Realizam se kao samostalna struja ustalio 40-ih godina 19. stoljeća, a kasnije je prešao u formu kritičkog realizma (najviša tačka realizma je denunciranje poroka društva). Razvoj realizma pratio je razvoj kapitalističkog načina proizvodnje, a samim tim i rast društvenih kontradikcija, što se odrazilo i na umjetnost tog vremena.
Realizam u umetnosti 19. veka. sjedinjuje sa romantizmom
Razočaranje u rezultate revolucija
Negativan odnos prema buržoaskoj stvarnosti
Apel na duhovni svijet čovjeka
Borba za samopotvrđivanje ličnosti
Tema nacionalnosti je bliska
Međutim, za razliku od romantičara, koji bježe od stvarnosti, s obzirom na vanredne situacije, izvanredne ličnosti, herojske situacije, buran život strasti, realizam prodire duboko u stvarnost, u društveni život.
Novi pristupi realističkih umjetnika 19. stoljeća. u reflektovanju onoga što se zaista dešava "ovde i sada". Umjetnici su bili uvjereni u mogućnost spoznaje objektivno postojećeg svijeta umjetnošću. Okrenuli su se scenama građanskog života, osvetlili život seljaka, radni život gradskih nižih slojeva.
Jedan od prvih realista u francuskom slikarstvu bio je Gustave Courbet, koji se bavio temom rada ("Drobilice kamena"), slikao je društvena platna po stvarnim motivima ("Sahrana u Ornanu"). Kurbeov "prozaizam" je otvoren izazov za zvaničnu kritiku.
Francois Millet- seljački žanr, bez melodramskih i etnografskih nijansi, ali kroz prenošenje držanja, gestikulacije, pokreta tijela, otkriva prirodu procesa rada, snagu i spretnost seljaka ("Seljanke s grmljem", "Skupljači") - epska monumentalna platna, puna vitalnosti i istine.
Honoré Daumier je umjetnik kritičkog realizma koji je poput O. Balzaca stvorio "Ljudsku komediju" tog doba u hiljadama litografija, crteža i slika - karikatura kralja Luja Filipa u satiričnim časopisima "Karikatura" i "Šarivari" ( "Doz zavjesu"), njegov glavni žanr je satira morala: filistarski svijet prevaranta, budala, provincijala u glavnom gradu ("Sudije pravde"). "Peraljica" nije portret, već zbirna slika svih pariških pralja; portret u kojem je autor izrazio svu svoju ljubav prema narodu. Serija ilustracija za Don Kihota, gdje je umjetnik u liku glavnog junaka pokušao odraziti vlastiti položaj u društvu, temu ljudske patnje. Društvena oštrina njegovih priča je protivteža zabranjenoj cenzuri.
Francuski nacionalni pejzaž:
Jean Baptiste Camille Corot- poetska duhovnost prirode; omiljeni motiv - "posle kiše", tj. promjenjivo stanje prirode; srebrni tonalitet njegove slike je "siva izmaglica Koroa".
barbizon school- glavni cilj: slika originalnosti nacionalnog pejzaža, prijenos promjenjivih stanja prirode, odbacivanje kompozicijskih kanona. Theodor Russo- "Pejzaž sa mostom" - pejzaž iz prirode, posebna pažnja na formu, sva stabla su individualna, slikovito modelovanje ih čini voluminoznim i gotovo skulpturalnim, njihova monumentalnost je naglašena niskim horizontom.
Jules Dupre- "Jesenji pejzaž" - efekat zalazećeg sunca naglašava kontrast boja jesenjeg pejzaža nakon kiše, drveće koje dominira kompozicijom je posebno svečano.
Charles Daubigny- riječni pejzaži ("Bale rijeke Oise"), želja da se uhvati i najmanja promjena u stanju prirode, suptilan slikovni prijenos svjetlosnih objekata koji obavijaju.
Francuska umjetnička škola na prijelazu iz 17. u 18. vijek može se nazvati vodećom evropskom školom, upravo u Francuskoj u to vrijeme su rođeni umjetnički stilovi poput rokokoa, romantizma, klasicizma, realizma, impresionizma i postimpresionizma.
Rokoko (francuski rokoko, od rocaille - ukrasni motiv u obliku školjke) - stil u evropskoj umjetnosti 1. polovine 18. stoljeća. Rokoko karakteriše hedonizam, povlačenje u svet idilične pozorišne igre, strast prema pastoralnim i senzualno-erotskim temama. Priroda rokoko dekora dobila je naglašeno elegantne, sofisticirane i sofisticirane forme.Francois Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard su radili u stilu rokokoa.
Klasicizam - stil u evropskoj umetnosti 17. - ranog 19. veka, čija je karakteristična osobina bila pozivanje na forme antičke umetnosti, kao idealnog estetskog i etičkog standarda.Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres, Jacques-Louis David radili su u stilu klasicizma.
Romantizam - stil evropske umjetnosti 18-19. stoljeća, čije su karakteristične osobine bile tvrdnja o inherentnoj vrijednosti duhovnog i stvaralačkog života pojedinca, slika jakih i često buntovnih strasti i karaktera.Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault, William Blake radili su u stilu romantizma.
|
Edouard Manet. Doručak u radionici. 1868 |
Rađanje realizma u slikarstvu najčešće se vezuje za rad francuskog umetnika Gustava Kurbea, koji je 1855. u Parizu otvorio svoju ličnu izložbu „Paviljon realizma“, iako su i pre njega umetnici Barbizonske škole Teodor Ruso, Žan- Francois Millet, Jules Breton radili su na realističan način. 1870-ih godina realizam je podijeljen na dvije glavne oblasti - naturalizam i impresionizam.
Realističko slikarstvo je postalo široko rasprostranjeno u cijelom svijetu. U stilu realizma akutne društvene orijentacije u Rusiji 19. stoljeća djelovali su lutalice.
Impresionizam (od francuskog impression - utisak) - stil u umjetnosti posljednje trećine 19. - početka 20. stoljeća, čija je karakteristična karakteristika bila želja da se stvarni svijet najprirodnije uhvati u njegovoj pokretljivosti i promjenjivosti, da prenese svoje prolazne utiske . Impresionizam nije pokretao filozofska pitanja, već se fokusirao na fluidnost trenutka, raspoloženje i osvjetljenje. Sam život postaje tema impresionista, kao niz malih praznika, zabava, prijatnih izleta u prirodi u prijateljskom okruženju. Impresionisti su bili među prvima koji su slikali na pleneru, a da nisu završili svoj rad u ateljeu.U stilu impresionizma radili su Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley i drugi.
postimpresionizam - stil umetnosti koji je nastao krajem 19. veka. Postimpresionisti su nastojali slobodno i općenito prenijeti materijalnost svijeta, pribjegavajući dekorativnoj stilizaciji.Postimpresionizam je stvorio područja umjetnosti kao što su ekspresionizam, simbolizam i modernost.
Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Toulouse-Lautrec radili su u stilu postimpresionizma.
Razmotrimo detaljnije impresionizam i postimpresionizam na primjeru rada pojedinih majstora Francuske 19. stoljeća.
|
Edgar Degas. Auto portret. 1854-1855 |
Počevši od strogih istorijskih slika i portreta, 1870-ih Degas se zbližio sa predstavnicima impresionizma i okrenuo se oslikavanju modernog urbanog života - ulica, kafića, pozorišnih predstava.
Na Degasovim slikama pažljivo su osmišljeni i provjereni dinamična, često asimetrična kompozicija, precizan fleksibilan crtež, neočekivani uglovi, aktivna interakcija između figure i prostora.
|
E. Degas. Kupatilo. 1885 |
Omiljena pastelna tehnika omogućila je Edgaru Degau da najpotpunije pokaže svoj talenat crtača. Zasićeni tonovi i „svjetlucavi” dodiri pastela pomogli su umjetniku da stvori onu posebnu šarenu atmosferu, onu prelivu prozračnost koja tako izdvaja sva njegova djela.
U zrelim godinama Degas se često okreće temi baleta. Krhke i bestežinske figure balerina pojavljuju se pred gledaocem ili u sumrak plesnih časova, ili u svjetlu reflektora na pozornici, ili u kratkim trenucima odmora. Prividna nasumičnost kompozicije i nepristrasna pozicija autora odaju dojam provirenog tuđeg života, umjetnik nam pokazuje svijet ljupkosti i ljepote, a da ne zapada u pretjeranu sentimentalnost.Edgar Degas se može nazvati suptilnim koloristom, njegovi pasteli su iznenađujuće harmonični, ponekad nježni i lagani, ponekad izgrađeni na oštrim kontrastima boja. Degasov manir je bio izvanredan po svojoj zadivljujućoj slobodi, pastel je nanosio smelim, isprekidanim potezima, ponekad ostavljajući ton papira da se pojavljuje kroz pastel ili dodajući poteze u ulju ili akvarelu. Boja na Degasovim slikama proizilazi iz preljevnog sjaja, iz strujanja prelijepih linija koje stvaraju formu.
Kasnija Degasova djela odlikuju se intenzitetom i bogatstvom boja, koje upotpunjuju efekti umjetnog osvjetljenja, uvećane, gotovo ravne forme, te skučenost prostora koja im daje napet i dramatičan karakter. U tome
perioda Degas je napisao jedno od svojih najboljih djela - "Plave plesačice". Umjetnik ovdje radi u velikim mrljama boja, dajući iznimnu važnost dekorativnoj organizaciji površine slike. Po ljepoti harmonije boja i kompozicionom rješenju, slika „Plavi plesači” se može smatrati najboljim oličenjem Degasove baletske teme, koji je na ovoj slici postigao vrhunsko bogatstvo tekstura i kombinacija boja.|
P. O. Renoir. Auto portret. 1875 |
|
P. O. Renoir. Bazen za djecu. 1869 |
|
P. O. Renoir. Portret glumice Jeanne Samary. 1877 |
Treba napomenuti da je korištenje zelenih, žutih, oker, ružičastih i crvenih tonova za prikaz kože šokiralo tadašnju javnost, nespremnu na percepciju da sjene trebaju biti obojene, ispunjene svjetlom.
1880-ih u Renoirovom stvaralaštvu počinje takozvani "Ingresov period". Najpoznatije djelo ovog perioda su Veliki kupači. Po prvi put, Renoir je počeo koristiti skice i skice za izgradnju kompozicije, linije crteža postale su jasne i definirane, boje su izgubile svoju nekadašnju svjetlinu i zasićenost, slika je u cjelini počela izgledati suzdržanije i hladnije.
Početkom 1890-ih dogodile su se nove promjene u umjetnosti Renoira. U slikarskom maniru javlja se šarenilo boja, zbog čega se ovaj period ponekad naziva i "bisernim", zatim ovaj period ustupa mjesto "crvenom", tako nazvanom zbog sklonosti prema nijansama crvenkastog i ružičastog cvijeća.
