هنر تئاتر یکی از پیچیده ترین، موثرترین و قدیمی ترین هنرهاست. علاوه بر این، ناهمگن، مصنوعی است. هنر تئاتر به عنوان اجزای سازنده شامل معماری، نقاشی و مجسمه سازی (منظره)، و موسیقی (نه تنها در موسیقی، بلکه اغلب در اجرای نمایشی) و رقص (باز هم نه تنها در باله، بلکه در نمایشنامه) نیز می باشد. و ادبیات (متنی که اجرای نمایشی بر روی آن ساخته شده است) و هنر بازیگری و غیره. در میان تمام موارد فوق، هنر بازیگری اصلی ترین چیزی است که برای تئاتر تعیین می کند. کارگردان سرشناس شوروی A. Tairov می نویسد: "... در تاریخ تئاتر دوره های طولانی وجود داشته است که بدون نمایش وجود داشته است، زمانی که بدون هیچ صحنه ای وجود داشته است، اما حتی یک لحظه نبود که تئاتر بدون نمایش باشد. یک بازیگر."

بازیگر تئاتر هنرمند اصلی است که چیزی را خلق می کند که تصویر صحنه نامیده می شود. به عبارت دقیق تر، بازیگر تئاتر در عین حال هنرمند و خالق است و مادۀ خلاقیت و حاصل آن یک تصویر است. هنر بازیگر به ما این امکان را می دهد که نه تنها تصویر را در بیان نهایی آن، بلکه همچنین روند ایجاد، شکل گیری آن را با چشمان خود ببینیم. بازیگر از خود تصویری می سازد و در عین حال آن را در حضور تماشاگر و در مقابل چشمانش خلق می کند. این شاید ویژگی اصلی صحنه، تصویر تئاتری است - و اینجا منشأ لذت هنری خاص و منحصر به فردی است که به بیننده می دهد. تماشاگر در تئاتر، بیش از هر جای دیگری در هنر، مستقیماً در معجزه آفرینش نقش دارد.

هنر تئاتر بر خلاف هنرهای دیگر یک هنر زنده است. فقط در ساعت ملاقات با بیننده اتفاق می افتد. این بر اساس تماس احساسی و معنوی ضروری بین صحنه و تماشاگر است. چنین تماسی وجود ندارد، به این معنی که هیچ منظره ای وجود ندارد که طبق قوانین زیبایی شناختی خودش زندگی کند.

این عذاب بزرگی است که یک بازیگر جلوی سالنی خالی اجرا کند، بدون یک تماشاگر. چنین حالتی مساوی است با قرار گرفتن در فضایی بسته از کل جهان. در ساعت اجرا، روح بازیگر به سمت تماشاگر معطوف می شود، همانطور که روح تماشاگر به سمت بازیگر معطوف می شود. هنر تئاتر در آن لحظات شادی که از طریق سیم های نامرئی انتقال ولتاژ بالا، تبادل فعال دو انرژی معنوی وجود دارد که متقابلاً به یکدیگر تمایل دارند، تماشاگر را به هیجان می آورد و جذب می کند. ، از بیننده تا بازیگر.

کتاب خواندن، ایستادن در مقابل نقاشی، خواننده، بیننده نویسنده، نقاش را نمی بیند. و فقط در تئاتر است که انسان با هنرمند خلاق روبرو می شود، در لحظه خلقت با او ملاقات می کند. او ظهور و حرکت قلب خود را حدس می زند، تمام فراز و نشیب های حوادثی را که روی صحنه رخ می دهد با او زندگی می کند.

خواننده به تنهایی، تنها با کتاب ارزشمند، می تواند لحظات هیجان انگیز و شادی را تجربه کند. و تئاتر مخاطب خود را تنها نمی گذارد. همه چیز در تئاتر مبتنی بر تعامل عاطفی فعال بین کسانی است که یک اثر هنری را در آن شب روی صحنه می آفرینند و کسانی که برای آنها ساخته شده است.

تماشاگر به اجرای تئاتر می آید نه به عنوان یک ناظر بیرونی. او نمی تواند نگرش خود را نسبت به اتفاقاتی که روی صحنه می افتد بیان کند. انفجاری از کف زدن های تایید کننده، خنده های شاد، سکوت متشنج، بی مزاحمت، آهی از آرامش، خشم خاموش - همدستی تماشاگر در روند کنش صحنه در غنی ترین تنوع ظاهر می شود. وقتی چنین همدستی، چنین همدلی به بالاترین حد خود می رسد، فضای جشنی در تئاتر به وجود می آید...

این همان معنای هنر زنده است. هنری که در آن صدای تپش قلب آدمی شنیده می شود، ظریف ترین حرکات روح و روان با حساسیت به تصویر کشیده می شود که تمام دنیای احساسات و افکار، امیدها، رویاها، آرزوهای انسان در آن محصور شده است.

البته وقتی در مورد یک بازیگر فکر و صحبت می کنیم، متوجه می شویم که چقدر برای تئاتر یک بازیگر مهم نیست، بلکه مجموعه ای از بازیگران، وحدت، تعامل خلاقانه بازیگران مهم است. شالیاپین نوشت: «تئاتر واقعی نه تنها خلاقیت فردی است، بلکه یک کنش جمعی است که به هماهنگی کامل همه بخش ها نیاز دارد.»

تئاتر، به قولی، هنر جمعی مضاعف است. تماشاگر یک تولید تئاتری را درک می کند، یک کنش صحنه ای نه به تنهایی، بلکه به طور جمعی، "احساس آرنج همسایه"، که تا حد زیادی تأثیر، سرایت هنری آنچه روی صحنه اتفاق می افتد را افزایش می دهد. در عین حال، این برداشت نه از یک فرد-بازیگر، بلکه از یک تیم بازیگر می آید. هم روی صحنه و هم در سالن، در دو طرف سطح شیب دار، زندگی می کنند، احساس می کنند و عمل می کنند - نه افراد جداگانه، بلکه مردم، جامعه ای از مردم که برای مدتی با توجه، هدف، عمل مشترک با یکدیگر مرتبط هستند. .

تا حد زیادی، دقیقاً این است که نقش عظیم اجتماعی و آموزشی تئاتر را تعیین می کند. هنر که با هم خلق و ادراک می شود، به یک مکتب به معنای واقعی کلمه تبدیل می شود. گارسیا لورکا شاعر معروف اسپانیایی می‌نویسد: «تئاتر مدرسه‌ای است از اشک و خنده، بستری آزاد که مردم می‌توانند از آن اخلاق منسوخ یا غلط را محکوم کنند و با استفاده از مثال‌های زنده قوانین ابدی قلب و انسان را توضیح دهند. احساس."

شخص به تئاتر به عنوان بازتابی از وجدان، روح خود روی می آورد - او خود را در تئاتر، زمان و زندگی خود می شناسد. تئاتر فرصت های شگفت انگیزی را برای خودشناسی معنوی و اخلاقی پیش روی او می گشاید.

و اجازه دهید تئاتر، به دلیل ماهیت زیبایی‌شناختی‌اش، هنری مشروط، مانند هنرهای دیگر، روی صحنه، نه خود واقعیت، بلکه فقط انعکاس هنری آن در برابر تماشاگر ظاهر شود. اما آن قدر حقیقت در آن تأمل وجود دارد که با تمام مطلق بودنش به عنوان اصیل ترین و واقعی ترین زندگی تلقی می شود. بیننده واقعیت بالاتر وجود شخصیت های صحنه را تشخیص می دهد. گوته بزرگ می نویسد: «چه چیزی می تواند طبیعی تر از مردم شکسپیر باشد!»

در تئاتر، در اجتماع پرنشاطی از مردمی که برای اجرای صحنه‌ای گرد هم آمده‌اند، همه چیز ممکن است: خنده و اشک، غم و شادی، خشم پنهان و لذت خشونت‌آمیز، غم و شادی، کنایه و بی‌اعتمادی، تحقیر و همدردی، سکوت مراقب. و تایید بلند - در یک کلام، تمام غنای مظاهر عاطفی و خیزش های روح انسان.

تئاتر (تئاترون یونانی - مکانی برای تماشای نمایش) - یک شکل هنری مبتنی بر بازتاب هنری زندگی که از طریق یک کنش دراماتیک توسط بازیگران در مقابل تماشاگران انجام می شود. هنر تئاتر در درجه دوم قرار دارد. اساس هنر صحنه نمایش است که کیفیت جدیدی در تجسم تئاتر به دست می آورد - تئاتری بودن، تصویر تئاتری. توسعه تئاتر ارتباط تنگاتنگی با توسعه درام و ابزار نمایشی و بیانی درام مونولوگ و دیالوگ دارد. اثر اصلی هنر نمایشی، نمایشی، سازمان یافته هنرمندانه، اکشن دیدنی و بازیگوش است. اجرا حاصل تلاش تیم خلاق است. در عین حال، اجرا با وحدت فیگوراتیو متمایز می شود. ساختار فیگوراتیو اجرا با اتحاد همه عناصر اکشن نمایشی ایجاد می شود که تابع یک وظیفه هنری واحد است - "فوق العاده" و یک هدف مرحله ای که کنش صحنه را در زمان و مکان سازماندهی می کند، "از طریق عمل". ".

