خودنگار کوربه با یک سگ. نقاشی های ویلیام هوگارث با توضیحات و عنوان. تاریخچه سریال طنز

کوربه نقاش پرتره بزرگی بود. در همان زمان، خود او اغلب به عنوان نشیمن برای نقاشی هایش عمل می کرد.

در آغاز دهه 1840. کوربنا نوشت: "خود پرتره با یک سگ سیاه" - اسپانیل که به تازگی به او داده شده بود. او خود را در Ornans در پس زمینه صخره های نزدیک غار Plaisirre Fontaine به تصویر کشید. چشمان او با لبه کلاه سیاه پوشیده شده است، موهای بلند فرفری روی شانه هایش جاری است، و یک کتاب طراحی در نزدیکی آن قرار دارد.شیب یک سگ سیاه رنگ مکمل تصویر عاشقانه این هنرمند جوان است.

"خود پرتره با یک سگ سیاه"

در اواسط دهه 1840، او در کنار یکی از مدل های خود در نقاشی "عاشقان شاد" ظاهر شد.

اواخر دهه 1840 او بار دیگر در پس زمینه طبیعت به شکل مرد جوانی ظاهر می شود که زیر درخت دراز کشیده و در یک دوئل زخمی شده است.

"مجروح"

و در سالن 1849، "مردی با کمربند چرمی" به نمایش گذاشته شد - کوربه با آرنج خود به آلبوم ها و نقاشی ها تکیه داد، با ناراحتی به بیننده نگاه کرد. به نظر می رسید که رنج، رویاها، انتزاع از نثر زندگی به خط اصلی هنر او تبدیل شده بود، اما در پایان این دهه، کوربه جدیدی در برابر مخاطب ظاهر شد - کسی که می توانست. او را رئالیست بنامیم

مردی با کمربند چرمی

کوربه در سال های 1848-1850 بوم های عظیمی را نقاشی کرد که مضمون آن زندگی معاصرانش بود.در نقاشی "بعد از ظهر در اورنانس" او خود، پدر و دو دوستش را در مقابل شومینه آشپزخانه خانه اش به تصویر می کشد. بطری های نامرتب شراب روی میز است، بولداگ زیر صندلی خوابیده است. نقاشی در سالن 1849 به نمایش گذاشته شد با غیرعادی بودنش تماشاگران را شگفت زده کرد. اولاً، طرح‌های کلاسیک از تاریخ روم باستان، قرون وسطی، نقوش شرقی و ادبی رمانتیک‌ها جای خود را به پروزائیک‌ترین صحنه‌های زندگی روزمره دادند. پیکره های انسانی کوربه در اندازه واقعی به تصویر کشیده شد. صدای ژانر نقاشی به سطح یادبود ارتقا یافت.این نقاشی دومین مدال طلا را در سالن دریافت کرد و توسط دولت خریداری شد. این هنرمند را از رقابت خارج کرد: اکنون هیئت داوران حق رد نقاشی های او را نداشت (اگرچه در عمل این همیشه رعایت نمی شد).

بعد از ظهر در اورنانس

در سال 1847، کوربه از هلند بازدید کرد. پس از این سفر نقطه عطفی در کار این هنرمند رخ داد. او تحت تأثیر هنر هلندی، حداقل با تکنیک های سبکی آن، از رمانتیسم جدا شد.

سلف پرتره با لوله

امروزه یکی از تکثیر شده‌ترین آثار او «سلام، مسیو کوربه» از موزه فابر در مون‌پلیه است - بی جهت نیست که با چاپ‌های عامیانه و با سنتی که به دوره رنسانس برمی‌گردد، اشتراکات زیادی دارد. کاریکاتوریست ها با دقت خاصی تصویر را تقلید کردند، اما آنچه برای آیندگان مهمتر بود، صمیمیت ملاقات بین بورژوا و هنرمند بود که رویای مخاطب قرار دادن مستقیم مردم را در سر می پروراند و حاضر شد برای این منظور نقش یک سرگردان و وحشی را بازی کند. با این حال، منتقدان به آن عنوان شیواتری دادند - "ثروت به نبوغ تعظیم می کند".

در ماه مه 1854، کوربه به دعوت آلفرد برویل، بشردوست و مجموعه دار معروف به مونپلیه سفر کرد. درست در لحظه ای که بروات، خدمتکار و سگش در جاده مونپلیه با او روبرو شدند، کوربه خود را با عصا و کوله پشتی بر پشت تصور کرد. انتخاب طرح مشابهی که با واقع گرایی و حقیقت نگاشته شده بود، در نمایشگاه جهانی پاریس در سال 1855 هیجانی ایجاد کرد.

"سلام آقای کوربه"

باورهای سوسیالیستی مانع از آن نشد که کوربه یک پیشخدمت محترم را بدون اشاره ای کنایه به تصویر بکشد. نگاه او بیانگر این اعتقاد است که خود را لایق حضور در جلسه می داند.

کوربه و بروات فراماسون بودند، همانطور که از ژست های آنها که مشخصه آیین ملاقات ماسونی بود، گواه است. دستکش سفید نیز جزء اجباری لباس ماسونی است.

سر کوربه بالا گرفته است، چهره اش بیانگر شادی صمیمانه است. برویا به راحتی رفتار می کند. ریش بیرون زده این هنرمند پس از آن به هدف مورد علاقه کاریکاتوریست ها تبدیل شد.

جزئیات نقاشی

تأثیر عظیم این نقاشی بر معاصران او با این واقعیت مشهود است که متعاقباً، به هر شکلی، بسیاری از هنرمندان از آن در آثار خود استناد کردند، که حداقل از پل گوگن و "سلام، مسیو گوگن" (1889) نام می بریم. ).

