Izložba umetnosti Tretjakovske galerije 20. veka. Tretjakovska galerija na Krimskom valu

Umetnost 20. veka

Zinaida Evgenievna Serebryakova. „Iza toaleta. Auto portret. 1909

Kuzma Sergejevič Petrov-Vodkin (1861–1939). Kupanje crvenog konja 1912. Ulje na platnu. 160x186

Godine 1912. na izložbi Svijet umjetnosti pojavila se slika K. S. Petrov-Vodkina "Kupanje crvenog konja", koju su javnost, umjetnici i kritičari doživjeli kao znak obnove. Početkom 1910-ih, kada su stare ideje o umjetnosti postajale zastarjele, a u umjetničkom okruženju dolazilo do nasilnog bacanja, slika "Kupanje crvenog konja" mnogima se činila idejom koja može pomiriti staro i novo, "lijevo" i “desno”, akademici i miriskusnici. Umjetnik je „izgradio“ monumentalno djelo, dajući mu „programiranje“, pronalazeći značajnu formu koja je sposobna izraziti dubok i prostran sadržaj. Slika je postala uzor umjetničkog integriteta, apsolutno oličenje umjetničke odluke, što je početkom 20. stoljeća bila rijetka pojava u ruskom slikarstvu. Organski je kombinirao različite tradicije - drevne ruske ikone i monumentalne slike renesanse, dekorativnu umjetnost, stil Art Nouveau i gotovo klasičnu plastičnost u interpretaciji figura.

Prostor slike je organizovan tako da se zahvaljujući visokoj liniji horizonta, koja je takoreći izvan same kompozicije, uzdiže i zapravo pruža prema posmatraču, ograničavajući se na stvarnu ravan platna. . Istovremeno, dubina ne nestaje: gledatelj to osjeća zbog velikog smanjenja figura drugog plana.

Autor, takoreći, polemiše sa impresionističkim metodama slikanja, čiji su čari bili mnogi umjetnici u to vrijeme, ostaje po strani od kubističkog principa transformacije forme, ne zanimaju ga ni futuristički eksperimenti.

Još jedna karakteristika ove slike karakteristična je za cjelokupno djelo Petrov-Vodkin: uprkos činjenici da je radnja namjerno svakodnevna (kupanje konja), u njoj nema priče o događaju. I mada je radnja sasvim jasna, slikar uspeva da je podigne do neke idealne slike. Jedna od tehnika kojom postiže svoj cilj je interpretacija boje, prvenstveno glavne figure (crveni konj). Istovremeno, ne postoji „poster“ sa svojom namjernom privlačnošću. Umjesto toga, postoje tradicije drevne ruske umjetnosti: crveni konj se često nalazi na ikonama (crveno je lijepo). Jasno osjećan patos slike, izraz duhovnosti kao duboko unutrašnjeg stanja, čini je oličenjem nacionalnog ruskog pogleda na svijet. Štafelajno djelo, zbog svog unutrašnjeg značaja, duhovnog sadržaja i odsustva nasumičnih detalja, doživljava se kao monumentalna tvorevina.

Evgenij Evgenijevič Lansere (1875–1946). Carica Elizaveta Petrovna u Carskom Selu 1905. Papir na kartonu, gvaš. 43,5x62

Mlađi savremenik umjetnika "Svijeta umjetnosti", Lansere maestralno govori figurativnim jezikom "retrospektivnih sanjara", odvojeno i istovremeno ironično rekreira stil života dvorske šljokice "zlatnog" XVIII vijeka. Izlazak Elizabete Petrovne sa svojom pratnjom umjetnik tumači kao neku vrstu pozorišne predstave, gdje se veličanstvena figura carice doživljava kao nastavak fasade palače. Kompozicija je izgrađena na kontrastu veličanstvene dvorske povorke, neobičnog sjaja barokne arhitekture i napuštenog partera redovnog parka. Umjetnik je fasciniran preklapanjem elemenata arhitektonske dekoracije i toaletnih detalja. Caričin voz podsjeća na podignutu pozorišnu zavjesu iza koje iznenađujemo dvorske glumce koji žure da izvedu svoje uobičajene uloge. U gomili lica i figura skriven je "skriveni lik" - mladi Afrikanac, koji marljivo nosi carski voz. Od pogleda umjetnika nije bio sakriven zanimljiv detalj - nezatvorena burmutica u nemirnim rukama omiljenog gospodina. Treperenje šara i mrlja u boji stvara osjećaj oživljenog trenutka prošlosti.

Konstantin Andrejevič Somov (1869–1939). Dama u plavom 1897–1900. Platno, ulje. 103x103

“Dama u plavom” je portretna slika koja prikazuje umjetnicu E. M. Martynovu, blisku prijateljicu autora i njegovu koleginicu sa Akademije umjetnosti. Pred nama je stari stilizovani park i žena obučena u raskošnu haljinu 18. veka sa svojim složenim duhovnim svetom. Retrospektivni portret koji je stvorio umjetnik novi je fenomen u ruskoj umjetnosti. Detalji „galantnog doba“ kombinovani na slici i prefinjenog izgleda željne dame Srebrnog doba na kraju prenose duh kompleksnog i kontroverznog doba.

Kompozicija je zasnovana na poređenju planova i njihovog kolorističkog rješenja. Vitka ženska figura savršeno se uklapa u kvadratni format platna, što portretu daje određenu reprezentativnost. Šarenica tamnoplave boje heroininog ruha odaje prozirnost plavičastih senki fino oslikanog lica, otvorenih krhkih ramena i naglašava ekspresivnost gesta lijepih ruku. Sva plastičnost modela podsjeća na velike majstore prošlih epoha. Stari park sa jezercem i par koji svira muziku u daljini jasno je u kontrastu sa raspoloženjem portretisane osobe. To je prije park-sjećanje, u kojem je vrijeme prigušilo sve boje, a listovi grma, koji je pozadina za lik u plavoj boji, su čudne „beživotne“ boje (takvo je lišće na starim izblijedjelim tapiserijama) . Veza između prošlosti i sadašnjosti ovdje je muška figura u čijem obliku se nagađa autor slike.

U Somovljevom djelu portret E. M. Martynove zauzima posebno mjesto, nikada više neće stvoriti ništa ekvivalentno „Dami u plavom” po uzvišenosti, poeziji i čistoti slike, po snazi ​​ekspresivnosti i postigao izvesno „apsolutno“ umetničko oličenje.

