هنرمندان قرن هفدهم و نقاشی های آنها. هنرمندان روسی انتزاعی قرن هفدهم. تازگی در پرتره

09.07.2019

در تاریخ هنر روسیه، قرن هفدهم دوره مبارزه دو مکتب نقاشی و شکل گیری ژانرهای جدید بود. کلیسای ارتدکس هنوز تأثیر زیادی بر زندگی فرهنگی انسان داشت. هنرمندان نیز با محدودیت هایی در فعالیت خود مواجه شدند.

شمایل نگاری

در اواخر قرون وسطی، مرکز تمرکز هنرمندان و صنعتگران در روسیه کرملین یا بهتر است بگوییم اسلحه خانه بود. بهترین استادان معماری، نقاشی و دیگر انواع خلاقیت در آنجا کار می کردند.

با وجود پیشرفت سریع هنر در سراسر اروپا، نقاشی در روسیه در قرن هفدهم تنها دارای یک ژانر بود - نقاشی آیکون. هنرمندان مجبور شدند تحت نظارت دقیق کلیسا خلق کنند که به شدت با هرگونه نوآوری مخالف بود. نقاشی شمایل روسی تحت تأثیر سنت های نقاشی بیزانس شکل گرفت و تا آن زمان به وضوح قوانین را شکل داده بود.

نقاشی، مانند فرهنگ روسیه در قرن هفدهم، نسبتاً مستقل بود و بسیار کند توسعه یافت. با این حال، یک رویداد منجر به اصلاح کامل ژانر نقاشی شمایل شد. در آتش سوزی در سال 1547 در مسکو، بسیاری از نمادهای باستانی سوختند. بازگرداندن گمشده ضروری بود. و در این روند، مانع اصلی اختلاف بر سر ماهیت چهره های مقدسین بود. نظرات تقسیم شد، پیروان سنت های قدیمی معتقد بودند که تصاویر باید نمادین باقی بمانند. در حالی که هنرمندان دیدگاه های مدرن تر طرفدار واقع گرایی بیشتر به مقدسات و شهدا بودند.

به دو مدرسه تقسیم می شود

در نتیجه، نقاشی در روسیه در قرن 17 به دو اردو تقسیم شد. اولین شامل نمایندگان مدرسه "گودونوف" (از طرف بوریس گودونوف) بود. آنها به دنبال احیای سنت های آیکون نگاری آندری روبلف و دیگر استادان قرون وسطی بودند.

این استادان بر اساس دستورات دربار سلطنتی کار می کردند و جنبه رسمی هنر را نمایندگی می کردند. از ویژگی‌های بارز این مکتب، چهره‌های متعارف قدیسان، تصاویر ساده‌شده انبوهی از مردم به شکل سرهای متعدد، رنگ‌های طلایی، قرمز و سبز آبی بود. در عین حال می توان به تلاش هنرمندان برای انتقال مادی بودن برخی از اشیا توجه کرد. مدرسه گودونوف بیشتر به خاطر نقاشی های دیواری خود در اتاق های کرملین، در کلیسای جامع اسمولنسکی، کلیسای جامع ترینیتی شناخته شده است.

مکتب مخالف «استروگانف» بود. این نام مربوط به بازرگانانی استروگانوف است که بیشتر سفارشات برای آنها انجام می شد و به عنوان "حامیان مالی" در توسعه نقاشی در روسیه در قرن هفدهم عمل می کردند. به لطف استادان این مدرسه بود که پیشرفت سریع هنر آغاز شد. آنها اولین کسانی بودند که نمادهای مینیاتوری برای نماز خانه درست کردند. این به گسترش آنها در بین شهروندان عادی کمک کرد.

استادان استروگانف بیشتر و بیشتر از قوانین کلیسا فراتر رفتند و شروع به توجه به جزئیات محیط ، ظاهر مقدسین کردند. و بنابراین چشم انداز به آرامی شروع به توسعه کرد. نمادهای آنها رنگارنگ و تزئینی بود و تفسیر شخصیت های کتاب مقدس به تصاویر افراد واقعی نزدیک تر بود. مشهورترین آثار باقی مانده نمادهای "نیکیتا جنگجو"، "جان باپتیست" هستند.

نقاشی های دیواری یاروسلاول

یک بنای تاریخی منحصر به فرد در تاریخ نقاشی قرن هفدهم در روسیه، نقاشی های دیواری کلیسای پیامبر الیاس در یاروسلاول است که هنرمندانی از اسلحه خانه روی آن کار می کردند. یکی از ویژگی های این نقاشی های دیواری صحنه هایی از زندگی واقعی است که بر داستان های کتاب مقدس غالب است. به عنوان مثال، در صحنه با شفا بخش اصلی ترکیب توسط تصویر دهقانان در هنگام برداشت محصول اشغال شده است. این اولین تصویر تاریخی در ژانر داخلی بود.

در میان این نقاشی های دیواری می توان صحنه های افسانه ای و اسطوره ای را یافت. آنها با رنگ های روشن و معماری پیچیده خود شگفت زده می شوند.

سیمون اوشاکوف

در هر مرحله از توسعه فرهنگی کشور افراد مهمی ظاهر می شوند. شخصی که نقاشی را در قرن هفدهم در روسیه در جهتی جدید ترویج داد و به رهایی بخشی از آن از ایدئولوژی مذهبی کمک کرد سیمون اوشاکوف بود.

او نه تنها یک نقاش دربار بود، بلکه یک دانشمند، معلم، متکلم، مردی با دیدگاه های گسترده بود. سیمون شیفته هنر غربی بود. او به ویژه به تصویرسازی واقع گرایانه از چهره انسان علاقه مند بود. این به وضوح در اثر او "نجات ساخته دست ساخته نشده" دیده می شود.

اوشاکوف یک مبتکر بود. او اولین هنرمند روسی بود که از رنگ روغن استفاده کرد. به لطف او، هنر حکاکی روی مس شروع به توسعه کرد. او که به مدت سی سال هنرمند اصلی اسلحه خانه بود، بسیاری از شمایل ها، حکاکی ها و همچنین چندین رساله نوشت. از آن جمله می توان به «کلامی به عاشق آیکون نگاری» اشاره کرد که در آن افکار خود را بیان کرد که هنرمند باید مانند یک آینه، جهان اطراف خود را صادقانه منعکس کند. او این را در نوشته هایش دنبال می کرد و به شاگردانش می آموخت. در یادداشت‌های او به یک اطلس تشریحی اشاره شده است که می‌خواست آن را بنویسد و با حکاکی نشان دهد. اما ظاهراً منتشر نشد یا حفظ نشد. شایستگی اصلی استاد این است که او پایه های پرتره قرن هفدهم را در روسیه گذاشت.

پارسونا

پس از تحولات چشمگیر در نقاشی شمایل، ژانر پرتره شروع به شکل گیری کرد. در ابتدا به سبک نقاشی شمایل اجرا می شد و «پارسونا» (از لاتین - شخص، شخصیت) نامیده می شد. هنرمندان بیشتر و بیشتر با طبیعت زنده کار می کنند و پارسون ها واقع بینانه تر می شوند و چهره های روی آنها حجم می یابد.

پرتره های بوریس گودونوف، تزارها الکسی میخایلوویچ، فئودور آلکسیویچ، تزارین ها اودوکیا لوپوخینا، پراسکویا سالتیکوا به این سبک نقاشی شده اند.

معروف است که هنرمندان خارجی نیز در دربار کار می کردند. آنها همچنین کمک زیادی به تکامل نقاشی روسی کردند.

