Sadržaj članka
KONCERT(italijanski koncert), jednoglasno ili višedijelno muzičko djelo za jedan ili više solo instrumenata i orkestar. Porijeklo riječi "koncert" nije sasvim jasno. Možda je to povezano sa italijanskim. concertare (“složiti se”, “dogovoriti se”) ili od lat. concertare ("spor", "borba"). Zaista, odnos između solo instrumenta i orkestra na koncertu sadrži elemente i "partnerstva" i "suparništva". Reč "koncert" prvi put je upotrebljena u 16. veku. da se odnosi na vokalno-instrumentalna djela, za razliku od pojma a cappella koji je označavao čisto vokalne kompozicije. Koncerti Giovannija Gabrielija napisani za sv. Marka u Veneciji ili koncerti Lodovica da Viadana i Heinricha Schutza uglavnom su višehorske duhovne kompozicije s instrumentalnom pratnjom. Sve do sredine 17. veka. riječ "koncert" i pridjev "koncert" (concertato ) nastavio da se odnosi na vokalno-instrumentalnu muziku, ali u drugoj polovini ovog veka, prvo u Bolonji, a potom u Rimu i Veneciji, pojavljuju se čisto instrumentalni koncerti.
Barokni koncert.
Do početka 18. vijeka u upotrebu je ušlo nekoliko vrsta koncerata. U koncertima prvog tipa mala grupa instrumenata - concertino (concertino, "mali koncert") - bila je suprotstavljena većoj grupi, koja se, kao i samo djelo, zvala concerto grosso (concerto grosso, "veliki koncert") . Značajna djela ovog tipa uključuju 12 concerto gross (op. 6) Arcangela Corellija, gdje je concertino predstavljen sa dvije violine i violončelom, a concerto grosso širim nizom žičanih instrumenata. Concertino i concerto grosso povezuje basso continuo („trajni bas“), koji je predstavljen pratećom kompozicijom tipičnom za baroknu muziku klavijaturnog instrumenta (najčešće čembalo) i bas gudača. Corellijevi koncerti se sastoje od četiri ili više dijelova. Mnogi od njih po formi liče na trio sonatu, jedan od najpopularnijih žanrova barokne kamerne muzike; drugi, koji se sastoje od niza plesova, više liče na svitu.
Druga vrsta baroknog koncerta komponovana je za solo instrument sa pratećom grupom zvanom ripieno. ili tutti. Takav se koncert obično sastojao od tri dijela, pri čemu je prvi gotovo uvijek bio u obliku ronda: uvodni orkestarski dio (ritornello), u kojem je izložen glavni tematski materijal dijela, ponavljao se u cijelosti ili u fragmentima nakon svakog solo sekcija. Solo dionice su obično davale priliku izvođaču da pokaže svoju virtuoznost. Često su razvijali ritornello materijal, ali su se često sastojali samo od odlomaka ljestvice, arpeđa i sekvenci. Na kraju pokreta, ritornello se obično pojavljuje u svom izvornom obliku. Drugi, spori dio koncerta bio je lirske prirode i komponovan je u slobodnoj formi, ponekad je korištena tehnika "repetitivnog basa". Brzi završni stav je često bio plesnog tipa, au njemu se vrlo često autor vraćao na rondo formu. Antonio Vivaldi, jedan od najpoznatijih i najplodnijih kompozitora italijanskog baroka, napisao je mnoge recitale, uključujući četiri violinska koncerta poznata kao Godišnja doba. Vivaldi ima i koncerte za dva ili više solističkih instrumenata, koji kombinuju elemente oblika solističkog koncerta, concerto grosso, pa čak i treće vrste koncerata - samo za orkestar, koji se ponekad naziva concerto ripieno.
Među najbolje koncerte baroknog doba spadaju Hendlova dela, a njegovih 12 koncerata (op. 6), objavljenih 1740. godine, napravljeno je po uzoru na concerto grosso Corelli, kojeg je Hendl upoznao tokom svog prvog boravka u Italiji. Koncerti I.S. Bacha, uključujući sedam koncerata za klavir, dva za violinu i šest tzv. Brandenburški koncerti, općenito, također slijede model Vivaldijevih koncerata: njih je, kao i djela drugih talijanskih kompozitora, Bach vrlo revnosno proučavao.
Klasični koncert.
Iako su Bahovi sinovi, posebno Carl Philipp Emanuel i Johann Christian, odigrali važnu ulogu u razvoju koncerta u drugoj polovini 18. stoljeća, nisu oni ti koji su žanr podigli na nove visine, već Mocart. U brojnim koncertima za violinu, flautu, klarinet i druge instrumente, a posebno u 23 klavirska koncerta, Mocart, koji je imao neiscrpnu maštu, sintetizirao je elemente baroknog solističkog koncerta ljestvicom i logikom forme klasične simfonije. U kasnijim Mocartovim klavirskim koncertima, ritornel se pretvara u izložbu koja sadrži niz samostalnih tematskih ideja, orkestar i solista su ravnopravni partneri, u solo dionici postiže se neviđen sklad između virtuoznosti i izražajnih zadataka. Čak je i Beethoven, koji je kvalitativno izmijenio mnoge tradicionalne elemente žanra, jasno smatrao način i metodu Mocartovog koncerta idealnim.
Beethovenov Violinski koncert u D-duru (op. 61) počinje proširenim orkestarskim uvodom, gdje su glavne ideje predstavljene u reljefnoj formi sonatnog izlaganja. Uvodna tema ima maršovski izgled, što je tipično za klasični koncert, a kod Beethovena je ta kvaliteta naglašena važnom ulogom timpana. Druga i treća tema su lirskije i ekspanzivnije, ali istovremeno zadržavaju plemenitu sofisticiranost koju daje prva tema. Međutim, kada solista uđe, sve se mijenja. Kao rezultat neočekivanog preokreta, u prvi plan izbijaju sekundarni motivi orkestarske ekspozicije, predstavljeni u briljantnoj teksturi solo instrumenta: svaki element se preispituje i izoštrava. Zatim se solista i orkestar takmiče u razvoju različitih tema, a u reprizi kao partneri ponavljaju glavni tematski materijal. Pred kraj stavka orkestar utihne kako bi solisti omogućio da izvede kadencu, proširenu improvizaciju koja ima za cilj da pokaže virtuoznost i domišljatost soliste (trenutno solisti obično ne improvizuju, već sviraju snimljene kadence drugih autora ). Kadenca se tradicionalno završava trilom, nakon čega slijedi orkestarski završetak. Beethoven, međutim, tjera violinu da se prisjeti druge lirske teme (zvuči u pozadini mirne orkestarske pratnje), a zatim se postepeno kreće do briljantnog zaključka. Drugi i treći stav u Beethovenovom koncertu povezani su kratkim odlomkom nakon kojeg slijedi kadenca, a takva veza još zornije naglašava snažan figurativni kontrast između stavaka. Polagani dio je zasnovan na svečanoj, gotovo himničkoj melodiji, što daje dovoljno prostora za njen vješti lirski razvoj u solističkom dijelu. Finale koncerta napisano je u obliku ronda - to je pokretni, "razigrani" dio u kojem je jednostavna melodija, koja svojim "isjeckanim" ritmom podsjeća na narodne violinske melodije, protkana drugim temama, iako u suprotnosti s rondo refren, ali zadržavajući opći stil plesa.
Devetnaesto stoljece.
Neki kompozitori ovog perioda (na primjer, Chopin ili Paganini) u potpunosti su sačuvali klasičnu formu koncerta. Međutim, usvojili su i Beethovenove inovacije u koncertu, kao što je solistički uvod na početku i integracija kadence u formu stava. Veoma važna karakteristika koncerta u 19. veku. je ukidanje dvostruke izložbe (orkestarske i solo) u prvom dijelu: sada su orkestar i solista zajedno nastupali u izložbi. Takve inovacije su karakteristične za koncerte za klavir Šumana, Bramsa, Griga, Čajkovskog i Rahmanjinova, violinske koncerte Mendelsona, Bramsa, Bruha i Čajkovskog, koncerte za violončelo Elgara i Dvoržaka. Ostale inovacije sadržane su u Listovim klavirskim koncertima i u nekim djelima drugih autora - na primjer, u simfoniji za violu i orkestar. Harold u Italiji Berlioza, u Busonijevom Koncertu za klavir, gdje je predstavljen muški hor. U principu, forma, sadržaj i tehnike tipične za žanr su se veoma malo menjale tokom 19. veka. Koncert se suprotstavio programskoj muzici, koja je u drugoj polovini ovog veka imala snažan uticaj na mnoge instrumentalne žanrove.