گوگن. "سلام آقای گوگن"

بلافاصله پس از کشیدن این نقاشی، کوربه قهرمان نوعی هنر ضد روشنفکری جدید و فارغ از قراردادهای نقاشی آکادمیک در موضوعات تاریخی و مذهبی اعلام شد. کوربه با کنار گذاشتن موضوعات ادبی به نفع دنیای واقعی که هنرمند را احاطه کرده بود، تأثیر جدی بر ادوارد مانه و امپرسیونیست ها گذاشت. آنها می گویند که وقتی از او خواسته شد که مجسمه هایی از فرشتگان را به نقاشی در نظر گرفته شده برای یک کلیسا اضافه کند، او پاسخ داد: "من هرگز فرشته ها را ندیده ام. یک فرشته به من نشان دهید تا آن را نقاشی کنم."

کوربت عاشق تماشای بازی نور روی آب بود. او یک سری کامل از مناظر دریایی را نقاشی کرد. بوم "ساحل دریا در پالواس" (1854) خود هنرمند را در حال استقبال از دریای مدیترانه به تصویر می کشد.

ساحل دریا در Palavas

خود پرتره "مردی با لوله" (1873-1874) در سالن موفقیت آمیز بود. لویی ناپلئون آن را خریداری کرد.

"مردی با لوله" (1873-1874)

برخی از سلف پرتره ها که بسیار محدود نقاشی شده اند، تأثیر استادان قدیمی اسپانیایی و هلندی را نشان می دهد که کوربه در بازدید خود از لوور با پشتکار آثار آنها را مطالعه کرد.

کارتون که در سال 1859 توسط دوست کوربه، منتقد ژول شامفلوری کشیده شد.

ویلیام هوگارث (1697-1764) - هنرمند انگلیسی، حکاکی، تصویرگر، طنزپرداز.

سلف پرتره با سگ. 1745

پرتره ها در قرن هجدهم در انگلستان بسیار مورد احترام بودند؛ آنها در اتاق های دولتی املاک خانوادگی و کلوپ های اشرافی آویزان می شدند. پناهگاه های خیریه تصاویری از حامیان خود سفارش دادند و بازیگران دوست داشتند در برخی نقش ها از آنها عکس بگیرند. هنرمندان بیشتر پرتره ها را نقاشی می کردند تا ترکیب بندی هایی با مضامین تاریخ کتاب مقدس و باستان، اگرچه این نوع نقاشی که تاریخی نامیده می شود عالی ترین نوع نقاشی محسوب می شد.

انگلستان یک کشور جزیره ای است. اینجا همه چیز با قاره اروپا متفاوت است. و زندگی هنری نیز از این قاعده مستثنی نبود. در فرانسه در آغاز قرن 18، کشوری پیشرو در زمینه هنر در آن زمان، سبک جدیدی در حال ظهور بود - روکوکو. مد برای ایجاد پارک هایی با طرحی منظم در حال ظهور است. به عنوان مثال، ورسای باشکوه با بوته های تزئین شده، کوچه های مستقیم و آینه ای وسیع از سطح آب با فواره ها است. انگلستان در هنر راه خودش را می رود. در اینجا دوران باستان را می پرستند و با روح کلاسیک کاخ هایی می سازند. یک نسخه ملی از پارک در حال ظهور است - یک نسخه منظره. این طبیعت است که به دست باغبان اصالت یافته است. درختانی که منظره زیبا را پوشانده اند برداشته می شوند، بستر رودخانه اندکی به طرفین منحرف می شود و تپه هایی ساخته می شود که از آنها می توان چمنزارهای سبز با چمن های سرسبز را مشاهده کرد. در چنین پارک هایی بود که هنرمندان دوست داشتند به بانوان و آقایان جامعه برازنده ارائه دهند. با این حال، در ژانر پرتره در اوایل قرن 18، انگلستان هنوز دستاوردهای بالای فرانسه را نداشت.

همه چیز با ظهور ویلیام هوگارت تغییر کرد. او به عنوان یک حکاکی و کاریکاتوریست شناخته می شود و شایستگی های هنرمند را در پرتره فراموش می کند. یکی از رایج ترین انواع پرتره صحنه های مصاحبه بود. اعضای یک خانواده، شخصیت‌هایی که درگیر یک بازی ورق، گفتگو یا نوشیدن چای بودند در پارک یا فضای داخلی به تصویر کشیده شدند. با این نوع نقاشی است که هوگارت پرتره خود را آغاز می کند و وابستگی اجتماعی و شخصیت شخصیت ها را آشکار می کند. او محتوای اثر را از طریق ژست های شخصیت ها، اشیای اطراف آشکار می کند و نوعی صحنه های تئاتری مینیاتوری خلق می کند. یک رابطه دراماتیک و روانی بین افراد به تصویر کشیده شده پدیدار می شود. این پرتره بچه های گراهام است.

چهار شخصیت در تصویر وجود دارد. دخترها شبیه خانم های کوچکی هستند که توسط یک پسر آقا در حال نواختن ارگ سرگرم می شوند. آنها نگاهی رد و بدل نمی کنند، اما احساس می شود که با همدردی صمیمانه برای یکدیگر متحد شده اند.

کمی بعد، هوگارث معروف "خود پرتره با یک سگ" را خلق می کند. او 45 سال سن دارد. این هنرمند با لباسی ساده و بدون کلاه گیس ظاهر می شود. در مقابل ما فردی مستقیم و باز است که هوشیارانه خود و اطرافیانش را ارزیابی می کند. جزئیات "گفتگو" زیادی در تصویر وجود دارد: کتاب های کلاسیک انگلیسی سوئیفت، شکسپیر و میلتون، یک اسکنه، یک پالت با کتیبه "خط زیبایی". هوگارت بلافاصله سگ محبوبش را به تصویر کشید که پوزه اش شبیه صورت صاحبش است. این تکنیک تشبیه انسان و حیوان سنت دیرینه ای دارد، به عنوان مثال میکل آنژ را به اژدها و لئوناردو را به شیر تشبیه کردند.

توسعه هنر انگلیسی در قرن 18 با ظهور عمومی فرهنگ پس از انقلاب بورژوایی 1640-1660 همراه است. هنرمندان مستقیماً به واقعیت اطراف روی آوردند و به دنبال ابزارهای جدید برای بیان بودند. آنها حلقه ای ایجاد کردند که اعضای آن در کافی شاپ اسلتر ملاقات کردند. علاوه بر هوگارت، این جامعه شامل مجسمه‌ساز روبیلیاک، حکاکی و تصویرگر فرانسوی Gravelot، فیلدینگ نویسنده و بازیگر گاریک بود. همان سال پرتره از خود، پرتره ای از گاریک در نقش ریچارد سوم. این نقش باعث شهرت این بازیگر شد و روش های نوین بازیگری تئاتر را رقم زد.