Viktor Elpidiforovič Borisov-Musatov (1870–1905). Ribnjak 1902–1903. Platno, ulje. 177x216

Na slikama Borisova-Musatova uvijek postoji osjećaj uzbudljive, neobjašnjive misterije. Glavni motiv, kroz koji umjetnik otkriva svijet skriven pod izmaglicom boja, su plemićka gnijezda, propadajuća stara imanja. Uglađeni muzički ritmovi kompozicija Borisov-Musatov iznova reproduciraju njegove omiljene teme: to su uglovi parka i ženske figure koje izgledaju kao slike ljudskih duša koje lutaju u polustvarnom carstvu sna.

Slika "Rezervoar" nastala je u parku imanja princeze Prozorove-Golitsyne Zubrilovke u najsrećnije vrijeme za umjetnika: Elena Vladimirovna Aleksandrova pristala je postati njegova supruga. Umjetniku su pozirali njegova sestra Elena Borisova-Musatova i nevjesta, koja je utjelovila slike vječne ženstvenosti.

Unatoč činjenici da je platno naslikano iz prirode - pravi park sa jezercem i pravim ženama, svi su u njemu vidjeli nešto što nije od ovoga svijeta. Tajanstvena polustvarnost i bezvremenost slike postala je najpoetičnija manifestacija simbolističke vizije svijeta snova. Rezervoar, čiji su obrisi u stvari bili idealni krug, umjetnik je prikazao kao veliki oval, čiji se rubovi protežu izvan platna. Ovu geometrijsku formu, koju Musatov tako voli, odjekuje slična, ali manja suknja jedne od heroina, položena u prekrasan oval. Njihova kombinacija odmah postavlja određeni muzički ritam celom delu. Neobična konstrukcija kompozicije - isključenje linije horizonta sa slike - važna je tehnika. Koristeći ga, slikar namjerno približava prvi i drugi plan, čineći platno ravnijim. Junakinje, koje se nalaze u prvom planu, nalaze se ispod bare, a sama vodena površina, vedra i bistra kao nebo, doslovno visi nad njima. Kao rezultat, stvara se iluzija pravog ogledala, podignuta i postavljena okomito. Iz običnog pejzaža rađa se potpuno drugačija slika, nova stvarnost – što je bilo vrlo karakteristično za umjetnike simboliste.

Filip Andrejevič Maljavin (1869–1940). Vihor 1906. Ulje na platnu. 223x410

U svom radu umjetnik se na svoj način približio narodnoj temi tradicionalnoj za rusko slikarstvo, naglašavajući moćan elementarni princip ženskih slika, dajući im monumentalnost. Smjela Malyavinova slika, sa svojim uslovnim pozadinama, velikim figurama, plitkim prostorom i neobično zvučnom bojom, naglašeno je dekorativna. Međutim, početkom 20. veka savremenici su to smatrali svojevrsnim izazovom.

Na slici "Vihor" seljanke se razilaze u plesu poput "bajkovitih heroina starih ruskih epova". U svoj okrugli ples uključuju elemente prirode. Lepršava odjeća formira spontane tokove šarenih poteza, koji podsjećaju ili na vruće bljeske plamena, ili na hladne mlazove vode, ili na gorući dah vjetra, ili na livade prekrivene cvijećem. Slobodni pokreti kista, koji odgovaraju ritmu vihornog plesa, daju posebnu dinamiku slici. I. E. Grabar je savjetovao Malyavina da slika posebnim bojama koje se dugo suše. Kao rezultat toga, slika je počela nalikovati vulkanskoj lavi, pojavio se efekat svojevrsnog pokretnog mozaika. Forme i boje lebde jedna na drugoj, stvarajući unutrašnju napetost. To pojačava ekspresivnost slike, izgrađene na sjecištu različitih stilskih trendova - impresionizma i modernosti. Djelo je nastalo tokom prve ruske revolucije. U njegovoj radnji, u žarko crvenoj boji, može se vidjeti istovremeno i nada u duhovni preporod i slutnja razularenih razornih sila.

Aleksandar Nikolajevič Benoa (1870–1960). Šetnja kralja 1906. Papir na platnu, akvarel, gvaš, bronzana boja, srebrna boja, grafitna olovka, pero, kist. 48x62

Ime A. N. Benoisa povezuje se s nastankom 1898. godine udruženja "Svijet umjetnosti", čiji je jedan od osnivača i idejni vođa. Benois je bio umjetnik, teoretičar i kritičar umjetnosti, napisao je mnoge monografije i studije kako o pojedinačnim majstorima slikarstva, tako i o povijesti umjetnosti općenito. Rad umjetnika Benoisa uglavnom je posvećen dvjema temama: „Francuska ere „Kralja Sunca”” i „Peterburg 18. - ranog 19. stoljeća”, koje su bile oličene u određenoj vrsti istorijskog slikarstva, stvarajući poseban “retrospektivni” pogled na prošlost. Umjetnik se ovim temama okreće u svojim povijesnim slikama i pejzažnim radovima, nastalim iz života u Sankt Peterburgu i okolnim palatama, kao iu Francuskoj, u Versaju, gdje je često i dugo posjećivao.

Opisujući kraljeve šetnje, autor nije zanemario ništa: ni poglede na parkove sa baštenskom arhitekturom (slikani su iz života), ni pozorišne predstave, veoma moderne u antičko doba, ni svakodnevne scene nacrtane nakon detaljnog proučavanja istorijskog materijala. King's Walk je veoma efikasan rad. Gledalac se susreće s Lujem XIV, šetajući po njegovom djetetu. Jesen je u Versaju: drveće i žbunje su bacili lišće, njihove gole grane usamljeno gledaju u sivo nebo. Voda je mirna. Čini se da ništa ne može poremetiti tihi ribnjak, u čijem se ogledalu ogledaju i skulpturalna grupa fontane i dostojanstvena povorka monarha i njegove pratnje.

Osvrćući se na vrijeme Luja XIV, Benois je napisao: „Nisam imao poseban kult ličnosti Louisa Catorza... Ali senilni umor tog doba, početak opadanja ukusa, koji je zamijenio mladalačku aroganciju, bezbrižnost i osećaj veličanstvene lepote, odjednom je ovaj svet učinio mojim svetom."

Igor Emanuilovič Grabar (1871-1960). Krizanteme 1905. Platno, tempera, pastel. 98x98

I. E. Grabar je univerzalna ličnost ruske umjetničke kulture: umjetnik, istoričar umjetnosti, učitelj, restaurator, muzej i javna ličnost. Od 1913. do 1925. bio je direktor Tretjakovske galerije, kreirao je novu ekspoziciju u muzeju, naučno utemeljenu i pomno osmišljenog koncepta, koja je postala svojevrsni model za kasnije muzejske reekspozicije.

