Kroz svoju istoriju, hiljadama i hiljadama godina, čovečanstvo je stvaralo muzičke instrumente i kombinovalo ih u raznim kombinacijama. Ali prije otprilike četiri stotine godina ove kombinacije instrumenata razvile su se u formu koja je već bliska onoj modernog orkestra.
U stara vremena, kada su se muzičari okupljali da sviraju, koristili su sve instrumente koji su bili u blizini. Ako su bila tri svirača na lauti, dva na harfi i fruli, tako se sviralo. Do ranog 16. veka, ere poznatog kao renesansa, reč "ansambl" se koristila za označavanje grupe muzičara, ponekad pevača, koji su izvodili muziku zajedno ili "u ansamblu".
Kompozitori rane renesanse obično nisu precizirali za koji instrument pišu dio. To je značilo da se dionice mogu svirati na bilo kojem dostupnom instrumentu. Ali početkom 17. veka u Italiji, kompozitor Klaudio Monteverdi odabrao je koji instrumenti treba da prate njegovu operu Orfej (1607), i precizno naznačio za koje instrumente su delovi napisani: petnaest viola raznih veličina, dve violine, četiri flaute ( dvije velike i dvije srednje), dvije oboe, dva korneta (male drvene trube), četiri trube, pet trombona, harfa, dva čembala i tri male orgulje.
Kao što se vidi, " renesansni orkestar" Monteverdi je već bio sličan onome što zamišljamo da bi orkestar trebao biti: instrumenti organizovani u grupe, mnogo gudačkih instrumenata, velika raznolikost.
U sledećem veku (do 1700. godine, u vreme J. S. Baha), orkestar se još više razvija. Porodica violina (violina, viola, violončelo i bas) zamijenila je viole; u baroknom orkestru porodica violina bila je mnogo reprezentativnija od viola u renesansnom orkestru. Muzičko vodstvo u baroknom orkestru pripadalo je instrumentima s klavijaturama; kao vođe su bili muzičari koji su svirali čembalo ili ponekad orgulje. Kada je J. S. Bach radio s orkestrom, sjedio je za orguljama ili čembalom i upravljao orkestrom sa svog mjesta.
U doba baroka, muzički dirigent je ponekad vodio orkestar stojeći, ali to još nije bilo dirigovanje kakvo danas poznajemo. Jean-Baptiste Lully, koji je bio zadužen za muziku na dvoru francuskog kralja 1600-ih, bio je navikao da svojim muzičarima tuče ritam na podu dugačkom motkom, ali je jednog dana slučajno ozlijedio nogu, razvila se gangrena , i umro je!
Sledeći 19. vek, vreme Hajdna i Betovena, doživeo je još dublje promene u orkestru. Gudački instrumenti postali su važniji nego ikad, dok su instrumenti s klavijaturama izblijedjeli u mraku. Kompozitori su počeli da pišu za određeni muzički instrument. To je značilo poznavanje glasa svakog instrumenta, razumijevanje koja bi muzika zvučala bolje i bila lakša za izvođenje na odabranom instrumentu. Kompozitori su postali slobodniji, pa čak i avanturistički raspoloženi u kombinovanju instrumenata kako bi proizveli bogatije i raznovrsnije zvukove i nijanse.
Prvi violinista (ili korepetitor) upravljao je orkestrom iz svoje stolice, ali je ponekad morao davati instrukcije gestikulacijom i, da bi bio bolje vidljiv, prvo je koristio običan list bijelog papira umotan u tubu. To je dovelo do razvoja moderne palice. Početkom 1800-ih, kompozitori-dirigenti kao što su Carl Maria von Weber i Felix Mendelssohn bili su pioniri u praksi vođenja muzičara sa centralnog podijuma ispred orkestra.
Kako su orkestri postajali sve veći i veći, nisu svi muzičari mogli vidjeti i pratiti korepetitora. Do kraja 19. vijeka orkestar je dostigao veličinu i proporcije kakve danas poznajemo i čak je premašio današnje. Neki kompozitori, poput Berlioza, počeli su da komponuju muziku samo za tako ogromne orkestre.
Dizajn, konstrukcija i kvalitet muzičkih instrumenata su stalno unapređivani, kreirani novih muzičkih instrumenata, koji su svoje mjesto našli u orkestru, kao što su pikolo (mala flauta) i truba. Mnogi kompozitori, uključujući Berlioza, Verdija, Wagnera, Malera i Richarda Strausa, postali su dirigenti. Njihovi eksperimenti sa orkestracijom (umetnost distribucije muzičkog materijala među instrumentima orkestra kako bi se svaki instrument što bolje iskoristio) pokazali su put u 20. vek.
Wagner je otišao još dalje; dizajnirao je i proizveo bas trubu ( Wagner trumpet), kombinujući elemente trube i trube kako bi uveo novi, poseban zvuk u svoju besmrtnu operu "Prsten Nibelunga". Bio je prvi dirigent koji je okrenuo leđa publici kako bi bolje kontrolisao orkestar. U jednoj od svojih simfonija pisao je Štraus Dio alpskog roga, drveni narodni instrument dužine 12 stopa. Sada alpski rog zamjenjuje truba. Arnold Schoenberg je stvorio svoje djelo "Pesme Gurreliedera" za orkestar sa 150 instrumenata.
20. vek je bio vek slobode i novih eksperimenata sa orkestrom. Dirigenti su postali potpuno individualne osobe i među njima su se uzdizale vlastite superzvijezde. Višestruko je povećana odgovornost, ali i priznanje publike.
Osnova orkestra bila je onakva kakva je nastala krajem 19. stoljeća, a kompozitori su ponekad dodavali ili uklanjali instrumente ovisno o efektu koji su željeli. Ponekad je to bila izuzetno proširena grupa udaraljki ili drvenih i limenih instrumenata. Ali sastav orkestra se učvrstio i ostao uglavnom konstantan: velika grupa gudačkih instrumenata i male grupe duvačkih, udaraljki, harfi i klavijatura.
Nakon svih ovih godina i dalje radi!
, violončelo, kontrabas. Skupljeni zajedno, u rukama iskusnih muzičara, podređeni volji dirigenta, čine muzički instrument sposoban da izrazi i prenese zvukom bilo koji muzički sadržaj, bilo koju sliku, svaku misao. Mnogobrojne kombinacije orkestarskih instrumenata pružaju gotovo neiscrpnu paletu raznolikih zvukova - od gromoglasnih, zaglušujućih do jedva čujnih, od oštrog rezanja uha do milujuće tihih. I višespratni akordi bilo koje složenosti, i šareni i vijugavi prepleti heterogenih melodijskih ornamenata, i paučinasto tanka tkanina, sitni zvučni „iverci“, kada, po figurativnom izrazu S. S. Prokofjeva, „kao da brišu prašinu iz orkestra” i moćne unisone mnogih instrumenata koji sviraju iste zvuke u isto vrijeme – sve je to podređeno orkestru. Bilo koja od orkestarskih grupa – gudači, duvači, udaraljke, trzalice, klavijature – u stanju je da se odvoji od ostalih i u tišini drugih vodi svoj muzički narativ; ali svi oni, u cjelini, djelomično ili kao pojedinačni predstavnici, spajajući se s drugom grupom ili njenim dijelom, čine složenu tembarsku leguru. Već više od dva veka, najdraže misli kompozitora, najupečatljivije prekretnice u istoriji umetnosti zvuka, povezuju se sa muzikom osmišljenom, napisanom, a ponekad i aranžiranom za simfonijski orkestar.
Raspored muzičkih instrumenata simfonijskog orkestra.
Svi koji vole muziku znaju i pamte imena J. Haydna, W. A. Mocarta, F. Schuberta, R. Schumana, J. Brahmsa, G. Berlioza, F. Liszta, S. Franka, J. Bizeta, J. Verdija , P. I. Čajkovski, N. A. Rimski-Korsakov, A. P. Borodin. M. P. Musorgski, S. V. Rahmanjinov, A. K. Glazunov, I. F. Stravinski, S. S. Prokofjev, N. Ja. Mjaskovski, D. D. Šostakovič, A. I. Hačaturjan, K. Debisi, M. Ravel, B. Bartok i drugi majstori, čije su simfonije, simfonije, pjesme, slike, fantazije, instrumentalni koncerti uz pratnju orkestra, i na kraju, kantate, oratoriji, opere i baleti pisani su za simfonijski orkestar ili uključuju njegovo učešće. Za njega, sposobnost pisanja predstavlja najvišu i najsloženiju oblast umjetnosti muzičke kompozicije, koja zahtijeva duboko specijalizovano znanje, veliko iskustvo, praksu, i što je najvažnije, posebne muzičke sposobnosti, darovitost i talenat.
Istorija nastanka i razvoja simfonijskog orkestra je istorija postepenog restrukturiranja starih instrumenata i pronalaženja novih, povećanje njegovog sastava, istorija unapređenja načina upotrebe kombinacija instrumenata, odnosno istorija tog kraja. muzičke nauke zvane orkestracija ili instrumentacija, i, konačno, istorija simfonijske, operske i oratorijske muzike. Sve ove četiri komponente, četiri strane koncepta „simfonijskog orkestra“, usko su povezane jedna s drugom. Njihov uticaj jedni na druge bio je i ostao raznolik.
Reč „orkestar“ u staroj Grčkoj označavala je polukružni prostor ispred pozorišne scene na kojoj se nalazio hor - neizostavan učesnik dramskih predstava u doba Eshila, Sofokla, Euripida, Aristofana. Oko 1702. godine ova riječ je prvi put korištena za označavanje malog prostora namijenjenog ansamblu instrumentalista koji prate operu. Ovo je naziv za instrumentalne grupe u kamernoj muzici. Sredinom 18. vijeka. Uveli su razliku koja je bila odlučujuća za istoriju orkestra - veliki orkestar je bio u suprotnosti sa malom kamernom muzikom - ansamblom. Do tada nije bila povučena jasna granica između kamerne muzike i orkestralne muzike.
Koncept “simfonijskog orkestra” pojavio se u eri klasicizma, kada su živjeli i radili K. V. Gluck, L. Boccherini, Haydn i Mozart. Nastala je nakon što su kompozitori počeli precizno zapisivati u notama nazive svakog instrumenta koji svira ovaj ili onaj glas, ovu ili onu liniju nota. Još početkom 17. vijeka. u "Orfeju" C. Monteverdija, ispred svakog broja, navedeni su samo instrumenti koji ga mogu izvesti. Ostalo je otvoreno pitanje ko treba da igra koju liniju. Stoga bi se u bilo kojoj od 40 operskih kuća u njegovoj rodnoj Veneciji jedna predstava Orfeja mogla razlikovati od druge. J. B. Lully, kompozitor, violinista, dirigent, vjerovatno je bio prvi koji je pisao za određeni skup instrumenata, za takozvane "24 violine kralja" - gudački ansambl formiran na dvoru Luja XIV i koji je vodio sam Lully. . Njegov gornji glas gudačke grupe takođe su podržavale oboe, a donji fagot. Oboe i fagoti bez žica, za razliku od kompletnog ansambla, učestvovali su u srednjim dionicama njegovih kompozicija.
