هنری مشهور شد. این همان چیزی است که در مورد یک قوطی سوپ کمپبل اتفاق افتاد.
انتخاب تصادفی نبود. مادر وارهول به مدت بیش از 20 سال هر روز به پسرش این سوپ را می داد. حتی زمانی که به نیویورک نقل مکان کرد و مادرش را با خود برد.
اندی وارهول. قوطی سوپ کمبل. پلیمر، چاپ دستی. 32 تابلو هر کدام 50*40. موزه هنر مدرن 1962 در نیویورک (MOMA) پس از این آزمایش، وارهول به چاپ صفحه علاقه مند شد. از آن زمان به بعد از ستاره های پاپ عکس می گرفت و آنها را با رنگ های مختلف نقاشی می کرد.
مرلین مونرو نقاشی معروف او اینگونه ظاهر شد.
تعداد بی شماری از چنین گل های اسید مرلین تولید شد. وارهول هنر را در جریان قرار داد. همانطور که در یک جامعه مصرفی باید باشد.
اندی وارهول. مرلین مونرو. چاپ سیلک، کاغذ. موزه هنر مدرن 1967 در نیویورک (MOMA) وارهول از ناکجاآباد چهره های رنگ آمیزی شده را به وجود نیاورد. و باز هم بدون تاثیر مادر نبود. در کودکی، در طول بیماری طولانی پسرش، او بسته هایی از کتاب های رنگ آمیزی برای او آورد.
این سرگرمی دوران کودکی تبدیل به کارت ویزیت او شد و او را به طرز شگفت انگیزی ثروتمند کرد.
او نه تنها ستاره های پاپ، بلکه شاهکارهای پیشینیان خود را نیز نقاشی کرد. من هم گرفتم.
«زهره»، مانند مرلین، بسیار ساخته شده است. انحصار یک اثر هنری توسط وارهول "پاک" شد. چرا هنرمند این کار را کرد؟
برای محبوبیت شاهکارهای قدیمی؟ یا برعکس، سعی کنید ارزش آنها را کم کنید؟ ستاره های پاپ را جاودانه کنید؟ یا مرگ را با کنایه چاشنی کنید؟
اندی وارهول. زهره بوتیچلی. چاپ سیلک، اکریلیک، بوم. 122x183 سانتی متر 1982. موزه E. Warhol در پیتسبورگ، ایالات متحده آمریکا آثار رنگی او از مدونا، الویس پریسلی یا لنین گاهی بیشتر از عکس های اصلی قابل تشخیص هستند.
اما شاهکارها به سختی تحت الشعاع قرار گرفتند. با این حال، "زهره" بکر بی ارزش باقی مانده است.
وارهول یک حیوان مهمانی مشتاق بود و افراد حاشیه نشین زیادی را به خود جذب می کرد. معتادان به مواد مخدر، بازیگران شکست خورده یا افراد ساده نامتعادل. یکی از آنها یک بار به او شلیک کرد.
وارهول زنده ماند. اما 20 سال بعد، به دلیل عواقب زخمی که یک بار متحمل شده بود، به تنهایی در آپارتمانش درگذشت.
دیگ ذوب ایالات متحده
علیرغم تاریخچه کوتاه هنر آمریکا، دامنه آن گسترده است. در میان هنرمندان آمریکایی امپرسیونیست ها (سارجنت)، رئالیست های جادویی (وایت)، اکسپرسیونیست های انتزاعی (پولاک) و پیشگامان هنر پاپ (وارهول) وجود دارند.
خب، آمریکایی ها آزادی انتخاب را در همه چیز دوست دارند. صدها فرقه صدها ملت صدها سبک هنری به همین دلیل است که دیگ ذوب ایالات متحده آمریکا است.
در تماس با
کتاب‌ها حس رضایت شخصی و خلاقانه‌ای را به من می‌دهند. وقتی روی کتابی کار می‌کنم، آرزو می‌کنم که تلفن هرگز زنگ نخورد.
پینکی جری، تصویرگر آمریکایی کتاب کودکان، در 22 دسامبر 1939 در ژرمن تاون به دنیا آمد. در دبیرستان، عشق و استعداد او برای طراحی مورد توجه جان لینی کاریکاتوریست قرار گرفت و او را تشویق کرد که به عنوان یک هنرمند به دنبال حرفه ای باشد. پینکنی پس از فارغ التحصیلی از مدرسه حرفه ای دابینز، بورسیه تحصیلی کامل برای تحصیل در کالج هنر موزه فیلادلفیا دریافت کرد. او بعداً به بوستون نقل مکان کرد، جایی که در طراحی و تصویرسازی کار کرد، در نهایت استودیوی شخصی خود، استودیو جری پینکنی را افتتاح کرد و بعداً به نیویورک نقل مکان کرد. پینکی جری هنوز در نیویورک زندگی و کار می کند، در طول سال های فعالیت خلاقانه خود سمینارهایی را در دانشگاه و مدارس هنر در سراسر کشور برگزار کرده است.
"من می خواستم نشان دهم که یک هنرمند آفریقایی آمریکایی در این کشور در سطح ملی در هنرهای تجسمی چه کارهایی می تواند انجام دهد. من می خواهم الگوی قوی برای خانواده ام و سایر آمریکایی های آفریقایی تبار باشم."
نقاشی آمریکایی
اولین آثار نقاشی آمریکایی که به ما رسیده است به قرن شانزدهم باز می گردد. اینها طرح هایی هستند که توسط شرکت کنندگان در اکتشافات تحقیقاتی انجام شده است. با این حال، هنرمندان حرفه ای تنها در آغاز قرن 18 در آمریکا ظاهر شدند. تنها منبع درآمد پایدار برای آنها یک پرتره بود. این ژانر تا آغاز قرن نوزدهم همچنان در نقاشی آمریکایی جایگاه پیشرو داشت.
