Žena sa mačkom. 1875

Francuski slikar, grafičar i vajar, jedan od glavnih predstavnika impresionizma. Renoir je poznat prvenstveno kao majstor sekularnog portreta, ne lišenog sentimentalnosti; bio je prvi od impresionista koji je uspio kod bogatih Parižana. Sredinom 1880-ih. zapravo raskinuo sa impresionizmom, vraćajući se linearnosti klasicizma, engrizmu.

Auto portret. 1876

Auguste Renoir rođen je 25. februara 1841. u Limogesu, gradu koji se nalazi na jugu centralne Francuske. Renoir je bio šesto dijete siromašnog krojača po imenu Leonard i njegove žene Marguerite.

Portret Renoirove majke. 1860

Godine 1844. Renoirovi su se preselili u Pariz i ovdje je Auguste ušao u crkveni hor u velikoj katedrali Saint-Eustache. Imao je takav glas da je direktor hora, Charles Gounod, pokušao uvjeriti dječakove roditelje da ga pošalju da studira muziku. Međutim, pored toga, Ogist je pokazao i umjetnički dar, a kada je imao 13 godina, počeo je pomagati svojoj porodici zaposlivši se kod majstora, od kojeg je naučio da slika porculanske tanjire i drugo posuđe. Uveče je Auguste pohađao školu slikanja.

Ples u Bougivalu. 1883

Godine 1865. u kući svog prijatelja, umjetnika Julesa Le Coeura, upoznao je 16-godišnju djevojku Lizu Treo, koja je ubrzo postala Renoirova ljubavnica i njegov omiljeni model. Godine 1870. rođena im je ćerka Jeanne Marguerite, iako je Renoir odbio da zvanično prizna svoje očinstvo. Njihova veza se nastavila sve do 1872. godine, kada je Lisa napustila Renoira i udala se za drugog.

Auto portret. 1875

Renoirova kreativna karijera prekinuta je 1870-1871, kada je pozvan u vojsku tokom francusko-pruskog rata, koji je završio porazom Francuske.

Ples na selu. 1883

Portret Aline Šarigo, Renoarova supruga, verovatno je naslikan dok je porodica bila na selu u istočnoj Francuskoj. 1885

1890. Renoir se oženio Alinom Šarigo, koju je upoznao deset godina ranije kada je bila 21-godišnja krojačica.

Majčinstvo. 1886

Već su imali sina Pjera, rođenog 1885. godine, a nakon venčanja dobili su još dva sina - Žana, rođenog 1894. godine, i Kloda (poznatog kao "Koko"), rođenog 1901. godine i postao jedan od najomiljenijih modela oca. .

Slika Jean Renoir. 1901

U vrijeme kada je njegova porodica konačno formirana, Renoir je postigao uspjeh i slavu, bio je priznat kao jedan od vodećih umjetnika Francuske i uspio je dobiti titulu viteza Legije časti od države.

Porodica umjetnika. 1896

Renoirova lična sreća i profesionalni uspjeh bili su zasjenjeni bolešću. Godine 1897. Renoir je slomio desnu ruku nakon što je pao s bicikla. Kao rezultat toga, dobio je reumu, od koje je patio do kraja života. Reumatizam je otežavao Renoaru život u Parizu, a 1903. godine porodica Renoir se preselila na imanje pod nazivom "Colette" u malom gradu Cagnes-sur-Mer.

Auto portret. 1899

Nakon napada paralize koji se dogodio 1912. godine, uprkos dvije hirurške operacije, Renoir je bio vezan za invalidska kolica, ali je nastavio slikati kistom koji mu je medicinska sestra stavila među prste.

August Renoir. Autoportret, 1910

U posljednjim godinama svog života, Renoir je stekao slavu i univerzalno priznanje. Godine 1917., kada su njegovi "Kišobrani" bili izloženi u londonskoj Nacionalnoj galeriji, stotine britanskih umjetnika i običnih ljubitelja umjetnosti uputile su mu čestitke, u kojima je pisalo: "Od trenutka kada je vaša slika okačena u isti red sa radovima starih majstora , doživjeli smo radost što je naš savremenik zauzeo mjesto koje mu pripada u evropskom slikarstvu.

Kišobrani. 1883

Renoirova slika bila je izložena i u Luvru, au avgustu 1919. umjetnik je posljednji put posjetio Pariz da je pogleda.

Auto portret. 1910

Dana 3. decembra 1919. godine, Pierre-Auguste Renoir je umro u Cagnes-sur-Mer od upale pluća u dobi od 78 godina. Sahranjen u Esui.

Proljetni buket. 1866

Kreacija

Izbor žanrova 1862-1873

Početkom 1862. Renoir je položio ispite na Školi likovnih umjetnosti na Akademiji umjetnosti i upisao se u Gleyreovu radionicu. Tamo je upoznao Fantina-Latoura, Sisleya, Basila i Claudea Moneta. Ubrzo su se sprijateljili sa Sezanom i Pizarom, pa je nastala okosnica buduće grupe impresionista.

Camille Monet. 1873

U svojim ranim godinama, Renoir je bio pod utjecajem djela Barbizona, Coroa, Prudhona, Delacroixa i Courbeta.

U ljeto 1868

1864. Gleyre je zatvorio radionicu, obuka je završena. Renoir je počeo da slika svoja prva platna i tada je Salonu prvi put predstavio sliku "Esmeralda pleše među skitnicama". Prihvaćena je, ali kada mu je platno vraćeno, autor ga je uništio.

Portret Sisleyjevih. 1868

Bazen za djecu. 1869

Odabravši žanrove za svoja djela tih godina, nije ih mijenjao do kraja života. Ovo je pejzaž - "Jules le Coeur u šumi Fontainebleau" (1866), svakodnevni prizori - "Žaba" (1869), "Pont Neuf" (1872), mrtva priroda - "Proljetni buket" (1866), " Mrtva priroda sa buketom i lepezom" (1871), portret - "Lisa sa kišobranom" (1867), "Odaliska" (1870), akt - "Dijana lovkinja" (1867).

Odalisque. 1870

Mrtva priroda sa buketom i lepezom. 1871

Godine 1872. Renoir i njegovi prijatelji su osnovali Anonimno kooperativno partnerstvo.

Mademoiselle Sicot. 1865

Madame Clementine Valensi Stora. 1870

Camille Monet. 1872

Madame Edouard Bernier. 1871

Žena sa papagajem. 1871

Rafa Mater.1871

Nepotreban kišobran. 1872

Vožnja do Bois de Boulogne. 1873

Borba za priznanje 1874-1882

Prva izložba partnerstva otvorena je 15. aprila 1874. godine. Renoir je predstavio pastele i šest slika, među kojima su bile "Plesačica" i "Loža" (obe - 1874). Izložba je završila neuspjehom, a članovi partnerstva dobili su uvredljiv nadimak - "impresionisti".

Kućica. 1874

Slika prikazuje ženu (u prvom planu) i muškarca (u pozadini) koji sjede u opernoj loži. Renoirov brat, novinar Edmond Renoir i manekenka sa Montmartra Nini Lopez, pozirali su za ovu sliku.

Nasmejana zena. Portret Madame Pechi. 1875

Fishwife. 1875

Madame Victor Choquet. 1875

Uprkos siromaštvu, u tim godinama umetnik stvara svoja glavna remek-dela: Veliki bulevar (1875), Šetnja (1875), Bal u Moulin de la Galet (1876), Akt (1876), Akt na suncu" (1876). ), "Ljuljaška" (1876), "Prvi polazak" (1876/1877), "Put u visokoj travi" (1877).

