هلند منطقه ای تاریخی است که بخشی از دشت های وسیع در سواحل شمال اروپا از خلیج فنلاند تا کانال مانش را اشغال می کند. در حال حاضر این قلمرو شامل ایالت های هلند (هلند)، بلژیک و لوکزامبورگ است.
پس از فروپاشی امپراتوری روم، هلند به مجموعه ای متشکل از ایالات بزرگ و کوچک نیمه مستقل تبدیل شد. مهمترین آنها دوک نشین برابانت، شهرستان های فلاندر و هلند و اسقف اوترخت بودند. در شمال کشور، جمعیت عمدتاً آلمانی - فریزی‌ها و هلندی‌ها بودند؛ در جنوب، نوادگان گول‌ها و رومی‌ها - فلاندری‌ها و والون‌ها - غالب بودند.
همانطور که مورخ فرانسوی هیپولیت تین در مورد این افراد که کاملاً به زندگی روزمره اختصاص داشتند، هلندی ها با استعداد ویژه خود در "انجام خسته کننده ترین کارها بدون خستگی" فداکارانه کار کردند. آنها شعر والایی نمی دانستند، اما ساده ترین چیزها را با احترام بیشتری ارج می گذاشتند: خانه ای تمیز و راحت، اجاق گرم، غذای معتدل اما خوش طعم. هلندی عادت دارد به دنیا به عنوان خانه ای عظیم نگاه کند که در آن از او خواسته می شود نظم و آسایش را حفظ کند.

ویژگی های اصلی هنر رنسانس هلندی

مشترک هنر رنسانس در ایتالیا و در کشورهای اروپای مرکزی میل به تصویری واقع گرایانه از انسان و جهان پیرامونش است. اما این مشکلات به دلیل تفاوت در ماهیت فرهنگ ها به گونه ای متفاوت حل شد.
برای هنرمندان ایتالیایی رنسانس، تعمیم و ایجاد یک تصویر ایده آل، از دیدگاه اومانیسم، از یک شخص مهم بود. علم نقش مهمی برای آنها ایفا کرد - هنرمندان نظریه های چشم انداز و دکترین نسبت ها را توسعه دادند.
استادان هلندی با تنوع ظاهری افراد و غنای طبیعت جذب شدند. آنها برای ایجاد یک تصویر تعمیم یافته تلاش نمی کنند، بلکه آنچه را که مشخصه و خاص است، منتقل می کنند. هنرمندان از تئوری های پرسپکتیو و دیگران استفاده نمی کنند، بلکه تصور عمق و فضا، جلوه های نوری و پیچیدگی روابط نور و سایه را با مشاهده دقیق منتقل می کنند.
آنها با عشق به سرزمین خود و توجه شگفت انگیز به همه چیزهای کوچک مشخص می شوند: به طبیعت بومی شمالی خود، به ویژگی های زندگی روزمره، به جزئیات داخلی، لباس ها، به تفاوت در مواد و بافت ...
هنرمندان هلندی کوچکترین جزئیات را با نهایت دقت بازتولید می کنند و غنای درخشان رنگ ها را بازسازی می کنند. این مشکلات جدید نقاشی تنها با کمک تکنیک جدید رنگ روغن حل می شود.
کشف نقاشی رنگ روغن را به یان ون ایک نسبت می دهند. از اواسط قرن پانزدهم، این "شیوه فلاندری" جدید جایگزین روش قدیمی مزاج در ایتالیا شد. تصادفی نیست که در محراب های هلندی، که بازتابی از کل کیهان هستند، می توانید همه چیزهایی را که از آن تشکیل شده است مشاهده کنید - هر تیغه علف و درخت در چشم انداز، جزئیات معماری کلیساها و خانه های شهر، بخیه های زیور آلات گلدوزی شده. روی لباس مقدسین، و همچنین انبوهی از جزئیات بسیار کوچک دیگر.

هنر قرن پانزدهم عصر طلایی نقاشی هلندی است.
درخشان ترین نماینده آن جان ون آیک. خوب. 1400-1441.
بزرگترین استاد نقاشی اروپا:
او با کار خود دوره جدیدی از رنسانس اولیه را در هنر هلندی گشود.
او هنرمند دربار دوک بورگوندی فیلیپ نیک بود.
او یکی از اولین کسانی بود که با استفاده از لایه های نازک شفاف رنگ که یکی روی دیگری قرار گرفته بودند (به اصطلاح سبک فلاندری نقاشی شفاف چند لایه) بر قابلیت های پلاستیکی و بیانی نقاشی رنگ روغن تسلط یافت.

بزرگ‌ترین اثر ون آیک محراب گنت بود که به همراه برادرش آن را اجرا کرد.
محراب گنت یک چند لایه با شکوه است. ارتفاع آن در قسمت مرکزی 3.5 متر و عرض آن در هنگام باز شدن 5 متر است.
در قسمت بیرونی محراب (زمانی که بسته است) چرخه روزانه وجود دارد:
- در ردیف پایین اهدا کنندگان به تصویر کشیده شده اند - شهروند جودوک وید و همسرش در حال دعا در مقابل مجسمه های مقدس جان باپتیست و جان انجیلی، حامیان کلیسا و کلیسا.
- در بالا صحنه بشارت است، با چهره های مادر خدا و فرشته جبرئیل که با تصویر پنجره ای که در آن منظره شهر نمایان می شود از هم جدا شده اند.