دوره استعمار.اولین گروه از پرتره ها که با تکنیک رنگ روغن اجرا شده اند به نیمه دوم قرن هفدهم باز می گردد. در این زمان، زندگی ساکنان نسبتاً آرام بود، زندگی تثبیت شد و فرصت هایی برای هنرنمایی پدیدار شد. از میان این آثار، مشهورترین پرتره خانم فریک با دخترش مری (1671-1674، ماساچوست، موزه هنر ورسستر) است که توسط یک هنرمند ناشناس انگلیسی نقاشی شده است. در دهه 1730، شهرهای ساحل شرقی چندین هنرمند داشتند که به شیوه‌ای مدرن و واقعی‌تر کار می‌کردند: هنریتا جانستون در چارلستون (1705)، یوستوس انگلهارد کوهن در آناپولیس (1708)، گوستاو هسلیوس در فیلادلفیا (1712)، جان واتسون در پرث امبوی در نیوجرسی (1714)، پیتر پلهام (1726) و جان اسمیبرت (1728) در بوستون. نقاشی دو نفر اخیر تأثیر قابل توجهی بر کار جان سینگلتون کوپلی (1738-1815) داشت که اولین هنرمند بزرگ آمریکایی به شمار می رود. از حکاکی‌های مجموعه پلهام، کوپلی جوان درکی از پرتره‌های تشریفاتی انگلیسی و نقاشی گادفری کنلر، استاد برجسته انگلیسی که در آغاز قرن هجدهم در این ژانر کار می‌کرد، به دست آورد. در نقاشی پسری با سنجاب (1765، بوستون، موزه هنرهای زیبا)، کوپلی یک پرتره واقع گرایانه شگفت انگیز خلق کرد، ملایم و به طرز شگفت آوری دقیق در انتقال بافت اشیا. هنگامی که کوپلی این اثر را در سال 1765 به لندن فرستاد، جاشوا رینولدز به او توصیه کرد که تحصیلات خود را در انگلستان ادامه دهد. با این حال، کوپلی تا سال 1774 در آمریکا ماند و به نقاشی پرتره ها ادامه داد و با دقت تمام جزئیات و تفاوت های ظریف را در آنها بررسی کرد. سپس به اروپا سفر کرد و در سال 1775 در لندن اقامت گزید. در سبک او، شیوه و ویژگی های ایده آل سازی مشخصه نقاشی انگلیسی آن زمان ظاهر شد. از جمله بهترین آثاری که کوپلی در انگلستان تولید کرد، پرتره های رسمی بزرگی است که یادآور آثار بنجامین وست است، از جمله بروک واتسون و کوسه (1778، بوستون، موزه هنرهای زیبا). بنجامین وست (1738-1820) در پنسیلوانیا به دنیا آمد. پس از کشیدن چندین پرتره از فیلادلفیان، در سال 1763 به لندن نقل مکان کرد. در اینجا او به عنوان یک نقاش تاریخ شهرت یافت. نمونه ای از آثار او در این ژانر، نقاشی مرگ ژنرال ولف (1770، اتاوا، گالری ملی کانادا) است. در سال 1792، وست جانشین رینولدز به عنوان رئیس آکادمی سلطنتی هنر بریتانیا شد.
جنگ استقلال و آغاز قرن نوزدهم. بر خلاف کپلی و وست که برای همیشه در لندن ماندند، نقاش پرتره گیلبرت استوارت (1755-1828) در سال 1792 به آمریکا بازگشت و در لندن و دوبلین کار کرد. او به زودی استاد برجسته این ژانر در جمهوری جوان شد. استوارت تقریباً از تمام شخصیت های برجسته سیاسی و عمومی در آمریکا پرتره کشید. آثار او به شیوه‌ای زنده، آزاد، طرح‌دار و بسیار متفاوت از سبک کارهای آمریکایی کوپلی اجرا می‌شوند. بنجامین وست با کمال میل هنرمندان جوان آمریکایی را در استودیوی لندن خود پذیرفت. شاگردان او شامل چارلز ویلسون پیل (1741-1827) و ساموئل اف بی مورس (1791-1872) بودند. پیل بنیانگذار یک سلسله نقاشان و یک شرکت هنری خانوادگی در فیلادلفیا شد. او پرتره کشید، به تحقیقات علمی پرداخت و موزه تاریخ طبیعی و نقاشی را در فیلادلفیا افتتاح کرد (1786). از هفده فرزند او، بسیاری از آنها هنرمند و طبیعت گرا شدند. مورس، که بیشتر به عنوان مخترع تلگراف شناخته می شود، چندین پرتره زیبا و یکی از باشکوه ترین نقاشی ها در تمام نقاشی های آمریکا، گالری لوور، کشید. در این اثر حدود 37 بوم به صورت مینیاتوری با دقت شگفت انگیزی تکثیر شده است. هدف این اثر نیز مانند تمامی فعالیت های مورس، آشنایی ملت جوان با فرهنگ بزرگ اروپایی بود. واشنگتن آلستون (1779-1843) یکی از اولین هنرمندان آمریکایی بود که به رمانتیسم ادای احترام کرد. او در طول سفرهای طولانی خود در سراسر اروپا، طوفان های دریا، صحنه های شاعرانه ایتالیایی و پرتره های احساسی را نقاشی کرد. در آغاز قرن نوزدهم. اولین آکادمی هنر آمریکا افتتاح شد که به دانشجویان آموزش های حرفه ای ارائه می داد و مستقیماً در سازماندهی نمایشگاه ها شرکت می کردند: آکادمی هنرهای پنسیلوانیا در فیلادلفیا (1805) و آکادمی ملی طراحی در نیویورک (1825) که اولین رئیس آن اس. آر. مورس بود. . در دهه های 1820 و 1830، جان ترامبول (1756-1843) و جان واندرلین (1775-1852) ترکیبات عظیمی از موضوعات تاریخ آمریکا را نقاشی کردند که دیوارهای کاپیتول روتوندا در واشنگتن را تزئین کردند. در دهه 1830، منظره به ژانر غالب نقاشی آمریکایی تبدیل شد. توماس کول (1801-1848) در مورد طبیعت بکر شمال (نیویورک) نوشت. او استدلال می‌کرد که کوه‌های شکست‌خورده و جنگل‌های درخشان پاییزی سوژه‌های مناسب‌تری برای هنرمندان آمریکایی هستند تا ویرانه‌های زیبای اروپایی. کول همچنین چندین مناظر آغشته به معنای اخلاقی و مذهبی را نقاشی کرد. در میان آنها چهار نقاشی بزرگ، مسیر زندگی (1842، واشنگتن، گالری ملی) وجود دارد - ترکیبات تمثیلی که قایق را به سمت پایین رودخانه نشان می دهد، که در آن پسری نشسته است، سپس یک مرد جوان، سپس یک مرد و در نهایت یک پیرمرد. بسیاری از نقاشان منظره از کول الگوبرداری کردند و طبیعت آمریکا را در آثار خود به تصویر کشیدند. آنها اغلب در یک گروه به نام "مدرسه رودخانه هادسون" ترکیب می شوند (که درست نیست، زیرا آنها در سراسر کشور کار می کردند و به سبک های مختلف می نوشتند). در میان نقاشان ژانر آمریکایی، مشهورترین آنها ویلیام سیدنی مانت (1807-1868) است که صحنه هایی از زندگی کشاورزان در لانگ آیلند را نقاشی کرد و جورج کالب بینگهام (1811-1879) که نقاشی هایش به زندگی ماهیگیران اختصاص دارد. از سواحل میسوری و انتخابات در شهرهای کوچک استانی. قبل از جنگ داخلی، محبوب ترین هنرمند فردریک ادوین چرچ (1826-1900)، شاگرد کول بود. او عمدتاً آثاری با فرمت بزرگ نقاشی می کرد و گاهی از نقوش بیش از حد طبیعت گرایانه برای جذب و مبهوت عموم استفاده می کرد. کلیسا به عجیب‌ترین و خطرناک‌ترین مکان‌ها سفر کرد و موادی را جمع‌آوری کرد تا آتشفشان‌های آمریکای جنوبی و کوه‌های یخ دریاهای شمالی را به تصویر بکشد. یکی از مشهورترین آثار او نقاشی آبشار نیاگارا (1857، واشنگتن، گالری کورکوران) است. در دهه 1860، بوم‌های عظیم آلبرت بیرشتات (1830-1902) تحسین گسترده‌ای را برای زیبایی کوه‌های راکی با دریاچه‌های شفاف، جنگل‌ها و قله‌های برج‌مانندشان برانگیخت.
