شهری در ایتالیا که به دلیل تولید آلات موسیقی معروف است. موسیقی ایتالیایی. آلات موسیقی و آهنگ های محلی ایتالیایی

موسیقی ایتالیا در سراسر جهان شناخته شده است. هیچ کشوری و هیچ قاره ای وجود ندارد که چیزی در مورد آن شنیده نشده باشد. ایتالیا را مهد هنر موسیقی می دانند، کشوری که بزرگترین ژانر - اپرا را به جهان داد. در این مقاله اطلاعات جالبی از تاریخ فرهنگ موسیقی این ایالت آفتابی را با شما به اشتراک خواهیم گذاشت.

آیا حدی برای کمال وجود دارد؟

خانه اپرای لا اسکالا میلان یکی از نمادهای اصلی ایتالیا محسوب می شود. چرا او چنین شناخت و عشق تمام جهان را به دست آورد؟ همه چیز ساده نیست - تئاتر در همه چیز عالی است. ساختمانی فوق‌العاده زیبا، با سبکی ساده، آکوستیک عالی، چیدمان دقیق صندلی‌ها در سالنی مجلل تزئین شده، همیشه با استعدادترین مجریان و بازیگران، رهبران ارکستر و حتی موسیقی درخشان‌تر... خوب، و بیشتر مهم این است که اعتقاد بر این است که تئاتر در مکانی ایده آل برای این فضا ساخته شده است. و همه به این دلیل است که در حین حفاری قلمرو برای ساخت آن، سازندگان یک قطعه سنگ مرمر عظیم را کشف کردند که بر روی آن مشهورترین بازیگر روم باستان، میم پیلادس، حک شده بود. چنین یافته ای یک نشانه واقعی از بالا در نظر گرفته شد که صحت انتخاب مکان را تأیید می کند - اما اگر یکی از بزرگترین تراژدی های دوران باستان شخصاً به آن اشاره کند چگونه دیگر؟

قربانیان آواز زیبا

و این کشور آفتابی همچنین زادگاه بل کانتو در نظر گرفته می شود - یک سبک خوانندگی فاخر و ظریف که تمام جهان را تسخیر کرده است، سبکی که بدون آن موسیقی باروک در ایتالیا غیر قابل تصور است. و به راستی چگونه می توان بی تفاوت ماند اگر همه خوانندگان این سبک از نظر صدایشان تقریبا بی نقص باشند؟ دامنه صوتی غیرمعمول گسترده ای که بر صداهای بسیار بالا تأثیر می گذارد، رنگارنگی درخشان، پیچیده ترین معابر و مدت تنفس غیرقابل تصور. همه چیز خوب خواهد بود، اما عمدتا مردان بر این هنر تسلط داشتند.

برای آموزش هنر آواز زیبا، پسران کوچک با استعداد انتخاب و به موسسات آموزشی ویژه فرستاده شدند. در آنجا به مدت چندین سال روزانه به خوانندگان جوان آموزش آواز می دادند. اگر کودکی توانایی های برجسته ای در خوانندگی نشان می داد، تحت اخته قرار می گرفت تا پس از به اصطلاح "شکستن" صدایش، کیفیت آواز او تغییر نکند. از چنین کودکانی خواننده هایی با صدای فوق العاده بزرگ شدند. یکی از مشهورترین خوانندگان کاستراتو کارلو بروشی (فارینلی) است.

اما چنین "مد" برای انجام این عملیات وحشتناک با کودکان از کجا آمده است؟ از آنجا، از جایی که به قول خودشان انتظار نداشتند. خوانندگان کاستراتی از قرن سوم برای آواز خواندن در مراسم کلیسا آموزش دیده اند. شرکت زنان در آواز کاتولیک به شدت ممنوع بود و صداهای بلند ضروری بود. هنر بل کانتو در نیمه دوم قرن هفدهم شکوفا شد.

هنگامی که نام خانوادگی الزام می کند

یکی از رایج‌ترین نام‌های خانوادگی در میان پدیدآورندگان هنر اواخر قرن پانزدهم تا شانزدهم، آلگری است. شاید اگر رابطه مستقیم این کلمه با یک اصطلاح موسیقی نبود، هیچکس به آن توجه نمی کرد. آلگرو در موسیقی برای نشان دادن تمپو، ماهیت یک قطعه موسیقی و حتی قطعات آن استفاده می شود. بنابراین ، اصلاً تعجب آور نیست که در بین سازندگان دوره اعلام شده ، چندین آهنگساز چنین نام خانوادگی را داشتند. اما ما تنها به یکی، معروف ترین، خواهیم پرداخت.

گرگوریو آلگری بیشتر عمر خود را وقف کار در کلیسای سیستین در واتیکان کرد و در آنجا کاملاً خود را وقف موسیقی کلیسا کرد. معروف ترین اثر او Miserere نام دارد. نام اثر با کلمه اول متن آن - "Miserere" در لاتین به معنی "رحمت کن". او را معیار زمان خود، بزرگترین شاهکار موسیقی ایتالیا می دانند. و شاید این آفرینش در طول زمان در تاریخ موسیقی فراموش می شد، اگر نه برای یک اما. واتیکان کپی برداری از آن و خارج کردن آن از کلیسا را ​​به شدت ممنوع کرد و در صورت نقض این فرمان تهدید به تکفیر کرد. همینطور بود تا اینکه یک روز W. A. ​​Mozart این اثر را شنید. وقتی به خانه رسید، آن را از حافظه یادداشت کرد. بنابراین کار آلگری دنیا را دید و این نابغه 14 ساله هرگز مجازات نشد.

البته در موسیقی اولیه ایتالیا چیزهای جالب زیادی وجود دارد که می توانید در مورد آنها بیشتر صحبت کنید. این بزرگترین و ارزشمندترین لایه فرهنگ جهانی است که بر هنر موسیقی کل جهان تأثیر گذاشته است. او نقش ویژه ای برای کشور ما داشت. ایتالیایی ها نه تنها روس ها را با ژانر اپرا آشنا کردند، بلکه آهنگسازان روسی را نیز یاد دادند که چگونه آن را بسازند. اما این یک داستان کاملا متفاوت است، اما نه کمتر جالب.

ویدئو: به موسیقی ایتالیا گوش دهید

از نظر فرهنگی، ایتالیا استادان بی‌نظیری در زمینه هنر به دنیا داده است. اما خود خالقان نابغه ایتالیایی تحت تأثیر فرهنگ عامیانه، از جمله. آهنگ های ملودیک ایتالیایی تقریباً همه آنها دارای نویسندگانی هستند که با این حال مانع از نامیده شدن آنها به عنوان عامیانه نمی شود.

این احتمالاً به دلیل عشق طبیعی ایتالیایی ها به ساخت موسیقی است. این بیانیه در مورد تمام مناطق ایتالیا از جنوب ناپل تا شمال ونیز صدق می کند که جشنواره های آهنگ بسیاری که در این کشور برگزار می شود تأیید می شود. آهنگ ایتالیایی در سراسر جهان شناخته شده و دوست داشتنی است: والدین ما هنوز "Bella Chao" و "On the Road" را به یاد می آورند - آهنگ های محلی ایتالیایی که توسط مسلم ماگومایف خوانده می شود و به عنوان بهترین اجرا کننده آهنگ در این کشور شناخته می شود.

آهنگ های فولکلور ایتالیایی از زمان های بسیار قدیم

اگر زبان ایتالیایی تا قرن 10 توسعه یافت، پس محققان ظهور آهنگ های محلی ایتالیایی را به همان آغاز قرن سیزدهم نسبت می دهند. این ترانه‌هایی بود که شعبده بازان و خنیاگران سرگردان در روزهای تعطیل در میادین شهر می خواندند. موضوع برای آنها عشق یا داستان های خانوادگی بود. سبک آنها تا حدودی خشن بود که برای قرون وسطی کاملاً طبیعی است.

معروف ترین آهنگی که به دست ما رسیده است "Contrasto" ("مشاهده عشق") از Chullo d'Alcamo سیسیلی نام دارد. این در مورد گفتگوی بین یک دختر و یک مرد جوان عاشق او است. علاوه بر این، آهنگ های دیالوگ مشابهی شناخته شده است: "نزاع بین روح و بدن"، "مشاهده بین سبزه و بلوند"، "نزاع بین بیهوده و عاقل"، "نزاع بین زمستان و تابستان" .

در دوران رنسانس، مد برای ساخت موسیقی روزمره در میان ساکنان ایتالیا گسترش یافت. مردم عادی شهر در محافل عاشقان موسیقی جمع می شدند و در آنجا آلات مختلف می نواختند، کلمات و ملودی ها را می ساختند. از آن زمان، آهنگ ها در بین تمام اقشار مردم رایج شده و در همه جای ایتالیا به صدا درآمده است.

آلات موسیقی و آهنگ های محلی ایتالیایی

صحبت از فولکلور، غیرممکن است که از سازهایی که با همراهی آنها اجرا شده اند، صحبت نکنیم. در اینجا برخی از آنها آورده شده است:

• ویولنی که در قرن پانزدهم ظاهر مدرن خود را پیدا کرد. این ساز با منشاء ملی بسیار مورد علاقه ایتالیایی ها است.
• عود و نسخه پیرنه ای آن از ویهولا. سازهای کنده شده در قرن چهاردهم در سراسر ایتالیا گسترش یافت.
• تنبور. نوعی تنبور که از پروونس به ایتالیا آمده است. رقصنده هنگام اجرای تارانتلا آنها را به سمت خود همراهی کرد.
• فلوت. در قرن XI گسترده می شود. اغلب توسط نوازنده همراه با تنبور استفاده می شود.
• گردی گُردی یک ساز بادی مکانیکی است که در قرن هفدهم در ایتالیا رایج شد. پاپا کارلو را به یاد بیاورید.

آهنگ فولکلور ایتالیایی "سانتا لوسیا" - تولد موسیقی ناپل

ناپل پایتخت منطقه کامپانیا، معروف‌ترین شهر در جنوب ایتالیا و زادگاه آهنگ فولکلور ناپلی، زیبای "سانتا لوسیا" است.

طبیعت زیبای غیرمعمول، آب و هوای معتدل و موقعیت مناسب در سواحل خلیجی به همین نام، این شهر و نواحی اطراف آن را برای فاتحان متعدد و ساکنان عادی به شدت جذاب کرده است. برای بیش از 2500 سال، این شهر فرهنگ های بسیاری را پذیرفته و بازاندیشی کرده است که نمی تواند بر سنت های موسیقی منطقه تأثیر بگذارد.

تولد آهنگ محلی ناپلی را آغاز قرن سیزدهم می دانند، زمانی که آهنگ "خورشید طلوع می کند" بسیار محبوب بود. این طلوع رنسانس ایتالیاست. زمان توسعه سریع شهرهای ایتالیا و آغاز ظهور آگاهی بشر از قرون تاریک. در این دوره، مردم دیگر رقص ها و آهنگ ها را گناه تلقی نمی کردند و به خود اجازه می دادند از زندگی لذت ببرند.

در قرون XIV-XV. دوبیتی های طنز در بین مردم رواج داشت که با موضوع روز سروده می شد. در نیمه دوم قرن پانزدهم، ویلانلا (آواز دهکده ایتالیایی) در ناپل متولد شد - دوبیتی‌هایی که با چند صدا با همراهی عود اجرا می‌شدند.

با این حال، اوج آهنگ فولکلوریک ناپلی که برای ما شناخته شده است به قرن نوزدهم می رسد. در این دوره بود که مشهورترین آهنگ ایتالیایی "سانتا لوسیا" توسط تئودورو کوتراو منتشر شد. در ژانر بارکارول (از کلمه barka) نوشته شده است که به معنی "آواز قایقران" یا "آواز روی آب" است. این آهنگ به گویش ناپلی اجرا شد و به زیبایی های شهر ساحلی سانتا لوسیا تقدیم شد. این اولین اثر ناپلی است که از یک گویش به ایتالیایی ترجمه شده است. توسط انریکو کاروسو، الویس پریسلی، روبرتینو لورتی و بسیاری دیگر از هنرمندان مشهور جهان اجرا شد.

متن اصلی ناپل

Comme se fr?cceca la luna chiena…
لو مادی سوار، ll'aria؟ سرنا…
Vuje che facite 'mmiez'a la via?
سانتا لوسیا! سانتا لوسیا!

II Stu viento frisco، fa risciatare، chi v?’ spassarse j?nno pe’ mare…
E’ pronta e lesta la varca mia… سانتا لوسیا!
سانتا لوسیا! III لا تاننا؟ پستا پف؟ نا سینا…
e quanno stace la panza chiena، non c'? la m?nema melanconia!

سانتا لوسیا! سانتا لوسیا!
P?zzo accostare la varca mia?
سانتا لوسیا!
سانتا لوسیا!…

متن کلاسیک ایتالیایی (انریکو کوسوویچ، 1849)

Sul mare luccica l'astro d'argento.

Sul mare luccica l'astro d'argento.
پلاسیدا؟ لئوندا، پروسپرو؟ il vento

سانتا لوسیا! ونیت همه چابک بارچتا میا، سانتا لوسیا! سانتا لوسیا!

Con questo zeffiro، cos؟ soave، اوه، com'؟ بلا استار سولا ناو!
Su passegieri، venite via!
سانتا لوسیا!
سانتا لوسیا!

Su passegieri، venite via!
سانتا لوسیا!
سانتا لوسیا!

In fra le tende، Bandir la cena In una sera cos؟ سرنا،

سانتا لوسیا!
سانتا لوسیا!
چی نون دیماندا، چی نون دسیا.
سانتا لوسیا!
سانتا لوسیا!


مادیان؟ placida، ventos؟ کارو،
اسکوردار فا ای تریبولی آل مارینارو،
E va gridando con allegria،
سانتا لوسیا! سانتا لوسیا!

E va gridando con allegria،
سانتا لوسیا! سانتا لوسیا!


ای دولچه ناپولی، ای سوول بیتاتو،
Ove sorridere volle il creato،
Tu sei l' Impero dell'armonia،
سانتا لوسیا! سانتا لوسیا!

Tu sei l' Impero dell'armonia،
سانتا لوسیا! سانتا لوسیا!


یا چه دیرته؟ بلا؟ لا سرا
Spira un'auretta fresca e leggiera.
ونیت همه چابک بارچتا میا، سانتا لوسیا!
سانتا لوسیا!

ونیت همه چابک بارچتا میا، سانتا لوسیا!
سانتا لوسیا!

متن روسی

دریا کمی نفس می کشد
در استراحت خواب آلود
زمزمه موج سواری از دور به گوش می رسد.
ستاره های بزرگ در آسمان روشن شدند، سانتا لوسیا، سانتا لوسیا!
آه، چه عصری - ستاره ها و دریا!
باد ملایم از کوهپایه ها می وزد.

او رویاهای طلایی می آورد،
سانتا لوسیا، سانتا لوسیا!
قایق مانند یک قو
شناور می شود،
ستاره های آسمان
آنها به شدت می درخشند.

آهنگ شگفت انگیز
در شب می شنوم
سانتا لوسیا،
سانتا لوسیا!
عصر بر فراز دریا
پر از کسالت
بی صدا پژواک می کنیم
آهنگ آشناست

اوه ناپل من
توسط اقوام داده شده است
سانتا لوسیا،
سانتا لوسیا!
مهتاب
دریا می درخشد.

باد مساعد
بادبان بلند می شود.
قایق من سبک است
پاروها بزرگ هستند...
سانتا لوسیا،
سانتا لوسیا!

پشت پرده
قایق ها خلوت
می توان اجتناب کرد
چشم های بی حیا
نحوه نشستن
اینجوری شبا؟

سانتا لوسیا،
سانتا لوسیا!
ناپل فوق العاده من
ای سرزمین دوست داشتنی
جایی که لبخند می زند
ما طاق بهشت ​​هستیم

شور و شوق در روح
ریختن غیر زمینی...
سانتا لوسیا،
سانتا لوسیا!
ما مارشمالوهای سبک هستیم
بیایید با عجله به راه دور برویم
و ما مانند مرغ دریایی بر فراز آب بلند خواهیم شد.