Dvadeseti vek.
Umjetničke revolucije koje su se desile tokom prve dvije decenije 20. vijeka. i period nakon Drugog svetskog rata, nisu previše transformisali glavnu ideju i izgled koncerta. Čak ni koncerti tako briljantnih inovatora kao što su Prokofjev, Šostakovič, Kopland, Stravinski i Bartok ne odstupaju daleko (ako uopšte) od osnovnih postavki klasičnog koncerta. Za 20. vek karakteristično je oživljavanje žanra concerto grosso (u djelima Stravinskog, Vaughana Williamsa, Blocha i Schnittkea) i kultiviranje koncerta za orkestar (Bartok, Kodaly, Hindemith). U drugoj polovini veka opstala je popularnost i vitalnost žanra koncerta, a situacija „prošlosti u sadašnjosti” tipična je za različite kompozicije kao što su koncerti Džona Kejdža (za pripremljeni klavir), Sofije Gubajduline ( za violinu), Lou Harrison (za klavir), Philip Glass (za violinu), John Corigliano (za flautu) i György Ligeti (za violončelo).
Sažetak na temu:
Koncert (posao)
Koncert(Italijanski koncert od lat. concertus) - muzička kompozicija pisana za jedan ili više instrumenata, uz pratnju orkestra, kako bi se solistima omogućilo da pokažu virtuoznost u izvođenju. Koncert napisan za 2 instrumenta naziva se dvostrukim, za 3 - trostrukim. U takvim koncertima orkestar je od sekundarnog značaja, a tek u glumi (tutti) dobija samostalan značaj. Koncert na kojem orkestar ima veliki simfonijski značaj naziva se simfonija.
Koncert se obično sastoji od 3 dijela (ekstremni dijelovi su u brzom pokretu). U 18. veku, simfonija u kojoj su mnogi instrumenti mjestimično izvođeni solo zvala se concerto grosso. Kasnije je simfonija, u kojoj je jedan instrument dobio samostalnije značenje u odnosu na druge, postala poznata kao symphonique concertante, concertirende simfonie.
Reč "koncert", kao naziv muzičke kompozicije, pojavila se u Italiji krajem 16. veka. Koncert u tri dela pojavio se krajem 17. veka. Talijan Arcangelo Corelli smatra se osnivačem ovog oblika Koncerta, iz kojeg su nastali 18. i 19. vijek. K. za različite instrumente. Najpopularniji koncerti su violina, violončelo i klavir. Kasnije su koncerte pisali Bah, Mocart, Betoven, Šuman, Mendelson, Čajkovski, Davidov, Rubinštajn, Vioti, Paganini, Vietan, Bruh, Venjavski, Ernst, Serve, Litolf i drugi.
Zove se mali koncert u kojem su dijelovi spojeni concertina.
Koncert klasične muzike naziva se i javni skup u salama sa posebnom zvučnom akustikom, na kojem se izvode brojna vokalna ili instrumentalna djela. U zavisnosti od programa, Koncert dobija naziv: simfonijski (na kome se izvode uglavnom orkestarska dela), duhovni, istorijski (sastavljen od dela iz različitih epoha). Koncert se naziva i akademijom kada su izvođači, i solo i u orkestru, vrhunski umjetnici.
u Koncertu postoje 2 "takmičarske" dionice između soliste i orkestra, to se može nazvati takmičenjem.
Prilikom pisanja ovog članka korišten je materijal iz Enciklopedijskog rječnika Brockhausa i Efrona (1890-1907).
skinutiOvaj sažetak je zasnovan na članku sa ruske Wikipedije. Sinhronizacija je završena 07/10/11 02:41:54
Povezani eseji: Instrumentalni rok, Instrumentalni hip-hop, Instrumentalno pojačalo,
Instrumentalna forma koncerta može se smatrati pravim doprinosom baroka, oličenjem estetskih ideala epohe obilježene naglim promjenama, tjeskobom i neizvjesnošću. Koncert je neka vrsta muzičke igre svjetla i sjene, svojevrsna konstrukcija, gdje je svaka komponenta u suprotnosti sa ostalim dijelovima. Pojavom koncerta rađa se sklonost ka muzičkom pripovedanju, ka razvoju melodije kao svojevrsnog jezika sposobnog da prenese dubinu ljudskih osećanja. Zapravo, etimologija riječi "concertare" dolazi od riječi "natjecati se", "boriti se", iako je razumijevanje značenja ove muzičke forme povezano i sa "consertus" ili "concerere", što znači "usklađivati". , "dovesti u red", "ujediniti" . Etimološka značenja veoma dobro odgovaraju nameni kompozitora, koji su kroz novu formu doprineli neverovatnom napretku muzičkog jezika tog doba.
Povjesničari smatraju da je rođenje instrumentalnog concerto grosso 70-ih godina 17. stoljeća, a njegov pedigre je ili iz vokalno-instrumentalnog koncerta i orguljaške i orkestarske kancone 16.-17. stoljeća, koja mu je po mnogo čemu bliska. , ili iz ansambl sonate koja se razvila u 17. veku. Ovi žanrovi su, uz operu, oličili glavne karakteristike novog muzičkog stila - baroka.
L. Viadana je u predgovoru zbirci svojih koncerata (Frankfurt, 1613.) naglasio da melodija u koncertu zvuči mnogo jasnije nego u motetu, riječi nisu zaklonjene kontrapunktom, a harmonija, podržana generalnim basom organa, nemjerljivo je bogatiji i puniji. Zapravo, istu pojavu opisao je G. Zarlino 1558. godine: „Dešava se da su neki psalmi napisani na način choros pezzato (što sugerira izvođenje „razdvojenog, rastrganog hora” - N. 3.). horovi se često pjevaju u Veneciji za vrijeme večernje i u drugim svečanim satima i raspoređeni su ili podijeljeni u dva ili tri hora, po četiri glasa.
Horovi pjevaju naizmjenično, a ponekad i zajedno, što je posebno dobro na kraju. A kako se takvi horovi nalaze prilično udaljeni jedan od drugog, kako bi se izbjegao nesklad između pojedinih glasova, kompozitor mora pisati tako da svaki hor pojedinačno zvuči dobro... Basovi različitih horova moraju se uvijek kretati u skladu ili oktavi. , ponekad u terci, ali nikad - u kvinti". Pokret basa raznih horova unisono svjedoči o postepenom formiranju homofonije. Paralelno, kontinuirano oponašanje stare polifonije zamjenjuje se principom dinamičkog odjeka, koja je s njim povezana, ali već vodeća u novoj eri - jedan od prvih nepolifonih principa oblikovanja.
Međutim, imitacija je i dalje igrala važnu ulogu u muzičkom razvoju - često nalik na stretta, kao u starom stilu. Uočljivi su rudimenti formi, koji će postati karakteristični za budući concerto grosso. Dvostruka ekspozicija će biti posebno česta u koncertima zasnovanim na plesnim temama, i dok je Corellijevo prvo izlaganje obično solo, početak tutti je popularniji u kasnijem koncertu. Općenito, dvostruke ekspozicije su prirodne za concerto grosso: uostalom, od samog početka slušaocu se moraju predstaviti obje zvučne mase. Očigledan je i najjednostavniji način razvoja - prozivka dvije mase. A konačni tutti treba da sumira "koncertni spor": tako je bilo sa Pretoriusom, tako će biti i sa Bachom, Hendlom, Vivaldijem. Primer iz Benevolijeve mise anticipira formu koncerta ili ritornela koja je dominirala muzikom prve polovine 18. veka. Još uvijek nema konsenzusa o porijeklu ovog oblika.
Njegov pronalazač X. Riemann povezao ga je sa fugom i uporedio ritornello sa temom, a solo primenu sa interludijem. Naprotiv, Schering je, pozivajući se na svjedočenje A. Scheibea (1747), osporio odnos koncertne forme sa fugom i direktno je izveo iz arije s ritornelom. A. Hutchings se, pak, ne slaže sa ovim: on smatra sonatu za trubu i gudački orkestar, koja je postojala u Bolonji krajem 17. veka i koja je, po njegovom mišljenju, imala direktan uticaj na solistički koncert, izvor ovog oblika. Hutchings naglašava da je operska arija s ritornelom tek nakon distribucije koncerta poprimila gotov oblik.