چرخه جشن در داخل محراب به تصویر کشیده شده است.
هنگامی که درهای محراب باز می شوند، یک دگرگونی واقعاً خیره کننده در برابر چشمان بیننده رخ می دهد:
- اندازه پولیپتیچ دو برابر شده است،
- تصویر زندگی روزمره بلافاصله با منظره بهشت ​​زمینی جایگزین می شود.
- کمدهای تنگ و غم انگیز ناپدید می شوند و به نظر می رسد جهان در حال باز شدن است: چشم انداز وسیع با تمام رنگ های پالت روشن می شود، روشن و تازه.
نقاشی چرخه جشن به مضمونی اختصاص دارد که در هنرهای زیبای مسیحی کمیاب است، پیروزی دنیای دگرگون شده، که باید پس از قیامت اتفاق بیفتد، زمانی که شر سرانجام شکست خواهد خورد و حقیقت و هماهنگی بر روی زمین برقرار خواهد شد.

در ردیف بالا:
- در قسمت مرکزی محراب، خدای پدر نشسته بر تخت نشانده شده است.
- مادر خدا و یحیی باپتیست در سمت چپ و راست تخت نشسته اند.
- سپس در هر دو طرف فرشتگان آواز می خوانند و می نوازند،
- چهره های برهنه آدم و حوا صف را می بندند.
ردیف پایین نقاشی ها صحنه پرستش بره الهی را به تصویر می کشد.
- در وسط چمنزار یک محراب برمی خیزد، بره سفیدی روی آن ایستاده است، خون از سینه سوراخ شده اش به جام می ریزد.
- نزدیکتر به بیننده چاهی وجود دارد که آب زنده از آن جاری می شود.

هیرونیموس بوش (1450 - 1516)
پیوند هنر او با سنت های عامیانه و فولکلور.
او در آثار خود ویژگی های داستان های قرون وسطایی، فولکلور، تمثیل های فلسفی و طنز را به طرز پیچیده ای ترکیب کرد.
او ترکیبات مذهبی و تمثیلی چند پیکره، نقاشی هایی با مضامین ضرب المثل ها، گفته ها و تمثیل های عامیانه خلق کرد.
آثار بوش مملو از صحنه ها و اپیزودهای متعدد، تصاویر و جزئیات زنده و عجیب و غریب و خارق العاده، پر از کنایه و تمثیل است.

کار بوش تأثیر زیادی بر توسعه روندهای واقع گرایانه در نقاشی هلندی قرن شانزدهم داشت.
آهنگسازی "وسوسه سنت. آنتونی یکی از مشهورترین و مرموزترین آثار این هنرمند است. شاهکار استاد سه‌گانه «باغ دلخوشی‌ها» بود، تمثیلی پیچیده که تفاسیر مختلفی دریافت کرده است. در همان دوره سه‌گانه‌های «آخرین داوری»، «ستایش مجوس»، ساخته‌های «سنت. جان در پاتموس، «جان باپتیست در بیابان».
دوره اواخر کار بوش شامل سه‌گانه "بهشت و جهنم"، آهنگسازی "ولگرد"، "حمل صلیب" است.

بیشتر نقاشی‌های بوش مربوط به دوران بلوغ و اواخر دوره او، گروتسک‌های عجیب و غریبی هستند که حاوی مضامین عمیق فلسفی هستند.

سه‌گانه بزرگ "هی واگن" که توسط فیلیپ دوم اسپانیا بسیار مورد قدردانی قرار گرفته است، به دوره خلاقیت این هنرمند برمی‌گردد. ترکیب محراب احتمالاً بر اساس یک ضرب المثل قدیمی هلندی است: "دنیا انبار کاه است و هر کسی سعی می کند تا آنجا که می تواند از آن چنگ بزند."

وسوسه سنت. آنتونیا سه گانه. قسمت مرکزی چوب، روغن. 131.5 x 119 سانتی متر (بخش مرکزی)، 131.5 x 53 سانتی متر (برگ) موزه ملی هنر باستان، لیسبون
باغ دلخوشی ها. سه گانه. حدود 1485. قسمت مرکزی
چوب، روغن 220 × 195 سانتی متر (بخش مرکزی)، 220 × 97 سانتی متر (برگ) موزه پرادو، مادرید

هنر هلندی قرن شانزدهم. با ظهور علاقه به دوران باستان و فعالیت های استادان رنسانس ایتالیا مشخص شده است. در آغاز قرن، جنبشی مبتنی بر تقلید از مدل‌های ایتالیایی به نام «رومانیسم» (از روما، نام لاتین روم) ظهور کرد.
اوج نقاشی هلندی در نیمه دوم قرن خلاقیت بود پیتر بروگل بزرگ. 1525/30-1569. ملقب به موژیتسکی.
او هنری عمیقا ملی را بر اساس سنت های هلندی و فولکلور محلی خلق کرد.
نقش بزرگی در شکل گیری ژانر دهقانی و چشم انداز ملی ایفا کرد. در آثار بروگل، طنز عامیانه خشن، غزل و تراژدی، جزئیات واقع گرایانه و گروتسک خارق العاده، علاقه به داستان گویی دقیق و میل به تعمیم گسترده به طور پیچیده ای در هم تنیده شده اند.

در آثار بروگل نزدیکی به نمایش های اخلاقی تئاتر فولکلور قرون وسطایی وجود دارد.
دوئل شوخی بین ماسلنیتسا و لنت یک صحنه رایج در نمایش های عادلانه ای است که در هلند در روزهای خداحافظی زمستانی برگزار می شود.
همه جا زندگی در جریان است: یک رقص گرد است، اینجا پنجره ها را می شویند، برخی تاس بازی می کنند، دیگران تجارت می کنند، یکی التماس می کند، یکی را می برند تا دفن کنند...