Eugene Henri Paul Gauguin (godine života 1848-1903) - francuski slikar, vajar i grafičar. Uz Cezannea i Van Gogha, bio je najveći predstavnik postimpresionizma. Počeo je slikati u odrasloj dobi, rani period kreativnosti povezan je s impresionizmom. Najbolja Gauguinova djela napisana su na ostrvima Tahiti i Hiva-Oa u Okeaniji, gdje je Gauguin napustio "perverznu civilizaciju". Karakteristične karakteristike Gauguinovog stila uključuju stvaranje statičnih i kontrastnih kompozicija na velikim ravnim platnima, duboko emotivnih i istovremeno dekorativnih.U Žutom Kristu, Gauguin je prikazao raspelo na pozadini tipičnog francuskog ruralnog pejzaža, Isusa koji pati okružen je s tri bretonske seljanke. Mir u vazduhu, mirne pokorne ženske poze, pejzaž zasićen sunčano žutom bojom sa drvećem u crvenom jesenjem lišću, seljak zauzet u daljini svojim poslovima, ne može a da se ne sukobi sa onim što se dešava na krstu. Okruženje je u oštroj suprotnosti sa Isusom, na čijem se licu prikazuje taj stadij patnje, koji se graniči sa apatijom, ravnodušnošću prema svemu što ga okružuje. Kontradikcija bezgraničnih muka koje je prihvatio Krist i "nevidljivost" ove žrtve od strane ljudi - to je glavna tema ovog Gauguinovog djela.
|
P. Gauguin. Da li ste ljubomorni? 1892 |
na obali, dvije sestre - upravo su zaplivale, a sada su im tijela rasprostrta po pijesku u ležernim sladostrasnim pozama - pričaju o ljubavi, jedno sjećanje izaziva svađu: „Kako? Jesi li ljubomorna!".
Slikajući sočnu punokrvnu ljepotu tropske prirode, prirodne ljude neiskvarene civilizacijom, Gauguin je prikazao utopijski san o zemaljskom raju, o ljudskom životu u skladu s prirodom. Gauguinova polinezijska platna po dekorativnom koloritu, ravnosti i monumentalnosti kompozicije, generalizaciji stiliziranog uzorka podsjećaju na panele.
P. Gauguin. Odakle smo došli? Ko smo mi? Gdje idemo? 1897-1898
Slika „Odakle smo došli? Ko smo mi? Gdje idemo?" Gauguin je smatrao uzvišenom kulminacijom svojih razmišljanja. Prema namjeri umjetnika, sliku treba čitati s desna na lijevo: tri glavne grupe figura ilustruju pitanja postavljena u naslovu. Grupa žena sa djetetom na desnoj strani slike predstavlja početak života; srednja grupa simbolizira svakodnevno postojanje zrelosti; u ekstremno lijevoj grupi, Gauguin je prikazao ljudsku starost koja se približava smrti; plavi idol u pozadini simbolizira drugi svijet. Ova slika je vrhunac Gauguinovog inovativnog postimpresionističkog stila; njegov stil je spojio jasnu upotrebu boja, dekorativna koloritna i kompoziciona rješenja, ravnost i monumentalnost slike s emocionalnom ekspresivnošću.
Gogenov rad anticipirao je mnoge karakteristike stila Art Nouveau koji se razvijao tokom ovog perioda i uticao na formiranje majstora grupe Nabis i drugih slikara ranog 20. veka.
|
W. Van Gogh. Auto portret. 1889 |
Godine 1888. Van Gogh se preselio u Arles, gdje je konačno utvrđena originalnost njegovog stvaralačkog manira. Vatreni umjetnički temperament, mučni poriv ka harmoniji, ljepoti i sreći, a ujedno i strah od čovjeku neprijateljskih sila, oličeni su bilo u pejzažima blistajućim sunčanim bojama juga („Žuta kuća“, „Žetva La Crot Valley”), ili u zlokobnim slikama koje podsjećaju na noćne more („Terasa noćnog kafića“); dinamika boje i poteza
|
W. Van Gogh. Noćni kafić terasa. 1888 |
Van Goghov intenzivan rad posljednjih godina pratili su napadi mentalne bolesti, koji su ga odveli u bolnicu za mentalno bolesne u Arlesu, zatim u Saint-Remy (1889-1890) i u Auvers-sur-Oise (1890), gdje je izvršio je samoubistvo. Rad posljednje dvije godine umjetnikovog života obilježen je ekstatičnom opsesijom, izuzetno pojačanim izrazom kombinacija boja, naglim promjenama raspoloženja – od pomahnitalog očaja i sumornog vizionarstva („Put sa čempresima i zvijezdama“) do ustreptalog osjećaja prosvjetljenja i mir (“Pejzaž u Auversu nakon kiše”) .
|
W. Van Gogh. Irises. 1889 |
W. Van Gogh. Pšenično polje sa vranama. 1890
“Pšenično polje s vranama” je slika Van Gogha, koju je umjetnik naslikao u julu 1890. godine i jedno je od njegovih najpoznatijih djela. Slika je navodno završena 10. jula 1890. godine, 19 dana prije njegove smrti u Auvers-sur-Oiseu. Postoji verzija da je Van Gogh počinio samoubistvo u procesu pisanja ove slike (izlazeći na otvorenom s materijalima za crtanje, pucao je u sebe iz pištolja kupljenog da uplaši jata ptica u predjelu srca, a zatim samostalno stigao do bolnice, gdje je umro od gubitka krvi).
Od kraja XVIII veka. Francuska je igrala veliku ulogu u društveno-političkom životu Zapadne Evrope. 19. vijek bio je obilježen širokim demokratskim pokretom koji je obuhvatio gotovo sve sektore francuskog društva. Revoluciju 1830. pratila je revolucija 1848. Godine 1871. ljudi koji su proglasili Parisku komunu učinili su prvi pokušaj u historiji Francuske i cijele Zapadne Evrope da preuzmu političku vlast u državi.
Kritično stanje u zemlji nije moglo a da ne utiče na stav ljudi. U ovoj eri napredna francuska inteligencija nastoji pronaći nove puteve u umjetnosti i nove oblike umjetničkog izražavanja. Zato su se realističke tendencije u francuskom slikarstvu otkrile mnogo ranije nego u drugim zapadnoevropskim zemljama.
Revolucija 1830. donijela je demokratske slobode u život Francuske, što grafičari nisu propustili iskoristiti. Oštre političke karikature usmjerene protiv vladajućih krugova, kao i poroka koji vladaju u društvu, punili su stranice časopisa Šarivari i Karikatura. Ilustracije za periodiku rađene su u tehnici litografije. U žanru karikature radili su umjetnici kao što su A. Monnier, N. Charlet, J. I. Granville, kao i izuzetni francuski grafičar O. Daumier.
Važnu ulogu u umjetnosti Francuske između revolucija 1830. i 1848. odigrao je realistički trend u pejzažnom slikarstvu - tzv. barbizon school. Ovaj izraz dolazi od imena malog slikovitog sela Barbizon u blizini Pariza, gdje je 1830-ih i 1840-ih godina. mnogi francuski umjetnici došli su da proučavaju prirodu. Nezadovoljni tradicijom akademske umjetnosti, lišene žive konkretnosti i nacionalnog identiteta, odjurili su u Barbizon, gdje su, pažljivo proučavajući sve promjene u prirodi, slikali slike skromnih kutaka francuske prirode.
Iako se radovi majstora Barbizonske škole odlikuju istinitošću i objektivnošću, uvijek osjećaju raspoloženje autora, njegove emocije i iskustva. Priroda u pejzažima Barbizona ne izgleda veličanstveno i daleko, bliska je i razumljiva čovjeku.
Često su umjetnici slikali isto mjesto (šumu, rijeku, ribnjak) u različito doba dana i pod različitim vremenskim uslovima. U radionici su obrađene etide rađene na otvorenom, stvarajući kompozicijski integralnu sliku. Vrlo često je u gotovom slikarskom radu nestajala svježina boja karakteristična za etide, pa su se platna mnogih Barbizona odlikovala tamnom bojom.
Najveći predstavnik Barbizonske škole bio je Theodore Rousseau, koji se, već poznati pejzažista, udaljio od akademskog slikarstva i došao u Barbizon. Protestujući protiv varvarskog krčenja šuma, Rousseau obdaruje prirodu ljudskim kvalitetima. On je sam govorio o tome da čuje glasove drveća i da ih razumije. Odličan poznavalac šume, umjetnik vrlo precizno prenosi strukturu, vrstu, razmjer svakog drveta („Šuma Fontainebleau“, 1848-1850; „Hrastovi u Agremontu“, 1852). Istovremeno, Rousseauova djela pokazuju da umjetnik, čiji se stil formirao pod utjecajem akademske umjetnosti i slikarstva starih majstora, nije mogao, ma koliko se trudio, riješiti problem prenošenja svjetlosti i zraka. . Stoga su svjetlost i boja u njegovim pejzažima najčešće uslovne.
Rousseauova umjetnost imala je veliki utjecaj na mlade francuske umjetnike. Predstavnici Akademije, uključeni u selekciju slika u salonima, pokušali su da spreče rad Rusoa na izložbi.
Poznati majstori Barbizonske škole bili su Jules Dupre, čiji pejzaži sadrže crte romantične umjetnosti („Veliki hrast“, 1844-1855; „Pejzaž s kravama“, 1850) i Narcis Diaz, koji je nastanjivao šumu Fontainebleaua. sa golim figurama nimfi i antičkih boginja („Venera s Kupidonom“, 1851).
Predstavnik mlađe generacije Barbizona bio je Charles Daubigny, koji je svoju karijeru započeo ilustracijama, ali 1840-ih. posvećen pejzažu. Njegovi lirski pejzaži, posvećeni nepretencioznim kutovima prirode, ispunjeni su sunčevom svjetlošću i zrakom. Vrlo često je Daubigny slikao iz života ne samo skice, već i gotove slike. Napravio je radionički čamac na kojem je plovio rijekom, zaustavljajući se na najatraktivnijim mjestima.
Život najvećeg francuskog umetnika 19. veka blizak je Barbizonima. K. Koro.
Jean Baptiste Camille Corot
Camille Corot - francuski slikar i grafičar, majstor portreta i pejzaža, jedan je od osnivača Francuske pejzažne škole 19. stoljeća.