گرافیک کتاب

چاپ نیز نسبتاً دیر به سرزمین های روسیه آمد. با این حال، به موازات توسعه آن، حکاکی هایی که به عنوان تصویرسازی استفاده می شد نیز محبوبیت پیدا کرد. تصاویر هم ماهیت مذهبی و هم خانگی داشتند. مینیاتور کتاب آن دوره با تزئینات پیچیده، حروف تزیینی و تصاویر پرتره نیز متمایز است. استادان مدرسه استروگانوف سهم بزرگی در توسعه مینیاتورهای کتاب داشتند.

نقاشی در روسیه در قرن هفدهم از یک نقاشی بسیار معنوی به یک نقاشی سکولارتر و نزدیک به مردم تبدیل شد. با وجود مخالفت رهبران کلیسا، هنرمندان از حق خود برای خلق در ژانر رئالیسم دفاع کردند.

در اواخر قرن شانزدهم و هفدهم، دو گرایش هنری در نقاشی ایتالیایی پدیدار شد: یکی با هنر کاراواجو مرتبط است، دومی با کار برادران کاراچی. فعالیت های این استادان نه تنها تا حد زیادی ماهیت نقاشی ایتالیایی را تعیین کرد. اما بر هنر تمام مکاتب هنری اروپایی قرن هفدهم نیز تأثیر گذاشت.

جوهر اصلاحات کاراواجو شناخت کاملاً بی قید و شرط ارزش زیبایی شناختی واقعیت بود که او به تصویر کشیدن آن در نقاشی خود روی آورد. آزمایشات کاراواجو در مراحل اولیه خلاقیت یکی از منابع توسعه ژانر نقاشی روزمره در هنر قرن هفدهم است، به عنوان مثال، نقاشی "فالگیر".

کاراواجو "فالگیر"

با این حال، در نقاشی روی موضوعات سنتی، کاراواجو به خود وفادار می ماند - او تاریخ مقدس را به زبان عامیانه "ترجمه" کرد. هنر Caravaggio منجر به یک روند کلی شد - کارواژیسم، که نه تنها در ایتالیا، بلکه در اسپانیا، فلاندر، هلند و فرانسه نیز رواج یافت.

کاراواگیست ها هم پیروان واقعی هستند که جوهر اصلاحات کاراواجو را درک کرده اند (اورازیو جنتیلسکی، جیووانی سرودین)، و هم مقلدان متعددی که انگیزه ها و تکنیک ها را از آثار هنرمند به عاریت گرفته اند.

در ایتالیا در قرن هفدهم، شکل آشکار باروک، با حس ذاتی «طبیعی بودن»، به نظر می‌رسید که مرز بین توهم و واقعیت را محو کند. کلاسیک گرایی و رئالیسم، گرایش های مشخصه آن دوران، در تقابل با سبک باروک یا سایر اجزای این سبک بود. نقاش بزرگ منظره سالواتور روزا، الساندرو ماگناسکو، جیووانی سرودین، دومنیکو فتی - این لیست کاملی از پیروان کاراواجو نیست.

نقاش ایتالیایی میکل آنژ مریسی دا کاراواجو (1573-1610) بزرگترین استاد هنر رئالیستی قرن هفدهم است. او به وارث واقعی رنسانس تبدیل می شود، در هنر شورشی است و در زندگی شجاعانه قوانین آکادمیک را می شکند. او در تصویر کار اولیه‌اش «فال‌گو»، زنی با ژاکت سفید را توصیف می‌کند که سرنوشت مرد جوانی را پیش‌بینی می‌کند که لباسی ابریشمی و کلاهی با پر شترمرغ به تن دارد.

قهرمانان این هنرمند مردم عادی هستند، او سعی می کند آنها را لباس های زیبا بپوشاند و تا حد امکان آنها را زیبا کند. در تابلوی کاراواجو با عنوان «عرض مریم»، حواریون، دلشکسته و دور مادر خدای فقید جمع شده اند، اول از همه جلب توجه می کنند. ویرجین در لباس‌های قرمز مایل به قرمز دراز کشیده است، دست‌هایش لنگی افتاده است، چشمانش بسته است، ظاهری رنگ پریده، که توسط رنگ مایل به قرمز به کار رفته، که نمونه‌ای از آثار کاراواجو است، تأکید می‌کند.

کسانی که برای وداع با آن مرحوم آمده بودند در اتاق شلوغ بودند. سرهای کچل مردان در سکوت غم انگیز خم شده اند، برخی غمگین، اشک را پاک می کنند. دختری غمگین روی صندلی کوچکی نشسته است. از غم شکسته سرش را در دستانش گرفت و گریست.

بازتولید کاراواجو مرگ مریم

جالب‌تر از همه، کارواگیست جیووانی سرودین (1600-1630) است. این مرد جوان که در شمال ایتالیا به دنیا آمد، در رم تحصیل کرد و تحت تأثیر کارواگیسم قرار گرفت، سبک نقاشی خود را توسعه داد.

در مسیح در حال موعظه در معبد، نور خشن پالت رسا سرودین را نمایان می کند که رنگ های مایل به قهوه ای و قرمز بر آن غالب است. اثر نورپردازی دراماتیک نقاشی های رامبراند را پیش بینی می کند. سرودین با ضربات سریع و قوی رنگ می کند و به تصاویرش شدت دراماتیکی می بخشد و رنگ و نور وحدت تصویری ارگانیک می بخشد.

در کنار هنر رئالیستی سبک کاراواجو، پدیده هنری دیگری نیز در قرن هفدهم پدیدار شد، مانند آکادمیزم بولونیا، که در ارتباط نزدیک با شکل گیری سبک جدیدی در معماری و نقاشی - باروک - پدید آمد. هنرمندان در این امر موفق شدند - برادران آگوستینو و آنیبال کاراچی و برادر آنها لودوویکو کاراچی. برادران سعی کردند از میراث رنسانس استفاده کنند، آنیبال کاراچی به ویژه با استعداد بود. او در واقع شخصیت پیشرو در جریان جدید بود. Annibale Caracci یک هنر تاریخی باشکوه خلق کرد که به ویژه در نقاشی‌های کلیساها، کاخ‌ها و محراب‌ها استفاده می‌شد. نوع جدیدی از نقاشی محراب در حال ایجاد است، به عنوان مثال، مدونا به سنت لوک ظاهر می شود.

بازتولید آنیبال کاراچی "مدونا در حضور سنت لوک".

هنرمند توسکانی Orazio Gentileschi (1565-1639)، که در پیزا به دنیا آمد، برای همیشه ویژگی های فرهنگ توسکانی را حفظ کرد: علاقه به پارچه های پیچیده، فرم های شفاف و رنگ های سرد. او همچنین مقلد کاراواجو بود، اما توجه بیشتری به رندر زیبای تصاویر داشت، به عنوان مثال، در نقاشی "استراحت در پرواز به مصر"

عکس نقاشی اورازیو جنتیلسکی "استراحت در پرواز به مصر"

جستجوهای ژانر واقع گرایانه به وضوح در آثار هنرمند دومنیکو فتی (1589-1623) بیان شد. فتی هم به کارواژیسم واقع گرایانه و هم به نقاشی باروک ادای احترام کرد. در آثار او تأثیر نقاشان ونیزی روبنس و نقاش منظره الشایمر بیشتر به چشم می خورد. خود فتی به عنوان یک رنگ‌شناس عالی ظاهر شد و با حرکات ارتعاشی کوچک و بوم‌های رنگارنگ سبز مایل به آبی و خاکستری مایل به قهوه‌ای نقاشی می‌کرد. او بیشتر به نوشتن تصاویر ژانر-غزلی تمایل دارد و تصاویر مذهبی را تفسیر می کند، مثلاً در نقاشی "مثال دراخمی گمشده".