Grabar je prihvatio potragu francuskih majstora, aktivno koristeći tehnike divizionizma - odvojene primjene boja na platnu. "Hrizanteme" je umjetnikova najspektakularnija mrtva priroda. Bujni buketi cvijeća predstavljeni su u dobro osvijetljenoj prostoriji, kao na otvorenom. Prostor je ispunjen zrakom u kojem se toplina sunčeve svjetlosti izvan prozora spaja sa hladnoćom unutrašnjosti. Slikovita površina sastoji se od frakcijskih reljefnih poteza koji prenose vibraciju svjetlosnog i zračnog okruženja. Boja je razložena na tople i hladne tonove, otuda zelenkasta nijansa žutih krizantema, igra žutih i plavih, ružičastih i zelenih gradacija na površini stolnjaka, sedef odsjaj vaze. Treperenje šarenih poteza stvara efekat promenljive, pokretne atmosfere koja je upila reflekse boja i obavija predmete u prostoriji. Međutim, ova tehnika omogućava umjetniku da opipljivo precizno prenese teksturu predmeta: prozirnost stakla, dragocjeno porculansko posuđe, blistavu bjelinu uštirkanog stolnjaka, nježnost i baršunast krizantema.

Sergej Timofejevič Konenkov (1874-1971). Nike 1906. Mermer. 32x19x12

S. T. Konenkov je umjetnik čijim radom dominiraju dubina i mudrost širokih figurativnih generalizacija, hrabrost, veličanje ljepote čovjeka i njegovih plemenitih poriva, njegove želje za slobodom. Mermerna glava "Nike" jedno je od najboljih radova Konenkova. Velike ideje tog vremena, simboliku značajnih događaja, majstor je mogao izraziti u djelima bilo kojeg žanra i veličine. Dakle, mali "Najk" osvaja svojom blistavom inspiracijom. Ideju Pobjede vajar je utjelovio u liku vrlo mlade djevojke s izraženim nacionalnim ruskim crtama. Model za vajara bio je zaposlenik manufakture Trekhgornaya. Slika Nikea, ne gubeći svoj portretni karakter, pretvorila se u poetsko oličenje radosti, leta, nepobjedivosti. Ovo zadivljujuće, istinski poetsko promišljanje prirode jedna je od najjačih karakteristika Konenkovljevog rada.

Mnoga od najboljih majstorovih radova izrađena su u mermeru. Najčešće su to djela u kojima, prema riječima vajara, "lijepi ljudski oblici oličavaju najbolje crte karaktera osobe"

Natalija Sergejevna Gončarova (1881–1962). Autoportret sa žutim ljiljanima 1907. Ulje na platnu. 58,2x77

N. S. Gončarova, jedna od prvih „Amazonki avangarde“, umjetnica nove formacije, naslikala je autoportret u svojoj moskovskoj radionici, au unutrašnjosti su predstavljena njena djela impresionističkog perioda. Platno je napisano ekspresivno, brzi potezi podsjećaju na Van Goghovu sliku. Slika je svijetla i lirska, cvijeće joj daje posebnu poetiku - buket ljiljana, koji pritišće Gončarova k sebi. Služi i kao koloristički akcenat, ističući se na opštoj pozadini platna kao jarko crvena mrlja.

Mihail Fedorovič Larionov (1881–1964). Proljeće. Godišnja doba (Novi primitiv) 1912. Ulje na platnu. 118x142

Vođa ruskog avangardnog pokreta kasnih 1900-ih - ranih 1910-ih, M.F. Larionov pridavao je veliku važnost iskrenoj, naivnoj i na prvi pogled neozbiljnoj dječjoj kreativnosti, budući da je ona uvijek direktna i dolazi iz dubine dječje svijesti. Imitirajući naivni dječji crtež, umjetnik je težio stvaranju radova koji su bili jednako iskreni i spontani. Gledajući na svijet očima djeteta, Larionov je napisao ciklus slika „Godišnja doba“, gdje svako godišnje doba oličava jednostavnu sliku ženske figure, a pored nje slijedi objašnjenje napisano namjerno neuredno. Međutim, pokazalo se da oličenje plana nije djetinjasto duboko.

Proljeće je okruženo nezgrapnim krilatim anđelima, proljetna ptica joj donosi granu s rascvjetanim pupoljcima; u blizini s desne strane, ograđeno okomitom trakom, raste upravo ono drvo koje se može protumačiti kao biblijsko Drvo znanja. Na desnoj strani donjeg "registra" slike prikazani su muški i ženski profil, obostrano okrenuti prema Drvetu znanja - slike primitivnih Adama i Eve, koji očigledno doživljavaju buđenje nježnih osjećaja, baš kao što se budi i sama priroda. , a možda su već probali Zabranjeno voće. U istom prostoru, sasvim ispod, naslućuje se još jedna biblijska priča - "Izgon iz raja". U lijevom polju istog donjeg "registra" slijedi naivan opis proljeća, kao da ga je napravilo dijete: "Proljeće je vedro, lijepo. Sa jarkim bojama, sa belim oblacima”, u kojima se, međutim, oseća izvesna lukavost umetnika. Uostalom, nije slučajno što u podnaslovu naslova čitamo "Novi primitiv" i mentalno završavamo sa "...o vječnoj temi".

Aleksandar Jakovlevič Golovin (1863–1930). Portret F. I. Šaljapina kao Holoferna 1908. Platno, tempera, pastel. 163,5x212

"Portret F. I. Chaliapina u ulozi Holoferna" jedno je od najboljih djela umjetnika i scenografa A. Ya. Golovina. Reproducira mizanscenu iz opere Judita A. N. Serova. Chaliapin-Holofernes je zavaljen na luksuznom krevetu u veličanstveno namještenom šatoru, u desnoj ruci drži šolju, a lijevom arogantnim pokretom pokazuje naprijed. Kompozicija platna građena je po zakonima štafelajnog slikarstva, a raksiranost modela i proizvoljno osvjetljenje objekata daju djelu karakter fresko slikarstva. Lik Chaliapina u ulozi asirskog zapovjednika gotovo se spaja s pozadinom, zbog čega izgleda kao svojevrsni ukrasni uzorak. Platno je prožeto talasastim pokretom, koji je glavni plastični motiv koji izražava prirodu muzičkog rešenja slike orijentalnog komandanta. Koloristički zvuk djela izuzetno je bogat. Na ovom pozorišnom portretu Golovina, bogato svetla boja umetnikovog kostima i pokrivala kao da naglašava lepotu glasa velikog ruskog pevača.

