تئاتر یک شکل هنری مصنوعی است که به ما اجازه می دهد نه تنها بشنویم، نه تنها تصور کنیم، بلکه نگاه کنیم، ببینیم. تئاتر به ما این فرصت را می دهد که شاهد درام های روانی و مشارکت کننده در کارها و رویدادهای تاریخی باشیم. تئاتر، اجرای تئاتر با تلاش بسیاری از هنرمندان از کارگردان و بازیگر گرفته تا طراح تولید خلق می‌شود، زیرا اجرا «ترکیبی از هنرهای مختلف است که هر کدام در این طرح دگرگون می‌شوند و کیفیت جدیدی پیدا می‌کنند. ...”
لباس تئاتر جزئی از تصویر صحنه ای بازیگر است، اینها نشانه ها و ویژگی های بیرونی شخصیتی است که به تصویر کشیده می شود که به تناسخ بازیگر کمک می کند. ابزار تأثیر هنری بر بیننده. برای یک بازیگر، کت و شلوار ماده است، فرمی الهام گرفته از معنای نقش.
همانطور که یک بازیگر در کلام و اشاره، حرکت و تن صدای خود جوهره جدیدی از تصویر صحنه را خلق می کند، با شروع از آنچه در نمایشنامه آمده است، هنرمند نیز با هدایت همان داده های نمایشنامه، تصویر را به وسیله آن تجسم می بخشد. وسیله هنر او
در طول تاریخ چند صد ساله هنر تئاتر، طراحی منظره پیوسته دستخوش دگرگونی تکاملی شده است، که نه تنها به دلیل بهبود تکنولوژی صحنه، بلکه به دلیل همه فراز و نشیب‌های سبک و مد دوران مربوطه ایجاد شده است. این به ماهیت ساختار ادبی نمایشنامه، به ژانر دراماتورژی، به ترکیب اجتماعی مخاطب و سطح تکنیک صحنه بستگی داشت.
دوره‌های سازه‌های معماری پایدار دوران باستان جای خود را به مراحل ابتدایی قرون وسطی داد که به نوبه خود جای خود را به تئاترهای دربار سلطنتی با نمایش‌های تجملی خودکفا داد. اجراهایی در پارچه، در مناظر سازنده پیچیده، فقط در طراحی نور، بدون تزئین وجود داشت - روی صحنه برهنه، روی یک سکو، فقط روی یک سنگفرش.
نقش لباس به عنوان یک منظره «متحرک» همیشه غالب بوده است. دیدگاه «رابطه» او با بازیگر، زمان و تاریخ، و در نهایت، با «شریک» بلافصلش - طراحی هنری صحنه، تغییر کرد.
در روند پیشرفت پیشروی هنر تئاتر مدرن، نوآوری کارگردانی، دگرگونی روش طراحی هنری، نقش هنر لباس رو به کاهش نیست - برعکس. تئاتر با رشد همتایان جوانتر و انعطاف پذیرتر خود - سینما و تلویزیون - بدون شک در جستجو و عذاب اشکال جدیدی از تکنیک های تماشایی به دست می آورد، دقیقاً آنهایی که از موقعیت تئاتر به عنوان ارزش ماندگار یک مستقل دفاع و تعریف می کنند. فرم هنری. لباس به عنوان متحرک ترین عنصر مناظر تئاتر در این جست و جو رتبه اول را به خود اختصاص داده است.
فرهنگ مدرن و بالای هنر تئاتر، کارگردانی ظریف و عمیق روی نمایشنامه و اجرا، بازیگری با استعداد بازیگران، هنرمندی را که اجرا را طراحی می‌کند، می‌طلبد که نفوذ ویژه‌ای به دراماتورژی اجرا داشته باشد، تماس نزدیک با جهت. طراحی مدرن توسط قوانین قدیس نیست. در هر مورد خاص فردی و مشخص است. «کار کارگردان از کار هنرمند جدا نیست. ابتدا کارگردان باید پاسخ های خود را برای مشکلات اساسی طراحی صحنه بیابد. هنرمند نیز به نوبه خود باید وظایف تنظیم را احساس کند و پیگیرانه به دنبال ابزارهای بیانی باشد ... "
لباس تئاتر ابتدا با وسایل بصری، یعنی طرحی خلق می شود.
لباس تئاتر نقش مهمی در شکل گیری تصویر مثبت تئاتر در بین مخاطبان آن دارد.
لباس تئاتر مفهومی گسترده است و شامل همه چیزهایی است که به طور مصنوعی ظاهر شخص را تغییر می دهد و بدن او را نگه می دارد - این مجموعه ای از چیزها است: مدل مو، آرایش، کفش، آرایش سر و خود لباس. معنای معنایی لباس به عنوان نقاب بدن با معنای لغوی کلمه "لباس" نیز تأیید می شود: "این کلمه از "costume" ایتالیایی وام گرفته شده است که به معنای "رسم"، "رسم"، "عادت" است. و در جمع - "موارد" Kokuashvili N.B. لباس به عنوان یک پدیده فرهنگ // نشانه های زندگی روزمره - Rostov-on-D., 2001. - P. 38-44 ..
لباس تئاتر همیشه منعکس کننده دورانی است که اجرا در آن اتفاق می افتد. برای ایجاد یک لباس تئاتر، دکوراتورها از منابع مختلف اطلاعاتی استفاده می کنند: نقاشی های دیواری، مجسمه ها، نقاشی ها، منابع مکتوب.
لباس تئاتر تنها سیستمی است که می تواند به طور مصنوعی ظاهر یک فرد را تغییر دهد، بر وحدت هماهنگ بدن یا بخش های خاصی از آن تاکید یا از بین ببرد و تصویری هنری خلق کند. بیایید چنین وضعیت واقعی را فرض کنیم: وقتی دختری را در لباسی می‌بینیم که شکلی نزدیک به ایده‌آل به بدنش می‌دهد، می‌توانیم فریاد بزنیم "چه دختر زیبایی!"، که به این معنی است که این لباس "عملکرد زیبایی شناختی" خود را انجام داده است. ، یک نفر را زیبا کرد. جزئیات غیر کاربردی متعدد، به عنوان مثال، الگو، الگوی پارچه، رنگ، بافت، توری، قلاب، دکمه های تزئینی، گلدوزی، لوازم جانبی، گل های دروغین و غیره در نگاه اول، تنها عناصر تزئینی جزئیات لباس هستند. با این حال، پس از تجزیه و تحلیل دقیق، معلوم می شود که آنها به شکل گیری تصویر کمک می کنند و کمال تصویری یکی از منابع قدرتمند زیبایی است. در این مورد، یک جنبه زیبایی شناختی از لباس تئاتر به طور نامحسوس به دیگری منتقل می شود، که می توان آن را عملکرد هنری لباس نامید، که برای ایجاد یک تصویر و سبک فردی طراحی شده است.
بدون تدوین گونه شناسی لباس تئاتر نمی توان نقش آن را در شکل دادن به تصویر تئاتر بررسی کرد. تنوع لباس تئاتر را می توان با تنوع موقعیت های زندگی یا شخصیت های انسانی که از طریق این لباس روی صحنه تجسم می یابد مقایسه کرد. راه اصلی برای درک ماهیت آن نوع شناسی، تقسیم به طبقات، گروه ها، گونه ها و غیره است. در هواپیماهای مختلف
هیچ مطالعه کاملی در این زمینه وجود ندارد. اگرچه شایان ذکر است که هر نویسنده ای که شروع به مطالعه لباس و لباس تئاتر به طور کلی می کند آن را بر اساس معیاری طبقه بندی می کند. بسیاری از ادبیات مربوط به لباس، تحقیقات تاریخی و قوم‌نگاری است، و از این رو لباس بر اساس دلایل جغرافیایی یا زمانی تقسیم می‌شود. در ادبیاتی که به مسائل ظاهر عناصر لباس، توسعه آنها، روش های شکل گیری تصویر اختصاص دارد، کت و شلوار معمولاً در رابطه با بدن، ساختار و عملکرد تقسیم می شود.
هر نوع طبقه بندی زمینه های جدیدی را برای تحقیق باز می کند، مشکلات غیر منتظره و جنبه های جدیدی از لباس را آشکار می کند.
قبلاً گفتیم که لباس تئاتر باید به عنوان هر چیزی که به طور مصنوعی ظاهر شخص را تغییر می دهد و بدن او را تغییر می دهد ، شامل لباس ، آرایش سر ، کفش ، مدل مو ، جواهرات ، لوازم جانبی ، آرایش می شود. این تعریف قبلاً شامل اولین و طبقه بندی اصلی است - زیر سیستم های کت و شلوار ذکر شده است.
سطوح اصلی نوع شناسی:
1. انسان شناسی
الف) در رابطه با بدن
اساس طبقه بندی میزان نزدیکی به بدن و در نتیجه میزان تأثیرگذاری بر بدن است.
ما آنها را از نزدیک ترین به دورترین لیست می کنیم: رنگ آمیزی بدن (خالکوبی، آرایش، آرایش)، لباس، کفش، کلاه، جواهرات، لوازم جانبی (آنها همچنین تأثیر متفاوتی دارند: به عنوان مثال، عینک از کیف دستی نزدیکتر است).
بسیاری از سیستم ها مانند لباس نیز در درون خود تفاوت هایی دارند (لباس زیر و لباس بیرونی).
این دلیل باید در هنگام ایجاد و مصرف یک لباس تئاتر در نظر گرفته شود، زیرا بدن انسان فقط می تواند مواد، بافت ها، مواد خاصی را بپذیرد. کل تاریخ تولید لباس در جهت ایجاد راحت ترین و ایمن ترین مواد و مواد برای سلامتی (آرایش، آرایش) در حال توسعه است.
ب) در رابطه با اعضای بدن (انواع لباس، کلاه، کفش و ...)
ما قبلاً در تعریف با این طبقه‌بندی مواجه شده‌ایم و بنابراین می‌توان آن را در رویکردی نظام‌مند به مطالعه لباس تعیین‌کننده نامید. بیایید یک سلسله مراتب کامل از سیستم ها و زیرسیستم های لباس تئاتر بسازیم.