Tokom celog 17. veka. i prve polovine 18. veka. Formira se početna osnova orkestra - gudačka grupa. Postupno se dodaju predstavnici porodice puhača - flaute, oboe i fagoti, a zatim i rogovi. Klarinet je u orkestar ušao mnogo kasnije zbog svoje krajnje nesavršenosti u to vrijeme. M.I. Glinka u svojim "Napomenama o instrumentaciji" zvuk klarineta naziva "guskom". Ipak, duhačka grupa koju čine flaute, oboe, klarinet i rog (po dva) pojavljuje se u Mocartovoj „Praškoj simfoniji“, a prije toga u njegovom francuskom savremeniku F. Gossecu. U Haydnovim Londonskim simfonijama i ranim simfonijama L. Beethovena pojavljuju se dvije trube, kao i timpani. U 19. vijeku duvačka sekcija u orkestru postaje još jača. Po prvi put u istoriji orkestarske muzike, finale Betovenove Pete simfonije sadrži pikolo flautu, kontrafagot i tri trombona, koji su se ranije koristili samo u operama. R. Wagner dodaje još jednu tubu i povećava broj cijevi na četiri. Wagner je prvenstveno operski kompozitor, ali se istovremeno s pravom smatra izvanrednim simfonistom i reformatorom simfonijskog orkestra.
Želja kompozitora 19.–20. veka. Obogaćivanje zvučne palete dovelo je do uvođenja u orkestar niza instrumenata sa posebnim tehničkim i tembarskim mogućnostima.
Do kraja 19. vijeka. sastav orkestra je doveden do impresivnih i ponekad gigantskih razmjera. Dakle, nije slučajno što se 8. simfonija G. Malera naziva „simfonijom hiljadu učesnika“. U simfonijama i operama R. Strausa pojavljuju se brojne vrste duvačkih instrumenata: alt i bas flaute, bariton oboa (hekelfon), mali klarinet, kontrabas klarinet, alt i bas trube itd.
U 20. veku Orkestar je popunjen uglavnom udaraljkama. Prije toga, uobičajeni članovi orkestra bili su 2–3 timpana, činele, veliki i mali bubnjevi, trokut, rjeđe tambura i tom-tom, zvona i ksilofon. Sada kompozitori koriste set orkestarskih zvona koja stvaraju kromatsku ljestvicu, celestu. U orkestar uvode instrumente kao što su fleksaton, zvona, španske kastanete, drvena kutija koja glasno škljoca, zvečka, kreker (njegov udarac je poput pucnja), sirena, mašina za vjetar i grom, čak i pjevanje slavuj snimljen na posebnoj ploči (koristi se u simfonijskoj poemi italijanskog kompozitora O. Respighija “Pineas of Rome”).
U drugoj polovini 20. veka. Od džeza do simfonijskog orkestra, u simfonijski orkestar dolaze bubnjevi kao što su vibrafon, tomtomi, bongosi, kombinovani set bubnjeva sa čarlstonom (hi-hat) i marakasi.
Što se tiče gudačkih i puhačkih grupa, njihovo formiranje do 1920. godine je u osnovi završeno. U sastavu orkestra ponekad su i pojedini predstavnici grupe saksofona (u djelima Wiesea, Ravela, Prokofjeva), limenog orkestra (korneti u Čajkovskom i Stravinskom), čembalo, domre i balalajke, gitara, mandolina itd. Kompozitori sve više stvaraju. djela za parcijalne kompozicije simfonijskog orkestra: samo za gudače, za gudače i limene, za duvačku grupu bez gudača i udaraljki, za gudače sa udaraljkama.
Kompozitori 20. veka pišu mnogo muzike za kamerni orkestar. Sastoji se od 15–20 žica, jednog duvača, jednog ili dva roga, grupe udaraljki sa jednim izvođačem, harfe (možda klavir ili čembalo). Uz njih se pojavljuju i djela za ansambl solista, gdje je po jedan predstavnik svake vrste (ili nekog od njih). To uključuje kamerne simfonije i drame A. Schoenberga, A. Weberna, Stravinskog suita "Povijest vojnika", djela sovjetskih kompozitora - naših suvremenika M. S. Weinberga, R. K. Gabichvadzea, E. V. Denisova i drugih. Autori se sve više okreću neobičnim spojevima, ili, kako kažu, hitnim. Potrebni su im neobični, rijetki zvuci, jer je uloga tembra u modernoj muzici porasla više nego ikad.
Pa ipak, da bi uvek imali priliku da izvodite muziku, staru, novu i najnoviju, sastav simfonijskog orkestra ostaje stabilan. Savremeni simfonijski orkestar se deli na veliki simfonijski orkestar (oko 100 muzičara), srednji (70–75) i mali (50–60). Na osnovu velikog simfonijskog orkestra, za svako delo je moguće odabrati kompoziciju potrebnu za njegovo izvođenje: jednu za „Osam ruskih narodnih pesama” A.K. Ljadova ili „Gudačku serenadu” Čajkovskog, drugu za grandiozna platna Berlioz, Skrjabin, Šostakovič, za „Petrušku“ » Stravinskog ili vatreni „Bolero“ Ravela.
Kako su muzičari pozicionirani na sceni? U XVIII–XIX vijeku. prve violine su bile lijevo od dirigenta, a druge desno, viole su bile iza prvih violina, a violončela iza druge. Iza gudačke grupe sjedili su u redovima: ispred je bila grupa drvenih duvačkih, a iza nje duvačka grupa. Kontrabasi su se nalazili u pozadini s desne ili lijeve strane. Ostatak prostora bio je posvećen harfama, celesti, klaviru i udaraljkama. Kod nas se muzičari sjede po shemi koju je 1945. uveo američki dirigent L. Stokowski. Prema ovoj shemi, umjesto drugih violina, violončela su postavljena u prvi plan desno od dirigenta; njihovo nekadašnje mjesto sada zauzimaju druge violine.
Simfonijski orkestar vodi dirigent. On ujedinjuje muzičare orkestra i sve njihove napore usmjerava na realizaciju njihovih planova nastupa na probama i na koncertu. Dirigovanje se zasniva na posebno razvijenom sistemu pokreta ruku. Dirigent obično drži palicu u desnoj ruci. Najvažniju ulogu igra njegovo lice, pogled, izrazi lica. Dirigent mora biti visoko obrazovana osoba. Potrebno mu je poznavanje muzike raznih epoha i stilova, orkestarskih instrumenata i njihovih mogućnosti, istančanog sluha i sposobnosti da duboko pronikne u namjeru kompozitora. Talenat izvođača mora biti kombinovan sa organizacionim i pedagoškim sposobnostima.
Drveni duvački instrumenti
Flauta (italijanski flauto, francuska flauta, njemačka flota, engleska flauta)
Flauta je jedan od najstarijih instrumenata na svijetu, poznat u antičko doba - u Egiptu, Grčkoj i Rimu. Od davnina, ljudi su naučili da izvlače muzičke zvukove iz posečene trske zatvorene na jednom kraju. Ovaj primitivni muzički instrument je, očigledno, bio daleki predak flaute. U Evropi su se u srednjem vijeku raširile dvije vrste flauta: ravne i poprečne. Prava flauta, ili "flauta sa vrhom", držana je pravo ispred vas, poput oboe ili klarineta; koso ili poprečno - pod uglom. Pokazalo se da je poprečna flauta održivija, jer ju je bilo lako poboljšati. Sredinom 18. stoljeća konačno je zamijenio direktnu flautu iz simfonijskog orkestra. Istovremeno, flauta je, uz harfu i čembalo, postala jedan od najomiljenijih instrumenata za kućno sviranje. Na flauti su, na primjer, svirali ruski umjetnik Fedotov i pruski kralj Fridrik II.
Flauta je najagilniji instrument grupe drvenih duvačkih instrumenata: po virtuoznosti nadmašuje sve ostale duvačke instrumente. Primer za to je Ravelova baletska svita „Dafnis i Kloa“, gde flauta zapravo deluje kao solo instrument.
Flauta je cilindrična cijev, drvena ili metalna, zatvorena s jedne strane - na glavi. Tu je i bočni otvor za ubrizgavanje zraka. Sviranje flaute zahtijeva veliku potrošnju zraka: prilikom duvanja, dio se lomi na oštroj ivici rupe i izlazi. Ovo dovodi do karakterističnog šištanja, posebno u niskom registru. Iz istog razloga, trajne note i široke melodije teško je svirati na flauti.
Rimski-Korsakov je ovako opisao zvučnost flaute: „Tembar je hladan, najpogodniji za melodije graciozne i lakomislene prirode u duru, i sa dozom površne tuge u molu.
Kompozitori često koriste ansambl od tri flaute. Primjer je ples pastirica iz "Orašara" Čajkovskog..
Oboa (njemački: Oboe)
Oboa je rival flauti u svom antičkom poreklu: ona vuče svoje poreklo od primitivne lule. Od predaka oboe, najrašireniji je bio grčki aulos, bez kojeg stari Heleni nisu mogli zamisliti ni gozbu ni kazališnu predstavu. Preci oboe su u Evropu došli sa Bliskog istoka.
U 17. veku oboa je nastala od bombarde, instrumenta tipa lula, koji je odmah postao popularan u orkestru. Ubrzo je postao koncertni instrument. Skoro jedan vek oboa je bila idol muzičara i ljubitelja muzike. Najbolji kompozitori 17. i 18. stoljeća - Lully, Rameau, Bach, Handel - odali su počast ovom hobiju: Hendl je, na primjer, pisao koncerte za obou, čija težina može zbuniti čak i moderne oboiste. Međutim, početkom 19. stoljeća „kult“ oboe u orkestru pomalo je izblijedio, a vodeća uloga u grupi drvenih duvača prešla je na klarinet.
Po svojoj strukturi, oboa je konusna cijev; na jednom kraju je malo ljevkasto zvonce, a na drugom štap, koji izvođač drži u ustima.
Zahvaljujući nekim karakteristikama dizajna, oboa nikada ne gubi ugađanje. Stoga je postala tradicija da se cijeli orkestar ugađa na to. Pred simfonijskim orkestrom, kada se muzičari okupe na sceni, često možete čuti oboistu kako svira A prve oktave, dok drugi izvođači štimuju svoje instrumente.
Oboa ima fleksibilnu tehniku, iako je u tom pogledu inferiorna u odnosu na flautu. To je više pevački instrument nego virtuozan: njegovo područje su, po pravilu, tuga i elegancija. Tako to zvuči u temi labudova od predaha do drugog čina Labuđeg jezera i u jednostavnoj melanholičnoj melodiji drugog stavka Četvrte simfonije Čajkovskog. Povremeno se oboi dodeljuju "komične uloge": u "Uspavanoj lepotici" Čajkovskog, na primer, u varijaciji "Mačka i mačkica", oboa zabavno imitira mjaukanje mačke.