Bal u Moulin de la Galette. 1876

Swing. 1876

Portret Madame Alphonse Daudet. 1876

Nude. 1876

Mlada žena plete kosu. 1876

Renoir je postepeno prestao da učestvuje na izložbama impresionista. Godine 1879. Salonu je 1879. godine predstavio Portret glumice Jeanne Samary (1878) i Portret Madame Charpentier s djecom (1878) i postigao univerzalno priznanje, a nakon toga i finansijsku nezavisnost. Nastavio je da piše nova platna - posebno čuveni "Clichy Bulevar" (1880), "Doručak veslača" (1881), "Na terasi" (1881), koji je postao poznat.

Mlada djevojka čita knjigu. 1876

Portret Madame Charpentier. 1877

Portret glumice Jeanne Samary. 1877

Portret glumice Jeanne Samary. 1878

Šoljica čokolade. 1878

U tajnosti 1878

Portret Alfonsine Pechi. 1879

Večera veslača na obali rijeke. 1879

Mlada žena šiva. 1879

Portret Terese Berard. 1879

Blizu jezera. 1880

Veslački doručak. 1881

Slika je naslikana u restoranu Fournaise, koji se nalazi na ostrvu na rijeci Seni, smještenom u Chatouu, malo zapadno od Pariza. Renoir je volio ovo mjesto - ovdje je naslikan ne samo "Doručak veslača", već i neke druge slike. U stvari, slika je grupni portret sastanka prijatelja. Vlada radosna, opuštena atmosfera, nema sjaja, svi su u prirodnim, nasumičnih pozama. Iza ograde se vidi gusto zelenilo, iza kojeg proviruje rijeka Sena.Na slici je Renoir prikazao mnoge svoje prijatelje i poznanike.

Dvije sestre (Na terasi). 1881

Albert Caen, francuski operski kompozitor 1881

Devojka sa lepezom. 1881

Devojke u crnom. 1881

Portret Alfreda Berarda sa psom. 1881

Marie-Thérèse Durand-Ruel šivanje. 1882

"Engrov period" 1883-1890

Renoir je otputovao u Alžir, zatim u Italiju, gdje se pobliže upoznao sa djelima renesansnih klasika, nakon čega mu se promijenio umjetnički ukus. Renoir je naslikao niz slika "Ples u selu" (1882/1883), "Ples u gradu" (1883), "Ples u Bougivalu" (1883), kao i platna poput "U bašti" (1885). ) i "Kišobrani" (1881/1886), gdje je impresionistička prošlost još uvijek vidljiva, ali se pojavljuje Renoirov novi pristup slikarstvu.

Djevojka sa slamnatim šeširom. 1884

Otvara se takozvani "Ingres period". Najpoznatije djelo ovog perioda su Veliki kupači (1884/1887). Za konstrukciju kompozicije autor je prvo koristio skice i skice. Linije crteža postale su jasne i definisane. Boje su izgubile svoju nekadašnju svjetlinu i zasićenost, slika je u cjelini počela izgledati suzdržanije i hladnije.

Veliki kupači. 1884-1887.

U prvom planu su prikazane tri gole žene - dvije su na obali, a treća stoji u vodi, očito namjeravajući da ih poprska. Ženske figure su ispisane vrlo jasno i realistično, što je bio karakterističan stil za ovaj period Renoirovog stvaralaštva, koji je nazvan „suhi“ ili „Ingres“ (po umjetniku Dominiqueu Ingresu) period.

Za sliku je Renoir pozirao (s lijeva na desno) Alinu Sharigot, Renoirovu buduću suprugu (1885. godine im se rodio prvi sin Pierre, a brak je zvanično sklopljen 1890.) i Suzanne Valadon (pravo ime Marie-Clementine Valadon). ), koji je kasnije postao poznati umjetnik.

Renoir je na ovoj slici radio oko tri godine, a pritom je nacrtao veliki broj skica i skica, uključujući najmanje dvije višefiguralne verzije u punoj veličini. Nakon Velikih kupača nije postojala nijedna slika kojoj bi posvetio toliko vremena i truda.

Na samoj obali mora. 1883

Ples u gradu. 1883

Mlade dame igraju badminton. 1885

Portret Suzanne Valadon. 1885

Mlada devojka čita. 1886

Frizura. 1888

Mlada devojka sa tratinčicama. 1889

Madame de Vernon. 1889

Djevojka u ružičastom i crnom šeširu. 1890

"Biserno razdoblje" 1891-1902

Godine 1892. Durand-Ruel je otvorio veliku izložbu Renoirovih slika, koja je postigla veliki uspjeh. Priznanje je stiglo i od državnih službenika - slika "Devojke za klavirom" (1892) otkupljena je za Luksemburški muzej.

Devojke za klavirom. 1892
Slika prikazuje dvije mlade djevojke: jedna sjedi za klavirom, a druga stoji pored nje. Obe devojke pažljivo i oduševljeno gledaju u note, očigledno birajući neku vrstu melodije. Takva mirna, idilična slika bila je simbol francuske građanske kulture tog vremena.

Žena u šeširu. 1891

Devojke čitaju. 1891

Christina Lerolle veze. 1895

Sviranje gitare. 1897

Renoir je otputovao u Španiju, gde se upoznao sa delom Velasqueza i Goye.
Početkom 90-ih dogodile su se nove promjene u Renoir umjetnosti. Na slikovit način pojavila se iridescencija boja, zbog čega se ovaj period ponekad naziva i "sedef".
U to vrijeme Renoir je naslikao slike kao što su "Jabuke i cvijeće" (1895/1896), "Proljeće" (1897), "Son Jean" (1900), "Portret gospođe Gaston Bernheim" (1901). Otputovao je u Holandiju, gdje su ga zanimale slike Vermeera i Rembranta.

Madame Paul Gallimard, rođena Lucie Duce. 1892

Djevojke gledaju album. 1892

Djevojka češlja kosu. 1894

Žena sa crvenim rumenilom. 1896

Tri kupača sa rakom. 1897

Portret Christine Lerolle.1897

Mlada Španjolka koja svira gitaru. 1898

Yvonne i Christine za klavirom. 1898

"Crveni period" 1903-1919

Period "bisera" ustupio je mjesto "crvenom", nazvanom tako zbog sklonosti prema nijansama crvenkastog i ružičastog cvijeća.
Renoir je nastavio da slika sunčane pejzaže, mrtve prirode jarkih boja, portrete svoje dece, golih žena, stvorio Šetnju (1906), Portret Ambroisa Vollarda (1908), Gabrijela u crvenoj bluzi (1910), Buket ruža"( 1909/1913), "Žena s mandolinom" (1919).

Portret Marthe Denis. 1904

promišljenost. 1906

Portret Ambroisea Vollarda. 1908

Ambroise Vollard - jedan od najznačajnijih trgovaca umjetninama (maršant) u Parizu početkom XIX. XX vijeka Podržavao je i finansijski i moralno veliki broj poznatih i nepoznatih umjetnika, uključujući Cezannea, Maillola, Picassa, Rouaulta, Gauguina i Van Gogha. Bio je poznat i kao kolekcionar i izdavač.

Gabriel za prokletstvo. 1908

Dama sa lepezom. 1908

Gospodin i gospođa Bernheim de Villers. 1910

Oprati. 1912

Žena za šporetom. 1912

Zanimljivosti

Blizak prijatelj Ogista Renoara bio je Anri Matis, koji je bio skoro 28 godina mlađi od njega. Kada je O. Renoir bio u suštini vezan za krevet zbog bolesti, A. Matisse ga je posjećivao svaki dan. Renoir, gotovo paralizovan artritisom, savladavajući bol, nastavio je da slika u svom ateljeu. Jednom, gledajući bol s kojom mu se zadaje svaki potez kista, Matis nije izdržao i upitao je: "Avguste, zašto ne napustiš slikarstvo, zar toliko patiš?" Renoir se ograničio samo na odgovor: "Bol prolazi, ali ljepota ostaje." A ovo je bio cijeli Renoir, koji je radio do posljednjeg daha.