دوران پس از جنگ و آغاز قرن.پس از جنگ داخلی، تحصیل در رشته نقاشی در اروپا مد شد. در دوسلدورف، مونیخ و به ویژه پاریس، تحصیلات بسیار اساسی‌تر از آمریکا امکان‌پذیر بود. جیمز مک نیل ویستلر (1834-1903)، مری کاسات (1845-1926) و جان سینگر سارجنت (1856-1925) در پاریس تحصیل کردند و در فرانسه و انگلیس زندگی و کار کردند. ویسلر به امپرسیونیست های فرانسوی نزدیک بود. او در نقاشی های خود توجه ویژه ای به ترکیب رنگ ها و ترکیب بندی رسا و لاکونیک داشت. مری کاسات به دعوت ادگار دگا در نمایشگاه‌های امپرسیونیستی از سال 1879 تا 1886 شرکت کرد. طرف مقابل طیف سبکی با امپرسیونیسم در هنر اواخر قرن نوزدهم. توسط هنرمندان واقع‌گرا که طبیعت‌های بی جان توهم‌گرایانه نقاشی می‌کردند: ویلیام مایکل هارنت (1848-1892)، جان فردریک پتو (1854-1907) و جان هابرل (1856-1933) مشغول بودند. دو هنرمند بزرگ اواخر قرن 19 و اوایل قرن 20، وینسلو هومر (1836-1910) و توماس ایکینز (1844-1916)، به هیچ یک از جنبش های هنری مد روز در آن زمان تعلق نداشتند. هومر کار خلاقانه خود را در دهه 1860 با تصویرسازی مجلات نیویورک آغاز کرد. در دهه 1890 او به عنوان یک هنرمند مشهور شهرت داشت. نقاشی های اولیه او صحنه هایی از زندگی روستایی اشباع شده از نور درخشان خورشید است. بعدها، هومر شروع به روی آوردن به تصاویر و مضامین پیچیده‌تر و دراماتیک کرد: جریان گلف استریم (1899، متروپولیتن) ناامیدی ملوان سیاه‌پوستی را به تصویر می‌کشد که روی عرشه قایق در دریای طوفانی و پر از کوسه دراز کشیده است. توماس ایکینز در طول زندگی خود به دلیل عینیت گرایی و مستقیم بودن بیش از حد مورد انتقاد شدید قرار گرفت. اکنون آثار او به دلیل طراحی‌های دقیق و واضح‌شان ارزش بالایی دارند. براش های او شامل تصاویر ورزشکاران و تصاویر پرتره صمیمانه آغشته به همدردی است.
قرن بیستم. در آغاز قرن، تقلید از امپرسیونیسم فرانسوی بیشترین ارزش را داشت. سلایق عمومی توسط گروهی متشکل از هشت هنرمند به چالش کشیده شد: رابرت هنری (1865-1929)، دبلیو جی گلاکنز (1870-1938)، جان اسلون (1871-1951)، جی بی لاکس (1867-1933)، اورت شین (1876-195) دیویس (1862-1928)، موریس پرندرگاست (1859-1924) و ارنست لاوسون (1873-1939). منتقدان آنها را مدرسه "سطل زباله" به دلیل تمایل آنها به به تصویر کشیدن محله های فقیر نشین و دیگر موضوعات غیرعادی لقب دادند. در سال 1913 در به اصطلاح "Armory Show" آثاری از استادان متعلق به حوزه های مختلف پست امپرسیونیسم را به نمایش گذاشت. هنرمندان آمریکایی تقسیم شدند: برخی از آنها به کاوش در امکان رنگ و انتزاع رسمی روی آوردند، برخی دیگر در آغوش سنت واقع گرایانه باقی ماندند. گروه دوم شامل چارلز برچفیلد (1893-1967)، رجینالد مارش (1898-1954)، ادوارد هاپر (1882-1967)، فیرفیلد پورتر (1907-1975)، اندرو وایت (متولد 1917) و دیگران بودند. نقاشی های ایوان آلبرایت (1897-1983)، جورج توکر (متولد 1920) و پیتر بلوم (1906-1992) به سبک "رئالیسم جادویی" نوشته شده اند (شباهت به طبیعت در آثار آنها اغراق آمیز است و واقعیت بیشتر یادآور خواب یا توهم است). هنرمندان دیگری مانند چارلز شیلر (1883-1965)، چارلز دیموث (1883-1935)، لیونل فاینینگر (1871-1956) و جورجیا اوکیف (1887-1986)، عناصر رئالیسم، کوبیسم و اکسپرسیونیسم را در خود ترکیب کردند. آثار و دیگر جنبش های هنر اروپایی دیدگاه های دریایی جان مارین (1870-1953) و مارسدن هارتلی (1877-1943) به اکسپرسیونیسم نزدیک است.تصاویر پرندگان و حیوانات در نقاشی های موریس گریوز (متولد 1910) هنوز یک تصویر را حفظ کرده است. ارتباط با جهان مرئی، اگرچه اشکال در آثار او به شدت تحریف شده و تقریباً به نمادهای نمادین افراطی کشیده شده است. پس از جنگ جهانی دوم، نقاشی غیر عینی به جنبش پیشرو در هنر آمریکایی تبدیل شد. اکنون توجه اصلی به سطح تصویری معطوف شد. به خودی خود عرصه ای برای تعامل خطوط، توده ها و لکه های رنگی تلقی می شد.مهم ترین جایگاهی که اکسپرسیونیسم انتزاعی در این سال ها به خود اختصاص داد.