Fagot (italijanski fagot, njemački fagott, francuski fagot, engleski fagot)
Predak fagota se smatra drevnom bas lulom - bombardom. Fagot koji ga je zamijenio izgradio je kanonik Afranio degli Albonesi u prvoj polovini 16. vijeka. Velika drvena cijev, savijena na pola, podsjećala je na snop drva za ogrjev, što se odražava i u nazivu instrumenta (talijanska riječ fagotto znači „peder“). Fagot je eufonijom tona opčinio svoje savremenike, koji su ga, za razliku od promuklih glasa bombardera, počeli zvati "dolcino" - slatki.
Nakon toga, dok je zadržao svoj vanjski obris, fagot je doživio ozbiljna poboljšanja. Od 17. veka pridružio se simfonijskom orkestru, a od 18. veka - vojnom orkestru. Stožasto drveno bure fagota je vrlo veliko, pa je "presavijeno" na pola. Na vrh instrumenta pričvršćena je zakrivljena metalna cijev na koju se stavlja štap. Tokom sviranja, fagot je okačen na vrpcu sa vrata izvođača.
U 18. veku instrument je uživao veliku ljubav među svojim savremenicima: jedni su ga nazivali „ponosnim“, drugi su ga nazivali „nežnim, melanholičnim, religioznim“. Rimski-Korsakov je na vrlo jedinstven način definisao boju fagota: „Tembar je senilno podrugljiv u duru i bolno tužan u molu.” Sviranje fagota zahtijeva puno disanja, a forte u niskom registru može uzrokovati ekstremni umor izvođača. Funkcije alata su vrlo raznolike. Istina, u 18. stoljeću često su bili ograničeni na podršku gudačkim basovima. Ali u 19. veku, sa Betovenom i Veberom, fagot je postao individualni glas orkestra, i svaki od narednih majstora pronašao je nova svojstva u njemu. Meyerbeer u "Robertu Đavolu" učinio je da fagoti oslikavaju "smrtonosni smeh, od kojeg se mraz vuče niz kožu" (Berliozove riječi). Rimski-Korsakov u “Šeherezadi” (priča o Kalenderu careviču) otkrio je poetskog pripovjedača u fagotu. Fagot posebno često nastupa u ovoj posljednjoj ulozi - što je vjerovatno razlog zašto je Tomas Man nazvao fagot „pticom rugalicom“. Primeri se mogu naći u Humorističkom skercu za četiri fagota i u Prokofjevljevom Petru i vuku, gde je fagotu dodeljena „uloga“ dede, ili na početku finala Šostakovičeve Devete simfonije.
kontrafagot
Sorte fagota su u naše vrijeme ograničene na samo jednog predstavnika - kontrafagot. Ovo je najniži instrument u orkestru. Samo pedalni bas orgulja zvuči niže od ekstremnih zvukova kontrafagota.
Ideja o nastavku ljestvice fagota prema dolje pojavila se jako davno - prvi kontrafagot izgrađen je 1620. godine. Ali bio je toliko nesavršen da ga je sve do kraja 19. veka, kada je instrument poboljšan, vrlo malo koristio: povremeno Hajdn, Betoven, Glinka.
Savremeni kontrafagot je trostruko zakrivljen instrument: njegova dužina u rasklopljenom stanju je 5 m 93 cm (!); po tehnici podsjeća na fagot, ali je manje okretan i ima gustu, gotovo orguljastu boju. Kompozitori 19. veka - Rimski-Korsakov, Brams - obično su se obraćali kontrafagotu da bi pojačali bas. Ali ponekad se za njega pišu zanimljivi solo, Ravel mu je, na primjer, u “Razgovoru između ljepote i zvijeri” (balet “Moja majka guska”) dodijelio glas čudovišta.
Klarinet (italijanski klarinet, njemački klarinet, francuski klarinet)
Dok su oboa, flauta i fagot u orkestru već više od četiri veka, klarinet se čvrsto ustalio tek u 18. veku. Predak klarineta bio je srednjovjekovni narodni instrument - Chalumeau lula. Vjeruje se da je 1690. godine njemački majstor Denner uspio da ga poboljša. Gornji registar instrumenta zadivio je savremenike svojim oštrim i prodornim tembrom - odmah ih je podsjetio na zvuk trube, koji se u to vrijeme zvao "klarino". Novi instrument je nazvan klarineto, što znači "mala truba".
Po izgledu, klarinet podsjeća na obou. To je cilindrična drvena cijev sa zvonom u obliku vjenčića na jednom kraju i vrhom trske na drugom.
Od svih drvenih duvača, samo klarinet može fleksibilno promijeniti jačinu zvuka. Ovaj i mnogi drugi kvaliteti klarineta učinili su njegov zvuk jednim od najizrazitijih glasova u orkestru. Zanimljivo je da su dva ruska kompozitora, koja su se bavila istom radnjom, postupila na potpuno isti način: u obje “Snježane” - Rimskog-Korsakova i Čajkovskog - Lelove pastirske melodije povjerene su klarinetu.
Ton klarineta se često povezuje s mračnim, dramatičnim situacijama. Ovu oblast ekspresivnosti "otkrio" je Weber. U sceni "Wolf Valley" iz "The Magic Shooter" prvi je pogodio koji se tragični efekti kriju u niskom registru instrumenta. Čajkovski je kasnije koristio jeziv zvuk niskih klarineta u Pikovoj dami kada se pojavi duh grofice.
Mali klarinet.
Mali klarinet je u simfonijski orkestar došao iz vojnog puhačkog orkestra. Berlioz ga je prvi upotrebio, poverivši mu iskrivljenu „voljenu temu“ u poslednjem stavu Fantastične simfonije. Wagner, Rimsky-Korsakov i R. Strauss često su se obraćali malom klarinetu. Šostakovich.
Bassethorn.
Krajem 18. veka porodica klarineta obogaćena je još jednim članom: u orkestru se pojavljuje bas horna, drevna vrsta alt klarineta. Bio je veći od glavnog instrumenta, a njegov tembar - miran, svečan i mat - zauzimao je međupoziciju između običnog i bas klarineta. U orkestru je ostao samo nekoliko decenija, a svoj procvat duguje Mocartu. Upravo je za dva baset horna s fagotom napisan početak „Requiema“ (sada su bas horne zamijenjene klarinetima).
Pokušaj oživljavanja ovog instrumenta pod nazivom alt klarinet napravio je R. Strauss, ali se od tada više nije ponovio. Danas su basset horne uključene u vojne bendove.
Bas klarinet.
Bas klarinet je najupečatljiviji predstavnik porodice. Sagrađena krajem 18. veka, stekla je jaku poziciju u simfonijskom orkestru. Oblik ovog instrumenta je prilično neobičan: njegovo zvono je savijeno prema gore, poput lule za pušenje, a usnik je postavljen na zakrivljenu šipku - sve to kako bi se smanjila prevelika dužina instrumenta i olakšalo korištenje. Meyerbeer je prvi "otkrio" ogromnu dramatičnu snagu ovog instrumenta. Wagner ga, počevši od Lohengrina, čini stalnim basom drvenih puhača.
Ruski kompozitori su u svom radu često koristili bas klarinet. Tako se sumorni zvuci bas klarineta čuju u 5. sceni “Pikove dame” dok Herman čita Lizino pismo. Sada je bas klarinet stalni član velikog simfonijskog orkestra, a njegove funkcije su vrlo raznolike.
Pregled:
Brass
Saksofon
Tvorac saksofona je izvanredni francusko-belgijski instrumentalni majstor Adolphe Sax. Sax je polazio od teorijske pretpostavke: da li je moguće napraviti muzički instrument koji bi zauzeo međupoziciju između drvenog i limenog duvaća? Nesavršenim vojnim limenim orkestarima Francuske bio je veoma potreban takav instrument, sposoban da kombinuje zvukove bakra i drveta. Za realizaciju svog plana, A. Sachs je koristio novi princip konstrukcije: spojio je konusnu cijev s trskom za klarinet i mehanizmom ventila oboe. Tijelo instrumenta je bilo metalno, vanjski obrisi su podsjećali na bas klarinet; cijev koja je na kraju proširena, snažno savijena prema gore, za koju je štap pričvršćen za metalni vrh savijen u obliku slova "S". Saxova ideja postigla je briljantan uspjeh: novi instrument je zaista postao spona između limenih i drvenih duvača u vojnim bendovima. Štaviše, njegov tembar se pokazao toliko zanimljivim da je privukao pažnju mnogih muzičara. Boja zvuka saksofona istovremeno podsjeća na engleski rog, klarinet i violončelo, ali je snaga zvuka saksofona mnogo veća od snage zvuka klarineta.
Počevši da postoji u vojnim limenim orkestrima Francuske, saksofon je ubrzo uveden u operske i simfonijske orkestre. Veoma dugo - nekoliko decenija - obraćali su mu se samo francuski kompozitori: Thomas ("Hamlet"), Massenet ("Werther"), Bizet ("Arlesienne"), Ravel (instrumentacija "Katrinok na izložbi" Musorgskog) . Tada su u njega vjerovali i kompozitori iz drugih zemalja: Rahmanjinov je, na primjer, saksofonu povjerio jednu od svojih najboljih melodija u prvom dijelu Simfonijskih igara.
Zanimljivo je da se na svom neobičnom putu saksofon morao suočiti i sa mračnjaštvom: u Njemačkoj je u godinama fašizma bio zabranjen kao instrument nearijskog porijekla.
U desetim godinama 20. veka muzičari iz džez ansambala skrenuli su pažnju na saksofon i ubrzo je saksofon postao „kralj džeza“.
Mnogi kompozitori 20. veka cenili su ovaj zanimljiv instrument. Debisi je napisao rapsodiju za saksofon i orkestar, Glazunov je napisao Koncert za saksofon i orkestar, Prokofjev, Šostakovič i Hačaturjan su mu se više puta obraćali u svojim delima.
Horna (italijanski corno, njemački Waldhorn, francuski cor, engleski francuski rog)
Predak modernog roga bio je rog. Od davnina je signal roga najavljivao početak bitke, a u srednjem vijeku i kasnije, sve do početka 18. stoljeća, čuo se tokom lova, takmičenja i svečanih dvorskih ceremonija. U 17. veku lovački rog počinje povremeno da se uvodi u operu, ali tek u sledećem veku postaje stalni član orkestra. I sam naziv instrumenta - rog - podsjeća na njegovu prošlu ulogu: ova riječ dolazi od njemačkog "Waldhorn" - "šumski rog". U češkom se ovaj instrument još naziva šumski rog.
Metalna cijev drevnog roga bila je vrlo duga: kada su se rasklopile, neke su dostizale 5 m 90 cm. Takav instrument je bilo nemoguće držati ravno u rukama; Stoga je cijev roga bila savijena i dobila graciozan oblik, sličan školjki.