تکثیر نقاشی «مثل دراخمای گمشده» اثر دومنیکو فتی.

هنرمند به سادگی و شاعرانه از تمثیل درهم گمشده می گوید. در یک اتاق تقریباً خالی، زن جوانی در سکوت در جستجوی یک سکه تعظیم کرد. یک لامپ کوچک که روی زمین قرار می گیرد، شکل و بخشی از اتاق را روشن می کند، در حالی که یک سایه نوسان عجیب و غریب بر روی زمین و دیوار ایجاد می کند. در مرزهای تماس نور و سایه، رنگ های طلایی، سفید و قرمز نقاشی روشن می شود. به نظر می رسد که تصویر با غزلی ملایم گرم شده است.

نام سالواتوره رزا از ناپل (1615-1673) اغلب با ایده هایی در مورد مناظر به اصطلاح رمانتیک و به طور کلی در مورد جهت مشخص "عاشقانه" در نقاشی قرن هفدهم همراه است.

کار زیبای سالواتور روزا بسیار ناهموار و متناقض است. او در ژانرهای مختلفی کار کرد - تاریخی، پرتره، نبرد و منظره، و همچنین نقاشی هایی با موضوعات مذهبی کشید. بسیاری از آثار او، به قولی، وابسته به هنر آکادمیک هستند. برخی دیگر بر اشتیاق کاروازی شهادت می دهند. به عنوان مثال، نقاشی "پسر ولگرد" است که یک چوپان جوان زانو زده را در کنار گوسفند و یک گاو نشان می دهد. پاشنه های کثیف پسر ولگرد زانو زده، که درست در پیش زمینه به تصویر کشیده شده است، بسیار یادآور ترفندهای کاراواجو است.

عکس نقاشی سالواتور روزا "پسر ولگرد"

توصیف رمانتیک مناظر و صحنه‌های ژانر در آثار رز، به قولی، مخالفت با نقاشی رسمی آکادمیک باروک بود.

فعالیت خلاقانه برادران کاراچی هنرمندان جوانی را در بولونیا و رم به سمت آنها جذب کرد که ایده های کاراچی را در نقاشی های یادبود-تزیینی و منظره ادامه دادند. از شاگردان و همکاران او، مشهورترین آنها گیدو رنی و دومینیچینو هستند. در آثار آنها، سبک آکادمیک بولونیا به قدیس نهایی خود می رسد.

گویدو رنی (1575-1642) به عنوان نویسنده بسیاری از آثار مذهبی و همچنین اساطیری، با مهارت اجرا شده، اما کسل کننده و احساساتی شناخته شده است. نام این هنرمند با استعداد مترادف با هر آنچه در نقاشی آکادمیک بود، خسته کننده، بی جان و دروغ شده است.

عکس نقاشی گویدو رنی "شفق قطبی".

این ترکیب زیبا، پر از ظرافت و حرکت نور، در طیف سرد نقره ای خاکستری، آبی و طلایی رنگ آمیزی شده است و به خوبی نشان دهنده پیچیدگی و مرسوم بودن سبک رنی است که بسیار متفاوت از خشن بودن خشن و رنگ های غنی حسی است. تصاویری از برادران کاراچی

ویژگی های عناصر کلاسیک به طور کامل در کار نماینده دیگری از آکادمیزم بولونیا، Tsampieri Domenico یا Domenichino (1581 - 1641) منعکس شده است. به عنوان شاگرد Annibale Carracci، او در نقاشی گالری‌های Farnese به او کمک کرد؛ دومینیچینو به خاطر چرخه‌های نقاشی دیواری معروف خود در رم و ناپل شهرت داشت. بیشتر آثار او از کارهای دیگر هنرمندان سبک آکادمیک کمی متمایز است. فقط آن نقاشی هایی که فضای بیشتری به مناظر داده می شود از طراوت شاعرانه خالی نیستند، مثلاً شکار دایانا.

عکس نقاشی دومنیچینو "شکار دیانا"

این هنرمند در تصویر رقابتی از پوره ها را در دقت تیراندازی به تصویر کشیده است، همانطور که در Aeneid توسط شاعر روم باستان ویرجیل توصیف شده است. قرار بود یک تیر به درخت برخورد کند، دیگری - به یک روبان، و سومی - به یک پرنده در حال پرواز. دیانا، مهارت های خود را نشان داد و شادی خود را پنهان نمی کند و کمان و لرزش خود را در هوا تکان می دهد.

ایتالیا که در دوران رنسانس نقش پیشرو در نقاشی، معماری و فرهنگ کشورهای اروپای غربی داشت، تا پایان قرن هفدهم به تدریج آن را از دست داد. اما برای مدت طولانی او توسط همه به عنوان گرایش دهنده ذوق هنری شناخته شد و برای چندین قرن جمعیت زیادی از زائران هنری وارد ایتالیا شدند، در حالی که مدارس قدرتمند جدید در عرصه هنری کشورهای اروپایی ظاهر شدند.

پیوندها:

از: Maksimenko V., 38842 بازدید

محتوا
معرفی

1.1. رامبراند هارمنز ون راین - بزرگترین هنرمند هلندی قرن هفدهم
1.2. روبنس پیتر پل
1.3. نقاش فرانسوی نیکلاس پوسین
فصل دوم هنرمندان روسی قرن هفدهم
2.1. زوبوف الکسی فدوروویچ (1682-1750)
2.2. نیکیتین ایوان نیکیتیچ (1680-1742)
نتیجه
کتابشناسی - فهرست کتب