اوه از دست نده
ساعت طلا...
سانتا لوسیا،
سانتا لوسیا!

دریا آرام است
همه تحسین می کنند
و وای بر ملوانان
فورا فراموش کنید
آنها فقط آواز می خوانند
آهنگ ها تند و تیز هستند

سانتا لوسیا،
سانتا لوسیا
دیگر منتظر چه هستی؟
آرام در دریا
ماه می درخشد
در فضای آبی
قایق من سبک است
پاروها بزرگ هستند...

سانتا لوسیا،
سانتا لوسیا!
***

به آهنگ فولکلور ایتالیایی سانتا لوسیا با اجرای آناستازیا کوژوخوا گوش دهید:

علاوه بر این، یکی دیگر از آهنگ های ناپلی "Dicitencello vuie" نیز در کشور ما معروف است، ما بیشتر با نام "دختر را به دوست دخترت بگو" می شناسیم. این آهنگ در سال 1930 توسط آهنگساز رودولفو فالوو با اشعار انزو فوسکو نوشته شد. نسخه روسی زبان توسط اکثر هنرمندان داخلی از سرگئی لمشف تا والری لئونتیف اجرا شد. این آهنگ علاوه بر روسی به بسیاری از زبان های دیگر نیز ترجمه شده است.

آهنگ های ناپلی به طور بی سابقه ای در سراسر جهان شناخته شده و محبوب هستند. این را یک حادثه ای که در بازی های المپیک آنتورپ در سال 1920 رخ داد، نشان می دهد. در جریان اهدای جوایز به تیم ایتالیایی، مشخص شد که ارکستر بلژیک نت آهنگ سرود ایتالیا را در اختیار ندارد. و سپس ارکستر "اوه، خورشید من" ("O sole mio") را ترک کرد. با اولین صداهای این ملودی، حاضران در ورزشگاه همراه با دکلمه آهنگ شروع به خواندن کردند.

در مورد سنت های آواز ناپل و اطراف آن، نمی توان به جشنواره Piedigrotta اشاره کرد که هر ساله در اوایل سپتامبر برگزار می شود. Piedigrotta یک غار واقع در نزدیکی ناپل است که زمانی به عنوان یک پناهگاه بت پرست خدمت می کرد. در سال 1200 برای تقدیس این مکان، کلیسای مریم مقدس در اینجا برپا شد که به Piedigrotta معروف شد که به معنای "در پای غار" است.

با گذشت زمان، عبادت مذهبی مریم باکره و جشن های بزرگداشت او به مسابقه-جشنواره آهنگ تبدیل شد. در طول این جشنواره موسیقی، بهترین شاعران و خوانندگان محلی ناپل به رقابت می پردازند. گاهی پیش می آید که دو آهنگ به یک اندازه امتیاز می گیرند. و سپس تماشاگران به دو اردو تقسیم می شوند که هرکدام آماده هستند تا با مشت از ملودی مورد علاقه خود دفاع کنند. اگر هر دو آهنگ واقعا خوب باشند، دوستی برنده می شود و تمام شهر این آهنگ های مورد علاقه را زمزمه می کنند.

آهنگ فولکلور ایتالیایی "Happy"

این اثر متعلق به اشعار عاشقانه است، اما کلمات متن متوجه خیانت و بادگیری جوانی می شود. داستان از نگاه دختری روایت می‌شود که انگار به دوستش رو می‌کند و می‌پرسد: آیا او می‌داند پشت نگاه‌های عشوه‌گرانه پریان به توپ‌ها چه چیزی پنهان است؟ خود دختر هنوز عاشق کسی نیست و بنابراین خود را شادترین و "جذاب تر از همه ملکه ها" می داند. یک زن جوان ایتالیایی در میان گل های مروارید و بنفشه ها قدم می زند، به صدای جیک پرندگان گوش می دهد و برای آنها آواز می خواند که چقدر خوشحال است و می خواهد برای همیشه فقط آنها را دوست داشته باشد.

در واقع، به دقت اشاره شده است که تا زمانی که عشق شما به شخص دیگری به یک وابستگی دردناک تبدیل نشود، زمانی برای لذت بردن از زندگی، طبیعت و همه افراد اطرافتان وجود دارد. وقتی از حسادت و اضطراب می سوزید همه اینها کجاست.

به آهنگ فولکلور ایتالیایی "Happy" به زبان روسی با اجرای آناستازیا تپلیاکوا گوش دهید:

طنز در آهنگ های فولکلور ایتالیایی: درباره "پاستا" بخوان

شخصیت سبک و شاد ایتالیایی به استفاده گسترده از آهنگ های طنز کمک کرد. در میان چنین آثاری، شایان ذکر است آهنگ "Pasta" که به این غذای واقعا ایتالیایی اختصاص دارد. با خواندن این آهنگ یتیمان و کودکان خانواده های فقیر با التماس صدقه از رهگذران امرار معاش می کردند. بسته به جنسیت اجراکننده، نسخه های مرد و زن از متن وجود دارد. این آهنگ با ریتم یک تارانتلا ساخته شده است.

تارانتلا یک رقص محلی است که از قرن پانزدهم اجرا می شود. به عنوان یک قاعده، تارانتلا بر اساس یک موتیف ریتمیک تکرار می شود. جالب اینجاست که رقصیدن با این آهنگ وسیله ای شفابخش برای افرادی که توسط رتیل گزیده شده بودند در نظر گرفته می شد. مدت هاست که نوازندگان در جاده های ایتالیا سرگردان بوده و این ملودی را مخصوص بیماران مبتلا به "تارانتیسم" اجرا می کنند.

ماکارونی (نسخه مردانه) ترجمه M. Ulitsky

1. من در میان خرابه ها زندگی می کنم.
بیشتر شاد تا غمگین.
من در میان خرابه ها زندگی می کنم.
بیشتر شاد تا غمگین.

من با کمال میل یک میز تخت و یک خانه با بالکن برای پاستا می دهم.

2. این غذای خوشمزه دوست خوب مردم عادی است.
این غذای خوشمزه دوست خوب مردم عادی است.

اما افراد مهم پاستا را با سس هم می خورند.

3. آیا می خواهید بدانید که چگونه دلقک قرمز در حال مرگ زنده ماند؟
آیا می خواهید بدانید دلقک قرمز در حال مرگ چگونه زنده ماند؟

شوتوسکایا تاج خود را برداشت و آن را با ماکارونی عوض کرد.

4. تارانتلای ما خوانده می شود، با کی برم شام؟
تارانتلای ما خوانده می شود، با کی بروم شام؟

فقط فریاد بزنید: "ماکارونی!" - همراهان بلافاصله ظاهر می شوند.

پاستا (نسخه زنانه)

من از زیتون سیاه ترم
من تنهام بی خانمان سرگردان
و به صدای تنبور
من حاضرم تمام روز برقصم
من برای شما یک تارانتلا خواهم خواند
فقط مهربان باش
سولدو بده و بخر
ماکارونی، پاستا.

دوست من پولسینلو
زخمی در قلب یک تیر بود
فقط من نمی خواستم پولسینلو همسر شود.
نزدیک بود به خودش شلیک کند
تقریباً از بالکن پرید
اما او از شور و شوق درمان شد،
فقط در حال قورت دادن ماکارونی

برادرم را به پیاده روی بردم،
پس از او، محبوب رفت،
نحوه ساختن سربازان
آیا همه آسیبی ندیده اند؟
تا اسلحه ها شلیک نکنند،
شما باید تمام کارتریج ها را بیرون بیاورید،
به جای گلوله به بیرون پرواز کنید
ماکارونی، پاستا.

اگر کمی غمگین هستید
اگر تحت ستم بیماری هستید،
یا گاهی معده خالی است،
پاستا برای شما خوب است!
خداحافظ سیگنیتاس،
خداحافظ آقایان دونا،
باید خیلی سیر باشی
و من منتظر پاستا هستم!

ماچرونی

1. Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.
Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.

Venderei i Miei Canzoni per un sol piatto da maccheroni.

2. Pulcinella mezzo spento vole a fare il testimento.
Pulcinella mezzo spento vole a fare il testimento.

Purche avesse dai padroni un grosso piatto di maccheroni.

3. Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.
Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.

Le spalline pe'galloni per un sol piatto di maccheroni.

4. Tarantella si e cantata
به دلیل carlini si e pagata.
تارانتلا سی و کانتاتا،
به دلیل carlini si e pagata.
سونو آلگرو، ای کامپاگنونی،
ne comperemo de' maccheroni.
سونو آلگرو، ای کامپاگنونی،
ne comperemo de' maccheroni.
***

به آهنگ فولکلور ایتالیایی "Pasta" به زبان روسی با اجرای آنا ژیخالنکو گوش دهید:

آهنگ های ونیزی روی آب

علاوه بر جنوب ناپل، ونیز، مروارید شمالی ایتالیا، با سنت های آهنگ های باشکوه و شگفت انگیز متمایز است. ما اول از همه در مورد آهنگ های تله کابین صحبت می کنیم. این نقوش عاشقانه متعلق به ژانر بارکارول است. آنها بسیار آهنگین و بدون عجله هستند.

به نظر می رسد صدای قوی و زیبای تله کابین با ضربات آرام پاروها بر روی آب طنین انداز می شود. به طرز عجیبی، تا قرن هجدهم، بارکارول توجه کافی را از سوی نوازندگان حرفه ای دریافت نکرد. با این حال، در قرن بعدی این حذف بیش از حد جبران شد. چایکوفسکی، مندلسون، شوپن، گلینکا تنها تعداد اندکی از نوابغ موسیقی هستند که اسیر آواز فولکلور ونیزی شدند و نقوش آن را در آثار جاودانه خود گنجانده بودند.

متأسفانه مدرنیته تأثیر منفی بر سنت های ونیزی از جمله بارکارول دارد. بنابراین، به عنوان مثال، به درخواست گردشگران، گوندولی ها اغلب آهنگ ناپلی "O Sole Mio" را می خوانند، اگرچه انجمن گوندولیرز مخالف اجرای آن است، زیرا ونیزی نیست.

آهنگ پارتیزان های ایتالیایی "بلا چائو"

همچنین آهنگ پارتیزانی معروف "Bella Chao" ("خداحافظ زیبایی") از محبوبیت بی سابقه ای برخوردار است. این آهنگ توسط اعضای مقاومت در طول جنگ جهانی دوم خوانده شد. درست است، در سراسر ایتالیا توزیع نشد، بلکه فقط در شمال کشور، در آپنین ها توزیع شد.

اعتقاد بر این است که شعر این آهنگ توسط یک امدادگر یا پزشک نوشته شده است. و ملودی به وضوح برگرفته از آهنگ قدیمی کودکانه «معجون خواب» است. اگرچه به گفته لوچیانو گرانوزی، استاد تاریخ مدرن در دانشگاه کاتانیا، "Bella ciao" تا سال 1945 تنها توسط گروه های خاصی از پارتیزان ها در مجاورت بولونیا اجرا می شد.

ای پیکیا پیچیا
لا پرسیلا
ای پیکیا پیچیا

ای پیکیا پیچیا
la porticella dicendo: "Oi bella, mi vieni a aprir."
Con una mano apr؟
لا پورتا و کان لا بوکا
لا گلید؟ آنباسین
La gh'ha dato un bacio cos؟ تانتو فورته چه
la suoi mamma la l'ha فرستاده؟.
ما کوشای فتو، فیگلیولا میا،
che tutto il mondo parla mal di te?
ما لاسیا خالص چه
il mondo ‘l diga: io voglio amare chi mi ama me.
آیو وولیو امره کوئل جیووانوتو چلها
fatt sett'anni di prigion برای من.
L'ha fatt sett'anni e sette
mesi e sette giorni di prigion per me.
ای لا پریژیون
من؟ تانتو اسکورا،
می فا پاورا،
لا می فا موریر

بلا چائو (یکی از گزینه ها)

امروز صبح بیدار شدم

امروز صبح بیدار شدم
و من دشمن را از پنجره دیدم!
آه، پارتیزان ها، مرا ببرید
اوه بلا سیائو، بلا سیائو، بلا سیائو، سیائو، سیائو!
ای پارتیزان ها، مرا ببرید
احساس میکنم مرگم نزدیکه!
اگر مقدر شده باشد که در جنگ بمیرم
اوه بلا سیائو، بلا سیائو، بلا سیائو، سیائو، سیائو!
اگر قرار است در جنگ بمیرم - مرا دفن کنید.
دفن در کوه های بلند؟
اوه بلا سیائو، بلا سیائو، بلا سیائو، سیائو، سیائو!
دفن در کوه های بلند؟
زیر سایه گل سرخ!

اوه بلا سیائو، بلا سیائو، بلا سیائو، سیائو، سیائو!
رهگذری می گذرد، گلی را می بیند
"زیبا - او خواهد گفت - یک گل!"
این خاطره پارتیزان خواهد بود
اوه بلا سیائو، بلا سیائو، بلا سیائو، سیائو، سیائو!
این خاطره پارتیزان خواهد بود
چه آزادی شجاعانه سقوط کرد!
***

به آهنگ پارتیزان های ایتالیایی "Bella, ciao" توسط گروه کر پیاتنیتسکی گوش دهید:

آهنگ پارتیزانی مورد علاقه همه "Fischia il vento" ("باد می وزد") بود، این آهنگ یک شخصیت کمونیستی برجسته داشت. بنابراین، پس از پایان جنگ، برای اهداف ایدئولوژیک، دولت ایتالیا شروع به تبلیغ آهنگ "Bella Chao" کرد. که فقط می توان از او تشکر کرد. در هر صورت، این آهنگ در اواخر دهه چهل، پس از اولین جشنواره بین المللی جوانان و دانشجویان، که در تابستان 1947 در پراگ برگزار شد، به شهرت جهانی دست یافت. پس از آن بارها توسط خوانندگان مطرح و نه چندان معروف از سراسر جهان پوشش داده شد.

موضوع موسیقی فولکلور ایتالیا به قدری پرحجم است که نمی توان آن را در چارچوب یک مقاله منتقل کرد. این به این دلیل است که کل تاریخ ایتالیا بازتاب خود را در آهنگ های محلی پیدا کرده است. زبان فوق‌العاده ملودیک، طبیعت مجلل و تاریخ پرتلاطم توسعه کشور، پدیده‌ای فرهنگی مانند آهنگ فولکلور ایتالیایی را به جهان بخشید.

← ←آیا می خواهید از دوستانتان بشنوید که از شما برای به اشتراک گذاشتن مطالب جالب و ارزشمند با آنها تشکر می کنند؟ سپس همین حالا یکی از دکمه های رسانه های اجتماعی در سمت چپ را کلیک کنید!
مشترک RSS شوید یا مقالات جدید را از طریق ایمیل دریافت کنید.

ماندولین یک ساز موسیقی زهی است. ظاهر آن به قرن شانزدهم برمی گردد و ایتالیا رنگارنگ وطن آن شد. ماندولین یک ساز موسیقی است که از نظر ظاهری بسیار شبیه به عود است، زیرا شکل گلابی نیز دارد. تفاوت آن با عود در این است که سیم های کمتری دارد و گردن کوتاه تری دارد.

اساسا، ماندولین همیشه دارای چهار سیم جفت (معروف به ماندولین ناپلی) بود و عود بسته به دوره، شش سیم یا بیشتر داشت. علاوه بر این نوع ماندولین، انواع دیگری از آن نیز شناخته شده است:

• سیسیلی - با عرشه کف صاف و چهار رشته سه گانه.
• میلانی - با شش سیم، یک اکتاو بالاتر از گیتار بسازید.
• جنوا - ماندولین پنج رشته؛
• فلورانسی.