Svaka zemlja ima svoje heroje savremene umjetnosti, čija su imena poznata, čije izložbe okupljaju mnoštvo obožavatelja i znatiželjnika, a čija su djela raspoređena po privatnim kolekcijama.

U ovom članku ćemo vas upoznati s najpopularnijim suvremenim umjetnicima u Francuskoj.

Malika Favre

Maliku Favre je u svijet likovne umjetnosti uvela njena majka umjetnica - u njihovoj kući nije bilo TV-a i video igrica, te je zabave zamijenjeno crtanjem. Nakon diplomiranja, Favre se preselila u London, gdje živi i radi do danas. U Londonu, nakon četiri godine u Airsideu, pronašla je svoj poziv i postala profesionalni ilustrator.

Thomas Mainardis

Thomas je francuski samouki umjetnik. Njegove slike, čiji stil umjetnik naziva pop ekspresionizmom, subjektivni su utisci i trenuci oteti iz moderne pop kulture i zasićeni emocijama i fantazijama. Trenutno umjetnik živi i radi u malom gradu između Pariza i Lila.

Nushka

Umetnica Nuška živi i radi u Parizu i slika se više od 10 godina. Studirala je Nushka slikarstvo u Detroitu kod američkog umjetnika Zawakija, koji ju je naučio osnovama slikanja, i kod Maggie Siner, koja ju je upoznala sa mehanikom boja. Učila je i kod umjetnika Hashpe. Zahvaljujući tako bogatoj bazi, slikarsko slikarstvo kombinuje tehničku veštinu i stil sa savremenim temama.

Laurent Botella

Laurent je studirao slikarstvo u radionici Maithe Rovino u Ossonu i u umjetničkoj školi Beaux Arts u Toulouseu. Njegove slike su rađene u tehnici impresionizma - a tehnika za Laurenta je od najveće važnosti: kompozicija i shema boja imaju za cilj da naglase komponentu zapleta slike. Od 1991. godine Laurent Botella redovno učestvuje na izložbama i takmičenjima, gde je više puta dobijao nagrade i nagrade.

Laurent Dauptain

Laurent Doptin je magistrirao slikarstvo. Radnja njegovih radova je neobična: umjetnik u osnovi crta svoje portrete, eksperimentirajući s raznim tehnikama. S vremena na vrijeme Laurent se okuša u drugim žanrovima, ali se uvijek vraća autoportretu. Od 1981. Dopten stalno izlaže, više puta je učestvovao na raznim takmičenjima i više puta je dobijao nagrade za svoj rad, od kojih su najznačajnije Peintres de l "Armee Salon Grand Prix, 2003., Taylor nagrada, 2001. i zlatna medalja Salon umjetnika Francuske, 1997.

Michel Delacroix Michel Delacroix

Michel Delacroix je rođen 1933. Njegova ljubav prema crtanju datira još iz vremena njemačke okupacije Pariza. Upravo je Pariz, koji je i tada ostao Pariz, junak njegovih slika - tihi, miran grad umjetnikovog djetinjstva. Delacroix je dugo eksperimentisao sa stilovima, dok se konačno nije opredelio za pravac koji je postao njegov zaštitni znak - "naivni" stil slikanja. Delacroix je osvojio brojne nagrade uključujući Grand Prix des Amateurs d'Art, Pariz 1973, Grand Prix de la Cote d'Azur, Cannes, 1976, Premier Prix de Sept Collines, Rim, 1976, itd. Njegovi radovi se nalaze u nekoliko javnih i privatnih kolekcija, uključujući Nacionalni muzej moderne umjetnosti u Parizu i Međunarodni muzej naivne umjetnosti.

Sylvester Evrard

Francuski umjetnik Sylvester Evrard živi i radi u Lilu. U osnovi, junaci njegovih slika su ljudi. Stil i raspoloženje umetnikovih slika, po njegovim sopstvenim rečima, može se ukratko okarakterisati izrazom Andrea Malroa: „Umetnost je prisustvo u životu onoga što treba da pripada smrti“.

Patricia Perrier-Radix

Patricijin rad karakteriziraju lakoća, lakoća i savršenstvo. Umjetnica ne prestaje u potrazi za svojim stilom, stalno obogaćuje svoje znanje proučavajući različite materijale, već je sklona radu s akrilom i uljanim bojama na platnu. Njene slike su iznenađujuće emotivne - crtajući heroje bez lica, Patricia maestralno prenosi i najmanje nijanse osjećaja i raspoloženja preciznošću prolaznih gestova i poza.

Henri Lamy

Savremeni francuski figurativni umjetnik Henri Lamy studirao je ulje na platnu, ali je postao fasciniran spontanošću i spontanošću akrila, koji njegov rad pojačava oštrim, ekspresivnim bojama. Henrijeve slike nastaju bojom koja kaplje s noža, čije se pruge prepliću, spajaju i suše gotovo trenutno. Izbliza, ove akrilne slike mogu izgledati apstraktno i pokazati svoje prave boje samo gledaocu koji je odstupio nekoliko koraka unazad.

Johanna Perdu

Joanna, među kolegama i ljubiteljima umjetnosti poznata i kao La D "Jo, dobila je diplomu likovne umjetnosti i posvetila mu se u svoj svojoj raznolikosti, od slikarstva do fotografije. Svoje ideje crpi iz svijeta zabave: muzike, plesa, pozorište, cirkus.. a njene slike su uvijek u središtu živih bića iz ovog magičnog svijeta. Danas se njene slike mogu naći u galerijama u raznim dijelovima svijeta. Perduin namjerno naivan rad osvojio je pažnju kritičara i ima mnogo recenzija, obično entuzijastičnih.

Bilo je vremena kada umjetnici nisu bili cijenjeni za svoj rad. Ali danas su ti pojedinci visoko cijenjeni, bez obzira da li pripadaju istorijskom vremenu ili su živi. Francuski slikari su posebno cijenjeni zbog svog nevjerovatnog i divnog rada.

Evo 10 najpoznatijih i najistaknutijih francuskih umjetnika i slikara. Vratimo se u prošlost i razmotrimo sve zajedno. Molimo uživajte!

TOP 10 najpoznatijih francuskih umjetnika i slikara:

10. Paul Gauguin (1848-1903)

Paul Gauguin je francuski slikar i slikar iz vremena postimpresionizma. Dao je veliki doprinos razvoju avangardnog slikarstva. Gauguin je bio u bliskoj vezi s Van Goghom.

9. Vincent van Gogh (1853-1890)

Vincent van Gogh pripada postimpresionističkom periodu. Jedan je od najpoznatijih slikara i umjetnika na svijetu. Vincent je poznat po svojoj smelosti i raskošnim slikama, a rođen je u Holandiji.

8. Camille Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro pripada impresionističkoj i postimpresionističkoj eri. On je jedan od najuticajnijih i najboljih slikara svih vremena. Radio je na novim i jedinstvenim stilovima u svojim slikama, što bi moglo dati prednost njegovoj karijeri.

7. Edouard Manet (1832-1883)

Edouard Manet poznat je po svojim doprinosima školama realizma i impresionizma. Bio je sjajan i inovativan slikar. Radove je pretvorio u impresionizam kako bi im dao moderan izgled.

6. Eugene Delacroix (1798-1863)

Eugène Delacroix poznat je po romantičnim slikama i umjetničkim djelima. Inspiraciju za ovaj rad dobio je od venecijanskih renesansnih slikara i Rubensa.

5. Paul Cezanne (1839-1906)

Pol Sezan je rođen u 18. veku. Neverovatan umetnik impresionističke ere. Karijeru je započeo u impresionističkim oblicima, ali se razvio kao inovativni umjetnik, darujući najbolja umjetnička djela 19. stoljeća.