معرفی

نقاشی قرن هفدهم تحت تأثیر سبک باروک، که تا اواسط قرن هجدهم بر هنر اروپایی تسلط داشت، توسعه یافت. فلسفه جدید جهان که شامل قضاوت های تغییر یافته درباره وحدت، تنوع و بی نهایت جهان بود، تأثیر زیادی بر جهان بینی هنرمندان آن زمان گذاشت. شکوه و پویایی، شدت احساسات و ترحم، خودنمایی، واقعیت و توهم، تضادها و بازی نور، نقاشی این دوره را متمایز می کند.
قرن هفدهم تا حد زیادی در شکل گیری فرهنگ های ملی زمان جدید اهمیت داشت. در این زمان، فرآیند بومی سازی مدارس هنری تکمیل شد که تنوع آن عمدتاً توسط شرایط توسعه تاریخی و سنت های ایجاد شده در هر کشور خاص تعیین می شد. هنرمندان روسی قرن هفدهم عمدتاً به نقاشی شمایل مشغول بودند. هنرمندان اسپانیایی قرن هفدهم تحت ایدئولوژی دستورات رهبانی شکل گرفتند، بنابراین سفارشات اصلی آثار هنری از قلمرو معنوی بودند. هنرمندان ایتالیایی قرن هفدهم علوم مختلف را از نزدیک مطالعه کردند: علوم طبیعی، چشم انداز، آناتومی و غیره. آنها صحنه های مذهبی را در نقاشی ها به عنوان صحنه های سکولار به تصویر می کشیدند. در قسمت ها، آنها یاد گرفتند که شخصیت را منتقل کنند و احساسات عمیق یک فرد را آشکار کنند. نگاهی به «صلیب» نوشته آندره آ مانتنیا. هنرمندان هلندی قرن هفدهم با این واقعیت متمایز بودند که تقریباً همه انواع نقاشی در بین آنها غالب بود. این حرفه بسیار نادر بود، در میان اولین هنرمندان رقابت جدی وجود داشت. در هلند، نقاشی های هنرمندان قرن هفدهم خانه های نه تنها اعضای ثروتمند جامعه، بلکه صنعتگران و دهقانان عادی را نیز تزئین می کرد.
فصل اول هنرمندان خارجی قرن هفدهم
1.1 رامبراند هارمنز ون راین - بزرگترین هنرمند هلندی قرن هفدهم
اثر هنرمند هلندی رامبراند هارمنس ون راین (1606-1669) یکی از قله های نقاشی رئالیستی جهان است. رامبراند مضامین، پرتره ها و مناظر تاریخی، کتاب مقدس، اساطیری و روزمره را نقاشی می کرد. او بزرگترین استاد طراحی و قلمزنی در اروپا بود. ویژگی کار او میل به درک فلسفی از زندگی، صداقت نسبت به خود و مردم، علاقه به دنیای معنوی انسان است. ارزیابی اخلاقی وقایع و شخص، عصب اصلی هنر استاد است. این هنرمند به خوبی معنویت مدل و ماهیت دراماتیک رویداد را از طریق جلوه های کیاروسکورو منتقل کرد، زمانی که به نظر می رسد فضا در سایه ها، در گرگ و میش طلایی غرق شده است و پرتوی از نور چهره های فردی افراد، چهره های آنها را برجسته می کند. ژست ها و حرکات در این روش ساخت تصویری یک تصویر، رامبراند برابری نداشت (تنها کاراواجو ایتالیایی می تواند در مهارت استفاده از کیاروسکورو با او رقابت کند). همانطور که اغلب در تاریخ هنر اتفاق می افتد، با وجود استعداد درخشان، رامبراند در فقر و تنهایی مرد، استادی فراموش شده و بی فایده. اما آثار او قرن ها ادامه دارد، بنابراین بدون اغراق می توان گفت که رامبراند یکی از بزرگترین هنرمندان تاریخ هنر جهان است. بسیاری او را یک نقاش بی‌نظیر، حتی بزرگ‌تر از رافائل یا لئوناردو می‌خوانند. به نظر می رسد که آثار او توسط سنت ها و جزمات هنر پروتستان هلندی محدود شده بود، زیرا او هرگز به خارج از هلند سفر نکرد. و با این حال، رامبراند نه تنها از تکنیک درخشان نقاشی لذت می برد، بلکه با کار خود مکاشفه ای را نیز آشکار می کند: هیچ کس تا به حال از احساسات ساده انسانی اینقدر عمیق، لطیف، جالب و نافذ صحبت نکرده است. او در صحنه های تاریخی و کتاب مقدس خود، در پرتره هایی که از معاصرانش می گیرد، به اعماق بیان روانی می رسد. خرد، شفقت و بصیرت او، به احتمال زیاد، نتیجه خودشناسی است: بارها، مانند هیچ کس دیگری، خودنگاره کشید و مسیر زندگی خود را به تصویر کشید که از دوران جوانی و موفقیت شروع می شد و به پیری ختم می شد. که غم ها و سختی ها را به همراه داشت. در حال حاضر بیش از صد سلف پرتره از رامبراند شناخته شده است که هر کدام شاهکار شگفت انگیزی هستند. به لطف شرایط تاریخی خوش شانس، روسیه اکنون یکی از غنی ترین مجموعه های نقاشی رامبراند را دارد. تقریباً همه آنها در موزه دولتی ارمیتاژ در سنت پترزبورگ نگهداری می شوند، از جمله شاهکارهای معروفی مانند "بازگشت پسر ولخرج"، "دانائه"، "پرتره ساسکیا در نقش فلورا"، "پرتره پیرمردی با لباس قرمز". "، "دیوید و اوریا"، و غیره. بیش از یک نسل از هنرمندان روسی بر روی نقاشی های رامبراند از ارمیتاژ مطالعه کردند. اگر فرصتی برای بازدید از ارمیتاژ ایالتی ندارید، شما را به گالری مجازی نقاشی های رامبراند دعوت می کنیم. در اینجا تقریباً تمام شاهکارهای معروف استاد را می بینید که توضیحات مفصلی در مورد بسیاری از آنها ارائه شده است. سفر خوبی به دنیای فریبنده یک هنرمند شگفت انگیز و شخص حساس - رامبراند داشته باشید.