Samo jedno je neosporno: u prvoj polovini 18. stoljeća koncertna forma se nalazi u gotovo svim žanrovima i nije slučajno što je istraživači smatraju glavnim oblikom svog vremena (kao i sonatni oblik u drugom polovina 18. veka). Kao "samostalna formacija između monotematike i klasičnog tematskog dualizma", koncertna forma je pružila i tematsko jedinstvo i potreban stepen kontrasta, a izvođaču je pružila i priliku da pokaže svoje umijeće u solo pasusima. Pa ipak, uz svu svoju novinu, analizirani uzorci direktno proizilaze iz muzike 16. vijeka, prije svega iz kancone, rodonačelnika gotovo svih kasnijih instrumentalnih žanrova. Upravo se u instrumentalnoj kanconi (canzonada sonar) rodio budući sonatni ciklus, počeli su da se kristalizuju oblici kao što su fuga ili trodelna repriza (mnoge kancone su završavale početnom temom); kancone su bile prve od štampanih instrumentalnih kompozicija i, konačno, ovde su po prvi put počele da se porede čisto orkestarske grupe, bez učešća glasova.
Smatra se da je ovaj korak ka novom concerto grossu napravio G. Gabrieli, orguljaš katedrale sv. Marka u Veneciji (od 1584. do 1612.). Postupno, u njegovim kanconama i sonatama, ne samo da se povećava broj instrumenata i zborova, već se javlja i tematski kontrast: na primjer, svečani tutti akordi suprotstavljeni su imitaciji konstrukcije jednog od zborova. Na tom kontrastu će se izgraditi mnogi oblici ranog i srednjeg baroka: iz njega će izrasti čitavi instrumentalni ciklusi, a u nekim dijelovima će se takvi kontrasti, karakteristični za kanconu, zadržati sve do Corellijeve ere, pa i kasnije.
Kroz kanconu je u instrumentalnu muziku baroka prodrla metoda oblikovanja, karakteristična za motet - nizanje epizoda različite tematike.
Općenito, barokna melodija - bilo da je to "mozaik" kancone i rane sonate, ili "beskrajna melodija" Bacha i njegovih savremenika - uvijek ima karakter kretanja naprijed iz nekog impulsa. Različita energija impulsa određuje različito trajanje razmjene, ali kada se inercija iscrpi, mora doći kadenca, kao što se dogodilo u kanconi 17. stoljeća ili u polifonim minijaturama zrelog baroka. BV Asafjev je ovu pravilnost odrazio u čuvenoj formuli i:m:t. Usklađeno raspoređivanje prevazišlo je izolaciju ove formule, promišljajući ritam, pretvarajući ga u impuls za novo raspoređivanje ili ga beskonačno odgađajući uz pomoć uvijek novih lokalnih impulsa i modulacija na razini motivskih struktura (strukturne modulacije - A. Milkyjev termin).
Rijetko se koristi iznenadni kontrast, prenoseći razvoj u drugu ravan. Tako se već u Marinijevoj sonati počinje oblikovati "tehnika postupnog prijelaza" karakteristična za barok: daljnji razvoj izravno slijedi iz prethodnog, čak i ako sadrži kontrastne elemente. Rani barok je od muzike renesanse naslijedio još jedan princip oblikovanja: oslanjanje na ritmičke i intonacijske formule popularnih igara koje su se razvile u svakodnevnoj muzici renesanse.
Treba spomenuti i "komornu" i "crkvenu" sonatu. Prema istoričarima, oba žanra su se konačno oblikovala u drugoj polovini 17. veka, kada je Legrenzi radio. Nazivi žanrova su povezani sa teorijom „stilova“ (u daljem tekstu termin „stil“ u shvatanju 18. veka dajemo pod navodnicima), što je, pak, bilo deo estetike „retoričkog racionalizam" zajednički za svu baroknu umjetnost. (Ovaj termin je predložio A. Morozov u članku "Problemi evropskog baroka").
Retorika se razvila u oratorskoj praksi antičke Grčke i bila je izložena u raspravama Aristotela, a potom i Cicerona. Važno mjesto u retorici pridavali su, prvo, „locitopici“ – „zajednička mjesta“, koji su pomogli govorniku da pronađe, razvije temu i predstavi je jasno i uvjerljivo, poučno, ugodno i dirljivo, i, drugo, „teorije stilova“. “, prema kojem se priroda govora mijenjala u zavisnosti od mjesta, predmeta, sastava publike itd. Za barokne muzičare locitopi su postali skup izražajnih sredstava njihove umjetnosti, način da se individualno osjećanje objektivizira kao poznato i tipično. A kategorija "stil" pomogla je da se shvati raznolikost žanrova i oblika novog vremena, uvela je kriterijume istoricizma u muzičku estetiku (često pod krinkom reči "moda"), objasnila razliku između muzike različitih nacije, izdvojile pojedinačne crte u stvaralaštvu najvećih kompozitora tog doba, odrazile su se na formiranje izvođačkih škola.
Do kraja 17. veka, termini sonata da camera, dachiesa označavali su ne samo i ne toliko mesto izvođenja koliko i prirodu ciklusa, koji je 1703. zabeležio de Brosard, autor jednog od prvih muzičkih rečnika. . U mnogo čemu odgovara opisu Brossara četrdeset osam Corellijevih ciklusa, ujedinjenih u četiri opusa: op. 1 i 3 - crkvene sonate, op. 2 i 4 - komora.<...>Osnovni princip konstrukcije za oba tipa ciklusa je tempo, a često i metrički kontrast. Međutim, u crkvenoj sonati spori dijelovi su obično manje neovisni: služe kao uvod i poveznice s brzim, pa su njihovi tonski planovi često otvoreni.
Ovi spori delovi sastoje se od svega nekoliko taktova ili se približavaju instrumentalnom ariozu, izgrađeni su na neprekidnom pulsiranju klavirskih akorda, sa ekspresivnim kašnjenjima ili na imitaciji, ponekad čak uključuju i nekoliko nezavisnih delova odvojenih cezurama. Brzi dijelovi crkvene sonate obično su fuge ili slobodnije koncertne konstrukcije sa elementima imitacije, a kasnija fuga i koncertna forma mogu se kombinirati u takvom Allegru. U kamernoj sonati, kao i u orkestarskoj ili klavirskoj sviti, stavci su u osnovi tonski zatvoreni i strukturno dovršeni, u njihovim oblicima može se pratiti dalji razvoj elementarnog dvoglasnog i troglasnog stava.
Tematika zvona, a posebno sarabande i gavote, obično je homofona, često simetrična; primetni su rudimenti sonatnog oblika. Naprotiv, alemande i svirke se često kreću bez zaustavljanja i ponavljanja, polifoni elementi su česti u alemandi, a svirka je često prožeta duhom koncertnog izvođenja. Sonate dachiesa i dacamera nisu povezane strogom kompozicijskom shemom.
Svi kamerni koncerti počinju uvodom, nakon čega slijede plesni komadi, samo povremeno "zamijenjeni" sporim uvodima ili koncertnim Allegrom. Crkveni koncerti su svečaniji i ozbiljniji, ali se u njihovim temama s vremena na vrijeme čuju ritmovi svirke, gavota ili menueta. Znatnu konfuziju u žanrovske podele ranog 18. veka unosi takozvani kamerni koncert, koji nije imao ništa zajedničko sa svitom dakamera sonatom i, prema istraživačima, nije nastao u kamernoj, već u crkvenoj muzici. Bolonjske škole.
Riječ je o savremenom i „dvojniku“ takozvane italijanske uvertire – troglasnom koncertu Torelija, Albinonija i Vivaldija, čiji nam je udžbenički opis ostavio I.-I. Quantz. Prvi dio "kamernog koncerta" obično je komponovan u četvorometarskoj, koncertnoj formi; njen ritornello se odlikovao pompom i polifonim bogatstvom; u budućnosti je bio potreban stalni kontrast briljantnih, herojskih epizoda sa lirskim. Drugi, spori dio bio je namijenjen razbuktavanju i smirivanju strasti, u suprotnosti s prvim u metru i tonalitetu (istoimenim molom, tipkama prvog stepena srodstva, molom dominantnim u duru) i dopuštao je određenu dozu uljepšavanja u solističku partiju kojoj su bili podređeni svi ostali glasovi.