این اولین حرکت در نقاشی بود که در ایالات متحده پدید آمد و اهمیت بین المللی داشت. رهبران این جنبش آرشیل گورکی (1904-1948)، ویلم دی کونینگ (کونینگ) (1904-1997)، جکسون پولاک (1912-1956)، مارک روتکو (1903-1970) و فرانتس کلاین (1910-1962) بودند. یکی از جالب ترین اکتشافات اکسپرسیونیسم انتزاعی، روش هنری جکسون پولاک بود که برای ایجاد هزارتوی پیچیده ای از فرم های خطی پویا، رنگ را بر روی بوم می چکید یا می انداخت. دیگر هنرمندان این جنبش - هانس هافمن (1880-1966)، کلیفورد استیل (1904-1980)، رابرت ماترول (1915-1991) و هلن فرانکنتالر (متولد 1928) - تکنیک نقاشی بوم را تمرین کردند. نسخه دیگری از هنر غیر عینی، نقاشی جوزف آلبرز (1888-1976) و آد راینهارت (1913-1967) است. نقاشی های آنها شامل اشکال هندسی سرد و دقیق محاسبه شده است. دیگر هنرمندانی که در این سبک کار کردند عبارتند از: السورث کلی (متولد 1923)، بارنت نیومن (1905-1970)، کنت نولاند (متولد 1924)، فرانک استلا (متولد 1936)، و آل هلد (متولد 1928). بعداً آنها مدیریت عمده فروشی هنر را بر عهده گرفتند. در اواخر دهه 1950، رابرت راوشنبرگ (متولد 1925)، یاسپر جانز (متولد 1930) و لری ریورز (متولد 1923) که در رسانه های ترکیبی، از جمله مونتاژ کار می کردند، علیه هنر غیر فیگوراتیو صحبت کردند. آنها قطعاتی از عکس ها، روزنامه ها، پوسترها و اشیاء دیگر را در "نقاشی" خود گنجانده بودند. در اوایل دهه 1960، مونتاژ جنبش جدیدی را به وجود آورد، به اصطلاح. هنر پاپ، که نمایندگان آن با دقت و دقت در آثار خود اشیاء و تصاویر مختلف فرهنگ پاپ آمریکایی را بازتولید کردند: قوطی های کوکاکولا و غذاهای کنسرو شده، بسته های سیگار، کمیک. از هنرمندان برجسته این جنبش اندی وارهول (1928-1987)، جیمز روزنکوئیست (متولد 1933)، جیم دین (متولد 1935) و روی لیختنشتاین (متولد 1923) هستند. به دنبال هنر پاپ، هنر نوری بر اساس اصول اپتیک و توهم نوری ظاهر شد. در دهه 1970، مکاتب مختلف اکسپرسیونیسم، لبه سخت هندسی، هنر پاپ، فتورئالیسم فزاینده مد روز و دیگر سبک‌های هنرهای زیبا در آمریکا وجود داشتند.
ادبیات
چگودایف A.D. هنر ایالات متحده آمریکا از جنگ انقلاب تا به امروز. M., 1960 Chegodaev A.D. هنر ایالات متحده آمریکا. 1675-1975. نقاشی، معماری، مجسمه سازی، گرافیک. م.، 1975
دایره المعارف کولیر. - جامعه باز. 2000 .
ببینید «نقاشی آمریکایی» در فرهنگ‌های دیگر چیست:
صحنه‌ها و مناظر روزمره توسط هنرمندان آمریکایی دهه‌های 1920 و 1930، که به شیوه‌ای طبیعی و توصیفی اجرا شده‌اند. نقاشی ژانر آمریکایی یک جنبش سازماندهی شده نبود، در میان... ویکی پدیا آمریکایی رواج داشت
- "عروسی دهقانی"، 1568، پیتر بروگل، موزه Kunsthistorisches، وین ... ویکی پدیا
مختصات: 29°43′32″ شمالی. w 95 درجه 23'26 اینچ غربی d. / 29.725556° n. w 95.390556 درجه غربی د ... ویکی پدیا
موزه هنر متروپولیتن در نیویورک- یکی از بزرگترین موزه های جهان و بزرگترین موزه هنر در ایالات متحده - موزه هنر متروپولیتن، واقع در نیویورک در ضلع شرقی پارک مرکزی در منهتن. این مکان به موزه مایل معروف است... ... دایره المعارف خبرسازان
ویکی‌پدیا مقالاتی درباره افراد دیگر با این نام خانوادگی دارد، به بسونوا مراجعه کنید. Marina Aleksandrovna Bessonova (۲۲ فوریه ۱۹۴۵ (۱۹۴۵۰۲۲۲)، مسکو، ۲۷ ژوئن ۲۰۰۱، مسکو) مورخ هنر، منتقد، فعال موزه روسی. مطالب 1... ...ویکی پدیا
یکی از بزرگترین موزه های هنر در ایالات متحده آمریکا. در سال 1870 در بوستون تأسیس شد. نمونه های برجسته مجسمه سازی از مصر باستان (تنه انخاف، هزاره سوم قبل از میلاد)، یونان و روم، منسوجات قبطی، هنر قرون وسطایی چین و ژاپن... دایره المعارف بزرگ شوروی
- (De Kooning، Willem) DE KOONING در کارگاه خود. (1904 1997)، هنرمند معاصر آمریکایی، رئیس مکتب اکسپرسیونیسم انتزاعی. دی کونینگ در 24 آوریل 1904 در روتردام متولد شد. در 15 سالگی در دوره های نقاشی عصرانه ثبت نام کرد... ... دایره المعارف کولیر
- (چاتانوگا) شهری در جنوب شرقی ایالات متحده (به ایالات متحده آمریکا مراجعه کنید) (تنسی). بندری در رودخانه تنسی در دره بزرگ آپالاچی. بین کوه های آپالاچی و فلات کامبرلند، در مرز با ایالت جورجیا واقع شده است. جمعیت 153.6 هزار... ... دایره المعارف جغرافیایی
- (چاتانوگا)، شهری در جنوب شرقی ایالات متحده، تنسی. بندر روی رودخانه تنسی 152 هزار نفر (1994؛ با حومه حدود 430 هزار نفر). صنایع شیمیایی، نساجی، خمیر و کاغذ. متالورژی آهنی، مهندسی مکانیک. ... فرهنگ لغت دایره المعارفی
باربارا رز (متولد 1938) مورخ هنر و منتقد هنر آمریکایی است. او در کالج اسمیت، کالج بارنارد و دانشگاه کلمبیا تحصیل کرد. او از سال 1961 تا 1969 با هنرمند فرانک استلا ازدواج کرد. در... ... ویکی پدیا
کتاب ها
- نقاشی انگلیسی و آمریکایی در گالری ملی واشنگتن (شومیز)، E. G. Milyugina، گالری ملی واشنگتن دارای بزرگترین مجموعه های جهان از نقاشی انگلیسی و آمریکایی با سطح هنری بالا است. مجموعه ها منعکس کننده تاریخ نقاشی جهان هستند،... رده:
) در آثار رسا و فراگیر او توانست شفافیت مه، سبکی بادبان و تاب خوردن آرام کشتی بر روی امواج را حفظ کند.
نقاشی های او با عمق، حجم، غنا و بافت به گونه ای است که نمی توان چشم از آنها برداشت.