Rođen u Parizu 1796. Bio je učenik A. Michallona i JV Bertina - akademskih umjetnika. U početku se držao općeprihvaćenog stajališta da je samo pejzaž s povijesnim zapletom, preuzet uglavnom iz antičke povijesti ili mitologije, visoka umjetnost. Međutim, nakon posjete Italiji (1825.), njegovi pogledi se dramatično mijenjaju i počinje tražiti drugačiji pristup stvarnosti, što je vidljivo već u njegovim ranim radovima (Pogled na Forum, 1826; Pogled na Koloseum, 1826). Treba napomenuti da su Corotove skice, gdje mijenja svoj stav prema prirodi osvjetljenja i gradacija boja, prenoseći ih realističnije, svojevrsni poticaj u razvoju realističkog pejzaža.
Međutim, uprkos novom principu pisanja, Corot u Salon šalje slike koje zadovoljavaju sve kanone akademskog slikarstva. U ovom trenutku u Coroovom radu postoji jaz između skice i slike, koji će karakterizirati njegovu umjetnost kroz cijeli život. Tako radovi poslani u Salon (uključujući Hagaru u pustinji, 1845; Homer i pastiri, 1845) ukazuju na to da se umjetnik ne poziva samo na antičke teme, već i da čuva kompoziciju klasičnog pejzaža, koji ipak manje sprečavaju gledaoca da prepozna karakteristike francuskog pejzaža u prikazanom području. Općenito, takva kontradikcija bila je sasvim u duhu tog doba.
Vrlo često, inovacije do kojih Koro postepeno dolazi, ne uspeva da sakrije od žirija, pa su njegove slike često odbačene. Posebno se snažna inovativnost osjeća u ljetnim studijama majstora, gdje nastoji prenijeti različita stanja prirode u datom vremenskom periodu, ispunjavajući krajolik svjetlošću i zrakom. U početku su to bile pretežno urbane vizure i kompozicije sa arhitektonskim spomenicima Italije, gde je ponovo otišao 1834. Na primer, u pejzažu „Jutro u Veneciji“ (oko 1834.) lepo su preneti sunčeva svetlost, plavo nebo i prozirnost vazduha. . Istovremeno, kombinacija svjetla i sjene ne razbija arhitektonske forme, već naprotiv, čini se da ih modelira. Likovi ljudi sa dugim sjenama koje se protežu od njih u pozadini daju pejzažu osjećaj gotovo stvarne prostornosti.
Kasnije će slikar biti suzdržaniji, zanimaće ga skromnija priroda, ali će više obraćati pažnju na njena različita stanja. Da bi se postigao željeni efekat, Koro šema boja će postati tanja, svetlija i početi da se slaže na varijacijama iste boje. S tim u vezi, karakteristični su radovi kao što je „Zvonik u Argenteuilu“, gde delikatno zelenilo okolne prirode i vlažnost vazduha veoma suptilno, ali u isto vreme sa velikom sigurnošću prenose čar proleća, „Seno Kočija“, u kojoj se osjeća radosno uzbuđenje života.
Važno je napomenuti da Corot procjenjuje prirodu kao mjesto u kojem živi i djeluje jednostavna osoba. Još jedna karakteristika njegovog pejzaža je da je uvijek odraz emocionalnog stanja majstora. Stoga su pejzažne kompozicije lirske (gore spomenuti "Zvonik u Artangeju") ili, obrnuto, dramatične (studija "Nalet vjetra", oko 1865-1870).
Corotove figurativne kompozicije pune su poetskog osjećaja. Ako se u ranim radovima osoba čini donekle odvojenom od svijeta oko sebe („Kosac sa srpom“, 1838), onda u kasnijim radovima slike ljudi
su neraskidivo povezane sa okruženjem u kojem se nalaze („Žetečeva porodica“, oko 1857.). Pored pejzaža, Corot je stvarao i portrete. Posebno su dobre ženske slike, koje očaravaju svojom prirodnošću i živahnošću. Umjetnik je slikao samo ljude koji su mu bili duhovno bliski, pa su njegovi portreti obilježeni iskrenim simpatijama autora prema modelu.
Corot nije bio samo talentovan slikar i grafičar, već i dobar učitelj za mlade umjetnike, pouzdan
druže. Ova činjenica je vrijedna pažnje: kada O. Daumier nije imao sredstava da plati kiriju svoje kuće, Corot je kupio ovu kuću i potom je poklonio prijatelju.
Corot je umro 1875. godine, ostavljajući iza sebe ogromno stvaralačko naslijeđe - oko 3.000 slika i grafičkih radova.
Honore Daumier
Honoré Daumier, francuski grafičar, slikar i vajar, rođen je 1808. godine u Marseju u porodici staklara koji je pisao poeziju. Godine 1814, kada je Daumier imao šest godina, njegova porodica se preselila u Pariz.
Budući umjetnik započeo je karijeru kao činovnik, zatim je radio kao prodavač u knjižari. Međutim, ovaj posao ga uopće nije zanimao, svo slobodno vrijeme je više volio lutati ulicama i skicirati. Ubrzo mladi umjetnik počinje posjećivati Louvre, gdje proučava antičku skulpturu i djela starih majstora, od kojih ga Rubens i Rembrandt u većoj mjeri fasciniraju. Daumier shvaća da samim proučavanjem slikarske umjetnosti neće moći daleko napredovati, a zatim (od 1822.) počinje uzimati časove crtanja kod Lenoira (upravnika Kraljevskog muzeja). Međutim, sva nastava se svela na jednostavno prepisivanje gipsa, a to nije ni najmanje zadovoljilo potrebe mladića. Zatim Daumier napušta radionicu i odlazi u Ramol da studira litografiju, a istovremeno zarađuje kao glasnik.
Prvi rad koji je Daumier uradio na polju ilustracije datira iz 1820-ih. Gotovo da nisu preživjeli, ali ono što je ipak došlo do nas omogućava nam da govorimo o Daumieru kao umjetniku u suprotnosti sa službenom moći koju predstavljaju Burboni.
Poznato je da od prvih dana vladavine Louisa Philippea mladi umjetnik crta oštre karikature kako sebe tako i svoje pratnje, stvarajući tako reputaciju političkog borca. Kao rezultat toga, Daumiera primjećuje izdavač nedjeljnika "Caricature" Charles Philippon i poziva ga na saradnju, na šta on pristaje. Prvo djelo, objavljeno u "Karikaturi" od 9. februara 1832. godine - "Aplikanti za mjesta" - ismijava sluge Luja Filipa. Nakon nje, jedna za drugom počele su se pojavljivati satire na samog kralja.
Od najranijih Daumierovih litografija, posebnu pažnju zaslužuje Gargantua (15. decembar 1831.), gdje je umjetnik prikazao debelog Louisa Philippea koji upija zlato oduzeto od gladnog i osiromašenog naroda. Ovaj list, izložen u izlogu kompanije Aubert, okupio je čitavu gomilu gledalaca, zbog čega se vlada osvetila gospodaru, osudila ga na šest mjeseci zatvora i novčanu kaznu od 500 franaka.
Unatoč činjenici da su Daumierovi rani radovi još uvijek prilično kompozicioni preopterećeni i ne utiču toliko na ekspresivnost slike koliko na naraciju, oni već imaju stil. Toga je itekako svjestan i sam Daumier i počinje raditi u žanru karikaturnog portreta, a koristi se vrlo osebujnom metodom: prvo vaja portretne biste (u kojima su karakteristične crte dovedene do groteske), koje će potom biti njegove prirode pri radu na litografiji. Kao rezultat toga, dobio je brojke koje su se razlikovale u maksimalnom volumenu. Tako je nastala litografija “Zakonodavna materica” (1834.) koja prikazuje sljedeću sliku: direktno ispred gledatelja na klupama smještenim u amfiteatru ministri i članovi parlamenta Julske monarhije skrasio. U svakom licu, portretska sličnost je preneta smrtonosnom tačnošću, dok je najizrazitiju grupu predstavlja Thiers koji sluša Guizotovu notu. Razotkrivajući fizičku i moralnu inferiornost vladajuće elite, majstor dolazi do stvaranja portretnih tipova. U njima svjetlost igra posebnu ulogu, naglašava autorovu želju za najvećom ekspresivnošću. Stoga su sve figure date pod oštrim osvjetljenjem (poznato je da je majstor, radeći na ovoj kompoziciji, stavio bista-modele pod jaku svjetlost lampe).
Nije iznenađujuće da je uz tako naporan rad Daumier pronašao veliki monumentalni stil u litografiji (to se vrlo snažno osjeti u djelu „Dole zavjesa se igra farsa“, 1834). Jednako je velika moć uticaja i u delima koja otkrivaju ulogu radnika u borbi protiv ugnjetača: „On više nije opasan za nas“, „Ne mešaj se“, „Transnoninova ulica 15. aprila 1834.“. Što se zadnjeg lista tiče, on je direktan odgovor na ustanak radnika. Gotovo svi ljudi koji su stvarno živjeli u jednoj od kuća u ulici Transnonen (uključujući djecu i starce) su ubijeni jer se jedan od radnika usudio pucati u policajca. Umjetnik je uhvatio najtragičniji trenutak. Litografija prikazuje strašnu sliku: na podu, pored praznog kreveta, leži leš radnika koji pod sobom gnječi mrtvo dijete; u zamračenom uglu je ubijena žena. Sa desne strane se jasno vidi glava mrtvog starca. Slika koju je predstavio Daumier izaziva dvostruki osjećaj kod gledatelja: osjećaj užasa zbog onoga što je učinio i ogorčeni protest. Djelo koje izvodi umjetnik nije ravnodušan komentar događaja, već ljuta denuncijacija.
Drama je pojačana oštrim kontrastom svjetla i sjene. Istovremeno, detalji, iako se povlače u drugi plan, ujedno razjašnjavaju situaciju u kojoj se dogodio ovakav zločin, ističući da je pogrom izvršen u vrijeme kada su ljudi mirno spavali. Karakteristično je da su već u ovom djelu vidljive crte Daumierovih poznih slika, u kojima je generaliziran i jedan događaj, dajući tako kompoziciji monumentalnu ekspresivnost u kombinaciji sa "slučajnošću" ugrabljenog životnog trenutka.
Ovakvi radovi su u velikoj meri uticali na donošenje „septembarskih zakona“ (koji su stupili na snagu krajem 1834. godine), usmerenih protiv štampe. To je dovelo do činjenice da je postalo nemoguće u potpunosti raditi na polju političke satire. Stoga, Daumier, kao i mnogi drugi majstori političke karikature, prelazi na teme vezane za svakodnevni život, gdje traži i na površinu iznosi goruća društvena pitanja. U to vrijeme u Francuskoj su objavljene čitave zbirke karikatura koje prikazuju život i običaje društva tog doba. Daumier, zajedno sa umjetnikom Traviesom, stvara seriju litografija pod nazivom "Francuski tipovi" (1835-1836). Poput Balzaka u književnosti, Daumier u slikarstvu razotkriva svoje savremeno društvo u kojem vlada novac.