خدمتکاران هوگارت دهه 1760

هوگارت در پایان زندگی‌اش دو تا از بهترین پرتره‌هایش را کشید: «خدمت‌های هوگارث» و «دختری با میگو». در هر دو، وظیفه اصلی آشکار کردن شخصیت افراد بود.

دختر با میگو. دهه 1750

"دختری با میگو" در سرعت و سهولت اجرا یادآور طرحی تصویری است. هوگارت تصاویر واقعی واقعی از مردم عادی خلق می کند. رنگ های سرد که بر طرح رنگ غالب هستند به طور طبیعی با رنگ های گرم ترکیب می شوند - سایه های صورتی و قهوه ای. برداشت آنی از طبیعت توسط استاد با ضربات متحرک، انعطاف پذیر و گسترده منتقل می شود که بوم های او را به طور غیرمعمولی زنده و خودجوش می کند.

E. Gagarina Magazine "YUH"

آثار هوگارت کتاب های واقعی هستند... ما به نقاشی های دیگر نگاه می کنیم - نقاشی های او را می خوانیم. چارلز لمب (درباره نابغه و شخصیت هوگارث).

زندگی ویلیام هوگارت، نقاش، گرافیست و نظریه پرداز هنری مشهور انگلیسی قرن هجدهم، پیوندی ناگسستنی با لندن داشت. این شهر از گهواره پاره ای از روح او بود؛ در اینجا هنرمند آینده، فرزند معلم روستایی که به پایتخت نقل مکان کرد، در 17 سالگی با هنر آشنا شد و شاگرد نقره تراشی شد. در مسابقات و شروع، او به مدرسه هنرمندان Vanderbank و Sharon، و سپس Thornhill، که در آن زمان مشهور می شد، رفت. در اینجا او خوشبختی شخصی پیدا کرد و با دختر دومی ازدواج کرد که او را عاشقانه در سال 1729 از خانه پدرش ربود.

و لندن، شهری که در نیمه اول قرن هجدهم، مانند یک قطره آب، کل انگلستان را با رشد اقتصادی بی‌سابقه و شکوفایی فرهنگ، تضادهای عمیق اجتماعی و تضادهای چشمگیر تجمل و فقر در آن منعکس می‌کرد. هوگارت به عنوان منبعی تمام نشدنی از توطئه های آثارش...

زمستان 1728. مردم لندن، گویی پیروزی های تئاتر رویال دروری لین را فراموش کرده بودند، به فیلدز مسافرخانه لینکلن هجوم آوردند، جایی که در 29 ژانویه اولین نمایش اپرای گدای جان گی با موفقیت خیره کننده برگزار شد. در فصل اول این نمایش شصت و دو بار اجرا شد. محبوبیت بسیار زیاد این نمایشنامه نه چندان به دلیل بازی درخشان بازیگران، بلکه به دلیل این بود که یک طنز نسبتاً شفاف در محافل حاکم انگلیسی بود. این اپرا قسمت هایی از زندگی ولگردها، سرکشان، راهزنان را به تصویر می کشید، اما در شخصیت ها به راحتی می توان ویژگی های بسیاری از افراد عالی رتبه را تشخیص داد، و در موقعیت های نمایشنامه - ارتباط با واقعیت انگلیسی.

"اپرای گدا" ششم. 1729-1731.

هوگارت عاشق تئاتر بود، با بازیگران دوست بود و پرتره های آنها را می کشید. "اپرای گدا" بلافاصله هنرمند را مجذوب خود کرد. از سال 1728 تا 1731 او شش نسخه از نقاشی را با این موضوع کشید. آخرین نسخه از صحنه از Act III اپرای گدا موفق ترین نسخه است. پویایی ترکیب بندی، توانایی انتقال حرکت احساسی قوی شخصیت های اصلی نمایشنامه و نقاشی عالی، تصویر را به بهترین آثار اولیه هوگارت تبدیل کرده است.

در همان زمان، هوگارت تعداد زیادی پرتره خانوادگی گروهی کوچک، به اصطلاح "صحنه های گفتگو" را نقاشی کرد و به شهرت رسید. اما به زودی این شغل را رها کرد. این هنرمند بعداً یادآور شد: "من به یک ژانر کاملاً جدید روی آوردم، یعنی: نقاشی و ایجاد حکاکی روی مضامین اخلاقی مدرن - منطقه ای که هنوز در هیچ کشوری و در هیچ زمانی امتحان نشده بود."

اینگونه بود که سریال طنز معروف "تاریخ یک فاحشه" (1732) ظاهر شد. هوگارث در شش صحنه، قسمت‌های اصلی زندگی مری هکابوت، دختری روستایی را که به لندن آمده بود، ثبت کرد. او که کاملاً برای مقاومت در برابر وسوسه‌های شهر بزرگ آماده نیست، به دست یک خریدار قدیمی می‌افتد، تبدیل به زنی می‌شود و در میان ساکنان «پایین» لندن به زندگی خود پایان می‌دهد. این نقاشی ها در سال 1755 بر اثر آتش سوزی از بین رفتند، اما داستان مری در حکاکی های خود هوگارت به دست ما رسیده است.

داره جشن میگیره داستان لیبرتین III. در حدود سال 1733.

به زودی این هنرمند یک سری جدید از هشت نقاشی را نقاشی و حکاکی کرد. این "داستان لیبرتین" است - داستانی در مورد میراثی که بدون دقت زندگی کرده است. داستان زندگی یک آزادیخواه کمتر از داستان یک فاحشه قانع کننده به نظر می رسد. اما نقاشی "او جشن می گیرد" یک شاهکار واقعی است. صحنه ضیافت افسارگسیخته شبانه قهرمان سریال، تام راکول، «با همه بی فیلمنامه بودنش، با ظرافت هنری اجرا می شود، هنری است، به سادگی زیبا».