Zvuk drevnog roga bio je vrlo lijep, ali se pokazalo da je instrument ograničen u svojim zvučnim mogućnostima: mogao je proizvesti samo takozvanu prirodnu ljestvicu, odnosno one zvukove koji nastaju dijeljenjem stupca zraka zatvorenog u cijev na 2, 3, 4, 5, 6, itd. dijelova. Prema legendi, 1753. godine hornista iz Drezdena Gampel slučajno je stavio ruku u zvono i otkrio da je ugađanje horne palo. Od tada se ova tehnika široko koristi. Zvukovi dobijeni na ovaj način nazivani su “zatvoreni”. Ali bile su dosadne i veoma različite od svetlih otvorenih. Nisu svi kompozitori riskirali da im se često obraćaju, obično se zadovoljavajući kratkim, dobro zvučenim motivima fanfara izgrađenim na otvorenim zvucima.
Godine 1830. izumljen je mehanizam ventila - trajni sistem dodatnih cijevi koji omogućava horni da proizvede punu hromatsku ljestvicu dobrog zvuka. Nakon nekoliko decenija, poboljšani rog konačno je zamenio stari prirodni, koji je Rimski-Korsakov poslednji put koristio u operi "Majska noć" 1878.
Horna se smatra najpoetičnijim instrumentom u duvačkoj grupi. U nižem registru tembar horne je pomalo tmuran, u gornjem je vrlo napet. Rog može pjevati ili polako pripovijedati. Kvartet horni zvuči vrlo tiho - možete ga čuti u "Valceru cvijeća" iz baleta "Orašar" Čajkovskog.
Truba (italijanska tromba, njemačka tromba, francuska tromba, engleska truba)
Od davnina - u Egiptu, na istoku, u Grčkoj i Rimu - nisu prolazili bez trube ni u ratu ni u svečanim vjerskim ili dvorskim ceremonijama. Truba je dio opernog orkestra od njegovog početka; Monteverdijev Orfej je već imao pet truba.
U 17. i prvoj polovini 18. vijeka za trube su napisane vrlo virtuozne i visoke tesiturne dionice, čiji su prototip bile sopranske dionice u vokalnim i instrumentalnim djelima tog vremena. Za izvođenje ovih najtežih dijelova, muzičari iz vremena Purcella, Bacha i Handela koristili su prirodne instrumente uobičajene u to doba sa dugačkom cijevi i posebnim usnikom koji je omogućavao lako izvlačenje najviših tonova. Truba s takvim usnikom zvala se "clarino", a stil pisanja za nju dobio je isto ime u istoriji muzike.
U drugoj polovini 18. veka, sa promenama u orkestarskom pisanju, stil klarina je zaboravljen, a truba je postala prvenstveno instrument fanfara. Bio je ograničen u svojim mogućnostima poput horne, a našao se u još lošijoj poziciji, jer na njemu nisu korišteni “zatvoreni zvukovi” koji proširuju ljestvicu zbog lošeg tembra. Ali tridesetih godina 19. veka, pronalaskom mehanizma ventila, započela je nova era u istoriji cevi. Postao je kromatski instrument i nakon nekoliko decenija zamijenio prirodnu trubu iz orkestra.
Tembar trube nije tipičan za liriku, ali na najbolji mogući način uspijeva u herojstvu. Među bečkim klasicima, trube su bile čisto fanfarski instrument. Često su obavljali iste funkcije u muzici 19. stoljeća, najavljujući početak procesija, marševa, svečanih svetkovina i lova. Wagner je koristio cijevi više od drugih i to na nov način. Njihov se tembar u njegovim operama gotovo uvijek povezuje s viteškom romantikom i herojstvom.
Truba je poznata ne samo po svojoj snazi zvuka, već i po svojoj izvanrednojvirtuozne kvalitete.
tuba (talijanska tuba)
Za razliku od drugih predstavnika puhačke grupe duvačkih instrumenata, tuba je prilično mlad instrument. Sagrađena je u drugoj četvrtini 19. veka u Nemačkoj. Prve tube su bile nesavršene i u početku su se koristile samo u vojnim i baštenskim orkestrima. Tek kada je došla u Francusku, u ruke instrumentalnog majstora Adolpha Saxa, tuba je počela ispunjavati visoke zahtjeve simfonijskog orkestra.
Tuba je bas instrument koji može pokriti najniži opseg limenog orkestra. U prošlosti su njene funkcije obavljale zmija, instrument bizarnog oblika koji mu duguje ime (na svim romanskim jezicima serpent znači „zmija“), zatim bas i kontrabas trombon i ofikleid sa svojim barbarskim tembrom. Ali zvučni kvaliteti svih ovih instrumenata bili su takvi da nisu davali limenom orkestru dobar, stabilan bas. Dok se tuba nije pojavila, majstori su uporno tražili novi instrument.
Dimenzije tube su vrlo velike, njena cijev je duplo duža od cijevi trombona. Dok svira, izvođač drži instrument ispred sebe sa zvonom okrenutim nagore.
Tuba je hromatski instrument. Potrošnja zraka na cijevi je ogromna; ponekad, posebno u forte u niskom registru, izvođač je primoran da mijenja disanje na svaki zvuk. Stoga su sola na ovom instrumentu obično prilično kratke. Tehnički, cijev je pokretna, iako je teška. U orkestru obično služi kao bas u trombon triju. Ali ponekad tuba djeluje kao solo instrument, da tako kažem, u karakternim ulogama. Tako je, orkestrirajući „Slike na izložbi“ Musorgskog u drami „Goveka“, Ravel je bas tubu dodijelio duhovitoj slici zveckanja kolica koja se vuku po cesti. Tuba dio je ovdje upisan u vrlo visokom registru.
Trombon (italijanski, engleski, francuski trombon)
Trombon je dobio ime po italijanskom nazivu za trubu - tromba - sa sufiksom za uvećanje "jedan": trombon doslovno znači "truba". I zaista: trombon je duplo duži od trube. Već u 16. veku trombon je dobio svoju modernu formu i od svog početka bio je hromatski instrument. Puna hromatska ljestvica na njemu se ne postiže ventilskim mehanizmom, već pomoću tzv. backstagea. Karika je duga dodatna cijev, u obliku slova U. Ubacuje se u glavnu cijev i produžava je po želji. U ovom slučaju, visina tona instrumenta se shodno tome smanjuje. Izvođač desnom rukom gura tobogan, a lijevom podupire instrument.
Tromboni su dugo bili "porodica" instrumenata različitih veličina. Ne tako davno, porodica trombona sastojala se od tri instrumenta; svaki od njih odgovarao je jednom od tri glasa hora i dobio je svoje ime: alt trombon, tenor trombon, bas trombon.
Sviranje trombona zahtijeva ogromnu količinu zraka, jer pomicanje tobogana traje duže od pritiskanja ventila na horni ili trubi. Tehnički, trombon je manje okretan od svojih susjeda u grupi: njegova ljestvica nije tako brza i jasna, forte je malo težak, legato je težak. Kantilena na trombonu iziskuje dosta truda od izvođača. Međutim, ovaj instrument ima osobine koje ga čine nezamjenjivim u orkestru: zvuk trombona je snažniji i muževniji. Monteverdi je u operi "Orfej" možda prvi put osetio tragični karakter koji je svojstven zvuku ansambla trombona. A počevši od Glucka, tri trombona su postala obavezna u operskom orkestru; često se pojavljuju na vrhuncu drame.
Trombon trio je dobar u govorničkim frazama. Od druge polovine 19. vijeka trombonska grupa je dopunjena bas instrumentom - tubom. Zajedno, tri trombona i tuba čine kvartet “teških duvačkih”.
Na trombonu je moguć vrlo jedinstven efekat - glisando. Postiže se klizanjem bekstejdža u jednoj poziciji usana izvođača. Ovu tehniku je već poznavao Haydn, koji ju je u svom oratoriju “Godišnja doba” koristio da imitira lavež pasa. U modernoj muzici glisando se koristi prilično široko. Zanimljiv je namjerno zavijanje i grubo glisando trombona u "Plesu sablja" iz baleta "Gayane" Hačaturjana. Zanimljiv je i efekat trombona sa muteom, koji instrumentu daje zlokoban, bizaran zvuk.
Flugelhorn (njemački Flugelhorn, od Flugel - "krilo" i Horn - "rog", "rog")
Limeni muzički instrument. Izvana vrlo podsjeća na trubu ili kornet-klip, ali se od njih razlikuje po široj skali i konusnom otvoru, koji počinje odmah od dijela cijevi za usnik. Ima 3 ili 4 ventila. Koristi se u jazz sastavima, ponekad u simfonijskim orkestrima, rjeđe u limenim orkestrima. Flugelhorne često sviraju trubači, izvodeći potrebne pasuse na ovom instrumentu.
Pregled:
Violina (italijanska violina, francuska violina, engleska violina, njemačka violina, Geige)
Violinu se s pravom naziva potomkom drugih, ranijih žičanih instrumenata.
Prvi gudački instrument, fidel, pojavio se u Evropi u 10. i 11. veku.drugi - zhiga - postao jeomiljeni muzički instrument francuskih ministranata, putujućih pevača i muzičara 12. i 13. veka. Nakon nekog vremena, fideli, rebeci i svirke ustupili su mjesto drevnim violama: viol da gamba, viol da bardone, viol quinton - čije su mjesto, pak, zauzele violine. Pojavljuju se u Francuskoj i Italiji već početkom 16. vijeka, a ubrzo nakon toga se umjetnost izrade lukova raširila širom Evrope. Počele su da se proizvode u Tirolu, Beču, Saksoniji, Holandiji i Engleskoj, ali je Italija bila poznata po najboljim violinama. U Breši i Kremoni - dva mala grada na severoistoku zemlje - pre više od pet vekova radili su izuzetni majstori: Gasparo Bertoloti (nadimak de Salo) u Breši i Andrea Amati u Kremoni. Umjetnost izrade violina prenosila se s generacije na generaciju, a dvije stotine godina porodice Amati, Guarneri i Stradivari stvarale su instrumente koji se i danas smatraju među najboljima.
Oblik violine određen je još u 16. vijeku i od tada se mijenjao samo u detaljima.
Sve što je rečeno o gudačkoj tehnici odnosi se upravo na violinu: ona je najvišepokretni i fleksibilni instrument među gudalskim instrumentima. Njegove tehničke mogućnosti su rasle zajedno sa umetnošću virtuoza kao što su Vitali, Torelli i Corelli u 17. veku,a kasnije - Tartini,Viotti, Spohr, Vietan, Berio, Wieniawski, Sarasate, Ysaï i, naravno, N. Paganini. Savladao je nevjerovatnu umjetnost sviranja dvostrukih nota, akorda, pizzicata i harmonika. Kada su mu na koncertu pukle žice, nastavio je da svira preostale.
Neodoljiv efekat postiže solo violina koja izvodi glavnu temu – kao primer možemo navesti „Šeherezadu” Rimskog-Korsakova.
Uz sve svoje kvalitete, violina je, uz klavir, dugo imala vodeću ulogu među solističkim koncertnim instrumentima.