Ministar Guizot proglašava slogan "Obogati se!". Daumier mu odgovara stvarajući imidž Roberta Machera - prevaranta i lopova, koji ili umire ili ponovo vaskrsava (serija "Caricaturan", 1836-1838). U drugim listovima on se poziva na temu građanskog milosrđa ("Moderna filantropija", 1844-1846), podmitljivosti francuskog suda ("Sudije pravde", 1845-1849), pompeznog samozadovoljstva građana (list " Još uvijek je vrlo laskavo vidjeti vaš portret na izložbi" , dio Salona serije iz 1857.). I druge serije litografija izvedene su na denuncijacijski način: „Dan neženja” (1839.), „Bračni običaji” (1839.-1842.), „Najbolji dani života” (1843.-1846.), „Pastorale” (1845.- 1846).
S vremenom se Daumierov crtež donekle transformira, potez postaje izražajniji. Prema savremenicima, majstor nikada nije koristio nove naoštrene olovke, radije crtajući fragmentima. Smatrao je da se time postiže raznolikost i živost linija. Možda zato njegova djela s vremenom dobivaju grafički karakter, istiskujući svoju raniju plastičnost. Mora se reći da je novi stil više odgovarao grafičkim ciklusima, gdje je uvedena priča, a sama radnja se odvijala ili u unutrašnjosti ili u pejzažu.
Međutim, Daumier je ipak skloniji političkoj satiri, a čim mu se ukaže prilika, ponovo se bavi svojom omiljenom razonodom, stvarajući listove ispunjene gnjevom i mržnjom prema vladajućoj eliti. Godine 1848. došlo je do novog revolucionarnog naleta, ali je bio ugušen i republici je prijetio bonapartizam. Odgovarajući na ove događaje, Daumier stvara Ratapuala, lukavog bonapartističkog agenta i izdajnika. Ova slika je toliko očarala majstora da ju je iz litografije prenio u skulpturu, gdje je hrabrom interpretacijom uspio postići veliku ekspresivnost.
Nije iznenađujuće da Daumier mrzi Napoleona III sa istom snagom kao Louis Philippe. Umjetnik se trudi da svojim optužujućim radovima stanovnici osjete zlo koje dolazi od privilegovane klase i, naravno, vladara. Međutim, nakon državnog udara 2. decembra 1852. godine politička karikatura je ponovo zabranjena. I tek krajem 1860-ih, kada je vlada postala liberalnija, Daumier se po treći put okrenuo ovom žanru. Tako je na jednom listu gledalac mogao da vidi kako Ustav skraćuje haljinu slobode, a na drugom - Thiers, prikazan kao sufler, koji svakom političaru govori šta da kaže i šta da radi. Umjetnik crta mnoge antimilitarističke satire („Svijet proguta mač“ itd.).
Od 1870. do 1872. Daumier je napravio seriju litografija u kojima je razotkrio zločinačke radnje počinitelja katastrofa u Francuskoj. Na primjer, u listu pod nazivom "This Killed That" on daje do znanja gledaocu da je izbor Napoleona III označio početak mnogih nevolja. Značajna je litografija "Carstvo je svijet", koja prikazuje polje sa krstovima i nadgrobnim spomenicima. Natpis na prvom nadgrobnom spomeniku glasi: "Mrtav na bulevaru Monmartre 2. decembra 1851. godine", na posljednjem - "Mrtav u Sedanu 1870.". Ovaj list rječito svjedoči da carstvo Napoleona III Francuzima nije donijelo ništa osim smrti. Sve slike u litografijama su simbolične, ali simboli ovdje nisu samo ideološki zasićeni, već i vrlo uvjerljivi.
Zanimljiva je još jedna poznata Daumierova litografija, napravljena 1871. godine, gdje se na pozadini strašnog i oblačnog neba crni osakaćeno deblo nekada moćnog drveta. Preživjela je samo jedna grana, ali ne odustaje i nastavlja da se odupire nevremenu. Ispod čaršava je karakterističan potpis: "Jadna Francuska, deblo je slomljeno, ali korijenje je još jako." Ovom simboličnom slikom majstor ne samo da je pokazao rezultate tragedije koju je doživio, već je uz pomoć kontrasta svjetla i sjene i dinamičnih linija iznio živopisnu sliku koja utjelovljuje moć zemlje. Ovo djelo sugerira da majstor nije izgubio vjeru u snagu Francuske i sposobnosti njenih ljudi, koji su svoju domovinu mogli učiniti velikom i moćnom kao prije.
Treba napomenuti da je Daumier stvarao ne samo litografije. Od 1830-ih godina bavi se i slikarstvom i akvarelom, ali njegove rane slike (“Graver”, 1830-1834; autoportret, 1830-1831) karakteriše odsustvo razvijenog manira; ponekad ih je teško razlikovati od radova drugih umjetnika. Kasnije dolazi do brusenja stila, razvoja određenih tema. Tako, na primjer, 1840-ih. majstor je napisao niz kompozicija pod jednim imenom "Advokati". Na ovim slikama pojavljuju se iste groteskne slike kao i na Daumierovim grafičkim radovima.
Njegove slike ulja i akvareli, kao i litografije, prožete su sarkazmom. Daumier slika figure advokata koji se obraćaju javnosti teatralnim gestovima (The Defender, 1840-e) ili samodopadno raspravljaju o svojim prljavim mahinacijama izvan dometa nečijeg drugog pogleda (Tri advokata). Prilikom rada na platnu, slikar često pribjegava krupnom planu, prikazujući najnužnije predmete i samo ocrtavajući detalje interijera. S posebnom pažnjom crta lica, nekad glupa i ravnodušna, nekad lukava i licemjerna, a nekad prezriva i samozadovoljna. Prikazujući crne advokatske haljine na zlatnoj podlozi, autor postiže jedinstveni efekat suprotstavljajući svetlo i tamu.
Vremenom satira napušta sliku Daumiera. U kompozicijama kasnih 1840-ih. centralno mjesto zauzimaju produhovljene i herojske slike ljudi iz naroda, obdarenih snagom, unutrašnjom energijom i herojstvom. Upečatljiv primjer takvih djela su slike "Porodica na barikadi" (1848-1849) i "Ustanak" (oko 1848).
Prvo platno prikazuje revolucionarne događaje i ljude koji u njima učestvuju. Heroji su toliko blizu kadra da je vidljiv samo dio figura. Umjetnik pokušava usmjeriti pažnju gledatelja na lica oblikovana svjetlom. Staricu i muškarca obilježava strogost i koncentracija, mladu ženu obilježava tuga i melanholija, a mladić je, naprotiv, ispunjen očajničkom odlučnošću. Važno je napomenuti da su glave likova prikazane u različitim rotacijama, što daje utisak da se figure kreću, što dodatno naglašava napetost kompozicije.
Druga kompozicija ("Ustanak") je slika gomile koja juri, zahvaćena revolucionarnim porivom.
Dinamiku događaja prenosi ne samo pokret podignute ruke i figure koje jure naprijed, već i svjetlosna traka.
Otprilike u isto vrijeme, Daumier je slikao slike posvećene izbjeglicama i emigrantima, ali se te slike ne sreću tako često u njegovom radu. Sve teme za svoje slike pronalazio je u svakodnevnom životu: pralja koja silazi do vode; tegljač koji vuče čamac; radnik se penje na krov. Važno je napomenuti da sva djela odražavaju zasebne fragmente stvarnosti i utječu na gledatelja ne narativnim, već vizualnim sredstvima koja stvaraju ekspresivnu, u nekim slučajevima tragičnu sliku.
U tom duhu nastala je i slika “Teret” koja ima nekoliko opcija. Radnja je jednostavna: žena polako hoda nasipom; Jednom rukom vuče ogromnu korpu za veš; u blizini, držeći se za njenu suknju, malenim koracima korača dijete. Oštar vjetar duva u lica heroja, što znatno otežava hodanje, a teret se čini težim. Daumierov uobičajeni svakodnevni motiv poprima gotovo herojske crte. Žena izgleda odvojeno od svih briga. Osim toga, majstor izostavlja sve pejzažne detalje, samo usputno ocrtava obrise grada s druge strane rijeke. Prigušene i hladne nijanse kojima je oslikan pejzaž pojačavaju osjećaj dramatičnosti i beznađa. Važno je napomenuti da tumačenje slike žene proturječi ne samo klasičnim kanonima, već i idealima ljudske ljepote među romantičarima; dat je sa velikim izrazom i realizmom. Važnu ulogu u stvaranju slika igraju svjetlost i sjena: zahvaljujući osvjetljenju, koje ide u ravnoj traci, lik žene djeluje iznenađujuće izražajno i plastično; tamna silueta djeteta ističe se na svijetlom parapetu. Senka sa obe figure spaja se u jednu tačku. Ovakva scena, koju je Daumier mnogo puta posmatrao u stvarnosti, predstavljena je ne žanrovski, već monumentalno, čemu doprinosi kolektivna slika koju je stvorio.
Unatoč generalizaciji, u svakom Daumierovom djelu sačuvana je izuzetna vitalnost. Majstor je u stanju da uhvati bilo koji gest karakterističan za osobu koju prikazuje, da prenese pozu itd. Platno „Ljubavnik ispisa“ pomaže da se u to uveri.
Iako je tokom 1850-1860-ih. Daumier se vrlo plodno bavi slikarstvom, ali ga problem plenerizma, koji je zaokupljao mnoge slikare tog vremena, nimalo ne zanima. Čak i kada svoje likove prikazuje na otvorenom, još uvijek ne koristi difuzno svjetlo. Na njegovim slikama svjetlo obavlja drugačiju funkciju: nosi emocionalno opterećenje, što pomaže autoru da stavi kompozicione akcente. Daumierov omiljeni efekat je pozadinsko osvjetljenje, u kojem je prvi plan zatamnjen na svijetloj pozadini („Prije kupanja“, oko 1852; „Radoznalica na prozoru“, oko 1860). Međutim, na nekim slikama slikar se okreće drugoj tehnici, kada se čini da se sumrak pozadine raspršuje prema prvom planu, a bijele, plave i žute boje počinju zvučati jače. Sličan efekat se može videti na platnima kao što su Napuštanje škole (oko 1853-1855), Kočija treće klase (oko 1862).
U slikarstvu, Daumier nije učinio ništa manje nego u grafici. Uveo je nove slike, interpretirajući ih sa velikom izražajnošću. Nijedan od njegovih prethodnika nije pisao tako hrabro i slobodno. Upravo zbog tog kvaliteta progresivno misleći suvremenici Daumiera visoko su cijenili njegove slike. Međutim, za života umjetnika njegova slika je bila malo poznata, a posthumna izložba 1901. za mnoge je bila pravo otkriće.
Daumier je umro 1879. godine u gradu Valmondois blizu Pariza, u kući koju mu je poklonio Corot.