Konstantin Aleksejevič Korovin (1861–1939). Ruže i ljubičice 1912. Ulje na platnu. 73,2x92

Formiranje impresionizma u ruskom slikarstvu povezano je s imenom K. A. Korovina. Korovin se 1910-ih zainteresirao za mrtve prirode, koje su utjelovile njegova inovativna traganja na polju pozorišne scenografije. Često je slikao ruže - luksuzne i nežne, simbole strasti i radosti postojanja. Zamašnim potezima umjetnik stvara "portret" svakog cvijeta, a njegove ruže cvjetaju na platnu, zadivljujući neuvenljivom svježinom boja.

Mrtva priroda sa ružama, mali buket ljubičastih ljubičica, crvene narandže, posuda za šećer i lonac za kafu prikazana je na pozadini otvorenog prozora koji gleda na večernji Pariški bulevar. Ulicu je treperavo svjetlo fenjera pretvorilo u sablasni treptaj svjetala; mrtva priroda je osvijetljena iznutra sobe i djeluje neprirodno svijetlo. Čini se da svjetlost stvara magičnu igru ​​transformacije stvarnosti.

Nikolaj Petrovič Krimov (1884–1958). Moskva pejzaž. Duga 1908. Ulje na platnu. 59x69

Već prve slike mladog Nikolaja Krimova pokazale su da je gradski stanovnik ušao u rusko pejzažno slikarstvo, sposoban da vidi ljepotu svijeta među gradskim kućama i raznobojnim krovovima, da osjeti tajni život prirode usred gradske vreve i buke. . Platno "Moskovski pejzaž. Duga“ zauzima posebno mjesto u radu Krimova. Kombinira simbolističku viziju svijeta i umjetnikova impresionistička traženja: duga je doslovno razložena na boje, a sam krajolik u cjelini je mistična korespondencija nebeskog i zemaljskog svijeta u očima simbolista.

Slika svijeta djeluje krhko i igračka, kao da se gleda očima djeteta. Duga zasjenjuje prostor, njeni fragmenti klize po krovovima, svjetlucaju na prozorima; dijete trči stazom trga s gramofonom u rukama - igračkom "prototipom" duge. U ovom šarolikom svijetu, autor je svoje inicijale sakrio na natpisu radnje.

Slika simbolizira trijumf preobraženog svijeta, gdje svjetlost duge prodire u svaku česticu bića. Krimovljev slikovit način doprinosi sjaju površine. Reljefni potezi stvaraju efekt dragocjene, preljevne majoličke glazure na površini platna.

Pavel Varfolomejevič Kuznjecov (1878-1968). Veče u stepi 1912. Ulje na platnu. 96,7x105,1

Jedan od vodećih majstora Plave ruže, P. V. Kuznjecov, putovao je Centralnom Azijom 1912–1913., vraćajući sećanja na život istočnih naroda i djela koja su zabilježila mnogo toga što je vidio. Na slici "Veče u stepi", umjetnik je prikazao scenu iz života kirgiških nomada. Žene su zauzete svakodnevnim poslovima, ovce mirno pasu, mir i tišina se razlivaju.

Odmarajuća priroda i čovjek su u skladnom jedinstvu. U kompoziciji nema suvišnih detalja: samo zemlja, nebo, tanko drveće, nekoliko ovaca i dvije ženske figure, obavijene mekim svjetlom; ovdje nema posebnih topografskih ili etničkih obilježja, zbog čega se granice prikazanog razmiču do univerzalnih razmjera. Prostor se približava konvencionalnosti, lagani široki potezi kao da prenose njegovo mirno i ujednačeno disanje.

Vasilij Vasiljevič Kandinski (1866-1944). Improvizacija 7 1910. Ulje na platnu. 97x131

V. V. Kandinski se smatra jednim od osnivača apstraktnog slikarstva. Put nove umjetnosti vidio je u želji da prenese unutrašnji sadržaj vanjskih oblika svijeta i, kao rezultat toga, u odbacivanju njenog realističkog prikaza. Umjetnik je u svom radu nastojao prenijeti osobne osjećaje ne uz pomoć objektivnih oblika (kroz ovu ili onu radnju), već samo slikovnim sredstvima. Tako je, na primjer, umjesto uobičajenih žanrova figurativne umjetnosti koristio impresiju, improvizaciju i kompoziciju.

Improvizacija je izraz procesa unutrašnje prirode koji se dešava iznenada, uglavnom nesvjesno. "Improvizacija 7" jedno je od ranih djela Kandinskog. Objektivni svijet ovdje je rastvoren u kretanju ravnina i linija, složeno usklađenih boja.

Kazimir Severinovič Malevič (1878–1935). Portret umjetnika M. V. Matjušina 1913. Ulje na platnu. 106,5x106,7

Do 1913. među ruskim futuristima pojavio se umjetnički pravac - kubo-futurizam. Njegovi tvorci nastojali su sintetizirati ideje futurizma i kubizma. Glavni zadatak futurizma je prenijeti osjećaj kretanja.

Maljevič je komponovao portret Matjušina iz različitih geometrijskih ravnina, što ga na prvi pogled dovodi u vezu sa stilom kubističkih djela Picassa i Braquea. Ali postoji i značajna razlika: osnivači kubizma slikali su uglavnom jednobojno, dok Malevich aktivno koristi bogate boje. Još jedna karakteristika slike: uz svu apstraktnost, realistični detalji su razbacani po platnu. Tako, na primjer, dio čela s kosom začešljanom u ravni razdjeljak tačno ponavlja Matjušinovu frizuru, prema svjedočenju ljudi koji su ga poznavali. Ovo je možda jedini detalj koji ukazuje da pred sobom imamo portret. Matjušin nije bio samo umjetnik, već i kompozitor, pa je lako pretpostaviti da je linija bijelih pravokutnika koji dijagonalno dijele sliku klavirska klavijatura (i bez crnih tipki - nagoveštaj originalnosti muzičkog sistema Mihaila Vasiljeviča Matjušin).

Stanislav Julijanovič Žukovski (1875–1944). Radosni maj 1912. Ulje na platnu. 95,3x131,2

S. Yu. Žukovsky, ruski umjetnik poljskog porijekla, na slici „Veseli maj“ prikazao je unutrašnjost seoske kuće kroz čiji otvoreni prozor upada topli sunčani majski dan, pretvarajući cijelu prostoriju igrom svjetlo. Rad nastavlja tradiciju unutrašnjeg slikarstva iz doba romantizma, posebno škole A. G. Venetsianova. Suncem ispunjen enterijer oslikan je pod uticajem impresionizma, čiju rusku verziju karakteriše lirska nota.