1.2. پیتر پل روبنس

پیتر پل روبنس، 1577-1640 - نقاش و دیپلمات فلاندری. در 28 ژوئن 1577 در سیگن در وستفالیا در خانواده یان روبنس، وکیل آنتورپ به دنیا آمد. هنگامی که پیتر پل روبنس یازده ساله بود، پدرش درگذشت و مادرش با بچه ها به آنتورپ نقل مکان کرد. هنرمند آینده در یک مدرسه یسوعی تحصیل کرد. توانایی زبان (او به شش زبان صحبت می کرد) به او این امکان را داد که نه تنها بر میراث فرهنگی عصر خود تسلط یابد، بلکه در زمینه دیپلماتیک نیز به موفقیت چشمگیری دست یابد. روبنس با سه نقاش فلاندری - توبیاس ورهاخت، آدام ون نورت و اتو ون ون مطالعه کرد. در سال 1598 او در انجمن صنفی St. لوک در سال 1600 این هنرمند وارد ایتالیا شد. او در آنجا معماری و مجسمه سازی باستانی، نقاشی ایتالیایی، و همچنین نقاشی پرتره (عمدتا در جنوا) و مجسمه های محراب (در روم و مانتوا) را مطالعه کرد. در سال 1603، حامی ایتالیایی روبنس، ویچنزو گونزاگا، او را به عنوان بخشی از یک مأموریت دیپلماتیک به اسپانیا فرستاد. در سال 1608، روبنس نقاش دربار ایزابلا اتریش شد، در آنتورپ ساکن شد و در سال 1609 با ایزابلا برانت اشراف زاده ازدواج کرد. از این ازدواج سه فرزند به دنیا آمد. برای پاسخگویی به تقاضای روزافزون برای نقاشی هایش، روبنس در چند سال یک کارگاه بزرگ ایجاد کرد، جایی که A. van Dyck، Jacob Jordaens و F. Snyders در آن کار می کردند. او طرح هایی می ساخت که شاگردان و دستیارانش آن ها را روی بوم منتقل می کردند و سپس در پایان کار، نقاشی ها را کمی تصحیح می کردند. او حتی یک مدرسه حکاکی ترتیب داد تا کار خود را بیش از پیش گسترش دهد. نقاشی های روبنس در این سال ها پر از پویایی پرشور است. در میان توطئه ها، صحنه های شکار، نبردها، اپیزودهای انجیلی زنده و دراماتیک و صحنه هایی از زندگی قدیسان، ترکیبات تمثیلی و اساطیری غالب است. در آنها، روبنز از نوشتن بدن های پرانرژی و قدرتمندی که معاصرانش بسیار دوست داشتند، لذت می برد. علاوه بر سفارشات کلیساهای محلی و اشراف آنتورپ، این هنرمند از خارج از کشور، عمدتاً از انگلستان، سفارشاتی دریافت کرد. کارگاه بزرگی که او ساختمان آن را به سبک کاخ جنوا طراحی کرد (در سال‌های 1937-1946 بازسازی شد)، به زودی به مرکز اجتماعی و نقطه عطف آنتورپ تبدیل شد. در دهه 1620، روبنس برای خاندان سلطنتی فرانسه کار می کرد. او برای ماری دو مدیچی چرخه‌ای از تابلوهای تمثیلی درباره صحنه‌هایی از زندگی او نوشت و ملیله‌های مقوایی به سفارش لویی سیزدهم ساخت و همچنین چرخه‌ای از تصنیف‌ها را با قسمت‌هایی از زندگی هانری چهارم، پادشاه فرانسوی ناوار آغاز کرد که ناتمام ماند. از آغاز دهه 1620، روبنس در زمینه دیپلماسی فعال بود. در 1628 و 1630 روبنس برای مأموریت های دیپلماتیک به مادرید و لندن سفر کرد و در انعقاد معاهده صلح بین اسپانیا، انگلیس و هلند شرکت کرد. در بازگشت به آنتورپ، روبنس با افتخارات زیادی مورد استقبال قرار گرفت. پادشاه اسپانیا به او عنوان شورای دولتی را اعطا کرد و پادشاه انگلیسی - اشراف شخصی. روبنس به زودی با النا فورمن شانزده ساله ازدواج کرد. آنها پنج فرزند داشتند. در طول این سال ها، سبک روبنز تغییر کرد - ترکیب ها در یک ریتم آزاد و صاف ساخته می شوند، تفسیر مجسمه ای سفت و سخت از فرم ها، مشخصه دوره اولیه خلاقیت، با مدل سازی رنگ های سبک تر و هوادار جایگزین می شود. در آنها می توان تأثیر آثار تیتیان را که روبنس در طول اقامت خود در مادرید کپی کرد، مشاهده کرد. علیرغم این واقعیت که او زمان زیادی را صرف کار بر روی ترکیب ها و سازه های تزئینی بزرگ کرد (نقاشی سقف سالن ضیافت در کاخ وایت هال در لندن؛ طاق های پیروزی به افتخار ورود اینفانت فردیناند به آنتورپ؛ تزئینات Torre de la). قلعه شکار پارادا)، روبنس موفق شد آثار مجلسی و غنایی بیشتری نیز بنویسد. از جمله پرتره "کت خز هلنا فورمن" (حدود 1638-1640، وین، موزه Kunsthistorisches)، "کرمسا" (حدود 1635-1636، لوور)، و به ویژه چندین مناظر درخشان و درخشان ایجاد شده در پنج منظر اخیر. سالها زندگی در یک ملک روستایی در نزدیکی Mechlin. روبنس در 30 می 1640 درگذشت.
روبنس در آثار خود موفق شد به آنچه سه نسل قبلی از هنرمندان فلاندر آرزو داشتند دست یابد: ترکیب رئالیسم فلاندری با سنت کلاسیک احیا شده توسط رنسانس ایتالیا. این هنرمند دارای انرژی خلاقانه و تخیل پایان ناپذیر بود. او با الهام گرفتن از منابع مختلف، سبک منحصر به فرد خود را خلق کرد. تصاویر محراب ساخته شده توسط او با احساسات و عاطفه مشخص می شود. او با تزئین قلعه های اشراف عصر مطلق گرایی در حال ظهور، به گسترش سبک باروک - زبان هنری نه تنها ضد اصلاحات، بلکه فرهنگ سکولار این زمان نیز کمک کرد.

1.3. نقاش فرانسوی نیکلاس پوسین
در سال 1594 در Les Andelys در نرماندی متولد شد. اولین معلم پوسین کوئنتین وارین از آمیان بود که بین سال های 1611 تا 1612 در لس آندلیس زندگی می کرد. در سال 1612، پوسین به پاریس رسید، جایی که الکساندر کوتوآ، پیشخدمت پادشاه، به هنرمند جوان این فرصت را داد تا از مجموعه نقاشی های سلطنتی بازدید کند. در آنجا برای اولین بار آثار رافائل و استادان مکتبش را دید. پوسین در پاریس با شاعری به نام جووانی باتیستا مارینو آشنا شد که متعاقباً مجموعه‌ای از طراحی‌های شگفت‌انگیز درباره موضوعاتی از اووید، ویرژیل و تیتوس لیویوس را که اکنون در قلعه ویندزور نگهداری می‌شود، به پایان رساند.
در بهار سال 1624 این هنرمند وارد رم شد و تا پایان عمر در آنجا اقامت گزید. در سال 1640، زمانی که شهرت پوسین سرانجام به وطن خود رسید، از لویی سیزدهم دعوت نامه ای دریافت کرد و مجبور شد برای مدتی به پاریس بازگردد. پوسین در پاریس آثاری مانند عشای ربانی، معجزه سنت سنت را خلق کرد. فرانسیس خاویر (هر دو در لوور) و زمان حقیقت را از حسادت و اختلاف نجات می دهد (لیلی، موزه هنرهای زیبا). دومی به سفارش کاردینال ریشلیو ساخته شد و برای تزئین سقف در نظر گرفته شد. مشخص است که زندگی در دربار سلطنتی بر پوسین سنگینی می کرد و در سال 1642 او به رم بازگشت.
منابع اصلی نقاشی پوسین آثار دوران باستان کلاسیک و رنسانس ایتالیا هستند. نقاشی های متعدد گواهی بر علاقه زیاد او به بناهای تاریخی روم باستان است. او صاحب طرح های بسیاری از نقش برجسته ها، مجسمه ها و تابوت ها باستانی است. با این حال، نقوش کلاسیک، که در آثار پوسین بسیار زیاد است، تقریباً همیشه توسط او مطابق با اهداف هنری خود تغییر و بازسازی می‌شوند. از میان آثار استادان رنسانس ایتالیا، نقاشی رافائل و تیتیان قوی ترین تأثیر را بر هنرمند گذاشت. در آثار متأخر آپولو و دافنه (حدود 1664) و مجموعه چهار نقاشی «فصول» (1660–1664، همه در لوور)، پوسین به نقوش غنایی روی می‌آورد. این آثار از نظر ترکیب بندی غنی تر و از نظر تکنیک ظریف تر از بوم های کاملا رمانتیک دوره اولیه هستند. مجموعه فصل ها با صحنه های کتاب مقدس بهشت (بهار)، روت (تابستان)، خروج (پاییز) و سیل (زمستان) یکی از بهترین مناظر پوسین است.
پوسین آثاری خلق می کند که شهروندی خشن کلاسیک گرایی متأخر را پیش بینی می کند («مرگ ژرمنیکوس»، حدود 1628، مؤسسه هنر، مینیاپولیس)، بوم های باروک («شهادت بر سر اراسموس»، حدود 1628-1629، پیناکوتک واتیکان)، نقاشی های شاعرانه روشنگر. در موضوعات اساطیری و ادبی، که با فعالیت خاص سیستم رنگ، نزدیک به سنت های مکتب ونیزی مشخص شده است. ("زهره خفته"، گالری هنری، درسدن، "نرگس و اکو"، لوور، پاریس، "رینالدو و آرمیدا"، موزه هنرهای زیبا به نام A. S. پوشکین، مسکو؛ هر سه - حدود 1625-1627؛ "فلور پادشاهی" ، حدود 1631-1632، گالری هنر، درسدن؛ "تانکرد و ارمینیا"). اصول کلاسیک پوسین به وضوح در بوم‌های نقاشی نیمه دوم دهه 1930 آشکار شده است. ("تجاوز به زنان سابین"، نسخه دوم، حدوداً 1635؛ "اسرائیل مانای گردآوری"، حدود 1637-1639؛ هر دو - در لوور، پاریس). ریتم آهنگسازی تعقیب شده حاکم در این آثار به عنوان انعکاس مستقیم اصل عقلانی تلقی می شود که انگیزه های پایه را تعدیل می کند و به اعمال شریف شخص عظمت می بخشد. در سالهای 1640-1642، نیکلاس پوسین در پاریس در دربار لویی سیزدهم کار می کرد ("زمان حقیقت را از تجاوزات حسادت و اختلاف نجات می دهد"، حدود 1641-1642، موزه هنر، لیل). دسیسه های هنرمندان دربار، به رهبری S. Vue، پوسین را وادار به بازگشت به رم می کند.