Pregled:
Bubnjevi
Timpani (italijanski timpani, francuski timbales, njemački Pauken)
Timpani su jedan od najstarijih instrumenata na svijetu. Od antičkih vremena bili su rasprostranjeni u mnogim zemljama: na istoku i u Africi, u Grčkoj, u Rimu i među Skitima. Ljudi su svirali timpane da prate važne događaje u svom životu: praznike i ratove.
Mali, ručni timpani se dugo koriste u Evropi. Srednjovjekovni vitezovi su ih koristili dok su jahali konje. Veliki timpani su u Evropu ušli tek u 15. veku - preko Turske i Mađarske. U 17. veku timpani ulaze u orkestar.
Moderni timpani izgledaju kao veliki bakarni kotlovi na postolju, presvučeni kožom. Koža se čvrsto navlači na kotao pomoću nekoliko šrafova. Udarali su po koži sa dva štapa sa mekim okruglim vrhovima od filca.
Za razliku od drugih udaraljki sa kožom, timpani proizvode zvuk određene visine. Svaki timpan je podešen na određeni ton, pa su orkestri, da bi dobili dva zvuka, u 17. veku počeli da koriste par timpana. Timpani se mogu obnoviti: da bi to učinio, izvođač mora zategnuti ili olabaviti kožu vijcima: što je veća napetost, to je veći ton. Međutim, ova operacija je dugotrajna i rizična tokom izvršenja. Stoga su u 19. vijeku majstori izmislili mehaničke timpane, koji su se mogli brzo podesiti pomoću poluga ili pedala.
Uloga timpana u orkestru je prilično raznolika. Njihovi taktovi naglašavaju ritam drugih instrumenata, formirajući jednostavne ili zamršene ritmičke figure. Brzo izmjenjivanje udaraca oba štapa (tremolo) proizvodi efektivno povećanje zvuka ili reprodukciju grmljavine. Haydn je također prikazao udare groma koristeći timpane u Četiri godišnja doba. Šostakovič u Devetoj simfoniji pravi timpane da imitiraju kanonadu. Ponekad se timpanima dodeljuju mala melodijska sola, kao, na primer, u prvom stavu Šostakovičeve Jedanaeste simfonije.
Mali bubanj (italijanski tamburo (vojska), francuski tambur (vojska), njemački trommel, engleski bočni bubanj)
Mali bubanj je u osnovi vojni instrument. To je ravan cilindar obložen kožom s obje strane. Žice su navučene ispod kože sa donje strane; odgovarajući na udarce palica, daju zvuku bubnja karakterističan zvuk pucketanja. Bubanj zvuči vrlo zanimljivo - tremolo sa dva štapa, koji se može dovesti do ekstremne brzine. Jačina zvuka u takvom tremolu varira od šuštanja do gromoglasnog praska. Uvertira Rosinijeve "Svrake lopovske" počinje kotrljanjem dva bubnja; tupi udarci bubnja čuje se u trenutku pogubljenja Tila Eulenspiegela u simfonijskoj poemi Riharda Štrausa.
Ponekad se žice ispod donje kože bubnja spuste i prestanu da reaguju na udarce štapova. Ovaj efekat je ekvivalentan uvođenju zvuka: mali bubanj gubi snagu zvuka. Ovako to zvuči u plesnoj sekciji „Carevič i princeza” u „Šeherezadi” Rimskog-Korsakova.
Mali bubanj se prvi put pojavio u maloj operi u 19. veku, a isprva je uveden samo u vojnim epizodama. Meyerbeer je bio prvi koji je uveo mali bubanj izvan vojnih epizoda u operama “The Hugenots” i “The Prophet”.
U nekim slučajevima, mali bubanj postaje „glavni lik“ ne samo u velikim simfonijskim epizodama, već iu cijelom djelu. Primeri uključuju „epizodu invazije“ iz Šostakovičeve Sedme simfonije i Ravelovog „Bolera“, gde jedan, a zatim dva bubnja drže ceo ritmički puls muzike.
Bas bubanj (italijanski gran casso, francuski grosse caisse, njemački grobe Trommel, engleski bas bubanj).
Danas postoje dvije vrste bas bubnjeva. Jedan od njih je metalni cilindar velikog promjera - do 72 cm - presvučen kožom s obje strane. Ova vrsta bas bubnja je uobičajena u vojnim bendovima, jazz bendovima i simfonijskim orkestrima u Americi. Druga vrsta bubnja je obruč sa kožom na jednoj strani. Nastao je u Francuskoj i brzo se proširio na simfonijske orkestre u Evropi. Za udaranje po koži bas bubnja koristi se drveni štap s mekim čekićem prekrivenim filcom ili plutom.
Vrlo često su udarci bas bubnja praćeni zvonjavom činela ili se naizmjenično s njima, kao u brzom plesu "U pećini planinskog kralja" iz Griegovog "Peer Gynt". Na bas bubnju je moguća i brza izmjena udaraca - tremolo. Da biste to učinili, koristite štap s dva batina na oba kraja ili štapiće za timpane. Tremolo za bas bubanj Rimksi-Korsakov je vrlo uspješno koristio u instrumentaciji simfonijskog filma Musorgskog "Noć na ćelavoj planini".
U početku se veliki bubanj javljao samo u „turskoj muzici“, ali su ga od početka 19. veka počeli često koristiti u zvučno-reprezentativne svrhe: za imitiranje topovskih udara i udara groma. Betoven je uključio tri velika bubnja u "Bitku kod Vitorije" da bi prikazao topove. U istu svrhu Rimski-Korsakov je koristio ovaj instrument u “Priči o caru Saltanu”, Šostakovič u Jedanaestoj simfoniji, a Prokofjev u osmoj sceni opere “Rat i mir” (početak Borodinske bitke). Istovremeno, veliki bubanj zvuči i tamo gdje nema onomatopeje i posebno često u bučnim,
ksilofon (italijanski ksilofono, francuski ksilofon)
Ksilofon je očigledno nastao kada je primitivni čovek štapom udario o suvi drveni blok i čuo zvuk određenog tona. Mnogi takvi primitivni drveni ksilofoni pronađeni su u Južnoj Americi, Africi i Aziji. U Evropi je od 15. veka ovaj instrument dospeo u ruke putujućih muzičara i tek početkom 19. veka postao je koncertni instrument. Svoj napredak duguje muzičaru iz Mogiljeva, samoukom sviraču cimbala Mihailu Josifoviču Guzikovu.
Zvučno tijelo u ksilofonu su drveni blokovi različitih veličina (ksilon - "drvo" na grčkom, telefon - "zvuk"). Poređane su u četiri reda na pramenovima prostirke. Izvođač ih može smotati i izložiti na poseban sto tokom igre; Sviraju ksilofon sa dva drvena štapa – „kozje noge“. Zvuk ksilofona je suh, škljocajući i oštar. Vrlo je karakteristične boje, pa se njeno pojavljivanje u muzičkom delu obično povezuje sa posebnom zapletom ili posebnim raspoloženjem. Rimski-Korsakov u “Priči o caru Saltanu” povjerava ksilofonu pjesmu “Bilo u bašti ili u povrtnjaku” u trenutku kada vjeverica grize zlatne orahe. Ljadov koristi zvukove ksilofona da prikaže let Baba Jage u malteru, pokušavajući da prenese pucketanje slomljenih grana. Često ton ksilofona izaziva tmurno raspoloženje i stvara bizarne, groteskne slike. Kratke fraze ksilofona u "epizodi invazije" iz Šostakovičeve Sedme simfonije zvuče melanholično.
Ksilofon je veoma virtuozan instrument. Omogućava veću tečnost brzih pasaža, tremola i poseban efekat - glissando: brzo kretanje štapa duž šipki.
činele (italijanski piatti, francuske činele, njemačke Becken, engleske činele)
Ploče su bile poznate već u antičkom svijetu i antičkom istoku, ali su Turci bili poznati po posebnoj ljubavi i izuzetnom umijeću izrade. U Evropi su tanjiri postali popularni u 18. veku, nakon rata sa Osmanlijama.
Ploče su velike metalne posude napravljene od legura bakra. Činele su blago konveksne u sredini - ovdje su pričvršćene kožne trake tako da izvođač može držati instrument u rukama. Činele se sviraju stojeći tako da ništa ne ometa njihovu vibraciju i da zvuk slobodno putuje u zraku. Uobičajeni način sviranja na ovom instrumentu je kosi, klizeći udarac jedne činele o drugu - nakon toga se začuje zvonki metalni pljusak koji dugo visi u zraku. Ako izvođač želi da zaustavi vibraciju činela, on ih prinosi svojim grudima i vibracije prestaju. Često kompozitori prate tresak činela uz grmljavinu bas bubnja; ovi instrumenti često zvuče zajedno, kao, na primjer, u prvim taktovima finala 4. simfonije Čajkovskog. Osim kosog udarca, postoji još nekoliko načina sviranja činelama: kada se, na primjer, u slobodno visi činele udaraju ili timpan štapom ili drvenim štapovima za bubanj.
Simfonijski orkestar obično koristi jedan par činela. U rijetkim slučajevima - kao, na primjer, u Berliozovoj "Pogrebno-trijumfalnoj simfoniji", koriste se tri para ploča.
Trougao (italijanski triahgalo, francuski trokut, njemački trougao, engleski trokut)
Trokut je jedan od najmanjih instrumenata u simfonijskom orkestru. To je čelična šipka savijena u obliku trokuta. Okače ga na žicu i udaraju malom metalnom palicom - čuje se zvonak, vrlo jasan zvuk.
Načini igranja trougla nisu mnogo raznoliki. Ponekad se na njemu proizvodi samo jedan zvuk, ponekad se proizvode jednostavni ritmički obrasci. Zvuči dobro na tremolo trouglu.
Trougao se prvi put pominje u 15. veku. U 18. veku koristio ga je u operi kompozitor Gretri. Tada je trougao postao nepromjenjivi učesnik u "turskom", tj. egzotična muzika koja se pojavljuje uz bas bubanj i činele. Ovu grupu udaraljki koristili su Mocart u “Otmici sa seralja”, Betoven u “Turskom maršu” iz “Ruševina Atine” i neki drugi kompozitori koji su nastojali da reprodukuju muzičku sliku Istoka. Trougao je zanimljiv i po elegantnim plesnim komadima: u „Anitrinom plesu” iz Grigovog „Peer Gynt”, Glinkinom „Valcer-fantazija”.