از این رو هوگارت همراه با نویسندگان روشنگری نیمه اول قرن هجدهم به بیان ایده های روشنگری پرداخت و برای از بین بردن رذایل جامعه معاصر خود وارد مبارزه شد.

در پایان دهه 30 ، استاد مجموعه ای از نقاشی های شگفت انگیز "چهار زمان روز" را ایجاد کرد که پایتخت بریتانیا را در یک لحظه خاص در وضعیت طبیعت و نور به تصویر می کشد. بار یک سال و یک روز. نقاشی "صبح" به ویژه تأثیرگذار است که کاونت گاردن را در سپیده دم، در مه خفیف زمستانی به تصویر می کشد، این مربع که هرگز آرام نمی شود یا به خواب نمی رود. پانزده سال بعد، هوگارث زندگی دیگر خیابان های لندن را نشان داد. او تصویر وحشتناکی از "Gin Lane" ترسیم خواهد کرد - مستی وحشتناک، فقر ناامید کننده و ظلم تا حد از دست دادن انسانیت ساکنان آن.

کاپیتان کورام. 1740

دهه 1740 دوره بلوغ خلاق هوگارث است. در این زمان بهترین آثار خود را هم به عنوان نقاش پرتره و هم به عنوان طنزپرداز خلق کرد. گالری پرتره ها با پرتره معروف کاپیتان توماس کورام، دوست صمیمی و هنرمند، دریانورد و بشردوست همفکر، که به دلیل تأسیس خانه فاندلینگ (یتیم خانه) در لندن مشهور است، افتتاح می شود. هوگارت در اینجا طرح یک پرتره تشریفاتی را تکرار می‌کند، اما این کار را تنها به منظور ایجاد بوم نقاشی که مظهر شناخت عمومی از شایستگی‌های فردی از «طبقه‌های متوسط» است، انجام می‌دهد. چهره باز و "خانگی" کاپیتان قدیمی که با همدردی واقعی نقاشی شده است، به هیچ وجه اشرافی نیست، با محیط زیبا سازگار نیست.

مری ادواردز 1742

پرتره های زنان جایگاه ویژه ای در آثار هوگارت دارد. اول از همه، این یک پرتره عمیقا روانشناختی و از نظر هنری کامل از مری ادواردز است، که تحسین کننده استعداد هنرمند و شاید تنها کسی بود که واقعاً به او کمک کرد. هوگارث مدل را چاپلوسی نمی کند، اما او را تحسین می کند. او با یک قلم موی مطمئن، چهره عصبی و عجیب شخصی را که در آن زیبایی و بی نظمی ویژگی ها به طرز عجیبی ترکیب شده است، ترسیم می کند. لباس ظریف و تزئینات گرانبها روی سینه با مهارت کمتری نقاشی شده بود.

الیزابت سالتر. 1744

یکی از مشهورترین پرتره های دهه 40 "پرتره لاوینیا فنتون" است. هوگارت قبلاً او را به عنوان شخصیت اصلی اپرای گدا نوشته بود. تصویری که بیش از ده سال بعد از این زن جوان زیبا و شاد به تصویر کشیده شد، از نظر رسا و نفوذ روانی قابل توجه است؛ از نوعی راز بیرون می زند که به تدریج جذابیت را آشکار می کند.

در سال 1745 هوگارث نقاشی از خود پرتره کرد. هنرمند از روی بوم بیضی شکل به ما نگاه می کند، در خانه ردایی پوشیده، بدون کلاه گیس و کلاه شکاری گرم بر سر دارد. چهره با چشمان آبی روشن و پیشانی دستگیره با قدرت و عمق فوق العاده ای منتقل می شود. در پیش زمینه یک پالت با "خط زیبایی" معروف مارپیچ، سگ محبوب او ترامپ و کتاب هایی - شکسپیر، میلتون، سوئیفت است.

انتخاب کتاب ها آشکار است. سوئیفت به دلیل ماهیت استعدادش با هوگارث مرتبط بود. آثار کلاسیک میلتون الهام بخش "نقاشی عالی" هوگارت بودند، نقاشی هایی مانند شیطان، گناه و مرگ، که برای اولین بار بازتاب بینش رمانتیک این هنرمند بود. نمایشنامه‌های شکسپیر به هوگارت میل کرد که «نقشه‌ها را مانند یک نویسنده دراماتیک تفسیر کند».

ازدواج استیون باکینگهام با مری هاکس. دهه 1740

شباهت بین نقاشی‌های هوگارت و آثار نمایشی به‌ویژه در سومین و معروف‌ترین مجموعه طنز، شاهکار او «Marriage a la mode» آشکار می‌شود. در اینجا قدرت تماشایی هوگارث با درخشش خاصی نشان داده شد. نوآوری جسورانه او - توانایی نشان دادن درگیری های دراماتیک در "راس" جامعه انگلیسی، استعداد او به عنوان یک نقشه کش و رنگارنگ، که چیزهای زیادی از استادان فرانسوی آموخت.

ازدواج شیک 1745 حکاکی.

طرح داستان این مجموعه شامل شش نقاشی، ازدواجی است. یک اشراف ویران شده پسرش را به عقد دختر یک بورژوای ثروتمند در می‌آورد که می‌خواهد عضوی از اشراف شود - یک پدیده بسیار رایج در انگلستان در آن زمان. در باره. هوگارت در نقاشی "قرارداد ازدواج" - اولین تصویر مجموعه - توضیح داد که چگونه این ناسازگاری عمدی رخ می دهد.

کمی بعد از عروسی در حدود سال 1743.

صبح در خانه جوانان. از سریال ازدواج مد روز. 1743-1745. حکاکی.

داستان که با انعقاد یک معامله آغاز شد، با پایانی غم انگیز به پایان می رسد: مرگ کنت، با ضربات چاقو توسط معشوق کنتس، که برای این کار به چوبه دار می رسد، و خودکشی کنتس.