پارچه. با توجه به روش بستن روی بدن، لباس ها به دو دسته کمر (دامن، شلوار، شورت، زیرشلوار و ...) و شانه (پیراهن، لباس، سارافون، بارانی، کت، کت خز، ژاکت، تی شرت، ژاکت، ژاکت) تقسیم می شوند. و غیره) پیکربندی و شکل پذیری بدن تفاوت در عناصر لباس را دیکته می کند. لباس در سه قسمت بدن - تنه، بازوها و پاها قرار می گیرد.
تمام لباس ها نیز به سه لایه زیر، لباس زیر و لباس بیرونی تقسیم می شوند.
کتانی. تولید کنندگان لباس های زیر را به سه نوع تقسیم می کنند: لباس زیر روزمره (عملی، ساخته شده از مواد متراکم طبیعی یا مخلوط، صاف)، جشن (هوشمند، با انواع تزئینات، متناسب با لباس ها برای مناسبت های خاص) لباس زیر صمیمی (باز، شفاف، با انواع مختلف تزئینات، جزئیات بالای سر (تزیینات، پاپیون، توری، مهره)، اغلب با اشاره ای به شوخی.
در قرن دوازدهم، لباس های شیک و صمیمی در خانه ظاهر شد (معمولاً برای توالت های صبحگاهی): نگلیژ، پولونیز، نگلیژ، شمیز که هنوز هم وجود دارند. در اروپا در قرن 19، به لطف سفر به مناطق استوایی، لباس خواب معروف شد.
زیر شلواری. این پرتعدادترین بخش لباس است، فهرست کردن همه انواع آن دشوار و غیر عملی است، کل این مجموعه بین لباس زیر و لباس بیرونی قرار دارد. با این حال باید به ویژگی زیر توجه کرد که بستگی به آب و هوا دارد. در کشورهای گرم، لباس‌های زیر و لباس‌های زیر اغلب با هم ترکیب می‌شوند تا لباس‌های کاملاً آشکاری را تشکیل دهند که هر روز پوشیده می‌شوند تا مواد موجود در بدن را به حداقل برسانند. در حالی که پوشش شمالی ها چند لایه است که بر تعداد لباس ها افزوده می شود.
بخش ژاکت: بلیزر، جامپر، ژاکت، جلیقه، ژاکت، ژاکت، تاکسیدو، دمپایی، کت و شلوار ("دو"، "سه"، با دامن یا شلوار)، پیراهن (بلوز).
لباس پا: شلوار، شورت، جوراب، جوراب ساق بلند، جوراب شلواری.
به طور جداگانه، لباس (سارافن) و دامن را برجسته می کنیم.
لباس بیرونی. تنوع انواع لباس های بیرونی چندان زیاد نیست، تقسیم بندی اول از همه بر اساس فصل ها و البته بر اساس طرح و جنس است. ما انواع اصلی لباس های بیرونی را لیست می کنیم: کت پوست گوسفند، کت خز، کت، ژاکت، کت، کت بارانی.
مورخان لباس حدود هفده نوع کت را تشخیص می دهند.
همچنین باید به عناصر خاصی از لباس توجه ویژه ای داشته باشید که به طور معمول دارای قدرت نمادین خاصی هستند - یقه، سرآستین، کراوات (روسری، روسری)، جوراب (جوراب ساق بلند)، کمربند (کمربند)، دستکش (دستکش). این جزئیات جزئی می تواند بار اطلاعاتی کت و شلوار را به طور کامل تغییر دهد.
کفش ها به دو دسته تقسیم می شوند: دوخته شده، بریده شده و با باندهای مختلف به پا متصل می شوند، حصیری.
با طراحی، کفش به صندل و پاپوش، کفش، چکمه و چکمه تقسیم می شود.
کلاه. روسری همیشه با سر مرتبط بوده است، بنابراین معنای نمادین قوی دارد. در آثار هنری، روسری می تواند جایگزینی برای سر باشد.
انواع جواهرات با توجه به هدفشان به: لباس (سنجش، دکمه سرآستین، سگک، گیره، سنجاق)، لباس زیر (گوشواره، گردنبند، زنجیر، آویز، انگشتر، دستبند) و زیورآلات مو (گیره مو، تاج و ... ).
بر اساس روش دلبستگی، دنیای جواهرات از زیر سیستم های زیر تشکیل شده است: گردن (زنجیره، آویز، گردنبند، گردنبند، روبان، آویز، مهره، مدال)؛ گوش (گوشواره، گیره، گل میخ)؛ دستبند (روی بازوها و پاها)؛ انگشت (حلقه، حلقه)؛ زیور آلات مو (گیره مو، روکش، تاج گل، تاج، حلقه های موقت، روبان، و غیره).
مدل مو - دکوراسیون سر، از بسیاری جهات نمادی از ساختار محتوای داخلی آن، جهان بینی هر فرد و دوران به عنوان یک کل است.
موی سر، از آنجایی که قسمت بالای بدن انسان را می پوشاند، نمادی از نیروهای معنوی، قدرت های بالاتر است، مظهر وضعیت معنوی یک فرد است. موهای بدن با تأثیر نیروهای غیرمنطقی، پایین تر، غرایز بیولوژیکی همراه است. مو همچنین به معنای باروری است. در نمادگرایی هندو، آنها به معنای "خطوط نیروی" جهان هستند. موهای ضخیم تجسم یک انگیزه حیاتی است که با میل به موفقیت همراه است. رنگ مو مهم است. موهای تیره دارای نمادهای تیره و زمینی هستند، در حالی که موهای روشن (طلایی) با پرتوهای خورشید، خلوص و خوبی همراه است و همه قهرمانان اساطیری و افسانه ای مثبت موهای بور داشتند (سفید برفی، دوشیزه برفی، طلایی). موهای قرمز مسی نشان دهنده شخصیت شیطانی است و با زهره مرتبط است. قرن ها این ایده وجود داشته است که جادوگر باید قرمز باشد و چنین افرادی همیشه خوش شانس هستند. بسیاری از مراسم جادوگری با مو، به عنوان انرژی معنوی یک فرد مرتبط است. وقتی موهایمان را از دست می دهیم، مانند سامسون کتاب مقدس قدرت خود را از دست می دهیم. طرف دیگر ریزش مو، فداکاری با اراده است. همه کسانی که زندگی زمینی را رد می کنند تا در مسیر زهد مطلق قدم بگذارند، موظفند موهای خود را کوتاه کنند (تنسور رهبانی). مردم برای مدت طولانی توجه زیادی به مدل مو داشته اند. به گفته دیدرو، مدل مو باعث جذابیت بیشتر زن می شود و مرد بر ویژگی های شخصیتی خود تأکید می کند.
آرایش. از طریق گریم، یک بازیگر می تواند چهره خود را تغییر دهد، آنچنان فرم گویا به آن بدهد که به بازیگر کمک کند تا ماهیت تصویر را به طور کامل و جامع آشکار کند و آن را در بصری ترین شکل به بیننده منتقل کند. اما گریم نه تنها به عنوان یک طراحی بیرونی از شخصیت شخصیتی که توسط بازیگر به تصویر کشیده شده است اهمیت دارد. حتی در فرآیند خلاقانه کار روی یک نقش، گریم انگیزه و انگیزه خاصی برای بازیگر است تا تصویر را بیشتر آشکار کند.
اشکال اصلی آرایش تئاتر بر اساس نقاشی بدن جادویی و یک ماسک آیینی به وجود آمد که مستقیماً با ایده‌های جادویی و آنیمیستی-مذهبی انسان بدوی مرتبط بود.
2. جمعیت شناختی
یک تقسیم آشکار به عناصر مردانه و زنانه لباس، رنگ ها، بافت ها، مواد وجود دارد.
مردانه - سایه های محدود، به طور معمول، تیره، با غلبه سیاه، تضادهای شدید اغلب یافت می شود، بافت ها سخت، پارچه ها متراکم، سنگین، مات، الگوها و بافت ها هندسی، فنی هستند.
زنانه - سایه‌های پاستلی، تمام پالت صورتی، سبک، بافت‌های نرم، به راحتی پوشیده، شفاف، با درخشش، گلدوزی، گیپور، گل، نقوش گیاهی، خال‌خالی و خطوط نرم در بافت‌ها و نقش‌ها، مروارید و مروارید - مواد برای لوازم جانبی و جواهرات.
لباس تئاتر می تواند بر اساس جنسیت یا در جزئیات جزئی (مثلاً: کنار گیره) یا به طور کلی در کل فرم متفاوت باشد. بنابراین، در قرن هفدهم، مردان به طور گسترده ای از توری شیک استفاده می کردند، اما اکنون این یکی از نمادهای زنانگی در اختیار خانم ها است. نشانه های زنانگی و مردانگی البته در میان اقوام مختلف و در دوره های مختلف تغییر کرد، اما همیشه وجود داشت. استثنا، شاید پایان قرن بیستم با ایده تک جنسیتی آن باشد.
مدت هاست که بین لباس های کودکان و بزرگسالان تفاوت هایی وجود داشته است. در این گروه ها درجه بندی وجود دارد: کودکان کوچک، نوجوانان، جوانان، افراد در سنین بالغ، سالمندان، سالمندان. این لباس شامل جزئیات ویژه برای نسل قدیمی و موارد خاص برای جوان تر است. در اینجا چند نمونه آورده شده است: پاپیون یا پیش بند همیشه برای ما نماد کودکی است، روسری که دور سر زن بسته می شود معمولاً با پیری همراه است، فقط جوانان می توانند لباسی با نشانه های آشکار اروتیسم بپوشند. این گونه نمادهای کلیشه ای به شدت در فرهنگ جا افتاده اند.
همانطور که در مورد جنسیت، تقسیم به نقاشی های کودکان و بزرگسالان، رنگ ها، بافت ها و مواد پذیرفته شده است.
مفهوم لباس کودکان به عنوان یک گروه مستقل تنها در نیمه دوم قرن هجدهم در انگلستان به وجود آمد. تا آن زمان، لباس کودکان فقط یک کپی کوچکتر از بزرگسالان بود. این جدایی تا حد زیادی به دلیل پیچیدگی چشمگیر لباس است که آن را برای کودکان بیش از حد ناراحت کننده می کرد.
هواپیماهای محیطی اصلی صحنه و لباس تئاتر.
1. تاریخی (زمانی) - دوره ها، قرون، دوره ها، سال ها ...