Stari drveni zidovi, stolice u stilu carstva sa plavim presvlakama, postavljene uz njih između prozorskih otvora, i portreti odavno mrtvih stanovnika ove kuće, mogu mnogo reći. Unutrašnjost je ispunjena motivom duboke nostalgije. Ovdje sve diše prošlošću, ali radosna svjetlost koja se u maju širi posvuda prigušuje male note i malo-pomalo oživljava ovaj interijer. Plavo cvijeće na osvijetljenoj prozorskoj dasci - kao simbol obnove koja je stigla u staru kuću, a koja je karakteristična za svu prirodu.

Boris Mihajlovič Kustodijev (1878–1927). Maslenica 1916. Tempera na platnu. 61x123

Radošću i zabavom ispunjena su platna slikara, grafičara i pozorišnog umjetnika B. M. Kustodieva na temu zimskih svečanosti i praznika. Među njima centralno mjesto pripada slici ruske Maslenice sa jahanjem, šakama i separeima. Ovaj praznik za umjetnika je kao karneval, u kojem je sve dekorativno i lijepo: hodaju ljudi bogato odjeveni u šarene šalove i bunde; konji koji jure, ukrašeni vrpcama, zvončićima i papirnatim cvijećem; a činilo se da je čak i sama priroda obukla svoju najbolju odjeću.

U svojim brojnim slikama posvećenim Maslenici i drugim svečanostima, Kustodijevu je bilo važno da naglasi vrtoglavi vrtlog emocija. Možda je zato glavni motiv kretanja u njima oduvijek bio nekontrolirano trkački trio. Dinamika ovih radova zasnovana je na kompozicionim tehnikama pozorišne i dekorativne umjetnosti: kontrastnoj igri svjetla i sjene, korištenju "bekastage". Ova platna su toliko dekorativna u svojoj boji i kompoziciji da podsjećaju na neobične oslikane kutije. Tim više iznenađuje činjenica da je većina majstorskih djela napisana iz sjećanja i predstavlja generalizirane slike Rusije u cjelini. Njihovi junaci su očišćeni od svega negativnog: ljubazni su, poetični, puni dostojanstva i žive poštujući zakone i tradiciju. I javlja se nevoljni osjećaj da se put patrijarhalnog svijeta neminovno povlači u prošlost.

Robert Rafailovič Falk (1886–1958). Crveni namještaj 1920. Ulje na platnu. 105x123

R. R. Falk je bio slikar, crtač, pozorišni umjetnik, član udruženja kao što su World of Art, Jack of Diamonds, a kasnije OMX i AHRR. Platna ovog umjetnika odlikuju se savršeno prenesenim volumenom forme. U nekim radovima majstor je uveo oštru deformaciju, što mu je omogućilo da naglasi unutrašnju napetost na slici.

To se može primijetiti i na slici "Crveni namještaj": unatoč činjenici da u njoj nema likova, pomaci u oblicima i izraz boja toliko su zasićeni emocijama da gledatelj nehotice ima osjećaj uznemirujuće slutnje. Utisak je pojačan temperamentnim, čak i "uzbuđenim" načinom slikanja, koji naglašava intenzitet ritma koji formiraju predmeti koji se nalaze u prostoriji i sjene koje s njih padaju. Stolice sa visokim naslonom i sofa "obučeni" su u crvene presvlake. Oni skrivaju prave oblike namještaja i daju mu nejasan obris. U središtu kompozicije je stol, na čijoj se površini odvija svojevrsna bitka: sudaraju se crne i bijele boje - kao slika apsolutne suprotnosti i istovremeno vječnog jedinstva svijeta.

David Petrovič Shterenberg (1881–1948). Aniska 1926. Ulje na platnu. 125x197

D. P. Shterenberg je bio jedan od aktivnih organizatora i članova Društva štafelajnih umetnika. Radove majstora odlikuje ekspresivna oštrina slika, lakonska kompozicija, generalizacija i jasnoća crteža, namjerno planarna konstrukcija prostora.

Međutim, umjetnica heroina nije vesela, zadovoljna sportašica, već seljačka djevojka, u čijem je umu zauvijek sačuvano sjećanje na glad iz 1920-ih. Ona stoji blizu stola, na njemu je tanjir sa korom crnog hleba. Tabela je apsolutno prazna, to je golo polje sa samo jednim simbolom objekta - kruhom. Shterenberg odbija detaljno reproducirati stvarnost, stvarajući konvencionalno iluzorni plavo-smeđi prostor.

Štedljivim, ali precizno prilagođenim sredstvima boje i kompozicije, Shterenberg rekreira tragediju tog doba.

Sergej Aleksejevič Lučiškin (1902–1989). Balon je odleteo 1926. Ulje na platnu. 69x106

S. A. Luchishkin - sovjetski umjetnik, pridružio se post-revolucionarnom "drugom valu" ruske avangarde, sudjelovao je u nizu najradikalnijih umjetničkih eksperimenata 1920-ih. Scensko igranje, po pravilu, vrlo dramatičnog sadržaja izdvaja najbolje majstorove štafelajne stvari.

Slika stvarnosti koju je autor stvorio u filmu "Balon je odleteo" u suprotnosti je sa zvaničnom sovjetskom umjetnošću 1920-ih. Umjetnik je prikazao visoke kuće, kao da steže prostor između njih. U praznom dvorištu, u pozadini, ograđenom ogradom, nalazi se djevojčica. Ona gleda loptu koja leti u beskrajni prazan prostor. Prozori prikazuju prizore svakodnevnog života stanovnika visokih zgrada. Umjetnik ne prikazuje svijetlu sretnu budućnost sovjetskog naroda, već govori o stvarnoj, daleko od romantične svakodnevice. Kroz vanjsku naivnost vide se tragični znaci: viseća figurica samoubice u kutu najpoznatijeg majstorovog platna.

Marc Zakharovich Chagall (1887-1985). Iznad grada 1914–1918. Platno, ulje. 141x197

Sposobnost spajanja visokog sa običnim individualni je kvalitet rada M. Z. Chagalla, jednog od najpoznatijih predstavnika umjetničke avangarde 20. stoljeća. Slika "Iznad grada" prikazuje dvoje ljubavnika - umjetnika i njegovu voljenu Bellu, kako se lako, graciozno i ​​prirodno, kao da samo šetaju stazama parka, lete iznad Vitebska. Voljeti, biti srećan i letjeti nad svakodnevnim gradom prirodno je kao i držati jedno drugo u zagrljaju - takvu ideju afirmišu heroji.