مجموعه نقاشی طنز «انتخابات پارلمانی» (1754) یکی دیگر از شاهکارهای هوگارت است. به سختی می توان در آن محکومیت مستقیم نظام سیاسی انگلیس را دید. هنرمند تنها جنبه های زشت پارلمانتاریسم انگلیسی را افشا می کند. شراب خواری به نام جلب همدردی رای دهندگان؛ رشوه همان مسخره انتخابات؛ پیروزی تیره و تار کسانی که به پارلمان راه یافتند - این چهار عمل از درام سیاسی است که روی بوم های هوگارت بازی می شود.

مجموعه «انتخابات پارلمان» که حاصل موضوعات اخلاقی مدرن است، در میان دیگر دستاوردهای فقید هوگارث - «پرتره خدمتکاران» و «دختری با میگو» قرار دارد. این پرتره ها گواه هنر هوگارت در دیدن زیبایی در واقعیت اطراف، همدردی های آشکار او و احترام او به مردم عادی است.

موارد فوق در درجه اول در مورد "دختری با میگو" صدق می کند. این اوج خلاقیت هنرمند است. این پرتره که با درخشندگی خارق‌العاده، ضربه‌های آزاد و سریع، و رنگ مایع و تقریبا شفاف نقاشی شده است، ویژگی‌های یک مطالعه زندگی و یک نقاشی تمام شده را با هم ترکیب می‌کند. رنگ‌های قهوه‌ای، خاکستری و صورتی در یک پالت مشترک ادغام می‌شوند و از هرج و مرج ضربه‌های قلم مو، چهره‌ای خندان به‌طور شگفت‌انگیزی ملایم و کمی فرسوده با چشمانی درخشان روی بوم ظاهر می‌شود. و این تصویر فروشنده میگو، پر از سرزندگی و رسا بودن، به عنوان بخشی از جمعیت پر سر و صدا لندن تلقی می شود.

فعالیت های هوگارت چند وجهی است: او رساله "تحلیل زیبایی" را منتشر کرد، جایی که او دیدگاه های خود را در مورد هنر بیان کرد. با حمایت سایر هنرمندان، به اجرای قانون حق چاپ مجلس دست یافت. آغازگر اولین نمایشگاه های هنری عمومی شد و بزرگترین مدرسه هنری را رهبری کرد.

هنر پر جنب و جوش و اصیل هوگارت تا حد زیادی شخصیت مکتب ملی انگلیسی را تعیین کرد. نقاشی‌های طنز، رویکرد دموکراتیک به موضوعات و زبان روشن و قابل فهم او راه را برای انتشار گسترده ژانر و نقاشی روزمره و شکوفایی سریع کاریکاتور انگلیسی در پایان قرن هجدهم هموار کرد. و تصادفی نیست که هنر هوگارث در میان معاصران بزرگ او سوئیفت و فیلدینگ و همچنین دیکنز و تاکری مورد قدردانی قرار گرفت. ویسلر هوگارث را بزرگترین هنرمند انگلیسی نامید. هنر "هوگارت بزرگ" توسط هنرمند فوق العاده روسی فدوتوف مورد مطالعه قرار گرفت...

بریتانیایی ها برای میراث فرهنگی خود ارزش قائل هستند، به نام کسانی که بر شکوه آن افزوده اند و افتخار آن هستند احترام می گذارند. در میان این نام ها اولین نام ویلیام هوگارث است.

در لستر فیلدز قدیمی (میدان لستر کنونی) که در اواسط قرن هفدهم تأسیس شده و مورد علاقه هوگارث است، در میان سینماهای مجلل، سالن‌های تئاتر، رستوران‌ها و کافه‌های واقع در میدان، گالری از مجسمه‌های چهره‌های برجسته را می‌بینیم. علم و فرهنگ در انگلستان یکی از آنها بنای مجسمه مجسمه هوگارث است. روی پایه بلند کتیبه ای وجود دارد: «ویلیام هوگارت. هنرمند. 1697-1764. نقاش دربار به پادشاه جرج دوم. در ضلع شرقی این میدان زندگی می کرد.»

B. Kudryavtsev. مجله "YUH"

این کدو تنبلی با صدای تهی و پشمالو از کدام هیولا می‌توانست بیاید؟ این کدو تنبل با صدای تهی و پشمالو رشد کرده است؟ مرد و هنرمند بودن، این تجسم احمق و ناتوان است.» او با عصبانیت نوشت. پسر الکساندر دومادرباره نقاشی گوستاو کوربه "خواب زده ها"(1866). من نمی دانم اگر نویسنده بزرگ نقاشی را ببیند چه می گوید؟ "منشا جهان"، که تنها در پایان قرن بیستم - یک قرن و نیم پس از ایجاد آن به عموم نشان داده شد؟ برای مدت طولانی، این نقاشی رسوایی در یک مجموعه خصوصی بود؛ اکنون در موزه اورسی به نمایش گذاشته شده است. هنوز یک نگهبان برای او تعیین شده است که برای جلوگیری از واکنش خشونت آمیز مخاطب طراحی شده است.

گوستاو کوربهبنیانگذار سبک هنری جدید - رئالیسم - در نظر گرفته می شود. ریچارد موتر نوشت: «او منفور بود زیرا با تسلط کامل بر هنر خود، به همان اندازه طبیعی می نوشت که دیگران می خورند، می نوشند یا صحبت می کنند.» در واقع، کار این هنرمند باعث رسوایی های بلند در طول زندگی او شد.