این طبقه بندی که در مورد لباس اعمال می شود، رایج ترین در علم تاریخی است. با این رویکرد، تاریخ اشیا و پدیده ها از منظر تعلق آنها به زمان خاصی بررسی می شود. به طور کلی شناخته شده ترین درجه بندی های اصلی عبارتند از: بدوی، باستان، قرون وسطی، رنسانس، قرن های 17، 18، 19، و 20. توسعه لباس در این مورد به عنوان یک فرآیند خطی در نظر گرفته می شود، تمرکز بر نشانه هایی است که یک دوره را از دیگری متمایز می کند. توجه پژوهشگر معطوف به ویژگی های سبکی لباس مشترک در تمام هنرهای معماری هر دوره است.
در هر دوره، مرسوم است که دوره های کوچکتر را مشخص می کنند، نام آنها به خوبی شناخته شده است.
2. طبیعی.
فضایی-جغرافیایی. در اینجا چشمگیرترین تقسیم به دو قطب رخ می دهد - شرق-غرب. البته تفاوت ها بسیار فراتر از جغرافیا است. معضل «شرق-غرب» به آثار زیادی اختصاص دارد و تمام مشکلات مطرح شده در آنها به نوعی در لباس منعکس شده است. تقسیم بندی بیشتر در یک الگوی ساده اتفاق می افتد: قاره ها، کشورها، مناطق، شهرها، روستاها، بلوک های شهر.
اقلیمی. با توجه به اینکه یکی از اولین کارکردهای کت و شلوار محافظت از بدن در برابر تأثیرات طبیعی بود ، کت و شلوار اول از همه از نظر سازگاری با شرایط مختلف آب و هوایی و طبیعی متفاوت بود.
البته، در واقعیت، هواپیماها با هم تلاقی می‌کنند و طیف وسیعی از شرایط طبیعی را تشکیل می‌دهند که نیاز به لباس خاصی دارد. شب زمستان در جنگل جنوبی و روز تابستان در کوه های شمالی، آفتاب شمالی و جنوبی، باران و باد در استپ و در جنگل و غیره. تا حد زیادی تنوع لباس های مردم ساکن سیاره ما را تعیین می کند.
با توسعه فعالیت‌های انسانی و صنعت، لباس‌های جدید دائماً ظاهر می‌شوند که مخصوصاً برای ماندن در شرایط طبیعی شدید اقتباس شده‌اند، که به افراد اجازه می‌دهد راه خود را به غیرقابل دسترس‌ترین گوشه‌های زمین و محیط‌های ناشناخته باز کنند. بشر تجهیزاتی را برای فتح قله‌های کوه، اعماق دریاها، جنگل‌های بارانی غیرقابل نفوذ، بیابان‌ها و قطب‌ها ساخته است.
3. قوم نگاری - اقوام، مردمان، قبایل (آیین، آداب و رسوم). این یکی از رایج ترین طبقه بندی های لباس تئاتر است. بخش عمده ای از تمام ادبیات مربوط به لباس، آثار قوم نگاری است که حاوی توضیحات مفصلی از لباس های جوامع قومی مختلف و آداب و رسوم و آیین های مرتبط با آنها است. با توجه به چنین مطالعاتی، خوب است که چنین پدیده ای را به عنوان یک لباس ملی بررسی کنیم.
4. مراسم جداگانه اقوام خاص.
بسیاری از آثار اختصاص داده شده به لباس تئاتر یک دوره خاص بر اساس تقسیم بندی به طبقات است. لباس طبقات مختلف در ابتدا با روش زندگی ذاتی آنها تعیین می شود ، شکل ثابت آن به عنوان نشانه ای عمل می کند که یک یا لایه دیگری از جامعه را نشان می دهد. رهبر در میان هم قبیله های خود برجسته بود، او به عنوان فردی خاص مورد احترام بود. برش و جزئیات لباس حکایت از وضعیت در جامعه، سنت های قبیله ای و غیره دارد. و در دنیای مدرن، این عملکرد کت و شلوار وجود دارد (به عنوان مثال، در یک کت و شلوار تجاری - هر چه نوار نازک تر باشد، وضعیت صاحب آن بالاتر است). اشتباهات در اینجا همیشه به شدت نامطلوب بوده و می تواند توهین آمیز باشد. مردم نسبت به موقعیت خود در جامعه بسیار حساس بودند و همیشه سعی می کردند به نوعی در کت و شلوار بر آن تاکید کنند. غالباً طبقات مختلف از نظر اخلاقی، زیبایی شناختی و غیره متفاوت هستند. هنجارهایی که در لباس نیز منعکس می شود. در یک جامعه طبقاتی، علائم بیرونی به سادگی ضروری هستند که ماهیت روابط و ارتباطات را مشخص می کنند.
در دوران گذار از اقتصاد معیشتی به اقتصاد بازار، با تقسیم کار و مبادلات کالایی، هر کسب و کار متخصصان خاص خود را داشت و در نتیجه همان نوع کت و شلوار را داشت. شکل آن تا حد زیادی به ویژگی های فعالیت بستگی داشت و حاوی عناصری بود که افراد یک حرفه را به نوعی شرکت متحد می کرد و از این طریق بر اشتراک مشاغل تأکید می کرد که تأثیری بر شخصیت ، جهان بینی و نگرش آنها نسبت به دیگران بر جای می گذاشت. ما حتی گروهی از افراد را با نام بردن علائم یا عناصر لباس آنها مشخص می کنیم، به عنوان مثال: "افراد با کت سفید"، "افراد لباس فرم"، "یقه سفید" و بلافاصله همه متوجه می شوند که در مورد چه کسی صحبت می کنند.
حرفه های زیر دارای مشخص ترین و قابل تشخیص ترین لباس ها هستند: نظامی، کارکنان پزشکی، کارمندان شرکت های حمل و نقل، پذیرایی و غیره.
اعتراف این گونه شناسی شامل مطالعه لباس نمایندگان ادیان مختلف و همچنین شاخه ها و جنبش های بدعتی آنها است. هر دین فرم های خاصی از لباس، برش های خاص، شبح، رنگ ها، لوازم جانبی و جزئیات را ایجاد و شرایط می کند.
بسته به میزان تأثیر دین بر زندگی جامعه در یک دوره معین، این ویژگی ها به نوعی بر همه اشکال و انواع لباس تأثیر می گذارد.
5. زیبایی - سلسله مراتب سبک، تغییر مد و غیره.
لایه نسبتاً گسترده ای از ادبیات اختصاص داده شده به لباس تئاتر دقیقاً بر اساس این طبقه بندی است. تاریخچه لباس تئاتر، به عنوان یک قاعده، بر اساس در نظر گرفتن سبک های مختلف لباس و مد است که در سراسر وجود بشر جایگزین یکدیگر شده اند. محققان مدرنیته نیز با در نظر گرفتن پالت سبک هایی که هم در زمان ما وجود دارند و هم زیربنای علوم تصویری هستند، به طور فعال از این سلسله مراتب در کار خود استفاده می کنند. در این راستا باید توجه داشت که بررسی سبک لباس بر دو جهت استوار است: سبک های تاریخی و سبک های مدرن. مفهوم «مدرن» نه تنها شامل سبک‌هایی است که در دهه‌های آخر قرن حاضر ظهور کرده‌اند، بلکه شامل همه انواع سبک‌های لباسی است که معاصران ما در اختیار دارند و همچنین نگرش به سبک به عنوان یک ابزار. این به این دلیل است که در مرحله کنونی رشد بشر، سبک عصر کنونی را می توان به عنوان چند واریانس تعریف کرد. نمی توان آن را بدون ابهام تعریف کرد، به دلایل زیادی بستگی دارد و بسته به موقعیت، خلق و خو و غیره به راحتی تغییر می کند. بنابراین، سبک‌های تاریخی اصلی را که در دوره‌ای خاص شکل گرفته‌اند، و سپس سبک‌های اصلی را که یک فرد مدرن می‌تواند در آن بیان کند، فهرست می‌کنیم. البته بسیاری از سبک های مدرن مبتنی بر سبک های تاریخی خاصی هستند.
ما سبک های اصلی تاریخی را فهرست می کنیم:
عتیقه. بدن به عنوان یک آینه دیده می شد که قرار بود کمال جهان را منعکس کند. لباس از قوانین منطق و هماهنگی پیروی می کرد. سبک عتیقه تصویری از "ستون یونانی" است که به سمت ارتفاعات به سمت نور و کمال تلاش می کند. استفاده از پارچه‌هایی با عرض معین متناسب با اندازه ماشین بافندگی، لباس‌ها بریده نمی‌شوند، بلکه در چین‌های عمودی جمع می‌شوند، لباس مطابق با ساختار بدن انسان طراحی شده است، کفش‌ها تقریباً یک زیره هستند.
رمانسک. میراث دوران باستان را حمل کرد، اما با افراط و تفریط. یک لباس ساده و غیر به هم پیوسته (از دو قسمت دوخته شده) با حاشیه پهن تزئین شده بود.
گوتیک. در این زمان بود که برش ظاهر شد، که به طور غیرمعمول پیچیده و جذاب شد. لباس‌ها به گونه‌ای طراحی شده‌اند که مناسب باشند. لباس آن دوران شبیه به معماری گوتیک است. غلبه خطوط عمودی و جزئیات نوک تیز.
رنسانس. میل به هماهنگی، که در تقارن و عدم وجود زواید بیان می شود. در همه چیز - فقط نسبت های طبیعی. معاصران سعی کردند لباسی غنی و ظریف ایجاد کنند که بتواند بر کرامت یک فرد تأکید کند. برای اولین بار، لباس زنانه به دامن بلند و نیم تنه تقسیم می شود. لباس ها با استفاده از پارچه های گران قیمت، زیور آلات پیچیده، طراحی غیر معمول آستین ها، ترکیبی از دو رنگ و مواد متمایز می شوند.
باروک ظهور مواد جدید، محبوب ترین مخمل و فلز است. دنبال تجمل گرایی و عجیب بودن. رسمی بودن، سفتی لباس های سنگین.
روکوکو لباس‌ها برازنده‌تر می‌شوند، لباس‌های بزرگ به اندازه‌های انسانی‌تر کاهش می‌یابند. فراوانی چین ها و اتصالات با استفاده از ساتن، غنی ترین لباس زیر. غلبه رنگ های پاستلی در لباس ها و فراوانی لوازم جانبی.