4. Charles-Francois Dabigny (1817-1878)

Charles-Francois Dabigny jedan je od najpoznatijih umjetnika svih vremena. Još uvijek je zapamćen po svojim tradicionalnim pejzažnim slikama i koristi se da impresionira one oko sebe jedinstvenim umjetničkim djelima.

3. August Renoir (1841-1919)

August Renoir pripada eri impresionizma. On je jedan od najpoznatijih slikara koji je odigrao ključnu ulogu u razvoju impresionističkih djela.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet je impresionistički slikar. Jedan je od najuticajnijih slikara 18. veka. Bio je pod jakim uticajem radova srednjoškolaca i nastao je sopstvenim radovima kao što su "Utisak", "Izlazak sunca" i druga.

1. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas se smatra pretečom impresionizma. Slikao je realistične aspekte ljudskog života. Njegov stil rada bio je zaista jedinstven i veoma impresivan.

Detalji Kategorija: Likovna umjetnost i arhitektura kasnog 16.-18. stoljeća Objavljeno 27.04.2017 14:46 Pregleda: 3249

Početkom XVIII vijeka. u Francuskoj se pojavio novi stil - rokoko.

Prevedeno sa francuskog rokoko (rocaille) - "školjka". Naziv ovog umjetničkog stila otkriva njegovu karakterističnu osobinu - ljubav prema složenim oblicima, bizarnim linijama, koje podsjećaju na elegantnu siluetu školjke.
Rokoko stil nije dugo trajao (sve do 40-ih godina), ali se njegov utjecaj na evropsku kulturu pokazao vrlo jakim.
U drugoj polovini XVIII veka. počeo je novi nalet interesovanja za antičku kulturu. To je dijelom bilo zbog iskopavanja Pompeja, koja su otkrila jedinstvene spomenike umjetnosti. S druge strane, ideje francuskog prosvjetiteljstva doprinijele su ovom interesovanju: oni su ideal umjetnosti i društvenog života vidjeli u historiji i kulturi antičke Grčke i starog Rima. Tako je nastao novi stil - neoklasicizam. To nije bio slučaj u svim zemljama. Na primjer, u Italiji je barokni stil postojao istovremeno sa rokoko stilom, dok se u Francuskoj barok nije mnogo razvio. U Rusiji su se rokoko i neoklasicizam dopunjavali.
U XVIII vijeku. kupci više nisu igrali glavnu ulogu u sudbini umjetnika: javno mnijenje postalo je glavni sudac umjetničkih djela. Pojavile su se umjetničke kritike: Denis Diderot, Jean Jacques Rousseau i drugi.
Važan događaj u umjetničkom životu Francuske u XVIII vijeku. postale javne izložbe - Saloni. Od 1667. godine, svake godine ih je organizovala Pariska kraljevska akademija za slikarstvo i skulpturu uz podršku kraljevskog dvora. Uspjeh na Salonu bio je priznanje za slikara ili vajara. Nisu samo Francuzi težili da učestvuju na Salonima, pa se Pariz postepeno pretvorio u panevropski umetnički centar.

Jean Antoine Watteau (1684-1721)

Rosalba Carriera. Portret Antoinea Watteaua (1721.)
Antoine Watteau je francuski slikar prve trećine 18. stoljeća, začetnik stila rokokoa.
U slikarstvu je otkrio sferu najsuptilnijih emocija, u skladu sa lirikom pejzaža.
A. Watteau je rođen u provincijskom gradu u porodici krovopokrivača. Već u njegovim ranim godinama ispoljile su se njegove umjetničke sposobnosti, a otac ga je dao za šegrta lokalnom slikaru beznačajnog talenta. Vrlo brzo, mentor je prestao biti koristan budućem umjetniku. Antoine Watteau, protiv volje svog oca, tajno napušta rodni grad Valenciennes i pješice putuje u Pariz, gdje se zapošljava u slikarskoj radionici na mostu Notre Dame, čiji je vlasnik organizovao serijsku proizvodnju jeftinih kopija slike po "uobičajenom ukusu" za veleprodajne kupce. Watteau je mehanički kopirao iste popularne slike, au slobodno vrijeme slikao je iz prirode. Bio je izuzetno marljiv.

Antoine Watteau "The Capricious" (oko 1718.). Državni muzej Ermitaž (Peterburg)
Ubrzo je Watteau pronašao prve pokrovitelje - Pierrea Mariettea i njegovog sina Jeana, gravere i kolekcionare, vlasnike velike kompanije koja se bavila trgovinom grafikama i slikama. U Mariettes je Watteau dobio priliku da se upozna sa djelima Rembrandta, Tiziana, Rubensa. Posredovanjem Mariettes, Watteau postaje učenik umjetnika Claudea Gillota, majstora pozorišne scenografije i tvorca malih slika. „Od ovog majstora Watteau je preuzeo samo ukus za groteskno i komično, kao i ukus za moderne teme, kojima se kasnije posvetio. Pa ipak, mora se priznati da je Gillo Watteau konačno shvatio sebe i da su od tada znaci talenta koji je trebalo razviti sve izraženiji ”(Biograf umjetnika Edm-Francois Gercin).

Antoine Watteau "Glumci francuske komedije" (oko 1712). Državni muzej Ermitaž (Peterburg)
Sa 33 godine Watteau postaje najpopularniji slikar u Parizu, što je doprinijelo njegovoj evropskoj slavi.

Antoine Watteau "Gilles" (1718-1719). Louvre (Pariz)
Evo kako o ovoj slici govori Watteau M.Yu. German, vodeći istraživač u Ruskom muzeju: „U istoriji umjetnosti Gilles praktično nema analogije. Malo ljudi je uopšte pisalo glumce. Štaviše, niko se nije usudio da glumca prikaže u potpunoj neaktivnosti. Za samog Watteaua ovo je bio hrabar korak: naslikati lik u samoj sredini platna, popunivši veći dio širokom kapuljačom koja u potpunosti skriva tijelo komičara, a u dubini prikazati lica drugih glumaca , u oštroj suprotnosti sa gotovo nepomičnim licem junaka sa zabavom i animacijom... Lišen gestova i izraza lica, simetrično i ravno upisan u platno, on mirno postoji u vremenu, kao da je zauvek zaustavljen za njega. Sve što je prolazno i ​​prolazno mu je strano. Užurbanost iza njega je u pokretima glumaca. Pred njim je smijeh i zabava publike. I ostaje nepromjenjivo nepomičan, sa smiješnim i dirljivim prijekorom u svojim okruglim, nježnim i inteligentnim očima.
Već prilično bolestan, Watteau je uzeo znak za antikvarnicu "Veliki monarh" na mostu Notre Dame. Ova radnja je pripadala njegovom prijatelju Gersenu.

Antoine Watteau. Tabla Gersinovog dućana (1720-1721). Palata Charlottenburg (Berlin)
Watteau je slikao znak na dva odvojena, a zatim umetnuta u jedan okvir platna. Radnja slike se prenosi iz pejzaža u unutrašnjost. Na platnu je prikazana prostrana radnja, koja, prema umjetnikovom planu, izlazi direktno na pariški pločnik.
U prvom planu, lijevo, sluge stavljaju portret nedavno preminulog Luja XIV u kutiju. U gornjem uglu visi portret njegovog tasta, španskog kralja Filipa IV, a desno poznavaoci pažljivo proučavaju sliku u ovalnom okviru; pejzaži i mrtve prirode ovdje koegzistiraju s mitološkim prizorima.
Glavna karakteristika ovog rada je njegova programska priroda. Prema Louisu Aragonu, Watteau je pod maskom znaka predstavio istoriju slikarstva kakvu je poznavao. Ova slika je postala kao umjetnički testament autora. Antoine Watteau je umro u 36. godini od tuberkuloze.