کوربه در 10 ژوئن 1819 در اورنانس در نزدیکی مرز سوئیس متولد شد. پدرش تاکستان هایی در نزدیکی اورنانس داشت. در سال 1831، این مرد جوان شروع به حضور در حوزه علمیه در اورنانس کرد و در سال 1837، به اصرار پدرش، وارد کالج حقوق در بزانسون شد. در این زمان، او همچنین در کلاس‌های آکادمی شرکت می‌کرد، جایی که استادش شارل آنتوان فلاژولو، شاگرد بزرگ‌ترین هنرمند کلاسیک فرانسوی، ژاک-لوئی دیوید بود. در سال 1839 کوربه به پاریس رفت و در آنجا با مجموعه هنری موزه لوور آشنا شد. او به ویژه تحت تأثیر هنرمندان کوچک هلندی و اسپانیایی، به ویژه ولاسکوز قرار گرفت. جوان کلاس های کارگاه های هنری را به فقه ترجیح داد. در سال 1844 نقاشی او "خود پرتره با یک سگ"در سالن پاریس به نمایش گذاشته شد (بقیه نقاشی های پیشنهادی او توسط هیئت داوران رد شدند). در همین سال‌ها تعداد زیادی سلف پرتره کشید، چندین بار از اورنان دیدن کرد و به بلژیک و هلند سفر کرد و در آنجا با فروشندگان نقاشی ارتباط برقرار کرد. یکی از خریداران آثار او هنرمند و مجموعه دار هلندی، یکی از بنیانگذاران مکتب نقاشی لاهه، هندریک ویلم مسداگ بود. در پاریس با و آنوره دامیر.

در پایان دهه 1840، جهت رسمی نقاشی فرانسه همچنان آکادمیک بود و آثار هنرمندان رئالیستی به طور دوره ای توسط برگزارکنندگان نمایشگاه رد می شد. در سال 1847، هر سه اثر او توسط هیئت منصفه رد شد. سالن همچنین نقاشی های استادان مشهوری مانند یوجین دلاکرواو تئودور روسو در سال 1871، کوربه به کمون پاریس پیوست، موزه های عمومی آن را مدیریت کرد و سرنگونی ستون واندوم (نماد معروف بناپارتیسم) را رهبری کرد. پس از سقوط کمون، او شش ماه در زندان گذراند و محکوم شد تا در هزینه های بازسازی ستونی که وی ویران کرده بود، مشارکت کند. این هنرمند را مجبور کرد تا به سوئیس بازنشسته شود و در 31 دسامبر 1877 در فقر درگذشت.

"عصر مسکو"شما را به یادآوری معروف ترین نقاشی های گوستاو کوربه دعوت می کند.

1. "خود پرتره با یک سگ سیاه" (1842)

اولین نقاشی کوربه که یک موفقیت واقعی بود در پاریس کشیده شد. این هنرمند خود را در حالی که در ورودی غار Plaisir-Fontaine (نزدیک به Ornans) روی زمین نشسته بود به تصویر کشید. در سمت چپ او یک عصا و یک دفتر طراحی قرار گرفته است؛ در سمت راست او، در پس زمینه منظره ای غرق در آفتاب، یک اسپانیل سیاه گوش چین دار در شبح تیره خودنمایی می کند. در آسمان و پس‌زمینه، چندین ضربه آزمایشی با چاقوی پالت ساخته شده‌اند، ابزاری که بعدها کوربه با مهارت زیادی از آن استفاده کرد. در ماه مه 1842، کوربه به والدینش نوشت: "من یک سگ دوست داشتنی، یک اسپانیل اصیل انگلیسی گرفتم - یکی از دوستانم آن را به من داد؛ همه آن را تحسین می کنند و در خانه اودو خیلی بیشتر از من از آن استقبال می کنند." دو سال بعد، این سلف پرتره درهای سالن را به روی Courbet باز خواهد کرد - افتخاری که همه مبتدیان سخت برای آن تلاش می کنند. این نقاشی در حال حاضر در کاخ موزه دو پتی در پاریس نگهداری می شود.

2. «بعد از ظهر در اورنانس» (1849)

برای رفتن به حالت مشاهده روی تصویر کلیک کنید

این نقاشی قبل از سال 1849 در یکی از بازدیدهای هنرمند از زادگاهش طراحی و تا حدودی کشیده شد. قبلاً در پاریس تکمیل شده بود. فیلولوژیست و داستان نویس فرانسیس ویدرباره ملاقاتش با کوربه نوشته است: «ما توسط یک مرد جوان بلندقد با چشمانی باشکوه، اما لاغر، رنگ پریده، زرد، استخوانی پذیرایی شدیم... او بی صدا سرش را به من تکان داد و دوباره روی چهارپایه مقابل سه پایه نشست که بوم "بعد از ظهر در اورنانس" ایستاده بود.<...>چرا هنوز با چنین استعداد نادر و شگفت انگیزی مشهور نشده اید؟ - داد زدم. «هیچ کس تا به حال مثل شما ننوشته است!» «درست است! - هنرمند با لهجه دهقانی یکی از ساکنان فرانش-کونت پاسخ داد. "من مثل یک خدا می نویسم!"

3. "سنگ شکن" (1849)

برای رفتن به حالت مشاهده روی تصویر کلیک کنید

کوربه در نامه‌ای به فرانسیس وی، این نقاشی را توصیف می‌کند و در مورد شرایطی که باعث ایده‌اش شد، صحبت می‌کند: «من سوار بر گاری‌مان به سمت قلعه سنت دنیس، نزدیک سین‌واره، نه چندان دور از Mezières بودم و توقف کردم. برای نگاه کردن به دو نفر - آنها نمایانگر تجسم کامل فقر بودند. بلافاصله فکر کردم که این موضوع یک نقاشی جدید است، هر دوی آنها را صبح روز بعد به آتلیه ام دعوت کردم و از آن زمان روی نقاشی کار می کنم ... در یک طرف بوم پیرمردی هفتاد ساله وجود دارد که روی کارش خم شده است، چکشش بالا رفته است، پوستش برنزه شده، سرش با کلاه حصیری سایه می اندازد، شلوارهایی از پارچه درشت همه اینها هستند. به صورت تکه‌ای، پاشنه‌ها از جوراب‌های پاره و پاره‌های آبی بیرون می‌آیند که در پایین پاره شده‌اند. در طرف دیگر پسر جوانی با سر خاک‌آلود و صورت تیره دیده می‌شود. از میان یک پیراهن چرب و پاره‌شده کناره‌ها و شانه‌های برهنه، چرم قابل مشاهده است. آویزهایی که زمانی شلوار بودند، کفش‌های چرمی کثیف با سوراخ‌هایی در هر طرف، پیرمردی روی زانو، مردی که سبدی از آوار را می‌کشید. افسوس! این همان چیزی است که بسیاری از مردم زندگی خود را آغاز می کنند و به پایان می رسند.» در رمان "بیزه از سرین"، کمی بعد نوشته شد، فرانسیس وی از عباراتی از نامه کوربه تقریباً کلمه به کلمه برای توصیف دو سنگ شکن در کنار جاده استفاده کرد. سیاستمدار، فیلسوف و جامعه شناس مشهور فرانسوی پیر جوزف پرودوندر سال 1864 کوربه را اولین هنرمند واقعی اجتماعی و «سنگ شکن» را اولین نقاشی اجتماعی نامید.