ضرب المثل ها 1559. این نقاشی نوعی دایره المعارف فولکلور هلندی است.
شخصیت های بروگل از بینی یکدیگر را هدایت می کنند، بین دو صندلی می نشینند، سرشان را به دیوار می کوبند، بین زمین و آسمان آویزان می شوند... ضرب المثل هلندی "و در سقف شکاف هایی وجود دارد" از نظر معنایی به روسی "و" نزدیک است. دیوارها گوش دارند.» هلندی "پول را به آب بیندازید" به معنای همان "پول بیهوده" روسی است، "پول را به آب بیاندازید". کل تصویر به اتلاف پول، انرژی و کل زندگی اختصاص دارد - در اینجا سقف را با پنکیک می پوشانند، تیرهایی را به فضای خالی پرتاب می کنند، خوک ها را برش می دهند، خود را با شعله های آتش خانه ای گرم می کنند و به شیطان اعتراف می کنند.

تمام زمین یک زبان و یک گویش داشت. از مشرق حرکت کردند و در سرزمین شینار دشتی یافتند و در آنجا ساکن شدند. و به یکدیگر گفتند: بیایید آجر بسازیم و با آتش بسوزانیم. و به جای سنگ از آجر و به جای آهک از قیر سفالی استفاده می کردند. و گفتند: «بیایید برای خود شهر و برجی بسازیم که بلندی آن تا بهشت ​​می‌رسد و پیش از آنکه بر روی زمین پراکنده شویم، نامی برای خود بسازیم. و خداوند نازل شد تا شهر و برجی را که بنی آدم می ساختند ببیند. و خداوند گفت: "اینک، یک قوم وجود دارد، و همه آنها یک زبان دارند، و این همان کاری است که آنها شروع به انجام آن کردند، و از آنچه برنامه ریزی کرده اند دست نخواهند کشید. بیایید پایین و زبانشان را در آنجا به هم بزنیم تا یکی حرف دیگری را نفهمد.» و خداوند ایشان را از آنجا در سراسر زمین پراکنده کرد. و ساختن شهر و برج را متوقف کردند. از این رو، این نام را به آن دادند: بابل، زیرا در آنجا خداوند زبان تمام زمین را در هم ریخت و از آنجا خداوند آنها را در سراسر زمین پراکنده کرد (پیدایش، فصل 11). برخلاف شلوغی رنگارنگ آثار اولیه بروگل، این تابلو با آرامش خود بیننده را شگفت زده می کند. برج نشان داده شده در تصویر شبیه آمفی تئاتر رومی کولوسئوم است که این هنرمند در ایتالیا دید و در همان زمان - یک لانه مورچه. در تمام طبقات این سازه عظیم، کار خستگی ناپذیر در جریان است: بلوک‌ها در حال چرخش هستند، نردبان‌ها پرتاب می‌شوند، چهره‌های کارگران در حال دویدن هستند. قابل توجه است که ارتباط بین سازندگان قبلاً از بین رفته است ، احتمالاً به دلیل "اختلاط زبانها" که شروع شده است: جایی ساخت و ساز در حال انجام است و در جایی برج قبلاً به ویرانه تبدیل شده است.

پس از تحویل عیسی برای مصلوب شدن، سربازان صلیب سنگینی بر روی او گذاشتند و او را به محل اعدام به نام گلگوتا بردند. در راه، شمعون اهل سیرنه را که از صحرا به خانه بازمی‌گشت، دستگیر کردند و او را مجبور کردند که صلیب را برای عیسی حمل کند. بسیاری از مردم به دنبال عیسی رفتند، در میان آنها زنانی بودند که برای او گریه و زاری می کردند. «حمل صلیب» یک تصویر مذهبی و مسیحی است، اما دیگر تصویر کلیسا نیست. بروگل حقایق کتاب مقدس را با تجربه شخصی مرتبط کرد، در متون کتاب مقدس منعکس شد، آنها را تفسیر خود کرد، یعنی. علناً فرمان امپراتوری 1550 را که در آن زمان لازم الاجرا بود، نقض کرد، که به دلیل مرگ، مطالعه مستقل کتاب مقدس را ممنوع می کرد.

بروگل مجموعه ای از مناظر "ماه ها" را خلق می کند. "شکارچیان در برف" دسامبر-ژانویه است.
برای یک استاد، هر فصل، اول از همه، حالتی منحصر به فرد از زمین و آسمان است.

جمعیتی از دهقانان، اسیر ریتم تند رقص.

نقاشی فلاندری یکی از مکاتب کلاسیک در تاریخ هنرهای زیبا است. هر کسی که به طراحی کلاسیک علاقه دارد این عبارت را شنیده است، اما چه چیزی پشت چنین نام نجیبی نهفته است؟ آیا می توانید بدون تردید چندین ویژگی این سبک را شناسایی کنید و نام های اصلی را نام ببرید؟ برای اینکه بتوانید با اطمینان بیشتری در سالن‌های موزه‌های بزرگ حرکت کنید و از قرن هفدهم دورتر کمی کمتر شرمنده شوید، باید این مدرسه را بشناسید.

تاریخچه مکتب فلاندری

قرن هفدهم با انشعاب داخلی در هلند به دلیل مبارزات مذهبی و سیاسی برای آزادی داخلی دولت آغاز شد. این امر منجر به شکاف در حوزه فرهنگی شد. این کشور به دو بخش جنوبی و شمالی تقسیم می شود که نقاشی آنها در جهات مختلف شروع به توسعه می کند. جنوبی هایی که در مذهب کاتولیک تحت حاکمیت اسپانیا باقی مانده بودند نماینده می شوند مدرسه فلاندریدر حالی که هنرمندان شمال نزد منتقدان هنری به عنوان مدرسه هلندی.