نحوه نواختن ماندولین

معمولاً ماندولین را با پلکتروم یا بهتر است بگوییم با مضراب نواخته می کنند. اگرچه، اتفاق می افتد که آنها با انگشتان خود بازی می کنند. صدای ماندولین بی نظیر است - تکرار سریع و مکرر صدا (ترمولو) با این واقعیت توضیح داده می شود که وقتی سیم ها را لمس می کنید ، صدا به سرعت از بین می رود ، یعنی کوتاه می شود. به همین دلیل است که برای طولانی شدن صدا و گرفتن نت ظاهراً کشیده از ترمولو استفاده می شود.

ماندولین یک قرن پس از پیدایش آن به طور گسترده در خارج از ایتالیا شناخته شد. این ساز بسیار دوست داشت و به سرعت جایگاه یک ساز محلی را دریافت کرد. تا به حال، او در این سیاره قدم می زند و بیشتر و بیشتر در فرهنگ مدرن ریشه می گیرد.

حتی مشخص است که آهنگساز مشهوری مانند موتزارت در اپرای خود دون جووانی از ماندولین در یک سرناد استفاده کرد.

علاوه بر این، بسیاری از گروه‌های موسیقی، آهنگسازان و خوانندگان امروزی از این ابزار موسیقی برای دادن نوعی "مزه" استفاده می‌کنند. به ترکیبات آنها

با کمک یک ماندولین، می توانید به خوبی هم نقش های انفرادی را همراهی کنید و هم بازی کنید. به عنوان مثال، ارکسترهای ناپلی شناخته شده هستند، صداهایی که در آن ها از ماندولین های بسیاری با اندازه های مختلف ادغام می شوند. از ماندولین در ارکسترهای سمفونیک و اپرا نیز استفاده می شود. در کنار بانجو، ماندولین در موسیقی بلوگراس و فولک آمریکایی نیز استفاده می شود.

همانطور که قبلا ذکر شد، ماندولین یک ساز موسیقی بسیار غیر معمول است و مورد علاقه بسیاری است دقیقاً به این دلیل که برگ برنده آن ترمولو است که شاید در سایر آلات موسیقی آن را پیدا نکنید.

ماندولین یک ساز موسیقی است که یکی از محبوب ترین سازها در دسته سازهای محلی است. شاید تعداد کمی از آلات موسیقی بتوانند چنین محبوبیتی داشته باشند. در عوض، ماندولین به طور سنتی عامیانه در نظر گرفته می شود، اگرچه بسیاری از آهنگسازان از آن در آثار خود استفاده می کردند و جذابیت و منحصر به فردی به آنها می بخشید. اگرچه ماندولین اغلب در ارکسترها استفاده می شود، اما به عنوان یک بخش موسیقی مستقل نیز عالی به نظر می رسد. اتودها و نمایش های مختلفی با همراهی سازهای دیگر روی آن اجرا می شود.

دیگر کجا ماندولین معروف شد

ماندولین نسبتاً سریع از ایتالیا به شمال ایالات متحده آمریکا مهاجرت کرد و خود را محکم در موسیقی محلی تثبیت کرد. در اروپا، این ساز مردم اسکاندیناوی را تسخیر کرد، که به ماندولین صدای سختگیر خاصی بخشید.

ماندولین سازهای خانوادگی دارد. اینها ماندالا، بوزوکی و ماندولین اکتاو هستند. هارمونی های راک اند رول زمان ما بسیار شبیه به همان ماندولین است.

مشخص است که اعضای گروه لد زپلین به صدای ماندولین بسیار علاقه داشتند و از آن در ملودی های خود استفاده می کردند. حتی جیمی پیج، یکی از اعضای گروه، ماندولین را با یقه ماندالا و گیتار تکمیل کرد. حتی پل مک کارتنی نیز این ساز دشوار موسیقی را ترجیح می داد.

ماندولین علاوه بر صدای عالی، مزایای غیر قابل انکاری دارد:

• ساختار هماهنگ؛
• فشردگی؛
• ترکیبی با سایر ماندولین ها یا سایر آلات موسیقی به طور کلی - گیتار، فلوت بلوک.

کوک ماندولن تا حدودی شبیه به کوک ویولن است:

• اولین جفت سیم در مایل اکتاو دوم کوک می شود.
• جفت دوم در لا از اکتاو اول است،
• دوباره اکتاو اول؛
• چهارمین جفت رشته نمک یک اکتاو کوچک است.

محبوبیت ماندولین روز به روز بیشتر می شود. به عنوان مثال، یکی از اعضای گروه آریا، وادیمیر خلستینین، در آهنگسازی Paradise Lost از ماندولین استفاده می کند. همچنین در اپرای متال گروه اپیدمیک (آهنگ Walk Your Way) و سرگئی ماورین (Makadash) استفاده شده است.

و آهنگ معروف Loosing my olî از R.E.M. با صدای بی نظیر ماندولین؟ به نظر می رسد تقریباً در همه کشورهای جهان شناخته شده است.

ماندولین یک ساز موسیقی کاملا مرموز است. راز موفقیت او هنوز به طور کامل فاش نشده است. حتی اگر بیش از چهارصد سال از ظهور آن گذشته باشد، قطعاً محبوبیت خود را از دست نمی دهد، بلکه برعکس، طرفداران بیشتری پیدا می کند. در دوران مدرن، به طور فزاینده ای در انواع ژانرهای موسیقی استفاده می شود.

بسیار قابل توجه است که ماندولین می تواند کاملاً در هر ترکیب، سایه یا برجسته کردن صدای تقریباً هر ساز قرار گیرد. با شنیدن صداهای این ساز تا حدی جادویی، به نظر می رسد که در دوران باستان شوالیه های شجاع، بانوان جذاب و پادشاهان مغرور فرو می روید.

ویدئو: ماندولین چه صدایی دارد؟

خاستگاه موسیقی ایتالیایی به فرهنگ موسیقی روم باستان برمی گردد (به موسیقی روم باستان مراجعه کنید). موسیقی موجودات را می نواخت. نقش در جامعه.، دولت. زندگی امپراتوری روم، در زندگی روزمره دسامبر. بخش هایی از جمعیت؛ موسیقی غنی و متنوع بود. ابزار. نمونه‌هایی از موسیقی روم باستان به دست ما نرسیده است. عناصر آن در قرون وسطی حفظ شد. مسیح. سرودها و عامیانه موسیقی رسم و رسوم. در قرن چهارم، زمانی که مسیحیت دولتی اعلام شد. دین، روم، همراه با بیزانس، به یکی از مراکز توسعه عبادت تبدیل شد. آواز خواندن، هر ووناخ. اساس آن مزمور بود که از سوریه و فلسطین سرچشمه می گرفت. اسقف اعظم میلان، آمبروز، تمرین سرودهای ضد آوایی را تثبیت کرد (نگاه کنید به آنتیفون)، ملودی آنها را به نار نزدیکتر کرد. ریشه ها سنت خاصی از مسیح غربی با نام او مرتبط است. کلیسا آواز خواندن، به نام آمبروسیان (به آواز آمبروسیان مراجعه کنید). در کنار. در قرن ششم، در زمان پاپ گریگوری اول، اشکال جامد مسیح ساخته شد. عبادت کرد و موسی های آن را سفارش داد. سمت. این خواننده در همان زمان در رم ایجاد شد. مدرسه ("schola cantorum") به نوعی آکادمی خوانندگان کلیسا تبدیل شد. دعوی و بالاترین قانونگذار. اقتدار در این زمینه گرگوری اول با اتحاد و تثبیت اصلی اعتبار داشت. سرودهای مذهبی با این حال، مطالعات بعدی نشان داد که ملودیک. سبک و اشکال به اصطلاح. سرود گریگوری سرانجام تنها در قرون 8-9 شکل گرفت. کاتولیک رومی کلیسا، در تلاش برای یکنواختی عبادت، این سبک یک سر را کاشت. گروه کر. آواز خواندن در میان تمام مللی که به مسیح تبدیل شده اند. ایمان. این فرآیند تا پایان تکمیل شد. قرن یازدهم، زمانی که عبادت گریگوری با سرودهای مربوطه. مقررات تصویب شده در کشورهای میانه، غربی. و یوژ. اروپا در همان زمان، توسعه بیشتر سرود گریگوری که به غیریسم منجمد شده بود نیز متوقف شد. تشکیل می دهد.

از باهم. هزاره اول پس از میلاد در نتیجه تهاجمات مکرر دشمن به قلمرو ایتالیا، و همچنین تشدید ظلم و ستم پاپ، که مانع از تجلی آزاد خلاقیت شد. ابتکارات، در I. m. طولانی می شود. رکود، نقش برجسته ای در موسیقی عمومی ایفا نمی کند. توسعه اروپا کشورها. مهمترین تغییراتی که در اروپا رخ داد. موسیقی در آستانه هزاره 1 و 2، بازتاب ضعیف و اغلب دیرهنگام را در I. m. در حالی که دانشمندان - موسیقیدانان Zap. و شمال غربی. اروپا در قرن نهم. دلیلی برای اشکال اولیه چندصدایی، برجسته ترین ایتالیایی، ارائه کرد. موسیقی نظریه پرداز قرون وسطی، گویدو دآرزو (قرن یازدهم) توجه اصلی را به سرود گریگوری یک سر معطوف کرد و فقط مختصری از ارگانوم را لمس کرد. درباره سهم مستقل ایتالیا در توسعه ژانرهای چند صدایی آن دوران. در پایان قرن‌های 13-14 با رنسانس اولیه همراه بود که نشان‌دهنده رشد گرایش‌های اومانیستی، آغاز رهایی شخصیت انسان از ظلم جزم‌های مذهبی، درک آزادتر و مستقیم‌تر از جهان در دوره تضعیف قدرت اربابان فئودال و شکل گیری روابط اولیه سرمایه داری. مفهوم رنسانس اولیه مطابق با تعریفی است که در تاریخ موسیقی آرس نووا اتخاذ شده است. مراکز اصلی این جنبش شهرهای مرکزی بودند. و شمال ایتالیا - فلورانس، ونیز، پادوآ - در ساختار اجتماعی و فرهنگ خود نسبت به مناطق جنوبی، که روابط فئودالی هنوز به طور محکم حفظ شده بود، پیشرفته ترند. این شهرها با استعدادترین آهنگسازان و موسیقی دانان را جذب کردند. مجریان ژانرهای جدید و گرایش های سبکی در اینجا به وجود آمدند.

میل به افزایش بیان خود را در اشعار نشان داد. سرودهای مذهبی که آزادانه تفسیر می شود. مضامین - لاوداخ که در زندگی روزمره و در طول ادیان خوانده می شد. موکب ها در حال حاضر در con. قرن دوازدهم «برادران مداحان» به وجود آمدند که تعداد آنها در قرن سیزدهم و به ویژه در قرن چهاردهم افزایش یافت. لائودا در مخالفت با افسران در میان راهبان فرمان فرانسیسکن پرورش داده می شد. کلیسای رومی، گاهی اوقات آنها انگیزه های اعتراض اجتماعی را منعکس می کردند. ملودی ستایش با نار همراه است. ریشه ها، ریتمیک های مختلف. وضوح، وضوح ساختار، رنگ آمیزی اصلی غالب. برخی از آنها از نظر شخصیتی به رقص نزدیک هستند. آهنگ ها.

در فلورانس ژانرهای جدیدی از چند ضلعی های سکولار به وجود آمد. واک موسیقی در نظر گرفته شده برای اجرای آماتور خانگی: مادریگال، کاکا، بالاتا. 2 یا 3 گل بود. استروفیک آهنگ هایی با اولویت ملودیک صدای بالایی که با ریتمیک متمایز می شد. تحرک، انبوهی از معابر رنگی. مادریگال - اشرافی. ژانری که با پیچیدگی شعر و موسیقی مشخص می شود. ساختمان. شهوانی ظریف در آن غالب بود. مضامین، همچنین تجسم طنز. انگیزه هایی که گاه از نظر سیاسی رنگ آمیزی دارند. محتوای caccia در ابتدا از تصاویر شکار تشکیل شده بود (از این رو نام خود: caccia - شکار)، اما پس از آن موضوع آن گسترش می یابد و صحنه های مختلف ژانر را پوشش می دهد. محبوب ترین ژانرهای سکولار Ars nova، بالاتا (آهنگ رقص، از نظر محتوایی نزدیک به مادریگال) است.

توسعه گسترده در ایتالیا در قرن چهاردهم. instr. موسیقی اصلی سازهای آن زمان عبارت بودند از عود، چنگ، کمانچه، فلوت، ابوا، ترومپت، اندام‌ها. نوع (مثبت، قابل حمل). آنها هم برای همراهی آواز و هم برای نوازندگی انفرادی یا گروهی استفاده می شدند.

ظهور ایتالیایی ها Ars nova بر سر می افتد. قرن چهاردهم در دهه 40. خلاقیت آشکار می شود فعالیت های برجسته ترین استادان آن - جیووانی از فلورانس و جاکوپو از بولونیا. ارگ نواز و آهنگساز نابینا به ویژه مشهور شد. F. Landino فردی با استعداد، شاعر، موسیقیدان و دانشمند است که در محافل ایتالیایی مورد احترام بود. اومانیست ها در کار او ارتباط با نار. در اصل، ملودی آزادی بیان بیشتری پیدا کرده است، گاهی اوقات ظرافت بدیع، گلدار و ریتمیک. تنوع

در عصر رنسانس عالی (قرن 16)، I. m. جایگاه پیشرو در میان اروپایی ها را به خود اختصاص داد. موسیقی فرهنگ ها در فضای خیزش عمومی هنر. فرهنگ به شدت موسیقی سازی را در حالت تجزیه توسعه داد. اقشار جامعه مراکز او همراه با کلیسا بود. نمازخانه های صنایع دستی انجمن های صنفی، محافل عاشقان روشنفکر ادبیات و هنر، که گاه خود را عتیقه می نامند. آکادمی های مدل در خیلی شهرها مدارسی ایجاد کردند که استقلال را معرفی کردند. کمک به توسعه I. m. بزرگترین و تأثیرگذارترین آنها مدارس رومی و ونیزی هستند. در مرکز مذهب کاتولیک - رم، اشکال هنری جدید، که توسط جنبش رنسانس زنده شدند، اغلب با مقاومت کلیسا مواجه شدند. مسئولین. اما، با وجود ممنوعیت ها و محکومیت ها، در سراسر قرن 15th. در کاتولیک رومی خدمات الهی mnogogol را به طور محکم ایجاد کرد. آواز خواندن این با فعالیت نمایندگان مکتب فرانسوی-فلاندری G. Dufay، Josquin Despres و دیگر آهنگسازان، که در مقاطع مختلف در کلیسای پاپ خدمت می کردند، تسهیل شد. در کلیسای سیستین (بنیاد 1473) و گروه کر. کلیسای کلیسای جامع سنت. پیتر بهترین استادان کلیسا را ​​متمرکز کرد. آواز خواندن نه تنها از ایتالیا، بلکه از کشورهای دیگر. مسائل کلیسا خوانندگی ویژه داده شد. توجه در شورای ترنت (63-1545) که در تصمیمات آن شور و شوق بیش از حد برای پلی فونیک "تصویری" محکوم شد. موسیقی، که درک "کلمات مقدس" را دشوار می کند، و تقاضا برای سادگی و وضوح مطرح شد. ورود ملودی های سکولار به مراسم مذهبی ممنوع بود. موسیقی اما برخلاف میل کلیسا. مقامات برای اخراج همه نوآوری ها از آواز مذهبی و در صورت امکان، آن را به سنت های سرود گریگوری بازگردانند، آهنگسازان مکتب رومی یک چند صدایی بسیار توسعه یافته ایجاد کردند. هنری، که در آن بهترین دستاوردهای چند صدایی فرانسوی-فلاندری با روح زیبایی شناسی رنسانس اجرا و بازاندیشی شد. در تولید آهنگسازان این مدرسه تقلید مجتمع. تکنیک با آکورد - هارمونیک ترکیب شد. انباری، چند ضلعی بافت ویژگی هارمونی موزون را به دست آورد، شروع ملودیک مستقل تر شد، صدای بالایی اغلب به منصه ظهور رسید. بزرگترین نماینده مکتب روم، پالسترین است. هنر کاملاً متعادل، روحیه روشن و هماهنگ او گاهی با کار رافائل مقایسه می شود. اوج گروه کر بودن. چند صدایی سبک سختگیرانه، موسیقی Palestrina در عین حال حاوی عناصر توسعه یافته تفکر هموفونیک است. میل به تعادل بین اصول افقی و عمودی از ویژگی های دیگر آهنگسازان همان مکتب نیز بود: K. Festa، G. Animucci (که در راس نمازخانه St. پیتر در 1555-1571)، کلمنس-نه-پاپا، شاگردان و پیروان پالستینا - جی. نانینو، اف. آنریو و دیگران. اسپانیایی ها نیز به مدرسه رومی پیوستند. آهنگسازانی که در کلیسای پاپ کار می کردند: K. Morales، B. Escobedo، T. L. de Victoria (که نام مستعار "Palestrina اسپانیایی" را دریافت کرد).