Spomenik Antoineu Watteauu u njegovom rodnom gradu Valenciennesu (1884.)
Razvoj rokoko stila povezan je i s radom Francoisa Bouchera.

François Boucher (1703-1770)

F. Boucher - francuski slikar, graver, dekorater. Njegove radove odlikuju prefinjene forme, lirski nježna kolorit, gracioznost, koketnost, ponekad dosežući ljupkost.

Gustaf Lundberg. Portret Francoisa Bouchera
Boucher je bio majstor gravera, ilustrovao je knjige Ovidija, Bokača, Molijera. Kreirao je scenografiju za opere i predstave, slike za kraljevske manufakture tapiserija; izvođene ornamentalne slike sevrskog porculana, slikane lepeze, izvedene minijature itd.
U slikarstvu se okrenuo alegorijskim i mitološkim temama, slikao žanrovske scene, pastorale (poetizacija mirnog i jednostavnog seoskog života), pejzaže i portrete.

F. Bush. Portret Madame de Pompadour
Bush je dobio titulu dvorskog slikara. Ukrasio je rezidencije kralja i Madame de Pompadour, privatne vile u Parizu. Posljednjih godina života bio je direktor Kraljevske akademije za slikarstvo i skulpturu i "prvi kraljev slikar".

F. Bush. Portret Marie Buseau, umjetnikove supruge (1733.)
Druga slika F. Bouchera ilustruje epizodu La Fontaineove kratke priče "Pustinjak". Mladić koji odluči da zavede lijepu, ali plašljivu seljanku, smjesti se u blizini pod maskom pustinjaka. On uspeva da ubedi devojčicinu majku u njenu svetost, a ona sama vodi svoju ćerku k njemu da sluša njegova dobra učenja. Boucher prikazuje originalnu interpretaciju Lafontaineovog djela, ali pejzaž zauzima glavno mjesto u njegovoj kompoziciji.

F. Boucher „Pejzaž sa pustinjakom. Brat Luce" (1742). Muzej likovnih umjetnosti. A. S. Puškin (Moskva)

Demokratski pogledi na francusku umjetnost

Oni su oličeni u radu "slikara trećeg staleža" Jean Baptiste Simeon Chardin, portretima Maurice Quentin de Latour.

Jean Baptiste Siméon Chardin (1699-1779)

Chardin. auto portret
Chardin je svjesno izbjegavao zaplete tipične za umjetnost njegovog vremena. Uglavnom je slikao mrtve prirode i svakodnevne scene, ali je u njima iznosio vlastita zapažanja. Zanimao ga je život ljudi "trećeg staleža" (sve grupe stanovništva sa izuzetkom privilegovanih: sveštenstva i plemstva).
Delovanje Chardina kao umetnika nastavilo je tradiciju holandskih i flamanskih majstora i predstavljalo je vrhunac realizma u 18. veku. Čak je i njegova mrtva priroda bila aspekt za prikazivanje stvarnosti. Najobičniji predmeti su za njega postali izvori kompozicije za oslikavanje skladnog bića: vrčevi, stari lonci, povrće itd.

Chardin "Scat" (1728). Louvre (Pariz)
Umjetnik je uspio savršeno prenijeti raznolikost boja, osjetio je unutarnju povezanost objekata. Malim potezima prenosio je nijanse boja, posjedovao je sposobnost uključivanja utjecaja sunčeve svjetlosti u sliku.
Okrećući se žanrovskom slikarstvu, običnim domaćim scenama, Chardin je na platnu rekreirao miran, odmjeren način svakodnevnog života, blizak svakom čovjeku. Upravo su te slike za njega učvrstile jedno od istaknutih mjesta u istoriji francuskog slikarstva. Godine 1728. postao je član Pariske akademije umjetnosti, 1743. - njen savjetnik; kasnije je postao član Ruanske akademije nauka, književnosti i likovnih umjetnosti.
Produhovio je najobičnije predmete i aktivnosti: praonicu (1737), Teglu maslina (1760), Atribute umjetnosti (1766).

Chardin "Mrtva priroda sa atributima umjetnosti" (1766. Državni muzej Ermitaž (Peterburg). Sliku je naručila Katarina II za zgradu Akademije umjetnosti u izgradnji u Sankt Peterburgu
D. Diderot je uporedio svoju vještinu s vještičarstvom: „Oh, Chardin, ovo nije bijela, crvena i crna boja koju trljaš po svojoj paleti, već sama suština predmeta; uzmite zrak i svjetlost na vrh svog kista i položite ih na platno!”

Chardin "Mjehurići od sapunice" (1733-1734). Nacionalna galerija umjetnosti, Washington (SAD)
Neobična fuzija "galantnog" slikarstva i svakodnevnog žanra izdvaja rad Jean Honore Fragonarda.

Jean Honore Fragonard (1732-1806)

Francuski slikar i graver. Radio u rokoko stilu. Autor više od 550 slika (ne računajući crteže i gravure).

J.O. Fragonard. Autoportret (oko 1760-1770)
Bio je učenik F. Bouchera i J.B.S. Chardin. U početku je volio istorijsko slikarstvo, a zatim je počeo pisati u duhu Watteaua i Bouchera. Često ima scene intimnog života, erotskog sadržaja, ukrasne panoe, portrete, minijature, akvarele, pastele. Bavio se i bakropisom.
Ali u eri klasicizma izgubio je popularnost.

J.O. Fragonard "Latch" (1777). Louvre (Pariz)
Slika prikazuje ljubavnu scenu: gospodin, ne skidajući pogled sa dame, pruža desnom rukom prema vratima na kojima zatvara gornju bravu. Lijeva ruka dame, takoreći, ponavlja ovaj pokret. Na stolu je jabuka, biblijski simbol iskušenja i pada u grijeh.
Na istorijskim slikama Fragonard nije baš originalan. Njegovi pejzaži su prilično ukrašeni. S druge strane, slikarske žanrovske slike odlikuju se veštom kompozicijom, elegancijom crteža, delikatnim koloritom i delikatnim ukusom: „Muzička lekcija“, „Pastorala“, „Kupačice“, „Nimfa koja spava“, „Amor skida košulju iz ljepotica”, “Mladi gitarista”, “Sneak kiss.”

J.O. Fragonard "Stealth Kiss" Ermitaž (Peterburg)
Sredinom XVIII vijeka. francusko prosvjetiteljstvo je postavilo klasične ideale sredstava obrazovanja. U slikarstvu se pojavio sentimentalni i moralistički pravac u kojem se istakao umjetnik Jean-Baptiste Greuze.

Jean-Baptiste Greuze (1725-1805)

J.-B. Dreams. auto portret
Greuze je posebno uspeo u žanru porodičnog života sa svojim problemima i dramama - tu mu je malo premca u francuskom slikarstvu.

J.-B. Greuze "Očeva kletva" (1777). Louvre (Pariz)
Slika prikazuje scenu porodične drame kada sin najavljuje ocu da odlazi u vojsku, a otac ga proklinje.
I kao portretista bio je u najboljem izdanju, jer. portret je shvatao drugačije nego njegovi savremenici, koji su muškarce prikazivali kao Apolosa, a žene kao Flore i Venere. Njegovi portreti puni su sličnosti, ispunjeni životom i osjećajima.

J.-B. Greuze "Portret djevojke". Nacionalni muzej umjetnosti Azerbejdžana
U Ermitažu Sankt Peterburga nalazi se 11 Greuzeovih djela.
U Francuskoj 18. veka povećano interesovanje za prirodu i pejzažno slikarstvo. Tip pejzaža karakterističan za neoklasicizam („arhitektonska fantazija“) stvorio je Hubert Robert.