نمایندگان مکتب نقاشی فلاندری سنت های همکاران قدیمی ایتالیایی خود - هنرمندان رنسانس را ادامه دادند: رافائل سانتی، میکل آنژ بووناروتیکه به مضامین دینی و اساطیری توجه زیادی داشت. هنرمندان هلندی با حرکت در مسیری آشنا، تکمیل شده با عناصر غیرارگانیک و خشن رئالیسم، نتوانستند آثار هنری برجسته ای خلق کنند. رکود ادامه پیدا کرد تا اینکه در سه پایه ایستاد پیتر پل روبنس(1577-1640). چه چیز شگفت انگیزی بود که این هلندی توانست به هنر بیاورد؟

استاد معروف

استعداد روبنس توانست به نقاشی جنوبی ها روح بدهد که قبل از او چندان چشمگیر نبود. این هنرمند که از نزدیک با میراث استادان ایتالیایی آشنا بود، سنت روی آوردن به موضوعات مذهبی را ادامه داد. اما برخلاف همکارانش، روبنس توانست ویژگی‌های سبک خود را که به رنگ‌های غنی و تصاویری از طبیعت پر از زندگی گرایش داشت، به طور هماهنگ در موضوعات کلاسیک ببافد.

از نقاشی های هنرمند، گویی از یک پنجره باز، نور خورشید به نظر می رسد ("آخرین داوری"، 1617). راه‌حل‌های غیرمعمول برای ساخت ترکیبی از قسمت‌های کلاسیک از کتاب مقدس یا اسطوره‌های بت پرستی، توجه استعدادهای جدید را در بین هم عصران او جلب کرد و هنوز هم می‌کند. چنین نوآوری در مقایسه با سایه های تیره و خاموش نقاشی های هم عصران هلندی او تازه به نظر می رسید.

مدل های هنرمند فلاندری نیز به یک ویژگی مشخص تبدیل شد. خانم‌های چاق و مو روشن، که با علاقه و بدون تزئینات نامناسب نقاشی می‌شدند، اغلب قهرمان اصلی نقاشی‌های روبنس می‌شدند. نمونه هایی را می توان در نقاشی های "قضاوت پاریس" (1625) یافت. "سوسنا و بزرگان" (1608), "زهره مقابل آینه"(1615) و غیره

علاوه بر این، روبنس کمک کرد تأثیر بر شکل گیری ژانر منظر. او شروع به پیشرفت در نقاشی هنرمندان فلاندری به نماینده اصلی مدرسه کرد، اما این کار روبنس بود که ویژگی های اصلی نقاشی منظره ملی را تعیین کرد و رنگ محلی هلند را منعکس کرد.

پیروان

روبنس که به سرعت به شهرت رسید، خیلی زود خود را در محاصره مقلدان و شاگردان دید. استاد به آنها آموخت که از ویژگی های عامیانه منطقه، رنگ، و شاید تجلیل از زیبایی غیرعادی انسانی استفاده کنند. این موضوع باعث جذب تماشاگران و هنرمندان شد. دنبال کنندگان خود را در ژانرهای مختلف امتحان کردند - از پرتره ( گاسپار دی کین، آبراهام یانسنس) به طبیعت بی جان (فرانس اسنایدرز) و مناظر (جان وایلدنز). نقاشی خانگی مکتب فلاندری به شیوه ای اصیل اجرا شده است آدریان بروورو دیوید تنیرز جونیور

یکی از موفق ترین و برجسته ترین شاگردان روبنس بود آنتونی ون دایک(1599 - 1641). سبک نویسنده او به تدریج توسعه یافت، در ابتدا کاملاً تابع تقلید از مربی خود بود، اما با گذشت زمان او در رنگ‌ها دقت بیشتری کرد. دانش آموز برخلاف معلم تمایل به سایه های ملایم و بی صدا داشت.

نقاشی های ون دایک به وضوح نشان می دهد که او تمایل زیادی به ساخت ترکیبات پیچیده، فضاهای حجمی با فیگورهای سنگین که نقاشی های معلمش را متمایز می کرد، نداشت. گالری آثار هنرمند مملو از پرتره های تک یا جفت، تشریفاتی یا صمیمی است که نشان دهنده اولویت های ژانر نویسنده متفاوت با روبنس است.

نقاشی اولیه هلندی(به ندرت نقاشی قدیمی هلندی) - یکی از مراحل رنسانس شمالی، دوره ای در نقاشی هلندی و به ویژه فلاندری که تقریباً یک قرن در تاریخ هنر اروپا را پوشش می دهد که از ربع دوم قرن 15 شروع می شود. هنر گوتیک متاخر در این زمان با رنسانس اولیه جایگزین شد. اگر گوتیک متاخر، با ظهور در فرانسه، یک زبان جهانی از فرم هنری ایجاد کرد، که بسیاری از استادان هلندی نقاشی به آن کمک کردند، در طول دوره توصیف شده در هلند یک مکتب نقاشی مستقل به وضوح قابل تشخیص شکل گرفت که با سبک واقع گرایانه مشخص می شد. نقاشی که در درجه اول در ژانر پرتره نمود پیدا کرد.

یوتیوب دایره المعارفی

• 1 / 5

  از قرن چهاردهم، این سرزمین ها دستخوش تغییرات فرهنگی و جامعه شناختی شده اند: حامیان سکولار جایگزین کلیسا به عنوان مشتری اصلی آثار هنری شده اند. هلند به عنوان مرکز هنر شروع به تحت الشعاع قرار دادن هنر گوتیک متاخر در دربار فرانسه کرد.