Zvona (italijanski campanelli, francuski carillon, njemački Glockenspiel)
Zvona su vjerovatno najpoetičniji instrument grupe udaraljki. Njegovo ime potiče od njegove drevne sorte, gdje su zvučno tijelo bila mala zvona podešena na određenu visinu. Kasnije ih je zamijenio set metalnih ploča različitih veličina. Postavljene su u dva reda, poput klavirskih tipki, i montirane u drvenu kutiju. Zvona se sviraju sa dva metalna batina. Postoji još jedna vrsta ovog instrumenta: zvona za klavijaturu. Imaju klavirsku klavijaturu i čekiće koji prenose vibracije sa tipki na metalne ploče. Međutim, ovaj lanac mehanizama ne odražava se baš dobro na njihov zvuk: nije tako sjajan i zvonak kao na običnim zvonima. Međutim, iako su inferiorne u odnosu na čekić zvona u ljepoti zvuka, klavijature su tehnički superiornije. Zahvaljujući klavirskoj klavijaturi, na njima su mogući prilično brzi pasaži i polifoni akordi. Zvona zvona je srebrnasta, nježna i zvonka. One zvuče u Mocartovoj "Čarobnoj fruli" prilikom Papagenovog ulaska, u ariji sa zvonima u Delibesovom "Lakméu", u "Snjeguljici" Rimskog-Korsakova, kada Mizgir, jureći Snjeguljicu, ugleda svjetla krijesnica, u "Zlatni petao" kada Astrolog uđe.
Zvona (italijanski campane, francuski cloches, njemački Glocken)
Od davnina je zvonjava zvona pozivala ljude na vjerske ceremonije i praznike, a najavljivala je i nesreće. Sa razvojem opere, pojavom istorijskih i patriotskih tema u njoj, kompozitori su počeli da uvode zvona u operu. Posebno su bogato zastupljeni zvuci zvona u ruskoj operi: svečana zvonjava u „Ivanu Susaninu“, „Priča o caru Saltanu“, „Pskovčanka“ i „Boris Godunov“ (u sceni krunisanja), alarmantna uzbuna. zvono u "Knezu Igoru", pogrebno zvono u "Borisu Godunovu". Sve ove opere su predstavljale prava crkvena zvona, koja su postavljena iza pozornice u velikim operskim kućama. Međutim, nije svaka operska kuća mogla priuštiti da ima svoj zvonik, pa su kompozitori samo povremeno uvodili mala zvona u orkestar – kao što je to učinio Čajkovski u Uvertiri iz 1812. godine. U međuvremenu, razvojem programske muzike, sve se više javljala potreba za oponašanjem zvonjave zvona u simfonijskom orkestru - pa su nakon nekog vremena nastala orkestarska zvona - komplet čeličnih cijevi obješenih na okvir. U Rusiji se ova zvona zovu italijanska. Svaka od cijevi je podešena na određeni ton; udari ih metalnim čekićem sa gumenom zaptivkom.
Orkestarska zvona koristio je Pučini u operi „Toska“, Rahmanjinov u vokalno-simfonijskoj pesmi „Zvona“. Prokofjev u "Aleksandru Nevskom" zamijenio je cijevi dugim metalnim šipkama.
Tambura
Jedan od najstarijih instrumenata na svetu, tamburina se pojavila u simfonijskom orkestru u 19. veku. Dizajn ovog instrumenta je vrlo jednostavan: u pravilu je to drveni obruč s kožom razvučenom preko jedne strane. Na prorez karika (sa strane) su pričvršćene metalne drangulije, a unutra su nanizana zvončića, na zvjezdastoj vezici. Sve to zazvoni i pri najmanjem podrhtavanju tambure.
Dio tambure, kao i drugi bubnjevi koji nemaju određenu visinu tona, obično se ne ispisuje na štapu, već na posebnom ravnalu, koje se naziva "nit".
Tehnike sviranja tambure su veoma raznolike. Prije svega, to su oštri udarci po koži i udaranje složenih ritmičkih obrazaca po njoj. U tim slučajevima i koža i zvona proizvode zvuk. Kada se snažno udari, tambura oštro zvoni, pri laganom dodiru čuje se lagano zveckanje zvona. Postoji mnogo načina kada izvođač čuje samo jedno zvono. Ovo je brzo podrhtavanje tambure - daje prodoran tremolo; ovo je lagano drmanje; i konačno, spektakularan tren se čuje kada izvođač mokrim palcem pređe preko kože: ova tehnika izaziva živahnu zvonjavu zvona.
Tambura je karakterističan instrument, pa se ne koristi u svakom radu. Obično se pojavljuje tamo gde u muzici treba da oživi Istok ili Španija: u „Šeherezadi” i u „Kapričio španjol” Rimskog-Korsakova, u plesu arapskih dečaka u baletu „Rajmonda” Glazunova, u temperamentnim plesovima Polovci u “Knezu Igoru” Borodina, u “Karmen” Bizea.
kastaneti (španski: castanetas)
Naziv "kastanjete" na španskom znači "mali kesteni". Španija je, najverovatnije, bila njihova domovina; tamo su se kastanjete pretvorile u pravi nacionalni instrument. Kastanjete se izrađuju od tvrdog drveta: ebanovine ili šimšira; kastanjete su u obliku školjki.
U Španiji su se dva para kastaneta koristila za pratnju plesa i pevanja; svaki par je držan zajedno uz pomoć užeta koji je bio zategnut oko palca. Preostali prsti, ostajući slobodni, tapkali su zamršenim ritmovima po drvenim školjkama. Svaka ruka je zahtijevala svoju veličinu kastaneta: u lijevoj ruci izvođač je držao školjke velike jačine, emitovale su niži ton i morale su izvući glavni ritam. Kastanjete za desnu ruku bile su manje; njihov ton je bio viši. Španski plesači i plesači su tečno govorili ovom složenom veštinom, koju su učili od detinjstva. Suvo, razigrano škljocanje kastanjeta uvijek je pratilo temperamentne španske plesove: bolero, seguidillo, fandango.
Kada su kompozitori htjeli da uvedu kastanjete u simfonijsku muziku, osmišljena je pojednostavljena verzija ovog instrumenta - orkestarske kastanjete. To su dva para školjki postavljenih na krajeve drvene ručke. Kada se protresu, čuje se škljocaj - slaba kopija pravih španjolskih kastanjeta.
U orkestru su kastanjete počele da se koriste prvenstveno u muzici španske prirode: u Glinkinim španskim uvertirama "Aragonski lov" i "Noć u Madridu", u "Capriccio Espagnol" Rimskog-Korsakova, u španskim plesovima iz baleta Čajkovskog i u zapadnoj muzici - u "Carmen" od Bizea, u simfonijskim djelima "Iberia" od Debissyja, "Alborada del Gracioso" od Ravela. Neki kompozitori su kastanjete izveli izvan okvira španske muzike: Saint-Saëns ih je koristio u operi Samson i Dalida, Prokofjev - u trećem klavirskom koncertu.
Tam-tam (francuski i italijanski tam-tam, njemački Tam-Tam)
Tam-tam, udarački instrument kineskog porijekla, ima oblik diska sa zadebljanim ivicama. Izrađen je od posebne legure bliske bronzi. Kada se igra tam-tam, tam-tam se okači za drveni okvir i udari maljem sa filcanim vrhom. Tam-tam zvuk je nizak i gust; nakon udarca se dugo širi, čas se uliva, čas udaljava. Ova karakteristika instrumenta i sama priroda njegovog tembra daju mu neku vrstu zlokobne ekspresivnosti. Kažu da je ponekad dovoljan samo jedan tom-tom udar u cijelom komadu da ostavi snažan utisak na publiku. Primjer za to je finale Šeste simfonije Čajkovskog.
U Evropi se tam-tam pojavio tokom Francuske revolucije. Nakon nekog vremena, ovaj instrument je uzet u operski orkestar i od tada se, po pravilu, koristi u tragičnim, „fatalnim” situacijama. Tam-tam udarac označava smrt, katastrofu, prisustvo magijskih moći, prokletstvo, predznak i druge „neobične“ događaje. U "Ruslanu i Ljudmili" tam-tam zvuči u trenutku otmice Ljudmile od strane Černomora, u Mejerbergovom "Robertu Đavolu" - u sceni "uskrsnuća časnih sestara", u "Šeherezadi" Rimskog-Korsakova - u trenutku kada se Sinbadov brod sruši o stijene. Tam-tam taktovi se čuju i u tragičnom vrhuncu prvog stava Šostakovičeve Sedme simfonije.
Claves.
Klaves je udarački instrument kubanskog porekla: to su dva okrugla štapa, svaki dužine 15-25 cm, izrezbareni od veoma tvrdog drveta. Izvođač drži jednu od njih na poseban način u lijevoj ruci - tako da stisnuti dlan djeluje kao rezonator - i udara drugim štapom.
Zvuk klava je oštar, visok, glasno škljoca, kao ksilofon, ali bez određene visine. Visina zvuka zavisi od veličine štapića; Ponekad simfonijski orkestar koristi dva ili čak tri para takvih štapova, različitih veličina.
Frusta.
Frusta se sastoji od dvije drvene daske od kojih jedna ima ručku, a druga je pričvršćena na donjem kraju iznad drške na šarku - kada se naglo zamahne ili uz pomoć zategnute opruge, slobodnim krajem stvara klap protiv drugog. U pravilu se iz frusta izvlače samo pojedinačni forte, fortissimo pops, koji ne slijede često jedan za drugim.
Frusta je udaraljkaški instrument koji nema određenu visinu, pa se njegov dio, kao i dio tambure, ne ispisuje na šipci, već na „žici“.
Frusta je prilično česta u modernim partiturama. Treći stav „Lorelei“ iz Šostakovičeve četrnaeste simfonije počinje sa dva pljeska na ovom instrumentu.
Drveni blok.
Drveni blok je udarački instrument kineskog porijekla. Prije pojavljivanja u sekciji udaraljki simfonijskog orkestra, drveni blok je bio veoma popularan u džezu.
Drveni blok je mali pravougaoni blok od tvrdog drveta sa dubokim, uskim izrezom na prednjoj strani. Tehnika sviranja na drvenom bloku je bubnjanje: zvuk se proizvodi udaranjem u gornju ravan instrumenta štapovima za bubanj, drvenim batovima i štapovima sa gumenim glavama. Rezultirajući zvuk je oštar, visok, karakteristično kliktanje i neodređenog tona.
Kao udarni instrument neodređenog tona, drveni blok se beleži na „žici“ ili kombinaciji lenjira.
Hramski blok, Tartaruga.
Hramski blok je instrument korejskog ili sjevernokineskog porijekla, atribut budističkog kulta. Instrument je okruglog oblika, iznutra je šupalj, sa dubokim usekom u sredini (kao usta koja se smeju), a napravljen je od tvrdog drveta.
Kao i većina drugih „egzotičnih“ udaraljki, hramski blok se prvo proširio u jazz, odakle je ušao u simfonijski orkestar.
Zvuk hramskog bloka je tamniji i dublji od zvuka blisko srodnog drvenog bloka, i ima prilično određenu visinu, tako da pomoću skupa blokova hrama možete dobiti melodijske fraze na njima - na primjer, S. Slonimsky koristio ove instrumente u "Concert buffeu".
Oni sviraju blokove slepoočnice tako što udaraju o gornji poklopac štapovima sa gumenim glavama, drvenim batovima i palicama za bubnjeve.
Ponekad simfonijski orkestar koristi komplete oklopa kornjača, koji su u principu slični sviranju blokova šablona, ali zvuče suvlje i slabije. Ovaj set oklopa kornjače pod nazivom Tartaruga koristio je S. Slonimsky u svom “Concert Buffu”.