ماهیت بازیگوش تئاتر از نظر تاریخی در حال تغییر است. با برخاسته از این آیین، سیستم تأثیر تماشایی به طور کلی در تمام مراحل توسعه تئاتر حفظ می شود - دگرگونی بازیگر که از داده های روانی خود برای ایجاد تصویر شخص دیگری - شخصیت کلمه استفاده می کند. و پلاستیسیته شرط اصلی درگیر کردن بیننده در کنش است. تئاتر مدرن اشکال مختلف سازماندهی اکشن بازی را می شناسد. در یک تئاتر واقع‌گرایانه و روان‌شناختی تجربه، اصل بازتاب زندگی در قالب‌های زندگی بر اصل «دیوار چهارم» دلالت دارد که گویی بیننده را از صحنه جدا می‌کند و توهم واقعیت را ایجاد می‌کند. در تئاتر اجرا - "تئاتر حماسی" اصل بازی ممکن است با حقیقت شرایط زندگی منطبق نباشد و راه حلی شاعرانه، استعاری و فیگوراتیو را پیشنهاد می کند.

تئاتر یک هنر جمعی است (نگاه کنید به). در روند تکامل تاریخی، اصل گروه تثبیت شد. در تئاتر مدرن، نقش سازمان‌دهنده اکشن صحنه‌ای و تلاش خلاقانه گروه به کارگردانی تعلق دارد که تفسیر صحنه‌ای از مبنای نمایشی را بر عهده دارد. کارگردان با کمک ابزارهای فیگوراتیو و بیانی مانند میزانسن، تمپو ریتم، ترکیب بندی، تصویری هنری از اجرا ایجاد می کند.

طبیعتاً هنر تئاتر مصنوعی است (نگاه کنید به). ماهیت سنتز در تاریخ هنر تئاتر تغییر کرد، باله برجسته شد، تئاتر موسیقی مستقل شد. تئاتر معاصر تمایل به ترکیب متنوع ترین اشکال هنری دارد. سازماندهی سنتز تماشایی تا حد زیادی به مشارکت آهنگساز، طراح لباس، طراح نور و بالاتر از همه، طراح صحنه بستگی دارد. محیط مادی که با ابزار طراح صحنه ایجاد می شود ممکن است کارکردهای متفاوتی داشته باشد، اما همیشه، مطابق با بافت کلی، مجری، حامل حقیقت روانی، توجه بیننده را سازمان می دهد.

هنر تئاتر برای ادراک جمعی طراحی شده است. تماشاگر، واکنش او جزء کنش است. تئاتر بدون واکنش فوری تماشاگران وجود ندارد. اجرای تمرین شده اما به تماشاگران نمایش داده نمی شود یک اثر هنری نیست. این بیننده است که حق دارد بین معنای وسیله بیانی انتخاب شده توسط اجرا کننده و استفاده از آن تمایز قائل شود. تماشاگر تئاتر مدرن تحت تأثیر بسیاری از فرم های تماشایی است که تداعی های او را گسترش می دهد و ترجیحات او را تغییر می دهد. تئاتر نمی تواند این تغییرات را در پیشرفت خود در نظر نگیرد و نقش و اهمیت فرم های نمایشی را افزایش دهد و ارتباط بین کنش صحنه و تماشاگر را تقویت کند.

هنر تئاتر شکلی از آگاهی اجتماعی، وسیله ای برای دانش و آموزش هنری است. ویژگی تئاتر در انعکاس تضادها و شخصیت های مهمی است که بر علایق و نیازهای مخاطب مدرن تأثیر می گذارد. اصالت تئاتر به عنوان یک هنر در همین مدرنیته است که آن را به یک عامل مهم در آموزش تبدیل می کند.

2. هنر تئاتر

هنر تئاتر یکی از پیچیده ترین، موثرترین و قدیمی ترین هنرهاست. علاوه بر این، ناهمگن، مصنوعی است. هنر تئاتر به عنوان اجزای سازنده شامل معماری، نقاشی و مجسمه سازی (منظره)، و موسیقی (نه تنها در موسیقی، بلکه اغلب در اجرای نمایشی) و رقص (باز هم نه تنها در باله، بلکه در نمایشنامه) نیز می باشد. و ادبیات (متنی که اجرای نمایشی بر روی آن ساخته می شود) و هنر بازیگری و غیره. کارگردان مشهور شوروی A. Tairov می نویسد: «... در تاریخ تئاتر دوره های طولانی وجود داشته است که بدون نمایش وجود داشته است، زمانی که بدون هیچ صحنه ای وجود داشته است، اما حتی یک لحظه نبود که تئاتر بدون بازیگر باشد. Tairov A. Ya، یادداشت های کارگردان. مقالات. گفتگو. سخنرانی ها. نامه ها. م.، 1970، ص. 79. .

بازیگر تئاتر هنرمند اصلی است که چیزی را خلق می کند که تصویر صحنه نامیده می شود. به عبارت دقیق تر، بازیگر تئاتر در عین حال هنرمند و خالق است و مادۀ خلاقیت و حاصل آن یک تصویر است. هنر بازیگر به ما این امکان را می دهد که نه تنها تصویر را در بیان نهایی آن، بلکه همچنین روند ایجاد، شکل گیری آن را با چشمان خود ببینیم. بازیگر از خود تصویری می سازد و در عین حال آن را در حضور تماشاگر و در مقابل چشمانش خلق می کند. این شاید ویژگی اصلی صحنه، تصویر تئاتری است - و اینجا منشأ لذت هنری خاص و منحصر به فردی است که به بیننده می دهد. تماشاگر در تئاتر، بیش از هر جای دیگری در هنر، مستقیماً در معجزه آفرینش نقش دارد.

هنر تئاتر بر خلاف هنرهای دیگر یک هنر زنده است. فقط در ساعت ملاقات با بیننده اتفاق می افتد. این بر اساس تماس احساسی و معنوی ضروری بین صحنه و تماشاگر است. چنین تماسی وجود ندارد، به این معنی که هیچ منظره ای وجود ندارد که طبق قوانین زیبایی شناختی خودش زندگی کند.

این عذاب بزرگی است که یک بازیگر جلوی سالنی خالی اجرا کند، بدون یک تماشاگر. چنین حالتی مساوی است با قرار گرفتن در فضایی بسته از کل جهان. در ساعت اجرا، روح بازیگر به سمت تماشاگر معطوف می شود، همانطور که روح تماشاگر به سمت بازیگر معطوف می شود. هنر تئاتر در آن لحظات شادی که از طریق سیم های نامرئی انتقال ولتاژ بالا، تبادل فعال دو انرژی معنوی وجود دارد که متقابلاً به یکدیگر تمایل دارند، تماشاگر را به هیجان می آورد و جذب می کند. ، از بیننده تا بازیگر.

کتاب خواندن، ایستادن در مقابل نقاشی، خواننده، بیننده نویسنده، نقاش را نمی بیند. و فقط در تئاتر است که انسان با هنرمند خلاق روبرو می شود، در لحظه خلقت با او ملاقات می کند. او ظهور و حرکت قلب خود را حدس می زند، تمام فراز و نشیب های حوادثی را که روی صحنه رخ می دهد با او زندگی می کند.

خواننده به تنهایی، تنها با کتاب ارزشمند، می تواند لحظات هیجان انگیز و شادی را تجربه کند. و تئاتر مخاطب خود را تنها نمی گذارد. همه چیز در تئاتر مبتنی بر تعامل عاطفی فعال بین کسانی است که یک اثر هنری را در آن شب روی صحنه می آفرینند و کسانی که برای آنها ساخته شده است.

تماشاگر به اجرای تئاتر می آید نه به عنوان یک ناظر بیرونی. او نمی تواند نگرش خود را نسبت به اتفاقاتی که روی صحنه می افتد بیان کند. انفجاری از کف زدن های تایید کننده، خنده های شاد، سکوت متشنج، بی مزاحمت، آهی از آرامش، خشم خاموش - همدستی تماشاگر در روند کنش صحنه در غنی ترین تنوع ظاهر می شود. وقتی چنین همدستی، چنین همدلی به بالاترین حد خود می رسد، فضای جشنی در تئاتر به وجود می آید...