4. "سلام آقای کوربه!" (1854)

برای رفتن به حالت مشاهده روی تصویر کلیک کنید

در می 1954، کوربه به دعوت یک بشردوست و مجموعه دار معروف به مونپلیه سفر کرد. آلفردو برویا. در این نقاشی، هنرمند خود را با عصا و کوله پشتی در لحظه ای که برویه، خدمتکار و سگی در جاده با او روبرو شدند، به تصویر کشید. این نقاشی که با رئالیسم افراطی کشیده شد، در نمایشگاه جهانی پاریس در سال 1855 شور و هیجانی ایجاد کرد. کوربه قهرمان یک هنر جدید ضد روشنفکری و فارغ از قراردادهای نقاشی آکادمیک اعلام شد. کوربه تصاویری را بر اساس موضوعات واقعی ترسیم می کرد و این به ویژه تأثیر جدی بر کار امپرسیونیست ها داشت. آنها می گویند وقتی از او خواسته شد که مجسمه های فرشتگان را در نقاشی کلیسا تکمیل کند، او پاسخ داد: "من هرگز فرشته ای ندیده ام، فرشته ای را به من نشان دهید تا آن را نقاشی کنم."

5. "خواب زده ها" (1866)

برای رفتن به حالت مشاهده روی تصویر کلیک کنید

در تصویری که به معنای واقعی کلمه اروپای بورژوایی را منفجر کرد، دو زن برهنه در آغوشی روی تختی که با ملحفه ای سفید پوشانده شده دراز کشیده اند، در نتیجه صحنه ارائه شده به بیننده به نظر صحنه ای از عشق لزبین است. یک گردنبند مروارید پاره و یک ملحفه نامرتب فقط این حس را تشدید می کند. این بوم به حدی مردم را خشمگین کرد که مطبوعات به معنای واقعی کلمه با فریاد خشمگین منفجر شدند. ارزش هنری نقاشی تنها سال ها بعد، زمانی که رسوایی فروکش کرد، آشکار شد.

"خود پرتره با یک سگ سیاه" ، نوشته شده است کوربت در سال 1842، اعتماد به نفس ناشی از چهره این هنرمند جوان شگفت زده می شود.

کوربه مانند یک دانشمند طبیعی لباس می پوشد: او هم بینش هنری و هم دانش عملی دارد (فراموش نکنیم که کوربه از یک خانواده دهقانی است). سگ سیاهی که در کنار او با موهای موج دار بلند نشسته است، نه تنها بر فرهای خود کوربه تأکید می کند، بلکه با طنین انداز سیلوئت روان شنل او، نوعی تجسم طبیعتی است که به هنرمند تسلیم شده است.

زیبایی شناسی رفتار، همراه با ساختار کلی پلاستیکی تصویر، و همچنین جزئیات بسیار خاص مانند تأکید بر روی دست، نشان می دهد که مقایسه با «خود پرتره در یک آینه محدب» اثر پارمیجانینو جوان که آمده است. برای فتح رم در سال 1524.

قبلاً در زیر این «خود پرتره با یک سگ سیاه» اولیه می‌توان بیانیه بعدی کوربه را امضا کرد، «غرش اقیانوس قدرتمند است، اما غرش شکوه من را خفه نمی‌کند». قطعا کوربه مصمم است: حالت بدنی، سر بلند شده با غرور، لباس های تیره به او شباهتی به شاهزاده اسرارآمیزی می دهد که از تبعید بازگشت تا تاج و تختی را که متعلق به اوست به دست بگیرد. سه دهه می گذرد، کوربه واقعاً به تبعید می رود، و خودنگاره هایی که یک سبزه خوش تیپ را به تصویر می کشند، جای خود را به طبیعت های بی جان تمثیلی با ماهی قزل آلای خونریزی می دهند.

نوع مد مشابه: ژاکو ون دن هوون

نام: یوجین دلاکروا

سن: 15 سال

همکلاسی یوجین دلاکروا بعداً ظاهر دلاکروا نوجوان را به یاد آورد: پسری با پوست زیتونی، چشمانی براق، چهره ای پر جنب و جوش، گونه های فرورفته، با لبخندی تمسخر آمیز که همیشه روی لب هایش نقش می بندد. او لاغر، با هیکلی برازنده و موهای پرپشت و مواج تیره اش گواه اصل جنوبی او بود." خوب، این توصیف برای اولین پرتره ساخته شده توسط عموی هنرمند کاملاً رضایت بخش است. با این حال، تصویر کامل تری از ویژگی های صورت دلاکروا جوان توسط یک آبرنگ نقاشی شده چند سال بعد ارائه می شود. نویسنده ناشناخته است، با این حال، تعجب آور نیست: سبک او به وضوح با اصالت آن متمایز نشد، اگرچه دقیقاً به همین دلیل است که این پرتره برای ما جذابیت خاصی دارد. بیایید به وظیفه شناسی هنرمندی امیدوار باشیم که نقاشی آنچنان فریفته نیست که ویژگی های شخصی را که در جستجوی بیانگری به تصویر کشیده می شود مخدوش کند.

یک سر بزرگ، موضوع اصلی تمسخر همسالانش، با فرهای بزرگ، گونه های پهن و چانه ای نوک تیز با گودی - چهره مرد جوانی که در پرتره به تصویر کشیده شده است کاملاً در یک مدال قلب قرار می گیرد.