Guiro, reko-reko, sapo.
Ovi instrumenti su latinoameričkog porijekla, slični su i po principu dizajna i po načinu sviranja.
Prave se od segmenta bambusa (reco-reco), od sušene bundeve (guiro) ili od drugog šupljeg predmeta koji služi kao rezonator. Na jednoj strani alata napravljen je niz zareza ili zareza. U nekim slučajevima se montira ploča s valovitom površinom. Uz ove zareze se provlači poseban drveni štap, što rezultira visokim, oštrim zvukom s karakterističnim pucketanjem. Najčešća vrsta ovih srodnih instrumenata je guiro. I. Stravinski je prvi uveo ovaj instrument u simfonijski orkestar - u Obredu proljeća. Reco-reco se nalazi u "Concert-bouffeu" Slonimskog, a sapo - instrument sličan reco-reco-u - koristi se u partituri "Tri pjesme Henrija Michauda" W. Lutoslawskog.
Ratchet.
U muzičkim instrumentima raznih naroda nalazi se mnogo zvečke raznih oblika i uređaja. U simfonijskom orkestru, čegrtaljka je kutija koju izvođač rotira na ručki oko zupčanika. Istovremeno, elastična drvena ploča, skačući s jednog zuba na drugi, proizvodi karakterističnu pukotinu.
Maracas, chocalo (tubo), camezo.
Svi ovi instrumenti su latinskoameričkog porijekla. Maracas je okrugla drvena zvečka u obliku jajeta s drškom i punjena sačmom, zrnima, kamenčićima ili drugim rasutim materijalima. Ovi narodni instrumenti se obično prave od kokosa ili šuplje osušene tikve s prirodnom drškom. Marake su veoma popularne u orkestrima plesne muzike i džeza. S. Prokofjev je prvi koristio ovaj instrument u sastavu simfonijskog orkestra ("Ples antilskih devojaka" iz baleta "Romeo i Julija", kantata "Aleksandar Nevski"). Danas se obično koristi par instrumenata - izvođač ih drži u obje ruke i, tresući ih, proizvodi zvuk. Kao i drugi perkusioni instrumenti bez određenog tona, marakasi su notirani na "žici". Po principu proizvodnje zvuka, maracas su bliski chocalosima i camezosima. To su metalni - karirani - ili drveni - cameso cilindri, punjeni, poput marakasa, nekom vrstom zrnastog materijala. Neki modeli imaju bočni zid prekriven kožnom membranom. I cecala i camezo zvuče glasnije i oštrije od marakasa. Također se drže objema rukama, tresu okomito ili horizontalno, ili rotiraju.
Kabatsa.
U početku je ovaj instrument afro-brazilskog porijekla bio popularan u latinoameričkim muzičkim orkestrima, odakle je dobio svoju dalju distribuciju. Izvana, kabatsa podsjeća na dvostruko uvećanu marakasu, prekrivenu mrežom na kojoj su nanizane krupne perle. Izvođač drži instrument u jednoj ruci i ili ga jednostavno udara prstima druge ruke, ili tangencijalnim pokretom dlana skroluje kroz mrežu perli. U potonjem slučaju pojavljuje se šuštavi, duži zvuk, koji podsjeća na zvuk marakasa. Slonimsky je bio jedan od prvih koji je koristio kabatsu u Concert Buffu.
Bongs.
Ovaj instrument je kubanskog porijekla. Nakon modernizacije, bongovi su počeli da se široko koriste u orkestrima plesne muzike, džezu, pa čak i u delima ozbiljne muzike. Bongovi imaju sljedeću strukturu: koža je navučena preko drvenog cilindričnog tijela (visine 17 do 22 cm) i pričvršćena metalnim obručem (zategnutost se podešava iznutra vijcima). Metalni obod ne izdiže se iznad nivoa kože: to je ono što određuje tako karakteristično igranje bongova dlanovima - con le mani ili prstima - con le dita. Dva bonga različitih promjera obično su međusobno povezana zajedničkim držačem. Manji bong zvuči otprilike za trećinu više od šireg. Zvuk bonga je visok, posebno „prazan“ i mijenja se ovisno o mjestu i načinu udara. Zbog toga na svakom instrumentu možete dobiti dva različita tonska zvuka: udarac s ispruženim kažiprstom na rubu ili palcem u sredini - i niži (negdje unutar durske sekunde ili terce) - od udarite cijelim dlanom ili vrhom prsta bliže centru.
Pregled:
Klavir (italijanski piano-forte, francuski klavir; njemački Fortepiano, Hammerklavier; engleski klavir)
Izvor zvuka u klaviru su metalne žice, koje počinju da zvuče kada se udare drvenim čekićima obloženim filcom, a čekići se aktiviraju pritiskom prstiju na tipke.
Prvi klavijaturni instrumenti, poznati već početkom 15. veka, bili su čembalo i klavikord (na italijanskom klavicembalo). Na klavikordu su žice vibrirale metalnim polugama - tangentima, na čembalu - vraninim perjem, a kasnije - metalnim kukicama. Zvuk ovih instrumenata bio je dinamički monoton i brzo je nestajao.
Prvi čekić klavir, nazvan tako jer je svirao i forte i zvuk klavira, najvjerovatnije je sagradio Bartolomeo Cristofori 1709. godine. Ovaj novi instrument brzo je stekao priznanje i nakon mnogih poboljšanja postao je moderni koncertni klavir. Klavir je napravljen za kućnu muziku 1826.
Klavir je nadaleko poznat kao solistički koncertni instrument. Ali ponekad djeluje i kao običan orkestarski instrument. Ruski kompozitori, počevši od Glinke, počeli su da uvode klavir u orkestar, ponekad zajedno sa harfom, da bi ponovo stvorili zvučnost gusla. Ovako se koristi u Bajanovim pesmama u Glinkinim „Ruslan i Ljudmila“, u „Sadku“ i u „Majskoj noći“ Rimskog-Korsakova. Ponekad klavir reprodukuje zvuk zvona, kao u Borisu Godunovu Musorgskog, u orkestraciji Rimskog-Korsakova. Ali ne oponaša uvijek samo druge tembre. Neki kompozitori ga koriste u orkestru kao dekorativni instrument, sposoban da unese zvučnost i nove boje u orkestar. Tako je Debisi napisao partiju za klavir za četiri ruke u simfonijskoj sviti „Proleće“. Konačno, ponekad se posmatra kao vrsta udaraljki sa jakim, suvim tonom. Potresni, groteskni skerco u Šostakovičevoj 1. simfoniji je primjer toga.
Pregled:
Čembalo
Žičani muzički instrument sa klavijaturom. Čembalist je muzičar koji izvodi muzička djela kako na čembalu tako i na njegovim varijantama. Najraniji spomen instrumenta tipa čembalo pojavljuje se u izvoru iz Padove (Italija) iz 1397. godine, a najranija poznata slika nalazi se na oltaru u Mindenu (1425.). Čembalo je ostalo u upotrebi kao solo instrument sve do kraja 18. veka. Nešto duže se koristio za izvođenje digitalnog basa, za pratnju recitativima u operama. UREDU. 1810 je praktično van upotrebe. Oživljavanje kulture sviranja na čembalu počelo je na prijelazu iz 19. u 20. vijek. Čembalo iz 15. vijeka nije sačuvano. Sudeći po slikama, radilo se o kratkim instrumentima sa teškim tijelom. Većina preživjelih čembala iz 16. stoljeća napravljena je u Italiji, gdje je Venecija bila glavni centar proizvodnje. Kopija flamanskog čembala. Imali su 8` registar (rjeđe dva registra, 8` i 4`), i odlikovali su se svojom gracioznošću. Tijelo im je najčešće bilo od čempresa. Napad na ova čembala bio je jasniji, a zvuk oštriji nego kod kasnijih flamanskih instrumenata. Najvažniji centar proizvodnje čembala u sjevernoj Evropi bio je Antwerpen, gdje su predstavnici porodice Ruckers radili od 1579. godine. Njihova čembala imaju duže žice i teže tijelo od talijanskih instrumenata. Od 1590-ih u Antwerpenu su se proizvodila čembala s dva priručnika. Francuski, engleski i nemački čembala iz 17. veka kombinuju karakteristike flamanskih i holandskih modela. Francusko čembalo Preživjelo je nekoliko francuskih dvoručnih čembala s tijelom od oraha. Od 1690-ih u Francuskoj su se proizvodili čembali istog tipa kao i Ruckers instrumenti. Među francuskim majstorima čembala istakla se dinastija Blanchet. Godine 1766. Blanchetovu radionicu je naslijedio Taskin. Najznačajniji engleski proizvođači čembala u 18. vijeku bili su Shudy i porodica Kirkman. Njihovi instrumenti imali su kućište od hrastovine obloženo šperpločom i odlikovali su se snažnim zvukom bogate boje. U Nemačkoj 18. veka, glavni centar proizvodnje čembala bio je Hamburg; među onima koji se proizvode u ovom gradu su instrumenti sa 2` i 16` registrima, kao i sa 3 priručnika. Neobično dugačak model čembala dizajnirao je J. D. Dulken, vodeći holandski majstor 18. stoljeća. U 2. polovini 18. vijeka. Čembalo je počeo da se zamenjuje klavirom. UREDU. 1809. Kompanija Kirkman objavila je svoje posljednje čembalo. Inicijator oživljavanja instrumenta bio je A. Dolmech. Svoje prvo čembalo izgradio je 1896. godine u Londonu i ubrzo otvorio radionice u Bostonu, Parizu i Haslemereu. Moderno čembalo Proizvodnju čembala pokrenule su i pariške kompanije Pleyel i Erard. Pleyel je počeo proizvoditi model čembala s metalnim okvirom koji nosi debele, zategnute žice; Wanda Landowska je osposobila čitavu generaciju čembalista za instrumente ovog tipa. Bostonski majstori Frank Hubbard i William Dowd prvi su kopirali antička čembala.
Pregled:
Orgulje (italijanski organo, francuski orgue, njemački Orgel, engleske orgulje)
Duvački instrument sa klavijaturom - orgulje - poznat je od davnina. U drevnim organima, zrak se pumpao ručno pomoću mijeha. U srednjovekovnoj Evropi orgulje su postale instrument crkvenog bogosluženja. Upravo u duhovnom okruženju 17. stoljeća nastala je orguljaška polifona umjetnost, čiji su najbolji predstavnici bili Frescobaldi, Bach i Handel.
Orgulje su gigantski instrument sa mnogo različitih tonova.
“Ovo je cijeli orkestar, koji u vještim rukama može sve prenijeti, izraziti”, napisao je Balzac o njemu. Zaista, opseg orgulja premašuje opseg svih orkestarskih instrumenata zajedno. Orgulje uključuju mijeh za dovod zraka, sistem cijevi različitih dizajna i veličina (u modernim orguljama broj cijevi dostiže 30.000), nekoliko ručnih klavijatura i nožnu pedalu. Najveće cijevi dosežu visinu od 10 metara ili više, visina najmanjih je 8 milimetara. Ova ili ona boja zvuka zavisi od njihovog uređaja.