این همان معنای هنر زنده است. هنری که در آن صدای تپش قلب آدمی شنیده می شود، ظریف ترین حرکات روح و روان با حساسیت به تصویر کشیده می شود که تمام دنیای احساسات و افکار، امیدها، رویاها، آرزوهای انسان در آن محصور شده است.

البته وقتی در مورد یک بازیگر فکر و صحبت می کنیم، متوجه می شویم که چقدر برای تئاتر یک بازیگر مهم نیست، بلکه مجموعه ای از بازیگران، وحدت، تعامل خلاقانه بازیگران مهم است. شالیاپین نوشت: «تئاتر واقعی نه تنها خلاقیت فردی است، بلکه یک کنش جمعی است که به هماهنگی کامل همه بخش ها نیاز دارد.»

تئاتر، به قولی، هنر جمعی مضاعف است. تماشاگر یک تولید تئاتری را درک می کند، یک کنش صحنه ای نه به تنهایی، بلکه به طور جمعی، "احساس آرنج همسایه"، که تا حد زیادی تأثیر، سرایت هنری آنچه روی صحنه اتفاق می افتد را افزایش می دهد. در عین حال، این برداشت نه از یک فرد-بازیگر، بلکه از یک تیم بازیگر می آید. هم روی صحنه و هم در سالن، در دو طرف سطح شیب دار، زندگی می کنند، احساس می کنند و عمل می کنند - نه افراد جداگانه، بلکه مردم، جامعه ای از مردم که برای مدتی با توجه، هدف، عمل مشترک با یکدیگر مرتبط هستند. .

تا حد زیادی، دقیقاً این است که نقش عظیم اجتماعی و آموزشی تئاتر را تعیین می کند. هنر که با هم خلق و ادراک می شود، به یک مکتب به معنای واقعی کلمه تبدیل می شود. گارسیا لورکا شاعر معروف اسپانیایی می‌نویسد: «تئاتر مدرسه‌ای است از اشک و خنده، بستری آزاد که مردم می‌توانند از آن اخلاق منسوخ یا غلط را محکوم کنند و با استفاده از مثال‌های زنده قوانین ابدی قلب و انسان را توضیح دهند. احساس."

شخص به تئاتر به عنوان بازتابی از وجدان، روح خود روی می آورد - او خود را در تئاتر، زمان و زندگی خود می شناسد. تئاتر فرصت های شگفت انگیزی را برای خودشناسی معنوی و اخلاقی پیش روی او می گشاید.

و اجازه دهید تئاتر، به دلیل ماهیت زیبایی‌شناختی‌اش، هنری مشروط، مانند هنرهای دیگر، روی صحنه، نه خود واقعیت، بلکه فقط انعکاس هنری آن در برابر تماشاگر ظاهر شود. اما آن قدر حقیقت در آن تأمل وجود دارد که با تمام مطلق بودنش به عنوان اصیل ترین و واقعی ترین زندگی تلقی می شود. بیننده واقعیت بالاتر وجود شخصیت های صحنه را تشخیص می دهد. گوته بزرگ می نویسد: «چه چیزی می تواند طبیعی تر از مردم شکسپیر باشد!»

در تئاتر، در اجتماع پرنشاطی از مردمی که برای اجرای صحنه‌ای گرد هم آمده‌اند، همه چیز ممکن است: خنده و اشک، غم و شادی، خشم پنهان و لذت خشونت‌آمیز، غم و شادی، کنایه و بی‌اعتمادی، تحقیر و همدردی، سکوت مراقب. و تایید بلند - در یک کلام، تمام غنای مظاهر عاطفی و خیزش های روح انسان.

تأثیر خانواده رادزیویل در شکل گیری فرهنگ بلاروس

زندگی دوم چیزهای غیر ضروری. بازسازی و نوسازی اشیاء قدیمی با چاپ قطعات برای آنها بر روی چاپگر سه بعدی از مواد مختلف

در کشور ما بیش از پیش بحث پروژه توسعه فرهنگی جامعه مطرح می شود. همه می دانند که این پدیده نشان دهنده اشتیاق به نوعی تحلیل فلسفی از تمایلات عمیق جامعه است ...

فرهنگ یونان باستان

فرهنگ معنوی در چارچوب تاریخ گرایی

یونانیان باستان هنر را «توانایی خلق اشیا مطابق با قوانین معین» می نامیدند. آنها علاوه بر معماری و مجسمه سازی، از هنر به عنوان صنایع دستی و حساب و به طور کلی هر تجارت ...

خاستگاه تئاتر یونان باستان

شاید تئاتر بزرگترین هدیه ای بود که یونان باستان برای اروپای جدید به جا گذاشت. از همان بدو تولد، این آفرینش کاملاً اصلی نابغه یونانی سرگرمی نبود، بلکه یک عمل مقدس تلقی می شد ...

فرهنگ بلاروس در نیمه دوم قرن نوزدهم و اوایل قرن بیستم

فرهنگ روسیه

هنر روسیه باستان - نقاشی، مجسمه سازی، موسیقی - نیز با پذیرش مسیحیت تغییرات محسوسی را تجربه کرد. روس بت پرستان همه این انواع هنر را می دانست، اما در بیانی کاملاً بت پرستانه و عامیانه. منبت کاری های چوبی باستانی...

مسائل اخلاقی و فلسفی در کار مارک زاخاروف

در قرن نوزدهم، هنر تئاتر به دلیل چندین عامل به سرعت توسعه یافت: افتتاح تئاترهای جدید، خلاقیت نسل جدیدی از نمایشنامه نویسان، ظهور حرفه های تخصصی تئاتر، توسعه گرایش های ادبی ...

فرهنگ اعراب-اسلامی قرون وسطی

معماری اعراب قرون وسطی سنت های کشورهای فتح شده - یونان، روم، ایران، اسپانیا را جذب کرد. هنر در کشورهای اسلامی نیز توسعه یافت و به شکلی پیچیده با دین در تعامل بود. مساجد...

جامعه قرون وسطی

جهان بینی کلیسایی- مذهبی تأثیر تعیین کننده ای در توسعه هنر قرون وسطی داشت. کلیسا وظایف خود را در تقویت احساس مذهبی مؤمنان می دید...

هنر تئاتر قرن بیستم: جست‌وجوی راه‌هایی برای گفت‌وگو

وقتی یک خط توسط یک احساس دیکته می شود - برده ای را به صحنه می فرستد و اینجا هنر به پایان می رسد و خاک و سرنوشت نفس می کشد. ب. پاسترناک ایده دیالوگ، گفتگو در ذهن ما با حوزه زبان، با گفتار شفاهی، با ارتباط ...

مجموعه هنر تئاتر

مانند هر هنر دیگری (موسیقی، نقاشی، ادبیات)، تئاتر نیز ویژگی های خاص خود را دارد. این هنر ترکیبی است: یک اثر نمایشی (نمایشنامه) از متن نمایشنامه، کار کارگردان، بازیگر، هنرمند و آهنگساز تشکیل شده است. موسیقی نقش تعیین کننده ای در اپرا و باله دارد.

تئاتر یک هنر جمعی است. این اجرا حاصل فعالیت بسیاری از افراد است، نه تنها کسانی که روی صحنه ظاهر می شوند، بلکه کسانی که لباس می دوزند، وسایل تزئینی می سازند، نور را تنظیم می کنند، با تماشاگران ملاقات می کنند. تعجبی ندارد که تعریفی از "کارگران کارگاه تئاتر" وجود دارد: اجرا هم خلاقیت است و هم تولید.

تئاتر راه خود را برای درک دنیای اطراف و بر این اساس مجموعه ابزار هنری خود را ارائه می دهد. اجرا هم یک کنش خاص است که در فضای صحنه اجرا می شود و هم یک تفکر فیگوراتیو خاص و متفاوت از مثلاً موسیقی.

تئاتر، مانند هیچ هنر دیگری، بیشترین «ظرفیت» را دارد. او توانایی ادبیات در بازآفرینی زندگی در یک کلمه را در جلوه های بیرونی و درونی آن جذب می کند، اما این کلمه روایی نیست، بلکه پرنشاط است و مستقیماً تأثیرگذار است. در عین حال، تئاتر برخلاف ادبیات، واقعیت را نه در ذهن خواننده، بلکه به عنوان تصاویری عینی موجود از زندگی (نمایش) در فضا بازآفرینی می کند. و از این نظر تئاتر به نقاشی نزدیک است. اما کنش نمایشی در حرکت دائمی است، در زمان توسعه می یابد - و این به موسیقی نزدیک است. غوطه ور شدن در دنیای تجربیات بیننده شبیه حالتی است که شنونده موسیقی با غوطه ور شدن در دنیای خود از درک ذهنی صداها تجربه می کند.