امپراتوری از مد باستانی پیروی کرد (این فقط در مورد لباس زنانه صدق می کرد). ویژگی های بارز: سادگی خطوط، چین های عمودی، جابجایی خط کمر زیر سینه، آستین های پف کرده، یقه عمیق. یک دمپایی تیره در کمد لباس مردان به چشم می خورد که با کراوات، جلیقه طرح دار و کلاه بالا پوشیده می شد.
شیک پوش در آغاز قرن نوزدهم، نوعی از جنتلمن متواضع اما کاملاً لباس پوشیده ایجاد شد - شیک پوش. ویژگی اصلی آن سادگی بیرونی لباس، همراه با هزینه بالا و برش کامل آن است. نقش افزایش یافته کراوات، که تنها تزئین چشم نواز روی پیراهن سفید برفی می شود.
رمانتیسم. این سبک به وضوح در کت و شلوار زنانه خود را نشان می دهد که از ویژگی های بارز آن می توان به بالاتنه مناسب، آستین های گشاد، کت و شلوارهای زیاد، روفله ها و پاپیون ها، سایه های رنگی روشن اشاره کرد که باعث ایجاد احساس مطبوع و لطافت می شود.
نوین. ایگو با رد همه هنجارهای قدیمی در لباس مشخص می شود. Art Nouveau با شبح S شکل کت و شلوار زنانه، لباس های شفاف گشاد، تزئینات و ولخرجی همراه با تصاویر خارق العاده متمایز می شود.
امروزه برخی از سبک ها در کت و شلوار توسعه می یابند، برخی دیگر متولد می شوند و می میرند، توصیف همه آنها به سادگی غیرممکن است. اما هنوز هم می توان چندین مورد از آنها را متمایز کرد که ویژگی های مشخصی دارند و به طور پیوسته در یک لباس مدرن وجود دارند. بیایید هر یک از آنها را در نظر بگیریم و در طول مسیر توضیح دهیم که با یک کت و شلوار به سبک خاص چه ویژگی های روانشناختی می توانیم به دست آوریم.
سبک کسب و کار. اغلب با تعریف "کلاسیک" مطابقت دارد، و همچنین بسیاری از عناصر سبک ورزشی را می پوشد. ویژگی های اصلی تجاری، محکم، جدی، اعتماد به نفس، شایسته، اعتماد به نفس الهام بخش، به شدت ظریف، راحت است. این سبک با سیلوئت های سخت، عمدتاً تیره یا روشن، رنگ های خاموش، مواد ساده متمایز می شود (فقط چک ها و راه راه های غیر متضاد مجاز هستند). نقش اصلی را یک کت و شلوار تجاری در ترکیب با یک پیراهن (بلوز) ماهرانه انتخاب شده، اغلب سفید بازی می کند. کارگران دانش به دلیلی "یقه سفید" نامیده می شوند. توجه ویژه ای به کیفیت مواد و طرز کار می شود. شدت خطوط و گامای خاموش آبی-خاکستری-قهوه ای در تمام لوازم جانبی و سایر سیستم های لباس (مدل مو، آرایش) وجود دارد. این عقلانیت، منطق، اراده، هدفمندی، خویشتن داری را شخصیت می بخشد و بر آن تأکید می کند.
سبک برای هر روز - برای کار، بازدیدهای تجاری، سفرهای رسمی.
رومانتیک. می توان آن را کاملاً متضاد سبک کسب و کار نامید که تجسم احساسات ، حساسیت ، رویاپردازی ، لطافت و احساسات است. البته بیشتر در بین خانم ها دیده می شود. می توان گفت که او مظهر زنانگی است و بر تمام مزایای چهره زن تأکید می کند. خطوط سیلوئت نرم، صاف، پرده‌های فراوان، انواع روکش‌های مشخص (رافل، پاپیون، زواید، توری، قالب، زواید، گلدوزی است. رنگ‌ها لطیف، ملایم، تمام سایه‌های صورتی و آبی هستند. الگوها و بافت - گل، سبزیجات، نخود فرنگی، فانتزی ملایم. لوازم جانبی، مدل مو و آرایش تصفیه شده، تصفیه شده، برازنده هستند.
سبکی برای دوستیابی، اوقات فراغت، عصرانه، کافه، تئاتر و غیره.
ورزش ها. ورزش های مختلف انواع مختلفی از لباس را به جهان داده است - شورت، تی شرت، کلاه بیسبال، ساق شلوار. منبع دیگر سبک اسپرت لباس برای عملیات نظامی بود (کت‌های راحت گرم، لباس‌های سرپوش، کلاه ایمنی، اتصالات فلزی، جیب‌های پچ، آستین‌های راگلان). شبح های این سبک مستقیم، ذوزنقه ای، کمتر نیمه مجاور و متناسب هستند.
یک پالت رنگ غنی، تضادهای مکرر در رنگ و بافت، فراوانی لوازم جانبی، راه راه، نمادها، جزئیات وصله دوخته شده. ویژگی های اصلی سبک: راحتی، عملکرد، شل بودن، پویایی.
انواع سبک - "سافاری"، شلوار جین، دریایی.
سبکی برای سفر، تفریح در خارج از شهر، در خانه، برای افراد فعال و پویا که قدردان عملی بودن و راحتی در کت و شلوار هستند.
فرهنگ عامه. بر اساس لباس محلی شکل گرفته است. ویژگی های اصلی روانشناختی عبارتند از ارتباط واضح با افراد خاص، سنت گرایی، خرد عامیانه، آرامش، ارتباط با ارزش های ابدی. سیلوئت ها، به عنوان یک قاعده، ساده هستند، با جزئیات رسا از لباس های محلی. مواد و رنگ های طبیعی، رایج ترین الگوی هندسی است که به خوبی با ساختار پارچه ترکیب می شود. استفاده از روکش هایی مانند گلدوزی، دوخت، توری، بافندگی، لوازم جانبی، تکنیک تکه دوزی، حاشیه، مهره، جزئیات فلزی.
این سبک برای رویدادهای تفریحی، تئاتر و کنسرت، با ارتباط دوستانه با خارجی ها قابل استفاده است.
"کشور". از بسیاری جهات، به سبک فولکلور نزدیک است، اگرچه به وضوح نشانه های یک یا آن لباس ملی را بیان نمی کند. این سبک بیشتر یک فانتزی است، یک تنوع در موضوع زندگی روستایی، که در آن گاهی اوقات ویژگی های بسیاری از لباس های محلی حدس زده می شود. از نظر تأثیر روانی، این سبک شبیه به پاستورال، تابش آسودگی، آرامش دلپذیر، بی احتیاطی، رویاپردازی، معصومیت، ایده ای عاشقانه از زندگی و طبیعت است. رنگ‌ها، طرح‌ها و مواد طبیعی هستند: بوم، نی، کامبریک، گل‌ها، رنگ‌های پاستلی، نقاشی‌های شاد گل، چک روشن، بیشتر رنگ‌های خاکستری قهوه‌ای.
6. تولید.
اول از همه، باید مواد مصنوعی و طبیعی را که روش های پردازش و کیفیت مصرف کننده متفاوتی دارند، از هم تشخیص داد.
در بیشتر موارد، ماده به طور اساسی بر جهت کلی و ماهیت شکل دهی تأثیر می گذارد. در اینجا، اساس خواص فیزیکی مواد است که محلول ساختاری- فضایی و پلاستیکی چیز را از قبل تعیین می کند. وقتی مواد مختلف با هم ترکیب می شوند، تنوع فرم ها به طور چشمگیری افزایش می یابد.
توسط تکنولوژی.
پردازش مواد نیز فرم را از پیش تعیین می کند. پیشرفت مداوم فناوری‌ها به ما امکان می‌دهد در مرحله کنونی معجزات خارق‌العاده‌ای انجام دهیم. اما مواقعی بود که طرح و ابعاد کت و شلوار بر اساس پهنای بافندگی تعیین می شد. در تاریخ بشر برای اهداف پژوهشی، سه دوره عمده را می توان تشخیص داد: روش های دستی، ماشینی و تولید اطلاعات.
با مواد و فن آوری های داده شده، مکان مواد در فضا (ساخت و ساز) نیز تنوع اشکال را از پیش تعیین می کند.
طبقه بندی های فوق با هم تلاقی می کنند و یک شبکه پیچیده را تشکیل می دهند. اما آنها ماهیت اشیاء - اصول عمیق ایجاد، عملکرد و ارزیابی آنها را آشکار نمی کنند.
هر نوع آفرینش لباس متضمن اهداف خاص خود است، درک خود از کمال و زیبایی اشیا، متکی بر معیار و سیستم اصولی خود است. اگر در قطب فایده عملی محاسبه عقلانی و تکیه بر قوانین عینی طبیعت کاملاً مسلط باشد ، در مقابل ، قطب هنری ، اصل غیرعقلانی غالب است - شهود ، تداعی های ذهنی ، ناخودآگاه ، بازنمایی های شرطی و غیره.
هر کدام از این آغازها می توانند نقش متفاوتی از سلطه تا تسلیم کامل داشته باشند. بسته به محل قرارگیری فرم های لباس در این محور، شش نوع اصلی خلاقیت شی و بر این اساس، شش نوع شکل گیری لباس مشخص می شود.
1. عقلانی- فایده گرا. در اینجا عملکرد عملی کت و شلوار به عنوان یک چیز مفید به حداکثر تجسم یافته است. با این رویکرد، یک هدف دنبال می شود - ارائه حفاظت از تأثیرات خارجی، سهولت استفاده. در اینجا ما وادر، کلاه ایمنی، لباس سرباز و غیره را شامل می‌شویم.
2. عقلانی-زیبایی شناختی. در اینجا، همراه با عملکرد قبلی، حالتی برای زیبایی یک چیز وجود دارد که به عنوان پیامد کمال عملی همه جانبه آن درک می شود. در اینجا می توانیم لباس کار، بسیاری از انواع لباس های راحتی و ... را شامل کنیم.
3. کل نگر. هدف این نوع خلاقیت ایجاد فرمی است که به طور هماهنگ افراط ها را ترکیب می کند و به چیزها یکپارچگی هنری و عملی می بخشد. بیشتر انواع لباس ها متعلق به این نوع هستند که در عین حال به عنوان یک چیز کامل و به عنوان یک نشانه عمل می کنند.
در انواع زیر اصل هنری در لباس تئاتر حرف اول را می زند.