Revolucija 1848. dovela je do izuzetnog uspona društvenog života Francuske, njene kulture i umjetnosti. U to vrijeme u zemlji su radila dva velika predstavnika realističkog slikarstva - J.-F. Millet i G. Courbet.
Jean Francois Millet
Jean-Francois Millet, francuski slikar i grafičar, rođen je 1814. godine u gradu Gruchy, nedaleko od Cherbourga, u velikoj seljačkoj porodici koja je imala malo zemljište u Normandiji. Od djetinjstva, mladi Millet je bio okružen atmosferom marljivosti i pobožnosti. Dječak je bio veoma pametan, a njegov talenat primijetio je lokalni sveštenik. Stoga je dječak, pored školskih zadataka, pod vodstvom crkvenog propovjednika počeo učiti latinski, a nakon nekog vremena, uz Bibliju, Vergilijevo štivo postalo mu je omiljeno štivo, za koje je slikar imao ovisnost njegov zivot.
Do svoje 18. godine, Millet je živio na selu i, kao najstariji sin, obavljao je razne seljačke poslove, uključujući i one vezane za obradu zemlje. Pošto se sposobnost za likovnu umjetnost probudila u Millu vrlo rano, slikao je sve što ga je okruživalo: polja, bašte, životinje. Ipak, more je izazvalo najveće interesovanje mladog umjetnika. Svoje prve skice Millet posvećuje elementu vode.
Millais se odlikovao suptilnim moćima zapažanja, a njegove oči, koje su uočavale ljepotu prirode, nisu pobjegle od nedaća koje je pretrpjela osoba koja je ušla u sukob s njom. Majstor je kroz svoj život nosio tragično sjećanje, strašnu oluju koja je razbila i potopila desetine brodova, koju je promatrao u ranom djetinjstvu.
Kasnije je mladi slikar otišao u Šerbur, gde je prvo učio slikarstvo kod Moušela, a potom kod Langloa de Ševrevila (Grosovog učenika i sledbenika). Na zahtjev potonjeg, dobio je stipendiju opštine i otišao da nastavi studije u Pariz. Napuštajući domovinu, Millet je slušao uputstva svoje bake, koja mu je rekla: "Francois, nikada ne piši ništa nepristojno, čak i ako je to bilo po nalogu samog kralja."
Stigavši u Pariz, umjetnik je ušao u radionicu Delaroche. Tu je studirao od 1837. do 1838. Uporedo sa nastavom u Miletovoj radionici, posetio je Luvr, gde je proučavao čuvene slike, od kojih su ga Mikelanđelova dela najviše impresionirala. Millet nije odmah pronašao svoj put u umjetnost. Njegovi prvi radovi, kreirani za prodaju, rađeni su u maniri A. Watteaua i F. Bouchera, nazvani maniere fleurie, što znači „cvjetni način“. I iako se ovaj način pisanja odlikuje vanjskom ljepotom i gracioznošću, u stvarnosti stvara lažan dojam. Uspjeh je do umjetnika došao početkom 1840-ih zahvaljujući portretnim radovima (Autoportret, 1841; Mademoiselle Ono, 1841; Armand Ono, 1843; Deleuze, 1845).
Sredinom 1840-ih Millet radi na seriji portreta mornara, u kojima je njegov stil potpuno oslobođen manira i imitacije, što je tipično za rane umjetnikove radove ("Pomorski oficir", 1845. itd.). Majstor je naslikao nekoliko slika na mitološke i religiozne teme (Sv. Jeronim, 1849; Hagara, 1849).
Godine 1848. Millet se zbližava sa umjetnicima N. Diazom i F. Jeanronom i prvi put izlaže u Salonu. Prvo
slika koju je predstavio - "Veyatel" prikazuje seoski život. Od tada majstor jednom zauvijek odbija mitološke teme i odlučuje pisati samo ono što mu je bliže.
Kako bi ostvario svoje planove, on i njegova porodica preselili su se u Barbizon. Ovdje je umjetnik potpuno uronjen
u svijet seoskog života i stvara djela koja odgovaraju njegovom svjetonazoru. To su Sejač (1849), Seljanka koja sedi (1849) itd. U njima Millet sa velikom ubedljivošću istinito prikazuje predstavnike seljačke klase, fokusirajući se uglavnom na figuru, usled čega se ponekad dobija utisak da pejzaž na njegovim slikama ima pozadinsku ulogu.
U Milletovim radovima ranih 1850-ih. takođe dominiraju usamljeni likovi seljaka koji se bave običnim poslovima. Stvarajući platna, umjetnik je nastojao uzdići najprozaičnije djelo. Bio je uvjeren da se "prava humanost" i "velika poezija" mogu prenijeti samo prikazom radnih ljudi. Karakteristične karakteristike ovih radova su jednostavnost gestova, lakoća poza, obimna plastičnost figura i sporost pokreta.
Gledajući čuvenu Milletovu sliku "Švelja" (1853), gledalac vidi samo najneophodnije atribute krojačice: makaze, igle i pegle. Na platnu nema ništa suvišno, ima tačno onoliko prostora koliko je potrebno - ovim majstor čini sliku značajnom, pa čak i monumentalnom. Uprkos prividnoj statičnosti kompozicije, slika žene je puna unutrašnjeg pokreta: čini se da njena ruka koja drži iglu sve više šavova, a grudi joj se ritmično podižu. Radnica pažljivo gleda svoj proizvod, ali misli su joj negdje daleko. Uprkos običnosti i određenoj intimnosti motiva, slici su svojstveni svečanost i veličanstvenost.
U istom duhu izvedena je i slika Ostatak žetelaca, koju je majstor izložio na Salonu 1853. Uprkos izvesnoj generalizaciji ritmičkih figura, svetlosna kompozicija izaziva osećaj integriteta. Slike seljaka skladno se uklapaju u ukupnu sliku prirode.
Karakteristično je da u mnogim Milletovim delima priroda pomaže da se izrazi raspoloženje junaka. Dakle, na slici „Sjedeća seljanka“ neprijateljska šuma savršeno prenosi tugu djevojke, duboko uronjene u svoje nemirne misli.
S vremenom, Millet, koji je slikao slike na kojima su monumentalne slike prikazane na pozadini pejzaža, počinje stvarati nešto drugačija djela. Pejzažni prostor u njima se širi, pejzaž, koji i dalje igra ulogu pozadine, počinje da igra značajniju, semantičku ulogu. Tako u kompoziciji "Skupljači" (1857.) pejzaž u pozadini uključuje figure seljaka koji beru.
Millet daje dublje značenje slici prirode u malom platnu "Angelus" ("Venera zvoni", 1858-1859). Likovi muškarca i žene koji se mole usred polja uz tihe zvuke crkvenog zvona ne djeluju otuđeno od mirnog večernjeg pejzaža.
Kada su majstora pitali zašto većina njegovih slika ima tužno raspoloženje, odgovorio je:
„Život mi se nikada nije okrenuo radosnom stranom: ne znam gde je, nikad je nisam video. Najsrećnija stvar koju poznajem je mir, tišina u kojoj se tako divno uživa u šumi ili na oranicama, bez obzira da li su pogodne za obradu ili ne; slažem se da je ovo uvek naklonjeno tužnoj, ali slatkoj sanjivosti. Ove riječi u potpunosti objašnjavaju sanjivu tugu njegovih seljaka, koja se tako dobro uklapa u mir i tišinu polja i šuma.
Potpuno suprotno raspoloženje uočava se u Miletovoj programskoj kompoziciji "Čovek sa motikom", izloženoj na Salonu 1863. Da se ovo delo izdvaja od svega što je već napisano shvatio je i sam autor. Ne bez razloga, u jednom od svojih pisama iz 1962. godine, Millet je primetio: „Čovek sa motikom“ doneće mi kritike mnogih ljudi koji ne vole da se bave poslovima koji nisu iz svog kruga, kada su uznemireni... ". Zaista, njegove riječi su bile proročke. Kritika je donela svoju presudu, opisujući umetnika kao osobu "opasniju od Courbeta". I iako na ovoj slici gledalac vidi samo seljaka naslonjenog na motiku, dovoljan je jedan pogled da oseti: samo je hodao teškim gazećem, udarajući oruđem o tlo. Čovjek umoran od rada prikazan je s velikom ekspresivnošću: i na licu i na figuri jasno se očituje umor i beznađe njegovog života - sve ono što su stotine hiljada francuskih seljaka zaista iskusile.
Međutim, među djelima ovog tipa (posebno krajem 1860-ih i početkom 1870-ih) postoje djela prožeta optimizmom. To su slike na kojima majstor svoju pažnju usmjerava na pejzaž, preplavljen sunčevom svjetlošću. Takva su platna “Kupanje pastirice gusaka” (1863), “Kupanje konja” (1866), “Mlada pastirica” (1872). U posljednjem Milletu, sunčev zrak prolazi vrlo suptilno, prolazeći kroz lišće drveća i zaigrano milujući haljinu i lice djevojčice.
U posljednjem periodu stvaralaštva umjetnik pokušava da uhvati i na platnu uhvati kratke trenutke života. Ova želja da se popravi trenutak je uzrokovana željom da se direktno odražava stvarnost. Tako, na primjer, u pastelu "Jesen, odlazak ždralova" (1865-1866), gest pastirice koja promatra let jata ždralova uskoro će se promijeniti; a ako pogledate kompoziciju "Guske", izloženu na Salonu 1867., čini se da će se u drugom trenutku - i treperavo svjetlo promijeniti. Ovaj princip će kasnije naći svoj izraz u delima slikara impresionista.
Međutim, treba napomenuti da je u posljednjim Milletovim radovima, posebno u njegovim figurativnim kompozicijama, potraga za monumentalnošću opet opipljiva. To se posebno jasno vidi na platnu „Povratak s polja. Večer ”(1873), u kojoj se grupa seljaka i životinja ističe na pozadini večernjeg neba kao spojena generalizirana silueta.
Tako se od 1848. do kraja života Millet ograničio na prikaz sela i njegovih stanovnika. I premda nije nimalo težio da svojim djelima da oštro društveno značenje, već je samo po svaku cijenu želio očuvati patrijarhalne tradicije, njegov rad je doživljavan kao izvor revolucionarnih ideja.
Millet je završio svoj život u Barbizonu 1875.
Gustave Courbet
Gustave Courbet, francuski slikar, grafičar i vajar, rođen je 1819. godine na jugu Francuske, u Ornansu, u imućnoj seljačkoj porodici. Prve časove slikanja uzeo je u svom rodnom gradu, a zatim je neko vrijeme studirao na koledžu Besançon i u školi crtanja Flajulo.