البته تئاتر به هیچ وجه جایگزین هنرهای دیگر نیست. ویژگی تئاتر این است که «خواص» ادبیات، نقاشی و موسیقی را از طریق تصویر یک بازیگر زنده حمل می کند. این ماده مستقیم انسانی برای سایر اشکال هنر تنها نقطه شروع خلاقیت است. برای تئاتر، "طبیعت" نه تنها به عنوان ماده عمل می کند، بلکه در سرزندگی آنی خود نیز حفظ می شود.

هنر تئاتر توانایی شگفت انگیزی در ادغام با زندگی دارد. اجرای صحنه، اگرچه در آن سوی رمپ روی می دهد، اما در لحظات تنش بالا مرز بین هنر و زندگی را محو می کند و توسط مخاطب به عنوان خود واقعیت درک می شود. قدرت جذاب تئاتر در این است که «زندگی روی صحنه» آزادانه خود را در تخیل بیننده تثبیت می کند.

چنین چرخشی روان‌شناختی به این دلیل اتفاق می‌افتد که تئاتر نه تنها دارای ویژگی‌های واقعیت است، بلکه به خودی خود واقعیتی هنرمندانه خلق شده است. واقعیت نمایشی، ایجاد تصور از واقعیت، قوانین خاص خود را دارد. حقیقت تئاتر را نمی توان با معیار معقول بودن زندگی سنجید. بار روانی که قهرمان درام بر دوش خود می کشد، نمی تواند توسط یک شخص در زندگی تحمل شود، زیرا در تئاتر یک فشردگی شدید از کل چرخه رویدادها وجود دارد. قهرمان نمایش غالباً زندگی درونی خود را به صورت دسته ای از احساسات و تمرکز بالای افکار تجربه می کند. و همه اینها توسط مخاطب بدیهی تلقی می شود. "باورنکردنی" طبق هنجارهای واقعیت عینی به هیچ وجه نشانه ای از هنر غیر قابل اعتماد نیست. در تئاتر «حقیقت» و «ناحقیقت» معیارهای متفاوتی دارند و با قانون تفکر فیگوراتیو تعیین می شوند. «هنر با کامل بودن «مکانیسم‌های ذهنی» ما به‌عنوان یک واقعیت تجربه می‌شود، اما در عین حال با کیفیت خاص خود به‌عنوان یک بازی دست‌ساز «نه واقعی» ارزیابی می‌شود، به قول کودکان، دو برابر کردن وهمی واقعیت. ”

تماشاگر تئاتر زمانی به تماشاگر تئاتری تبدیل می شود که این جنبه دوگانه کنش صحنه را درک کند، نه تنها یک کنش ملموس حیاتی را در مقابل خود ببیند، بلکه معنای درونی این کنش را نیز درک کند. آنچه روی صحنه می گذرد هم به عنوان حقیقت زندگی و هم به عنوان بازآفرینی تصویری آن احساس می شود. در عین حال، توجه به این نکته ضروری است که تماشاگر بدون از دست دادن حس واقعی، شروع به زندگی در دنیای تئاتر می کند. رابطه بین واقعیت واقعی و نمایشی نسبتاً پیچیده است. در این فرآیند سه مرحله وجود دارد:

1. واقعیت واقعیت نشان داده شده عینی که توسط تخیل نمایشنامه نویس به اثری دراماتیک تبدیل شده است.

2. یک اثر دراماتیک، که توسط تئاتر (کارگردان، بازیگران) در زندگی صحنه تجسم یافته است - یک اجرا.

3. زندگی صحنه ای که توسط مخاطب درک می شود و بخشی از تجربیات او می شود، با زندگی مخاطب ادغام می شود و در نتیجه دوباره به واقعیت باز می گردد.

قانون اساسی تئاتر - همدستی درونی تماشاگر در وقایع روی صحنه - شامل هیجان تخیل، خلاقیت مستقل و درونی در هر یک از تماشاگران است. این شیفتگی به کنش، تماشاگر را از ناظر بی تفاوتی که در سالن های تئاتر هم دیده می شود، متمایز می کند. تماشاگر برخلاف بازیگر، هنرمند فعال، هنرمندی متفکر است.

تخیل فعال تماشاگران اصلاً خاصیت معنوی خاصی از هنردوستان برگزیده نیست. البته، ذوق هنری توسعه یافته از اهمیت بالایی برخوردار است، اما این امر مربوط به توسعه آن اصول عاطفی است که در ذات هر فرد وجود دارد.

آگاهی از واقعیت هنری در فرآیند ادراک هر چه عمیق تر باشد، هر چه بیننده به طور کامل در حوزه تجربه غوطه ور شود، هنر چندلایه بیشتری وارد روح انسان می شود. در این محل اتصال دو حوزه - تجربه ناخودآگاه و درک آگاهانه از هنر است که تخیل وجود دارد. این در ابتدا در روان انسان ذاتی است، به طور ارگانیک، برای هر فرد قابل دسترسی است و می تواند به طور قابل توجهی در جریان انباشت تجربه زیبایی شناختی توسعه یابد.

ادراک زیبایی شناختی خلاقیت بیننده است و می تواند به شدت زیادی برسد. هر چه ذات خود بیننده غنی تر باشد، حس زیبایی شناسی او توسعه یافته تر، تجربه هنری او کامل تر، تخیل او فعال تر و تأثیرات نمایشی اش غنی تر است.

زیبایی شناسی ادراک تا حد زیادی به سمت بیننده ایده آل است. در واقع، فرآیند آگاهانه آموزش فرهنگ نمایشی احتمالاً بیننده را به سمت کسب دانش در مورد هنر و تسلط بر مهارت های خاص ادراک سوق می دهد.

در تئاتر ترکیبی دوران مدرن، همبستگی سنتی اصول غالب - حقیقت و داستان - در نوعی وحدت ناگسستنی ظاهر می شود. این سنتز هم به عنوان یک عمل تجربه (درک حقیقت زندگی) و هم به عنوان یک عمل لذت زیبایی شناختی (ادراک شعر تئاتر) صورت می گیرد. سپس بیننده نه تنها به یک شرکت کننده روانشناختی در کنش تبدیل می شود، یعنی فردی که سرنوشت قهرمان را "جذب" می کند و خود را از نظر روحی غنی می کند، بلکه به خالقی تبدیل می شود که همزمان با آنچه اتفاق می افتد، یک عمل خلاقانه را در تخیل خود انجام می دهد. در مرحله. این لحظه آخر بسیار مهم است و در تربیت زیبایی شناختی مخاطب جایگاه اصلی را به خود اختصاص می دهد.

البته هر بیننده ای می تواند ایده خود را از اجرای ایده آل داشته باشد. اما در همه موارد بر اساس "برنامه" خاصی از الزامات هنر است. این نوع «دانش» مستلزم بلوغ خاصی از فرهنگ مخاطب است.

فرهنگ تماشاگر تا حد زیادی به ماهیت هنری که به بیننده ارائه می شود بستگی دارد. هر چه وظیفه ای که پیش روی او قرار داده شده دشوارتر باشد - زیبایی شناختی ، اخلاقی ، فلسفی ، فکر تشدیدتر می شود ، تجربه تیزتر ، تجلی ذائقه بیننده ظریف تر است. برای آنچه ما فرهنگ خواننده، شنونده، بیننده می نامیم، مستقیماً با رشد شخصیت یک فرد مرتبط است، به رشد معنوی او بستگی دارد و بر رشد معنوی بیشتر او تأثیر می گذارد.

اهمیت وظیفه‌ای که تئاتر از نظر روان‌شناختی بر عهده تماشاگر می‌گذارد در این است که تصویر هنری، با تمام پیچیدگی و ناهماهنگی‌اش، ابتدا توسط تماشاگر به‌عنوان یک شخصیت واقعی و عینی موجود درک می‌شود و سپس، با عادت کردن به تصویر و تأمل در آن، اعمال، جوهر درونی و معنای تعمیم‌دهنده آن را آشکار می‌سازد.

از نظر زیبایی شناسی، پیچیدگی کار در این واقعیت نهفته است که بیننده تصویر صحنه را نه تنها بر اساس معیارهای حقیقت درک می کند، بلکه می داند چگونه معنای استعاری شاعرانه آن را (یاد گرفته) رمزگشایی کند.

پس ويژگي هنر نمايشي، انسان زنده است، به عنوان قهرماني مستقيماً تجربه‌گر و به‌عنوان هنرمند-هنرمند بي‌واسطه آفريننده، و مهم‌ترين قانون تئاتر تأثير مستقيم بر بيننده است.