  هلند همچنین توسط سلسله مشترک بورگوندیا با فرانسه مرتبط بود، بنابراین هنرمندان فلاندری، والون و هلندی به راحتی در دربار آنژو، اورلئان، بری و خود پادشاه فرانسه کار در فرانسه پیدا کردند. استادان برجسته گوتیک بین المللی، برادران لیمبورگ گلدرن اساساً هنرمندان فرانسوی بودند. با استثنائات نادر در شخص ملکیور برودرلام، فقط نقاشان درجه پایین در سرزمین مادری خود، در هلند، باقی ماندند.

  در خاستگاه نقاشی اولیه هلندی، که به معنای محدود درک می شود، یان ون ایک است که در سال 1432 کار بر روی شاهکار اصلی خود، اثر محراب گنت را به پایان رساند. حتی معاصران آثار یان ون ایک و دیگر هنرمندان فلاندری را «هنر جدید» می‌دانستند، چیزی کاملاً جدید. از نظر زمانی، نقاشی هلندی قدیم تقریباً همزمان با رنسانس ایتالیا توسعه یافت.

  با ظهور پرتره، یک موضوع سکولار و فردی برای اولین بار به انگیزه اصلی نقاشی تبدیل شد. نقاشی های ژانر و طبیعت بی جان تنها در دوره باروک هلندی قرن هفدهم پیشرفت خود را در هنر ایجاد کردند. شخصیت بورژوازی نقاشی اولیه هلند از ظهور زمان جدید صحبت می کند. مشتریان علاوه بر اشراف و روحانیون، به طور فزاینده ای، اشراف و تجار ثروتمند بودند. مرد نقاشی دیگر ایده آل نبود. آدم های واقعی با تمام کاستی های انسانی شان در برابر بیننده ظاهر می شوند. چین و چروک، کیسه های زیر چشم - همه چیز به طور طبیعی در تصویر بدون تزئین به تصویر کشیده شده است. مقدسین دیگر منحصراً در کلیساها زندگی نمی کردند، بلکه به خانه های مردم شهر نیز وارد می شدند.

  هنرمندان

  یکی از اولین نمایندگان دیدگاه های هنری جدید، به همراه یان ون آیک، استاد فلمال است که در حال حاضر با نام رابرت کمپین شناخته می شود. اثر اصلی او محراب (یا سه‌گانه) بشارت (نام دیگر: محراب خانواده مرود؛ حدود 1425) است که اکنون در موزه Cloisters در نیویورک نگهداری می‌شود.

  این حقیقت که یان ون آیک برادری به نام هوبرت داشت، مدت ها مورد سوال بوده است. تحقیقات اخیر نشان داده است که هوبرت ون ایک، که تنها در چند منبع ذکر شده است، فقط یک هنرمند متوسط ​​از مکتب گنت بود که هیچ خانواده یا هیچ رابطه دیگری با یان ون ایک نداشت.

  شاگرد کامپن را روژیر وان در ویدن می دانند که احتمالاً در کار بر روی سه گانه Merode شرکت داشته است. او به نوبه خود بر دیرک بوتس و هانس مملینگ تأثیر گذاشت. معاصر مملینگ هوگو ون در هوس بود که برای اولین بار در سال 1465 ذکر شد.

  اسرارآمیزترین هنرمند این زمان، هیرونیموس بوش، از این مجموعه متمایز است که کارش هنوز تفسیر واضحی دریافت نکرده است.

  در کنار این استادان بزرگ، هنرمندان اولیه هلندی مانند پتروس کریستوس، یان پرووست، کالین دو کوتر، آلبرت بوتس، گوسوین ون در ویدن و کوئنتین ماسیس شایسته ذکر هستند.

  یک پدیده قابل توجه کار هنرمندان لیدن بود: کورنلیس انگلبرشتسن و شاگردانش آرتگن ون لیدن و لوکاس ون لیدن.

  تنها بخش کوچکی از آثار هنرمندان اولیه هلندی تا به امروز باقی مانده است. نقاشی‌ها و طراحی‌های بی‌شماری در جریان اصلاحات و جنگ‌ها قربانی شمایل‌بازی شدند. علاوه بر این، بسیاری از آثار آسیب جدی دیده و نیاز به مرمت گران قیمت دارند. برخی از آثار تنها به صورت نسخه باقی مانده اند، در حالی که بیشتر آنها برای همیشه گم شده اند.

  آثار هلندی‌ها و فلاندری‌های اولیه در بزرگترین موزه‌های هنری جهان ارائه می‌شوند. اما برخی از محراب ها و نقاشی ها هنوز در مکان های قدیمی خود هستند - در کلیساها، کلیساها و قلعه ها، مانند محراب گنت در کلیسای جامع سنت باوو در گنت. با این حال، اکنون فقط می توانید از طریق شیشه زره پوش ضخیم به آن نگاه کنید.

  نفوذ

  ایتالیا

  در زادگاه رنسانس، ایتالیا، یان ون آیک بسیار مورد احترام بود. چند سال پس از مرگ این هنرمند، بارتولومئو فازیو انسان‌گرا حتی ون ایک را صدا کرد "شاهزاده در میان نقاشان قرن".

  در حالی که استادان ایتالیایی از ابزارهای پیچیده ریاضی و هندسی، به ویژه سیستم پرسپکتیو استفاده می‌کردند، فلاندری‌ها می‌توانستند «واقعیت» را به درستی نشان دهند، همانطور که به نظر می‌رسد، دشواری زیادی نداشت. عمل در نقاشی ها دیگر مانند گوتیک، همزمان در یک صحنه انجام نمی شد. مکان ها مطابق با قوانین پرسپکتیو به تصویر کشیده می شوند و مناظر دیگر یک پس زمینه شماتیک نیستند. یک پس زمینه گسترده و دقیق، چشم را به بی نهایت هدایت می کند. لباس ها، مبلمان و اثاثیه با دقت عکاسی به نمایش گذاشته شد.