Godine 1839, nakon što je teškom mukom uvjerio svog oca u ispravnost odabranog puta, Courbet je otišao u Pariz. Tamo je istovremeno posjetio poznatu u to vrijeme radionicu u Suisseu, gdje je vredno radio sa živom prirodom, i Louvre, kopirajući stare majstore i diveći se njihovom radu. Mladog umjetnika posebno je oduševio rad Španaca - D. Velasqueza, J. Ribere i F. Zurbarana. S vremena na vrijeme posjećujući rodna mjesta, Courbet sa velikim zadovoljstvom slika pejzaže, oblikujući volumene debelim slojem boje. Osim toga, radi u žanru portreta (najčešće je sam model) i slika platna na vjerske i književne teme („Lot sa kćerkom“, 1841.).
Kreirajući autoportrete, Courbet donekle romantizira svoj izgled (“Ranjeni”, 1844; “Sretni ljubavnici”, 1844-1845; “Čovjek s lulom”, 1846). Bio je to autoportret koji je prvi put izložio u Salonu („Autoportret sa crnim psom“, 1844). Poezija i sentimentalno sanjarenje prožimali su platno "Poslije večere u Ornansu" (1849). Ovom slikom umjetnik kao da brani svoje pravo da prikaže ono čega je dobro svjestan, što je posmatrao u poznatom ambijentu: u kuhinji, gdje su, po završetku večere, sam umjetnik, njegov otac, muzičar Promaillet i Marlay, sjedite. Svi likovi su prikazani tačno onako kako su stvarno izgledali. Istovremeno, Courbet je uspio da prenese opšte raspoloženje koje stvara muzika koju slušaju likovi na slici. Osim toga, aranžiranjem figura na velikom platnu, u velikom obimu, umjetnik je stvarao generalizirane slike, postižući monumentalnost i značaj, uprkos naizgled običnom svakodnevnom zapletu. Ova okolnost se savremenom slikaru u javnosti činila nečuvenim bezobrazlukom.
Međutim, Courbet se tu ne zaustavlja. U radovima izloženim na sledećem Salonu (1850-1851), njegova smelost ide i dalje. Dakle, u platnu "Drobilice kamena" (1849-1850) slikar je namjerno postavio društveno značenje. Postavio je cilj s nemilosrdnom istinitošću da prikaže težak posao i beznadežno siromaštvo francuskog seljaštva. Nije ni čudo što je Courbet napisao u objašnjenju slike: "Ovako počinju i ovako završavaju." Kako bi poboljšao dojam, majstor generalizira predstavljene slike. Unatoč određenoj konvencionalnosti u prijenosu svjetlosti, krajolik se doživljava vrlo istinito, međutim, poput figura ljudi. Osim Kamenolomaca, slikar je u Salonu izložio platna Pogreb u Ornanu (1849) i Seljaci se vraćaju sa sajma (1854). Sve ove slike bile su toliko različite od radova drugih izlagača da su zadivile Kurbeove savremenike.
Dakle, "Pogreb u Ornanu" je platno velikog formata, neobičnog dizajna i značajnog umjetničkog umijeća. Sve u njemu djeluje neobično i neobično: i tema (sahrana jednog od stanovnika malog mjesta), i likovi (malograđani i imućni seljaci, realistično ispisani). Kreativni princip Courbeta, proklamovan na ovoj slici - istinito prikazati život u svoj njegovoj ružnoći, nije prošao nezapaženo. Nije ni čudo što su ga neki moderni kritičari nazivali „veličanjem ružnog“, dok su drugi, naprotiv, pokušavali da opravdaju autora, jer „umetnik nije kriv što materijalni interesi, život malog grada, provincijska sitnica ostavljaju tragove od njihovih kandži na licima, čine oči van, čelo naborano i besmislen izraz usta. Buržuji su takvi. M. Courbet piše buržujima."
I zaista, iako se likovi nacrtani na platnu ne obilježavaju nekom posebnom ljepotom i duhovnošću, ipak su dati istinito i iskreno. Majstor se nije plašio monotonije, njegove figure su statične. Međutim, po izrazu lica namjerno okrenutih prema gledaocu lako se može naslutiti kako se odnose na događaj koji se odvija, da li ih to uzbuđuje. Treba napomenuti da Courbet nije odmah došao do takvog sastava. Prvobitno je zamišljeno da se ne crta svako pojedinačno lice - to se može vidjeti iz skice. Ali kasnije se ideja promijenila, a slike dobijaju jasno portretne karakteristike. Tako, na primjer, u masi možete prepoznati lica oca, majke i sestre samog umjetnika, pjesnika Maxa Buchona, starih jakobinskih ploča i Carda, muzičara Promayea i mnogih drugih stanovnika Ornana.
Na slici su, takoreći, spojena dva raspoloženja: sumorna svečanost, koja odgovara trenutku, i svakodnevni život. Crna boja žalobne odjeće je veličanstvena, izrazi lica strogi, a poze onih koji ih ispraćaju na posljednji put su nepomične. Tmurno raspoloženje pogrebnog obreda naglašeno je i oštrim stjenovitim izbočinama. Međutim, i u ovom izuzetno uzvišenom raspoloženju tkana je životna proza, što je naglašeno ravnodušnošću lica sluge i činovnika, ali lice osobe koja nosi krst djeluje posebno obično, čak ravnodušno. Svečanost trenutka narušava i pas sa repom među nogama, prikazanim u prvom planu.
Svi ovi razjašnjavajući detalji vrlo su važni i značajni za umjetnika koji svoj rad pokušava suprotstaviti zvaničnoj umjetnosti Salona. Ta se želja može pratiti u daljim Kurbeovim radovima. Na primjer, na platnu "Kupači" (1853), koje je izazvalo pometnju zbog činjenice da su se debeli predstavnici francuske buržoazije prikazani u njemu pokazali za razliku od prozirnih nimfa sa slika salonskih majstora, a njihova golotinja je predstavio umjetnik s najvećom opipljivošću i obimom. Sve to ne samo da nije pozdravljeno, već je, naprotiv, izazvalo buru ogorčenja, koja, međutim, nije zaustavila umjetnika.
S vremenom, Courbet shvaća da treba tražiti novi umjetnički metod. Više nije mogao biti zadovoljan onim što je prestalo da ispunjava njegove planove. Uskoro Courbet dolazi do tonskog slikarstva i modeliranja volumena svjetlom. On sam o tome kaže ovako: "Ja na svojim slikama radim ono što sunce radi u prirodi." Istovremeno, u većini slučajeva umjetnik piše na tamnoj pozadini: prvo stavlja tamne boje, postupno prelazi na svijetle i dovodi ih do najsvjetlijih. Boja se nanosi pouzdano i snažno lopaticom.
Courbet se ne zaglavi ni na jednoj temi, on je stalno u potrazi. Slikar je 1855. godine izložio „Atelje umetnika“, što je svojevrsna deklaracija. On sam to naziva "pravom alegorijom koja definira sedmogodišnji period njegovog umjetničkog života". I iako ova slika nije najbolje Courbetovo djelo, njena shema boja, izdržana u srebrno-sivim tonovima, govori o slikarevoj kolorističkoj vještini.
Godine 1855. umjetnik je priredio ličnu izložbu, koja je postala pravi izazov ne samo za akademsku umjetnost, već i za čitavo građansko društvo. Indikativan je predgovor koji je autor napisao katalogu ove osebujne izložbe. Dakle, otkrivajući pojam „realizma“, on direktno iznosi svoje ciljeve: „Mogu da prenesem običaje, ideje, izgled svog doba prema svojoj procjeni – jednom riječju, stvoriti živu umjetnost – to je bio moj cilj. " Courbet je sagledao sve aspekte stvarnosti, njenu raznolikost i pokušao da je utjelovi u svom radu sa maksimalnom istinitošću. Bilo da se radi o portretu, pejzažu ili mrtvoj prirodi, majstor svuda istim temperamentom prenosi materijalnost i gustoću stvarnog svijeta.
Šezdesetih godina 19. stoljeća u slikarevim radovima zamagljene su granice između portreta i žanrovske kompozicije (u budućnosti će ovaj trend biti karakterističan za rad E. Maneta i drugih umjetnika impresionista). U tom smislu, najotkrivenija su platna „Male Engleskinje na otvorenom prozoru na obali mora“ (1865) i „Devojka s galebovima“ (1865). Posebnost ovih radova je da slikara zanimaju ne toliko složena iskustva likova koliko ljepota svojstvena materijalnom svijetu.
Karakteristično je da se umetnik posle 1855. godine sve više okreće pejzažu, sa velikom pažnjom posmatra vazdušne i vodene elemente, zelenilo, sneg, životinje i cveće. Mnogi pejzaži ovog vremena posvećeni su scenama lova.
Prostor i objekti predstavljeni u ovim kompozicijama sve su stvarniji.
Radeći na ovaj način, Courbet posvećuje veliku pažnju rasvjeti. Dakle, u "Ikre kraj potoka" možemo uočiti sljedeću sliku: iako se drveće doživljava kao manje obimno, a životinje se gotovo stapaju s pozadinom pejzaža, s druge strane, prostor i zrak se osjećaju sasvim realno. Ovu osobinu odmah su primijetili kritičari koji su napisali da je Courbet ušao u novu fazu kreativnosti - "put do svijetlog tona i svjetla". Posebno se ističu morski pejzaži („More kod obale Normandije“, 1867; „Talas“, 1870, itd.). Upoređujući različite pejzaže, ne može se
ne primijetite kako se raspon boja mijenja ovisno o osvjetljenju. Sve to upućuje na to da u kasnom periodu Kurbeovog stvaralaštva on nastoji ne samo da uhvati volumen i materijalnost svijeta, već i da prenese atmosferu koja ga okružuje.
Završavajući razgovor o Courbetu, ne može se ne reći da, okrenuvši se pejzažnim radovima, nije prestao raditi na platnima društvenih tema. Ovdje je potrebno posebno istaknuti "Povratak sa konferencije" (1863) - sliku koja je bila svojevrsna satira na sveštenstvo. Nažalost, slika nije sačuvana do danas.
Od 1860-ih u krugovima buržoaske javnosti raste interesovanje za umetnikov rad. Međutim, kada vlada odluči da nagradi Courbet, on odbija nagradu, jer ne želi da bude zvanično priznat i da pripada nijednoj školi. Za vrijeme Pariske komune, Courbet aktivno učestvuje u revolucionarnim događajima, zbog čega potom odlazi u zatvor i biva protjeran iz zemlje. Dok je iza rešetaka, umjetnik stvara mnoge crteže koji prikazuju scene masakra nad komunarima.
Prognan iz Francuske, Courbet nastavlja da piše. Tako je, na primjer, u Švicarskoj stvorio nekoliko realističnih pejzaža, od kojih je posebno divljenje “Koliba u planinama” (oko 1874.). Unatoč činjenici da je krajolik prepoznatljiv po svojoj maloj veličini i specifičnosti motiva, on ima monumentalni karakter.