بنیانگذار مکتب ونیزی A. Willaert (هلندی الاصل) بود که در سال 1527 ریاست کلیسای جامع کلیسای جامع St. مارک و به مدت 35 سال رهبر آن بود. جانشینان او سی دی پوپ و سی. مرولو اسپانیایی بودند. این مکتب در کارهای ا. گابریلی و برادرزاده اش ج. گابریلی به اوج خود رسید. برخلاف شیوه نگارش سخت گیرانه و محدود پالسترینا و دیگر آهنگسازان مکتب رومی، هنر ونیزی ها با پالت صدای پرمعنا، فراوانی رنگ های روشن مشخص می شد. اثرات اصل چند کرییسم از آنها اهمیت ویژه ای گرفت. مخالفت دو گروه کر، تنظیم. در بخش های مختلف کلیسا، به عنوان پایه ای برای پویایی خدمت کرده است. و تضادهای رنگارنگ تعداد صداهای G. Gabrieli که دائماً متغیر بود به 20 رسید. کر کنتراست. سونریتی با تغییر رشته تکمیل شد. تامبرها، و سازها نه تنها صدای گروه کر را تکرار می کردند، بلکه به طور مستقل در طول اینترلود نیز اجرا می کردند. و اپیزودهای مرتبط هارمونیک زبان با رنگ آمیزی های متعدد، اغلب پررنگ برای آن زمان، اشباع شده بود، که به آن ویژگی های افزایش بیان می بخشید.

خلاقیت استادان مکتب ونیزی نقش زیادی در توسعه اشکال جدید instr. موسیقی در قرن شانزدهم ترکیب سازها به طور قابل توجهی غنی شده است، بیان آنها گسترش یافته است. توانایی ها. اهمیت سازهای آرشه ای با صدای گرم دلنشینشان بیشتر شده است. در این دوره بود که کلاسیک شکل گرفت. نوع ویولا؛ ویولن، پیش از این پریم رایج بود. در زندگی عامیانه، پروفسور می شود. موسیقی ابزار به عنوان سازهای انفرادی، عود و ارگ همچنان جایگاه پیشرو را به خود اختصاص دادند. در 1507-09 ناشر موسیقی O. Petrucci publ. 3 مجموعه از قطعات برای عود، هنوز حفظ شده است. علائم اعتیاد به واک چند صدایی از نوع موته در آینده، این وابستگی ضعیف می شود، ابزارهای خاصی توسعه می یابد. روش های ارائه مشخصه قرن شانزدهم ژانرهای انفرادی instr. موسیقی - ماشین سواری، فانتزی، کنزون، کاپریچیو. در سال 1549، org. ماشین سواری ویلارت به دنبال او، این ژانر توسط جی. گابریلی توسعه یافت، برخی از سوارکاران به روگو در ارائه به فوگ نزدیک می شوند. در سازمان توکاتاهای استادان ونیزی منعکس کننده آغازی جذاب و تمایل به فانتزی آزاد است. در سال 1551 مجموعه ای از مقالات در ونیز منتشر شد. قطعات رقص کلاویر شخصیت.

با نام های الف و ج. جبرئیلی با ظهور اولین مستقل همراه است. نمونه هایی از گروه و ارکستر مجلسی موسیقی ترکیبات آنها برای رشته های مختلف ترکیبات (از 3 تا 22 حزب) در شنبه متحد شدند. "Canzones and sonatas" ("Canzoni e sonate ..."، منتشر شده در سال 1615 پس از مرگ آهنگسازان). این نمایشنامه ها بر اساس اصل متضاد دکامپ است. instr. گروه‌ها (هر دو همگن - کمان، چوب، برنج و مخلوط)، تاری دریافت کردند و سپس دنبال شدند. اجرا در ژانر کنسرت

کامل ترین و واضح ترین بیان ایده های رنسانس در موسیقی، مادریگال بود که در قرن شانزدهم دوباره شکوفا شد. این مهم ترین ژانر موسیقی سکولار در رنسانس مورد توجه بسیاری قرار گرفت. آهنگسازان Madrigals توسط ونیزی ها A. Willart، K. de Pope، A. Gabrieli، استادان مکتب رومی K. Festus و Palestrina نوشته شده اند. مدارس مادریگالیست ها در میلان، فلورانس، فرارا، بولونیا، ناپل وجود داشت. مادریگال قرن شانزدهم با غنای بیشتر و ظرافت شعری با مادریگال دوره آرس نووا تفاوت داشت. محتوا، اما قلمرو او به اشعار عاشقانه، اغلب شبانی، همراه با سرودهای پرشور زیبایی های طبیعت باقی ماند. شعر پترارک تأثیر زیادی در توسعه مادریگال داشت (بسیاری از اشعار او توسط نویسندگان مختلف موسیقی تنظیم شده است). آهنگسازان مادریگالیست به آثار L. Ariosto، T. Tasso و دیگر شاعران بزرگ رنسانس روی آوردند. در مادریگال های قرن شانزدهم. 4 یا 5 گل پیروز شد. انباری که عناصر چند صدایی و هم آوایی را ترکیب می کند. سرب ملودیک. صدا ظریف بود سایه ها، انتقال انعطاف پذیر جزئیات شاعرانه. متن ترکیب کلی آزاد بود و از استروفیک پیروی نمی کرد. اصل در میان استادان مادریگال قرن شانزدهم. J. Arkadelt هلندی که در رم و فلورانس کار می کرد، برجسته بود. مادریگال های او که در سال های 1538-1544 (6 کتاب) منتشر شد، بارها و بارها در نسخه های مختلف تجدید چاپ و تکثیر شد. چاپ شده و دست نویس جلسات بالاترین شکوفایی این ژانر با خلاقیت همراه است. فعالیت های L. Marenzio، C. Monteverdi و C. Gesualdo di Venosa در باهم. 16 - التماس قرن 17 اگر Marenzio با حوزه پالایش مشخص می شود. متن آهنگ تصاویر، سپس در Gesualdo di Venosa و Monteverdi، مادریگال دراماتیزه می‌شود و دارای یک روان‌شناختی عمیق است. بیان، آنها از ابزار جدید و غیر معمول هماهنگی استفاده کردند. زبان، آهنگ تیز. wok بیانی. ملودی ها یک لایه غنی از I.m دو تخته است. آهنگ ها و رقص ها که با آهنگین بودن ملودی ها، سرزندگی، ریتم های آتش زا متمایز می شوند. برای ایتال. رقص ها با اندازه 6/8، 12/8 و سرعت سریع، اغلب تند، مشخص می شوند: saltarello (سوابق قرن 13-14 حفظ شده است)، Lombard مرتبط (رقص Lombard) و Forlana (ونیزی، فریولی). رقص)، تارانتلا (رقص ایتالیای جنوبی، که ملی شد). همراه با تارانتلا، سیسیلیانا محبوب است (اندازه یکسان است، اما سرعت متوسط ​​است، شخصیت ملودی متفاوت است - شبانی). سیسیلی ها به بارکارول (آواز گوندولیارهای ونیزی) و ریسپتو توسکانی (آواز ستایش، اعتراف عاشقانه) نزدیک هستند. آهنگ های شکایت به طور گسترده ای شناخته شده است - lamento (نوعی نوحه). انعطاف پذیری و ملودی بودن ملودی، غزلیات زنده و حساسیت غالباً تأکید شده از آهنگ های ناپلی رایج در ایتالیا است.

نار. موسیقی نیز بر پروفسور تأثیر گذاشت. موسیقی ایجاد. بیشترین سادگی و نزدیکی به تختخواب. ژانرهای فروتولا و ویلانلا از نظر ریشه متفاوت بودند.

رنسانس انگیزه ای برای توسعه موسیقی-نظری ایجاد کرد. افکار در ایتالیا پایه و اساس مدرن دکترین هماهنگی توسط J. Tsarlino مطرح شد. چهارشنبه-قرن. او با آموزه فرت ها با یک سیستم تونال جدید با 2 اصل مخالفت کرد. تمایلات معین - عمده و جزئی. زارلینو در قضاوت‌های خود عمدتاً بر ادراک شنیداری مستقیم تکیه می‌کرد، نه بر محاسبات مکتبی انتزاعی و عملیات عددی.

بزرگترین رویداد در I. m. در آستانه قرن 16-17. اپرا متولد شد این اپرا که قبلاً در پایان رنسانس ظاهر شد، با این وجود کاملاً با ایده ها و فرهنگ خود مرتبط است. اپرا به عنوان مستقل. این ژانر از یک طرف از تئاتر رشد کرده است. اجراهای قرن شانزدهم، همراه با موسیقی، از سوی دیگر، از مادریگال. موسیقی برای t-ra توسط بسیاری ساخته شد. آهنگسازان مشهور قرن شانزدهم. بنابراین، A. Gabrieli برای تراژدی سوفوکل "ادیپ" (1585، ویچنزا) گروه کر نوشت. یکی از پیشینیان اپرا نمایشنامه A. Poliziano The Tale of Orpheus (1480, Mantua) بود. در مادریگال، ابزارهای انعطاف پذیر و بیانی توسعه یافتند. تجسم های شاعرانه متن در موسیقی یک رویه متداول در اجرای مادریگال توسط یک خواننده با instr. مقاومت کردن. آنها را به نوع وک نزدیکتر کرد. monody، که اساس اولین ایتالیایی شد. اپرا در کنار. قرن شانزدهم ژانری از کمدی مادریگال بوجود آمد که در آن تقلید. بازیگری با ووک همراه بود. قسمت های مادریگال نمونه بارز این ژانر Amphiparnassus اثر O. Vecchi (1594) است.

در سال 1581 بحثی ظاهر شد. رساله V. Galilee "مکالمه در مورد موسیقی باستانی و جدید" ("Dialogo della musica antica et délia moderna") که در آن یک ووک خوانده شده است. تلاوت (به الگوی باستان) با "بربریت" قرون وسطی مخالف بود. چند صدایی قطعه ای که او از کمدی الهی دانته برای موسیقی تنظیم کرد، قرار بود به عنوان تصویری از این ووک باشد. سبک. افکار گالیله در میان گروهی از شاعران، موسیقیدانان و دانشمندان اومانیست که در سال 1580 به ابتکار کنت روشنفکر فلورانسی جی بردی (به اصطلاح فلورانسی کامراتا) متحد شدند، حمایت یافت. رهبران این حلقه اولین اپراها - "Daphne" (1597-1598) و "Eurydice" (1600) توسط J. Peri را به متن O. Rinuccini ایجاد کردند. سولو کار می کند. بخش هایی از این اپراها با Op. basso continuo در تلاوت حفظ می شوند. به شیوه ای، انبار مادریگال در گروه های کر حفظ می شود.

چندین سال ها بعد، موسیقی "Eurydice" به طور مستقل توسط خواننده و آهنگساز نوشته شد. J. Caccini، که همچنین نویسنده Sat. آهنگ های مجلسی انفرادی با اپ. "موسیقی جدید" ("Le nuove musiche"، 1601)، osn. روی همان سبک شناسی اصول. این سبک نوشتاری «سبک جدید» (Stile nuovo) یا «سبک خوب» (Stile rarpresentativo) نامیده می شد.

تولید فلورانسی ها تا حدی منطقی هستند، ارزش آنها در اصل. تجربی زندگی واقعی در الهه های نابغه اپرا دمیده شد. نمایشنامه‌نویس، هنرمند با استعداد غم‌انگیز سی. مونته‌وردی. او در بزرگسالی به ژانر اپرا روی آورد و قبلاً نویسنده بسیاری بود. عملیات معنوی و مادریگال های سکولار. اولین اپرای اورفئوس (1607) و آریادنه (1608) پست بودند. در مانتوا پس از وقفه ای طولانی، مونتوردی دوباره به عنوان آهنگساز اپرا در ونیز فعالیت کرد. اوج کار اپرایی او «تاج گذاری پوپیا» (1642) است. قدرت واقعاً شکسپیر، که با عمق درام متمایز می شود. بیان، الگوسازی استادانه شخصیت ها، وضوح و شدت موقعیت های درگیری.

در ونیز، اپرا فراتر از اشراف باریک بود. حلقه خبرگان و تبدیل به یک نمایش عمومی شد. در سال 1637، اولین تئاتر عمومی اپرای "سان کاسیانو" در اینجا افتتاح شد (در طول 1637-1800 حداقل 16 تئاتر از این قبیل ایجاد شد). دموکراتیک تر. ترکیب مخاطب نیز بر شخصیت آثار تاثیرگذار بود. اسطوره ای موضوع جای خود را به مکان غالب تاریخی داد. داستان هایی با اکشن واقعی چهره ها، درام و قهرمانانه آغاز با کمدی و حتی گاهی به شدت مسخره آمیخته بود. واک ملودی ملودیایی بیشتری پیدا کرد. قسمت هایی از نوع آریوز. این ویژگی‌ها، که قبلاً مشخصه اپراهای متأخر مونته‌وردی بود، در آثار F. Cavalli، نویسنده 42 اپرا، که در میان آنها اپرای جیسون (1649) بیشترین محبوبیت را کسب کرد، بیشتر توسعه یافت.

اپرا در رم تحت تأثیر کاتولیک هایی که در اینجا تسلط داشتند رنگ آمیزی عجیب و غریب به دست آورد. روندها به همراه عتیقه اساطیری توطئه ها ("مرگ اورفئوس" - "La morte d" Orfeo "S. Landi، 1619؛ "زنجیره آدونیس" - "La Catаna d" Adone "D. Mazzocchi، 1626) وارد مذهب اپرا شد. موضوعات پرداخته شده در مسیح طرح اخلاقی بیشتر یعنی. تولید مدرسه رومی - اپرای "قدیس الکسی" اثر لندی (1632) که با ملودیک متمایز شد. غنا و درام موسیقی، فراوانی گروه های کر در بافت توسعه یافته است. قسمت ها در رم، اولین نمونه های کمدی ظاهر شد. ژانر اپرا: "کسی که رنج می کشد، بگذار امیدوار باشد" ("Che soffre, speri"، 1639) اثر V. Mazzocchi و M. Marazzoli و "هیچ بدی بدون خیر وجود ندارد" ("Dal male il bene"، 1653) توسط A. M. Abbatini و Marazzoli.

K ser. قرن 17 اپرا تقریباً به طور کامل از اصول زیبایی شناسی رنسانس که توسط دوربین فلورانسی دفاع می شد، فاصله گرفت. این را کار M. A. Honor که با مدرسه اپرای ونیزی مرتبط است نشان می دهد. در نوشته های او درام های آشفته. ملودی ملودی ملایم در مقابل رسیتیتیو قرار گرفت، نقش ووک های گرد افزایش یافت. اعداد (اغلب به ضرر توجیه نمایشی عمل). اپرای افتخار "سیب طلایی" ("Il porno d" oro ", 1667) که به مناسبت ازدواج امپراتور لئوپولد اول در وین با شکوه به صحنه رفت، به نمونه اولیه نمایش های درباری تشریفاتی تبدیل شد که از آن زمان تاکنون رولان می نویسد: «این دیگر یک اپرای صرفاً ایتالیایی نیست، این یک نوع اپرای دادگاه بین المللی است.