4. یک ظاهر طراحی شده. در این نوع، شکل بیانی یک شی اغلب ارتباط خود را با مبنای عملی خود از دست می دهد. در نوع پنجم، اشیاء خلاقیت دیگر از نظر عملی- مادی مفید نیستند، بلکه از نظر معنوی مفید هستند. زیبایی در یک لباس تزئینی دیگر ارتباط مستقیمی با شروع عملی ندارد. با کمک شکل سبک های شناخته شده، به چیزها ویژگی های نمونه اولیه، هاله انجمن های مرتبط با آن داده می شود. این نوع لباس عمدتاً به عنوان مجموعه ای از نشانه ها عمل می کند که تصویر پوشنده را تشکیل می دهد. ما همچنین اغلب در زندگی روزمره از چنین لباس هایی استفاده می کنیم و از سبک های مختلف لباس بسته به موقعیت و مد استفاده می کنیم.
5. تزئینی. لباس تا حد زیادی اهمیت عملی خود را از دست می دهد و فرم آن تابع برخی ایده های هنری است که برای تجسم آن وسایل تصویری مختلفی درگیر است. این در درجه اول شامل لباس های کارناوال و آیینی است.
6. هنری. نوع دوم به هسته اصلی دنیای وهمی مدل های مجازی واقعیت نفوذ می کند. لحظات عملی فقط در تولید یک اثر ظاهر می شود تا از وجود آن اطمینان حاصل شود. این نوع جلوه ای از "هنر عالی" است، جایی که زیبایی می تواند جای خود را به سایر روابط زیبایی شناختی بدهد. لباس به عنوان یک اثر هنری عمل می کند و تمام عملکردهای ذاتی در هنر را انجام می دهد، به ویژه در ادغام با شخصی که آن را پوشیده است. این نوع شامل لباس های صحنه، مجموعه ای از couturiers معروف است. آنها تمرکزی از ایده ها و تصاویر هستند و به سازندگان آنها طراح لباس می گویند.
همانطور که تجزیه و تحلیل نشان داد، طبقه بندی لباس های تئاتر را می توان در سطوح مختلف انجام داد. انتخاب سطح مورد نظر هر بار به اهداف مطالعه بستگی دارد.
بر اساس کتاب Zakharzhevskaya R. V. "تاریخ لباس"
من خجالت می کشم اعتراف کنم، اما من از آن دسته کارگردان و بازیگری هستم که لباس صحنه برایشان اهمیتی ندارد. من واقعاً اهمیتی نمی‌دهم که روی صحنه چه می‌پوشم، و حتی دقیق‌ترین لباس به من کمک نمی‌کند تا بهتر به تصویر شخصیت عادت کنم، زیرا تنظیم درونی برای من بسیار مهم‌تر است. من به‌عنوان کارگردان، هرگز به یک دوره یا لوکیشن نمی‌چسبم و ترجیح می‌دهم فکر کنم که مهم نیست و داستانی که می‌خواهم بگویم می‌توانست در هر کجا و در هر زمان اتفاق بیفتد. دلیل چنین بی تفاوتی نسبت به مولفه بصری در من احتمالاً ناآگاهی کامل من در هنرهای تجسمی و توسعه نیافتگی ادراک بصری است. اما من خودم می فهمم که چقدر اشتباه می کنم و تولیداتم به این دلیل چقدر ضرر می کنند.
بنابراین، لباس صحنه چیست و چرا هم برای بازیگر و هم برای کل تولید اهمیت دارد؟ لباس تئاتر جزئی از تصویر صحنه ای بازیگر است، اینها نشانه ها و ویژگی های بیرونی شخصیتی است که به تصویر کشیده می شود که به تناسخ بازیگر کمک می کند. ابزار تأثیر هنری بر بیننده. این اشتباه است که فکر کنیم کت و شلوار فقط به لباس محدود می شود. این نیز آرایش، مو، کفش، لوازم جانبی (چتر، روسری، روسری، کیف، کیف، کلاه، جواهرات) است. تنها در چنین مجموعه ای از چیزها مفهوم لباس کامل است.
برای یک بازیگر، کت و شلوار ماده است، فرمی الهام گرفته از معنای نقش. کلود اوتان لارا، کارگردان مشهور فرانسوی، در مقاله «طراح لباس در سینما باید شخصیت ها را بپوشد» می نویسد: منظره، لباس حالتی از ذهن را منتقل می کند: از طریق آن، هر یک از ما بخشی از شخصیت خود را آشکار می کنیم. عاداتش، سلیقه‌هایش، دیدگاه‌هایش، نیت‌هایش... لباس می‌گوید که این آدم تازه انجام داده، قرار است چه کار کند، و به همین دلیل است که لباس در سینما قبل از هر چیز باید یک نشانه روانشناختی باشد. .."
حتی در حین کار مقدماتی یک نمایشنامه یا فیلم، هنرمند طرح هایی از لباس ها را طراحی می کند که از ایده تجسم یافته در دراماتورژی، ایده کارگردان، تصمیم سبکی تولید آینده و البته از شخصیت پردازی شخصیت ها شروع می شود. این طرح سبک پوشیدن لباس، راه رفتن را نشان می دهد، تغییر شکل لازم فیگور، موقعیت سر، حرکت دست و نحوه نگه داشتن آنها، وضوح نقاشی سیلوئت، بازیگر در لباس را فراهم می کند.
یک لباس بد می تواند یک بازیگر را "کشتن" کند. خوب - "بالا بردن"، کلید درک نقش، افشای ویژگی های خاصی از شخصیت را بدهید. اگر لباس ناخوشایند باشد، اگر بیفتد، پاره شود، به لوازم و مناظر بچسبد، مانع حرکت شود، بازیگر (و تماشاگران همراه با او) دائماً از او پرت می شوند و خط نقش را فراموش می کنند. در عین حال، یک لباس خوب که منعکس کننده شخصیت شخصیت باشد، به شما کمک می کند تا بهتر به نقش عادت کنید، حقیقت را احساس کنید و حتی حالت احساسی مورد نیاز را ایجاد کنید.
علاوه بر این، بیننده می تواند بسیاری از ویژگی های شخصیت را صرفاً با ظاهر او در نظر بگیرد. حداقل چارلی چاپلین را با ولگرد معروفش به یاد بیاورید. کلاه کاسه‌زن، سبیل و عصا از رفاه صحبت می‌کنند، اما چه ناامیدی غم انگیزی را تجربه می‌کنیم وقتی که نگاهمان از روی کت گشاد و شلوارهای «خارجی» که روی چکمه‌ها افتاده است می‌چرخد! نه، زندگی شکست خورده است! بخش هایی از لباس ها که با استعدادی نواخته شده اند، در تضاد ساخته شده اند، تصویری فراموش نشدنی از نظر اقناع و قدرت نفوذ ایجاد کردند که به نمادی از "مرد کوچک" تبدیل شد.
لباس می تواند ویژگی های روانی قهرمان را بیان کند، یعنی. خیانت به خصوصیات شخصیت او (مهربانی، بخل، فضولی، حیا، جسارت، تهوع، عشوه گری و غیره) یا حالت روحی و خلقی او. شخصیت یک فرد همیشه در ظاهر او منعکس می شود. چگونه یک کت و شلوار پوشیده می شود، با چه جزئیاتی تکمیل می شود، در چه ترکیباتی ساخته شده است - همه اینها ویژگی هایی هستند که شخصیت مالک را آشکار می کنند. و بازیگر باید این را به خاطر داشته باشد. یک خانم شیک پوش در حالت روحی عادی نمی تواند در کت و شلوار بی دقت باشد. یک افسر مسئول نمی تواند تمام دکمه های لباس خود را نبندد. از سوی دیگر، دقیقاً چنین انحرافاتی از هنجار است که حالت عاطفی خاصی را از قهرمان ایجاد می کند.
لباس همچنین می تواند ویژگی های اجتماعی قهرمان را بیان کند. با لباس، بیننده بدون تردید افراد ثروتمند و فقیر، نظامیان و روشنفکران، نجیب زادگان و شهرداران را می شناسد.
علاوه بر این، یک لباس روی صحنه می تواند چهره یک بازیگر را نه تنها با توجه به تصویر و سن، بلکه با توجه به مد نیز تغییر دهد. تغییر شکل، اگر در مورد تغییر پلاستیک شکل با استفاده از ضخامت یا روکش صحبت نمی کنیم، با تغییر نسبت های متناسب خطوط اصلی شکل و برش ویژه کت و شلوار، حرکت دادن خط کمر، انواع مختلف انجام می شود. اشکال تنه چنین تغییراتی می تواند کمک بزرگی در خلق نقش شخصیت ها و قهرمانانی باشد که در یک دوره خاص زندگی می کنند.
فقط داشتن یک لباس خوب برای یک بازیگر کافی نیست. با کت و شلوار کار کنید "استقرار در"، "سن"، "فرسودگی" است. این هم نوعی کار روانی با لباس، یکی از ابزارهای واقعی «احیاء» و «معنوی سازی» لباس است. من در مورد این موضوع صحبت نمی کنم که فقط باید به لباس عادت کرد، زیرا بازیگر هر چه زودتر لباس را پیدا کند، هر چه زودتر شروع به تمرین در آن کند، بهتر است. بنابراین، تکمیل ساختن یک لباس-تصویر با بازیگر باقی می ماند: چگونه او آن را شکست می دهد، چگونه به آن عادت می کند، چگونه می تواند آن را بپوشد.
لباس، البته، زمان و مکان عمل را منعکس می کند. این امر به ویژه در اجراهای روزمره و واقع گرایانه اهمیت دارد. اگر لباس‌ها مطابق با آن دوران باشند یا به زیبایی برای آن طراحی شده باشند، مخاطب به آنچه روی صحنه می‌گذرد اعتماد بیشتری خواهد داشت. من در مورد اشتباهات لباس در فیلم ها صحبت نمی کنم که به خصوص بینندگان خورنده آن را برای مدت طولانی و با لذت به تعویق می اندازند (نمونه ها را می توانید بخوانید).