Do kraja života, Courbet je ostao vjeran principu realizma, u čijem je duhu djelovao cijeli život. Slikar je umro daleko od svoje domovine, u La Tour de Pels (Švajcarska) 1877. godine.
Od kraja XVIII veka. Francuska je igrala veliku ulogu u društveno-političkom životu Zapadne Evrope. 19. vijek bio je obilježen širokim demokratskim pokretom koji je obuhvatio gotovo sve sektore francuskog društva. Revoluciju 1830. pratila je revolucija 1848. Godine 1871. ljudi koji su proglasili Parisku komunu učinili su prvi pokušaj u historiji Francuske i cijele Zapadne Evrope da preuzmu političku vlast u državi.
Kritično stanje u zemlji nije moglo a da ne utiče na stav ljudi. U ovoj eri napredna francuska inteligencija nastoji pronaći nove puteve u umjetnosti i nove oblike umjetničkog izražavanja. Zato su se realističke tendencije u francuskom slikarstvu otkrile mnogo ranije nego u drugim zapadnoevropskim zemljama.
Revolucija 1830. donijela je demokratske slobode u život Francuske, što grafičari nisu propustili iskoristiti. Oštre političke karikature usmjerene protiv vladajućih krugova, kao i poroka koji vladaju u društvu, punili su stranice časopisa Šarivari i Karikatura. Ilustracije za periodiku rađene su u tehnici litografije. U žanru karikature radili su umjetnici kao što su A. Monnier, N. Charlet, J. I. Granville, kao i izuzetni francuski grafičar O. Daumier.
Važnu ulogu u umjetnosti Francuske između revolucija 1830. i 1848. odigrao je realistički trend u pejzažnom slikarstvu - tzv. barbizon school. Ovaj izraz dolazi od imena malog slikovitog sela Barbizon u blizini Pariza, gdje je 1830-ih i 1840-ih godina. mnogi francuski umjetnici došli su da proučavaju prirodu. Nezadovoljni tradicijom akademske umjetnosti, lišene žive konkretnosti i nacionalnog identiteta, odjurili su u Barbizon, gdje su, pažljivo proučavajući sve promjene u prirodi, slikali slike skromnih kutaka francuske prirode.
Iako se radovi majstora Barbizonske škole odlikuju istinitošću i objektivnošću, uvijek osjećaju raspoloženje autora, njegove emocije i iskustva. Priroda u pejzažima Barbizona ne izgleda veličanstveno i daleko, bliska je i razumljiva čovjeku.
Često su umjetnici slikali isto mjesto (šumu, rijeku, ribnjak) u različito doba dana i pod različitim vremenskim uslovima. U radionici su obrađene etide rađene na otvorenom, stvarajući kompozicijski integralnu sliku. Vrlo često je u gotovom slikarskom radu nestajala svježina boja karakteristična za etide, pa su se platna mnogih Barbizona odlikovala tamnom bojom.
Najveći predstavnik Barbizonske škole bio je Theodore Rousseau, koji se, već poznati pejzažista, udaljio od akademskog slikarstva i došao u Barbizon. Protestujući protiv varvarskog krčenja šuma, Rousseau obdaruje prirodu ljudskim kvalitetima. On je sam govorio o tome da čuje glasove drveća i da ih razumije. Odličan poznavalac šume, umjetnik vrlo precizno prenosi strukturu, vrstu i razmjer svakog drveta („Fontenbloova šuma“, 1848–1850; „Hrastovi u Agremontu“, 1852). Istovremeno, Rousseauova djela pokazuju da umjetnik, čiji se stil formirao pod utjecajem akademske umjetnosti i slikarstva starih majstora, nije mogao, ma koliko se trudio, riješiti problem prenošenja svjetlosti i zraka. . Stoga su svjetlost i boja u njegovim pejzažima najčešće uslovne.
Rousseauova umjetnost imala je veliki utjecaj na mlade francuske umjetnike. Predstavnici Akademije, uključeni u selekciju slika u salonima, pokušali su da spreče rad Rusoa na izložbi.
Poznati majstori Barbizonske škole bili su Jules Dupre, čiji pejzaži sadrže crte romantične umjetnosti („Veliki hrast“, 1844–1855; „Pejzaž s kravama“, 1850) i Narcissus Diaz, koji je nastanjivao šumu Fontainebleaua sa gole figure nimfi i antičkih boginja („Venera s Kupidonom“, 1851).
Predstavnik mlađe generacije Barbizona bio je Charles Daubigny, koji je svoju karijeru započeo ilustracijama, ali 1840-ih. posvećen pejzažu. Njegovi lirski pejzaži, posvećeni nepretencioznim kutovima prirode, ispunjeni su sunčevom svjetlošću i zrakom. Vrlo često je Daubigny slikao iz života ne samo skice, već i gotove slike. Sagradio je čamac-radionicu, na kojoj je plovio rijekom, zaustavljajući se na najatraktivnijim mjestima.
Najveći francuski umjetnik 19. stoljeća bio je blizak Barbizonima. K. Koro.
Revolucija 1848. dovela je do izuzetnog uspona društvenog života Francuske, njene kulture i umjetnosti. U to vrijeme u zemlji su radila dva velika predstavnika realističkog slikarstva - J.-F. Millet i G. Courbet.
Realizam (od latinskog "realis" - stvaran, materijal) je pravac u umetnosti, nastao je krajem 18. veka, dostigao vrhunac u 19., nastavlja da se razvija početkom 20. veka i još uvek postoji. Njegov cilj je stvarna i objektivna reprodukcija predmeta i predmeta okolnog svijeta, uz zadržavanje njihovih tipičnih obilježja i karakteristika. U procesu istorijskog razvoja cjelokupne umjetnosti u cjelini, realizam dobija specifične oblike i metode, zbog čega se izdvajaju njegova tri stupnja: prosvjetiteljsko (doba prosvjetiteljstva, kraj 18. stoljeća), kritičko (19. veka) i socijalističkog realizma (početak 20. veka).
Termin "realizam" prvi je upotrebio francuski književni kritičar Jules Jeanfleury, koji je u svojoj knjizi "Realizam" (1857) tumačio ovaj koncept kao umjetnost stvorenu da se odupre takvim strujama kao što su romantizam i akademizam. Djelovao je kao oblik odgovora na idealizaciju, što je karakteristično za romantizam i klasične principe akademizma. Imajući oštru društvenu orijentaciju, nazvana je kritičkom. Ovaj pravac je odražavao akutne društvene probleme u svijetu umjetnosti, dao ocjenu različitih pojava u životu tadašnjeg društva. Njegova vodeća načela bila su objektivno prikazivanje bitnih aspekata života, koji su istovremeno sadržavali visinu i istinitost autorovih ideala, reprodukciju karakterističnih situacija i tipičnih likova, zadržavajući pritom punoću njihove umjetničke individualnosti.
(Boris Kustodiev "Portret D.F. Bogoslovskog")
Realizam ranog dvadesetog veka bio je usmeren na pronalaženje novih veza između čoveka i stvarnosti oko njega, novih kreativnih načina i metoda, originalnih sredstava umetničkog izražavanja. Često nije bio izražen u svom čistom obliku, karakterizira ga bliska povezanost s takvim trendovima u umjetnosti dvadesetog stoljeća kao što su simbolizam, vjerski misticizam, modernizam.
Realizam u slikarstvu
Pojava ovog trenda u francuskom slikarstvu prvenstveno se vezuje za ime umjetnika Gustava Courbiera. Nakon što je nekoliko slika, posebno onih od velike važnosti za autora, odbijeno kao eksponati na Svjetskoj izložbi u Parizu, 1855. otvara vlastiti “Paviljon realizma”. Deklaracija koju je iznio umjetnik proklamirala je principe novog smjera u slikarstvu, čija je svrha bila stvaranje žive umjetnosti koja prenosi običaje, običaje, ideje i izgled njegovih suvremenika. Kurbijeov "realizam" odmah je izazvao oštru reakciju društva i kritičara, koji su tvrdili da ga on, "skrivajući se iza realizma, kleveta prirodu", naziva zanatlija u slikarstvu, pravi parodije od njega u pozorištu i kleveće ga na sve moguće načine.
(Gustave Courbier "Autoportret sa crnim psom")
Realistička umjetnost temelji se na vlastitom, posebnom pogledu na okolnu stvarnost, koji kritikuje i analizira mnoge aspekte društva. Otuda i naziv realizma 19. veka „kritički“, jer je kritikovao, pre svega, neljudsku prirodu okrutnog eksploatatorskog sistema, pokazao eklatantno siromaštvo i patnju uvređenih običnih ljudi, nepravdu i popustljivost onih na vlasti. . Kritikujući temelje postojećeg buržoaskog društva, umjetnici realisti bili su plemeniti humanisti koji su vjerovali u Dobro, Vrhovnu pravdu, univerzalnu jednakost i sreću za sve bez izuzetka. Kasnije (1870.) realizam se dijeli na dvije grane: naturalizam i impresionizam.
(Julien Dupre "Povratak sa polja")
Glavne teme umjetnika koji su svoja platna slikali u stilu realizma bile su žanrovske scene urbanog i seoskog života običnih ljudi (seljaka, radnika), scene uličnih događaja i incidenata, portreti stalnih ljudi u uličnim kafićima, restoranima i noćnim klubovima. Za umjetnike realiste bilo je važno prenijeti trenutke života u njegovoj dinamici, što vjerodostojnije naglasiti individualne karakteristike glumačkih likova, realistično prikazati njihova osjećanja, emocije i doživljaje. Glavna karakteristika slika koje prikazuju ljudska tijela je njihova senzualnost, emocionalnost i naturalizam.
Realizam kao pravac u slikarstvu razvio se u mnogim zemljama svijeta kao što su Francuska (Barbizon škola), Italija (bila poznata kao verizam), Velika Britanija (figurativna škola), SAD (Edward Hopper's Trash Can School, Thomas Eakins Art School), Australiji (Heidelberg škola, Tom Roberts, Frederick McCubbin), u Rusiji je bio poznat kao pokret lutalica.
(Julien Dupre "Pastir")
Francuske slike, pisane u duhu realizma, često su pripadale žanru pejzaža, u kojem su autori pokušavali da prenesu okolnu prirodu, ljepotu francuske provincije, ruralne pejzaže, koji su, po njihovom mišljenju, demonstrirali "pravu" Francusku. u svoj svojoj raskoši na najbolji mogući način. Slike francuskih realista nisu prikazivale idealizovane tipove, bilo je stvarnih ljudi, običnih situacija bez ulepšavanja, nije bilo uobičajene estetike i nametanja univerzalnih istina.