«اثر تئاتر»، وضوح آن نه تنها با شأن خود هنر، بلکه با وقار، فرهنگ زیبایی‌شناختی سالن تعیین می‌شود. با این حال، بیداری هنرمند در بیننده تنها در صورتی اتفاق می‌افتد که بیننده بتواند محتوای نهفته در اجرا را به طور کامل درک کند، اگر بتواند دامنه زیبایی‌شناختی خود را گسترش دهد و یاد بگیرد که چیزهای جدید را در هنر ببیند، اگر به آن وفادار بماند. سبک هنری مورد علاقه‌اش، اگر بتواند خوانش جدیدی از یک اثر کلاسیک را ببیند و بتواند ایده کارگردان را از اجرای آن توسط بازیگران جدا کند، ناشنوا و به سمت‌های خلاقانه دیگر تبدیل نمی‌شود. بسیاری دیگر از این نوع "اگر" وجود دارد. در نتیجه برای اینکه تماشاگر درگیر خلاقیت شود تا هنرمند در او بیدار شود، در مرحله کنونی از پیشرفت تئاتر ما، افزایش کلی فرهنگ هنری تماشاگر ضروری است.

اجرای تئاتر بر اساس یک متن است، مانند نمایشنامه برای اجرای نمایشی. حتی در آن دسته از تولیدات صحنه‌ای که کلمه به‌عنوان وجود ندارد، متن ضروری است. به طور خاص، باله، و گاهی اوقات پانتومیم یک فیلمنامه دارد - یک لیبرتو. روند کار بر روی یک اجرا شامل انتقال متن نمایشی به صحنه است - این نوعی "ترجمه" از یک زبان به زبان دیگر است. در نتیجه کلمه ادبی تبدیل به کلمه صحنه می شود.

اولین چیزی که بیننده پس از باز شدن (یا بالا آمدن) پرده می بیند، فضای صحنه است که مناظر در آن قرار می گیرد. آنها مکان عمل، زمان تاریخی را نشان می دهند، طعم ملی را منعکس می کنند. با کمک ساخت و سازهای فضایی، حتی می توان حال و هوای شخصیت ها را منتقل کرد (به عنوان مثال، در یک قسمت از رنج قهرمان، صحنه را در تاریکی غوطه ور کنید یا پس زمینه آن را با سیاهی تنگ کنید). در طول عمل، با کمک یک تکنیک خاص، مناظر تغییر می کند: روز به شب، زمستان به تابستان، خیابان به یک اتاق تبدیل می شود. این تکنیک همراه با اندیشه علمی بشر تکامل یافته است. مکانیسم های بالابر، سپرها و دریچه ها که در زمان های قدیم به صورت دستی کار می کردند، اکنون به صورت الکترونیکی بالا و پایین می شوند. شمع ها و لامپ های گازی با لامپ های برقی جایگزین می شوند. لیزر اغلب استفاده می شود.

حتی در دوران باستان نیز دو نوع صحنه و تالار شکل می گرفت: صحنه جعبه و صحنه آمفی تئاتر. استیج باکس، طبقات و غرفه ها را فراهم می کند و تماشاگران صحنه آمفی تئاتر را از سه طرف احاطه می کنند. اکنون در دنیا از هر دو نوع استفاده می شود. فناوری مدرن تغییر فضای تئاتر را امکان پذیر می کند - چیدمان یک سکو در وسط سالن، نشستن بیننده روی صحنه و اجرای نمایش در سالن. همیشه به ساختمان تئاتر اهمیت زیادی داده شده است. تئاترها معمولاً در میدان مرکزی شهر ساخته می شدند. معماران می خواستند ساختمان ها زیبا باشند و توجه را به خود جلب کنند. تماشاگر با آمدن به تئاتر از زندگی روزمره چشم پوشی می کند، گویی از واقعیت بالاتر می رود. بنابراین، تصادفی نیست که یک پلکان تزئین شده با آینه اغلب به سالن منتهی می شود.

موسیقی به تقویت تأثیر احساسی اجرای نمایشی کمک می کند. گاهی اوقات نه تنها در طول عمل، بلکه در حین وقفه نیز به نظر می رسد - برای حفظ علاقه عمومی. شخص اصلی نمایشنامه، بازیگر است. بیننده شخصی را در مقابل خود می بیند که به طور مرموزی به یک تصویر هنری تبدیل شده است - نوعی اثر هنری. البته یک اثر هنری خود مجری نیست، بلکه نقش اوست. او آفرینش یک بازیگر است که توسط صدا، اعصاب و چیزی نامحسوس خلق شده است - روح، روح. برای اینکه کنش روی صحنه به عنوان یک کل درک شود، لازم است آن را به طور متفکرانه و پیوسته سازماندهی کرد. این وظایف در تئاتر مدرن توسط کارگردان انجام می شود. البته، خیلی به استعداد بازیگران در اجرا بستگی دارد، اما با این وجود آنها تابع اراده رهبر - کارگردان هستند. مردم، مانند بسیاری از قرن ها پیش، به تئاتر می آیند. از روی صحنه، متن نمایش ها به گوش می رسد که توسط نیروها و احساسات اجراکنندگان دگرگون شده است. هنرمندان گفتگوی خود را انجام می دهند - و نه فقط کلامی. این مکالمه ای از ژست ها، حالت ها، نگاه ها و حالات چهره است. فانتزی دکوراتور با کمک رنگ، نور، سازه های معماری موجود در سایت باعث می شود که فضای صحنه به زبان بیاید. و همه چیز در کنار هم در چارچوبی دقیق از قصد کارگردان محصور شده است که به عناصر ناهمگون کامل و یکپارچگی می بخشد.

تماشاگر آگاهانه (و گاهی ناخودآگاه، گویی برخلاف میل خود) بازی و کارگردانی، انطباق راه حل فضای تئاتر را با طرح کلی ارزیابی می کند. اما نکته اصلی این است که او، بیننده، برخلاف دیگران که اینجا و اکنون خلق کرده اند، به هنری می پیوندد. او با درک معنای اجرا، معنای زندگی را درک می کند.

تئاتر به عنوان نوعی هنر

مانند هر هنر دیگری (موسیقی، نقاشی، ادبیات)، تئاتر نیز ویژگی های خاص خود را دارد. این هنر ترکیبی است: یک اثر نمایشی (نمایشنامه) از متن نمایشنامه، کار کارگردان، بازیگر، هنرمند و آهنگساز تشکیل شده است. موسیقی نقش تعیین کننده ای در اپرا و باله دارد.

تئاتر یک هنر جمعی است. این اجرا حاصل فعالیت بسیاری از افراد است، نه تنها کسانی که روی صحنه ظاهر می شوند، بلکه کسانی که لباس می دوزند، وسایل تزئینی می سازند، نور را تنظیم می کنند، با تماشاگران ملاقات می کنند. تعجبی ندارد که تعریفی از «کارگران مغازه تئاتر» وجود دارد؛ یک اجرا هم خلاقیت است و هم تولید.

تئاتر راه خود را برای درک دنیای اطراف و بر این اساس مجموعه ابزار هنری خود را ارائه می دهد. اجرا هم یک کنش خاص است که در فضای صحنه اجرا می شود و هم یک تفکر فیگوراتیو خاص و متفاوت از مثلاً موسیقی.

اجرای تئاتر بر اساس یک متن است، مانند نمایشنامه برای اجرای نمایشی. حتی در آن دسته از تولیدات صحنه‌ای که کلمه به‌عنوان وجود ندارد، متن ضروری است. به طور خاص، باله، و گاهی اوقات پانتومیم یک فیلمنامه دارد - یک لیبرتو. روند کار بر روی یک اجرا شامل انتقال متن نمایشی به صحنه است - این یک نوع "ترجمه" است. از یک زبان به زبان دیگر در نتیجه کلمه ادبی تبدیل به کلمه صحنه می شود.

اولین چیزی که بیننده پس از باز شدن (یا بالا آمدن) پرده می بیند، فضای صحنه است که مناظر در آن قرار می گیرد. آنها مکان عمل، زمان تاریخی را نشان می دهند، طعم ملی را منعکس می کنند. با کمک ساخت و سازهای فضایی، حتی می توان حال و هوای شخصیت ها را منتقل کرد (به عنوان مثال، در یک قسمت از رنج قهرمان، صحنه را در تاریکی غوطه ور کنید یا پس زمینه آن را با سیاهی تنگ کنید). در طول عمل، با کمک یک تکنیک خاص، مناظر تغییر می کند: روز به شب، زمستان به تابستان، خیابان به یک اتاق تبدیل می شود. این تکنیک همراه با اندیشه علمی بشر تکامل یافته است. مکانیسم های بالابر، سپرها و دریچه ها که در زمان های قدیم به صورت دستی کار می کردند، اکنون به صورت الکترونیکی بالا و پایین می شوند. شمع ها و لامپ های گازی با لامپ های برقی جایگزین می شوند. لیزر اغلب استفاده می شود.