لباس، مانند منظره، به سبک اجرا بستگی دارد. «... لحظه ای فرا می رسد که کارگردان، گویی ناگهان متوجه می شود که راه حلی برای اجرا پیدا کرده است و از همان لحظه کلید تمام جزئیات را در اختیار خواهد داشت. سبک یافت شده به شما می گوید که بازیگران چگونه باید راه بروند، چگونه بنشینند، آیا باید عاشقانه صحبت کنند یا هر روز روی زمین. همین سبک به شما می گوید که آیا دکوراسیون باید ساده یا پیچیده باشد، آیا مبلمان باید اصیل باشد یا با شادی در پشت نقاشی شده باشد. آیا لباس ها باید در تضادهای رنگی تند ترکیب شوند یا از یک نوع باشند؟ ..» ویژگی های سبکی که در کلید اجرا تعیین می شود، در درجه اول با معیار نیاز آنها به شناسایی ژانر یک اثر نمایشی تعیین می شود. و ماهیت آن را آشکار کند. بنابراین، برای مثال، لباس‌های هملت لیوبیموف، نیاکروشیوس و زفیرلی بسیار متفاوت از یکدیگر هستند.
گاهی اوقات یک لباس می تواند به یک نماد مستقل تبدیل شود، وقتی بیننده آن را دیگر فقط به عنوان لباس قهرمان درک نمی کند، بلکه ایده کارگردان را می خواند، استعاره ای که در لباس جاسازی شده است. من قبلاً در این مورد صحبت کردم و به چارلی چاپلین اشاره کردم که لباس او هم نماد "مرد کوچک" و هم خود چاپلین شده است. لباس قرمز قهرمان نمایشنامه "Kalkverk" که من در مورد آن هستم، برخی از ویژگی های شیطانی را به او می بخشد، او به عنوان یک تهدید، خطر تلقی می شود. علاوه بر این، تغییر بسیار لباس خاکستری معمولی به قرمز روشن نشان دهنده غیرواقعی بودن آن چیزی است که اتفاق می افتد، که این فقط یک رویا است که توسط تخیل بیمار قهرمان ایجاد شده است.
من همچنین می خواستم چند نکته عملی بنویسم ، اما قبلاً "ورق" معلوم شد. بدیهی است که این موضوع جالب و عظیم است. من فقط در ابتدای افشای آن هستم، بنابراین مطمئناً بیش از یک بار به آن باز خواهم گشت.
جمع بندی:
1. لباس وسیله ای برای آشکار ساختن شخصیت شخصیت است.
2. لباس می تواند چهره بازیگر را تغییر دهد.
3. لباس منعکس کننده زمان و مکان عمل، سبک آن دوران است.
4. لباس بخش مهمی از تصمیم گیری و سبک بیانی یک نمایش یا فیلم است.
5. کت و شلوار می تواند به یک نماد تبدیل شود.
ظهور لباس تئاتر به این ترتیب ریشه در دوران باستان دارد. از زمان های بسیار قدیم، لباس تئاتر در تئاتر شرق باستان وجود داشته است. در چین، هند و همچنین ژاپن، لباس تئاتر کلاسیک نمادین و متعارف است. در تئاتر نماد تزئینات، نقش و نگار روی پارچه و رنگ نیز اهمیت دارد.
لباس‌های تئاتر معمولاً برای هر اجرا و برای یک بازیگر خاص ساخته می‌شوند، اما لباس‌های تئاتری نیز وجود دارند که بدون تغییر و عموماً برای همه گروه‌ها یکسان هستند.
لباس تئاتر اروپایی برای اولین بار در یونان باستان ظاهر شد، جایی که، همانطور که همه می دانند، تئاتر به عنوان چنین متولد شد و متعاقباً توسعه یافت و با تغییرات زیادی به یک مدرن تبدیل شد. نکته اصلی در تئاتر یونانی لباس بود که لباس های روزمره یونانی ها را تکرار می کرد. همچنین برای اجرای تئاتر، ماسک های بزرگ با حالات چهره متفاوت مورد نیاز بود تا تماشاگران بتوانند از دور احساسات بازیگران را ببینند و کفش هایی را روی جایگاه های بلند - کوتورن - ببینند. هر لباس در تئاتر یونان رنگ خاصی داشت، به عنوان مثال، نشان دهنده تعلق به شغل یا موقعیت خاصی بود. لباس تئاتر بسته به مفهوم نمایش تغییر کرد.
در اینجا ارزش آشکار کردن جوهر مفهوم "لباس تئاتر" را دارد.
دایره المعارف بزرگ شوروی تعریف زیر را ارائه می دهد: "لباس در تئاتر (از ایتالیایی Costume - سفارشی) یکی از اجزای مهم طراحی نمایش است - لباس، کفش، کلاه، جواهرات و سایر مواردی که توسط بازیگر برای توصیف تصویر صحنه آنها را بر اساس قصد کارگردان کل خلق کرد. یک مکمل ضروری برای لباس آرایش و مدل مو است "لباس در تئاتر منطقه خاصی از کار هنرمند است که در آن او می تواند تعداد زیادی تصویر را مجسم کند و شخصیت شخصیت را منتقل کند. لباس تئاتر تصور بیننده از شخصیت شخصیت را شکل می دهد، به احساس روح آن دوران کمک می کند تا ویژگی های مشخصه منعکس شده در ظاهر بازیگر را درک کند.
لباس تئاترطبق تعریف Zakharzhevskaya R.V. ، این "جزئی از تصویر صحنه ای بازیگر است ، اینها علائم و ویژگی های بیرونی شخصیت به تصویر کشیده شده است که به تناسخ بازیگر کمک می کند. ابزار تأثیر هنری بر بیننده.
با گذشت زمان، سه نوع اصلی از لباس های نمایشی در تئاتر شکل گرفت: شخصیت، بازی و لباس شخصیت. آنها از همان آغاز تئاتر وجود داشته اند، اگرچه به وضوح تعریف نشده اند، اما این نوع لباس ها تا تئاتر مدرن امروزی باقی مانده اند.
"لباس شخصیتاین یک ترکیب فیگوراتیو-پلاستیک است که بخشی از تصویر یک بازیگر-بازیگر است. لباس جزء جدایی ناپذیر شخصیت است که توسط بازیگر هدایت و صداگذاری می شود." نمونه های اولیه لباس شخصیت بخشی جدایی ناپذیر از مناسک و مناسک در بسیاری از کشورهای جهان بود. گاهی اوقات لباس می تواند چهره بازیگر را کاملاً پنهان کند.
کت و شلوار بازی- وسیله ای برای دگرگونی ظاهر بازیگر و عنصر مهمی در اجرای نقش است. در اجراهای آئینی و فولکلور، لباس نمایش اغلب دارای یک شخصیت گروتسک-پارودیک بود، به عنوان مثال، زمانی که لازم بود تاکید، تمسخر، رژه یا اشاره به پوچ بودن وضعیت وجود داشته باشد. مردانی که لباس زنانه می پوشیدند و بالعکس، مردم حیوانات مختلفی را به تصویر می کشیدند. برای ساخت چنین لباسی، هر ماده ای که بتواند بر تصویر شخصیت تأکید کند مناسب است. از مواد و اقلام مختلف لباس استفاده می شد: کلاه - گوش بند، کت پوست گوسفند، روکش، زیور آلات مصنوعی مختلف، مهره، زنگ.
لباس به عنوان لباس شخصیت، اصلی ترین در اجرا است، بر اساس این لباس است که لباس های شخصیت و بازی خلق می شود. تئاتر همیشه منعکس کننده مد مدرن بوده است. به عنوان مثال، در تمرین تئاتر اغلب از لباس هایی مشابه لباس های زمانی که نمایش در آن نمایش داده می شد استفاده می شد. این تکنیک از زمان تئاتر یونان باستان سرچشمه گرفته و تا به امروز در تئاتر وجود دارد. خلق این نوع لباس بر اساس حرکتی از فرم لباس نزدیک به ظاهر (در تئاتر احیا) به شباهت بیشتر به لباس های تاریخی، ملی، دستیابی به دقت و اصالت انجام شد. بعداً ، در تئاتر ناتورالیسم ، لباس شروع به مطابقت کامل با شخصیت شخصیت می کند ، حالت ذهنی او را با بیشترین دقت منتقل می کند ، ظاهر بیشتر و واضح تر اجزای تصویر را منتقل می کند. لباس همیشه برای هنرمندانی که کار می کنند و لباس های خارق العاده ای را اختراع می کنند، یک حوزه خلاقیت ویژه بوده و باقی می ماند، بلکه حتی به نظر می رسد که از معمولی ترین لباس های خانگی نیز آثار هنری واقعاً خلق می کنند.
لباس تئاتر بخش مهم و جدایی ناپذیر هر نمایشی است. تئاتر شاید عمومی ترین شکل هنری باشد و بنابراین بیشتر برای نمایش طراحی شده است. معمولاً تماشاگران از سالن خارج می‌شوند که اجرا را این‌گونه توصیف می‌کنند: تماشایی، بازی عالی، مناظر فوق‌العاده، صحنه‌پردازی عالی. از همه اینها می بینیم که تقریباً تمام جنبه های اجرای تئاتر تحت تأثیر کار هنرمند است.
در زمان اجراها و آیین های فولکلور، استادان لباس استادانی بی نام بودند، اغلب بوفون ها به طور مستقل لباسی را برای خود اختراع می کردند و آن را با وسایل بداهه، ارزان و در دسترس زنده می کردند. تئاتر همیشه عمومی نبود، مدت ها در این راستا شکل گرفت. بازیگران حرفه ای کم بودند و اجراها بیشتر توسط بازیگران خودآموخته اجرا می شد. قوانینی که از ثروتمندان، اشراف و مالکان محافظت می کرد، با ولگردها، از جمله بازیگران، مبارزه می کرد تا از فرار از کار با دستمزد کم جلوگیری کند، این مانع از رشد متخصصان در تئاتر شد.
در عصر فئودالیسم، هنر تئاتر در نمایش هنرمندان دوره گرد منعکس می شود. لباس در ایده های آنها شبیه لباس معاصران خود از فقرا بود، اما با نوارهای روشن و زنگ تزئین شده بود. در این زمان نمایش هایی به نام رمز و راز ظاهر شد ، از ویژگی های بارز نمایش ها شکوه ، روشنایی ، تزئینی بود و همچنین آنها به اعمال و اخلاق تقسیم نمی شدند. اجراها تبدیل به یک نمایش دادگاه، زیبا و هیجان انگیز می شوند. منظره به تنهایی وجود داشت که برخلاف اجرای تئاتر مدرن در طول اجرا تغییری نکرد. لازمه اصلی لباس تئاتر در راز ثروت، تجمل بود و برای نقش های اصلی یا فرعی فرقی نمی کند، لباس مشروط بود، از جزئیات پرهیز می شد. لباس اخلاق به دلیل محتوای آموزنده اش متواضع تر بود.