  اسپانیا

  اولین شواهد از گسترش تکنیک های نقاشی شمالی در اسپانیا در پادشاهی آراگون یافت می شود که شامل والنسیا، کاتالونیا و جزایر بالئاری بود. پادشاه آلفونسو پنجم، هنرمند درباری خود، لوئیس دالمائو را در سال 1431 به فلاندر فرستاد. در سال 1439، هنرمندی از بروژ، لوئیس آلیمبروت با کارگاه خود به والنسیا نقل مکان کرد. لوئیس آلیمبروت، لودویک آلینکبرود). یان ون آیک احتمالاً در اوایل سال 1427 به عنوان بخشی از یک هیئت بورگوندی از والنسیا دیدن کرد.

  والنسیا که در آن زمان یکی از مهمترین مراکز مدیترانه بود، هنرمندان را از سراسر اروپا به خود جذب کرد. علاوه بر مدارس هنری سنتی «سبک بین‌المللی»، کارگاه‌هایی هم به سبک فلاندری و ایتالیایی وجود داشت. جهت هنری به اصطلاح "اسپانیایی-فلاندری" در اینجا توسعه یافت که نمایندگان اصلی آن Bartolome Bermejo هستند.

  پادشاهان کاستیلی صاحب چندین اثر معروف از روژیر ون در ویدن، هانس مملینگ و یان ون آیک بودند. علاوه بر این، هنرمند مهمان خوان د فلاندز ("جان فلاندر"، نام خانوادگی ناشناخته) نقاش پرتره دربار ملکه ایزابلا شد که پایه های مکتب رئالیستی پرتره دربار اسپانیا را بنا نهاد.

  کشور پرتغال

  یک مکتب مستقل نقاشی در نیمه دوم قرن پانزدهم در پرتغال در کارگاه هنرمند درباری نونو گونسالوس در لیسبون به وجود آمد. کار این هنرمند در انزوا کامل است: به نظر می رسد که او نه پیشینی داشته است و نه پیروانی. تأثیر فلاندری به ویژه در چندگانه او احساس می شود "سنت وینسنت" Jan van Eyck und seine Zeit. Flämische Meister und der Süden 1430-1530. Ausstellungskatalog Brügge, Stuttgart 2002. Darmstadt 2002.

• بودو برینکمن: Die flämische Buchmalerei am Ende des Burgunderreichs. Der Meister des Dresdner Gebetbuchs und die Miniaturisten seiner Zeit. Turnhout 1997. ISBN 2-503-50565-1
• بیرجیت فرانکه، باربارا ولزل (Hg.): Die Kunst der burgundischen Niederlande. Eine Einführung.برلین 1997. ISBN 3-496-01170-X
• مکس جاکوب فریدلندر: Altniederländische Malerei. 14 Bde. برلین 1924-1937.
• اروین پانوفسکی: Die altniederländische Malerei. Ihr Ursprung und Wesen.Übersetzt und hrsg. فون یوخن ساندر و استفان کمپردیک Köln 2001. ISBN 3-7701-3857-0 (اصلی: نقاشی هلندی اولیه 2 Bde. کمبریج (ماده) 1953)
• اتو پاخت: Van Eyck، die Begründer der altniederländischen Malerei.مونیخ 1989. ISBN 3-7913-1389-4
• اتو پاخت: Altniederländische Malerei. فون روژیر ون در ویدن بیس جرارد دیوید. Hrsg. فون مونیکا روزنوئر مونیخ 1994. ISBN 3-7913-1389-4
• یوخن ساندر، استفان کمپردیک: Der Meister von Flémalle und Rogier van der Weyden: Die Geburt der neuzeitlichen Malerei: Eine Ausstellung des Städel Museums, Frankfurt am Main und der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin، Ostfildern: Hatje Cantz Verlag، 2008
• نوربرت ولف: Trecento und Altniederländische Malerei. Kunst-Epochen، Bd. 5 (Reclams Universal Bibliothek 18172).

هلند. قرن 17 این کشور در حال تجربه رونق بی سابقه ای است. به اصطلاح «عصر طلایی». در پایان قرن شانزدهم، چندین استان کشور از اسپانیا استقلال یافتند.

اکنون هلند پروتستان راه خود را رفته است. و فلاندر کاتولیک (بلژیک کنونی) تحت بال اسپانیا متعلق به خودش است.

در هلند مستقل، تقریباً هیچ کس به نقاشی مذهبی نیاز نداشت. کلیسای پروتستان دکوراسیون لوکس را تایید نمی کرد. اما این شرایط "در دستان" نقاشی سکولار قرار گرفت.

به معنای واقعی کلمه همه ساکنان کشور جدید برای عشق به این نوع هنر از خواب بیدار شدند. هلندی ها می خواستند زندگی خود را در این نقاشی ها ببینند. و هنرمندان با کمال میل آنها را در نیمه راه ملاقات کردند.

پیش از این هرگز واقعیت اطراف آنقدر به تصویر کشیده نشده بود. مردم عادی، اتاق های معمولی و معمولی ترین صبحانه یک شهرنشین.

رئالیسم شکوفا شد. تا قرن بیستم با پوره ها و الهه های یونانی خود رقیبی شایسته برای آکادمیک گرایی خواهد بود.

این هنرمندان هلندی "کوچک" نامیده می شوند. چرا؟ این نقاشی ها اندازه کوچکی داشتند، زیرا برای خانه های کوچک خلق شده بودند. بنابراین، تقریباً تمام نقاشی های یان ورمیر بیش از نیم متر ارتفاع ندارند.