یک لبخند مبهم و بسیار مبهم روی لب های باز شده نقش می بندد و یک گوشه به سمت بالا خم می شود. ابروها به سختی در هم کشیده شده اند. نگاه چشمان درشت او، ملایم و در عین حال کنجکاو، بیشتر از چیزی که برای ایجاد یک "زاویه نجیب" لازم است، به سمتی معطوف می شود، گویی چیزی توجه او را به خود جلب کرده است. در اینجا تصویری از سخنان جولیان در مورد دوران کودکی دلاکروا است: در میانه یک بازی یا وسط یک درس، او می توانست، با فراموش کردن همه چیز، غوطه ور شود، و سپس ناگهان رویاپردازی با انفجار نوعی فعالیت طوفانی جایگزین شد، و سپس معلوم شد که بسیار زیاد است. سرزنده تر و شیطنت تر از رفقایش» .

نوع مد مشابه: بنیامین ایدم

نام: ژان آگوست دومینیک اینگر

سن: 20 سال

ژاک لویی دیوید، "پرتره ژان آگوست دومینیک اینگر"، 1800.

در پرتره اولیه ای که دیوید کشیده بود، ژان آگوست دومینیک اینگر او هنوز کاملاً جوان است، اما برخلاف دلاکروا، که در پرتره ژریکولت به همان اندازه جوان است، به هیچ وجه نمی توان او را پسر نامید. علیرغم گردی کودکانه صورت و موهای ژولیده مانند گنجشک، وضعیت رهبر آینده آکادمیک فرانسه اعتماد به نفس آرامی را ساطع می کند، در چین های سرسختی که از گوشه لب او می آید، می توان هدفمندی را خواند، در ابروهای اخم شده - آنها را مقایسه کنید. با نیم دایره های گیج شده ابروهای دلاکروا - می توان استقامت را احساس کرد. طرح کلی رنگ - گرم، بسیار "زمینی" - تصور شخصی را که به طور معقول به چیزها نگاه می کند، افزایش می دهد، که توسط چهره مرد جوان ایجاد می شود.

دقیقاً همین ویژگی ها - پشتکار، یکپارچگی شخصیت، جدیت - بود که با قضاوت بر اساس خاطرات اتین دلکلوز، در کارگاه دیوید، انگرس را متمایز کرد. رشد اولیه شخصیت نیز به دلیل مشکلات مالی که انگرس در جوانی با آن روبرو بود تسهیل شد: والدینش درآمد زیادی نداشتند و در حالی که در تولوز نقاشی می خواند، در ارکستر تئاتر کاپیتول بازی می کرد. با انتقال انگرس به پاریس، وضعیت به سمت بهتر شدن تغییر خواهد کرد، جایی که این هنرمند جوان پس از کسب شهرت به عنوان بهترین شاگرد دیوید، شروع به کسب درآمد با پرتره کرد. رابطه بین ژاک لوئیس دیوید افسانه ای و شاگرد جدیدش آسان نبود. بیگانگی دیوید با مدلش در پرتره مورد بحث مربوط به سال 1800 نیز احساس می شود: به نظر می رسد که دیوید سعی نمی کند به شخصیت انگرس نفوذ کند و او نیز به نوبه خود عجله ای برای باز شدن با او ندارد.

نوع مد مشابه: نیلز باتلر

IV

نام: پابلو پیکاسو

سن: 19 سال

شاید مشهورترین سلف پرتره اولیه پابلو پیکاسو - از آغاز قرن حاضر که نمادین است - همه کسانی را که برای اولین بار می بینند شگفت زده می کند. برای هنرمند غیرمشخصه تصویری کاملاً جلویی از صورت است که در آن ضربات مورب خشن با سایه دودی متناوب می شود، شبیه به نحوه ظاهر شدن اولین نشانه های بزرگ شدن در صورت یک پسر.
یکی از استعاره های مورد علاقه قرن بیستم یک آینه است، دری به دنیایی دیگر، سفری که تقریباً مطمئناً خطرناک و ناخوشایند خواهد بود. در سلف پرتره، به نظر می رسد پیکاسو در حال مطالعه انعکاس خود است، شجاعت پیدا می کند تا به خود آن گونه که واقعاً هست نگاه کند، بدون اینکه با کنایه از خود در برابر دنیای بیرون دفاع کند، بدون اینکه همه چیز را به شوخی تبدیل کند، بدون اینکه با مالیخولیایی جذب کننده دست و پنجه نرم کند. . او بر سر دوراهی ایستاده است: آیا به اعماق سرگیجه آور قدم بگذارد یا در این سوی واقعیت بیرونی باقی بماند - و اولین را انتخاب می کند. تعجب آور نیست، زیرا می دانیم که این پیکاسو بود که بعداً دیدگاه کوبیسم را کشف کرد، که مهمترین مؤلفه آن دیدگاه «از درون» است.

نوع مد مشابه: باستین فن گالن

نام: اگون شیله

سن: 17 سال

قبل به روشی خلاقانه اگون شیله به معنای واقعی کلمه، یک تغییر شگرف رخ داد؛ کارهای او، مانند خودش، بسیار صاف و خشن به نظر می رسید. من حتی نمی توانم باور کنم که این پسر مدرسه ای گونه های گلگون با کمان و شیطان روان رنجور و ژولیده با نقاشی های پر از نمایشگاه گرایی ناامید، یک نفر باشند. با این حال، پسر آنقدرها هم که به نظر می رسد ساده نیست: او نه از گوشت و خون، بلکه از نوعی ماده تصویری فوق سنگین که بار عظیمی از انرژی تاریک دارد، خلق شده است. به چشم ها توجه کنید: آنقدر بزرگ که باید زیبا به نظر برسند، اما بدون رنگ سفید، فاقد هرگونه بیان انسانی هستند. اینها چشم یک حیوان است، چشم یک موجود، نه یک شخص. نور مایل به آبی روی صورت و تار موی ضخیم می‌افتد و میدان رنگارنگ را از هر گونه گرما و راحتی محروم می‌کند. یک رژگونه سالم به تب و تب و لبخند دلپذیر به پوزخندی مبهم تبدیل می شود.