مانند همه انواع هنر، جهش عظیمی در توسعه تئاتر در رنسانس اتفاق افتاد، در همان زمان، لباس تئاتر نیز دستخوش تغییرات قابل توجهی شد که به شدت تحت تأثیر مد آن زمان و همچنین طراحی صحنه قرار گرفت. بازیگران کمدی متخلفان را مسخره می‌کردند، توصیف‌های شوخ‌آمیز، هدفمند و گاهی شیطانی از قهرمانان اجراها ارائه می‌کردند. بعدها، در نیمه دوم قرن شانزدهم، لباس در تئاتر به سبک لباس اشرافی نزدیک شد، بسته به نقش، می تواند یک لباس دلقک باشد. لباس های تئاتر قبلاً توسط صنعتگران تحصیل کرده انجام می شد: خیاطان، هنرمندان، تزئینات، تقاضا برای این حرفه ها وجود داشت.
ژانر اصلی تئاتر کلاسیک در قرن هفدهم تراژدی بود، بازیگرانی که لباس می پوشیدند، لباس های روزمره درباریان و خدمتکاران را تکرار می کردند، طراحی نمایشنامه تحت تأثیر ذائقه و علایق اشراف بود. لویی چهاردهم در سال 1662، با اجرای خود در جشنواره ای در ورسای، نوع جدیدی از لباس را برای قهرمانان تراژیک برای صد سال آینده در تئاتر اروپا پخش کرد و در لباسی سبک "رومی" ظاهر شد که بر اساس لباس دربار خلق شده بود. با اضافه کردن یک جوراب و یک دامن کوتاه. لباس های زنانه بازتابی از مدرنیته بود، با این حال، بیشتر از زندگی روزمره تزئین شده و گلدوزی شده بود.
در تمام آثار تاریخچه لباس، دوره مولیر برجسته است و از آنجایی که مد همیشه در تئاتر منعکس شده است، این دوره برای لباس تئاتر قابل توجه است. روندهای واقع گرایانه در لباس تئاتر ظاهر شد ، مولیر در تولیدات خود بازیگران را در لباس های مدرن اقشار مختلف مردم پوشاند. یک دستاورد مهم در توسعه لباس تئاتر، رد پرمدعا و شکوه توسط بازیگر D. Garrick بود، او به دنبال کاهش لباس برای مطابقت با نقش بازی شد، شخصیت قهرمان را آشکار کرد و به درک ماهیت او کمک کرد.
برای کار ما، سهم ولتر در تاریخ لباس تئاتر از علاقه خاصی است - میل به دقت تاریخی، ملی و قوم نگاری. امتناع از کلاه گیس های پودری، جواهرات گرانبها عظیم، که در آن بازیگر کلرون از او حمایت کرد. در روند اصلاح، لباس سبک «رومی» اصلاح شد و تونل سنتی را رها کرد و شکوه بیش از حدی که مانع حرکت می‌شد از بین رفت.
در قرن 18، لباس به طور کامل تغییر کرد، با شکستن سنت های قدیمی، لباس از نظر تاریخی قابل اعتماد می شود و طبق طرح های هنرمندان ساخته می شود، توجه زیادی به آرایش، مو می شود، اما دقت تاریخی فقط در برخی جزئیات به دست می آید. تنها در قرن نوزدهم، در ارتباط با توسعه هنر کارگردانی، آنها سعی کردند لباس را با ایده نمایش پیوند دهند، روح دوران را در خلق اجرا مشاهده کنند. مشخص است که نمایشنامه نویسان شخصاً در صحنه نمایش شرکت کردند و بر رعایت طرح نظارت داشتند، همچنین مسئولیت طرح های مناظر و لباس را بر عهده گرفتند و هنرمندان مشهور را برای کمک به خود جلب کردند. از جمله نویسندگان طرح های لباس می توان به E. Delacroix، P. Gavarni، P. Delaroche L. و C. Boulanger، A. Deveria و دیگران اشاره کرد. در این دوره، آنها به ویژه نگران قابلیت اطمینان و دقت بودند، اگرچه همه به آن دست پیدا نکردند.
در انگلستان دقت تاریخی لباس تئاتر مورد توجه بازیگر W.C. مکریدی، بازیگر E. Vestris. برخی از کارگردانان در نمایش های تاریخی سعی می کردند صحنه را دقیق به تصویر بکشند، لباس ها را دقیقاً مطابق با آن زمان بازسازی کنند و به گریم و مو توجه زیادی داشتند. طبیعتاً چنین تلاش هدفمندی برای اصالت، تاریخی بودن و دقت نمی تواند منجر به موجی از انکار شود. در پایان قرن نوزدهم، بسیاری از کارگردانان و هنرمندان برجسته در تلاش بودند تا روال طبیعی گرایی را کنار بگذارند و با رئالیسم در هنر مبارزه کنند، که منجر به بازگشت قرارداد و سبک سازی شد. این اتفاق به این دلیل رخ داد که اعتقاد بر این بود که تئاتر باید چیزی جدید، افسانه ای، غیر واقعی را زنده کند و زندگی روزمره زندگی بشر را تکرار نکند.
بعدها، در آغاز قرن بیستم، هنرمندان برجسته و شناخته شده شروع به پرداختن به لباس های تئاتر کردند و بازتابی از خلاقیت خود را به این نوع هنر وارد کردند، قوانین اجرای لباس را شکل دادند و به عنوان پیشگام کار کردند. در مرحله کنونی توسعه هنر تئاتر، هنرمندان نه تنها تلاش می‌کنند تا ایده نمایش را در آثار خود منعکس کنند، بلکه می‌کوشند لباس‌های تئاتری را به یک اثر هنری مستقل تبدیل کنند، خود را بیان کنند، و به خیال خود رها کنند. ، دیدگاه خود را از خلاقیت نشان دهند.
از تاریخچه لباس تئاتر می بینیم که هنرمندان چقدر با این نوع هنر با غیرت برخورد می کردند، بنابراین اهمیت نقش لباس تئاتر در هنر جای تردید نیست. در مطالعه خود، ما توجه ویژه ای به هنرمندان زیر داشتیم که طرح هایی را برای اجراهای تئاتر خلق کردند: L. Bakst، A. Benois، N. Roerich، A. Exter (به پیوست شماره 1 مراجعه کنید). در طول توسعه لباس تئاتر، ما می بینیم که چگونه هنرمندان مشهور و استادان بی نام برای ایجاد یک تصویر هنری تلاش کردند، حتی آثار هنری را از یک لباس معمولی به نمایش گذاشتند، خلاقانه کار کردند و سعی کردند منحصر به فرد بودن و اهمیت این شخصیت را به بیننده بگویند. جزئیات لباس تئاتر تلفیقی از بسیاری از هنرها است، بسیاری از استادان از جهت های مختلف در ایجاد آن دخیل هستند، یکی طرحی را ایجاد می کند، دومی با گلدوزی تزئین می کند، سومی به لوازم جانبی و لوازم جانبی می پردازد. مراحل خاصی از کار روی ایجاد یک لباس تئاتر وجود دارد.
قبل از شروع به خلق یک لباس تئاتر، هنرمند باید این سوال را از خود بپرسد: چه چیزی، برای چه کسی و چگونه باید خلق کند؟ پاسخ به این سؤالات مستلزم شناخت یک هنرمند باتجربه از فضا و تصویر اجرا، مسئولیت پذیری در قبال مخاطب و شناخت عالی مخاطب و همچنین آگاهی از تمامی فنون و تکنیک هایی است که با آن می تواند بیان کند. همه چيز. با وجود این واقعیت که لباس تئاتر یک اثر هنری مستقل است، مانند همه چیز در اجرا، تابع یک طرح مشترک است. ایده، ایده در مرکز همه چیز قرار دارد، محتوای هر شخصیت، موقعیت اجتماعی او، جنبه اخلاقی شخصیت او و بر این اساس ظاهر او را دیکته می کند، زیرا همه اینها به هم مرتبط هستند. در تمرین تئاتر سه مرحله کار بر روی ایجاد یک لباس را تشخیص دهید: کار با ادبیات، انباشته شدن مطالب با موضوع کلی اجرا، کار بر روی طرح و در نهایت اجرای طرح در متریال، تجسم در بافت. هنگام تصمیم گیری در مورد طراحی کلی صحنه و لباس یک اجرا، هنگام انتخاب تکنیک برای کار بر روی طرح های لباس و حتی هنگام انتخاب مواد و لوازم جانبی، طراح لباس بر اساس ایده اصلی اجرا هدایت می شود. ایده بیان شده در فیلمنامه بر همه چیز غالب است: لباس ها، مناظر، ویژگی های شخصیت ها.
یک شرط مهم در کار یک طراح لباس، دستیابی به وحدت ایده اجرا و اجرای آن است. نکته مهم در لباس تئاتر ایجاد یک تصویر صحنه است. تصویر صحنه ای در لباس تئاتر از ایده کارگردان، پایه دراماتیک، پویایی و ریتم تشکیل شده است. پویایی تصویر و تکامل شخصیت شخصیت و هر اتفاقی که روی صحنه می افتد، هنرمند را بر آن می دارد تا چندین بار ظاهر بازیگر را در صحنه تغییر دهد، نه تنها در لباس، بلکه در گریم و مدل مو. لباس باید به بیننده کمک کند که کوچکترین تغییر در تصویر بازیگر به بیننده منتقل شود.
لباس مهمترین بخش اجرای تئاتر است، زیرا بیشترین ارتباط را با بازیگر دارد. فراموش نکنید که لباس بیان بیرونی شخصیت شخصیت، بخشی جدایی ناپذیر از تصویر صحنه است و فضای خاصی را در اطراف بازیگران ایجاد می کند که نه تنها برای اجرای نقش، بلکه برای مخاطب نیز مهم است. اغلب ویژگی های شخصیتی وجود دارد که در زیر متن نمایشنامه باقی می ماند، مخاطب از روی لباس و جزئیات فردی آن با آنها آشنا می شود. گاهی اوقات لباس باید با تصویری که بازیگر خلق می کند ادغام شود، اما این اتفاق می افتد که به عنوان یک تناقض با شخصیت عمل می کند. مثلاً در همان ابتدای نمایش، بازیگری را می‌بینیم که یک فرد خوب را به تصویر می‌کشد، رفتاری شایسته و بسیار اخلاقی دارد، اما لباس او بیننده را هوشیار می‌کند و در واقع در پایان نمایش، او یک آدم خوب از آب در می‌آید. شرور یا خائن همچنین، هنگام کار بر روی طرح ها، نباید فردیت بازیگر، همه کاره بودن و پیچیدگی شخصیت او را فراموش کرد.