از باهم. قرن 17 نقش پیشرو در توسعه اپرا به ناپل نقل مکان کرد. اولین نماینده اصلی مکتب اپرای ناپل، F. Provencale بود، اما رئیس واقعی آن A. Scarlatti بود. نویسنده آثار اپرایی متعدد (بیش از 100)، او ساختار معمولی ایتالیایی را تایید کرد. سریال اپرا، بدون موجودات حفظ شده است. تغییر به con. قرن 18 برتری مکان در این نوع اپرا متعلق به آریا است که معمولاً در سه قسمت داکاپو است. به تلاوت یک نقش خدماتی اختصاص داده می شود، اهمیت گروه های کر و گروه به حداقل می رسد. اما ملودی روشن. هدیه اسکارلاتی، ساخت چند صدایی. نامه ها، dramaturgich بدون شک. استعداد به آهنگساز این امکان را داد که علیرغم همه محدودیت ها، به تأثیری قوی و چشمگیر دست یابد. اسکارلاتی هم آواز و هم اینستر را توسعه داد و غنی کرد. فرم های اپرا او ساختار معمولی ایتالیایی را توسعه داد. اورتور اپرا (یا سمفونی، طبق اصطلاحات پذیرفته شده در آن زمان) با بخش های افراطی سریع و قسمت میانی آهسته، که نمونه اولیه سمفونی مستقل شد. خلاصه آثار.

در ارتباط نزدیک با اپرا، ژانر جدیدی از موسیقی فراروژیکال شکل گرفت. دینی دعوی حقوقی - اوراتوریو. نشات گرفته از دین خواندن، همراه با آواز خواندن اهداف متعدد. با صدای بلند، او به خودکفایی دست یافت. تمام شده فرم در کار G. Carissimi. او در اواتوریوها که بیشتر در مورد موضوعات کتاب مقدس نوشته شده بود، فرم‌های اپرایی را که تا اواسط ساخته شده بود، غنی کرد. قرن هفدهم، دستاوردهای گروه کر. خلاصه سبک. در میان آهنگسازانی که پس از کاریسیمی این ژانر را توسعه دادند، A. Stradella برجسته بود (شخصیت او به دلیل زندگی نامه پرماجرا او افسانه ای شد). او عناصر درام را وارد اوراتوریو کرد. آسیب و ویژگی ها تقریباً همه آهنگسازان مکتب ناپل به ژانر اوراتوریو توجه داشتند ، اگرچه در مقایسه با اپرا ، اوراتوریو در کار آنها جایگاه دوم را به خود اختصاص داد.

یک ژانر مربوط به اوراتوریو یک کانتاتا مجلسی برای یک، گاهی 2 یا 3 صدا با پاسخ است. basso continuo. برخلاف اوراتوریو، متون سکولار بر آن تسلط داشتند. برجسته ترین استادان این ژانر Carissimi و L. Rossi (از نمایندگان مکتب اپرای رومی) هستند. مانند اوراتوریو، کانتاتا بد نواخته می شود. نقش در توسعه ووک فرم هایی که به نمونه اپرای ناپل تبدیل شده اند.

در زمینه موسیقی کالت در قرن هفدهم. میل به عظمت بیرونی و خودنمایی که توسط Ch. arr به دلیل مقادیر اثر اصل چند گروه کر که توسط استادان مکتب ونیزی توسعه داده شده بود، هذلولی به دست آورد. مقیاس در برخی تولیدات تا دوازده 4 گل استفاده شده است. گروه های کر گروه کر غول پیکر. ترکیبات با تعداد زیادی تکمیل شد و گروه های مختلف ساز. این سبک مجلل باروک به ویژه در رم توسعه یافت و جایگزین شیوه سختگیرانه و محدود پالسترینا و پیروانش شد. برجسته ترین نمایندگان مکتب رومی متاخر عبارتند از: G. Allegri (نویسنده معروف "Miserere" که توسط گوش W. A. ​​Mozart ضبط شده است)، P. Agostini، A. M. Abbatini، O. Benevoli. در همان زمان، به اصطلاح. "سبک کنسرت"، نزدیک به آواز اریوز-ریسیتیوی ایتالیایی اولیه. اپراهایی که نمونه هایی از آنها کنسرتوهای مقدس A. Bankieri (1595) و L. Viadana (1602) است. (همانطور که بعداً مشخص شد، بدون دلیل کافی، ویادانا را با اختراع باس دیجیتال نسبت می‌دهند.) سی مونته‌وردی، مارکو دا گالیانو، اف. کاوالی، جی. لگرنزی و دیگر آهنگ‌سازانی که به کلیسا منتقل شدند، در همین مقاله نوشتند. شیوه. عناصر موسیقی اپرا یا کانتات مجلسی.

جستجوی فشرده برای فرم ها و ابزارهای جدید موسیقی. بیان، دیکته شده توسط میل به تجسم انسان گرایی غنی و همه کاره. محتوا، در زمینه رشته انجام شد. موسیقی یکی از بزرگترین اساتید ارگ. و موسیقی کلاویه از دوره پیش از باخ J. Frescobaldi بود - آهنگساز خلاق درخشان. شخصیت، یک هنرپیشه درخشان در ارگ و هارپسیکورد، که در میهن خود و در سایر کشورهای اروپایی مشهور شد. کشورها. سنت را آورد. فرم های ریسرکار، فانتزی ها، توکاتا، ویژگی های بیان شدید و آزادی احساس، ملودیک غنی شده. و هارمونیک زبان، چند صدایی توسعه یافته است. صورتحساب. در تولید او کلاسیک متبلور نوعی فوگ با روابط تونال مشخص و کامل بودن طرح کلی. خلاقیت Frescobaldi - اوج ایتالیایی. org طرح دعوی در دادگاه. فتوحات نوآورانه او در خود ایتالیا پیروان برجسته ای پیدا نکرد؛ آنها توسط آهنگسازان کشورهای دیگر ادامه یافت و توسعه یافت. در زبان ایتالیایی. instr. موسیقی از طبقه دوم قرن 17 نقش اصلی به سازهای آرشه ای و مهمتر از همه به ویولن منتقل شد. این به دلیل شکوفایی هنرهای نمایشی ویولن و بهبود خود ساز بود. در قرن 17-18. در ایتالیا، سلسله‌های سازندگان معروف ویولن (خانواده‌های آماتی، استرادیواری، گوارنر) به منصه ظهور رسیدند که سازهای آنها هنوز بی‌نظیر باقی مانده‌اند. ویولونیست های برجسته برجسته عمدتاً آهنگساز نیز بودند ، در کار آنها تکنیک های جدید اجرای انفرادی روی ویولن تثبیت شد ، موسیقی های جدید ایجاد شد. تشکیل می دهد.

در آستانه قرن 16-17. در ونیز، ژانر سونات سه گانه توسعه یافت - یک تولید چند قسمتی. برای 2 ساز انفرادی (اغلب - ویولن ، اما می توان آنها را با سازهای دیگر تسیتورا مربوطه جایگزین کرد) و باس. 2 گونه از این ژانر وجود داشت (هر دو متعلق به حوزه موسیقی مجلسی سکولار بودند): "سوناتای کلیسا" ("سوناتا دا چیسا") - یک چرخه 4 قسمتی که در آن قطعات آهسته و سریع متناوب می شوند و "سونات مجلسی" ("سوناتا دا دوربین")، که شامل چندین. قطعات رقص شخصیت، نزدیک به سوئیت. توسعه بیشتر این ژانرها به ویژه قابل توجه است. این نقش توسط مدرسه بولونیا ایفا شد که مجموعه ای درخشان از استادان هنر ویولن را به نمایش گذاشت. از جمله نمایندگان ارشد آن می توان به M. Cazzati، J. Vitali، J. Bassani اشاره کرد. دوره ای در تاریخ موسیقی ویولن و گروه مجلسی اثر A. Corelli (شاگرد باسانی) بود. دوره بلوغ فعالیت او با رم همراه بود، جایی که او مدرسه خود را ایجاد کرد که با نام هایی مانند P. Locatelli، F. Geminiani، J. Somis معرفی شد. در کار کورلی، شکل گیری سونات سه گانه تکمیل شد. او مجریان را گسترش داد و غنا بخشید. امکانات سازهای آرشه ای او همچنین دارای یک چرخه سونات برای تکنوازی ویولن با Op. هارپسیکورد این ژانر جدید، که در con. قرن هفدهم، پایان یافت. ادعای تکی اصل در instr. موسیقی کورلی، همراه با هم عصر خود G. Torelli، کنسرتو گروسو، مهم ترین شکل موسیقی مجلسی و ارکسترال را تا اواسط قرن هجدهم خلق کردند.

باطل کردن 17 - زود قرن 18 بین المللی افزایش یافته است شکوه و اقتدار I. m. Mn. خارجی نوازندگان به ایتالیا کشیده شدند تا تحصیلات خود را تکمیل کنند و تأییدیه دریافت کنند، که این امر به رسمیت شناخته شدن در وطن آنها را تضمین کرد. به عنوان یک معلم، نوازنده دانایی بسیار معروف بود، کامپ. و نظریه پرداز G. B. Martini (معروف به پدر مارتینی). توصیه او توسط K. V. Gluck، W. A. ​​Mozart، A. Gretry مورد استفاده قرار گرفت. با تشکر از او، فیلارمونیک بولونیا. این آکادمی به یکی از بزرگترین مراکز موسیقی در اروپا تبدیل شده است. تحصیلات.

ایتالیایی آهنگسازان قرن 18 اصلی متمرکز بر اپرا تنها تعداد کمی از آنها از سالن اپرا دور ماندند، سالنی که مخاطبان زیادی را از همه اقشار به خود جذب کرد. حجم عظیم تولید اپرا در این قرن توسط آهنگسازان مختلف ایجاد شد مقیاس استعداد، که در میان آن هنرمندان با استعداد زیادی وجود داشت. محبوبیت اپرا با سطح بالای ووک ارتقا یافت. فرهنگ. خواننده ها در حال آماده شدن بودند. arr در هنرستان ها - یتیم خانه هایی که در اوایل قرن 16 بوجود آمدند. در ناپل و ونیز - مراکز اصلی ایتالیایی. زندگی اپرا در قرن 18 4 هنرستان وجود داشت که در آن موزه ها. آموزش توسط آهنگسازان بزرگ رهبری می شد. خواننده و آهنگساز F. Pistocchi در بولونیا (حدود 1700) یک ویژه تاسیس کرد. شعار دهنده مدرسه واک برجسته معلم N. Porpora، یکی از پرکارترین آهنگسازان اپرا در مکتب ناپل بود. از جمله استادان مشهور هنر بل کانتو در قرن هجدهم. - مجریان مردان اصلی. بخش‌هایی در اپرا سری کاستراتو خوانندگان A. Bernacchi، Caffarelli، F. Bernardi (ملقب به Senesino)، Farinelli، G. Cresentini، که دارای یک ووک فاضل بود. تکنیک ترکیب شده با صدای ملایم و سبک صدا. خوانندگان F. Bordoni، F. Cuzzoni، C. Gabrielli، V. Tesi.

ایتالیایی اپرا از امتیازاتی برخوردار بود. موقعیت در بیشتر اروپا سرمایه ها او جذب شده است. قدرت نیز در این واقعیت آشکار شد که بسیاری آهنگسازان کشورهای دیگر اپراهایی را به زبان ایتالیایی خلق کردند. متون، در روح و سنت های مکتب ناپل. اسپانیایی ها D. Perez و D. Terradellas، آلمانی I. A. Hasse، چک J. Myslivechek به آن پیوستند. در راستای همین مکتب به معنای جریان یافت. بخشی از فعالیت های G. F. Handel و K. V. Gluck. برای ایتال. صحنه های اپرا توسط روسی نوشته شده است. آهنگسازان - M. S. Berezovsky، P. A. Skokov، D. S. Bortnyansky.

با این حال، در زمان حیات رئیس مدرسه اپرای ناپل، A. Scarlatti، خالق سریال اپرا، هنرهای ذاتی در آن آشکار شده است. تناقضات، چاودار بهانه ای برای انتقاد تند بود. سخنرانی هایی علیه او در آغاز. دهه 20 قرن 18 طنزپرداز ظاهر شد جزوه موسیقی نظریه‌پرداز B. Marcello، که در آن قراردادهای مضحک آزادی‌های اپرا، غفلت آهنگسازان نمایشنامه مورد تمسخر قرار گرفت. معنی کنش، جهل خودپسند پریمادونا و خوانندگان کاستراتی. برای فقدان اخلاق عمیق. محتوا و سوء استفاده از جلوه های خارجی نقد مدرن. آنها یک اپرا ایتال مربی F. Algarotti در "مقاله در مورد اپرا" ("Saggio sopra l" opera in musica ..."، 1754) و دانشمند-دایره المعارف E. Arteaga در اثر "انقلاب تئاتر موزیکال ایتالیا" ("Le rivoluzioni del" teatro musicale italiano dalla sua origine fino al presente»، ج 1-3، 1783-1786).

شاعران لیبرتیست A. Zeno و P. Metastasio ساختار پایدار تاریخی و اساطیری را توسعه دادند. سریال های اپرا که در آن ماهیت درام ها به شدت تنظیم می شد. دسیسه ها، تعداد و روابط بازیگران، انواع وک انفرادی. اتاق ها و موقعیت آنها در صحنه. عمل. آنها با پیروی از قوانین درام کلاسیک، به اپرا وحدت و هماهنگی ترکیب دادند و آن را از مخلوط تراژیک رها کردند. عناصر کمدی و مسخره. در عین حال، متون اپرایی این نمایشنامه نویسان دارای ویژگی های اشرافی است. شجاعت، به زبانی تصنعی و منظم نوشته شده است. سری اپرا، isp. که اغلب همزمان با ظهور زمان بندی می شد. جشن ها، قرار بود با یک پایان موفقیت آمیز اجباری به پایان برسد، احساسات قهرمانان آن مشروط و غیر قابل قبول بود.

همه آر. قرن 18 گرایشی برای غلبه بر کلیشه های تثبیت شده سریال اپرا و ارتباط نزدیک تر بین موسیقی و نمایش وجود داشته است. عمل. این امر منجر به تقویت نقش تلاوت همراه، غنی شدن اورک شد. رنگ ها، گسترش و دراماتیزه شدن گروه کر. صحنه های. این تمایلات نوآورانه به وضوح در کارهای N. Jommelli و T. Traetta که تا حدی اصلاحات اپرایی گلوک را آماده کردند، بیان شد. در اپرای "Iphigenia in Taurida" ترائتا، به گفته جی. آبرت، موفق شد "تا دروازه های درام موسیقی گلوک پیشروی کند." آهنگسازان به اصطلاح. "مکتب جدید ناپل" G. Sarti، P. Guglielmi و دیگران. A. Sacchini و A. Salieri از طرفداران و پیروان سرسخت اصلاحات گلوک بودند.