حتی در دوران باستان نیز دو نوع صحنه و تالار شکل می گرفت: صحنه جعبه و صحنه آمفی تئاتر. استیج باکس، طبقات و غرفه ها را فراهم می کند و تماشاگران صحنه آمفی تئاتر را از سه طرف احاطه می کنند. اکنون در دنیا از هر دو نوع استفاده می شود. فناوری مدرن تغییر فضای تئاتر را امکان پذیر می کند - چیدمان یک سکو در وسط سالن، نشستن بیننده روی صحنه و اجرای نمایش در سالن. همیشه به ساختمان تئاتر اهمیت زیادی داده شده است. تئاترها معمولاً در میدان مرکزی شهر ساخته می شدند. معماران می خواستند ساختمان ها زیبا باشند و توجه را به خود جلب کنند. تماشاگر با آمدن به تئاتر از زندگی روزمره چشم پوشی می کند، گویی از واقعیت بالاتر می رود. بنابراین، تصادفی نیست که یک پلکان تزئین شده با آینه اغلب به سالن منتهی می شود.

موسیقی به تقویت تأثیر احساسی اجرای نمایشی کمک می کند. گاهی اوقات نه تنها در طول عمل، بلکه در حین وقفه نیز به نظر می رسد - برای حفظ علاقه عمومی. شخص اصلی نمایشنامه، بازیگر است. بیننده شخصی را در مقابل خود می بیند که به طور مرموزی به یک تصویر هنری تبدیل شده است - نوعی اثر هنری. البته یک اثر هنری خود مجری نیست، بلکه نقش اوست. او آفرینش یک بازیگر است که توسط صدا، اعصاب و چیزی نامحسوس خلق شده است - روح، روح. برای اینکه کنش روی صحنه به عنوان یک کل درک شود، لازم است آن را به طور متفکرانه و پیوسته سازماندهی کرد. این وظایف در تئاتر مدرن توسط کارگردان انجام می شود. البته، خیلی به استعداد بازیگران در اجرا بستگی دارد، اما با این وجود آنها تابع اراده رهبر - کارگردان هستند. مردم، مانند بسیاری از قرن ها پیش، به تئاتر می آیند. از روی صحنه، متن نمایش ها به گوش می رسد که توسط نیروها و احساسات اجراکنندگان دگرگون شده است. هنرمندان گفتگوی خود را انجام می دهند - و نه فقط کلامی. این مکالمه ای از ژست ها، حالت ها، نگاه ها و حالات چهره است. فانتزی دکوراتور با کمک رنگ، نور، سازه های معماری موجود در سایت باعث می شود که فضای صحنه "صحبت" کند. و همه چیز در کنار هم در چارچوبی دقیق از قصد کارگردان محصور شده است که به عناصر ناهمگون کامل و یکپارچگی می بخشد.

تماشاگر آگاهانه (و گاهی ناخودآگاه، گویی برخلاف میل خود) بازی و کارگردانی، انطباق راه حل فضای تئاتر را با طرح کلی ارزیابی می کند. اما نکته اصلی این است که او، بیننده، برخلاف دیگران که اینجا و اکنون خلق کرده اند، به هنری می پیوندد. او با درک معنای اجرا، معنای زندگی را درک می کند. تاریخ تئاتر ادامه دارد.

انواع تئاتر

اولین اجراهای تئاتری شامل کلام و آواز، رقص و حرکت بود. موسیقی و ژست ها معنای کلمات را تقویت می کرد، رقص ها گاهی مستقل می شدند "؛ اما اقدامات"؛. چنین کنش‌هایی با سنکریتیسم (از یونانی "؛ syncretismos"؛ - "؛ اتصال"؛) متمایز می‌شوند، یعنی چنان درجه‌ای از آمیختگی اجزای سازنده (در وهله اول موسیقی و کلمات) که بیننده نمی‌تواند آنها را جدا کند. ذهن او و ارزیابی هر فرم به طور جداگانه. به تدریج، عموم مردم یاد گرفتند که بین عناصر اجرا تمایز قائل شوند و با گذشت زمان، انواع تئاترهای شناخته شده ما از آنها توسعه یافت. سنتز جایگزین سینکرتیسم شده است - ترکیبی عمدی از اشکال مختلف.

رایج ترین و محبوب ترین نوع - دراماتیک تی تئاتر وسیله اصلی بیان کلمه است (تصادفی نیست که گاهی اوقات به این تئاتر محاوره می گویند). معنای رویدادهایی که روی صحنه می‌افتد، شخصیت‌های شخصیت‌ها با کمک کلماتی که به متن اضافه می‌شوند آشکار می‌شوند (می‌تواند عروضی یا شاعرانه باشد). نوع دیگری از هنر نمایشی اپرا است (به مقاله "موسیقی ایتالیا"؛ در بخش "موسیقی" مراجعه کنید). نکته اصلی در اپرا موسیقی است. با این حال، نت (نت نویسی موسیقی) باید ارائه شود، روی صحنه اجرا شود: محتوای اثر فقط در فضای صحنه به طور کامل آشکار می شود. چنین اجرایی مهارت خاصی از مجریان می خواهد: آنها نه تنها باید آواز بخوانند، بلکه باید مهارت های بازیگری نیز داشته باشند. با کمک صداها، بازیگر-خواننده قادر است پیچیده ترین احساسات را بیان کند. تأثیر یک اجرای موسیقی - با گروه بازیگران قوی، ارکستر خوب و کارگردانی حرفه ای - می تواند قدرتمند و حتی مست کننده باشد. بیننده را مطیع خود می کند، او را به دنیای صداهای الهی می برد.

در قرن شانزدهم. بر اساس دادگاه و رقص های محلی شروع به شکل گیری کرد باله تئاتر خود کلمه "باله"؛ می آید از اواخر لاتین ballare - "رقص"؛. در باله، وقایع و روابط شخصیت ها با حرکات و رقص هایی که هنرمندان با موسیقی ساخته شده بر اساس لیبرتو اجرا می کنند، بیان می شود. در پایان قرن XX. اجراهای بدون پلات که با موسیقی آثار سمفونیک ایجاد می شد، فراگیر شد. طراح رقص چنین اجراهایی را اجرا می کند. "; Chorea"; ترجمه شده از یونانی باستان به معنای "رقص"؛ و "گراف" است. - ";نوشتن"؛. در نتیجه، طراح رقص "پرفورمنس را می نویسد"; او با کمک رقص، آهنگ های پلاستیکی را مطابق با موسیقی و طرح می سازد.

در اجراهای باله، به طور معمول، تکنوازان و همچنین افراد برجسته مشغول هستند - اینگونه نامیده می شد که رقصنده اصلی باله که در خط اول نزدیکتر به تماشاگران می رقصید، در تئاتر روسیه. سپاه باله به شرکت کنندگان در صحنه های دسته جمعی گفته می شود. داستان اپرت ها کمی بیش از یک قرن و نیم را در بر می گیرد. در علم دو دیدگاه در مورد اپرت وجود دارد. برخی از دانشمندان آن را یک نوع مستقل از هنر تئاتر می دانند، برخی دیگر - یک ژانر (همین را می توان در مورد موزیکال نیز گفت).

اولین اجراها، عمدتاً با محتوای کمیک، در نیمه دوم قرن نوزدهم ظاهر شدند. در تئاتر پاریس "؛ بوف طرح‌های اپرت‌ها معمولاً کمدی هستند، دیالوگ‌های محاوره‌ای متناوب با آواز و رقص می‌شوند. گاهی اوقات اعداد موسیقی با طرح مرتبط نیستند، آنها بینابینی هستند (نگاه کنید به مقاله "؛ ژاک اوفن باخ، یوهان اشتراوس و موسیقی سبک دوم نیمه قرن نوزدهم"؛ در بخش ";موسیقی"؛).

در پایان قرن نوزدهم، ایالات متحده موزیکال این یک اثر صحنه ای (هم در طرح داستانی کمیک و هم دراماتیک) است که از فرم های هنر پاپ، تئاتر درام، باله و اپرا و رقص روزمره استفاده می کند. در یک اپرت، قطعات موسیقی را می توان درج کرد، در یک موزیکال -. هرگز، آنها "محلول" نمی شوند. در عمل. موسیقی یک هنر برای همه است. پلات ها معمولا ساده هستند و ملودی ها اغلب به آهنگ های محبوب تبدیل می شوند. تاریخچه موزیکال در سال 1866 آغاز شد - سپس اجرای درام موزیکال "The Black Rogue" در نیویورک به نمایش درآمد. (در ترجمه ای دیگر "؛ کلاهبردار شرور"؛). موفقیت چشمگیر و غیرمنتظره بود. با این حال ، موزیکال فقط در دهه 20 جایگاه شایسته خود را در بین سایر انواع هنر تئاتری گرفت. قرن XX. اجراهای مشابه ابتدا در ایالات متحده و پس از جنگ جهانی دوم - در صحنه های انگلستان، اتریش، فرانسه ظاهر شدند. موفق ترین فیلم های موزیکال فیلمبرداری شدند (";کاباره"؛ ";چترهای شربورگ"؛ ";صدای موسیقی"؛).