Konačno, treći stav je opet brz, ali potpuno drugačiji od prvog: mnogo je manje ozbiljan, često plesni, u trometru; njen ritornel je kratak i pun vatre, ali ne lišen neke koketnosti, generalni karakter je živahan, razigran; umjesto čvrstog polifonog razvoja prvog stavka, postoji lagana homofonska pratnja. Kvantz čak navodi i optimalno trajanje takvog koncerta: prvi dio je 5 minuta, drugi 5-6 minuta, treći 3-4 minute. Od svih ciklusa barokne muzike, troglasni je bio najstabilnija i figurativno zatvorena forma. Međutim, čak i "otac" ove forme, Vivaldi, često varira žanrovske vrste pojedinih delova. Tako, na primjer, u "Drezdenskom" koncertu za dva horna A-dur (u Vivaldijevim sabranim djelima priredio F. Malipiero - tom XII, br. 48) otvara prvi dio trodijelnog ciklusa, dodajući Allegru spori okvir u prirodi francuske uvertire. A u Osmom koncertu iz XI sveske zbirke Malipiero, treći stav, za razliku od opisa Kvanca, je fuga.
Bach ponekad djeluje na sličan način: u Brandenburškom koncertu br. 2 forma ciklusa "modulira" iz trodijelnog u četverodijelni, crkveni, zatvoren fugom. Često se trodijelnom ciklusu takoreći pridružuju dijelovi posuđeni iz suite, crkvene sonate ili operne uvertira. U "Brandenburškom koncertu" br. 1 ovo je menuet i poloneza. A u Violinskom koncertu F-dur H. F. Telemanna, ritornelo formu prvog dijela prati tipičan suiti nastavak: corsicana, allegrezza („veselost“), scherzo, rondo, poloneza i menuet. Modulacija na nivou ciklusa odvija se kroz zajedničku kariku - korzikanu: ide u 3/2 takta, Unpocograve, ali svojom melodijskom neobičnošću i uglatom udaljava od tradicionalnog žanrovskog tipa sporog dijela koncerta. . Dakle, možemo primijetiti povećanu vrijednost "improvizacije".
U međuvremenu, Quantz je, kao i drugi teoretičari tog vremena, smatrao jednom od najvažnijih svojstava concerto grosa „pametnu mješavinu imitacija u koncertnim glasovima“, tako da bi uho privlačilo jedan ili drugi instrument, ali na istovremeno bi svi solisti ostali jednaki. Shodno tome, već tokom Corelli concerto grosso izložena je svojim pandanima - solo i ripple (bez solista) koncertima. Zauzvrat, na solističkom koncertu ponekad se ističu dodatni solisti iz orkestra, na primjer, u prvom dijelu koncerta "Proljeće" op. 8 Vivaldi u prvoj epizodi koja prikazuje pjev ptica, solo violini se pridružuju još dvije violine iz orkestra, a u finalu koncerta uvodi se druga solo violina bez ikakvih likovnih namjera - da obogati teksturu.
Ovaj žanr karakterizira mješavina raznih koncertnih instrumenata u rasponu od dva do osam ili čak više. Quantzov sunarodnik, Mattheson, smatrao je da je broj zabava u concerto grosso pretjeran i takve je koncerte uporedio sa stolom postavljenim ne da utoli glad, već radi pompe i impresivnosti. „Svako može pretpostaviti“, zamišljeno dodaje Mattheson, „da u takvom sporu instrumenata... ne nedostaje slika ljubomore i osvetoljubivosti, glumljene zavisti i mržnje.“ I Quantz i Mattheson potiču iz njemačke koncertogroso tradicije. Schering je ljubav Nijemaca prema mješovitim ansamblima u ovom žanru povezivao sa tradicijom sviranja na duvačkim instrumentima: čak je u srednjovjekovnoj Njemačkoj postojala radionica Stadtpfeifera (gradskih muzičara) koji su svirali u crkvama, na svečanim ceremonijama, na vjenčanjima, a također i davao različite signale sa kula tvrđave ili vijećnice.
Duvački concertino, prema Scheringu, pojavljuje se vrlo rano, gotovo istovremeno sa gudačkim concertinom. Njegov najpopularniji model bio je i trio od dvije oboe i "bas" unison fagota. Ponekad su oboe bile zamijenjene flautama. Široka rasprostranjenost ovakvih kompozicija (uskoro će se pojaviti i dvije trube sa "basom" timpana) pripisuje se ne samo njihovim akustičnim zaslugama i sličnosti sa gudačkim triom, već i autoritetu Lullyja, koji je 70-ih godina prošlog stoljeća 17. vijeka prenio ih je iz francuskih vojnih orkestara u operu. Jukstapozicije tri i pet glasova - čisto dinamički, a ne tembarski - odlično organiziraju i segmentiraju njegove forme. Zapravo, ovo je daljnji razvoj tehnike starog višehorskog koncerta.
Po uzoru na Lullyja, Georg Muffat će koristiti eho-pozive zatvorenih masa u dijelovima svog concertigrossi koji se razvijaju, ovu tehniku neće zanemariti ni Corelli ni njegovi sljedbenici. Međutim, u 18. veku Vivaldi „odbacuje staro shvatanje concertina, koje je zahtevalo stilsko jedinstvo obe zvučne materije, i postavlja novo, diktirano duhom vremena, živopisno i programsko. Sam ovaj princip je već bio poznat venecijanskim operskim kompozitorima. Torelli i Corelli su ga postepeno razvijali u svojim pastoralnim koncertima Vivaldi ga je kombinovao sa poezijom solo koncerata." Kao što se često dešavalo u istoriji muzike, simfonijski stil je od pozorišnog dobio živopisnu programsku interpretaciju orkestra. Zauzvrat, mnoge uvertira operama, oratorijumima i kantatama s početka 18. stoljeća zapravo se ispostavljaju kao concerto grosso ciklusi. Jedna od prvih "italijanskih uvertira" - operi "Eraclea" (1700) A. Scarlattija - trodijelni ciklus "Vivaldi".
Princip jukstapozicije zvučnih masa bio je jedan od temeljnih principa baroknog orkestra, a nije uzalud da se forma ritornela zasnovana na tim jukstapozicijama tako dobro uklopila u sve žanrove. Njegov uticaj se može pratiti čak i u ranim klasicističkim simfonijama (razrjeđivanje teksture u bočnom dijelu, tutti invazije - "ritornellos" itd.), u operama Glucka, Rameaua i braće Graun. A simfonije za dva orkestra, čijim su prozivkama dodane jukstapozicije od njih izolovanih concertinia, napisane su u Italiji još u drugoj polovini 18. veka; u svakodnevnoj i programskoj muzici, Haydn i Mozart su ponekad koristili višehorske.
test
1. Pojam koncerta, specifičnost, klasifikacija
Koncert je posebna zaokružena scenska forma, koja se zasniva na izvođenju, sopstvenim zakonima građenja, sopstvenim umetničkim principima i sopstvenim „uslovima igre“. Svaki od njih ima svoje karakteristike u obliku i sadržaju.
Koncerti su raznih vrsta:
mješoviti (muzički brojevi, umjetničko čitanje, scene sa predstava itd.),
varijanta (lagana vokalna i instrumentalna muzika, humoristične priče, cirkuske predstave, itd.),
muzički,
književni.
Najčešći je diverzioni (kolektivni) koncert, koji može uključivati: pjevanje, muziku, ples, skečeve, parodije i sl. Takav koncert, posebno pozorišni, je scensko djelo i u njemu je najznačajnija uloga. pripada direktoru.
Također koncert - (njemački - "takmičenje") - takmičenje u vještini, njegova demonstracija.
1) Muzičko djelo za jedan ili više solo instrumenata i orkestar.
2) Javno izvođenje muzičkih djela.
3) Javno izvođenje radova malih formi, takmičenja različitih žanrova, vrsta scenskih umjetnosti.