قوی ترین اپوزیسیون مشروط قهرمانانه است. سریال اپرا یک دموکراتیک جدید بود. ژانر اپرا بوفا. در 17 و اوایل. قرن 18 کمیک اپرا تنها با نمونه های منفرد ارائه شد. چقدر مستقل این ژانر با استادان ارشد مکتب ناپلی ال. وینچی و ال. لئو شروع به شکل گیری کرد. اولین کلاسیک نمونه‌ای از بوفای اپرا، خدمتکار پرگولسی است (در ابتدا به عنوان میان‌آهنگی بین اجراهای سری اپرای خودش اسیر مغرور، 1733 استفاده می‌شد). واقع گرایی تصاویر، سرزندگی و تیزبینی موزها. ویژگی‌هایی که به محبوبیت گسترده‌ای از اینترلود J. B. Pergolesi در بسیاری دیگر کمک کرد. کشورها، به ویژه در فرانسه، که در آن پست او. در سال 1752 به عنوان انگیزه ای برای ظهور یک زیبایی شناسی شدید عمل کرد. جنجال (نگاه کنید به "جنگ بوفون ها") و به شکل گیری فرانسوی ها کمک کرد. nat. نوع طنز اپراها

بدون از دست دادن ارتباط با نار. ریشه، ایتالیا. اپرا بوفا فرم های توسعه یافته تری را توسعه داد. بر خلاف سریال اپرا که در آن ووک سولو غالب بود. شروع، در کمیک گروه ها در اپرا از اهمیت بالایی برخوردار هستند. پیشرفته ترین گروه ها در فینال های پر جنب و جوش و به سرعت در حال گسترش قرار گرفتند که نوعی گره از فتنه های کمدی بود. N. Logroshino را خالق این نوع از گروه های نهایی موثر می دانند. K. Goldoni، بزرگترین ایتالیایی، تأثیر مثمر ثمری در توسعه اپرا بوفا داشت. کمدین قرن 18، که در آثار خود ایده های رئالیسم روشنگری را منعکس کرد. او نویسنده تعدادی کتاب اپرا بود که برای اکثر آنها موسیقی توسط یکی از اساتید برجسته ایتالیایی نوشته شده بود. کمیک اپرا ونیزی بی. گالوپی. در دهه 60. قرن 18 تمایلات احساسات گرایی در اپرای بوفا متجلی می شود (برای مثال، اپرای N. Piccinni بر اساس متن گلدونی "Chekkina، یا دختر خوب"، 1760، رم). اپرا بوفا به نوع «درام فیلیستی» یا «کمدی اشک آلود» نزدیک می شود که منعکس کننده اخلاق است. آرمان های حکومت سوم در آستانه فرانسه بزرگ. انقلاب

کار N. Piccinni، G. Paisiello و D. Cimarosa آخرین و بالاترین مرحله در توسعه اپرا بوفا در قرن 18 است. تولیدات آنها، ترکیب عناصر کمدی با حساسیت ها. رقت انگیز، آهنگین غنا با انواع فرم ها، سرزندگی، ظرافت و تحرک موسیقی در کارنامه اپرا حفظ شده است. این آهنگسازان از بسیاری جهات به موتزارت نزدیک شدند و کار یکی از بزرگترین ایتالیایی ها را آماده کردند. آهنگسازان اپرا قرن بعد جی. روسینی. برخی از ویژگی‌های اپرا بوفا توسط سریال اپرا متأخر پذیرفته شد که منجر به انعطاف‌پذیری بیشتر فرم‌های آن، سادگی و بی‌واسطگی ملودی‌ها شد. اصطلاحات.

به معنای. کمک ایتالیایی انجام شد. آهنگسازان قرن 18 در توسعه ی رشته ژانر موسیقی در زمینه هنر ویولن بزرگترین استاد بعد از کورلی جی تارتینی بود. او به پیروی از پیشینیان خود به پرورش ژانرهای سونات ویولن سولو و سونات سه گانه ادامه داد، آنها را با بیانی جدید پر کرد، روش های نواختن ویولن را غنی کرد و دامنه صدای آن را که برای آن زمان معمول بود گسترش داد. تارتینی مدرسه خود را به نام پادوآ (از نام شهر پادوآ که بیشتر عمر خود را در آن گذراند) ایجاد کرد. شاگردان او P. Nardini، P. Albergi، D. Ferrari بودند. در طبقه 2. قرن 18 عملکرد عالی آشکار شد. و خلاق فعالیت های G. Pugnani، بزرگترین ایتالیایی. نوازنده ویولن کلاسیک عصر. در میان تعداد زیاد او G. B. Viotti به ویژه برای شاگردانش مشهور بود که در کار آنها گاهی اوقات احساس رمانتیک می شود. روندها

ژانر اورک. کنسرتو گروسو به عنوان جسور و اصلی. A. Vivaldi به عنوان یک هنرمند مبتکر عمل کرد. او این فرم را همراه با پویا دراماتیزه کرد. تضاد گروه های بزرگ و کوچک سازها (توتی و کنسرتینو) از نظر موضوعی. تضاد در درون قطعات، یک ساختار چرخه 3 قسمتی ایجاد کرد که در کلاسیک حفظ شده است. instr. کنسرت (کنسرتوهای ویولن ویوالدی توسط جی. اس. باخ بسیار قدردانی شد که برخی از آنها را برای کلاویر و همچنین برای ارگ تنظیم کرد.)

در سونات های سه گانه جی بی پرگولسی، ویژگی های پیش کلاسیک قابل توجه است. سبک "گالانت". بافت سبک و شفاف آنها تقریباً کاملاً همفونیک است ، ملودی با ملودی و لطافت ملایم متمایز می شود. یکی از آهنگسازانی که به طور مستقیم دوران اوج کلاسیک را آماده کرد. instr. موسیقی، G. Sammartini (نویسنده 78 سمفونی، بسیاری از سونات ها و کنسرتوها برای سازهای مختلف)، به دلیل ماهیت کار خود نزدیک به نمایندگان مانهایم و مدارس اولیه وین بود. L. Boccherini در آثار خود عناصر حساسیت شجاعانه را با پیش رمانتیک ترکیب کرد. ترسناک هیجان انگیز و نزدیکی به تختخواب. منابع اطلاع. نوازنده ویولن سل، او ادبیات سلو را غنی کرد، یکی از خالقان کلاسیک بود. نوع کوارتت زهی

هنرمند زنده و خلاق است. فانتزی، D. Scarlatti ساختار فیگوراتیو و ابزار بیان موسیقی کلاویه را گسترش داد و به روز کرد. سونات های هارپسیکورد او (نویسنده آنها را "تمرین" نامیده است - "Essercizi per gravicembalo") که در انواع شخصیت ها و تکنیک های ارائه آنها قابل توجه است، نوعی دایره المعارف هنر کلاویه آن دوران است. سونات های اسکارلاتی در فرم واضح و مختصر به صورت موضوعی تیز شده اند. تضادها به وضوح تعریف شده است. بخش هایی از نمایشگاه سونات پس از اسکارلاتی، سونات کلاویه در آثار B. Galuppi، D. Alberti (که نام او با تعریف باس آلبرتی همراه است)، J. Rutini، P. Paradisi، D. Cimarosa توسعه یافت. M. Clementi با تسلط بر برخی از آداب D. Scarlatti (که به ویژه در خلق 12 سونات "به سبک اسکارلاتی" بیان شد)، سپس به استادان کلاسیک توسعه یافته نزدیک تر می شود. سبک، و گاهی اوقات به ریشه های رمانتیک می رسد. فضیلت

دوره جدیدی در تاریخ هنر ویولن توسط N. Paganini افتتاح شد. به عنوان یک نوازنده و آهنگساز، او یک نقاش معمولی رمانتیک بود. انبار. نوازندگی او ترکیبی مقاومت ناپذیر از فضیلت بزرگ با تخیل و شور آتشین ایجاد کرد. منگنز تولید پاگانینی ("24 Caprices" برای ویولن سولو، کنسرتو برای ویولن و ارکستر، و غیره) هنوز هم نمونه های بی نظیری از ادبیات ویولن فاضل هستند. آنها نه تنها بر کل پیشرفت بعدی موسیقی ویولن در قرن نوزدهم، بلکه بر کار بزرگترین نمایندگان رمانتیک نیز تأثیر گذاشتند. پیانیسم - F. Chopin, R. Schumann, F. List.

پاگانینی آخرین نفر از بزرگان ایتالیایی بود. صنعتگرانی که در زمینه instr. موسیقی در قرن 19 توجه آهنگسازان و عموم مردم تقریباً به طور کامل به اپرا معطوف شد. در آستانه قرن 18-19. اپرا در ایتالیا دوره ای از رکود شناخته شده را سپری می کرد. سنتی انواع اپرا سریال و اپرا بوفا تا آن زمان امکانات خود را به پایان رسانده بودند و نمی توانستند توسعه پیدا کنند. خلاقیت بزرگترین ایتالیایی. G. Spontini آهنگساز اپرای آن زمان در خارج از ایتالیا (در فرانسه و آلمان) کار کرد. تلاش های اس. مایر (آلمانی با ملیت) برای حفظ سنت های سریال اپرا (با تلقیح برخی از عناصر وام گرفته شده) التقاطی بود. F. Paer که به سمت اپرا بوفا گرایش داشت، در مقایسه با آثار Paisiello و Cimarosa، اساساً چیز جدیدی را وارد این ژانر نکرد. (نام پائر در تاریخ موسیقی به عنوان نویسنده اپرا بر اساس متن جی. بویلی "لئونورا، یا عشق زناشویی" که منبعی برای آزاد "Fidelio" بتهوون بوده است، حفظ شده است.)

شکوفایی ایتالیا اپرا در قرن 19 با فعالیت های جی. روسینی، آهنگساز با استعداد ملودی پایان ناپذیر همراه بود. نبوغ، سرزنده، خلق و خوی سرزنده و دراماتورژی غیرقابل انکار. استعداد کار او منعکس کننده ظهور عمومی ایتالیایی بود. فرهنگ، ناشی از رشد میهن پرستی. nat.-آزاد کردن. آرزوها عمیقا دموکراتیک.، نار. در خاستگاه خود، آثار اپرایی روسینی مخاطبان طیف وسیعی از شنوندگان بود. ملی را زنده کرد نوع اپرا بوفا و جان تازه ای در آن دمید و ویژگی های اکشن را تیزتر و عمیق تر کرد. افراد، آنها را به واقعیت نزدیکتر می کند. "آرایشگر سویل" (1816) او اوج ایتالیایی است. کمیک اپراها روسینی شروع کمدی را با طنز، آزاد ترکیب می کند. برخی از اپراهای او اشاراتی مستقیم به جوامع دارند. و سیاسی وضعیت آن زمان در اپرا، درام های قهرمانانه. شخصیت، او بر کلیشه های یخ زده سریال اپرا غلبه کرد، به ویژه، اهمیت ویژه ای به گروه کر داد. شروع مردم به طور گسترده توسعه یافته اند. صحنه هایی در آخرین اپرای روسینی "ویلیام تل" (1829) در آزادی ملی. طرح، در یک رمانتیک تفسیر شده است. طرح.

یک بیان واضح به رمانتیک داده می شود. روند در کار V. Bellini و G. Donizetti، که فعالیت های آنها در دهه 30 آشکار شد. قرن 19، زمانی که جنبش نات. رنسانس (Risorgimento) در ایتالیا وارد مرحله تعیین کننده ای در مبارزه برای اتحاد و سیاسی شده است. استقلال کشور در اپرای بلینی "نورما" (1831)، "پوریتان ها" (1835) به وضوح می توان آزادی ملی را شنید. انگیزه ها، اگرچه تاکید اصلی توسط آهنگساز بر درام شخصی شخصیت ها است. بلینی استاد بیان بود. رومانتیک cantilena، تحسین شده توسط M. I. Glinka و F. Chopin. دونیزتی میل به درام های قوی دارد. اثرات و موقعیت های حاد گاهی منجر به ملودراماتیسم خفه می شود. بنابراین، عاشقانه بزرگ او. اپراها ("Lucretia Borgia"، به گفته V. Hugo، 1833، "Luciadi Lammermoor"، به گفته V. Scott، 1835) کمتر از تولید عمل کرد. ژانر کمدی ("معجون عشق"، 1832؛ "دان پاسکوال"، 1843)، که در آن سنت ها. نوع ایتالیایی. اپرا-بوفا ویژگی های جدیدی به دست آورد: اهمیت پس زمینه ژانر افزایش یافت، ملودی با آهنگ های عاشقانه و آهنگ روزمره غنی شد.

کار J. S. Mercadante، G. Pacini و برخی دیگر از آهنگسازان همان دوره در استقلال تفاوتی نداشت. ویژگی های فردی، اما منعکس کننده یک گرایش کلی به سمت دراماتیزه کردن فرم اپرایی و غنی سازی عبارات موسیقی بود. منابع مالی. از این نظر آنها خودجوش بودند. پیشینیان G. Verdi - یکی از بزرگترین نمایشنامه نویسان اپرا نه تنها در ایتالیا، بلکه در موسیقی جهان. t-ra.

اپرای اولیه وردی که در دهه 40 روی صحنه ظاهر شد. قرن نوزدهم که هنوز از نظر سبکی کاملاً مستقل نبود («نابوکو»، «لمباردها در اولین جنگ صلیبی»، «ارنانی»)، با میهن پرستی خود شور و شوق تماشاگران را برانگیخت. رقت انگیز، عاشقانه شور احساسات، روحیه قهرمانی و عشق به آزادی. در تولید دهه 50 ("ریگولتو"، "تروبادور"، "لا تراویاتا") او به یک روانشناسی بزرگ دست یافت. عمق تصاویر، قدرت و حقیقت تجسم تضادهای روحی حاد و شدید. واک نامه وردی از فضیلت بیرونی، تزیینات گذرگاه رها شده و به عنصری ارگانیک جدایی ناپذیر ملودیک تبدیل شده است. خط، اکسپرس اکتسابی. معنی در اپراهای دهه 60 و 70. ("دون کارلوس"، "آیدا") او به دنبال آشکارسازی بیشتر لایه های درام است. اقدامات در موسیقی، تقویت نقش ارکستر، غنی سازی موسیقی ها. زبان در یکی از آخرین اپرای خود - "اتلو" (1886) وردی به خلق تمام شده رسید. موسیقی درام، که در آن موسیقی به طور جدایی ناپذیری با کنش پیوند خورده است و به طور انعطاف پذیری تمام جنبه های روانی آن را منتقل می کند. سایه ها

پیروان وردی، از جمله. A. Ponchielli، نویسنده اپرای محبوب Gioconda (1876)، نتوانست اصول اپرایی خود را با موجودات جدید غنی کند. دستاوردها در همان زمان، کار وردی با مخالفت طرفداران درام موزیکال واگنری مواجه شد. اصلاحات با این حال، واگنرییسم ریشه عمیقی در ایتالیا نداشت؛ تأثیر واگنر در برخی آهنگسازان نه چندان در اصول دراماتورژی اپرا، که در تکنیک های سازدهنی منعکس شد. و اورک نامه ها. گرایش های واگنری در اپرای «مفیستوفل» اثر بوئیتو (1868) منعکس شد، که متعاقباً از افراط در اشتیاق واگنر دور شد.

در کنار. قرن 19 Verismo در ایتالیا رواج یافت. موفقیت عظیم ماسکانی Rural Honor (1890) و Leoncavallo Pagliacci (1892) به تثبیت این گرایش به عنوان غالب در ایتالیایی کمک کرد. کار اپرا یو. جیوردانو (از آثار او، اپرای آندره چنیر، 1896)، اف. سیلیا به وریسمو پیوست.