Ova Chagallova slika bila je predodređena za čudnu sudbinu. Budući da je vlasništvo Državne Tretjakovske galerije, postao je možda najpopularnije djelo umjetnika na post-sovjetskom prostoru. Razlog tome je u velikoj mjeri bila njegova pristupačnost za gledanje, za razliku od onih Chagallovih djela koja su bila pouzdano skrivena od znatiželjnih očiju željeznom zavjesom. Uranjajući u svijet malih kuća i klimavih ograda, tako pažljivo ispisanih od strane majstora, počinjete hvatati sebe kako mislite da ste završili u Vitebsku Chagallove mladosti - gradu koji, nažalost, više ne postoji. „Ograde i krovovi, brvnare i ograde, i sve što se dalje otvaralo, iza njih, oduševilo me. Šta tačno - možete videti na mojoj slici "Iznad grada". I mogu reći. Lanac kuća i separea, prozori, kapije, kokoši, fabrika daskama, crkva, pitomo brdo (napušteno groblje). Sve je na prvi pogled, ako pogledate sa tavanskog prozora, smještenog na podu, ”ovo je citat iz autobiografije „Moj život”, koju je Chagall napisao nakon što je napustio Rusiju.

Martiros Sergejevič Sarjan (1880-1972). Planine. Jermenija 1923. Ulje na platnu. 66x68

M. S. Saryan je najveći majstor jermenskog slikarstva 20. vijeka, koji je nastavio tradiciju simbolizma. Na slici „Planine. Jermenija” predstavlja kolektivnu sliku Jermenije, a ne specifične slike bilo kojeg pojedinačnog mjesta. Svojom svjetlinom i emocionalnošću ova djela su bliska predrevolucionarnim Saryanovim djelima, razlikuju se od potonjih samo po većoj monumentalnosti. Proputovavši skoro četiri decenije po svim najznačajnijim mestima u Jermeniji, radeći mnogo u prirodi, umetnik je stvorio ogroman izbor pejzaža. Krajem 1920-ih, način Saryanovog rada na polju pejzaža se promijenio. Umjesto brzosušećih tempera, radi uljanim bojama, koje omogućavaju slikanje pejzaža direktno iz prirode, a ne iz sjećanja, kao prije.

Petar Petrovič Končalovski (1867–1956). Portret V. E. Meyerholda 1938. Ulje na platnu. 211x233

U periodu masovne represije, neposredno prije hapšenja i smrti Meyerholda, P. P. Končalovski je stvorio portret ove izvanredne pozorišne ličnosti. Za reformističkog reditelja Vsevoloda Emilijeviča Mejerholda, 1938. je počela dramatično: 7. januara Komitet za umetnost usvojio je rezoluciju o likvidaciji Državnog pozorišta Mejerholjd (GOSTIM).

Kako bi naglasio sukob pojedinca s okolnom stvarnošću, stvarajući portret reditelja, umjetnik je koristio složeno kompoziciono rješenje. Na prvi pogled se čini da je na platnu prikazan sanjar čiji su snovi oličeni u šarenim šarama koje prekrivaju cijeli zid i sofu do poda. Ali, gledajući pažljivije, može se naslutiti bolna apatija modela, odvojenost od vanjskog svijeta. Upravo kroz jukstapoziciju blistavog tepiha, gusto prekrivenog ornamentima, i jednobojne figure režisera, koji je iluzorno stisnut i upleten u bizarne obline šara, Končalovski stvara posebnu emocionalnu napetost koja otkriva sadržaj slike. .

Ilja Ivanovič Maškov (1881–1944). Moskva hrana 1924. Ulje na platnu. 129x145

Jedan od osnivača umetničkog udruženja Jack of Diamonds, I. I. Mashkov, govorio je o svom slikarstvu na sledeći način: „Želeo sam da dokažem da naša sovjetska umetnost slikanja treba da bude u skladu sa našim vremenom i da je razumljiva, uverljiva, razumljiva svakom zaposlenom čoveku. . Želio sam prikazati realističnu umjetnost u ovoj nekompliciranoj radnji. Mrtva priroda „Khleby“ je naša obična moskovska pekara svog vremena… a kompozicija je, takoreći, nemarna, nespretna, ali naša, moskovska, lokalna, a ne pariska… Hleby je naša majka Rusija… rodna, hlebna, orkestralna, orgulje, zbor.” Umjetnik je, međutim, neiskren, ne kaže da je mrtvu prirodu slikao po sjećanju.

Odmah nakon pojavljivanja ovog djela na izložbi, prepoznato je kao klasik sovjetskog slikarstva. Zvanična sovjetska kritika je primijetila korespondenciju mrtve prirode sa zadacima slikarstva socijalističkog realizma: zaista, u zemlji vlada glad, ali u umjetnosti je nevjerovatno obilje! Ipak, ovaj rad je pokazao izuzetan slikarski dar umjetnika: dinamičnu kompoziciju, bogatstvo boja - sve su ove osobine bile svojstvene umjetnicima "Dijamanta".

Vera Ignatjevna Mukhina (1889–1953). Julia 1925. Drvo. Visina 180

Skulptura izuzetnog majstora XX veka V. I. Muhine nabavljena je 2006. godine za zbirku Državne Tretjakovske galerije. Rad je već predstavljen u stalnom postavu muzeja na Krimskom Valu. Naziv djela povezan je s imenom balerine Podgurske, koja je bila model. Složen umjetnički koncept autor je utjelovio u figuri prikazanoj spiralno. Ovo je rijedak primjer drvene skulpture koja je zadržala originalnost ručne izrade. Ruski istoričar umetnosti A. V. Bakušinski nazvao ju je "stvarno okruglom skulpturom".

Vera Ignatjevna je veoma volela ovo delo i do poslednjih dana ga je čuvala u svom ateljeu. Godine 1989. skulptura "Julia" uključena je u ličnu izložbu V. I. Mukhine, uređenu unutar zidova galerije za njenu stogodišnjicu. Kasnije je plastično remek-djelo bilo u porodici njenog sina V. A. Zamkova, koji je nakon njegove smrti zavještao da prenese djelo u zbirku Državne Tretjakovske galerije.

Sarra Dmitrievna Lebedeva (1892–1967). Djevojka s leptirom 1936. Bronza. Visina 215

„Djevojka s leptirom“ je bronzani odljev pejzažne vrtlarske skulpture dizajnirane za ukrašavanje moskovskog Centralnog parka kulture i razonode (u parku je postojala neočuvana cementna verzija). Plastičnost kipa prenosi oprezni pokret djevojke koja pokušava da ne uplaši leptira koji joj je sletio na ruku. U ovom radu, kao iu svim njenim radovima, vajarka i umjetnica Sarra Lebedeva pojavljuje se kao suptilni psiholog, uočavajući emocionalno stanje svog modela, pokušavajući „zaustaviti trenutak“ i zadržati leptira.