Koncert je možda najpopularniji i najpristupačniji oblik kulturno-prosvjetnog rada, koji ima značajan edukativni potencijal. Osnovna funkcija koncerta je formiranje estetskog ukusa i estetskih osjećaja, upoznavanje sa svijetom ljepote. Konačno, uspješan koncert, bilo profesionalni ili amaterski, uvijek je dobra prilika da se opustite nakon napornog dana, oslobodite umora i stresa i dobijete energiju za radnu sedmicu. Praktična metodologija predviđa niz zahtjeva i uslova koje reditelji treba da uzmu u obzir: visok ideološki sadržaj izvođenog repertoara; njegova umjetnička vrijednost; žanrovska raznolikost, posebno kada je u pitanju koncert za mješovitu publiku; visok kvalitet izvođenja brojeva i epizoda; originalnost izvedenih brojeva, raznovrsnost žanrova; odgovarajući kvalitet dramske osnove i odgovarajući nivo režije.
Koncert je javno izvođenje muzičkih djela po unaprijed utvrđenom programu. U srednjem vijeku koncert je imao muzički i instrumentalni karakter. Mogli su pozvati samo članove aristokratskih, plemićkih porodica. Organizovan je za mali broj gostiju i zatvoren od znatiželjnih očiju. Prvi put su javni koncerti organizovani u drugoj polovini 18. veka i bili su isključivo muzički.
Prvi zabavni koncert, uz uvođenje promišljenog programa, organizovan je u Engleskoj. Održavali su se u pozorištima, pivnicama sa binom i u muzičkim salama hotela. Vrste koncerata su samostalni programi, čija je originalnost određena zadacima, potrebama gledatelja, estetskim potrebama određene publike. Možete definirati glavne vrste koncerata:
1. Solo - koncert jednog izvođača, čija popularnost, u kombinaciji sa dubokim i živim repertoarom, može održati neograničeno interesovanje tokom cele večeri. Solistički koncerti obuhvataju i: koncerte koreografske grupe, hora, jednog ansambla, orkestra, kao jedinstvenog organizma.
2. Koncertni diverzitet - kombinovani, mješoviti. Određuje ga nastup umjetnika različitih žanrova.
3. Akademske, filharmonijske - koncertne organizacije koje imaju za cilj promociju visokoumjetničkih i muzičkih djela (a ponekad i raznih vrsta pop umjetnosti i izvođačkih umjetnosti). Žanrovi koji se izvode na ovakvim koncertima prilično su složeni po formi i sadržaju i zahtijevaju posebnu pripremljenost publike.
4. Kamerni koncerti - (u prijevodu "soba") - prema zvuku repertoara, prema prirodi izvedbe, namijenjeni maloj prostoriji, užem krugu slušatelja.
4. Tematski koncert - koncert jedne dominantne teme. Ona, poput štapa, žica i grupiše sve umjetničke komponente koncerta oko sebe. Ovdje postoje različiti žanrovi.
6. Koncert-revija - (od francuskog "panorama", "recenzija") - osvrt na određenu temu, njenu radnju, njen tok, prikaz brojki raznih žanrova, kombinacija patetičnog i komičnog.
Uobičajeno, pregled se može podijeliti u 2 vrste:
1) Ekstravagancija revije.
2) Komorna revija.
U (1) odlučujući faktor je kombinacija značaja sadržaja sa živopisnom zabavom. Izvođenje revijalne ekstravagancije tipično je za muzičku dvoranu i pop grupe ovog tipa. U revijalnim ekstravagancama glavne komponente su raznovrsni, cirkuski i drugi dramski brojevi, velike grupe, plesne grupe, estradni orkestri. Glavnu ulogu igra muzika. Scena. Rješenje u revijalnoj ekstravaganci odlikuje se efektivnim korištenjem tehničkih mogućnosti pozornice.
7. Estradni koncert - vrhunac zabave, manje pažnje poklanjaju kamernoj muzici, posebno instrumentalnoj i ozbiljnim žanrovima. Dominantno mjesto: pop pjesma, humor, ples.
8. Gala koncert - (francuski "veliki") - posebno svečan, svečan spektakl koji privlači publiku.
9. Predstava - veličanstven spektakl uz učešće estradnih zvijezda, cirkusa, džeza, sporta itd., u kojem zvučne riječi, kao najpotpuniji izraz sadržaja izvedenog djela, ispadaju kao skrivena svita pejzaž, svjetlo, tehničke mogućnosti.
10. Koncert-šatan - zabavni sadržaji sa različitim programima u barovima, restoranima, hotelima, koncertnim dvoranama.
Organizacija koncerata je administrativno-tehnički proces. Sastoji se od nekoliko faza:
2. Razvoj skripte. Direktorska priprema projekta;
3. Pozivnice zvijezda izvođača;
4. Tehnička podrška koncerta;
5. Dekoracija praznika dizajnerskim rješenjima;
6. Administrativna kontrola i razrada transfera izvođača i učesnika.
Razne vrste proslava, predstavljanja albuma omiljenih izvođača, koncertne turneje svjetskih i državnih pop zvijezda, korporativni i državni praznici, sportska nadmetanja okupljaju na desetine hiljada ljudi cijele godine na stadionima, trgovima, koncertnim dvoranama, paradnim terenima. Na organizaciji svakog događaja rade cijeli timovi stručnjaka.
Osnova koncerta su brojke. U zavisnosti od sadržaja, strukture i prirode, razlikuju se sledeće vrste koncerata - diverzantski, tematski, pozorišni i reportažni. Koncerti za diverzitet sastavljeni su od muzičkih numera različitih žanrova. Obično su bez parcele. U klubovima se održavaju tematski koncerti povodom praznika, godišnjica.
Nedavno su široku popularnost stekli pozorišni koncerti - svojevrsni tematski koncerti u kojima se brojevi spajaju u jednu cjelinu. Pozorišni koncert je sinteza različitih muzičkih žanrova. Pozorišni tematski koncerti se dogovaraju u vezi sa velikim događajima političke prirode, značajnim datumima. Oni su dio svečanog sastanka, završetka amaterskih priredbi, muzičkih praznika, muzičkih festivala.
Za razliku od tematskog koncerta, pozorišni koncert osim teme ima svoju jasnu priču. Po pravilu, pozorišni koncert strukturno izgleda ovako: prolog, glavni dio programa koji se sastoji od epizoda i kazališnih brojeva i finala. Programi amaterskih muzičkih dvorana koji kombinuju različite žanrove pop arta postali su široko rasprostranjeni. Izrada takvog programa jedan je od najodgovornijih i najtežih trenutaka u organizaciji koncertne aktivnosti.
"Koncert za fagot i jedanaest gudača" francuskog kompozitora Jeana Francaisa
Instrumentalni koncert nastao je na prijelazu iz 16. u 17. vijek. kao jedan od žanrova crkvene muzike. Za nekoliko stoljeća postojanja prošao je prilično složen put razvoja ...
Utjecaj folklora na razvoj muzičkih emocija kod djece osnovnih škola
Muzika ima snažan emotivni uticaj, budi dobra osećanja u čoveku, čini ga višim, čistijim, boljim, jer u velikoj većini uključuje uzvišene emocije...
Harmonična tekstura sekularne muzike renesanse
Da vidimo šta je faktura. Tekstura je oblik prezentacije muzičkog materijala, koji se očituje i u statici (na primjer, ovaj ili onaj raspored akorda). Tekstura, kao unutrašnja sadržajna strana rada...
Žanrovi ruskog muzičkog folklora
Okrugli ples - kombinacija koreografskog pokreta cijele grupe ljudi sa zajedničkim pjevanjem ansambla. Okrugli plesovi imaju dugu istoriju, tokom koje su se razvijali, ažurirali kako u prirodi koreografije tako iu stilu pevanja...
Muzika kao umetnički stil
Muzika je nastala na nižim nivoima društvenog razvoja, ispunjavajući pretežno utilitarnu ulogu - ritualnu, ritmičnu u radnoj aktivnosti, doprinoseći ujedinjavanju ljudi u jedinstven proces...
Glavne vrste i žanrovi koncerata
Pozorišni koncert, ili, kako se inače naziva, „koncert-performans” („performans-koncert”), organski je spoj različitih vrsta umjetnosti: muzike, književnosti, pozorišta (muzičkog i dramskog), scenske, kinematografske i cirkus...
Klasifikaciju tipova pamćenja prema prirodi mentalne aktivnosti prvi je predložio P.P. Blonsky. Iako sve četiri vrste memorije koje su im dodijeljene ne postoje neovisno jedna od druge, i štoviše, u bliskoj su interakciji...