فصل دوم هنرمندان روسی قرن هفدهم
2.1. زوبوف الکسی فئودوروویچ
در ابتدا او یک نقاش در اسلحه‌خانه بود، از سال 1699 با آدریان شوونبک برای «ساخت نشان‌های اسلحه» (برای کاغذ تمبر) تحصیل کرد. برای اثبات دانش خود در زمینه حکاکی، در سال 1701، زوبوف نسخه ای از کتاب مقدس هلندی 1674 را به اسلحه خانه تحویل داد، که با این جمله امضا کرد: "از نقاشی دیواری نزول روح القدس".
زوبوف خیلی زود به یک حکاکی ماهر تبدیل شد و بسیاری از ورق های بزرگ را حکاکی کرد که در آنها به فناوری بالایی دست یافت. نمای عظیم سن پترزبورگ حکاکی شده توسط او بر روی 8 تخته در یک جفت نمای مسکو با حکاکی یان بلیکلاند بهترین اثر زوبوف است. او همچنین دارای تصاویری از نبردهای دریایی ("نبرد در گرنگام"، 1721)، جشن ها به مناسبت پیروزی ها ("ورود رسمی نیروهای روسی به مسکو پس از پیروزی در پولتاوا"، 1711) و سایر رویدادهای مهم آن زمان است. زوبوف قسمت جلویی چنین تصاویری را با جزئیات دقیق زندگی تکمیل کرد. او با استفاده از نقشه ها و پروژه های معماران، به عنوان مثال، M. G. Zemtsov، حکاکی ایجاد کرد. مستند بودن ترکیب بندی ها با تزئینات ورق حکاکی شده و تصویر ساختمان های ادعایی ترکیب شده بود. مناظر شهر توسط هنرمند "از دید پرنده" به تصویر کشیده شد که به احساس مقیاس صحنه های باشکوه - پانورامای سواحل نوا کمک کرد.
از سال 1714 زوبوف در سن پترزبورگ کار می کرد. او استاد ارشد چاپخانه سن پترزبورگ بود. پس از مرگ پیتر اول، در زمان سلطنت کاترین اول، زوبوف پرتره ای از امپراتور (1726، از نسخه اصلی توسط I. Adolsky) می سازد، همراه با P. Pikart، یک پرتره سوارکاری از پیتر (1726) را حکاکی می کند. به سفارش A. D. Menshikov، پرتره های همسر و دختران "آرام ترین" شاهزاده - D. M. و M. A. Menshikov (1726). در پاییز 1727، چاپخانه سنت پترزبورگ، که زوبوف از زمان ورودش به پایتخت شمالی در آن بود، بسته شد. پس از استعفا، او مجبور شد مانند برادرش به یک استاد چاپ محبوب تبدیل شود. این هنرمند تلاش کرد تا در اتاق قلم زنی فرهنگستان علوم شغلی پیدا کند، اما هرگز در آنجا شغل دائمی پیدا نکرد. در سال 1730 او به مسکو بازگشت.
در پایتخت قدیمی، Zubov هنوز هم بسیار فشرده کار می کند. در سال 1734 او پرتره هایی از پیتر اول، پیتر دوم و آنا یوآنونا خلق کرد. او به سفارش کلیساها و شهروندان ثروتمند بسیار کار می کند. اما آثار زوبوف در این زمان نشان می دهد که چقدر لایه فرهنگ جدید نازک بوده است ، هنرمندان روسی چقدر به محیط وابسته بودند ، سنت های دوران پیش از پترین چقدر قوی بود. این توسط معروف "نمای صومعه سولووتسکی" - یک حکاکی عظیم که توسط زوبوف به همراه برادرش ایوان در سال 1744 ساخته شده است، نشان داده شده است. انگار هیچ منظره ای از سن پترزبورگ، نبردها، پرتره ها وجود نداشت. انگار خود دوران پترین وجود نداشته است. گویی هرگز زوبوف مسکو و اسلحه خانه را ترک نکرد. آخرین آثار حکاکی که برای ما شناخته شده است مربوط به سال 1745 است و آخرین ذکر او در سال 1749 است. استاد در فقر و گمنامی درگذشت.
آخرین ورق حکاکی شده توسط زوبوف در سال 1741 ذکر شد. بهترین پرتره های او به سبک سیاه: "کاترین اول"، "پیتر اول"، دو شاهزاده خانم "داریا و ماریا منشیکوف" - بسیار نادر هستند. اسکنه - "کاترین اول"، "گولوین" و "استفان یاورسکی". رووینسکی ("حکاگران روسی"، M. 1870) فهرستی از 110 تخته توسط زوبوف ارائه می دهد. برخی از تابلوها تا به امروز باقی مانده اند و حتی قادر به تولید چاپ های خوب هستند.

2.2. نیکیتین ایوان نیکیتیچ
در مسکو، پسر کشیش نیکیتا نیکیتین، که در ایزمایلوو خدمت می کرد، برادر کشیش ایرودیون نیکیتین، کشیش بعدی کلیسای فرشته در کرملین، و نقاش رومن نیکیتین، در مسکو به دنیا آمد.
او در مسکو، ظاهراً در اتاق اسلحه خانه، احتمالاً تحت راهنمایی هلندی Shkhonebek در یک کارگاه حکاکی تحصیل کرد. در سال 1711 او به سن پترزبورگ منتقل شد و نزد یوهان تاناور، هنرمند آلمانی که یکی از اولین کسانی بود که دعوت پتر کبیر را پذیرفت تا به سنت پترزبورگ نقل مکان کند و نقاشی پرسپکتیو را به هنرمندان روسی آموزش دهد، تحصیل کرد. به سرعت در دادگاه قدرت به دست می آورد. در سال 1716-1720، با حقوق بازنشستگی دولتی، همراه با برادرش رومن، در میان بیست نفر برای تحصیل به ایتالیا، ونیز و فلورانس فرستاده شد. او نزد اساتیدی چون توماسو ردی و جی جی دانگوئر تحصیل کرد. پس از بازگشت، نقاش دربار می شود. بنابراین، نیکیتین صاحب پرتره ای از پیتر کبیر در حال مرگ است. در سال 1732، همراه با برادرش رومن، که او نیز هنرمند بود، در ارتباط با توزیع افترا علیه فئوفان پروکوپویچ دستگیر شد. او پس از پنج سال بازداشت پیش از محاکمه در قلعه پیتر و پل، شلاق خورد و مادام العمر به توبولسک تبعید شد. در سال 1741، پس از مرگ آنا یوآنونا، او اجازه بازگشت به سن پترزبورگ را دریافت کرد. در سال 1742 ترک کرد و در راه درگذشت.
تنها سه اثر امضا شده از نیکیتین، به همراه آثار منسوب به او، تنها حدود ده اثر وجود دارد. آثار اولیه هنوز حاوی آثاری از پارسونا است که تنها سبک پرتره در روسیه در قرن هفدهم بود. نیکیتین یکی از اولین (اغلب به عنوان اولین) هنرمندان روسی است که از سبک سنتی نقاشی شمایل نقاشی روسی فاصله گرفت و شروع به نقاشی با پرسپکتیو کرد، همانطور که در آن زمان در اروپا انجام می دادند. بنابراین، او بنیانگذار سنت روسی است
و غیره.................