قدیمی ترین نوع اجراهای تئاتری - پانتومیم (از یونانی. "؛ pantbmimos"؛ - "؛ هر چیزی که با تقلید تولید می شود"؛). این هنر در دوران باستان آغاز شد. پانتومیم مدرن - اجراهای بدون کلام: اینها یا اعداد کوتاه هستند یا یک عمل صحنه دقیق با طرح. در قرن نوزدهم، هنر پانتومیم توسط دلقک انگلیسی جوزف گریمالدی (1778-1837) و پیرو فرانسوی - ژان گاسپارد دبورو (1796-1846) تجلیل شد. این سنت توسط Etienne Decroux (1898-1985) و Jean Louis Barraud (19 10-1994) ادامه یافت. دکرو مکتبی از به اصطلاح پانتومیم خالص را تأسیس کرد - برای انجام روی صحنه "تنها کاری که هنرهای دیگر نمی توانند انجام دهند". حامیان چنین ایده هایی معتقد بودند که یک ژست از یک کلمه صادق تر و درخشان تر است. سنت های بارو و دکرو توسط میم معروف فرانسوی مارسل مارسو (متولد 1923) ادامه یافت. در مسکو، هاینریش ماکوویسیوس تئاتر درام پلاستیکی را ترتیب داد که کارنامه آن شامل اجراهای پیچیده و عمیق در موضوعات اساطیری و کتاب مقدس است.

در ربع آخر قرن نوزدهم. در سراسر اروپا، اما در درجه اول در فرانسه، شروع به ایجاد کرد تئاترهای کاباره ، که ترکیبی از اشکال تئاتر، صحنه، آواز رستوران است. معروف ترین و محبوب ترین آنها "گربه سیاه" بود. در پاریس، "یازده جلاد"؛ در مونیخ، ";به جهنم برو"; در برلین، ";آینه کج"; در پترزبورگ

اهالی هنر در محوطه کافه گرد هم می آمدند و این حال و هوای خاصی ایجاد می کرد. فضای چنین نمایش هایی می تواند غیر معمول ترین باشد، اما اغلب زیرزمین انتخاب می شود - به عنوان چیزی معمولی، اما در عین حال مرموز، کمی ممنوع، زیرزمینی. با اجرای کاباره (صحنه های کوتاه، تقلید یا آهنگ)، هم برای عموم و هم برای اجراکنندگان، تجربه خاصی همراه بود - احساس آزادی بی قید و شرط. حس رازآلود بودن معمولاً با این واقعیت تقویت می شد که چنین اجراهایی در اواخر وقت و گاهی شب ها انجام می شد. تا به امروز در شهرهای مختلف جهان کاباره های واقعی وجود دارد.

نوع خاصی از اجرای تئاتر - خیمهشب بازی. در اروپا، در دوران باستان ظاهر شد. نمایش های خانگی در یونان و روم باستان اجرا می شد. از آن زمان، تئاتر، البته، تغییر کرده است، اما نکته اصلی باقی مانده است - فقط عروسک ها در چنین اجراهایی شرکت می کنند. با این حال، در سال های اخیر، عروسک ها اغلب "به اشتراک می گذارند". صحنه با بازیگران

هر ملتی قهرمانان عروسکی مخصوص به خود را دارد، از جهاتی شبیه به هم، اما از جهاتی متفاوت. اما همه آنها یک چیز مشترک دارند: روی صحنه شوخی می کنند، شوخی می کنند، کاستی های مردم را به سخره می گیرند. عروسک ها هم در "ظاهر" و هم در دستگاه با یکدیگر تفاوت دارند. متداول ترین عروسک ها آنهایی هستند که با کمک نخ ها، عروسک ها و عروسک های عصایی کنترل می شوند. اجرای تئاتر عروسکی نیاز به تجهیزات ویژه و صحنه خاصی دارد. در ابتدا، این فقط یک جعبه با سوراخ هایی از پایین (یا بالا) بود. در قرون وسطی، نمایش ها در میدان برگزار می شد - سپس پرده ای بین دو ستون کشیده شد که عروسک گردان ها پشت آن پنهان شدند. در قرن 19 اجراها در اتاق های مخصوص ساخته شده شروع به پخش کردند.

یک شکل خاص از تئاتر عروسکی، تئاتر عروسک ها، عروسک های چوبی است. سناریوهای ویژه ای برای تئاتر عروسکی نوشته شد. تاریخچه تئاتر عروسکی جهان نام های معروف بسیاری را می شناسد. اجرای S. V. Obraztsov موفقیت بزرگی بود. Revaz Levanovich Gabriadze (متولد 1936)، عروسک گردان و نمایشنامه نویس گرجستانی، راه حل های جدیدی را در فانتزی های خود ارائه می دهد.

خاستگاه تئاتر.

تئاتر هنری است که «ناپدید می شود» و توصیف آن دشوار است. این اجرا ردی در حافظه مخاطب به جا می گذارد و آثار مادی و مادی بسیار کمی دارد. به همین دلیل است که علم تئاتر - علم تئاتر - در اواخر قرن نوزدهم ظهور کرد. در همان زمان، دو نظریه در مورد منشأ تئاتر ظاهر شد. طبق اولی، هنر سینا (چه غربی و چه شرقی) از آیین ها و آیین های جادویی شکل گرفت. در چنین اقداماتی همیشه یک بازی وجود داشت، شرکت کنندگان اغلب از ماسک ها و لباس های خاص استفاده می کردند. مرد ";بازی کرد"; (به عنوان مثال، یک خدا را به تصویر می کشد) تا بر جهان اطراف تأثیر بگذارد - مردم، طبیعت، خدایان. با گذشت زمان، برخی از مناسک به بازی های سکولار تبدیل شدند و شروع به خدمت برای سرگرمی کردند. بعداً شرکت کنندگان در چنین بازی هایی از تماشاگران جدا شدند.

نظریه دیگری منشأ تئاتر اروپایی را با رشد خودآگاهی فرد پیوند می دهد. انسان نیاز به ابراز وجود خود از طریق هنرهای دیدنی دارد که تأثیر عاطفی قدرتمندی دارد.

"؛ مانند بزرگسالان، فقط بهتر بازی کنید"؛

این ایده که باید تئاترهای ویژه ای برای کودکان در ALA ایجاد شود مدت ها پیش ظاهر شد. یکی از اولین "کودکان"؛ تولیدات به کار تئاتر هنر مسکو تبدیل شد. در سال 1908، K. S. Stanislavsky نمایشنامه "پرنده آبی" را به صحنه برد، افسانه ای از نمایشنامه نویس بلژیکی موریس مترلینک، و از آن زمان اجرای معروف از سینای تئاتر هنری گورکی مسکو خارج نشده است. این تولید مسیر توسعه هنرهای نمایشی را برای کودکان تعیین کرد - چنین تئاتری باید برای کودک قابل درک باشد، اما به هیچ وجه ابتدایی نیست، نه تک بعدی.

در روسیه، تئاترهای کودکان پس از اکتبر 1917 شروع به نمایش کردند. قبلاً در سال 1918 ، اولین تئاتر کودکان شورای مسکو در مسکو افتتاح شد. N. I. Sats برگزار کننده و کارگردان شد، هنرمندان فوق العاده V. A. Favorsky و I. S. Efimov اجراها را طراحی کردند، طراح رقص مشهور K. Ya. Goleizovsky در اینجا کار کرد. ناتالیا ایلینیچنا ساتس (1903-1993) تمام زندگی خلاقانه خود را وقف تئاتر برای کودکان کرد. در 1921-1937. او مدیر هنری تئاتر کودکان مسکو (در حال حاضر تئاتر مرکزی کودکان) بود. آخرین زاده فکری او تئاتر موزیکال کودکان مسکو (به نام N.I. Sats) است. در فوریه 1922، تئاتر تماشاگران جوان در لنینگراد اولین تماشاگران خود را پذیرفت. یکی از بنیانگذاران و رهبر دائمی آن، کارگردان الکساندر الکساندرویچ برایانیف (1883-1961) بود. او معتقد بود که در تئاتر باید هنرمندانی که بتوانند مانند معلم فکر کنند و معلمانی که بتوانند زندگی را به عنوان هنرمند درک کنند، متحد کرد.