کار بزرگترین هنرمند ایتالیایی نیز با این روند همراه بود. آهنگساز اپرا پس از وردی - جی. پوچینی. تولید او. معمولا مقدس درام مردم عادی که در برابر پس زمینه رنگارنگ روزمره نمایش داده می شود. در عین حال، اپراهای پوچینی از ویژگی های طبیعت گرایانه نهفته در وریسمو فارغ هستند. جهنم، آنها روانی ظریف تر هستند. تحلیل، غزلیات نافذ و ظرافت نگارش. وفادار بودن به بهترین سنت های ایتالیایی. bel canto، پوچینی تلاوت را تیز کرد. wok بیانی. ملودی ها، برای بازتولید دقیق تری از تفاوت های ظریف گفتار در آواز تلاش کردند. آکاردئون رنگارنگ. و اورک زبان اپراهای او حاوی عناصر خاصی از امپرسیونیسم است. در اولین تولیدات بالغ خود. ("بوهمیا"، 1896؛ "توسکا"، 1900) پوچینی هنوز با ایتالیایی مرتبط است. سنت اپرا در قرن 19، بعدها سبک او پیچیده تر شد، ابزار بیان وضوح و تمرکز بیشتری پیدا کرد. یک پدیده عجیب در ایتالیا. opera art-ve - اثر E. Wolf-Ferrari که سعی کرد کلاسیک را مدرن کند. نوع اپرا بوفا، ترکیب سنت های آن. فرم هایی با سبک ابزار رمانتیسم متأخر ("زنان کنجکاو"، 1903؛ "چهار ستمگر"، 1906، بر اساس توطئه های گلدونی). ر.زندونایی با پیروی از راه وریسم به سراغ برخی از موسوم به جدید رفت. جریان های قرن بیستم

برتری ایتالیایی اپرا در 19 - التماس. قرن 20 با شکوفایی درخشان ووک همراه بودند. فرهنگ. سنت های ایتالیایی بل کانتو، که در قرن 19 شکل گرفت، در هنرهای مختلف بیشتر توسعه یافت. نسل خوانندگانی که از شهرت جهانی برخوردار بودند. در عین حال، اجرای آنها ویژگی های جدیدی را به دست می آورد و غنایی تر و به طرز چشمگیری بیان می شود. آخرین نماینده برجسته به شیوه ای کاملاً فاتحانه که درام ها را قربانی می کند. محتوا برای زیبایی صدا و فنی. تحرک صدا، A. Catalani بود. در میان استادان ایتالیایی واک مدرسه طبقه 1 قرن نوزدهم، بر اساس کارهای اپرایی روسینی، بلینی و دونیزتی، - خوانندگان جودیتا و جولیا گریسی، جی. پاستا، خوانندگان G. Mario، J. B. Rubini شکل گرفت. در طبقه 2. قرن 19 کهکشانی از خوانندگان "وردی" مطرح می شود که خوانندگان A. Bosio، B. و C. Marchisio، A. Patti، خوانندگان M. Battistini، A. Masini، J. Anselmi، F. Tamagno، E به آن تعلق داشتند. تامبرلیک و دیگران .در قرن بیستم. شکوه ایتالیا اپراها توسط خوانندگان A. Barbi، G. Bellinchoni، A. Galli-Curci، T. Dal Monte، E. و L. Tetrazzini، خوانندگان G. De Luca، B. Gigli، E. Caruso، T. اسکیپا، تیتا روفو و دیگران

از باهم. قرن 19 اهمیت اپرا در آثار ایتالیایی آهنگسازان در حال ضعیف شدن است و تمایل به جابجایی مرکز توجه به حوزه instr. ژانرها احیای خلاقیت فعال. علاقه به instr. موسیقی توسط فعالیت های J. Sgambati (که در اروپا به عنوان نوازنده پیانو و رهبر ارکستر شناخته می شود) و J. Martucci ترویج شد. اما کار هر دو آهنگساز که تحت تأثیر اف. لیست و آر. واگنر توسعه یافت، به اندازه کافی مستقل نبود.

به عنوان منادی زیبایی شناسی جدید. ایده ها و اصول سبک تأثیر زیادی بر توسعه کل اروپا دارد. موسیقی قرن بیستم ارائه شده توسط F. Busoni - یکی از بزرگترین پیانیست های زمان خود، آهنگساز بزرگ و نظریه پرداز هنر. او مفهوم «کلاسیک گرایی جدید» را مطرح کرد که از یک سو آن را با امپرسیونیسم مقایسه کرد. سیال بودن تصاویر، گریزان بودن سایه ها، از سوی دیگر، «آنارشی» و «خودسری» آتونالیسم شوئنبرگ. خلاقیت شما اصول بوسونی در آثاری مانند «فانتزی کنترپوان» (1921)، «بداهه نوازی در کرال باخ» به مدت 2 فریم اجرا شد. (1916)، و همچنین اپراهای "Harlequin, or Window"، "Turandot" (هر دو در سال 1917 ساخته شده اند)، که در آن او ووک توسعه یافته را رها کرد. سبک ایتالیایی آنها پیشینیان و به دنبال نزدیک شدن به نوع تخت تخته ای قدیمی بودند. کمدی یا مسخره

در راستای نئوکلاسیک، کار ایتالیایی. آهنگسازان، گاهی اوقات تحت نام ترکیب می شوند. "گروه های دهه 1880"، - I. Pizzetti, J. F. Malipiero, A. Casella. آنها به دنبال احیای سنت های نات بزرگ بودند. موسیقی گذشته، با اشاره به فرم ها و سبکی. پذیرایی های ایتالیایی آواز باروک و ملودیک گریگوری. مبلغ و محقق اولیه موسیقی، انتشارات مالیپیرو. جمع آثار C. Monteverdi, instr. تولید A. Vivaldi و میراث فراموش شده بسیاری دیگر. ایتالیایی آهنگسازان قرن 17 و 18 او در کار خود از فرم های سونات قدیمی باروک، ماشین سواری و... استفاده می کند. اپرای او، osn. عنوان کردن. واک تلاوت و بخیل به معنای ارگ. sopr.، منعکس کننده شروع در دهه 20 است. واکنش در برابر دین گرایی گرایش های نئوکلاسیک آثار کازلا در «پارتیتا» برای پیانو خود را نشان داد. با ارکستر (1925)، سوئیت "Scarlattiana" (1926)، برخی از تئاتر موزیکال. تولید (به عنوان مثال، اپرای مجلسی The Tale of Orpheus، 1932). با این حال به ایتالیایی روی آورد. فولکلور (راپسودی برای ارکستر "ایتالیا"، 1909). اورک رنگارنگ او. این نامه تا حد زیادی تحت تأثیر روسیه توسعه یافت. و فرانسوی مدارس (ادای احترام به اشتیاق به موسیقی روسی، ارکستراسیون "اسلامی" توسط بالاکیرف بود). پیزتی عناصر مذهبی-اخلاقی را در اپراهای خود وارد کرد و موسس ها را سیر کرد. لحن های زبانی آواز گریگوری، بدون شکستن همزمان با سنت های ایتالیایی. مدرسه اپرا در قرن 19 چندین در این گروه از آهنگسازان، آثار O. Respighi، استاد اورک، جایگاه ویژه ای را به خود اختصاص داده است. نقاشی صدا (شکل گیری کار او تحت تأثیر کلاس های N. A. Rimsky-Korsakov بود). در سمف. اشعار رسپیگی ("چشمه های رومی"، 1916؛ "کاج های روم"، 1924) تصاویر واضحی از تخته ها ارائه می دهد. زندگی و طبیعت گرایش های نئوکلاسیک تنها تا حدی در آثار بعدی او منعکس شد. نقش قابل توجه در و متر طبقه 1. قرن 20 آنها نقش اف. آلفانو، برجسته‌ترین نماینده ی کارگردانی را بازی کردند (اپرای رستاخیز بر اساس رمانی از ال. ن. تولستوی، 1904)، که سپس به امپرسیونیسم تکامل یافت. M. Castelnuovo-Tedesco و V. Rieti، به چاودار در آغاز. جنگ جهانی دوم 1939-1945 توسط سیاسی. انگیزه ها وطن خود را ترک کردند و در ایالات متحده ساکن شدند.

در آستانه دهه 40. قرن 20 تغییرات سبک قابل توجهی در I. m رخ می دهد. گرایش‌های نئوکلاسیک جای خود را به جریان‌هایی می‌دهد که به شکلی اصول مکتب جدید وین را توسعه می‌دهند. از این نظر نشان دهنده خلاقیت است. تکامل G. Petrassi، که با تجربه تأثیر A. Casella و I. F. Stravinsky، ابتدا به موقعیت آتونالیته آزاد، و سپس به دوازدهه آفونی شدید رفت. بزرگترین آهنگساز این دوره از I. m. L. Dallapikkola است که آثار او پس از جنگ جهانی دوم توجه زیادی را به خود جلب کرد. در تولید او دهه 40 و 50 ویژگی های اکسپرسیونیسم، خویشاوندی آشکار می شود. خلاقیت A. Berg. بهترین آنها انسان گرا را تجسم می بخشد. اعتراض علیه استبداد و ظلم (سه‌گانه گروه کر "آوازهای زندانیان"، 1938-1941؛ اپرای "زندانی"، 1944-48)، به آنها جهت گیری ضد فاشیستی خاصی داد.

از میان آهنگسازان نسل جوانی که پس از جنگ جهانی دوم به میدان آمدند، ال. بریو، اس. بوسوتی، اف. تجزیه کردن جریان های آوانگارد - سریال گرایی پسا وبری، سونوریسم (نگاه کنید به موسیقی سریال، سونوریسم)، الئاتوریک، و ادای احترام به جستجوی رسمی برای ابزارهای صوتی جدید است. بریو و مادرنا اوسن. در سال 1954 در میلان "استودیوی آواشناسی" که آزمایشاتی را در زمینه موسیقی الکترونیک انجام داد. در عین حال، برخی از این آهنگسازان در تلاش برای ترکیب به اصطلاح. ابزار جدید بیان موسیقی. آوانگارد با فرم ها و تکنیک های ژانر موسیقی قرن 16-17.

جایگاه ویژه در مدرن I. m متعلق به آهنگساز کمونیست، مبارز فعال برای صلح L. Nono است. او در کار خود به حادترین موضوعات زمان ما می پردازد و سعی می کند ایده های بین المللی را مجسم کند. برادری و همبستگی کارگران، اعتراض به امپریالیست. ظلم و تجاوز. اما ابزارهای هنر آوانگارد که نونو از آنها استفاده می کند، اغلب با تمایل او به مستقیم بودن در تضاد است. تحریک تاثیر بر عموم مردم

به دور از گرایش های آوانگارد، J. K. Menotti - ایتالیایی ایستاده است. آهنگساز ساکن و کار در آمریکا. در آثار او که عمدتاً با اپرا همراه است ، عناصر ویریسم رنگ آمیزی اکسپرسیونیستی خاصی به دست می آورند ، در حالی که جستجوی لحن گفتار صادقانه او را به نزدیکی نسبی با M. P. Mussorgsky سوق می دهد.

در موسیقی تئاتر اپرا همچنان نقش مهمی در زندگی ایتالیا ایفا می کند. یکی از برجسته ترین شرکت های اپرا در جهان La Scala در میلان است که از سال 1778 وجود داشته است. قدیمی ترین خانه های اپرا در ایتالیا نیز شامل San Carlo در ناپل (تاسیس در 1737)، Fenice در ونیز (تاسیس در 1792) است. هنر بزرگ خانه اپرای رم اهمیت پیدا کرد (در سال 1880 با نام مرکز خرید کوستانزی افتتاح شد، از سال 1946 - خانه اپرای رم). از برجسته ترین معاصران ایتالیایی هنرمندان اپرا - خوانندگان G. Simionato، R. Scotto، A. Stella، R. Tebaldi، M. Freni. خوانندگان G. Becky، T. Gobbi، M. Del Monaco، F. Corelli، G. Di Stefano.

تأثیر زیادی در توسعه اپرا و سمفونی. فرهنگ در ایتالیا فعالیت A. Toscanini، یکی از بزرگترین رهبران ارکستر قرن بیستم بود. نمایندگان برجسته موسیقی-اجرای. رهبران ارکستر عبارتند از P. Argento، V. De Sabata، G. Cantelli، T. Serafin، R. Fasano، V. Ferrero، C. Cecchi. پیانیست A. Benedetti Michelangel; ویولن J. DeVito; نوازنده ویولن سل E. Mainardi.

از آغاز قرن 20 توسعه فشرده در ایتالیا muz.-issledovat دریافت شد. و انتقادی فکر. به معنای. کمک به مطالعه موسیقی این میراث توسط موسیقی شناسان G. Barblan (رئیس انجمن موسیقی شناسی ایتالیا)، A. Bonaventure، J. M. Gatti، A. Della Corte، G. Pannain، J. Radiciotti، L. Torchi، F. Torrefranca و دیگران ساخته شده است. Dzafred و M. Mila بیشتر کار می کنند. در زمینه موسیقی انتقاد تعدادی از موزها در ایتالیا منتشر شده است. مجلات، از جمله "Rivista Musicale italiana" (تورین، میلان، 1894-1932، 1936-1943، 1946-)، "Musica d" oggi" (میلان، 1919-40، 1958-)، "La Rassegna Musicale" (تورین، 4-192) ؛ رم، 1941-1943، 1947-62)، "Bolletino Bibliografico Musicale" (میلان، 1926-33، 1952-)، "Il Convegno Musicale" (تورین، 1964-) و دیگران.

تعدادی دایره المعارف منتشر شده است که به آن اختصاص یافته است موسیقی و t-ru، از جمله. "Enciclopedia della musica" (v. 1-4, Mil., 1963-64)، "Enciclopedia dello spettacolo" (v. 1-9, Roma, 1954-1962).

از جمله خاص موسیقی اوه بزرگترین موسسات کنسرواتوارها هستند: "سانتا سیسیلیا" در رم (تاسیس در سال 1876 به عنوان یک لیسیوم موسیقی، از سال 1919 - یک هنرستان). نام G. B. Martini در بولونیا (از سال 1942؛ در سال 1804 به عنوان یک لیسیوم موسیقی تأسیس شد، از سال 1914 وضعیت هنرستان را دریافت کرد). آنها Benedetto Marcello در ونیز (از سال 1940، در سال 1877 به عنوان یک لیسیوم موسیقی تأسیس شد، از سال 1916 با یک مدرسه عالی برابری می شود). میلانسکایا (تاسیس در 1808، به نام G. Verdi در 1901)؛ آنها L. Cherubini در فلورانس (تاسیس در سال 1849 به عنوان یک موسسه موسیقی، سپس یک مدرسه موسیقی، آکادمی موسیقی، از سال 1912 - یک هنرستان). پروفسور نوازندگان نیز توسط مؤسسه تاریخ موسیقی در دانشگاه ها، مؤسسه پاپی آمبروسیان موسیقی مقدس و غیره در این کتاب های درسی آموزش دیده اند. مؤسسات، و همچنین در مؤسسه مطالعات میراث وردی، موسیقی شناسان در حال انجام هستند. کار. اینترنشنال در ونیز تاسیس شد. مرکز تبلیغات ایتالیا موسیقی، که سالانه دوره های تابستانی ("تعطیلات موسیقی") را برای مطالعه ایتالیایی باستان برگزار می کند. موسیقی کتابخانه آموروسیان، کتابخانه کنسرواتوار میلان، دارای مجموعه گسترده ای از نت ها و کتاب های موسیقی است. مخازن سازها، نت ها و کتاب های باستانی به طور گسترده ای شناخته شده است (آنها در کتابخانه آکادمی فیلارمونیک بولونیا، در کتابخانه G. B. Martini و در آرشیو کلیسای کوچک سان پترونیو در بولونیا متمرکز شده اند). غنی ترین مواد در تاریخ ایتالیا. موسیقی ملی دارند. کتابخانه مارسیانا، کتابخانه بنیاد دی سینی و موزه موسیقی. سازها در کنسرواتوار ونیز.

در ایتالیا، تعداد زیادی وجود دارد موسیقی سازمان ها و مجریان تیم ها علائم منظم کنسرت ها توسط: ارکسترهای "La Scala" و "Fenice" t-ditch، Nat. آکادمی "سانتا سیسیلیا" ایتالیا. رادیو و تلویزیون در رم، ارکستر انجمن "موسیقی بعد از ظهر" ("Рommerigi musicali")، که اجرای برتر. از اسپانیایی نوین موسیقی، ارکسترهای مجلسی "Angelicum" و "Virtuosi of Rome"، انجمن "Ambrose Polyphony" که موسیقی قرون وسطی، رنسانس و باروک را ترویج می کند، و همچنین ارکستر Bologna t-ra "Comunale"، ارکستر مجلسی بولونیا و گروه های دیگر.