در میان بسیاری از هنرمندان روسی و خارجی که در روسیه کار می کردند، می توان با خیال راحت از استادان برجسته پرتره در قرن 18 نام برد.

A.P. آنتروپوا، آی.پی. آرگونوا، اف.اس. روکوتوا، دی.جی. لویتسکی، V.L. بوروویکوفسکی.

روی بوم هایش A.P. آنتروپوف و I.P. آرگونوف به دنبال به تصویر کشیدن یک ایده آل جدید از یک فرد - باز و پر انرژی بود. شادی، جشن با رنگ های روشن تاکید شد. وقار به تصویر کشیده شده، تناسب اندام آنها با کمک لباس های زیبا و ژست های ایستا موقر منتقل می شد.

A.P.Antropov و نقاشی های او

سلف پرتره A.P. Antropov

در کار A.P. آنتروپوف، هنوز ارتباط قابل توجهی با نقاشی آیکون وجود دارد. استاد صورت را با ضربه های مداوم و لباس ها، لوازم جانبی، پس زمینه را - آزادانه و به طور گسترده نقاشی می کند. هنرمند در برابر قهرمانان نجیب نقاشی های خود "حنایی" نمی کند. او آنها را همانطور که واقعا هستند نقاشی می کند، مهم نیست چه ویژگی هایی، مثبت یا منفی، ندارند (پرتره های M.A. Rumyantseva، A.K. Vorontsova، Peter III).

از مشهورترین آثار نقاش آنتروپوف می توان به پرتره ها اشاره کرد:

ایزمایلوف؛
A.I. و P.A. کولیچوف؛
الیزابت پترونا؛
پیتر اول؛
کاترین دوم در پروفایل؛
ataman F. Krasnoshchekov;
کتاب پرتره تروبتسکوی

I.P. Argunov - نقاش پرتره قرن 18

I.P. Argunov "خود پرتره"

توسعه مفهوم پرتره ملی، I.P. آرگونوف به سرعت و به راحتی بر زبان نقاشی اروپایی تسلط یافت و سنت های قدیمی روسیه را رها کرد. در میراث او پرتره های تشریفاتی گذشته نگر است که او از تصاویر زندگی اجداد P.B. شرمتف. در آثار او نقاشی قرن آینده پیش بینی شده است. او خالق یک پرتره مجلسی می شود که در آن به معنویت بالای تصویر توجه زیادی می شود. این پرتره صمیمی بود که در قرن نوزدهم رایج تر شد.

I.P. Argunov "پرتره یک زن ناشناس در لباس دهقانی"

مهمترین تصاویر در آثار او عبارت بودند از:

اکاترینا آلکسیونا؛
P.B. شرمتف در کودکی؛
شرمتف ها؛
کاترین دوم؛
اکاترینا الکساندرونا لوبانووا-روستوفسایا؛
ناشناخته در لباس دهقانی

F.S. Rokotov - هنرمند و نقاشی

مرحله جدیدی در توسعه این هنر با نام نقاش پرتره روسی - F.S. روکوتوا. او بازی احساسات، تغییرپذیری شخصیت انسان را در تصاویر پویا خود منتقل می کند. جهان در نظر نقاش معنوی شده بود، و شخصیت های او نیز: چند وجهی، سرشار از غزل و انسانیت.

F. Rokotov "پرتره مرد ناشناس با کلاه خروس"

F.S. Rokotov در ژانر پرتره نیمه لباس کار می کرد، زمانی که یک فرد تا کمر در پس زمینه ساختمان های معماری یا یک منظره به تصویر کشیده می شد. از اولین آثار او می توان به پرتره های پیتر سوم و گریگوری اورلوف، شاهزاده هفت ساله پاول پتروویچ و پرنسس E.B. یوسوپووا آنها ظریف، تزئینی، رنگارنگ هستند. تصاویر به سبک روکوکو با احساسی بودن و احساسی بودن نقاشی شده اند. به لطف آثار روکوتوف، می توان تاریخ زمان او را یاد گرفت. تمام نخبگان نجیب پیشرفته تلاش کردند تا بر روی بوم های قلم مو نقاش بزرگ اسیر شوند.

پرتره های اتاقی روکوتوف با این موارد مشخص می شود: تصویر نیم تنه، چرخش به بیننده با ¾، ایجاد حجم با قالب گیری پیچیده نور و سایه، ترکیب هماهنگ رنگ ها. با کمک این وسایل بیانی، هنرمند نوع خاصی از بوم را ایجاد می کند که شرافت، وقار، فضل معنوی یک شخص را به تصویر می کشد (پرتره "مرد ناشناس در کلاه خروس").

F.S. Rokotov "پرتره A.P. Struyskaya"

به خصوص تصاویر زنانه و جوانی این هنرمند قابل توجه بود و حتی نوع خاصی از زن روکوتوفسکی ایجاد شد (پرتره های A.P. Struyskaya ، E.N. Zinovieva و بسیاری دیگر).

علاوه بر موارد ذکر شده، آثار F.S. Rokotov شهرت به ارمغان آورد:

در و. مایکوف؛
ناشناخته در صورتی؛
V.E. نووسیلتسوا؛
پ.ن. لانسکوی؛
سوروتسوا؛
A.I. و I.I. ورونتسوف
کاترین دوم.

دی.جی.لویتسکی

سلف پرتره D.G.Levitsky

گفته شد که پرتره های D.G. Levitsky تمام قرن کاترین را منعکس می کند. هر کسی که لویتسکی به تصویر کشیده شد، به عنوان یک روانشناس ظریف عمل کرد و مطمئناً صمیمیت، صراحت، غم و اندوه و همچنین ویژگی های ملی مردم را منتقل می کرد.

برجسته ترین آثار او: پرتره ای از A.F. کوکورینوف، مجموعه ای از پرتره های "اسمولیانکا"، پرتره های دیاکووا و مارکروفسکی، پرتره ای از آگاشی. بسیاری از آثار لویتسکی میان پرتره های تشریفاتی و مجلسی در نظر گرفته می شوند.

D.G. لویتسکی "پرتره A.F. Kokorinov"

لویتسکی در کار خود دقت و صحت تصاویر آنتروپوف و اشعار روکوتوف را با هم ترکیب کرد و در نتیجه او به یکی از برجسته ترین استادان قرن 18 تبدیل شد. . معروف ترین آثار او عبارتند از:

E. I. Nelidova
M. A. Lvova
N. I. Novikova
A. V. Khrapovitsky
میتروفانوف ها
باکونینا

V.L.Borovikovsky - استاد پرتره احساساتی

پرتره V.L. Borovikovsky، هنر. بوگایفسکی- بلاگوداتنی

شخصیت استاد داخلی این ژانر V.B. بوروویکوفسکی با خلقت مرتبط است پرتره احساسی. مینیاتورها و پرتره های روغنی او مردم را با تجربیات، احساساتشان به تصویر می کشیدند، منحصر به فرد بودن دنیای درونی آنها را منتقل می کردند (پرتره M.I. Lopukhina). تصاویر زنان ترکیب خاصی داشتند: زنی در پس زمینه طبیعی، تا کمر، به چیزی تکیه داده بود و گل یا میوه را در دستان خود نگه می داشت.