Hubert Robert (1733-1808)

Vigée-Lebrun, Marie Elisabeth Louise. Portret Huberta Roberta (1788.) Louvre (Pariz)
francuski pejzažni slikar; evropsku slavu stekao svojim dimenzionalnim platnima s romantiziranim slikama antičkih ruševina okruženih idealiziranom prirodom. Njegov nadimak je bio "Robert od ruševina".

Hubert Robert "Drevne ruševine" (1754-1765). Budimpešta

Jacques-Louis David (1748-1825)

J.-L. Davide. Autoportret (1794)
Francuski slikar i učitelj, veliki predstavnik francuskog neoklasicizma u slikarstvu. Osetljivi hroničar svojih burnih vremena.
Rođen u porodici veletrgovca gvožđem. Odgajan je uglavnom u porodici rođaka. Kada je uočena djetetova sposobnost crtanja, pretpostavljalo se da će postati arhitekta, kao i oba njegova strica.
David je pohađao časove crtanja na Akademiji sv. Luke. Godine 1764. rođaci su ga upoznali sa Francoisom Boucherom, ali zbog bolesti nije mogao da uči sa mladićem. Godine 1766. David je upisao Kraljevsku akademiju za slikarstvo i skulpturu i počeo studirati u radionici u Vienneu. Godine 1775-1780. David je studirao na Francuskoj akademiji u Rimu, studirao antičku umjetnost i rad renesansnih majstora.
Godine 1783. izabran je za člana Akademije slikarstva.
Aktivno je učestvovao u revolucionarnom pokretu, biran je za člana Nacionalnog konventa, pridružio se montanjarima, predvođenim Maratom i Robespierom, glasao za smrt kralja Luja XVI. Slika više slika posvećenih revolucionarima: „Zakletva u plesnoj sali” (1791, nedovršeno), „Maratova smrt” (1793). Također je u to vrijeme organizirao masovne narodne festivale i stvorio Nacionalni muzej u Louvreu.

J.-L. David "Maratova smrt" (1793). Kraljevski muzeji likovnih umjetnosti (Brisel)
Ovo platno je jedna od najpoznatijih slika posvećenih Velikoj francuskoj revoluciji.
Jean Paul Marat je novinar radikalnih novina Friend of the People, vođa jakobinaca. Pošto se razbolio od kožne bolesti, Marat nije izlazio iz kuće i, kako bi ublažio svoje patnje, kupao se. Dana 13. jula 1793. u njegovom stanu izbola ga je plemkinja Charlotte Corday.
Natpis na drvenom postolju je autorska posveta: "MARATU, David". U Maratovoj ruci je list s tekstom: „13. jula 1793. Marie Anna Charlotte Corday - građaninu Maratu. Nesrećan sam i stoga imam pravo na vašu zaštitu. U stvari, Marat nije stigao da primi ovu poruku, jer. Korday ga je ranije ubio.
Godine 1794. zatvoren je zbog revolucionarnih stavova.
Godine 1797. svjedočio je svečanom ulasku Napoleona Bonaparte u Pariz i od tada postao njegov vatreni pristalica, a nakon njegovog dolaska na vlast - dvorski "prvi umjetnik". David stvara slike posvećene Napoleonovom prolasku kroz Alpe, njegovom krunisanju, kao i niz kompozicija i portreta osoba bliskih Napoleonu. Nakon Napoleonovog poraza u bici kod Vaterloa 1815. godine, pobegao je u Švajcarsku, a zatim se preselio u Brisel, gde je živeo do kraja života.

J.-L. David "Bonaparte na prolazu St. Bernard" (1801.)
Ova Davidova slika otvara eru romantizma u evropskom slikarstvu. To je izrazito romantizirani konjički portret generala Napoleona Bonapartea, koji je u svibnju 1800. vodio italijansku vojsku kroz prolaz St. Bernard visoko u Alpima.
Prirodna pozadina takođe daje romantično značenje slici: strme planinske litice, snijeg, jak vjetar i loše vrijeme. Ispod, ako dobro pogledate, možete vidjeti uklesana imena tri velika vojskovođa koja su prošla ovuda: Hanibal, Karlo Veliki i Bonaparta.

J.-L. David "Krunisanje Napoleona" (1805-1808)
Platno je nastalo pod utiskom Rubensove slike "Krunisanje Marije Mediči".
Jacques-Louis David je sahranjen u Briselu, a njegovo srce je prevezeno u Pariz i sahranjeno na groblju Pere Lachaise.
U XVIII vijeku. U Francuskoj su radili istorijski slikari Jean Jouvenet, Nicolas Colombel, Pierre Subleyra, portretisti Claude Lefebvre, Nicolas Largilier i Hyacinthe Rigaud.
Sredinom XVIII vijeka. bila je poznata porodica Vanlo, posebno braća Jean-Baptiste i Charles, i drugi umjetnici.

Francuska umjetnička škola na prijelazu iz 17. u 18. vijek može se nazvati vodećom evropskom školom, upravo u Francuskoj u to vrijeme su rođeni umjetnički stilovi poput rokokoa, romantizma, klasicizma, realizma, impresionizma i postimpresionizma.

Rokoko (francuski rokoko, od rocaille - ukrasni motiv u obliku školjke) - stil u evropskoj umjetnosti 1. polovine 18. stoljeća. Rokoko karakteriše hedonizam, povlačenje u svet idilične pozorišne igre, strast prema pastoralnim i senzualno-erotskim temama. Priroda rokoko dekora dobila je naglašeno elegantne, sofisticirane i sofisticirane forme.

Francois Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard su radili u stilu rokokoa.

Klasicizam - stil u evropskoj umetnosti 17. - ranog 19. veka, čija je karakteristična osobina bila pozivanje na forme antičke umetnosti, kao idealnog estetskog i etičkog standarda.

Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres, Jacques-Louis David radili su u stilu klasicizma.

Romantizam - stil evropske umjetnosti 18-19. stoljeća, čije su karakteristične osobine bile tvrdnja o inherentnoj vrijednosti duhovnog i stvaralačkog života pojedinca, slika jakih i često buntovnih strasti i karaktera.

Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault, William Blake radili su u stilu romantizma.

Edouard Manet. Doručak u radionici. 1868

Realizam - stil umjetnosti, čiji je zadatak najtačnije i najobjektivnije fiksiranje stvarnosti. Stilski je realizam mnogostran i multivarijantan. Različiti aspekti realizma u slikarstvu su barokni iluzionizam Caravaggia i Velazqueza, impresionizam Maneta i Degasa i Nyunenova djela Van Gogha.

Rađanje realizma u slikarstvu najčešće se vezuje za rad francuskog umetnika Gustava Kurbea, koji je 1855. u Parizu otvorio svoju ličnu izložbu „Paviljon realizma“, iako su i pre njega umetnici Barbizonske škole Teodor Ruso, Žan- Francois Millet, Jules Breton radili su na realističan način. 1870-ih godina realizam je podijeljen na dvije glavne oblasti - naturalizam i impresionizam.

Realističko slikarstvo je postalo široko rasprostranjeno u cijelom svijetu. U stilu realizma akutne društvene orijentacije u Rusiji 19. stoljeća djelovali su lutalice.

Impresionizam (od francuskog impression - utisak) - stil u umjetnosti posljednje trećine 19. - početka 20. stoljeća, čija je karakteristična karakteristika bila želja da se stvarni svijet najprirodnije uhvati u njegovoj pokretljivosti i promjenjivosti, da prenese svoje prolazne utiske . Impresionizam nije pokretao filozofska pitanja, već se fokusirao na fluidnost trenutka, raspoloženje i osvjetljenje. Sam život postaje tema impresionista, kao niz malih praznika, zabava, prijatnih izleta u prirodi u prijateljskom okruženju. Impresionisti su bili među prvima koji su slikali na pleneru, a da nisu završili svoj rad u ateljeu.