Glavne metode razvoja muzičke memorije u muzičkoj pedagogiji
Postoji i takva podjela pamćenja na tipove, što je direktno povezano sa karakteristikama same aktivnosti. Dakle, ovisno o ciljevima aktivnosti, pamćenje se dijeli na nevoljno i proizvoljno...
Glavne metode razvoja muzičke memorije u muzičkoj pedagogiji
Većina psihologa prepoznaje postojanje nekoliko nivoa pamćenja, koji se razlikuju po tome koliko dugo svaki od njih može pohraniti informacije. Prvi nivo odgovara senzornom tipu pamćenja...
Karakteristike harmonijskog jezika S.S. Prokofjev
Kultura 20. veka je složena, višestruka i kontradiktorna pojava. Moderna muzička umjetnost je dio ovog stvarno funkcionalnog i razvijajućeg velikog sistema, koji još uvijek nije dovoljno proučen kako u cjelini tako iu svojim sastavnim elementima...
Funkcije muzičke memorije
Postoji nekoliko osnovnih pristupa klasifikaciji memorije...
Specifičnost zvučne supstance kao muzičkog materijala
Ova složenost je pogoršana u muzici diferencijacijom muzičkih profesija i instrumentalnim posredovanjem. Zvučnu materiju koju koristi izvođač i kompozitor nikako ne proizvodi sam muzičar...
Stilske karakteristike instrumentalnih koncerata 18. stoljeća
Klavirski koncerti u djelima A.G. Schnittke
Poznato je da praktično nijedna od Schnittkeovih kompozicija nije mogla bez učešća klavira, iako je prema memoarima Irine Schnittke kompozitor preferirao gudačke instrumente, a "klavir mu nije bio na prvom mjestu" Khairutdinova A.. .
Jezičke odlike bardovske pjesme (na primjeru proučavanja kategorije vremena u djelu Yu. Vizbora)
Kao početnu teorijsku i metodološku osnovu, ovaj rad uzima detaljnu definiciju autorske pjesme, predloženu u monografiji I. A. Sokolove: „Autorska pjesma ... je vrsta pjesme ...
Ciljevi lekcije:
- obrazovni: upoznati učenike sa nastankom i razvojem žanra instrumentalnog koncerta na primjeru koncerta A. Vivaldija "Godišnja doba", konsolidirati ideje o različitim vrstama koncerata, proširiti ideje o programskoj muzici.
- Obrazovni: nastaviti predstavljati najbolje primjere barokne muzike.
- Obrazovni: Negovati emocionalnu osetljivost na percepciju klasične muzike, razvijati interesovanje i poštovanje za muzičko nasleđe kompozitora iz drugih zemalja.
Oprema: multimedijalni projektor, G.P. Sergejeva, E.D. Kritskaya "Muzika" za 6. razred, kreativna sveska za ovaj udžbenik, fonohrestomatija za udžbenik "Muzika" 6. razred, radna sveska, muzički rječnici.
Plan lekcije:
1. Organizacioni momenat.
2. Barokno doba - kompozitori, žanrovi, muzičke slike.
2.1. Razvoj koncertnog žanra u djelu A. Vivaldija.
2.2. Istorija baleta "Godišnja doba".
2.3. Moderni izvođači i izvođačke grupe.
3. Domaći.
TOKOM NASTAVE
1. Organizacioni momenat
Pozdrav u obliku vokalnih napjeva koje izvodi nastavnik:
Zdravo momci, zdravo! (Postepeno kretanje prema gore od prvog koraka do petog prema zvucima toničke trozvuke).
Djeca odgovaraju:
“Zdravo, učitelju, zdravo!” (Potpuno ponavljanje originalne pjesme).
2. Učenje novog gradiva.
Muzika inspiriše ceo svet, daje krila duši, promoviše let mašte,
muzika daje život i zabavu svemu što postoji...
Može se nazvati oličenjem svega lijepog i uzvišenog.
Platon
Učitelj: Već na prvom času muzike u 6. razredu pričali smo o muzičkoj raznolikosti: muzika može biti vokalna i instrumentalna. Tema današnjeg časa je "Instrumentalni koncert". Navedite, molim vas, žanrove instrumentalne muzike i moguće kompozicije izvođača. (Deca imenuju žanr simfonije, koncerta, vokalizacije, pesme bez reči, sonate, svite i izvođačke ansamble - solo muziku, ansambl orkestar). Potražite značenje riječi "Koncert" u muzičkim rječnicima.
(Djeca traže zadatu riječ i čitaju naglas pronađenu definiciju).
student: Koncert (it. concerto od lat. - concerto- takmičim se) zovu se:
1. Javno izvođenje muzičkih djela.
2. Žanr velikog muzičkog dela virtuozne prirode za solistu i orkestar, najčešće pisanog u formi sonatnog ciklusa.
3. Polifona vokalna ili vokalno-instrumentalna muzika zasnovana na poređenju dvije ili više partija. Koncert je izgrađen u tri dijela (brzo - sporo - brzo).
U istoriji muzike postoje koncerti za solo instrument i orkestar, za orkestar bez solista; u ruskoj muzici u 18. veku nastaje žanr duhovnog horskog koncerta.
Učitelj: U udžbeniku (str. 108-110), u slikovnoj seriji, razmatraćemo reprodukcije slike „Proleće” S. Botičelija i reljefe F. Goujona. Kojim umjetničkim stilom muzike biste zvučali ova umjetnička djela? Tema današnjeg časa je "Instrumentalni koncert". Upoznaćete nastanak i razvoj žanra kamerne muzike – instrumentalni koncert. Zapamtite naziv umjetničkog stila u kulturi i umjetnosti evropskih zemalja u periodu od 1600-1750; Djelo kojih kompozitora pripada baroknom dobu. (Deca treba da daju definiciju ove reči iz teme „Slike sakralne muzike Zapadne Evrope“, ime J.S. Bach, udžbenik str. 66). Tačno ste naveli značenje ove riječi. Barok je jedan od najljepših i najprofinjenijih stilova u umjetnosti. Vjerovatno izvedeno iz portugalskog izraza pleurabarocco- biser bizarnog oblika. Zaista, barok je biser u lancu mijenjanja umjetničkih vrijednosti u slikarstvu, arhitekturi, skulpturi, književnosti, muzici.
Za baroknog majstora bilo je važno uhvatiti božansku ljepotu života. Barok kao umjetnički stil karakterizira ekspresivnost, raskoš, dinamika. Barokna umjetnost je nastojala direktno utjecati na osjećaje gledatelja i slušatelja, naglašavajući dramatičnost ljudskih emocionalnih iskustava. Dolaskom baroka muzika je po prvi put u potpunosti pokazala svoje mogućnosti za dubinsko i višestruko utjelovljenje svijeta ljudskih duhovnih iskustava. U prvi plan dolaze muzički i pozorišni žanrovi, prvenstveno opera, što je bilo determinisano karakterističnom baroknom težnjom za dramskim izrazom i kombinacijom različitih vrsta umetnosti. To se manifestovalo i u sferi religiozne muzike, gde su vodeći žanrovi bili duhovni oratorijum, kantata i strasti. Istovremeno, postojala je težnja da se muzika odvoji od reči – do intenzivnog razvoja brojnih instrumentalnih žanrova. Baroknu kulturu predstavljaju najveća dostignuća u likovnoj umjetnosti (Rubens, Van Dyck, Velasquez, Ribera, Rembrandt), u arhitekturi (Bernini, Puget, Coisevox), u muzici (A. Corelli, A. Vivaldi, J.S. Bach, G. F. Handel). Za doba baroka se smatra 1600-1750. Tokom ovog veka i po izmišljene su muzičke forme koje, pretrpevši promene, postoje i danas.
U današnjoj lekciji ćete se upoznati sa ciklusom koncerata „Godišnja doba“ koji predstavlja vrhunac stvaralaštva A. Vivaldija. Antonio Vivaldi je italijanski violinista, kompozitor i pedagog.