V.L. Borovikovsky "پرتره پل اول در لباس Order of Malta"

با گذشت زمان، تصاویر هنرمند برای کل دوران معمولی می شود (پرتره ژنرال F. A. Borovsky) و به همین دلیل این هنرمند تاریخ نگار زمان خود نیز نامیده می شود. هنرمند پرویی صاحب پرتره هایی است:

V.A. ژوکوفسکی؛
"لیزانکا و داشنکا"؛
G.R. درژاوین;
پل اول؛
A.B. کوراکینا؛
"بی ریش با دختران."

برای توسعه نقاشی روسی، قرن 18 نقطه عطفی بود. پرتره به ژانر پیشرو تبدیل می شود . هنرمندان تکنیک های نقاشی و تکنیک های اساسی را از همکاران اروپایی خود اتخاذ می کنند. اما تمرکز بر روی فردی است که تجربیات و احساسات خود را دارد.

نقاشان پرتره روسی نه تنها تلاش کردند تا شباهت را منتقل کنند، بلکه بر روی بوم های خود روحیه و دنیای درونی مدل های خود را نیز منعکس کنند. اگر آنتروپوف و آرگونوف با غلبه بر قراردادها تلاش کردند تا به درستی یک شخص را به تصویر بکشند، روکوتوف، لویتسکی و بوروویکوفسکی فراتر رفتند. شخصیت‌های معنوی از بوم‌های نقاشی خود نگاه می‌کنند که حال و هوای آن توسط هنرمندان گرفته شده و منتقل شده است. همه آنها برای ایده آل تلاش می کردند، زیبایی را در آثار خود می خواندند، اما زیبایی بدن تنها بازتابی از انسانیت و معنویت ذاتی مردم روسیه بود.

خوشت آمد؟ شادی خود را از دنیا پنهان نکنید - به اشتراک بگذارید

با وجود تخصص توسعه یافته، قرن هفدهم نقاشی روسیه به قرن هنر تبدیل شد، نه جعل صنایع دستی. نقاشان برجسته نماد در مسکو زندگی می کردند. آنها در بخش اتاق نمادهای سفارش ثبت شدند.

سیمون اوشاکوف. نجات دهنده توسط دست ساخته نشده است.

در پایان قرن هفدهم، آنها به عنوان استادان فروشگاه آیکون اسلحه سازی شروع به کار کردند. در آغاز قرن هفدهم، پروکوپیوس چیرین به موفقیت بزرگی دست یافت. چیرین اهل نووگورود بود. نمادهای او در رنگ‌های ملایم ساخته شده‌اند، شکل‌ها در امتداد کانتور با حاشیه طلایی مشخص شده‌اند و با بهترین کمک سفید شده‌اند.

یکی دیگر از نقاشان برجسته روسی قرن هفدهم، نازاری ساوین بود. ساوین چهره هایی با نسبت های کشیده، شانه های باریک و ریش های بلند را ترجیح می داد. در دهه 30 قرن هفدهم، ساوین رهبری گروهی از نقاشان آیکون را بر عهده داشت که جشن دیزیس و آیین های نبوی را برای نماد کلیسای رسوب ردای باکره و در کرملین مسکو نوشتند.

ایوان 4 واسیلیویچ وحشتناک.

در اواسط قرن هفدهم، کار بزرگی برای بازسازی نقاشی های دیواری باستانی انجام شد. نقاشی های دیواری جدید کلیسای جامع Assumption در مسکو، طرح قبلی را حفظ کرد و در کوتاه ترین زمان ممکن به پایان رسید. ایوان پانسین بر کار نظارت داشت. هنرمندان تحت رهبری او 249 آهنگ پیچیده و 2066 چهره نوشتند.

در قرن هفدهم نقاشی روسیه، میل ویژه هنرمندان برجسته شد، میل به تصویری واقع گرایانه از یک شخص. در روسیه، پدیده ای مانند نقاشی سکولار شروع به گسترش می کند. نقاشان سکولار قرن هفدهم پادشاهان، ژنرال ها و پسران را به تصویر می کشیدند. در قرن هفدهم، در فرهنگ روسیه، از جمله در نقاشی، فرآیند "سکولاریزاسیون" اتفاق افتاد. انگیزه های سکولار بیشتر و بیشتر در زندگی جامعه روسیه نفوذ می کند. روسیه در آستانه عصر جدیدی در تاریخ خود راه جدیدی را آغاز کرده است.

در نقاشی، سنت های جا افتاده نوشتن تا حد زیادی حفظ شده است. شورای کلیسا در سال 1667 مضامین و تصاویر را به شدت تنظیم کرد، منشور تزار الکسی میخایلوویچ نیز همین را خواست. از او مطالبی نوشته شده است:

با غیرت هرگونه انحراف از قوانین را در به تصویر کشیدن ایدئولوگ های مقدس مؤمنان قدیمی آووکوم محکوم کرد.

فعالیت های نقاشان توسط اسلحه خانه کرملین، که در قرن هفدهم تبدیل شد، رهبری می شد. مرکز هنری کشور که در آن بهترین استادان جذب شدند.

به مدت 30 سال، تجارت نقاشی توسط سیمون اوشاکوف (1626-1686) اداره می شد. یکی از ویژگی های کار او علاقه نزدیک به تصویر چهره انسان بود. در زیر دست او چهره های زاهد ویژگی های زنده پیدا کردند. این نماد "ناجی ساخته نشده است".

کار دیگر او به طور گسترده ای شناخته شده است - "کاشت درخت دولت تمام روسیه". در پس زمینه کلیسای جامع فرضیه، چهره های ایوان کالیتا و متروپولیتن پیتر قرار داده شده اند که درخت بزرگی را آبیاری می کنند که روی شاخه های آن مدال هایی با پرتره های شاهزادگان و پادشاهان ثابت شده است. در سمت چپ تصویر الکسی میخایلوویچ است، در سمت راست - همسرش با فرزندان. همه تصاویر پرتره هستند. قلم مو Ushakov نیز متعلق به نماد "Trinity" است که جزئیات واقعی روی آن ظاهر می شود. سیمون اوشاکوف تأثیر زیادی در پیشرفت نقاشی روسی داشت.

یک پدیده قابل توجه در هنر روسیه قرن هفدهم. مدرسه استادان یاروسلاول شد. کلیساهای سنتی و صحنه های کتاب مقدس روی نقاشی های دیواری آنها در تصاویر زندگی آشنای روسی به تصویر کشیده می شوند. معجزات قدیسان قبل از پدیده های معمولی در پس زمینه محو می شوند. به ویژه ترکیب "برداشت" در کلیسای الیاس پیامبر و همچنین نقاشی های دیواری در کلیسای جان باپتیست است. نقاشان یاروسلاول نیز از جمله "پیشگامان" توسعه منظر بودند.

نمونه دیگری از یک ژانر سکولار که نشان دهنده علاقه به شخصیت انسان بود، گسترش نوشتن "پارسون" - تصاویر پرتره بود. اگر در نیمه اول قرن "پارسون" هنوز در یک سنت صرفاً نقاشی نمادین اجرا می شد (تصاویر ایوان چهارم، ام اسکوپین-شویسکی)،