سادگی گرم والنتین گوبارف
هنرمند بدوی از مینسک والنتین گوبارفدنبال شهرت نمی رود و فقط کاری را که دوست دارد انجام می دهد. آثار او در خارج از کشور بسیار محبوب است، اما برای هموطنانش تقریبا ناشناخته است. در اواسط دهه 90، فرانسوی ها عاشق طرح های روزمره او شدند و به مدت 16 سال با این هنرمند قرارداد امضا کردند. نقاشی هایی که به نظر می رسد فقط برای ما، حاملان "جذابیت متوسط سوسیالیسم توسعه نیافته" قابل درک باشد، برای عموم مردم اروپا جذابیت داشت و نمایشگاه ها در سوئیس، آلمان، بریتانیای کبیر و سایر کشورها آغاز شد.
رئالیسم حسی سرگئی مارشنیکوف
سرگئی مارشنیکوف 41 ساله است. او در سن پترزبورگ زندگی می کند و بر اساس بهترین سنت های مکتب کلاسیک روسیه پرتره رئالیستی کار می کند. قهرمانان بوم های او زنانی هستند که در نیمه برهنگی لطیف و بی دفاع هستند. بسیاری از مشهورترین نقاشی ها، موس و همسر این هنرمند، ناتالیا را به تصویر می کشند.
دنیای نزدیک‌بین فیلیپ بارلو
در عصر مدرن تصاویر با وضوح بالا و ظهور هایپررئالیسم، آثار فیلیپ بارلو بلافاصله توجه را به خود جلب می کند. با این حال، تلاش خاصی از بیننده لازم است تا خود را مجبور کند تا به شبح‌های تار و نقاط روشن روی بوم‌های نویسنده نگاه کند. احتمالاً افرادی که از نزدیک بینی رنج می برند، دنیا را بدون عینک و لنزهای تماسی اینگونه می بینند.
خرگوش های آفتابی اثر لوران پارسلیه
نقاشی Laurent Parcelier دنیای شگفت انگیزی است که در آن نه غم وجود دارد و نه ناامیدی. عکس های غم انگیز و بارانی از او نخواهید یافت. بوم های او حاوی مقدار زیادی نور، هوا و رنگ های روشن است که هنرمند با ضربه های مشخص و قابل تشخیص به کار می برد. این احساس را ایجاد می کند که نقاشی ها از هزار پرتو خورشید بافته شده اند.
پویایی شهری در آثار جرمی مان
جرمی مان، هنرمند آمریکایی، پرتره‌های پویا از یک کلان شهر مدرن را با رنگ روغن روی صفحات چوبی نقاشی می‌کند. "اشکال انتزاعی، خطوط، تضاد نقاط روشن و تاریک - همگی تصویری را ایجاد می‌کنند که احساسی را که فرد در شلوغی و شلوغی شهر تجربه می‌کند را برمی‌انگیزد، اما همچنین می‌تواند آرامشی را که هنگام تأمل در زیبایی آرام پیدا می‌کند، بیان کند." هنرمند می گوید.
دنیای توهم نیل سایمون
در نقاشی های هنرمند بریتانیایی نیل سیمون، هیچ چیز آنطور که در نگاه اول به نظر می رسد نیست. سایمون می‌گوید: برای من، دنیای اطراف من مجموعه‌ای از اشکال، سایه‌ها و مرزهای شکننده و دائماً در حال تغییر است. و در نقاشی های او همه چیز واقعاً توهمی و به هم پیوسته است. مرزها محو می شوند و داستان ها به یکدیگر سرازیر می شوند.
درام عاشقانه اثر جوزف لوراسو
جوزف لوروسو، هنرمند معاصر آمریکایی، یک ایتالیایی الاصل، موضوعاتی را که در زندگی روزمره مردم عادی مشاهده کرده بود، به روی بوم منتقل می کند. در آغوش گرفتن و بوسیدن، طغیان های پرشور، لحظات لطافت و اشتیاق، تصاویر احساسی او را پر می کند.
زندگی روستایی دیمیتری لوین
دیمیتری لوین استاد شناخته شده چشم انداز روسیه است که خود را به عنوان نماینده با استعداد مکتب واقع گرای روسیه معرفی کرده است. مهمترین منبع هنر او دلبستگی به طبیعت است که عاشقانه آن را دوست دارد و خود را بخشی از آن می داند.
شرق روشن اثر والری بلوخین
در شرق، همه چیز متفاوت است: رنگ های مختلف، هوای متفاوت، ارزش های مختلف زندگی و واقعیت افسانه تر از داستان است - این همان چیزی است که هنرمند مدرن والری بلوخین معتقد است. در نقاشی، والری بیشتر از همه رنگ را دوست دارد. کار او همیشه یک آزمایش است: او مانند اکثر هنرمندان از یک فیگور شروع نمی کند، بلکه از یک نقطه رنگ شروع می کند. بلوخین تکنیک خاص خود را دارد: ابتدا نقاط انتزاعی را روی بوم اعمال می کند و سپس واقعیت را کامل می کند.
اصل برگرفته از vanatik05 در نقاشی آمریکایی - 5 (سنت های واقع گرایانه در قرن بیستم)
در سال 1913، انجمن نقاشان و مجسمه سازان آمریکایی اولین نمایشگاه بزرگ بین المللی هنر مدرن را با نام Armory Show در اسلحه خانه گارد ملی در خیابان لکسینگتون ترتیب داد. این به رویداد مهمی در تاریخ هنر آمریکا تبدیل شد و احساسات متفاوتی را برانگیخت: تعجب، تحسین، خشم، پرستش و طرد کامل در میان مردم آمریکا، عادت به رئالیسم، تا حدی به امپرسیونیسم، اما نه به هنر آوانگارد اروپایی. که در این نمایشگاه دید. 1300 نقاشی، مجسمه و اثر تزئینی بیش از 300 هنرمند معاصر اروپایی و آمریکایی نه تنها از نیویورک، بلکه از شیکاگو و واشنگتن بازدید کردند.
نقدهای این نمایشگاه شامل اتهامات غیراخلاقی، غیرحرفه ای، جنون، حیله گری بود، بسیاری از آثار را کاریکاتور و تقلید نقاشی نامیدند و تئودور روزولت گفت: "این اصلاً هنر نیست!"
اما مقامات مدنی مداخله نکردند و سعی نکردند نمایشگاه را ببندند و رسوایی های پیرامون آن تنها به فروش موفق بسیاری از آثاری که امروزه در موزه های آمریکا دیده می شود کمک کرد و موما (موزه هنر مدرن) می تواند به طور کلی وارث و جانشین اولین نمایشگاه هنر معاصر محسوب می شوند.
این به طور غیرمستقیم بر هنرمندان جنبش رئالیستی تأثیر گذاشت و سنت های واقع گرایانه هرگز در آمریکا از بین نرفت؛ این نه تنها به تغییرات در تکنیک ها و مضامین طراحی کمک کرد، بلکه حتی گرایش های جدیدی را در نقاشی به عنوان «رئالیسم جادویی» به وجود آورد.
و انشعاب آن «دقت‌گرایی»** است که مشخصه‌ی هنرمندان آمریکایی است.