رویدادهای متعددی در ایتالیا برگزار می شود. موسیقی جشنواره ها و مسابقات: کارآموز. جشنواره مدرن موسیقی (از سال 1930، ونیز)، "می موزیکال فلورانس" (از 1933)، "جشنواره دو جهان" در اسپولتو (از سال 1958، تأسیس شده توسط جی سی منوتی)، "هفته موسیقی جدید" (از 1960، پالرمو)، پیانو رقابت. F. Busoni در بولزانو (از سال 1949، سالانه)، مسابقه موسیقی و رقص. G. B. Viotti در Vercelli (از سال 1950، سالانه)، رقابت با آنها. A. Casella در ناپل (از سال 1952، هر 2 سال، تا سال 1960 پیانیست ها شرکت می کردند، از سال 1962 - همچنین آهنگسازان)، مسابقه ویولن. N. Paganini در جنوا (از سال 1954، سالانه)، مسابقه ارکستر. رهبران ارکستر در رم (از سال 1956، هر 3 سال، توسط آکادمی ملی "سانتا سیسیلیا" تاسیس شد)، مسابقه پیانو. E. Pozzoli در Seregno (از سال 1959، هر 2 سال)، مسابقه برای رهبران ارکستر جوان. G. Cantelli در Novara (از سال 1961، هر 2 سال)، مسابقه آواز "Verdi Voices" در Busseto (از سال 1961، سالانه)، رقابت گروه کر. تیم به آنها. Guido d "Arezzo in Arezzo (تاسیس شده در سال 1952 به عنوان یک ملی، از سال 1953 - بین المللی؛ سالانه، همچنین با نام "Polyfonico" شناخته می شود)، مسابقات ویولن سل G. Casado در فلورانس (از سال 1969، هر 2 سال).

در میان ایتالیایی ها موسیقی ob-in - شرکت موسیقی جدید (بخش انجمن بین المللی موسیقی معاصر؛ در سال 1917 به عنوان انجمن موسیقی ملی تأسیس شد، در سال 1919 به انجمن موسیقی معاصر ایتالیا تبدیل شد، از سال 1923 - شرکت)، انجمن موسیقی. کتابخانه ها، انجمن موسیقی شناسی و دیگران. موسیقی انتشارات و شرکت تجاری "Ricordi and Co" (تاسیس در سال 1808) که در بسیاری دیگر شعبه دارد. کشورها.

ادبیات:ایوانف-بورتسکی M.V.، خواننده موسیقی و تاریخی، جلد. 1-2، م.، 1933-36; خود او، مواد و اسناد تاریخ موسیقی، ج 2، م.، 1934; Kuznetsov K. A.، پرتره های موسیقی و تاریخی، سر. 1، م.، 1937; لیوانوا تی.، تاریخ موسیقی اروپای غربی تا سال 1789، M. - L.، 1940; Gruber R. I.، تاریخ عمومی موسیقی، بخش اول، M.، 1956، 1965; خوخلوفکینا، اپرای اروپای غربی. اواخر 18 - نیمه اول قرن 19. مقالات، م.، 1962; تاریخ مطالعات هنر اروپا: از دوران باستان تا پایان قرن 18، م.، 1963; تاریخچه تاریخ هنر اروپا نیمه اول قرن نوزدهم، مسکو، 1965.

مردمان زیادی در جهان وجود دارند که به زبان های مختلف با هم ارتباط برقرار می کنند. اما نه تنها کلمات در طول تاریخ با مردم صحبت می کردند. برای معنویت بخشیدن به عواطف و افکار آنها در دوران باستان از آهنگ و رقص استفاده می شد.

هنر رقص در پس زمینه توسعه فرهنگی

فرهنگ ایتالیایی در پس زمینه دستاوردهای جهانی از اهمیت بالایی برخوردار است. آغاز رشد سریع آن مصادف با تولد یک دوره جدید - رنسانس است. در واقع، رنسانس دقیقاً در ایتالیا به وجود می آید و برای مدتی در داخل توسعه می یابد، بدون اینکه کشورهای دیگر را لمس کند. اولین موفقیت های او در قرن XIV-XV رخ می دهد. بعداً از ایتالیا در سراسر اروپا پخش شدند. توسعه فولکلور نیز در قرن چهاردهم آغاز می شود. روح تازه هنر، نگرش متفاوت به جهان و جامعه، تغییر در ارزش ها به طور مستقیم در رقص های محلی منعکس شد.

نفوذ رنسانس: پاس و توپ جدید

در قرون وسطی، حرکات ایتالیایی برای موسیقی گام به گام، به آرامی، همراه با نوسان اجرا می شد. رنسانس نگرش به خدا را تغییر داد که در فرهنگ عامه منعکس شد. رقص های ایتالیایی قدرت و حرکات پر جنب و جوش پیدا کردند. پس "تا پای کامل" نمادی از منشأ زمینی انسان، ارتباط او با مواهب طبیعت بود. و حرکت "روی انگشتان پا" یا "با پرش" تمایل شخص به خدا و جلال او را مشخص می کند. میراث رقص ایتالیایی بر اساس آنها است. ترکیب آنها "بالی" یا "بالو" نامیده می شود.

آلات موسیقی عامیانه ایتالیایی دوره رنسانس

آثار فولکلور به همراهی اجرا شد. برای این کار از ابزارهای زیر استفاده شد:

• هارپسیکورد (ایتالیایی "chembalo"). اولین بار ذکر شد: ایتالیا، قرن چهاردهم.
• تنبور (نوعی تنبور، جد طبل مدرن). رقصندگان نیز در حین حرکات خود از آن استفاده می کردند.
• ویولن (ساز کمانی که در قرن پانزدهم ایجاد شد). نوع ایتالیایی آن ویولا است.
• عود (ساز زهی)
• پیپ، فلوت و ابوا.

تنوع رقص

دنیای موسیقی ایتالیا تنوع پیدا کرده است. ظهور سازها و ملودی های جدید باعث ایجاد حرکات پرانرژی در ضرب شد. رقص های ملی ایتالیا متولد و توسعه یافتند. نام آنها اغلب بر اساس اصل سرزمینی شکل گرفت. انواع زیادی از آنها وجود داشت. رقص های اصلی ایتالیایی که امروزه شناخته می شوند عبارتند از: برگاماسکا، گالیارد، سالتارلا، پاوان، تارانتلا و پیتزیکا.

برگاماسکا: نمرات کلاسیک

برگاماسکا یک رقص فولکلور ایتالیایی در قرن 16-17 است که پس از آن از مد خارج شد، اما میراث موسیقایی مربوطه را به جا گذاشت. منطقه اصلی: شمال ایتالیا، استان برگامو. موسیقی در این رقص شاد، ریتمیک است. اندازه ساعت متر یک چهار برابر پیچیده است. حرکات ساده، صاف، جفتی هستند، تغییرات بین جفت ها در این فرآیند امکان پذیر است. در ابتدا، رقص محلی در دوران رنسانس عاشق دربار شد.

اولین اشاره ادبی آن در نمایشنامه رویای شب نیمه تابستان اثر ویلیام شکسپیر دیده می شود. در پایان قرن 18، برگاماسک به آرامی از فولکلور رقص به میراث فرهنگی تبدیل می شود. بسیاری از آهنگسازان در روند نوشتن آثار خود از این سبک استفاده کردند: مارکو اوچلینی، سولومون روسی، جیرولامو فرسکوبالدی، یوهان سباستین باخ.

در پایان قرن نوزدهم، تفسیر متفاوتی از bergamaska ​​ظاهر شد. مشخصه آن اندازه ترکیبی پیچیده متر موسیقی، سرعتی سریعتر بود (A. Piatti، C. Debussy). تا به امروز، پژواک‌هایی از برجماسک فولکلور حفظ شده است، که با استفاده از همراهی موسیقی سبک مناسب، با موفقیت سعی در تجسم آن در تولیدات باله و تئاتر دارند.

گالیارد: رقص های شاد

گالیارد یک رقص قدیمی ایتالیایی، یکی از اولین رقص های محلی است. در قرن پانزدهم ظاهر شد. در ترجمه به معنای "شاد" است. در واقع او بسیار شاد، پرانرژی و ریتمیک است. این ترکیب پیچیده ای از پنج مرحله و پرش است. این یک جفت رقص محلی است که در توپ های اشرافی در ایتالیا، فرانسه، انگلیس، اسپانیا، آلمان محبوبیت پیدا کرد.

در قرن پانزدهم تا شانزدهم، گالیارد به دلیل شکل کمیک، ریتم شاد و خود به خودی مد شد. محبوبیت خود را به دلیل تکامل و تبدیل به یک سبک استاندارد رقص دادگاه اولیه از دست داد. در پایان قرن هفدهم، او کاملاً به موسیقی روی آورد.

گالیارد اولیه با سرعت متوسط ​​مشخص می شود، طول یک متر یک سه جانبه ساده است. در دوره های بعدی با ریتم مناسب اجرا می شوند. در همان زمان، طول پیچیده متر موسیقی مشخصه گالیارد بود. آثار مدرن شناخته شده در این سبک با سرعت کندتر و آرام تر متمایز می شوند. آهنگسازانی که از موسیقی گالیارد در آثار خود استفاده کردند: V. Galilei، V. Break، B. Donato، W. Byrd و دیگران.

سالتارلا: سرگرمی عروسی

سالتارلا (سالتارلو) قدیمی ترین رقص ایتالیایی است. کاملاً شاد و ریتمیک است. همراه با ترکیبی از مراحل، پرش، چرخش و کمان. منشأ: از saltare ایتالیایی، "پریدن". اولین اشاره به این نوع هنر عامیانه به قرن دوازدهم باز می گردد. این در اصل یک رقص اجتماعی با همراهی موسیقی در یک متر ساده دو یا سه ضرب بود. از قرن هجدهم، به آرامی به یک سالتارلای بخارآلود با موسیقی مترهای پیچیده دوباره متولد شد. این سبک تا به امروز باقی مانده است.

در قرون XIX-XX - به یک رقص عروسی جمعی ایتالیایی تبدیل شد که در جشن ها به مناسبت ازدواج رقصیده می شد. به هر حال، در آن زمان آنها اغلب همزمان با برداشت زمان بندی می شدند. در XXI - در برخی از کارناوال ها اجرا شد. موسیقی در این سبک در ساخته های بسیاری از نویسندگان توسعه یافت: F. Mendelssohn، G. Berlioz، A. Castellono، R. Barto، B. Bazurov.

پاوان: تشریفات برازنده

Pavane یک رقص قدیمی ایتالیایی است که منحصراً در دادگاه اجرا می شد. نام دیگر شناخته شده است - پادووانا (از نام پادووا؛ از لاتین پاوا - طاووس). این رقص آهسته، برازنده، باشکوه، آراسته است. ترکیبی از حرکات شامل گام‌های تک و دوتایی، برش‌ها و تغییرات دوره‌ای در مکان شرکا نسبت به یکدیگر است. او نه تنها در رقص، بلکه در ابتدای راهپیمایی ها یا مراسم رقصید.

پاوان ایتالیایی با ورود به توپ های زمینی دیگر کشورها تغییر کرده است. به نوعی «گویش» رقص تبدیل شد. بنابراین، نفوذ اسپانیایی منجر به ظهور "پاوانیلا" و فرانسوی ها به "پاسامزو" شد. موسیقی، که تحت آن پاس اجرا می شد، آهسته و دو ضرب بود. بر ریتم و لحظات مهم ترکیب تأکید کنید. این رقص به تدریج از مد خارج شد و در آثار میراث موسیقی (P. Attenyan، I. Shein، C. Saint-Saens، M. Ravel) حفظ شد.

تارانتلا: تجسم خلق و خوی ایتالیایی

تارانتلا یک رقص محلی ایتالیایی است که تا به امروز باقی مانده است. او پرشور، پرانرژی، ریتمیک، شاد، خستگی ناپذیر است. رقص تارانتلای ایتالیایی از ویژگی های بارز مردم محلی است. این شامل ترکیبی از پرش ها (از جمله به پهلو) با پرتاب متناوب پا به جلو و عقب است. این شهر به نام شهر تارانتو نامگذاری شده است. نسخه دیگری نیز وجود دارد. گفته می شد افرادی که گاز گرفته می شدند در معرض یک بیماری - تارانتیسم قرار می گرفتند. این بیماری شباهت زیادی به بیماری هاری داشت که با حرکات سریع بدون وقفه سعی در درمان آن داشتند.

موسیقی در متر ساده سه گانه یا مرکب اجرا می شود. او سریع و سرگرم کننده است. مشخصات:

1. ترکیب سازهای اصلی (از جمله کیبورد) با سازهای اضافی که در دست رقصندگان است (تنبور و کاستنت).
2. عدم وجود موسیقی استاندارد
3. بداهه سازی آلات موسیقی در یک ریتم شناخته شده.

ریتم ذاتی حرکات در آهنگسازی آنها توسط F. Schubert، F. Chopin، F. Mendelssohn، P. Tchaikovsky استفاده شد. تارانتلا هنوز هم یک رقص محلی رنگارنگ است که اصول اولیه آن را هر میهن پرستی می شناسد. و در قرن بیست و یکم، به طور دسته جمعی در تعطیلات خانوادگی سرگرم کننده و عروسی های باشکوه رقصیده می شود.

Pizzica: Clockwork Dance Clash

پیتزیکا یک رقص سریع ایتالیایی است که از تارانتلا گرفته شده است. به دلیل ظاهر ویژگی های متمایز خود، به جهت رقص فولکلور ایتالیایی تبدیل شد. اگر تارانتلا عمدتاً یک رقص دسته جمعی است، پس پیتزا منحصراً جفت شده است. حتی بیشتر شیک و پرانرژی، او چند یادداشت جنگی دریافت کرد. حرکات دو رقصنده شبیه یک دوئل است که در آن رقبای شاد با هم مبارزه می کنند.

اغلب توسط خانم ها با چندین آقای به نوبت انجام می شود. در همان زمان با انجام حرکات پرانرژی ، خانم جوان اصالت ، استقلال ، زنانه طوفانی خود را بیان کرد و در نتیجه هر یک از آنها را رد کرد. کاوالیرها تسلیم فشار شدند و تحسین خود را برای این زن نشان دادند. چنین شخصیت خاص فردی فقط مخصوص پیتزا است. به نوعی، طبیعت پرشور ایتالیایی را مشخص می کند. پیتزا که در قرن هجدهم محبوبیت پیدا کرد، تا به امروز آن را از دست نداده است. اجرای آن در نمایشگاه ها و کارناوال ها، جشن های خانوادگی و نمایش های تئاتر و باله ادامه دارد.

ظهور یک جدید منجر به ایجاد یک همراهی موسیقی مناسب شد. به نظر می رسد "pizzicato" - روشی برای اجرای آثار بر روی سیم های کمان، اما نه با خود کمان، بلکه با نوک انگشتان. در نتیجه صداها و ملودی های کاملاً متفاوت ظاهر می شوند.

رقص های ایتالیایی در تاریخ رقص جهان

رقص ها که به عنوان یک هنر عامیانه سرچشمه می گیرند، با نفوذ به سالن های رقص اشرافی، شیفته جامعه شدند. به منظور آموزش آماتوری و حرفه‌ای، نیاز به سیستم‌بندی و مشخص کردن پاس‌ها وجود داشت. اولین طراحان رقص نظری ایتالیایی ها بودند: دومنیکو دا پیاچنزا (XIV-XV)، گوگلیلمو امبرئو، فابریزیو کاروسو (XVI). این آثار، همراه با برجسته سازی حرکات و سبک سازی آنها، مبنایی برای توسعه جهانی باله قرار گرفت.

در همین حال، در خاستگاه رقص سالتارلا یا تارانتلا ساکنان ساده روستایی و شهری شاد بودند. خلق و خوی ایتالیایی ها پرشور و سرزنده است. دوران رنسانس اسرارآمیز و با شکوه است. این ویژگی ها مشخصه رقص های ایتالیایی است. میراث آنها اساس توسعه هنر رقص در کل جهان است. ویژگی های آنها بازتابی از تاریخ، شخصیت، عواطف و روانشناسی یک ملت در طول قرن های متمادی است.