Nikolaj Konstantinovič Istomin (1886 (1887) -1942). Univerziteti 1933. Ulje na platnu. 125,5x141,5

Istomin, koji je stekao umjetničko obrazovanje u Minhenu, član udruženja Makovets i Četiri umjetnosti, nakon njihove likvidacije početkom 1930-ih, pridružio se Udruženju umjetnika revolucionarne Rusije. Na slici „Univerziteti“ umjetnik se bavi temom mladosti, budućih graditelja socijalizma, što je bilo relevantno za umjetnost Staljinove ere. Ali odluka ovog djela, kako u slikarskom tako i po sadržajnom smislu, nema mnogo zajedničkog sa plakatskim optimizmom tematskih slika tih godina. Prikazuje slikarske tehnike karakteristične za Istomina, koje su se razvile u ranom periodu stvaralaštva pod uticajem fovizma.

Ugodna soba sa velikim kvadratnim prozorom u tamnozelenom zidu, iza nje je ružičasto-biserni (za razliku od duboke, jake boje unutra) zimski grad. Protiv svetlosti - graciozne siluete dve devojke u crnom, zauzete čitanjem. Junakinje djela slične su jedna drugoj kao sestre bliznakinje. Na prvi pogled, pred nama je žanr svakodnevice, ali smisao ovog velikog, široko i hrabro oslikanog platna očito nije u detaljima priče i ne u likovima djevojaka, ne u njihovim aktivnostima. Ova slika, obična po svojoj radnji, kao da je otvoren prozor u neko drugo, prohujalo vreme, i kao da uranja gledaoca u duhovnu atmosferu tridesetih godina prošlog veka. Slika sa strogom, gotovo grafičkom shemom boja, lirska je i oštro se izdvaja među pompeznim umjetničkim djelima ovog perioda.

Pavel Dmitrijevič Korin (1892–1967). Alexander Nevskiy. Centralni dio triptiha 1951. Ulje na platnu. 72,5x101

Umjetnik je stvorio platno veličajući rusko oružje u teškom periodu za zemlju, tokom Velikog domovinskog rata. Centralna slika triptiha prikazuje princa Aleksandra Jaroslaviča, prozvanog Nevski zbog pobede nad Šveđanima u bici na Nevi 1240. godine i kanonizovanog od strane Ruske pravoslavne crkve 1549. godine. Princ se pred gledaocem pojavljuje kao svrsishodan, hrabar komandant. Ratnik širokih ramena obučen u oklop, držeći veliki mač ispred sebe, stoji na pozadini beskrajnih ruskih prostranstava i budno čuva svoje rodne zemlje. Aleksandar Nevski oličava hrabrost i hrabrost ruskog naroda, koji je spreman da se bori do poslednje kapi krvi za svoju slobodu i nezavisnost. „Želeo sam“, priseća se umetnik, „da prenesem karakter ruske osobe, da otelotvorim duh hrabrosti, koja je sastavna odlika nacije, koja je podsticala narod Rusije da se bori do smrti, da ide napred . Taj duh nepokornosti sudbini, čija volja i nepokolebljivost odzvanja i u Bači o Igorovom pohodu, i u prvim Puškinovim stihovima, i u našim srcima.

Na osnovu slike kasnije su napravljeni mozaici za stanicu Komsomolskaya-Koltsevaya moskovskog metroa.

Jurij (Džordž) Ivanovič Pimenov (1903–1977). Nova Moskva 1937. Ulje na platnu. 140x170

Od sredine 1930-ih, Pimenov, jedan od osnivača Društva štafelajnih slikara, radi na seriji slika o Moskvi, među kojima je slika „Nova Moskva“ postala posebno popularna. S iskrenim entuzijazmom, umjetnici su radili na stvaranju nove sovjetske mitologije, koja je zahtijevala druge oblike. Slika "Nova Moskva" sasvim je u skladu sa duhom vremena. Kompozicija je riješena kao kadar snimljen objektivom kamere. Autor se fokusira na figuru žene koja vozi automobil, što je fenomen bez presedana za 1930-te. Gledalac kao da joj sedi iza leđa i iz otvorenog automobila posmatra jutarnju ažuriranu Moskvu. Monolitna masa novopodignute zgrade Gosplana, slobodna avenija i prostranstvo trgova, grimizno slovo nedavno otvorene podzemne željeznice - sve je to renovirana Moskva. Boja, igrajući se s mnogim nijansama i tonovima, pokretnim potezom kista prenosi kretanje automobila i vibracije svjetlosnog i zračnog okruženja. Impresionistički stil pisanja daje djelu svježinu i eleganciju - tako je trebalo doživljavati novi kapital, a s njim i novi sovjetski život. Međutim, godina nastanka ovog platna jasno je u suprotnosti s optimističnom temom “svijetlog puta”.

Aleksandar Mihajlovič Gerasimov (1881–1963). Portret balerine O. V. Lepešinskaja 1939. Ulje na platnu. 157x200

Izvanredan talenat slikara, veseo, "sočan" način slikanja - sve je to, kako se A. M. Gerasimov kretao na ljestvici karijere socrealizma, dobilo svečani sjaj. Gerasimov je stvorio čitavu galeriju portreta istaknutih ličnosti sovjetske države i Komunističke partije Sovjetskog Saveza, vojskovođa Sovjetske armije, predstavnika sovjetske nauke, književnosti, pozorišta i likovne umjetnosti. U pozadini partijskih zvaničnika, umjetnik je dobio oduška u portretima kreativne inteligencije (balerina O.V. Lepeshinskaya, grupni portret najstarijih umjetnika I. N. Pavlova, V. N. Baksheev, V. K. Byalynitsky-Biruli, V. N. Meshkov) i drugi.

Posedujući besprekornu tehniku, Lepešinskaja je uspela da odrazi sopstveni, živahni, iskričavi karakter u svakoj slici stvorenoj na baletskoj sceni. Umjetnik hvata balerinu u trenutku probe. Junakinja se na trenutak ukočila pred publikom u tipičnom plesnom koraku - stoji na špicama, ruke su joj spuštene na tutu, glava joj je blago okrenuta u stranu, kao da se sprema za sljedeći izlazak u sredinu sale za probe. Još trenutak - i balerina će nastaviti ples. Oči joj gore, puna je inspiracije i ljubavi prema svojoj profesiji. Na slici je tradicionalna reprezentativnost kombinovana sa novim pogledom na kreativnu aktivnost. Ples u životu balerine je najviši smisao njenog postojanja.