و جنبش هنری "منطقه گرایی"*** (یا منطقه گرایی) در آمریکا متولد شد.
ما در مورد هنرمندان، نمایندگان حوزه های مختلف هنر واقع گرایانه در آمریکای قرن بیستم صحبت خواهیم کرد.
چارلز برچفیلد(۱۹۶۷-۱۸۹۳)، یکی از برجسته‌ترین آبرنگ‌نویس‌های آمریکا، که نقاشی‌های خود را با استفاده از تکنیک قلم مو روی سه‌پایه نقاشی می‌کرد، در اوایل (تا سال ۱۹۱۵) سبک نئورئالیستی خود را با ترکیب گرایش‌های مدرن، نقاشی سنتی چین و عناصر فوویسم توسعه داد. .
او در طول زندگی خلاقانه خود، مسیرها و تکنیک های خود را تغییر داد، مناظر و نقاشی هایی را با موضوعات تاریخی، صحنه هایی که از پنجره خانه اش مشاهده می شد و گل های "توهم آمیز" را با روح رئالیسم جادویی، دیدگاه های طبیعت و قدرت الهی آن نقاشی کرد.
به افتخار او، در سال 1966، یک مرکز طبیعت و هنر در بوفالو ایجاد شد، به نام مرکز هنری Birchfield Penny، که همچنین شامل بزرگترین مجموعه جهان از آثار این هنرمند است.
رجینالد مارش(1898-1954)، در پاریس، در خانواده ای ثروتمند از هنرمندان به دنیا آمد، شاگرد D. Sloan، که عمدتاً به عنوان نقاش و تصویرگر صحنه های شهری، زندگی خیابانی و سواحل نیویورک شناخته می شد.
نقاشی‌های او با دقت مستند، آغشته به عشق کنایه‌آمیز به شخصیت‌ها متمایز می‌شوند، او برای بورلسک و وودویل بسیار نقاشی می‌کرد و آنها را "تئاتر مردم عادی، بیانگر طنز و خیالات فقیر، پیر و زشت" می‌دانست.
او به کار روغن و جوهر، آبرنگ، تخم مرغ پرداخت و زندگی خلاقانه خود را با لیتوگرافی آغاز کرد. سبک او را می‌توان «رئالیسم اجتماعی» توصیف کرد، به‌ویژه در دوران رکود بزرگ مشهود بود، و ارادت او به استادان قدیمی که آثارشان را می‌پرستید، منجر به خلق آثاری حاوی استعاره‌های مذهبی شد.
مارش اندکی قبل از مرگ بر اثر حمله قلبی، مدال طلای هنرهای گرافیکی را از آکادمی هنرهای آمریکا دریافت کرد.
فیرفیلد پورتر(1907-1975) در خانواده یک معمار و یک شاعر متولد شد، در هاروارد و اتحادیه دانشجویان آمریکایی تحصیل کرد، در تمام زندگی خود به جهت واقع گرایانه پایبند بود، عمدتاً مناظر و پرتره های خانواده و دوستان را نقاشی کرد و سعی کرد غیرعادی بودن را آشکار کند. در زندگی معمولی و زیباتر کردن آن.
آثار او تأثیر پدر معمارش، آثار ولاسکوز، و بعداً هنرمندان بونارد و ویلارد را نشان می‌دهد؛ او معتقد بود که «امپرسیونیسم قادر است حضور واقعیت را به‌صورت تصویری بازآفرینی کند».
شاید فقدان معلمان خوب نقاشی رنگ روغن، نگرش محتاطانه نسبت به احساسات و طبیعت گرایی ذاتی بسیاری از آمریکایی های آن سال ها، به توضیح ماهیت تا حدودی ابتدایی آثار پورتر، ناهنجاری، سفتی چهره های او، طبیعت ایستا آنها کمک کند.
و تنها در آثار بعدی او شروع به عبور از مرز بین امپرسیونیسم و فوویسم می کند، نقاشی او آزادتر می شود، رنگ ها روشن تر می شوند و نور بیشتری در آثارش وجود دارد.
ادوارد هاپر(1882-1967) در Nyack، یک مرکز قایق‌سازی در رودخانه هادسون، در یک خانواده ثروتمند هلندی تبار به دنیا آمد. استعداد هنری هاپر در سن 5 سالگی خود را نشان داد؛ والدینش عشق به هنر فرانسوی و روسی را در او القا کردند و اشتیاق او را به نقاشی و علایق متنوع تشویق کردند.
هاپر در قلم و جوهر، زغال چوب، آبرنگ، روغن و لیتوگرافی، نقاشی پرتره و مناظر دریایی، کارتون های سیاسی و نقاشی هایی از زندگی کار می کرد. در آثار هاپر می توان تأثیرات رابرت هنری، یکی از معلمان او، و مانه و دگا را تشخیص داد.
ویلیام چیس و رامبراند، به ویژه "نگهبان شب" او، و در حالی که در پاریس زندگی می کرد و صحنه هایی را در خیابان ها، کافه ها و تئاترها نقاشی می کرد، همچنان در سنت هنر رئالیستی باقی ماند، اگرچه برخی از محققان به دلیل روشن بودن کار او را به دقت گرایی نسبت می دهند. ، خطوط واضح مشخصه کار او.اشکال هندسی، مکانیکی، عقیمی و خالی بودن فضا.
او می‌گوید: «چیز مورد علاقه‌اش در نقاشی نور خورشید روی دیوار خانه است». در طول رکود بزرگ، هاپر شانس بیشتری نسبت به بسیاری از هنرمندان دیگر داشت - او به نمایشگاه سالانه خود ادامه داد و در بقیه عمرش فروش خوبی داشت.
آثار او نه تنها هنرهای تجسمی، بلکه سینما را نیز با ترکیبات سینمایی و استفاده دراماتیک از نور و تاریکی تحت تاثیر قرار داد.
پل کادموس(1904-1999)، نماینده جنبش "رئالیسم جادویی"، عناصر اروتیسم و نقد اجتماعی را در آثار خود ترکیب کرد.
به لطف نقوش آشکار همجنسگرایانه در نقاشی‌ها و به تصویر کشیدن چهره‌های برهنه مرد، شهرت رسوائی به دست آورد.
او در یک خانواده فقیر هنرمند به دنیا آمد، پدرش پسر را تشویق کرد که طراحی کند و در 14 سالگی وارد دوره‌های آکادمی ملی طراحی و سپس آکادمی شد. او با دوستانش بسیار سفر کرد، بوم های بزرگی را نقاشی کرد که منعکس کننده برداشت های خود از اروپا بود، نقاشی های چند پیکره ای از زندگی ماهیگیران، ملوانان، صحنه هایی از زندگی شهری کشید.
و پس از ملاقات با کرستن امپرساریو و باله‌مان، کادموس شروع به تولید آثار زیادی در زمینه‌های باله کرد که عمدتاً رقصندگان را به تصویر می‌کشیدند.