ولی من ورژن دیگه رو بیشتر دوست دارم. در هلند در قرن هفدهم، یک استاد بزرگ، هلندی "بزرگ" زندگی و کار می کرد. و بقیه در مقایسه با او "کوچک" بودند.

ما البته در مورد رامبراند صحبت می کنیم. بیایید با او شروع کنیم.

1. رامبراند (1606-1669)

رامبراند. سلف پرتره در سن 63 سالگی. 1669 گالری ملی لندن

رامبراند در طول زندگی خود طیف وسیعی از احساسات را تجربه کرد. به همین دلیل است که در کارهای اولیه او سرگرمی و شجاعت زیادی وجود دارد. و احساسات پیچیده بسیار زیادی وجود دارد - در موارد بعدی.

اینجا او در نقاشی «پسر ولگرد در میخانه» جوان و بی خیال است. همسر محبوبش ساسکیا روی زانوهایش قرار دارد. او یک هنرمند محبوب است. سفارشات در حال سرازیر شدن است.



رامبراند. پسر ولگرد در یک میخانه. 1635 گالری استادان قدیمی، درسدن

اما همه اینها در حدود 10 سال ناپدید می شوند. ساسکیا از مصرف خواهد مرد. محبوبیت مانند دود از بین خواهد رفت. یک خانه بزرگ با مجموعه ای منحصر به فرد بابت بدهی برداشته می شود.

اما همان رامبراند ظاهر خواهد شد که قرن ها باقی خواهد ماند. احساسات خالی قهرمانان. عمیق ترین افکار آنها

2. فرانس هالس (1583-1666)



فرانس هالس. سلف پرتره. 1650 موزه هنر متروپولیتن، نیویورک

فرانس هالس یکی از بزرگترین نقاشان پرتره تمام دوران است. بنابراین، من او را نیز به عنوان یک هلندی "بزرگ" طبقه بندی می کنم.

در آن زمان در هلند سفارش پرتره های گروهی مرسوم بود. این‌گونه است که آثار مشابه بسیاری ظاهر شد که افراد را با هم کار می‌کردند: تیراندازان یک صنف، پزشکان یک شهر، مدیران یک خانه سالمندان.

در این ژانر هالز بیش از همه خودنمایی می کند. به هر حال، بیشتر این پرتره ها شبیه یک دسته از کارت ها بودند. مردم با همان حالت چهره پشت میز می نشینند و فقط تماشا می کنند. با هالز فرق داشت.

به پرتره گروهی او «تیرهای انجمن سنت. جورج."



فرانس هالس. پیکان های انجمن سنت. جورج 1627 موزه فرانس هالس، هارلم، هلند

در اینجا شما یک تکرار واحد در حالت یا حالت چهره پیدا نمی کنید. در عین حال، در اینجا هیچ هرج و مرج وجود ندارد. شخصیت های زیادی وجود دارد، اما هیچ کس اضافی به نظر نمی رسد. با تشکر از ترتیب شگفت آور درست ارقام.

و حتی در یک پرتره، هالز بر بسیاری از هنرمندان برتری داشت. الگوهای او طبیعی است. افراد جامعه بالا در نقاشی‌های او از عظمت ساختگی بی بهره هستند و مدل‌های طبقات پایین تحقیر شده به نظر نمی‌رسند.

و شخصیت های او نیز بسیار احساساتی هستند: آنها لبخند می زنند، می خندند، و اشاره می کنند. مثلاً این "کولی" با قیافه حیله گر.



فرانس هالس. کولی. 1625-1630

هالز نیز مانند رامبراند زندگی خود را در فقر به پایان رساند. به همان دلیل. واقع گرایی او در تضاد با سلیقه مشتریانش بود. که می خواستند ظاهرشان آراسته شود. هالز چاپلوسی آشکار را نپذیرفت و به این ترتیب حکم خود را امضا کرد - "فراموشی".

3. جرارد تربورخ (1617-1681)



جرارد تربورخ سلف پرتره. 1668 گالری سلطنتی موریتشویس، لاهه، هلند

تربورخ استاد ژانر روزمره بود. همشهری های ثروتمند و نه چندان ثروتمند با آرامش صحبت می کنند، خانم ها نامه می خوانند و یک متصدی به تماشای خواستگاری می نشیند. دو یا سه شکل با فاصله نزدیک.

این استاد بود که قوانین ژانر روزمره را توسعه داد. که بعداً توسط یان ورمیر، پیتر دو هوچ و بسیاری دیگر از هلندی‌های «کوچک» وام گرفته شد.



جرارد تربورخ یک لیوان لیموناد. دهه 1660 موزه دولتی هرمیتاژ، سنت پترزبورگ

«یک لیوان لیموناد» یکی از آثار معروف تربورخ است. مزیت دیگری از هنرمند را نشان می دهد. تصویری باورنکردنی واقعی از پارچه لباس.

تربورخ آثار غیرعادی هم دارد. که گویای تمایل او برای فراتر رفتن از نیازهای مشتری است.

«سایر» او زندگی فقیرترین مردم هلند را نشان می دهد. ما به دیدن حیاط های دنج و اتاق های تمیز در نقاشی های هلندی های "کوچک" عادت کرده ایم. اما تربورخ جرأت کرد هلند ناخوشایند را نشان دهد.



جرارد تربورخ خرد کننده. 1653-1655 موزه های دولتی برلین

همانطور که می دانید، چنین کاری مورد تقاضا نبود. و آنها حتی در بین تربورچ نیز اتفاق نادری هستند.