Mihail Vasiljevič Nesterov (1862–1942). Portret vajara V. I. Mukhine 1940. Ulje na platnu. 75x80

Na slici je prikazana Vera Mukhina, sovjetska kiparica, autorka mnogih poznatih dela, uključujući i čuvenu grupu „Radnica i kolhoznica“, predstavljena na Svetskoj izložbi u Parizu 1937. godine. Vera Ignatjevna čini poslednje dodatke prototipu buduća skulptura. U jednoj ruci drži mali komad gline, a drugom povećava volumen jednog od junaka. Ona direktno bilježi čin kreativnosti, trenutak kada se iz bezobličnog komada gline rađa pravo umjetničko djelo.

Kompozicijski centar rada je jarkocrveni broš koji drži ovratnik bijele bluze. Nesterov suprotstavlja koncentraciju Mukhine s brzim dinamikom, očajničkim impulsom koji ona prenosi u svom stvaralaštvu. Zahvaljujući ovom emocionalnom kontrastu, "Portret kipara V. I. Mukhine" dobija posebnu ekspresivnost, aktivan unutrašnji život, otkrivajući tako složen karakter same Vere Ignatjevne.

Tair Tejmurazovič Salakhov (rođen 1928.). Portret kompozitora Kara Karaeva 1960. Ulje na platnu. 121x203

Na portretu izuzetnog azerbejdžanskog kompozitora Kara Karaeva, umjetnik je nastojao prikazati težak proces rađanja muzike. Koncentrisana poza, zatvorena sa stanovišta psihologije od posmatrača, govori o najvećoj koncentraciji na unutrašnji glas. Kreativni proces može biti intenzivan i dug, tokom kojeg se čini da se vanjski život zamrzava za osobu koja je uronjena u sebe, ili se odugovlači na nerazumno dugo na jednoj točki dok se ne pronađe rješenje. Nije li zbog toga dugi crni klavir tako beskrajan, na čijoj je pozadini prikazan sjedeći lik kompozitora. Slika ovog muzičkog instrumenta postavlja odmjereni ritam kompozicije i služi kao neophodan kontrast za junaka obučenog u bijeli džemper. Umjetnik dovodi krute konture Karajevskog lika i predmeta interijera gotovo u grafičku shemu. Sistemom boja otkriva se unutrašnja umjetnost kompozitora, njegov talenat, stvaralačka napetost.

Grigorij Ivanovič Kepinov (Grigor Ovanesovich Kepinyan) (1886–1966). Ženski torzo 1934–1946. Mramor. Visina 71

Čuveni sovjetski kipar G. I. Kepinov, koji je studirao na Akademiji Julien u Parizu, smatrao je svojom dužnošću očuvanje akademske tradicije u skulpturi. Napravio je portrete mnogih savremenika.

Mramorni “Ženski torzo” je divno skulpturalno oličenje ženske ljepote, ali za razliku od svog klasičnog poimanja, ovo je herojska ljepota, u skladu sa idealima tog doba. Lijepo nago tijelo je napeto, pokret oslobađanja figure iz kamenog bloka podsjeća na nedovršena Mikelanđelova dela.

Oleg Konstantinovič Komov (1932–1994). Staklo 1958. Bronza. Visina 60

Bronzanu skulpturalnu kompoziciju "Staklo" kreirao je O.K. Komov godinu dana prije diplomiranja na Moskovskom umjetničkom institutu. V. I. Surikov. Autorov stil se definira kao strogi stil (ili strogi realizam), koji je nastao prvenstveno u slikarstvu kasnih 1950-ih - ranih 1960-ih i poetizirao svakodnevnicu običnih ljudi, njihovu snagu i volju. Strogi stil karakterizirala je želja za monumentalnošću slike, što otkriva i skulpturalnu kompoziciju Komova.

Njegova junakinja je jednostavna mlada radnica, čije jake ruke - poput ruku miliona ljudi poput nje - grade državu. Surov život i težak rad nadživeli su gracioznost i krhkost. "Plemstvo" nije u modi: rad je častan. Mirna samopouzdanost poze radnika u suprotnosti je sa nesigurnim položajem čaše, a cijela kompozicija odaje utisak jedinstva ovih suprotnosti.

Prostor postaje jedna od vodećih komponenti ovog rada. Njegov odnos sa likom žene je složen i dvosmislen. Široka gesta ruku junakinje otvorena je prema vanjskom svijetu, u aktivnoj interakciji s njim, ali njen prostor ograničen je konturama stakla u koje je stisnuta, kao u okviru. Staklo je prizma kroz koju ona sagledava svijet, ali i nevidljivi zid između nje i ovog svijeta.

Arkadij Aleksejevič Plastov (1893-1972). Proljeće 1954. Ulje na platnu. 123x210

Jedan od istaknutih predstavnika moskovske slikarske škole, A. A. Plastov, nastavio je u svom radu tradicije V. A. Serova, A. E. Arkhipova i majstora Saveza ruskih umjetnika. Odanost seljačkoj temi, gdje bi se „ljudsko meso pokazalo sa svom svojom mahnitom u najvećoj žestini i istini“, organizam boje i neposrednost utiska u „velikoj“ slici karakteristični su za umjetnikova djela 1940-1950-ih.

Na slici „Proljeće“ slikar je uspio uhvatiti ideal ženske ljepote, tjelesne i duhovne, koji živi u mašti svake osobe i, po pravilu, nije oličen u stvarnom životu. Hladnoća, neka odvojenost slova, dirljiva slika djeteta, jednostavnost i prirodnost radnje stavljaju ovo djelo na pijedestal čistog užitka i čedne ljubavi, nedostupne čulnoj percepciji. Plastov je djelo nazvao "Proljeće" (a ne "U starom kupatilu"), naglašavajući time njegovu metaforičnost i podsjećajući na cijeli asocijativni raspon slika svjetske umjetnosti povezanih s ovom riječi.

XX-XXI VEKA 1922. "Marš na Rim" Benito Musolini, Ovaj Duče ("vođa") pretvara Rim u centar italijanskog fašizma. Postavljanje prednje ulice Via dei Fori Imperiali 1943. Nakon razornog bombardovanja Rima od strane savezničkih aviona, Musolinija su uhapsili

XX-XXI vek 1912. Italija zauzima Rodos, a zatim i ostala ostrva Dodekaneza 1923. Ugovorom iz Lozane osigurana je dominacija Italijana nad ostrvom 1943. Nemačka okupira Rodos i 1944. deportuje sve Jevreje sa Rodosa sa ostrva. 1945. grčke trupe