پل کادموس عمری طولانی داشت و در سن 95 سالگی در آغوش دوست و مدل همیشگی اش که در 35 سال آخر عمرش در کنارش بود، درگذشت. کادموس دوست داشت سخنان اینگرس را تکرار کند: «مردم می گویند نقاشی های من برای این زمان مناسب نیست. شاید آنها اشتباه می کنند و من تنها کسی هستم که همگام با زمانه است.»
ایوان (ایوان) آلبرایت(1897-1983)، یکی از مشهورترین نمایندگان رئالیسم جادویی، به همراه برادر دوقلوی خود در خانواده ای هنرمند به دنیا آمد.
برادران در بیشتر عمر خود جدایی ناپذیر بودند، هر دو در مؤسسه هنر شیکاگو تحصیل کردند، برادر مالوین مجسمه ساز شد و ایوان نقاش شد، اما به عنوان یک معمار شروع کرد و در طول جنگ جهانی اول نقشه های پزشکی برای یک بیمارستان کشید. در نانت او همیشه در مورد کار خود بسیار خواستار بود، تمام جزئیات را با دقت می نوشت و بسیاری از آثار خود را به موضوعات پیچیده ای مانند زندگی و مرگ، مادیات و روحیه، تأثیر زمان بر ظاهر و دنیای درونی یک شخص اختصاص می داد.
چنین کارهایی به زمان زیادی نیاز داشت و بنابراین فروش نادر بود؛ بسیاری از نقاشی ها در مالکیت او باقی ماندند. آلبرایت رنگ ها و زغال های خود را می ساخت و به نور وسواس زیادی داشت تا جایی که لباس های مشکی می پوشید و استودیو خود را سیاه رنگ می کرد تا از تابش خیره کننده جلوگیری کند.
او به شیوه ای واقع گرایانه اما با جزئیات اغراق آمیز نقاشی می کرد، او عاشق تماشای گذر زمان بود و بیش از 20 سلف پرتره را در 3 سال آخر زندگی خود به تنهایی برای بازتاب تغییراتی که در یک فرد رخ می دهد، نقاشی کرد.
جورج کلر توکرجونیور (1920-2011) که آثارش نشان دهنده جهت گیری های رئالیسم سوسیالیستی و رئالیسم جادویی است، در خانواده ای با ریشه های انگلیسی-فرانسوی-اسپانیایی-کوبایی و آمریکایی متولد شد و به اصرار والدینش در هاروارد ادبیات انگلیسی خواند. اما بیشتر وقت خود را به نقاشی اختصاص داد.
پس از خدمت در سپاه تفنگداران دریایی، که به دلیل وضعیت نامناسب سلامتی از آنجا مرخص شد، در دوره های لیگ دانشجویان هنر شرکت کرد، در تخم مرغ بسیار کار کرد و هنر رنسانس ایتالیا را تحسین کرد.
نقاشی‌های توکر صحنه‌هایی از زندگی روزمره آمریکایی را به تصویر می‌کشند، شخصیت‌های انسانی در آنها اغلب هویت نژادی یا جنسی خاصی ندارند و بیانگر تنهایی، انزوا و گمنامی هستند.
او توجه زیادی به رعایت تناسبات هندسی و تقارن داشت، به همین دلیل او بسیار آهسته نقاشی می کرد - بیش از دو نقاشی در سال. از اولین نمایشگاه بزرگ خود در سال 1951، توکر به طور مداوم و موفقیت آمیز به نمایش گذاشته است و آثار او در موزه های بزرگ آمریکا وجود دارد.
پیتر بلوم(پیتر بلوم) - (1906-1992)، هنرمند و مجسمه ساز، که آثار او حاوی عناصری از دقت، خالص گرایی، کوبیسم، سوررئالیسم و هنر عامیانه است. او در روسیه در یک خانواده یهودی متولد شد که در سال 1912 به آمریکا مهاجرت کردند و در بروکلین ساکن شدند.
او پس از تحصیل هنر در موسسات آموزشی مختلف، استودیوی خود را تحت حمایت خانواده راکفلر افتتاح کرد. مانند بسیاری از معاصران رئالیست خود، او از طرفداران رنسانس بود، به اطراف ایتالیا سفر کرد، اولین نقاشی او که در سال 1934 به رسمیت شناخته شد، "شهر ابدی" بود که در آن می توان تصویر موسولینی را مانند یک جک تشخیص داد. در جعبه، از کولوسئوم بیرون آمده است.
آثار او که اغلب تخریب را به تصویر می کشند، با این وجود می توانند به عنوان نمادهای بازسازی و تجدید پس از جنگ جهانی دوم تفسیر شوند، همانطور که سنگ ها، تیرهای جدید و پیکره های کارگران نشان می دهد.
سبک هنری بلوم ترکیب جالبی از جنبش های هنری مختلف هنر آمریکایی و اروپایی بود، او را "هنرمند داستان پری" می نامند.
اندرو نیول وایت(1917-2009)، نماینده سبک عمدتاً منطقه‌ای در رئالیسم، در خانواده تصویرگری متولد شد که به رشد استعدادهای پنج فرزند خود توجه داشت و به آنها ادبیات خوب، موسیقی و مطالعه طبیعت را آموزش می‌داد. خود پدر به فرزندانش در خانه آموزش می داد و همه آنها با استعداد بودند: هنرمندان، موسیقیدان، آهنگساز، مخترع.
خانه آنها مکانی خلاقانه بود که اغلب افراد مشهوری مانند اسکات فیتزجرالد و مری پیکفورد از آن بازدید می کردند. خود وایت، به اندازه کافی عجیب، خود را یک انتزاع گرا می دانست و به آگاهی از معنای عمیق در اشیاء ساده اهمیت زیادی می داد؛ مضامین مورد علاقه او در نقاشی هایش زمین و مردم اطرافش بودند.
معروف ترین نقاشی او، دنیای کریستینا، دختری را از مزرعه همسایه، معلول فلج اطفال، به تصویر می کشد که به تنهایی به سمت خانه ای در دوردست می خزد.
هلگا تستورف 247 نقاشی و طراحی را به یک زن تقدیم کرد؛ او او را در موقعیت ها و حالات عاطفی مختلف مورد مطالعه قرار داد که تجربه ای بی نظیر در هنر آمریکایی است.
اگرچه وایت آثار بسیار عالی از لحاظ فنی تولید کرد و طرفداران زیادی داشت، هنر او بحث برانگیز تلقی می شود و روزنبلوم منتقد هنری او را به عنوان "بی ارزش ترین و دست کم گرفته شده ترین هنرمند" توصیف می کند.
گرانت وود(1891-1942)، یکی از مشهورترین نمایندگان منطقه گرایی، در آیووا به دنیا آمد، پدرش را زود از دست داد، در یک فروشگاه سخت افزار کار کرد، در مدرسه هنر تحصیل کرد و سپس در موسسه هنر شیکاگو.