Skup cijevi jednog tembra naziva se registar. Velike katedralne orgulje imaju više od stotinu registara: u orguljama katedrale Notre Dame njihov broj dostiže 110. Boja zvukova pojedinih registara podsjeća na tembar flaute, oboe, cor anglais, klarineta, bas klarineta, trube i violončelo. Što su registri bogatiji i raznovrsniji, to su veće mogućnosti izvođača, jer je umjetnost sviranja orgulja umjetnost dobre registracije, tj. vješto korištenje svih tehničkih sredstava instrumenta.
U modernoj orkestralnoj muzici (posebno pozorišnoj) orgulje su se prvenstveno koristile u zvučno-vizuelne svrhe – gdje je bilo potrebno reproducirati crkvenu atmosferu. List je, na primjer, u simfonijskoj pjesmi “Bitka Huna” koristio orgulje da bi kontrastirao kršćanski svijet sa varvarima.
Pregled:
Harfa - muzički instrument sa trzaljkama. Ima oblik trougla, koji se sastoji od: prvo, rezonantnog kućišta dugačkog približno 1 metar, koje se širi prema dolje; prijašnji joj je oblik bio četverokut, a sadašnji je s jedne strane zaobljen; opremljen je ravnom zvučnom pločom, obično od javorovog drveta, u čiju je sredinu, po dužini tijela, pričvršćena uska i tanka traka od tvrdog drveta, u kojoj su probušene rupe za probijanje žica crijeva; drugo, od gornjeg dijela (u obliku velikog vrata), zmijsko zakrivljeno, pričvršćeno za vrh tijela, tvoreći s njim oštar ugao; Za ovaj dio su pričvršćeni klinovi da ojačaju žice i uštimaju ih; treće, od prednje grede u obliku stuba, čija je svrha da se odupre sili koju proizvode žice istegnute između prsta i rezonantnog tijela. Budući da je harfa već u prošlosti imala značajnu jačinu zvuka (pet oktava), a mjesta za žice pune kromatske ljestvice nije dovoljno, žice u harfi se rastežu samo da bi proizvele zvukove dijatonske ljestvice. Na harfi bez pedale možete svirati samo jednu ljestvicu. Za hromatska podizanja u ranijim vremenima, žice su se morale skratiti pritiskom prstiju na dasku; kasnije je ovo presovanje počelo da se vrši uz pomoć kuka koje su pokretane ručno. Ispostavilo se da su takve harfe izuzetno nezgodne za izvođače; Ove nedostatke je u velikoj meri otklonio mehanizam pedala koji je izumeo Jacob Hochbrucker 1720. godine. Ovaj majstor je za harfu pričvrstio sedam pedala, delujući na provodnike koji su prolazili kroz prazan prostor grede do prsta i tu doveli kuke u takav položaj da oni su, čvrsto prianjajući uz žice, proizveli hromatska poboljšanja po čitavom volumenu instrumenta.
Zanimljivosti o simfonijskom orkestru
Pozivamo vas da se upoznate sa zanimljivim i fascinantnim činjenicama vezanim za simfonijski orkestar, kojih se u njegovoj viševjekovnoj istoriji skupilo dosta. Nadamo se da ćemo ovako zanimljivim informacijama uspjeti iznenaditi ne samo ljubitelje baletne umjetnosti, već i otkriti nešto novo čak i za prave profesionalce u ovoj oblasti.
- Formiranje simfonijskog orkestra odvijalo se tokom nekoliko vekova od malih ansambala i počelo je u 16.-17. veku, kada se pojavljuju novi žanrovi u muzici i zahteva promena grupe izvođača. Potpuno mala kompozicija određena je tek u 18. vijeku.
- Broj muzičara može se kretati od 50 do 110 ljudi, u zavisnosti od komada ili mesta izvođenja. Najveći broj ikada snimljenih izvođača datira iz nastupa u Oslu na stadionu Yllevaal 1964. godine, sa 20.100 ljudi.
- Ponekad možete čuti naziv dvostruki ili trostruki simfonijski orkestar; on je dat brojem puhačkih instrumenata koji su u njemu zastupljeni i označava njegovu veličinu.
- Dao je veliki doprinos razvoju orkestra L. Beethoven , pa se u njegovom stvaralaštvu konačno ustalio klasični ili mali simfonijski orkestar, au kasnijem periodu pojavile su se odlike velike kompozicije.
- Simfonijski orkestar koristi nemački i američki raspored sedenja. Dakle, na ruskom se koristi američki.
- Od svih orkestara na svijetu postoji samo jedan koji bira svog dirigenta i, ako se nešto desi, to može učiniti bilo kada - to je Bečka filharmonija.
- Ima grupa bez konduktera. Po prvi put, ovu ideju su usvojili Persimfans u Rusiji 1922. godine. To je bilo zbog ideologije tog vremena, koja je cijenila timski rad. Kasnije su ovaj primjer slijedili i drugi orkestri, čak i danas u Pragu i Australiji postoje orkestri bez dirigenta.
- Orkestar se ugađa oboom ili viljuškom za podešavanje, a ovaj drugi zvuči sve više i više s vremenom. Činjenica je da je u početku u različitim zemljama zvučalo drugačije. U 18. veku u Nemačkoj je njegov zvuk bio niži od italijanskog, ali viši od francuskog. Vjerovalo se da što je postavka veća, to će zvuk biti svjetliji, a svaki bend tome teži. Zbog toga su mu povećali ton sa 380 Hz (barokno) na 442 Hz u naše vrijeme. Štaviše, ova brojka je postala reper, ali uspevaju i da je premaše na 445 Hz, kao što to rade u Beču.
- Dužnosti dirigenta su do 19. stoljeća uključivale i sviranje čembalo ili violina . Osim toga, nisu imali dirigentsku palicu, takt je tukao kompozitor ili muzičar instrumentom ili klimanjem glavom.
- Prestižni engleski časopis Gramophone, koji je prepoznat kao autoritativno izdanje u oblasti klasične muzike, objavio je listu najboljih orkestara na svijetu, na kojoj su ruske grupe zauzele 14., 15. i 16. poziciju.
Zanimljivo, ali istinito...
Fizičar Albert Ajnštajn, zbunjujući se oko najtežih pitanja, obično je svirao violinu dok nije došlo do rešenja. Onda bi ustao i objavio: „Pa, konačno shvatam šta se ovde dešava!“
Struktura simfonijskog orkestra
Orchestra u staroj Grčkoj pozvao mjesto, namijenjeno za hor(grčki orheomai - ples). Trenutno, orkestar se odnosi na određenu kompoziciju muzičkih instrumenata koji čine organsku cjelinu zasnovanu na dubokom unutrašnjem međusobnom odnosu tembra. Muzička praksa razvila je različite vrste orkestara. Svaki ima određeni sastav alata i različit broj njih. Glavne vrste: opera-simfonija, limeni orkestar, orkestar narodnih instrumenata, džez orkestar.
Simfonijski orkestar, zauzvrat, ima varijante. Kamerni orkestar (10 - 12 osoba) stvorena je za izvođenje antičke muzike po kompoziciji za koju je napisana (Bahovi Brandenburški koncerti, Concerto grosso Vivaldija, Corellija, Hendla). Jezgro kamernog orkestra čini gudačka sekcija sa dodatkom čembala, flaute, oboe, fagota i rogova. Privlačnost kamernom orkestru u modernoj muzici vezuje se ili za traženje novih izražajnih mogućnosti (Šostakovič. Opera „Nos”, 14. simfonija, A. Šnitke. Concerto grosso za dve violine i kamerni orkestar, 1977), ili se objašnjava iz praktičnih razmatranja. Ispostavilo se da su slične okolnosti bile odlučujuće kada je I. Stravinski 1918. stvorio “Priču o vojniku”: “...naša scenska sredstva bila su vrlo oskudna... Nisam vidio drugog izbora nego da se odlučim za kompoziciju koja bi uključivala najkarakterističniji instrumenti visokih i niskih registara. Od gudača - violina i kontrabas, od drvenih - klarinet i fagot, od limenih - truba i trombon i, na kraju, bubnjevi, kojima upravlja jedan muzičar."
Gudački orkestar sastoji se od gudačkog dijela orkestra (Čajkovski. Serenada za gudački orkestar, Onneger. Druga simfonija).
Do kraja 18. stoljeća, kada se završava stvaralački put Haydna i Mocarta i pojavljuju se prve Betovenove simfonije, mali (klasični) orkestar. Njegov sastav:
string group drveni duvački mesing udaraljke
violine I flaute 2 horne 2 – 4 timpana 2 – 3
violine II oboe 2 trube 2
viole klarineti 2
violončelo fagoti 2
kontrabasi
J. Haydn. Simfonija "Sati", dio II
U drugoj polovini 19. veka dobija uporište veliki simfonijski orkestar. Glavna odlika velikog orkestra od malog je prisustvo tri trombona i tube ( kvartet “teškog bakra”. ). Da bi se stvorila dinamička ravnoteža, povećava se broj izvođača u grupi gudača.
Mali orkestar veliki orkestar
violine I 4 konzole 8 – 10 konzola
violine II 3 konzole 7 – 9 konzola
viole 2 konzole 6 konzola
violončela 2 konzole 5 konzola
kontrabasi 1 daljinski upravljač 4 – 5 daljinskih upravljača
U zavisnosti od broja drvenih duvačkih instrumenata, izdvaja se nekoliko kompozicija velikog simfonijskog orkestra.
Dvostruki ili dvostruka kompozicija , u kojem se nalaze po 2 instrumenta svake porodice
Schubert. Simfonija u b-molu.
Glinka. Valcer fantazija.
Chaikovsky. Simfonija br. 1.
trostruki sastav, u kojoj se nalaze 3 instrumenta svake porodice:
Lyadov. Baba Yaga.
Rimski-Korsakov. Opere “Zlatni petao”, “Priča o caru Saltanu”.
Četvorostruka kompozicija : 4 flaute, 4 oboe, 4 klarineta, 4 fagota.
Kako nastaje izuzetak pojedinačna kompozicija:
Prokofjev. Simfonijska bajka "Petar i vuk".
Rimski-Korsakov. Opera "Mocart i Salieri".
Dostupan srednji sastav:
Rimski-Korsakov. "Šeherezada".
Šostakovich. Simfonije 7, 8, 10.
Chaikovsky. Simfonija br. 5. Uvertira "Franceska da Rimini", Romeo i Julija."
Organizacija simfonijskog orkestra sastoji se od kombinovanja srodnih instrumenata u grupe. Ima ih pet:
gudački instrumenti - archi
Duvački instrumenti - fiati (legno)
Limeni instrumenti - ottoni
udaraljke - percussi
Klavijatura i trkački instrumenti.
3. Pronađite podatke o sastavu orkestra u Monteverdijevoj operi "Orfej"