(Honore Daumier "Kočija treće klase")
Najistaknutiji predstavnici francuskog realizma u slikarstvu bili su umjetnici Gustave Courbier ("Radionica umjetnika", "Drobilice kamena", "Pletač"), Honore Daumier ("Kočija treće klase", "Na ulici", "Pralja") , Francois Millet ("Sijač", "Sakupljači", "Angelus", "Smrt i drvosječa").
(François Millet "Sakupljači")
U Rusiji je razvoj realizma u likovnoj umjetnosti usko povezan s buđenjem javne svijesti i razvojem demokratskih ideja. Progresivni građani društva osudili su postojeći državni sistem, pokazali duboko saosećanje s tragičnom sudbinom jednostavnog ruskog naroda.
(Aleksej Savrasov "Topovi su stigli")
Grupa lutalica, nastala krajem 19. veka, uključivala je velike ruske majstore kista poput pejzažnih slikara Ivana Šiškina („Jutro u borovoj šumi“, „Raž“, „Borova šuma“) i Alekseja Savrasova (“ Rooks su stigli”, „Ruralni pogled”, „Duga”), majstori žanrovskih i istorijskih slika Vasilij Perov („Trojka”, „Lovci na odmoru”, „Seoska verska povorka na Uskrs”) i Ivan Kramskoj („Nepoznato” , „Neutešna tuga“, „Hrist u pustinji“), izvanredni slikar Ilja Repin („Teglenice na Volgi“, „Nisu čekale“, „Povorka u Kurskoj guberniji“), majstor prikaza istorijski događaji velikih razmjera Vasilij Surikov („Jutro streljačkog pogubljenja“, „Bojar Morozova“, „Suvorov prelazi Alpe“) i mnogi drugi (Vasnjecov, Polenov, Levitan),
(Valentin Serov "Djevojka sa breskvama")
Do početka 20. veka tradicije realizma bile su čvrsto ukorenjene u likovnoj umetnosti tog vremena; umetnici kao što su Valentin Serov („Devojka sa breskvama“, „Petar I“), Konstantin Korovin („Zimi“, „ Za čajnim stolom”, „Boris Godunov. Krunisanje”), Sergej Ivanov („Porodica”, „Dolazak guvernera”, „Smrt doseljenika”).
Realizam u umetnosti 19. veka
Kritički realizam, koji se pojavio u Francuskoj i dostigao vrhunac u mnogim evropskim zemljama sredinom 19. stoljeća, nastao je nasuprot tradicijama umjetničkih pokreta koji su mu prethodili, poput romantizma i akademizma. Njegov glavni zadatak bio je objektivno i istinito odraz "istine života" uz pomoć specifičnih umjetničkih sredstava.
Pojava novih tehnologija, razvoj medicine, nauke, raznih grana industrijske proizvodnje, rast gradova, pojačan eksploatatorski pritisak na seljake i radnike, sve to nije moglo a da ne utiče na kulturnu sferu tog vremena, što je kasnije dovelo do razvoj novog pokreta u umjetnosti – realizma, osmišljenog da odražava život novog društva bez uljepšavanja i izobličenja.
(Daniel Defoe)
Engleski pisac i publicista Daniel Defoe smatra se začetnikom evropskog realizma u književnosti. U svojim djelima "Dnevnik godine kuge", "Roxanne", "Radosti i tuge Mole Flandersa", "Život i zadivljujuće avanture Robinsona Krusoa" prikazuje različite društvene kontradiktornosti tog vremena, zasnovane na iskazu o dobrom početku svake osobe, koji se može promijeniti pod pritiskom vanjskih okolnosti.
Osnivač književnog realizma i psihološkog romana u Francuskoj je pisac Frederic Stendhal. Njegovi čuveni romani "Crveno i crno", "Crveno i belo" pokazali su čitaocima da se opis običnih životnih prizora i svakodnevnih ljudskih iskustava i emocija može uraditi sa najvećom veštinom i uzdići u rang umetnosti. Među izuzetnim realističkim piscima XIX veka su i francuski Gistav Flober ("Madam Bovari"), Gi de Mopasan ("Dragi prijatelj", "Jak kao smrt"), Onore de Balzak (serija romana "Ljudska komedija"). ), Englez Charles Dickens ("Oliver Twist", "David Copperfield"), Amerikanci William Faulkner i Mark Twain.
Poreklo ruskog realizma bili su takvi izvanredni majstori pera kao što su dramaturg Aleksandar Griboedov, pesnik i pisac Aleksandar Puškin, basnoslovac Ivan Krilov, njihovi naslednici Mihail Ljermontov, Nikolaj Gogolj, Anton Čehov, Lav Tolstoj, Fjodor Dostojevski.
Slikarstvo perioda realizma 19. stoljeća karakterizira objektivan prikaz stvarnog života. Francuski umjetnici predvođeni Theodoreom Rousseauom slikaju ruralne pejzaže i prizore iz uličnog života, dokazujući da obična priroda bez uljepšavanja također može biti jedinstven materijal za stvaranje remek-djela likovne umjetnosti.
Jedan od najskandaloznijih umjetnika realista tog vremena, koji je izazvao buru kritika i osuda, bio je Gustave Courbier. Njegove mrtve prirode, pejzažne slike ("Jelen kod vodene rupe"), žanrovske scene ("Sahrana u Ornanu", "Stone Crushers").
(Pavel Fedotov "Majorov provod")
Osnivač ruskog realizma je umjetnik Pavel Fedotov, na svojim poznatim slikama „Majorov provod“, „Svježi kavalir“, u svojim djelima razotkriva poročne običaje društva, iskazuje simpatije prema siromašnim i potlačenim ljudima. Sljedbenicima njegove tradicije može se nazvati pokret lutalica, koji je 1870. godine osnovalo četrnaest najboljih diplomaca Carske peterburške akademije umjetnosti zajedno s drugim slikarima. Njihova prva izložba, otvorena 1871. godine, doživjela je ogroman uspjeh u javnosti, prikazala je odraz stvarnog života jednostavnog ruskog naroda, koji se nalazi u strašnim uslovima siromaštva i ugnjetavanja. To su poznate slike Repina, Surikova, Perova, Levitana, Kramskoja, Vasnjecova, Polenova, Gea, Vasiljeva, Kuindžija i drugih istaknutih ruskih realističkih umjetnika.
(Constantin Meunier "Industrija")
U 19. veku arhitektura, arhitektura i srodne primenjene umetnosti bile su u stanju duboke krize i propadanja, što je uslovilo nepovoljne uslove za razvoj monumentalne skulpture i slikarstva. Dominantni kapitalistički sistem bio je neprijateljski nastrojen prema onim vrstama umetnosti koje su bile direktno povezane sa društvenim životom kolektiva (javne zgrade, ansambli širokog građanskog značaja), realizam kao pravac u umetnosti mogao je da se u potpunosti razvije u vizuelnim umetnostima i delimično u skulpturi. Izvanredni realistički vajari 19. veka: Constantin Meunier ("Utovarivač", "Industrija", "Pudlinger", "Hammer") i Auguste Rodin ("Mislilac", "Hodanje", "Građani Kalea").
Realizam u umetnosti XX veka
U postrevolucionarnom periodu i tokom stvaranja i procvata SSSR-a, socijalistički realizam je postao dominantan trend u ruskoj umetnosti (1932. - pojava ovog pojma, njegov autor je bio sovjetski pisac I. Gronski), što je bio estetski odraz socijalističkog koncepta sovjetskog društva.
(K. Yuon "Nova planeta")
Glavna načela socrealizma, usmjerena na istinit i realističan prikaz okolnog svijeta u njegovom revolucionarnom razvoju, bili su principi:
- nacionalnosti. Koristite uobičajene govorne obrte, poslovice, da književnost bude razumljiva narodu;
- Ideološki. Označiti herojska djela, nove ideje i načine potrebne za sreću običnih ljudi;
- Specifičnost. Oslikajte okolnu stvarnost u procesu istorijskog razvoja, u skladu sa njenim materijalističkim shvatanjem.
U književnosti su glavni predstavnici socrealizma bili pisci Maksim Gorki ("Majka", "Foma Gordejev", "Život Klima Samgina", "Na dnu", "Pesma o Petrelu"), Mihail Šolohov (" Djevičansko tlo uzdignuto“, epski roman „Tihi Don“), Nikolaj Ostrovski (roman „Kako se kalio čelik“), Aleksandar Serafimovič (priča „Gvozdeni potok“), pesnik Aleksandar Tvardovski (pesma „Vasilije Terkin“ "), Aleksandar Fadejev (romani "The Rout", "The Young Guard") i drugi
(M. L. Zvyagin "Na posao")
Također u SSSR-u, djela stranih autora kao što su pacifistički pisac Henri Barbusse (roman "Vatra"), pjesnik i prozni pisac Louis Aragon, njemački dramatičar Bertolt Brecht, njemačka književnica i komunistkinja Anna Segers (roman " Sedmi krst") smatrali su se među piscima socrealizma., čileanski pjesnik i političar Pablo Neruda, brazilski pisac Jorge Amado ("Kapetani pijeska", "Dona Flor i njena dva muža").
Izvanredni predstavnici pravca socijalističkog realizma u sovjetskom slikarstvu: Aleksandar Deineka ("Odbrana Sevastopolja", "Majka", "Budući piloti", "Sportista"), V. Favorsky, Kukryniksy, A. Gerasimov ("Lenjin na podijumu" ", "Posle kiše", "Portret balerine O. V. Lepeshinskaya"), A. Plastov ("Konji za kupanje", "Večera traktorista", "Stado kolektivne farme"), A. Laktionov ("Pismo s fronta" ”), P. Končalovski („Jorgovan” ), K. Juon („Komsomolskaja pravda”, „Ljudi”, „Nova planeta”), P. Vasiljev (portreti i marke sa prikazom Lenjina i Staljina), V. Svarog („Heroji” -piloti u Kremlju pre leta”, „Prvi maj – pioniri”), N. Baskakov („Lenjin i Staljin u Smoljnom”), F. Rešetnjikov („Opet dvojka”, „Stigao na odmor”), K. Maksimov i drugi.
(Spomenik Vera Mukhina "Radnica i kolekcionarka")
Istaknuti sovjetski vajari-monumentalisti iz doba socijalističkog realizma bili su Vera Mukhina (spomenik "Radnica i kolekcionarka"), Nikolaj Tomski (bareljef od 56 figura "Odbrana, rad, odmor" na Domu Sovjeta na Moskovskom prospektu u Lenjingrad), Jevgenija Vučetiča (spomenik „Ratnik-oslobodilac“ u Berlinu, skulptura „Otadžbina zove!“ u Volgogradu), Sergeja Konenkova. U pravilu su se za velike monumentalne skulpture birali posebno izdržljivi materijali, poput granita, čelika ili bronze, koji su postavljani na otvorenim prostorima za obilježavanje posebno važnih povijesnih događaja ili herojsko-epskih djela.