بنابراین، ابزار بیانی لباس تئاتر ویژگی های زیر است:
یک تصویر صحنه هنری شامل قصد کارگردان، مبنای دراماتیک، پویایی و ریتم است.
این در نوع خود یک اثر هنری است.
برای صحت تاریخی، ملی و قوم نگاری تلاش می کند
این بیان بیرونی شخصیت شخصیت است.
بیشتر برای عملکرد طراحی شده است.
لباس تئاتر،عنصر عملکرد در تاریخ تئاتر، سه نوع اصلی لباس تئاتر شناخته شده است: شخصیت، بازی و لباس شخصیت. این سه نوع اصلی لباس در تمام مراحل هنرهای نمایشی وجود دارد - از آیین آیینی و فولکلور پیش از تئاتر تا تمرین هنری مدرن.
لباس کاراکتر نوعی ترکیب بندی فیگوراتیو-پلاستیکی بر روی پیکره اجراکننده است که توسط او به حرکت در می آید و صداگذاری می شود (با تلفظ متن یا آواز)، گاهی اوقات شکل خود را کاملاً پنهان می کند، شبیه به اینکه ماسک صورت او را می پوشاند. نمونه هایی از لباس شخصیت در آیین ها و مراسم کشورهای مختلف جهان. شبح زنگی شکل لباس هندی، برداشتی از معبد چادر برج ناگار شاخارا و منوی کوه مقدس (مرکز و محور جهان در اساطیر هندو) بود. چینی - با شکل، طرح، تزئینات و رنگ خود بیانگر نمادهای کیهانی باستانی تناوب طبیعی نور و تاریکی، ادغام بهشت و زمین در عمل ایجاد جهان است. لباس شمن مردمان شمال تصاویر یک پرنده خارق العاده مرتبط با "دنیای بالا" و یک حیوان (ساکن "دنیای پایین") را مجسم می کند. روسیه جنوبی نوعی الگوی جهان است. در اجراهای سنتی اپرای پکن، لباس تصویر یک اژدهای مهیب بود، در تئاتر ژاپنی "نه" - انگیزه های طبیعت، و در دوره باروک قرن هفدهم. - منصفانه یا جهانی. اگر برای نمایش های آیینی و فولکلور، لباس های شخصیت (مانند سایر عناصر صحنه نگاری) ثمره کار استادان عامیانه ناشناس بود، در قرن بیستم، از همان آغاز، هنرمندان شروع به ساختن آنها کردند: I. Bilibin - در اپرا خروس طلایی N. Rimsky-Korsakov (1909)، K. Frych - در دفن کردندبلیو. شکسپیر (1913)، وی. تاتلین - در تزار ماکسیمیلیان، پی فیلونوف - در تراژدی ولادیمیر مایاکوفسکی، در نهایت، K.Malevich - در پروژه پیروزی بر خورشید(هر سه تولید در سال 1913). و سپس، در پایان دهه 1910 - نیمه اول دهه 1920. مجموعه کاملی از لباس‌های شخصیت توسط آینده‌پژوهان ایتالیایی E. Prampolini، F. Depero و دیگران، O. Schlemer از Bauhaus آلمان، و در باله توسط P. Picasso ساخته شد، که مدیران گروتسک را نشان داد. رژه E. Satie و F. Leger - خدایان سیاهپوست در خلقت جهاندی. میلو. سرانجام، لباس کوبیسم "معماری" A. Vesnin در اجرای A. Tairov اهمیت شخصیت پیدا کرد - در بشارتساخته های سوپرماتیستی او بر روی پیکره های قهرمانان فدرابر صحنه های دیگر - Y. Annenkov "کت و شلوار پوسته" در نمایشنامه گاز G. Kaiser و A. Petritsky - در Viyو همچنین کلاژهای خارق العاده به عنوان لباس شخصیت برای اجرا ممیز، مامور رسیدگی،که توسط دانش آموزان P. Filonov (N. Evgrafov، A. Landsberg و A. Sashin) با موضوع تمبر، نشان، مهر، پاکت، و غیره ایجاد شد - شخصیت مدیر پست، دستور العمل ها، امضاها، سرنگ، کلیستر، دماسنج - شخصیت دکتر، بطری، سوسیس، ژامبون، هندوانه و غیره. - شخصیت مرد میخانه. در نیمه دوم قرن بیستم لباس‌ها به عنوان شخصیت‌های بصری مستقل، که جدا از بازیگران نشان داده شده‌اند، به‌عنوان عنصری از صحنه‌نگاری، توسط M. Kitaev و S. Stavtseva ساخته شده‌اند، و به‌عنوان انواع مختلف ترکیب‌بندی روی چهره‌های بازیگران - K. Shimanovskaya، D. Mataitene، Yu ساخته شده است. خاریکوف.
لباس بازی وسیله ای برای دگرگونی ظاهر بازیگر و یکی از عناصر بازی اوست. در نمایش‌های آیینی و فولکلور، این دگرگونی اغلب دارای یک شخصیت گروتسک-پرودیک بود، زمانی که مردان لباس زنانه می‌پوشیدند، زنان به‌عنوان مردان، مردان جوان به‌عنوان پیرمرد، زیبایی‌ها به‌عنوان جادوگر، یا زمانی که حیوانات مختلف به تصویر کشیده می‌شدند. در همان زمان، از هر چیزی که در دست بود استفاده می شد: یک ژوپان، یک کت پوست گوسفند، یک پوشش، یک پوست گوسفند - همیشه به بیرون تبدیل می شد، خنده دارتر و سرگرم کننده تر، و همچنین هر لباس دیگری، به نوعی مضحک، "معکوس"، به عنوان مثال، شلوار کوتاه شده، پیراهن گشاد غیر منطقی، جوراب های سوراخ دار، انواع پارچه های پاره شده، پارچه های کهنه، کیسه، طناب. هر چیزی که طبیعت داد نیز استفاده شد: علف، گل، کاه، برگ. در نهایت، تزئینات مصنوعی مختلفی نیز برای پانسمان استفاده شد: کاغذ رنگی، پوست درخت غان، فویل، شیشه، روبان، آینه، زنگ، پر و غیره. تکنیک های بالماسکه گروتسک هم به اجرای کمدی های یونان باستان و هم به تئاتر سنتی شرق منتقل شد، جایی که آنها با بازی متنوع بازیگر با عناصر لباس او ترکیب شدند: آستین بلند و پرهای قرقاول - در اپرای پکن، قطار. ، حوله و فن - در ژاپنی "اما". اجراهای کمدیا دل آرته ایتالیایی، نمایشنامه‌های شکسپیر و لوپه دی وگا بر اساس لباس‌های مبدل بی‌پایان ساخته شده‌اند. در پایان قرن 18 اما هارت (لیدی همیلتون) رقص معروف خود را با شال روی بازی ساخت و پس از آن تکنیک های مشابه (دستکاری روسری، روتختی، روبنده و سایر عناصر مشابه لباس) به طور گسترده در تئاتر باله قرن نوزدهم مورد استفاده قرار گرفت و به آنها رسید. بالاترین ارتفاع هنری در آثار L .Bakst که طرح های تصاویر رقص او شامل پویایی پارچه های مختلف پرنده، کمربند، روسری، دامن، روسری، کت بارانی، شنل، آویز، جوراب است. در صحنه نمایش، سنت لباس که همراه با حرکات بازیگر بازی می‌کند، - با بیان مکعبی-آینده‌نگر - ا. اکستر در اجراهای تئاتر مجلسی ادامه یافت. سالومهاو وایلد و رومئو و ژولیتدبلیو. شکسپیر و پس از آن شاگردش پی. چلیشچف و دیگر استادان اوایل دهه 1920: وی. خداسویچ و آی. نیوینسکی، ای. رابینوویچ و جی. یاکولوف، اس. آیزنشتاین و جی. کوزینتسف، سرانجام دوباره روی صحنه باله، در تولیدات K. Goleizovsky - B. Erdman. اگر در این دوره لباس های بازی یک روند کلی در صحنه نگاری را تشکیل می دادند، در نیمه دوم قرن بیستم. آنها توسط هنرمندان و کارگردانان نیز بسیار گسترده، اما از روی ناچاری، به عنوان عنصری از "پالت" ابزار بیان در دسترس آنها مورد استفاده قرار گرفتند. از جمله نویسندگان لباس های نمایش مدرن، هنرمندان گرجستانی Sameuli، G. Aleksi-Meskhishvili و N. Ignatov هستند، نمونه هایی از این نوع را می توان در تئاترهای کشورهای دیگر یافت: در لهستان، در جمهوری چک، در آلمان، در ایتالیا.
لباس، به عنوان لباس شخصیت، اغلب مبنایی برای ترکیب انواع لباس های مورد بحث (شخصیت و بازی) است، در تمام دوره های توسعه تاریخی تئاتر، کم و بیش، وجود دارد. تجسمی در صحنه از آنچه مردم در یک دوره معین می پوشیدند. در تراژدی باستانی هم همینطور بود و در اجراهای امروزی هم همینطور است. در عین حال، تکامل کلی این نوع لباس با حرکتی از فرم های معمولی لباس واقعی (در عصر باروک و کلاسیک) به اعتبار تاریخی، جغرافیایی، ملی، دقت و اصالت هرچه بیشتر آن مشخص شد. در تئاتر ناتورالیسم و رئالیسم روانشناختی، لباس کاملاً متناسب با شخصیت شخصیت می شود، نه تنها موقعیت اجتماعی، بلکه وضعیت روحی او را نیز بیان می کند. در عین حال، چه امروزه و چه در قرون گذشته، لباس موضوع خلاقیت ویژه هنرمندان (که برجسته ترین استادان هنرهای زیبا و طراحی صحنه هستند) باقی مانده است و آن را می سازند (حتی لباس های به ظاهر روزمره، نه برای فوق العاده را ذکر کنید)، نه تنها به عنوان یک اثر جداگانه، بلکه به عنوان یک جزء ضروری از اجرا.