کارگردانان برجسته ای مانند G. A. Tovstonogov و M. O. Knebel در تئاترهای کودکان کار کردند، مانند I. V. Ilyinsky، N. K. Cherkasov، O. N. Chirkov. گاهی اوقات اجراها به رویدادهایی در زندگی عمومی تبدیل می شدند، به عنوان مثال، تولید نمایشنامه "دوست من، کلکا"; (کارگردان A. V. Efros). امروزه، قدیمی ترین تئاترهای داخلی کودکان (تئاتر جوانان روسیه و تئاتر برای تماشاگر جوان در مسکو) به ترتیب توسط A. V. Borodin و G. Ya. Yanovskaya - کارگردانانی با تفکر جالب و بدیع اداره می شوند.

در اولین تئاترها عمدتاً دراماتیزه کردن افسانه ها وجود داشت. به تدریج نمایشنامه نویسانی ظاهر شدند که به ویژه برای کودکان می نوشتند. نویسنده الکساندرا یاکولوونا بروشتاین (1884-1968) - نویسنده نمایشنامه های محبوب "ادامه می یابد"؛ (1933) و آبی و صورتی; (1936). آثار یوگنی لوویچ شوارتز (1896-1958) در رپرتوار تئاترهای کودکان کلاسیک شد. نمایشنامه های افسانه ای او "ملکه برفی" هستند. (1938)، "دو افرا"؛ (1953)، "شاه برهنه"؛ (1934)، "سایه"؛ (1940) و دیگران - برای دهه ها در سینماها اجرا می شوند. نمایشنامه های شوارتز ترکیبی از فانتزی و حقیقت در به تصویر کشیدن شخصیت ها است. ویکتور سرگیویچ روزوف (متولد 1913) با استعداد در مورد دنیای درونی نوجوانان صحبت کرد. "دوستانش" را پخش می کند. (1949)، "صفحه زندگی"؛ (1953)، ";عصر بخیر"; (1954)، "در جستجوی شادی"; (1957) رپرتوار تئاترهای کودک را در دهه 50 و 60 تعیین کرد، برخی از آنها امروز سینا را ترک نمی کنند.

کارگردانان مدرن به کارهای بسیار متفاوت روی می آورند. افسانه ها برای جوان ترین ها پخش می شود، نمایش هایی که به زندگی جوانان اختصاص دارد برای نوجوانان پخش می شود. در تئاتر پوسترها و آثار کلاسیک داخلی و خارجی وجود دارد. بنابراین، در رپرتوار تئاتر تماشاگران جوان مسکو، نمایشنامه "پینوکیو در سرزمین احمق ها" به طور مسالمت آمیز همزیستی دارد. (به صحنه بردن افسانه توسط A. N. Tolstoy)، اجرای کنایه آمیز بر اساس شعر S. Ya. Marshak "؛ خداحافظ، آمریکا"؛ و ";رعد و برق"؛ بر اساس نمایشنامه A. N. Ostrovsky تئاترهای کودکان و نوجوانان در بسیاری از کشورهای جهان ایجاد شده است. در سال 1965 انجمن بین المللی در پاریس تأسیس شد که به توسعه آنها کمک می کند. جشنواره های بین المللی تئاتر کودک برگزار می شود.

سرگی ولادیمیرویچ اوبپا3تسوب

یک شخص شگفت انگیز از یک حرفه منحصر به فرد، عروسک گردان، نویسنده، نمایشنامه نویس - همه اینها سرگئی ولادیمیرویچ اوبرازتسف (1901 - 1992) است. نام او هم در کشور ما و هم در خارج از کشور پرطرفدار است. خلاقیت و زندگی هنرمند به طور گسترده در کتاب ها و مقالات منعکس شده است. اجراهای او امروز در تئاتری که به حق نام اوبرازتسوف را یدک می کشد زنده است.

اجراهای فوق العاده ای مانند ";به فرمان پیک"; (1936)، "چراغ جادوی علاالدین"؛ (1940)، "کمدی الهی"؛ (1961)، ";کنسرت فوق العاده"; (1968)،";دون خوان82"; و دیگران، تا به امروز به عنوان زینت رپرتوار تئاتر عروسکی مرکزی عمل می کنند. اوبرازتسف، داستان‌سرای عالی، هنرمندی شوخ و آگاه، میراث ادبی جالبی را در کتاب‌های خود به یادگار گذاشت: «بازیگر با یک عروسک»؛ «؛ حرفه من»؛ «؛ رله هنرها»؛ «؛ کابینه کنجکاوی ها». "؛ و غیره.

دوران کودکی اوبرازتسف در یک خانواده باهوش مسکو گذشت: پدرش مهندس سفر، دانشمند، بعدها یک آکادمیک، مادرش معلم، معلم زبان روسی بود. توانایی طراحی، نقاشی و طراحی، مطالعه با هنرمندان آبرام افیموویچ آرخیپوف (1862-1930) و ولادیمیر آندریویچ فاورسکی (1886-1964)، آموزش آواز، کلاس های بازیگری در تئاتر موزیکال به سرپرستی V. I. Nemirovich Danchenko، اجرای نمایش های کوچک نقش های مشخصه در تئاتر هنری مسکو، ارتباط با K. S. استانیسلاوسکی، مشاهده عادات حیوانات، پرندگان، ماهی ها - همه اینها به قلک خلاق رفت. آپارتمان استاد معروف پر از قفسه های آکواریوم با انواع ماهی بود. اتاق مملو از انبوه پرندگان غیرعادی بود.

همه چیز در کودکی با یک هدیه مادر شروع شد - یک عروسک کوچک Bibabo، که آغاز یک سری کامل از نسخه های مختلف عروسک ها بود که به آنها عروسک دستکش می گویند. آنها مانند دستکش بر روی دست پوشیده می شوند و از زمان کمدی های پتروشکا شناخته شده اند. عروسک‌های مشابه در چین، هند و یونان باستان وجود داشتند و نام‌هایی داشتند.

موسیقی همراه همیشگی اجراهای اوبرازتسف شد. یک صفحه نمایش قابل حمل با جیب های داخلی، یک همراه - و اکنون تئاتر یک بازیگر آماده است! تمایلات هنرمند به اوبرازتسف در ایجاد یک تصویر عروسکی کمک کرد. این می تواند مشاور عنوان در صحنه سازی عاشقانه توسط A. S. Dargomyzhsky، نوشیدن یک بطری غم و اندوه، یا سیاهپوست و پیرزن در عاشقانه "؛ ما با شما در کنار رودخانه خفته نشستیم"، یا عروسک های میمون خنده دار باشد. اجرای عاشقانه "؛ دقیقه"؛ به تقلید از A. N. Vertinsky.

اوبرازتسف دائماً در تلاش برای یادگیری بود. شکست یا محاسبات نادرست دلیلی برای اکتشافات و جستجوهای جدید شد. وسعت دانش در حرفه او با آشنایی با انواع نمایش های عروسکی در طول تورهای خارجی تقویت شد. بنابراین، در انگلستان، اوبرازتسف با عروسک پانچ، در آلمان - با هانس وورست، در چکسلواکی - با کاسپارک و غیره ملاقات کرد. مشخصه که او با قدردانی بسیار از هنر همکارانش، می خواست به اصالت خود وفادار بماند. گستردگی و تنوع رپرتوار شخصی نمی تواند منجر به ایجاد تئاتر نشود. اجراهای جدیدی یکی پس از دیگری متولد می شوند که مخاطب را یا به یک افسانه یا فضای یک کنسرت پاپ می برد. در نمایش "؛ کنسرت غیر معمول"؛ گروه بزرگی از بازیگران - دانش آموزان اوبرازتسف - شرکت کردند. در اینجا "گروه کر کولی" به صدا درآمد ، یک دوئت اپرت اجرا شد ، یک سرگرم کننده خنده دار وجود داشت (عروسک توسط بازیگر Zinovy ​​Efimovich Gerdt ، 1916-1998 صداگذاری شد). این اجرا بارها سپری شده است، در بسیاری از کشورها توسط مخاطبان دیده شد. گروه کر، ارکستر، دکوراسیون، تئاتر عروسکی را به بازیگری نزدیک کرد، اما ویژگی تئاتر عروسکی باقی ماند. مردان کوچولو بامزه خنده و همدلی مخاطبان را در هر سنی برانگیخت. در پایان اجرا، عروسک گردانان از پشت پرده ها بیرون آمدند و کارگردان اصلی سرگئی اوبرازتسف، روح تئاتر ظاهر شد.

چشم انداز هنر(موسیقی، نقاشی، ادبیات) تئاترویژگی های خاص خود را دارد. این هنر... رنگ آمیزی. در مدرن تئاترتعامل تکنیک ها و روش های مختلف گونه هاهنر. شما می توانید نوآور باشید ...