Kreativno naslijeđe Vivaldija je izuzetno veliko. Pokriva oko 700 naslova. Među njima je 19 opera. Ali glavni istorijski značaj njegovog rada bio je stvaranje solo instrumentalnog koncerta. U ovom žanru napisano je oko 500 radova. Mnogi od njegovih koncerata napisani su za jednu ili više violina, dva za dvije mandoline, a nekoliko za neobična muzička djela, kao što su dvije violine i dvije orgulje. Komponujući koncerte za žičane instrumente, kompozitor je bio jedan od prvih koji se okrenuo komponovanju muzike za duvačke instrumente, koji su smatrani primitivnim i za kompozitore nezanimljivim. Oboa, rog, flauta i truba zvučali su puno i skladno u njegovom koncertu. Koncert za dvije cijevi A. Vivaldi je napisao po narudžbi. Očigledno, izvođači su želeli da dokažu da se na trubi može svirati lepa i virtuozna muzika. Do sada je izvođenje ovog koncerta dokaz najvišeg umijeća izvođača. Kompozitor je napisao dosta muzike za fagot - više od 30 koncerata za fagot i orkestar. Među duvačkim instrumentima, Vivaldi je posebnu prednost dao flauti sa njenim nežnim, mekim tembrom. U delovima koji su dodeljeni flauti, ona zvuči punim glasom, pokazujući sve njene vrline.
U djelu A. Corellija formiran je concerto grosso (poređenje cijelog ansambla sa više instrumenata). A. Vivaldi je napravio iskorak u odnosu na svog prethodnika: formirao je žanr solističkog koncerta koji se značajno razlikovao po razmjeru razvoja, dinamici i izražajnosti muzike. Kompozicije koncerata smjenjivale su se između solističkih i orkestarskih dijelova, zasnovanih na "dobro organiziranom kontrastu". Princip kontrasta odredio je trostavnu formu koncerta: 1. stavak je brz i energičan; 2. - lirski, melodičan, male veličine; Treći dio je finale, živo i briljantno. Solistički instrumentalni koncert osmišljen je za široku publiku, kojoj su svojstveni elementi zabave, neka teatralnost, manifestovana u nadmetanju soliste i orkestra - u neprestanom izmjenjivanju tutti i solo. To je bio smisao koncerta, muzike.
Ciklus koncerata "Godišnja doba" predstavlja vrhunac stvaralaštva A. Vivaldija.
Predlažem da poslušate 1. dio koncerta. (Zvuči 1. dio, nastavnik ne imenuje ime).
– Uz koje godišnje doba ova muzika može biti povezana? ? (Učenici određuju početnu intonaciju, prirodu muzike, brz tempo, dinamičke kontraste, vizuelne momente - imitacija ptičijeg pjeva, proljeće je).
Svijet u kojem živimo prepun je svih vrsta zvukova. Šuštanje lišća, grmljavina, šum surfa, zvižduk vjetra, predeće mačke, pucketanje zapaljenih drva u kaminu, pjev ptica...
U davna vremena čovjek je shvatio da su zvukovi različiti: visoki i niski, kratki i dugi, prigušeni i glasni. Ali zvuci sami po sebi nisu muzika. A kada je čovek počeo da ih organizuje kako bi izrazio svoja osećanja i misli, nastala je muzika.
Kako možete opisati melodiju? (Mogući odgovori djece: jasno se čuje gdje orkestar svira i gdje zvuči solo violina. Melodija koju svira orkestar; melodija je u duru, vrlo jasna, svijetla, lako pamtljiva, u plesu ritam.Melodija koju izvodi solista je mnogo komplikovanija, virtuozna, lepa, ukrašena muzičkim napjevima, nalik na pjev ptica).
Među muzičarima svih vremena bilo je popularno imitirati glasove ptica. Pjevanje ptica oponašano je u antici, a takve imitacije se još uvijek nalaze u muzičkom folkloru različitih naroda. Mislioci, naučnici, muzičari tražili su porijeklo muzike u pjevanju ptica. "Muzikalnost" mnogih ptica ne prestaje da iznenađuje. Nije ni čudo što je slavuj postao jedan od simbola umetnosti uopšte, a poređenje sa njim je pohvala za pevača. Kompozitori barokne ere napisali su mnogo lepe "ptičje" muzike - "Lasta" K. Dakena, "Zov", "Piletina" F. Rameaua, "Zaljubljeni slavuj" i "Slavuj - pobednik" od F. Couperin, brojne "Kukavice" - Couperin, A. Vivaldi, B. Pasquini, itd. Da li su muzičke teme orkestra i soliste povezane? (Postoji jedan ritam u muzičkim temama, vedro dinamično uzbuđenje, dašak prostora u prirodi, oseća se životna radost).
– Koji je bio najsavršeniji instrument u doba baroka?
Koliko je malo gudačkih instrumenata koristio A. Vivaldi u poređenju sa modernim orkestrima. U originalnoj verziji, prema namjeri kompozitora, ima samo pet žica. Moderni gudački bendovi su počeli kao mali orkestri od pet, zatim deset, dvanaest, četrnaest instrumenata. Violina je najvažniji instrument orkestra, Pepeljuga modernog simfonijskog orkestra. Do sada je to najsavršeniji instrument od svih gudača. Ima divan zvuk i nevjerovatan raspon. Za vreme Vivaldija i Baha napravljeni su najbolji instrumenti u istoriji. U malom italijanskom gradiću Cremona napravljene su prekrasne i unikatne violine. Prisjetimo se imena Stradivarija, Amatija, Gvarnerija. Gradić je bio poznat po svojim zanatlijama. Tokom proteklih tri stotine godina, niko nije uspeo da napravi violine bolje od majstora iz Kremone. A. Vivaldi je u svom radu pokazao sjaj i lepotu zvuka violine kao solo instrumenta.
Muzika je jedna od umjetničkih formi. Poput slikarstva, pozorišta, poezije, on je figurativni odraz života. Svaka umjetnost govori svojim jezikom. Muzika – jezik zvukova i intonacija – ima posebnu emocionalnu dubinu. To je ta emotivna strana koju ste osjetili slušajući muziku A. Vivaldija.
Muzika ima snažan uticaj na unutrašnji svet čoveka. Može donijeti zadovoljstvo ili, naprotiv, izazvati snažnu mentalnu anksioznost, potaknuti na razmišljanje i otvoriti do tada nepoznate aspekte života slušaocu. To je muzika koja je data da izrazi osjećaje koji su toliko složeni da ih je ponekad nemoguće opisati riječima.
Razmislite da li je moguće izvesti balet na ovu muziku? Kada se solista i orkestar takmiče u vještini, oni svakako moraju svirati za publiku. Upravo u toj neprestanoj smenjivanju zvuka orkestra i blistave solo violine, u osećanju teatra i diskusije, u harmoniji i harmoniji muzičke forme, osećaju se karakteristične osobine barokne muzike. Kada ponovo slušate 1. dio koncerta, osluškujte zvučno muzičko tkivo. Melodični glas je kombinovan sa kontinuiranom, strogo definisanom pratnjom. To je razlika u odnosu na djela iz prethodnog perioda, gdje je polifonija imala vodeću ulogu - istovremeno zvučanje nekoliko melodija, jednakih po svom značaju.
Dakle, koncert A. Vivaldija "The Seasons" sastoji se od četiri dijela. Naziv svakog dijela odgovara nazivu sezone. Razvoj muzičke slike svakog stava zasniva se ne samo na poređenju zvuka violine solo i tutti orkestra. U koncertu muzika prati slike poetskih soneta, kojima kompozitor otkriva sadržaj svakog od koncerata ciklusa, tj. postoji program. Postoje sugestije da je sonete napisao sam kompozitor. Osvrnimo se na prijevode soneta, koji su postali svojevrsni koncertni program. U udžbeniku na stranama 110-111 predložene su dvije mogućnosti prijevoda. Koji od njih, po Vašem mišljenju, najtačnije odgovara muzičkoj slici 1. dijela Proljetnog koncerta? Kojim izražajnim sredstvima književni tekst prenosi raspoloženje čovjeka, njegovo psihičko i emocionalno stanje povezano s dolaskom proljeća? A. Vivaldi je, koristeći književni program na svom koncertu, bio osnivač programske muzike. U 19. veku nastaje programska muzika - delo zasnovano na književnoj osnovi.
Programska muzika je vrsta instrumentalne muzike. Riječ je o muzičkim djelima koja imaju verbalni, često poetski program i otkrivaju sadržaj koji je u njemu utisnut. Naslov može poslužiti kao program, ukazujući, na primjer, na fenomene stvarnosti koje je kompozitor imao na umu („Jutro“ E. Griega za dramu G. Ibsena „Peer Gynt“) ili književno djelo koje ga je inspiriralo (“ Romeo i Julija” P. I. Čajkovskog - uvertira - fantazija prema istoimenoj tragediji W. Shakespearea).