4. یان ورمیر (1632-1675)



یان ورمیر. کارگاه هنرمند. 1666-1667 موزه Kunsthistorisches، وین

مشخص نیست که یان ورمیر چه شکلی بوده است. واضح است که در نقاشی "کارگاه هنرمند" او خود را به تصویر کشیده است. حقیقت از پشت.

بنابراین جای تعجب است که اخیراً واقعیت جدیدی از زندگی استاد شناخته شده است. با شاهکار او "خیابان دلفت" مرتبط است.



یان ورمیر. خیابان دلفت 1657 Rijksmuseum در آمستردام

معلوم شد که ورمیر دوران کودکی خود را در این خیابان گذرانده است. خانه تصویر متعلق به عمه اش بود. او پنج فرزندش را در آنجا بزرگ کرد. شاید او در حالی که دو فرزندش در پیاده رو بازی می کنند، پشت در نشسته و مشغول خیاطی است. خود ورمیر در خانه روبرو زندگی می کرد.

اما بیشتر اوقات او فضای داخلی این خانه ها و ساکنان آنها را به تصویر می کشید. به نظر می رسد که طرح های نقاشی بسیار ساده است. اینجا یک خانم زیبا، یک شهرنشین ثروتمند است که عملکرد ترازو خود را بررسی می کند.



یان ورمیر. زنی با فلس. 1662-1663 گالری ملی هنر، واشنگتن

چرا ورمیر در میان هزاران هلندی "کوچک" دیگر برجسته بود؟

او استاد بی نظیر نور بود. در نقاشی "زن با فلس" نور به آرامی صورت، پارچه ها و دیوارهای قهرمان را در بر می گیرد. دادن معنویت ناشناخته به تصویر.

و ترکیبات نقاشی های ورمیر به دقت تأیید می شود. شما حتی یک جزئیات غیر ضروری را پیدا نمی کنید. کافی است یکی از آنها را بردارید، تصویر "از هم می پاشد" و جادو از بین می رود.

همه اینها برای ورمیر آسان نبود. چنین کیفیت شگفت انگیزی به کار پر زحمت نیاز داشت. فقط 2-3 نقاشی در سال. در نتیجه ناتوانی در تامین غذای خانواده. ورمیر همچنین به عنوان دلال آثار هنری کار می کرد و آثار هنرمندان دیگر را می فروخت.

5. پیتر دو هوچ (1629-1684)



پیتر دو هوچ. سلف پرتره. 1648-1649 Rijksmuseum، آمستردام

هوخ اغلب با ورمیر مقایسه می شود. همزمان کار می کردند، حتی دوره ای در همان شهر بود. و در یک ژانر - روزمره. در Hoch نیز یک یا دو چهره را در حیاط ها یا اتاق های دنج هلندی می بینیم.

درها و پنجره های باز فضای نقاشی های او را لایه لایه و سرگرم کننده می کند. و فیگورها بسیار هماهنگ در این فضا قرار می گیرند. به عنوان مثال، در نقاشی او "خدمتکار با دختری در حیاط".



پیتر دو هوچ. خدمتکار با دختری در حیاط. 1658 گالری ملی لندن

تا قرن بیستم، هوخ بسیار ارزشمند بود. اما تعداد کمی از مردم متوجه آثار کوچک رقیب او Vermeer شدند.

اما در قرن بیستم همه چیز تغییر کرد. شکوه هوچ محو شد. با این حال، تشخیص ندادن دستاوردهای او در نقاشی دشوار است. تعداد کمی از مردم می توانند محیط و مردم را به این خوبی ترکیب کنند.



پیتر دو هوچ. بازیکنان کارت در یک اتاق آفتابی. 1658 مجموعه هنر سلطنتی، لندن

لطفا توجه داشته باشید که در یک خانه ساده روی بوم "بازیکنان کارت" یک نقاشی در یک قاب گران قیمت آویزان است.

این یک بار دیگر نشان می دهد که نقاشی در بین مردم عادی هلند چقدر محبوب بوده است. نقاشی ها هر خانه را تزئین می کردند: خانه یک شهردار ثروتمند، یک شهرنشین ساده و حتی یک دهقان.



6. جان استین (1626-1679)



جان استین. سلف پرتره با عود. دهه 1670 موزه Thyssen-Bornemisza، مادرید

یان استین شاید شادترین هلندی "کوچولو" باشد. اما عاشق آموزش اخلاقی. او اغلب میخانه‌ها یا خانه‌های فقیرانه‌ای را به تصویر می‌کشید که در آن رذیلت وجود داشت.

شخصیت‌های اصلی آن خوش‌گذران و خانم‌های با فضیلت آسان هستند. او می خواست بیننده را سرگرم کند، اما نهفته او را از یک زندگی شریرانه برحذر داشت.



جان استین. این یک آشفتگی است. 1663 موزه Kunsthistorisches، وین

استن آثار آرام تری هم دارد. مثلاً «توالت صبحگاهی». اما در اینجا نیز هنرمند با جزئیات بیش از حد فاش کننده بیننده را غافلگیر می کند. آثاری از کش جوراب ساق بلند وجود دارد و نه یک گلدان محفظه خالی. و به نوعی اصلاً مناسب نیست که سگ درست روی بالش دراز بکشد.



جان استین. توالت صبحگاهی. 1661-1665 Rijksmuseum، آمستردام

اما علیرغم همه بی‌اهمیت‌ها، طرح‌های رنگی استن بسیار حرفه‌ای هستند. از این نظر او بر بسیاری از "هلندی های کوچک" برتری داشت. ببینید جوراب قرمز با ژاکت آبی و فرش بژ روشن چقدر عالی می آید.

7. جاکوبز ون رویسدیل (1629-1682)



پرتره رویسدیل. سنگ نگاره از کتاب قرن نوزدهم.