U stilu impresionizma radili su Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley i drugi.

postimpresionizam - stil umetnosti koji je nastao krajem 19. veka. Postimpresionisti su nastojali slobodno i općenito prenijeti materijalnost svijeta, pribjegavajući dekorativnoj stilizaciji.

Postimpresionizam je stvorio područja umjetnosti kao što su ekspresionizam, simbolizam i modernost.

Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Toulouse-Lautrec radili su u stilu postimpresionizma.

Razmotrimo detaljnije impresionizam i postimpresionizam na primjeru rada pojedinih majstora Francuske 19. stoljeća.

Edgar Degas. Auto portret. 1854-1855

Edgar Degas (godine života 1834-1917) - francuski slikar, grafičar i vajar.

Počevši od strogih istorijskih slika i portreta, 1870-ih Degas se zbližio sa predstavnicima impresionizma i okrenuo se oslikavanju modernog urbanog života - ulica, kafića, pozorišnih predstava.

Na Degasovim slikama pažljivo su osmišljeni i provjereni dinamična, često asimetrična kompozicija, precizan fleksibilan crtež, neočekivani uglovi, aktivna interakcija između figure i prostora.

E. Degas. Kupatilo. 1885

U mnogim djelima Edgar Degas pokazuje specifičnost ponašanja i izgleda ljudi, generiranu posebnostima njihovog života, otkriva mehanizam profesionalnog gesta, držanja, pokreta osobe, njegovu plastičnu ljepotu. Degasova umjetnost je svojstvena spoju lijepog i prozaičnog; umjetnik, kao trijezan i suptilan promatrač, istovremeno bilježi naporan svakodnevni posao koji se krije iza elegantne zabave.

Omiljena pastelna tehnika omogućila je Edgaru Degau da najpotpunije pokaže svoj talenat crtača. Zasićeni tonovi i „svjetlucavi” dodiri pastela pomogli su umjetniku da stvori onu posebnu šarenu atmosferu, onu prelivu prozračnost koja tako izdvaja sva njegova djela.

U zrelim godinama Degas se često okreće temi baleta. Krhke i bestežinske figure balerina pojavljuju se pred gledaocem ili u sumrak plesnih časova, ili u svjetlu reflektora na pozornici, ili u kratkim trenucima odmora. Prividna nasumičnost kompozicije i nepristrasna pozicija autora odaju dojam provirenog tuđeg života, umjetnik nam pokazuje svijet ljupkosti i ljepote, a da ne zapada u pretjeranu sentimentalnost.

Edgar Degas se može nazvati suptilnim koloristom, njegovi pasteli su iznenađujuće harmonični, ponekad nježni i lagani, ponekad izgrađeni na oštrim kontrastima boja. Degasov manir je bio izvanredan po svojoj zadivljujućoj slobodi, pastel je nanosio smelim, isprekidanim potezima, ponekad ostavljajući ton papira da se pojavljuje kroz pastel ili dodajući poteze u ulju ili akvarelu. Boja na Degasovim slikama proizilazi iz preljevnog sjaja, iz strujanja prelijepih linija koje stvaraju formu.

Kasnija Degasova djela odlikuju se intenzitetom i bogatstvom boja, koje upotpunjuju efekti umjetnog osvjetljenja, uvećane, gotovo ravne forme, te skučenost prostora koja im daje napet i dramatičan karakter. U tome

perioda Degas je napisao jedno od svojih najboljih djela - "Plave plesačice". Umjetnik ovdje radi u velikim mrljama boja, dajući iznimnu važnost dekorativnoj organizaciji površine slike. Po ljepoti harmonije boja i kompozicionom rješenju, slika „Plavi plesači” se može smatrati najboljim oličenjem Degasove baletske teme, koji je na ovoj slici postigao vrhunsko bogatstvo tekstura i kombinacija boja.

P. O. Renoir. Auto portret. 1875

Pierre Auguste Renoir (godine života 1841-1919) - francuski slikar, grafičar i vajar, jedan od glavnih predstavnika impresionizma. Renoir je poznat prvenstveno kao majstor sekularnog portreta, ne lišenog sentimentalnosti. Sredinom 1880-ih. zapravo raskinuo sa impresionizmom, vraćajući se linearnosti klasicizma u Ingresovom periodu stvaralaštva. Izvanredan kolorista, Renoir često postiže dojam monohromatskog slikarstva uz pomoć najfinijih kombinacija valera, sličnih tonovima boja.

P. O. Renoir. Bazen za djecu. 1869

Kao i većina impresionista, Renoir bira prolazne životne epizode kao zaplet za svoje slike, preferirajući svečane gradske scene - balove, plesove, šetnje ("Novi most", "Žaba", "Moulin da la Galette" i drugi). Na ovim platnima nećemo vidjeti ni crnu ni tamno smeđu. Samo raspon jasnih i svijetlih boja koje se spajaju kada se gledaju sa određene udaljenosti. Likovi ljudi na ovim slikama su naslikani u istoj impresionističkoj tehnici kao i pejzaž oko njih, s kojim se često spajaju.

P. O. Renoir. Portret glumice Jeanne Samary. 1877

Posebno mjesto u radu Renoira zauzimaju poetske i šarmantne ženske slike: iznutra različite, ali izvana pomalo slične jedna drugoj, čini se da su obilježene zajedničkim pečatom tog doba. Renoir je naslikao tri različita portreta glumice Jeanne Samary. Na jednoj od njih, glumica je prikazana u izvrsnoj zeleno-plavoj haljini na ružičastoj pozadini. Na ovom portretu Renoir je uspeo da istakne najbolje osobine svog modela: lepotu, živahan um, otvoren pogled, blistav osmeh. Umjetnikov stil rada je vrlo slobodan, ponekad do bezbrižnosti, ali to stvara atmosferu izuzetne svježine, duhovne jasnoće i spokoja.U slici akta Renoir postiže rijetku sofisticiranost karanfila (slikajući boju čovjeka kože), izgrađen na kombinaciji toplih telesnih tonova sa klizećim svijetlozelenkastim i sivo-plavim odsjajima, dajući glatkoću i tupost površini platna. Na slici "Akt na suncu" Renoir koristi uglavnom primarne i sekundarne boje, potpuno isključujući crnu. Kolorne mrlje dobijene uz pomoć malih poteza boja daju karakterističan efekat spajanja kada se gledalac udalji od slike.

Treba napomenuti da je korištenje zelenih, žutih, oker, ružičastih i crvenih tonova za prikaz kože šokiralo tadašnju javnost, nespremnu na percepciju da sjene trebaju biti obojene, ispunjene svjetlom.

1880-ih u Renoirovom stvaralaštvu počinje takozvani "Ingresov period". Najpoznatije djelo ovog perioda su Veliki kupači. Po prvi put, Renoir je počeo koristiti skice i skice za izgradnju kompozicije, linije crteža postale su jasne i definirane, boje su izgubile svoju nekadašnju svjetlinu i zasićenost, slika je u cjelini počela izgledati suzdržanije i hladnije.

Početkom 1890-ih dogodile su se nove promjene u umjetnosti Renoira. U slikarskom maniru javlja se šarenilo boja, zbog čega se ovaj period ponekad naziva i "bisernim", zatim ovaj period ustupa mjesto "crvenom", tako nazvanom zbog sklonosti prema nijansama crvenkastog i ružičastog cvijeća.

Eugene Henri Paul Gauguin (godine života 1848-1903) - francuski slikar, vajar i grafičar. Uz Cezannea i Van Gogha, bio je najveći predstavnik postimpresionizma. Počeo je slikati u odrasloj dobi, rani period kreativnosti povezan je s impresionizmom. Najbolja Gauguinova djela napisana su na ostrvima Tahiti i Hiva-Oa u Okeaniji, gdje je Gauguin napustio "perverznu civilizaciju". Karakteristične karakteristike Gauguinovog stila uključuju stvaranje statičnih i kontrastnih kompozicija na velikim ravnim platnima, duboko emotivnih i istovremeno dekorativnih.