Pređimo na udžbenik. Na strani 109. nudi vam se glavna tema 1. dijela koncerta “Proljeće”. Njegov zvuk ću prisjetiti svirajući instrument. Možeš li otpjevati ovu melodiju? Hajde da otpevamo melodiju. Poznavajući sredstva muzičkog izražavanja, okarakterisati ovu muzičku temu (učenici karakterišu melodiju, način, trajanje, tempo, registar, tembar). Da li se ova tema ponavlja? U kojoj je muzičkoj formi (rondo, varijacije) napisan 1. dio koncerta? Koji princip razvoja (ponavljanje ili kontrast) koristi kompozitor u muzici 1. stava? Ima li slikovnih epizoda? Ako postoje, onda utvrdite njihovu neophodnost i potvrdite primjerom iz književnog teksta. Možete li otpjevati melodiju koju izvodi solista? (Teško za izvođenje, virtuozni pasaži, kao nalet vjetra, trilovi ptica). Uporedite sa grafičkim prikazom melodije (uzlazni pokret, kratka trajanja, itd.). Potreba za stvaranjem programske instrumentalne muzike javila se u Italiji još u 17. veku. U tom trenutku, kada su u operi u modu ušle slike herojskih djela i pastoralnih idila, slike podzemlja i prirodnih sila - razbješnjelog mora, šuštanja lišća; orkestru je u takvim scenama dodijeljena dominantna uloga. U poređenju sa instrumentalističkim kompozitorima baroknog doba, A. Vivaldi je otkrio veliki talenat na ovim prostorima. Vivaldi je dugo ostao upamćen zahvaljujući J. S. Bachu, koji je napravio nekoliko transkripcija njegovih djela. Prepisano je šest Vivaldijevih koncerata za klavir i orgulje, za koje se dugo vremena smatralo da ih je napisao sam Bach. Djelo A. Vivaldija imalo je veliki utjecaj na formiranje kreativnog stila J. S. Bacha, posebno na prvi Vivaldijevi koncerti za violinu.
Opet ćete se okrenuti muzici 1. dijela Proljetnog koncerta, ali audicija će biti neobična: slušat ćete i gledati fragment baleta Četiri godišnja doba na muziku A. Vivaldija u postavu vrhunskih Francuza koreograf R. Petit. Balet izvodi trupa iz Marseja.
Predstavu "Godišnja doba" postavili su različiti koreografi na različitu muziku. Mnogi kompozitori su pisali muziku na ovu temu, a to su A. Vivaldi, P.I. Današnja predstava koreografa R. Petita bazirana je na temi Balanchinea. Okrenimo se Baletskoj enciklopediji.
George Balanchine, rođen 1904, američki koreograf. Njegov rad je doprinio formiranju novog pravca u koreografiji. Postavljao je dramske, komične, farsične balete, često zasnovane na jednostavnoj radnji, gdje je radnja razotkrivana pomoću plesa i pantomime; stil baleta umnogome je određivala dekoracija koja je imala određeno značenje. Ovaj pravac u njegovom radu najrazvijeniji je nakon 1934. godine. Balanchine je počeo stvarati balete na muziku koja nije bila namijenjena plesu (suite, simfonije, uključujući koncert Four Seasons). U ovim baletima nema zapleta, sadržaj se otkriva u razvoju muzičkih i koreografskih slika.
Ideja o stvaranju baleta na temu Balanchinea, baleta bez zapleta, neoklasike, plesa radi plesa, posjetila je koreografa. Rezultat te želje je stvaranje baleta Četiri godišnja doba. Roland je impresionistički čovjek koji se predaje impresijama. Zahvaljujući fantastičnoj muzici A. Vivaldija i kreativnoj mašti koreografa, postavljena je današnja predstava. Jedna od karakterističnih osobina R. Petita kao koreografa je jednostavnost i jasnoća koreografskog teksta. R. Petit je osoba koja može stvarati apsolutno u svim pravcima i u svim žanrovima: postavljao je plesove za filmove, mnogo revija za mjuzikle, dramske predstave. Postavljao je predstave u kojima je ples bio nešto božanstveno, nešto što donosi zadovoljstvo i radost onima u gledalištu. R. Petit je osoba koja voli sve lijepo. Za svoju koreografiju uvek se rukovodi samo jednim kriterijumom - lepotom, skladnim spojem muzikalnosti i lepote.
Balet Četiri godišnja doba izvodi se na jednom od najljepših trgova na svijetu, Piazza San Marco u Veneciji. Božanstvena arhitektura trga je scenografija za ovu predstavu. Umjetnici koji izvode performans ušli su u legendu, jer su bili zvijezde 70-ih i 80-ih. Ovo je Domenic Colfuni, Denis Gagno, Louis Gebanino. R. Petit je visoko cijenio njihovu kreativnost i talenat. Konkretno, Domenique Colfuni je jedna od Petitovih omiljenih balerina. D. Kolfuni je bila balerina Pariške nacionalne opere, ali je na zahtev R. Petita otišla u Marsej. Za nju je R. Petit stvorio mnoge predstave, posebno predstavu "Moja Pavlova". Kako je nekada A. Pavlova bila ideal za koreografa M. Fokina, D. Colfuni je postala ista „Pavlova“ za R. Petita. (Gledanje fragmenta baleta "Godišnja doba", "Proljeće").
Interes profesionalnih muzičara za muziku baroknog doba ne prestaje. Godine 1997. poznati italijanski čembalist i poznavalac baroka Andrea Marcon osnovao je Venecijanski barokni orkestar. Ova grupa je za četiri godine stekla slavu kao jedan od najboljih ansambala baroknog instrumentalnog izvođenja, pre svega, kao ubedljivi interpretator muzike Antonija Vivaldija. Brojni koncerti i operske produkcije orkestra u mnogim evropskim zemljama stekli su široko priznanje ne samo među opštom publikom, već i među muzičkim kritičarima. Orkestar je svojim izvedbama dao slušaocima novo čitanje djela A. Vivaldija, F. Cavallija, B. Marcella.
Prošle koncertne sezone održani su koncerti u 28 američkih gradova sa violinistom Robertom McDuffyjem, turneje po Japanu i Koreji uz učešće violiniste Giuliana Carmignola, program djela Antonija Vivaldija izveden je u jednoj od najboljih koncertnih dvorana u Amsterdamu - Concertogebouw. Učestvujući na raznim festivalima u Austriji, Švajcarskoj i Nemačkoj, orkestar je nastupao sa poznatim solisticama kao što su Magdalena Kožena, Cecilija Aartoli, Vivica Đeno, Ana Netrebko, Viktorija Mulova.
Obimna diskografija orkestra osvojila je mnoge prestižne nagrade. Uključuje snimke Vivaldijevih i Locatellijevih koncerata za violinu, album simfonija i koncerata za gudače Vivaldija, mnoga djela kompozitora baroknog doba u izvođenju istaknutih muzičara našeg vremena.
Interes za muziku A. Vivaldija ne prestaje. Njegov stil je prepoznatljiv širokom krugu slušalaca, muzika je jarka i ne gubi boje. Primer za to je apel modernog koreografa R. Petita na muziku Vivaldija i njegova odlična produkcija baleta Četiri godišnja doba, stvaranje novih instrumentalnih orkestara.
Koja je tajna takve popularnosti muzike A. Vivaldija? Slušajući muziku kompozitora iz daleke prošlosti, šta je čoveka činilo srećnim i tužnim? Čemu je težio, o čemu je razmišljao i kako je doživljavao svijet? Muzika A. Vivaldija, muzika prošlosti je razumljiva. Osjećaji, razmišljanja o iskustvu savremenog čovjeka nisu se nimalo promijenili u odnosu na prošlost. To je životna radost, percepcija okolnog svijeta, koja je u Vivaldijevoj muzici pozitivna i životno-potvrđujuća. Koncerti u djelu A. Vivaldija bili su nastavak razvoja žanra instrumentalnog koncerta, dobivši gotovu formu koja je postala uzor sljedećim generacijama evropskih kompozitora.
3. Domaći zadatak: zadatak u kreativnoj svesci na temu "Instrumentalni koncert".