گرانت جوان 4 بار برای مطالعه سبک های نقاشی با توجه ویژه به امپرسیونیسم و پست امپرسیونیسم به اروپا سفر کرد، اما آثار ون ایک را تحسین کرد و آرزو داشت روش های مدرن و وضوح، دقت و عمق هنر قرون وسطی را در کار خود ترکیب کند. .
بیخود نیست که مشهورترین نقاشی او «گوتیک آمریکایی» نام دارد؛ این نقاشی نمای سنتی قرن نوزدهم از نقش مردان و زنان در آمریکا را منعکس می کند؛ این نقاشی به طور مبهم مورد استقبال قرار گرفت، برخی آن را یک کاریکاتور دانستند و روزنامه ها آن را تقلید کردند. به روش های مختلف
وود بعدها در حین تدریس هنر در دانشگاه آیووا به یکی از چهره های کلیدی جامعه فرهنگی دانشگاه تبدیل شد، اما به دلیل شایعه رابطه همجنسگرایانه او با منشی شخصی اش، وود از کار برکنار شد و به زودی بر اثر سرطان پانکراس درگذشت.
توماس هارت (هارت) بنتون(1889-1975) در خانواده ای سیاستمدار به دنیا آمد، پدرش که سرهنگ، وکیل و بشردوست بود، چهار بار به عضویت کنگره انتخاب شد. پدر دوست داشت پسرش راه او را ادامه دهد، اما پسر به هنر علاقه داشت، مادرش از انتخاب او حمایت کرد و او وارد موسسه هنر شیکاگو شد و سپس برای ادامه تحصیل در آکادمی جولیان به پاریس رفت.
با بازگشت به آمریکا و ادامه نقاشی، در طول جنگ جهانی اول در نیروی دریایی ایالات متحده خدمت کرد و روی تصاویر استتار کشتی ها و کارخانه های کشتی سازی کار کرد که به تصاویر مستند واقعی نیاز داشت و بعداً بر سبک او تأثیر گذاشت. در اوایل دهه 1920، بنتون خود را "دشمن مدرنیسم" معرفی کرد، به یکی از نمایندگان برجسته منطقه گرایی تبدیل شد و به دیدگاه های "چپ" پایبند بود.
او به ال گرکو علاقه مند شد، تأثیر کار او در کار بر روی نقاشی های دیواری عظیم که مراحل و رویدادهای مختلف زندگی کشور را به تصویر می کشد قابل مشاهده است.
بنتون در لیگ دانشجویان هنر در نیویورک تدریس کرد، بسیاری از شاگردان او به هنرمندان مشهوری تبدیل شدند (هاپر، پولاک، مارش)، اما به دلیل اظهارات محکوم کننده در مورد تأثیر ناروا همجنس گرایان در دنیای هنر اخراج شد. پس از جنگ جهانی دوم، منطقه گرایی به عنوان یک جنبش ارتباط خود را از دست داد، بنتون به نقاشی دیواری ادامه داد.
حدود 30 سال دیگر فعالانه کار کرد، اما دیگر محبوبیت سابق خود را نداشت.
جان استوارت کری(1897-1946) در مزرعه ای در کانزاس به دنیا آمد، از حیوانات مراقبت می کرد، به ورزش های دو و میدانی علاقه داشت و از کودکی با بازتولید نقاشی های روبنس و دوره احاطه شده بود، که در انتخاب بعدی سبک هنری او نقش داشت.
جان در مؤسسه هنر شیکاگو تحصیل کرد، به عنوان تصویرگر مجله کار کرد و یک سال را در پاریس برای مطالعه آثار کوربه، دامیه، تیتان و روبنس گذراند. پس از بازگشت به ایالات متحده، مدتی در استودیوی خود کار کرد، با سیرک سفر کرد، به عنوان اولین هنرمند در دانشگاه ویسکانسین-مدیسون منصوب شد و برای ترویج توسعه هنر در جوامع کشاورزی به سراسر کشور سفر کرد.
او نقاشی های دیواری برای وزارت دادگستری در واشنگتن و برای کاپیتول در کانزاس کشیده است. کری یکی از سه ستون (بنتون و وود) منطقه گرایی آمریکا بود که به ویژه در دوران رکود بزرگ بسیار مهم بود.
او صحنه هایی از کار، خانواده و زمین و برخورد با بلایای طبیعی را به تصویر کشید تا استقامت، سخت کوشی و ایمان مردم را به جهانیان نشان دهد که کری معتقد بود جوهره زندگی آمریکایی هاست.
صادقانه بگویم، من به طور کلی از هنرمندان رئالیست الهام نمی‌گیرم؛ من تا حدودی به کار نمایندگان منفرد رئالیسم جادویی (کادموس، بلوم، هاپر) علاقه دارم، اما به طور کلی این دوره در هنر آمریکا به من نزدیک نیست. ، چه می توانم بکنم.
قسمت بعدی و پایانی به هنر معاصر آمریکا اختصاص دارد. پایان دنبال می شود ...
مثل همیشه، یک نمایش اسلاید با تصاویر بیشتر و موسیقی خوب:
* رئالیسم جادویی- به عنوان یک جنبش هنری، رئالیسم جادویی در خاک آمریکا توسعه یافت و معادل سوررئالیسم اروپایی شد. آثار استادان رئالیسم جادویی از بسیاری جهات مطابق با ذائقه و نیازهای مخاطب آمریکایی، ماهیت تکان دهنده ای داشتند و در صراحت خود تکان دهنده بودند و در عین حال با ماهیت حکایتی موقعیت ها و کاریکاتور شخصیت ها ترکیب می شدند؛ واقعیت. بیشتر شبیه یک رویای بی قرار یا هذیان توهم بود.
**دقت گرایی، یا preciginism (دقت انگلیسی - دقت ، وضوح) - جهت مشخصه نقاشی آمریکایی دهه 30 ، نوعی رئالیسم جادویی. موضوع اصلی برای دقیق گرایان تصویر شهر است، موضوع اصلی زیبایی شناسی مکانیکی است، فضای نقاشی ها استریل است، احساس می شود هوا از آنها بیرون زده شده است، هیچ فردی در آن نیست.
***منطقه گرایییا منطقه گرایی (از انگلیسی منطقه ای - محلی) - یک جنبش هنری در هنر ایالات متحده 1920-1940، که بر اساس تمایل به ایجاد هنر واقعاً آمریکایی در مقابل جنبش های آوانگارد که از اروپا می آمدند. هنرمندان منطقه‌گرا با الهام از ایده‌های هویت ملی، بر ترسیم آمریکای «اصیل» تمرکز کردند. مضامین آثار آنها شامل مناظر آمریکایی، صحنه هایی از زندگی کشاورزان، زندگی شهرهای کوچک، قسمت هایی از تاریخ، افسانه های محلی و داستان های فولکلور بود.