U Žutom Kristu, Gauguin je prikazao raspelo na pozadini tipičnog francuskog ruralnog pejzaža, Isusa koji pati okružen je s tri bretonske seljanke. Mir u vazduhu, mirne pokorne ženske poze, pejzaž zasićen sunčano žutom bojom sa drvećem u crvenom jesenjem lišću, seljak zauzet u daljini svojim poslovima, ne može a da se ne sukobi sa onim što se dešava na krstu. Okruženje je u oštroj suprotnosti sa Isusom, na čijem se licu prikazuje taj stadij patnje, koji se graniči sa apatijom, ravnodušnošću prema svemu što ga okružuje. Kontradikcija bezgraničnih muka koje je prihvatio Krist i "nevidljivost" ove žrtve od strane ljudi - to je glavna tema ovog Gauguinovog djela.

P. Gauguin. Da li ste ljubomorni? 1892

Slika "Jesi li ljubomoran?" odnosi se na polinezijski period umjetnikovog rada. Slika je zasnovana na sceni iz života koju je umjetnik zavirio:

na obali, dvije sestre - upravo su zaplivale, a sada su im tijela rasprostrta po pijesku u ležernim sladostrasnim pozama - pričaju o ljubavi, jedno sjećanje izaziva svađu: „Kako? Jesi li ljubomorna!".

Slikajući sočnu punokrvnu ljepotu tropske prirode, prirodne ljude neiskvarene civilizacijom, Gauguin je prikazao utopijski san o zemaljskom raju, o ljudskom životu u skladu s prirodom. Gauguinova polinezijska platna po dekorativnom koloritu, ravnosti i monumentalnosti kompozicije, generalizaciji stiliziranog uzorka podsjećaju na panele.

P. Gauguin. Odakle smo došli? Ko smo mi? Gdje idemo? 1897-1898

Slika „Odakle smo došli? Ko smo mi? Gdje idemo?" Gauguin je smatrao uzvišenom kulminacijom svojih razmišljanja. Prema namjeri umjetnika, sliku treba čitati s desna na lijevo: tri glavne grupe figura ilustruju pitanja postavljena u naslovu. Grupa žena sa djetetom na desnoj strani slike predstavlja početak života; srednja grupa simbolizira svakodnevno postojanje zrelosti; u ekstremno lijevoj grupi, Gauguin je prikazao ljudsku starost koja se približava smrti; plavi idol u pozadini simbolizira drugi svijet. Ova slika je vrhunac Gauguinovog inovativnog postimpresionističkog stila; njegov stil je spojio jasnu upotrebu boja, dekorativna koloritna i kompoziciona rješenja, ravnost i monumentalnost slike s emocionalnom ekspresivnošću.

Gogenov rad anticipirao je mnoge karakteristike stila Art Nouveau koji se razvijao tokom ovog perioda i uticao na formiranje majstora grupe Nabis i drugih slikara ranog 20. veka.

W. Van Gogh. Auto portret. 1889

Vincent Van Gogh (godine života 1853-1890) - francuski i holandski postimpresionistički slikar, počeo je slikati, poput Paula Gauguina, već u odrasloj dobi, 1880-ih. Van Gog je do tada uspešno radio kao diler, zatim kao učitelj u internatu, kasnije je studirao u protestantskoj misionarskoj školi i šest meseci radio kao misionar u siromašnoj rudarskoj četvrti u Belgiji. Početkom 1880-ih, Van Gog se okrenuo umjetnosti, pohađajući Akademiju likovnih umjetnosti u Briselu (1880-1881) i Antwerpenu (1885-1886). U ranom periodu svog stvaralaštva Van Gogh je slikao skice i slike u mračnom slikarskom rasponu, birajući za zaplet prizore iz života rudara, seljaka i zanatlija. Van Goghova djela iz ovog perioda („Jedači krompira“, „Toranj stare crkve u Ninenu“, „Cipele“) označavaju bolno akutnu percepciju ljudske patnje i osjećaja depresije, opresivne atmosfere psihičke napetosti. U pismima bratu Teu, umetnik je o jednoj od slika iz tog perioda, „Jedači krompira“, napisao sledeće: „U njoj sam pokušao da naglasim da su ti ljudi, jedući svoj krompir uz svetlost lampe, iskopali zemlja istim rukama koje su pružili na posudu; tako, platno govori o teškom radu i da su likovi pošteno zarađivali hranu.“ Godine 1886-1888. Van Gog je živeo u Parizu, posećivao prestižni privatni umetnički atelje poznatog širom Evrope učitelja P. Kormona, studirao impresionističko slikarstvo, japansko graviranje i sintetička dela Pola Gogena. U tom periodu Van Goghova paleta postaje svetla, zemljana nijansa boje nestaje, pojavljuju se čisti plavi, zlatnožuti, crveni tonovi, njegova karakteristična dinamika, kao da teče potez kista („Agostina Segatori u tamburaškom kafiću“, „Most preko Sene“ “, “Papa Tanguy”, “Pogled na Pariz iz Teovog stana u ulici Lepić”).

Godine 1888. Van Gogh se preselio u Arles, gdje je konačno utvrđena originalnost njegovog stvaralačkog manira. Vatreni umjetnički temperament, mučni poriv ka harmoniji, ljepoti i sreći, a ujedno i strah od čovjeku neprijateljskih sila, oličeni su bilo u pejzažima blistajućim sunčanim bojama juga („Žuta kuća“, „Žetva La Crot Valley”), ili u zlokobnim slikama koje podsjećaju na noćne more („Terasa noćnog kafića“); dinamika boje i poteza

W. Van Gogh. Noćni kafić terasa. 1888

ispunjava produhovljenim životom i pokretom ne samo prirodu i ljude koji je naseljavaju („Crveni vinogradi u Arlu”), već i nežive predmete („Van Gogova spavaća soba u Arlu”).

Van Goghov intenzivan rad posljednjih godina pratili su napadi mentalne bolesti, koji su ga odveli u bolnicu za mentalno bolesne u Arlesu, zatim u Saint-Remy (1889-1890) i u Auvers-sur-Oise (1890), gdje je izvršio je samoubistvo. Rad posljednje dvije godine umjetnikovog života obilježen je ekstatičnom opsesijom, izuzetno pojačanim izrazom kombinacija boja, naglim promjenama raspoloženja – od pomahnitalog očaja i sumornog vizionarstva („Put sa čempresima i zvijezdama“) do ustreptalog osjećaja prosvjetljenja i mir (“Pejzaž u Auversu nakon kiše”) .

W. Van Gogh. Irises. 1889

Tokom perioda liječenja na klinici Saint-Remy, Van Gogh je naslikao seriju slika "Irises". U njegovom slikanju cvijeća nema velike napetosti i može se pratiti utjecaj japanskih ukiyo-e printova. Ova sličnost se očituje u odabiru kontura objekata, neobičnih uglova, prisutnosti detaljnih područja i područja ispunjenih jednobojnom bojom koja ne odgovara stvarnosti.

W. Van Gogh. Pšenično polje sa vranama. 1890

“Pšenično polje s vranama” je slika Van Gogha, koju je umjetnik naslikao u julu 1890. godine i jedno je od njegovih najpoznatijih djela. Slika je navodno završena 10. jula 1890. godine, 19 dana prije njegove smrti u Auvers-sur-Oiseu. Postoji verzija da je Van Gogh počinio samoubistvo u procesu pisanja ove slike (izlazeći na otvorenom s materijalima za crtanje, pucao je u sebe iz pištolja kupljenog da uplaši jata ptica u predjelu srca, a zatim samostalno stigao do bolnice, gdje je umro od gubitka krvi).